Universidad Nacional Mayor de San Marcos

Universidad del Perú. Decana de América

Facultad de Letras y Ciencias Humanas
Escuela Profesional de Danza

Técnicas de la danza clásica: el aprendizaje kinestésico

en la Escuela Profesional de Danza de la Universidad
Nacional Mayor de San Marcos, 2019

TESIS
Para optar el Título Profesional de Licenciada en Danza

AUTOR
Lizeth Beatriz del Carmen PERICHE VEGA

ASESOR
Emma Patricia Victorio CÁNOVAS DE ZEVALLOS

Lima, Perú

2019
Reconocimiento - No Comercial - Compartir Igual - Sin restricciones adicionales

https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0/
Usted puede distribuir, remezclar, retocar, y crear a partir del documento original de modo no
comercial, siempre y cuando se dé crédito al autor del documento y se licencien las nuevas
creaciones bajo las mismas condiciones. No se permite aplicar términos legales o medidas
tecnológicas que restrinjan legalmente a otros a hacer cualquier cosa que permita esta licencia.
Referencia bibliográfica

Periche, L. (2019). Técnicas de la danza clásica: el aprendizaje kinestésico en la

Escuela Profesional de Danza de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos,
2019. Tesis para optar el título profesional de Licenciada en Danza. Escuela
Profesional de Danza, Facultad de Letras y Ciencias Humanas, Universidad Nacional
Mayor de San Marcos, Lima, Perú.
 HOJA DE METADATOS COMPLEMENTARIOS

Código ORCID del autor —

DNI o pasaporte del autor 72492148

Código ORCID del asesor 0000 – 0002 – 9733 – 372X

DNI o pasaporte del asesor 07930008

Grupo de investigación —

Agencia financiadora ___

Provincia Constitucional del Callao, Lima – Perú
Ubicación geográfica donde se
Ciudad Universitaria de la Universidad Nacional Mayor de San
desarrolló la investigación Marcos, Avenida Óscar Raimundo Benavides, Lima 15081, Perú
Latitud: -12.05726 | Longitud: -77.085572

Año o rango de años en que se desarrolló

la investigación 2019

ARTE

Disciplinas OCDE
Arte
http://purl.org/pe-repo/ocde/ford#6.04.01

Historia del arte

http://purl.org/pe-repo/ocde/ford#6.04.02

Nota: tomar en cuenta la forma de llenado según las precisiones colocas en la web.
https://sisbib.unmsm.edu.pe/archivos/documentos/recepcion_investigacion/Hoja%20de%20metadatos%20c
o mplementarios_30junio.pdf
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Quiero dedicar este trabajo a mis padres: Veronica Vega Villanueva y

Juan Santos Periche Antón, hermanos: Rodrigo, Brenda y Juver, por su
incondicional apoyo que he recibido desde que inicié mis estudios en esta carrera
profesional; mis abuelos: María Beatriz Antón Curo, José Santos Periche
Temoche, Lizardo Vega Sevillano, Carmen Villanueva Tarazona por el enorme
afecto que recibí y recuerdo de ellos, y familia.

Agradecer a mis queridos maestros de formación en danza clásica y

contemporánea: Martha Herencia, Bruno David Silva Romero, Ileana Mariátegui,
Gina Natteri, Rosa Rospigliosi, Lucrecia Prado, Marlon Cabellos, Luis Valdivia
quienes han sido impulso y motivación; a mis maestros académicos: Alicia
Valladares, Manuel Larrú, Diana Rodríguez, Verónica Morales, Armando
Sánchez Málaga por su incondicional apoyo a todos los estudiantes de la
Escuela Profesional de Danza; a mi maestra y asesora Adela Pino Jordán, quien
durante el tiempo que estuvo asesorándome mostró su apoyo y voluntad de
enriquecerme con sus saberes para guiar mi tesis; Patricia Victorio, quien ha
continuado la asesoría y correcciones constantes para llevar hasta el final con
éxito de esta investigación, Maureen Llewellyn Jones por su apoyo constante en
el proceso de investigación.
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TABLA DE CONTENIDOS

RESUMEN ..................................................... Error! Bookmark not defined.

INTRODUCCIÓN ........................................... Error! Bookmark not defined.
1. CAPITULO I ................................................... Error! Bookmark not defined.
1.1. Historia de la danza clásica. .................... Error! Bookmark not defined.
1.2. Técnicas de las escuelas internacionales de danza clásica ........... Error!
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Escuela Rusa: Vaganova & Legat..... Error! Bookmark not defined.
Escuela Rusa: Sistema Messerer ..... Error! Bookmark not defined.
Escuela Cubana ................................ Error! Bookmark not defined.
2. CAPITULO II .................................................. Error! Bookmark not defined.
2.1. Técnicas de aprendizaje del movimiento: observación, ensayo y error
................................................................ Error! Bookmark not defined.
2.2. El estilo de movimiento y su aprendizaje . Error! Bookmark not defined.
3. CAPÍTULO III ................................................. Error! Bookmark not defined.
3.1. Breve histroia del ballet en Lima entre los años 1920- 2017………...…71
3.2. Escuelas y academias formativas de ballet ........... Error! Bookmark not
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Escuela Nacional Superior de Ballet . Error! Bookmark not defined.
Escuela de Ballet San Marcos .......... Error! Bookmark not defined.
Escuela de Lucy Telge ...................... Error! Bookmark not defined.
Allegro Ballet ..................................... Error! Bookmark not defined.
Cinderella .......................................... Error! Bookmark not defined.
3.3. Técnicas de danza clásica aplicadas a los alumnos para desarrollar el
aprendizaje kinestésico ........................... Error! Bookmark not defined.
CONCLUSIONES ....................................................................................... 95
Referencia Bibliográfica ................................. Error! Bookmark not defined.
ANEXOS ........................................................ Error! Bookmark not defined.
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RESUMEN

