La educación

artística
postmoderna
DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA, PLÁSTICA Y VISUAL

Laura Pérez Fernández, Marta Pérez Pascual, Elena Vázquez Paredes

y Héctor Gallego García
GRUPO 1
ÍNDICE
1. Introducción. ............................................................................................................. 2

2. Marco teórico. ........................................................................................................... 3

3. Metodologías. ......................................................................................................... 13

4. Referentes (personas influyentes en el ámbito) ...................................................... 16

5. Propuesta práctica. .................................................................................................. 22

6. Conclusión. ............................................................................................................. 26

7. Bibliografía y Webgrafía ........................................................................................ 27

 1. Introducción.

A lo largo del documento, vamos a hablar sobre la influencia del posmodernismo en la

educación artística.

Para lo cual, vemos necesario primeramente definir claramente y centrarnos en los

conceptos de educación artística y posmodernismo para poder relacionarlos y centrarnos
en la educación artística posmoderna.

Una vez definidos estos conceptos y tras una explicación breve del marco teórico que
abarca este ámbito, vamos a tratar diversas metodologías a través de las cuales podemos
trabajar la educación artística posmoderna.

Debido a que la mejor manera de transmitir conocimientos y aprendizajes es a través de

lo experiencial y lo práctico, creemos importante basarnos en el trabajo de algunos
referentes artísticos para afianzar los conceptos los conceptos mencionados anteriormente
junto con otros que se desarrollarán en el apartado de marco teórico.

Por último, en el documento, veremos una propuesta práctica que podrá ser aplicada en
el aula y estará basada en el arte posmoderno, la cual ha sido diseñada para poder llevarse
a cabo tanto en Educación Infantil como en Educación Primaria.
 2. Marco teórico.

Antes de comenzar a comentar el marco teórico, vemos conveniente resaltar los

siguientes conceptos:

• Educación Artística: disciplina que estimula el desarrollo de las facultades

sensoperceptivas, intelectuales, motrices, imaginativas y expresivas de todas las
niñas y los niños a través de conocimientos, elementos, actividades y recursos
materiales de las artes plásticas, la música, la danza y el teatro.

• Alfabetización visual (visual literacy): 1969 John Debes, se quería referir a las
competencias que pueden desarrollarse mediante la mirada y otras formas de
experiencia sensorial para discriminar e interpretar las acciones visibles, los
objetos y símbolos que se encuentra en su entorno.

• Multiculturalismo: la educación multicultural surgió a principios de la década

de 1960, fuera del movimiento de derechos civiles, con la intención de reconstruir
el sistema educativo, adaptándolo a los nuevos tiempos y a la diversidad étnica de
los estudiantes.

• Postmodernismo:
o 1. m. Movimiento poético nacido entre el modernismo y las primeras
vanguardias, que rechaza el refinamiento modernista y se propone plasmar
de forma subjetiva el entorno inmediato y la vida cotidiana.
o 2. m. Movimiento arquitectónico surgido hacia mediados de 1960, que se
opone al funcionalismo y al racionalismo modernos y se caracteriza por el
eclecticismo y el gusto por lo kitsch.

En este apartado vamos a tratar los siguientes puntos: la postmodernidad, el

arte postmoderno, la educación artística y, por último, la educación artística
postmoderna. Para así, poder entender mejor de lo que va a tratar el trabajo.
La postmodernidad:

Nos encontramos con el surgimiento de una condición social -la postmodernidad-

donde la economía, la política, la organización y la vida privada se estructuran de forma
diferente a la modernidad. La sociedad postmoderna es la sociedad del saber, de la
ciencia, de los sistemas, propiciado todo ello por la tecnología y por el avance de las
capacidades y posibilidades del hombre; de un hombre que no quiere ya certezas externas,
sino que se basta a si mismo para saber donde se encuentra la verdad. Por otro lado, la
concepción postmoderna de la cultura se localiza en el presente más que en el futuro. Se
estudia el pasado para trazar la genealogía de los problemas del presente. Se combinan
fragmentos del pasado a modo de ‘collage’. Al igual que también se usa para designar el
ambiente y los fenómenos sociológicos que hacen posibles los cambios artísticos. Y
privilegia las diferencias culturales y procesos alternativos de pensamiento, por ejemplo,
las formas de conocimiento femeninas.

La postmodernidad surge de un desencanto de la modernidad y sus movimientos,

para designar los cambios culturales de la sociedad postindustrial. Por tanto, definir
postmodernidad ha comenzado a ser un problema. Porque si se ha caracterizado a la
modernidad por producir estilos que repudian los anteriores, se puede considerar que, al
repudiar la modernidad, la postmodernidad no hace más que prolongar esa tradición
moderna. Por tanto, la postmodernidad no debe ser vista como sucesora de la modernidad
sino como una ruptura con lo anterior.

Los grandes avances tecnológicos y la masiva diseminación de información dan

múltiples opciones a nuevas formas de vida. Algunos críticos de la postmodernidad
señalan el caos en que el avance del progreso ha generado tecnologías incontrolables que
contaminan y destruyen el medio amiente. Al igual que constituyen un mecanismo de
control social y un instrumento privilegiado del poder. Cada día, recibimos, por las
tecnologías, noticias contradictoras que tratan desde hechos concretos hasta posiciones
éticas complejas. Así es que causas tan diversas como el racismo o la conciencia ecológica
de tipo postmoderno, por poner un ejemplo, han sido apoyadas y rectificadas por los
medios (Ahmed, 1992).
 Ante esto, la confianza por la ciencia pierde credibilidad, las verdades científicas
se relativizan pues la ciencia tiene cada vez más dependencia de los contextos sociales.
Se aceptan otras explicaciones -los mitos o leyendas- cuya validez puede ser idéntica o
pareja a la explicación matemática. Por tanto, es esto, una versión más del todo vale.

El arte postmoderno:

El arte postmoderno es posterior al arte moderno. En un periodo de casi 100 años,

la tendencia hacia la abstracción y el imperativo de la originalidad acabo vaciando la
representación de toda referencia a la realidad y dejando el lienzo prácticamente en blanco
y cuando todo se elimina de la representación aparece el arte postmoderno. Lo que viene
tras los años 60, con artistas como Andy Warhol y el arte pop, la marca distintiva del arte
postmoderno no es simplemente su ubicación temporal tras el modernismo, sino algo más
complejo. Los artistas dejan de considerar sus obras como mercancías. En los años 70 se
empieza a celebrar lo impuro, lo mezclado y lo hibrido. En vez del elitismo, reinaba el
pluralismo estético y se abraza la tradición y el pastiche.

Para identificar a algo como arte, el individuo se centra en un objetivo en concreto

como por ejemplo en la belleza, la imagen, las sensaciones o sentimientos que puedan
transmitir, la creatividad o la originalidad. Pero El arte dentro de la postmodernidad
plantea que el individuo se desarrolle en su sociedad presentando sus propias creaciones
artísticas y no solo trabajar con una sola forma de representarla, sino gracias a la
evolución de las artes, puede utilizar nuevas técnicas o medios.

El artista postmoderno es un bricoleur (construye o crea una obra con diversos

materiales de su alrededor), en el sentido de escoger libremente la tradición, combinando
diferentes elementos en un estilo pastiche. Toma la cultura popular, las formas artísticas
populares basadas en la radio, el cine, la televisión o los cómics. El arte postmoderno
comprende varios movimientos como el arte conceptual, el arte performance o el arte de
la instalación, expresándose en las formas más públicas y populares.
 Podemos considerar que los artistas postmodernos se interesan a menudo por:

- Superficie
- Yuxtaposición: poner una cosa junto a otra sin ninguna relación
- Entorno: Regis Gardens
- Ilusión
- Pastiche: imitar abiertamente y combinar de forma que de la impresión de ser una
creación diferente
- Hibridación: proceso de mezclar
- Resignificación: volver a dar significado.

El arte postmoderno se considera como un reflejo de la sociedad, y cada artista

según su modelo estilístico crea su propio arte, crea de acuerdo con sus gustos y a las
necesidades que pretende exponer en la sociedad. El arte hace una especie de comentario
sobre la cultura y se halla enmarcado y condicionado por ella. Los artistas postmodernos
hacen públicas sus motivaciones personales e incorporan símbolos sociales a su trabajo.
De hecho, algunos artistas postmodernos centran su uso del arte como una crítica cultural.

La mejor forma de entender el arte postmoderno es un hípster:

- Un chico del siglo XIX

- Con gafas de hasta que puso de moda Buddy Holly en los 50
- Chaqueta que puede ser de tu abuelo en los 70’
- Gorro de lana, un clásico versionado, talla XXL tipo rastafari
- Pantalones vaqueros, patentado por Davis y Levis Strauss, 20 de mayo de 1873.
- Modelo de zapatillas que se usa desde los años 20.

Todo ello guarda relación porque se combinan cosas como nunca, ya que
pertenecen a épocas diferentes, pero se llevan de forma diferente a como se usaba en su
época. Consiste en mezclar y remezclar creando un significado nuevo. Por tanto, la
postmodernidad bebe del pasado para reinterpretarlo y crear un nuevo presente.
La educación artística:

Primeramente, queremos resaltar la importante relación que tienen la educación y

el arte, ya que son dos conceptos que se complementan. Puesto que educar con el arte y
en el arte es posible principalmente en la infancia. Si los niños y las niñas desarrollaran
sus capacidades, sus actitudes positivas, sus iniciativas y el máximo potencial creativo,
se proporcionaría la formación de personas sensibles, responsables y mejores
organizaciones sociales.

La importancia de la educación artística es que es arte, entendiendo esto como

libertad, sensibilidad, emociones, compañerismo y creatividad. La educación artística,
por tanto, es un medio de expresión para los niños. Y construye un medio y una
herramienta poderosa para la comunicación. Esta educación artística nos lleva al arte y
ese arte puede cambiar el mundo.

Por tanto, la importancia de la educación artística radica en la formación de seres

humanos sensibles, empáticos y creativos. Que desarrollan un importante elemento clave
para la interacción social.

Según Ascensión Moreno (2010), no podemos poner una única concepción de

Educación Artística, por lo menos hay cinco modelos distintos:

- Academicista: se basa en el dibujo como herramienta de representación gráfica.

Recoge la tradición moderna. Pretende desarrollar las habilidades manuales para
conseguir una buena representación del mundo. Pone en acento en la
representación y no tiene en cuenta al sujeto.
- Expresionista: promueve el desarrollo de la expresión y la creatividad a través del
arte. Se desarrolló, sobre todo, después de la Segunda Guerra Mundial.
- Alfabetización visual (o lenguaje visual): entiende que el Arte y las
representaciones visuales funcionan como un lenguaje y que la Educación
Artística ha de consistir en aprender sus reglas como si se tratara de una gramática.
Se desarrolló a partir de los años 70, por influencia de teorías como la semiótica.
 - Educación para la comprensión de la Cultura Visual: nace a finales del siglo XX
ligada a la proliferación de lo visual en el mundo contemporáneo como fenómeno
cultural global y se basa en el desarrollo de la capacidad de analizar y de
interpretar de forma crítica el mundo, desde las representaciones visuales. Este
modelo desarrolla el análisis de ‘lo visual’ pero no se ocupa de la producción
como tal. Es una propuesta intelectual, no de experiencia artística.

La educación artística postmoderna:

La educación artística postmoderna habla de una nueva educación y de proyectos.

Donde los docentes son los tutores de los proyectos que van encaminados a proyectos de
vida, sin segmentar asignaturas, sino que de manera interdisciplinar construyen
estudiantes críticos, capaces de plantear un futuro competente.

La educación artística postmoderna se caracteriza por:

• Interactividad: educación a través de tecnología interactiva.

• Movilidad o capacidad de desarrollar educación en cualquier ambiente.
Mundialización o información sin fronteras ni diferencias.
• Capacidad de transmitir y procesar información entre medios y redes.
• Posibilidad de conexión. Democratización total de la información.

Nos encaminamos hacia un mundo cuya actividad principal estará ligada a la

información. La información requerirá de un gran número de personas formadas, exigirá
saber, y proporcionará un sistema educativo asentado en la eficacia de la transmisión de
las informaciones y en el radicalismo utilitarista de la información. Por tanto, será la
tecnología la que cambie la práctica educativa, modificándose los contenidos, puesto que
el futuro dependerá de la capacidad de innovación, e innovar significa crear, descubrir,
ampliar en definitiva el saber, y aprender a vivir con el cambio. La misión de la educación
es lograr un hombre autosuficiente capaz de crear su futuro.
 El propio Toffler nos advierte que para asumir tales logros será necesarias como
mínimo tres estrategias:

- Cambio en los docentes actuales: la educación no podrá estar solamente en manos

de los maestros, ya que vamos hacia una sociedad educadora y educante.
- Enfoque de conocimientos en orden al futuro: tener una innovación constante y
continua del conocimiento.
- Cambio de contenidos: lenguajes como cultura.

Los maestros deberán de redefinir sus roles y evitar que las nuevas tecnologías
acrecientes las diferencias sociales existentes o creen sus propios marginados. Por ello, el
profesor se convierte también en aprendiz, estableciéndose una relación horizontal y no
jerárquica entre el profesor y el alumno. Ambos, a través del diálogo crítico y del
planteamiento de problemas elaboran y reelaboran el conocimiento. La educación
requiere docentes con intereses multiculturales. Deben trabajar con didácticas que
estimulen inteligencias múltiples, brindando contenidos de formato vivencial, dialogante
y emocional. La metodología debe ser constructivista, favoreciendo el pensamiento
reflexivo, crítico y creativo, y a través de las aplicaciones de las TIC y de recursos web.
Por tanto, la unidireccionalidad del profesor – alumno ya no es válida. El alumno ya no
se limita a asimilar la información, sino que ha de ser crítico, indagador, reflexivo,
investigador y creativo.

Puesto que no es lo mismo tener información que tener conciencia. Podemos

contar con datos informativos, pero no tener claridad mental para analizar lo que está
ocurriendo. Ante esto, el alumno tiene posibilidad de conocer, incluso más que el mismo
docente; por tanto, el docente debe permites colaborar como un ente activo en la
construcción del conocimiento y en la ejecución de su propio aprendizaje, respetando sus
vivencias, información y posibilidades expresivas. El alumno postmoderno puede crear
aprendizajes significativos para su vida y su entorno social. Por eso, es el alumno quien
ha de liderar el proceso de enseñanza – aprendizaje.
 Tal como señala la UNESCO (2008), en el Informe Delors, ‘la educación se ve
obligada a proporcionar las cartas náuticas de un mundo complejo y en perpetua agitación
y, al mismo tiempo, la brújula para poder navegar en él; la educación actual debe basarse
en cuatro pilares fundamentales: aprender a ser, a convivir, a hacer y a conocer, los
alumnos requieren aprender a ser mejores personas, a convivir con la diversidad, a
conocer, pues, que la información es la base fundamental de la era tecnológica, y a
desarrollar praxis concretas en las tareas que la especialización de sus carreras que la
vida requieran’ (cap. IV)

Como indica Aguirre en sus modelos formativos, aparece un nuevo modelo: el

modelo de educación artística postmoderna. Que se basa en los ‘estudios culturales’ y los
‘estudios de la cultura visual’. Este nuevo modelo se fundamenta por la importancia de
lo visual en el mundo contemporáneo; la importancia de la pedagogía cultural; el concept
del arte como un hecho cultural; los cambios de los límites de las artes visuales; y, la
aparición de la cultura visual como un campo de investigación transdisciplinar y
transmetodológico. Aguirre también nos dice que este nuevo modelo tiene unos
propósitos formativos como el estudio del arte y de la cultura visual. Con unas estrategias
metodológicas como representaciones de la cultura visual, artes y narrativa, con
intertextualidad y deconstrucción.

Por otro lado, la Comisión Europea en su Libro Blanco (1995, 29), ante los nuevos
retos de la sociedad de la información propone una primera respuesta centrada en la
cultura general como instrumento de comprensión del mundo: […] la cultura literaria y
filosófica permite discernir, desarrollar el sentido crítico del individuo contra la
ideología dominante y puede proteger mejor al individuo contra la manipulación
permitiéndole descifrar la información que recibe.
 Los principios del currículo postmoderno serían, por tanto:

• El pequeño relato:

o Currículo se ha desplazado desde las tendencias universalizantes de la

modernidad hacia las tendencias pluralizadoras de la postmodernidad

o La preocupación exclusiva por el conocimiento disciplinario basado en

comunidades de eruditos evoluciona hacia un uso mayor del conocimiento
e informantes locales

o Hay una mayor receptividad respecto al arte no occidental, al arte de las

minorías y las mujeres y al arte de la cultura popular. La inclusión de estos
tipos de arte puede describirse como una tendencia general para la
democratización del currículo y alejarlo de las concepciones elitistas del
arte

o Se fusionan el contenido local y los intereses de tipo regional con intereses

de ámbito nacional.

• El vínculo poder – saber:

o Las cuestiones de poder – saber ponen de relieve el impacto de las fuerzas

sociales en las artes y la educación, y los mecanismos por los cuales
validan ciertas formas de conocimiento y marginan a otras

o Ejemplos concretos de cuestiones poder-saber en las decisiones

arquitectónicas, el diseño industrial, l historia, la crítica del arte y las
artesanías

o El elitismo y el igualitarismo se presentan como un conflicto de validación

del saber entre grupos sociales dominantes y menos dominantes

o En la crítica del arte las cuestiones del lenguaje son particularmente

sensibles. El discurso crea los significados y valores derivados de las obras
de arte.
• Deconstrucción:

o Los críticos deconstructivistas alteran la función de elucidación de las

obras de arte tradicionalmente asignada a la crítica, en su búsqueda de
sentido en una cultura en la que los significados de las imágenes y las
palabras no son fijos

o Se tiende cada vez as a una crítica orientada hacia el lector o espectador,

alejada del modelo de critica orientada hacia el escritos o artista

o Los medios de arte postmodernos valoran el collage, el montaje y el

pastiche, mientras que la fotografía y los ordenadores adquieren mayor
importancia

o El carácter interactivo del ordenador tiene la capacidad de alterar la

separación tradicional de artista y publico

• La doble codificación

o Puesto que el objeto postmoderno tiene códigos o conjuntos de mensajes

que se suman a los de la modernidad, agregar otros códigos a lo moderno
puede ser un modelo de procedimiento útil para el cambio curricular (por
ejemplo, incorporar significados alternativos al currículo moderno)
 3. Metodologías.

La educación artística ha cambiando la situación de aprendizaje en las escuelas,

contribuyendo así a la transformación de la sociedad. En cuanto a la educación
postmoderna, el individuo ha sufrido un nuevo modelo de relación con el entorno, con
uno mismo, y con las nuevas tecnologías. Por ello, todos los ciudadanos
independientemente de sus condiciones económicas, sociales, sexuales o culturales tienen
la posibilidad de tener un espacio de igualdad de oportunidades para la construcción de
su identidad. (Ruiz, 2009)

Por otro lado, las instituciones públicas aseguran a los individuos el acceso a toda
información y formación necesaria para llegar a ser individuos críticos, responsables y
reflexivos. La labor de los profesores será la de mero guía, consejero y facilitador de un
buen de desarrollo de hábitos y conocimientos. Por tanto, los alumnos tendrán un papel
más participativo y activo en el proceso de enseñanza aprendizaje en las aulas. Y así, cada
uno deberá cumplir sus nuevos roles, dejando atrás esa relación jerárquica que existía
antes entre el maestro y el alumno, llegando a una relación más de igualdad, de
intercambio de ideas y experiencias entre ambos. Esto lleva a un aprendizaje común a
través del propio dialogo. (Caballero, 2003)

Con respeto a lo mencionado con anterioridad, el artista, en nuestro caso sería el

alumno, deberá crear sus propias producciones de acuerdo a sus gustos y a las necesidades
que pretende exponer a la sociedad. Mientras que los docentes son los responsables de
darles esa libertad y los elementos básicos para poder crear esas obras artísticas. Por ello,
el arte puede desarrollar muchas capacidades como la libertad de expresión, la
creatividad, originalidad…
 Las distintas culturas y las voces individuales son unos de los principales intereses
de este enfoque, postmodernista. Gracias a esta multidisciplinariedad del arte ayuda a
favorecer la interacción, la experimentación, la manipulación e interiorización desde los
juegos y la resolución de conflictos. (Cano, Aprender pensando: metodologías artísticas
para la escuela , 2018)

La educación artística postmoderna tiene como principal objetivo, “animar al

alumnado a salir al encuentro de distintas visiones de los fenómenos artísticos y
culturales para comprender el mundo de la mejor manera y de la forma más plural”. Es
decir, se basa en la construcción de micronarraciones para comunicar la verdad de la
realidad. (Cano, Instalaciones artísticas como metodología de aprendizaje en futuros
docentes., 2019)

Se pueden incluir en la metodología docente principalmente actividades que

consigan; por un lado, ampliar la capacidad perceptiva para desarrollar la sensibilidad
estética; por otro, desarrollar las habilidades necesarias para que los materiales y las
técnicas plásticas se conviertan en un medio de expresión. Y por último, afianzar la
autoexpresión y la autoestima para favorecer las representaciones plásticas.

A continuación mencionaremos algunas de los posibles principios metodologías

de enseñanza artísticas en las aulas.

• Organizar el aula para favorecer el trabajo en equipo: distintas posibilidades de

agrupamiento. Donde puedan aprender de los propios compañeros e incluso del
maestro.
• Plantear actividades en el exterior: conociendo distintos espacios donde trabajar
de manera libre. Es decir, que se expresen libremente en distintos medios.
• No poner límites, simplemente orientar a los alumnos.
• Tener en cuenta las opiniones de los alumnos.
• Cambiar y variar la estructura de las sesiones sin que se esperen lo que van a
trabajar.
 • Motivar y conseguir llegar al gusto por el arte, además de disfrutar de toda
actividad artística. Creando una buena actitud por parte del maestro a la hora de
realizar arte.
• Utilizar recursos digitales (ordenadores, tabletas, cámaras) pero también posibles
libros.
• Ofrecer un ritmo personalizado de cada grupo, teniendo en cuenta los ritmos de
aprendizaje de cada alumno.
• Utilizar diferentes materiales y recursos artísticos con un adecuado planteamiento
didáctico.

Además se pueden llevar a cabo diferentes metodologías en las aulas de primaria

e infantil para trabajar el arte. Aunque estos métodos pueden llevarse a cabo en muchas
áreas, adaptándolas de manera correcta (algo muy importante que debemos tener en
cuenta para que sea de gran beneficio). Algunos de estos son los siguientes
(Realinfluencers, 2018):

Ø Aprendizaje por proyectos

Ø Aprendizaje cooperativo
Ø Aprendizaje basado en competencias
Ø Visual thinking
Ø Aprendizaje basado en problemas
Ø Gamificación
Ø Aula invertida.
 4. Referentes (personas influyentes en el ámbito)

Como es de conocimiento común, el arte abarca múltiples ámbitos y en el caso

del arte posmoderno puede llegar a influir en esferas tales como la arquitectura, el cine,
incluso la literatura, pero en este caso nos centraremos en las artes plásticas y pintura.

Muchos son los artistas que se han visto influidos por este movimiento como por ejemplo
Andy Warhol,

- Andy Warhol:

Nacido el 6 de agosto de 1928 y murió en Nueva York, el 22 de febrero de 1987.

Fue un conocido artista participe en la corriente del arte posmoderno ya que logra
convertir elementos comunes y de uso cotidiano en arte, así como proporcionar diferentes
interpretaciones a obras de otros artistas.

En su historia de ilustrador y pintor, vivió diferentes vanguardias como el

dadaísmo, el cubismo o el expresionismo abstracto, pero él siempre destacaba por un
estilo muy personal enfocado a la sociedad de consumo.

Andy Warhol. Latas de sopa Campbell (1962)

 Su personal revolución en el mundo del arte, se baso en captar la necesidad de la
sociedad cada vez mas influenciada por las rutinas consumistas y brindarle obras llenas
de colores vibrantes y llamativos que de inmediato captan toda su atención.

Se rodeó de grandes personalidades del espectáculo a las cuales tuvo la

oportunidad de crear obras, tales como Marilyn Monroe, lo cual lo situó en una alta escala
entre los famosos.

Andy Warhol. Shot Marilyns (1964)

Debido a su pasado como publicista, conocía cuales eran los métodos para
conseguir atraer las miradas de los espectadores creando obras que promovían adoración
por ellas en su época que tienen durabilidad hasta nuestro tiempo. Usó técnicas de
reproducción seriada cuestionando constantemente el concepto del arte, incorporando en
sus obras símbolos culturales de las artes. Ejemplifica que el arte no pierde su significado
en sus series de reiteración, sino que adquiere uno distinto y no por ello deja de ser arte.
 Andy Warhol. El nacimiento de Venus después de Botticelli (1984)

Uno de los estilos que más lo caracteriza, es el pop art del cual se le considera
fundador, además fue un gran referente para la moda y el cine así como una leyenda para
la comunidad LGBTIQ.

- Banksy.

Es difícil establecer una biografía del artista, debido a que es anónimo y firma sus
obras bajo el pseudónimo Banksy. Su arte callejero principalmente graffitti comenzó en
la década de los 90 en Bristol y su intención es plasmar la actualidad de un modo diferente
al que cuentan los medios de comunicación. Su arte de intención política ofrece una gran
variedad de temas que son repetidos a lo largo de todas sus obras, que incitan
instantáneamente a espectador a reflexionar.

Son obras de una realización sencilla pero cargadas con intensos mensajes que en
ocasiones son ambiguos y en otras tienen un claro mensaje.
Banksy. Los amantes del móvil (2014)

Banksy. Kissing Coppers (2004)

Banksy. Niña con globo (2002)

 Es un artista que hace grandes críticas en forma de imagen sobre la sociedad en la
que vivimos y que bajo mi punto de vista gusta tanto a los espectadores porque ha sabido
reflejar pensamientos actuales que tenemos en la sociedad.

Pone en duda el valor del arte y de los artistas que realizan grandes exposiciones
para vender su trabajo banalmente, mientras que él ofrece su arte elevando el arte
callejero. Sus obras dotadas de una personalidad fascinante no dejan indiferentes a nadie.

- Mike Bidlo

Es un artista estadounidense nacido en 1953, ampliamente conocido por su

integración en el movimiento del arte de apropiación. En su trabajo, hace referencia
libremente a las obras de otros artistas con modificaciones muy pequeñas e
interpretaciones casi iguales a las originales.

Hizo colecciones basándose en el trabajo de muchos artistas como Andy Warhol,

Pollock o incluso Picasso.

Mike Bidlo. No Warhol (Cuatro Marilyns, 1984)

 Mike Bidlo. No Pollock (Mural 1950, 1983)

Mike Bidlo. No Picasso (Autorretrato: Yo Picasso 1901,1986)

Es un artista que a través de su interpretación de las obras de otros, da paso a la

valorización de estas prácticas de apropiación, lo cual lo sitúa en las corrientes
posmodernistas. Gracias también a estas prácticas el espectador es capaz de apreciar
distintos puntos de vista de las obras icónicas de pintores clásicos y famosos.
 5. Propuesta práctica.

OBJETIVOS:

- Trabajar la motricidad fina.

- Dar a conocer obras características del posmodernismo.
- Trabajar la técnica del pop-art.
- Conocer las gamas de colores y usarlos adecuadamente.

CONTENIDOS:

- Pop-art.
- Arte posmoderno.

MATERIALES:

- Fichas de los alumnos.

- Lápices de colores.
- Tijeras.
- Sacapuntas.
- Goma de borrar.
- Pizarra digital.

DESARROLLO:

En primer lugar, se dará a conocer a los alumnos y alumnas el concepto de pop-

art, desde los ejemplos más simples y representativos hasta algunos complejos y menos
conocidos que hayan sido reconocidos en la historia del arte.

Uno de los ejemplos a trabajar es el de Andy Warhol con sus versiones sobre “El
nacimiento de Venus”.
 Andy Warhol. El nacimiento de Venus después de Botticelli (1984)

Se les mostrará cómo en cada una de las imágenes se trabajan distintos colores.
Podremos hacer preguntas que fomenten su participación como las siguientes:

- ¿Qué veis en la imagen?

- ¿Qué os hace sentir?
- ¿Las cuatro imágenes son las mismas? ¿Por qué?
- Apuntad los colores que se utilizan en cada imagen, ¿por qué creéis que ha
utilizado estos?
Tras una larga introducción, se les mostrará la siguiente imagen:

Botticelli.. El nacimiento de Venus (1485-1486)

A raíz de esto podremos preguntarles: ¿Veis algún parecido entre esta imagen y
la anterior? ¿En qué?

Una vez los alumnos y alumnas hayan identificado que las versiones de Andy
Warhol son extraídas de una porción de “El nacimiento de Venus” de Botticelli, les
entregaremos en una ficha la siguiente ilustración:

Héctor Gallego. Collage para colorear de Venus inspirado en Andy Warhol.

Los alumnos y alumnas tendrán que atenerse a las siguientes limitaciones:

Cada limitación es válida para cada ‘Venus’.

- PELO: solo podrán usar dos colores.

- CARA: solo podrán usar dos colores.
- FONDO: solo podrán usar un color.

Los colores utilizados en el pelo, cara o fondo de cada una de las viñetas no
podrán ser repetidos en las demás. Esto quiere decir que si he utilizado el amartillo y
el naranja para el pelo de la primera viñeta, no podré utilizar ni el amarillo ni el
naranja para el pelo de las viñetas restantes.

Se les pondrá música durante la actividad con el fin de potenciar su creatividad y

su inmersión en la misma.
 6. Conclusión.

Analizando los conceptos de Educación Artística, Posmodernidad y Educación

Artística Posmoderna concluimos que, en base a los conceptos definidos en el apartado
de marco teórico, surge la duda de la época que abarca el Posmodernismo, ya que surge
contradicción con respecto a cómo definen temporalmente dicho movimiento.

Por otra parte, somos conscientes de que el prefijo post- comúnmente es conocido
como “posterior a”, como algo en lo que se basa y cambia de forma. Cuando en realidad,
dicho prefijo usado en “Postmodernismo” no se entiende como sucesor del modernismo
sino como una ruptura con lo anterior.

Finalmente, consideramos que el Arte Postmoderno es interesante como objeto de

trabajo en el aula de Educación Infantil y Primaria, ya que es un juego constante con los
colores y los contrastes. Pero para ello es esencial enseñar a mirar y ver al alumnado para
que puedan apreciar el arte y posteriormente poder llevar a cabo actividades didácticas
como la mencionada anteriormente.
7. Bibliografía y Webgrafía
AGUIRRE. I., (2000). Teorías y prácticas en educación artística. Barcelona:
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