El presente trabajo de tesis consta de tres capítulos en los cuales se

aborda el proceso de aprendizaje kinestésico de la danza clásica de la
EscuelaProfesional de Danza de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.
La primera parte contiene un acercamiento histórico del ballet, desde su etapa
más remota, para entender como las clases de hoy, y a nivel mundial, han
tomado esa estructura, modificándolas con las nuevas innovaciones a través de
los siglos, las diferentes técnicas de las escuelas de ballet con sus aportes
teóricos y prácticos, y cómo se diferencian unas de otras pero siempre buscando
la esencia de un arte efímero sobre el escenario.

El segundo capítulo se enfoca en la parte del aprendizaje, en la necesidad

de que el bailarín pueda identificar el mejor método para aprender, utilizando la
inteligencia kinestésica y desarrollando las habilidades que posee cada uno,
además de evitar al máximo las lesiones o aplicar mal la técnica de los pasos.
En esta parte también se advierte la influencia que tiene el maestro de danza
para poder lograr sus objetivos.

En la parte final se explica la llegada del ballet clásico a nuestra ciudad,

el proceso de desarrollo y adaptación de las técnicas en la Escuela Profesional
de Danza, el trabajo de los diferentes maestros de danza clásica con todas las
generaciones de estudiantes de ballet y la importancia de que cada alumno
fortalezca sus habilidades, trabaje a consciencia su cuerpo para lograr bailarines
de excelente nivel artístico escénico.
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INTRODUCCIÓN

La tesis que se presenta ha tomado como base de investigación a la

Escuela Profesional de Danza, de la Facultad de Letras y Ciencias Humanas de
la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, que en el 2019 cumple nueve
años de creación. También analiza el proceso de formación académico-
dancística de sus estudiantes, la manera en la que ellos han tomado sus clases,
así como el modo de enseñar de sus profesores.

Consta de tres capítulos, el primero, titulado “De la historia de la danza

clásica al aprendizaje kinestésico”, explica el desarrollo histórico y técnico de la
danza clásica a través del tiempo; destaca a los personajes importantes que
aportaron al desarrollo del ballet con sus nuevos pasos y estilos de danza; las
escuelas de danza que surgieron y que ahora son el motor de la gran mayoría
de compañías. El segundo capítulo, titulado “Didáctica del movimiento
dancístico. Las técnicas, el estilo y su aprendizaje”, explica con detalles las
técnicas de aprendizaje del movimiento que presenta cada bailarín aprendiz,
cómo deben llevar este proceso durante su trabajo corporal. Finalmente, el tercer
capítulo, “Aprendizaje kinestésico del ballet en Lima (1960-2016)” describe la
secuencia de cómo surgió el ballet en Lima, sus pioneros, las primeras escuelas
y bailarines que pasaron por todo ese proceso y cómo ha ido creciendo esta
carrera; contiene, además, las opiniones de los maestros más destacados de los
últimos años.

Con todo esto se intenta aclarar que todas las técnicas que se trabajan o
desarrollan son válidas en la danza clásica, ninguna es mejor que otra, cada una
se trabajó en un tiempo y espacio particular y con bailarines diferentes.

Por otro lado, debido a que el Perú es un país pluricultural y con una
geografía variable, los cuerpos reaccionan de diferente manera dependiendo de
las condiciones anatómicas, fisiológicas, climáticas y sociales propias de las
regiones del país; entonces, es de gran importancia que los estudiantes
bailarines de la carrera profesional de Danza tengan en cuenta estas condiciones
y sepan reconocer y aplicar, en su momento, cada técnica del ballet, para que
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puedan dominar y afinar su cuerpo como instrumento de trabajo, no solo en la

parte de la formación, sino también en lo que respecta a la parte de la
interpretación en escena; incluso, cuando se tenga un grupo de bailarines a
quienes se haya que formar, dancística o académicamente.

Aquí, es importante aclarar que el arte no se transmite ni se aprende

netamente por escrito, pero la literatura significa un gran aporte para el
crecimiento del ballet, pues la formación integral del estudiante bailarín se da de
manera corporal y mental; en otras palabras, es un trabajo conjunto de ambas
partes: físico y mental.

Es importante aclarar estas diferencias porque de esta manera se amplían

las posibilidades de utilizarlas para un mejor aprendizaje integral del bailarín;
aunque eso depende mucho de la motivación que el maestro ponga en práctica
durante la clase, ya que, así, permitirá el desarrollo y maduración de los
estudiantes.

En otras palabras, la capacidad de estímulo del estudiante al pensar,

aprender y resolver problemas con autonomía, forma parte de su motivación para
adquirir y procesar un nuevo conocimiento; el aprendizaje de la danza clásica
practicado con técnicas adecuadas y sistemáticamente, crea una relación que
favorece el estilo de aprendizaje kinestésico, junto con el aprendizaje visual y
auditivo, en todos los estudiantes, que en unos se manifiestan en mayor grado
que otros según el desarrollo de sus potencialidades.

A la carrera de Danza ingresa, aproximadamente, el 25 % de estudiantes

varones, y el resto lo conforman estudiantes mujeres; la edad promedio es de 18
a 25 años y una gran mayoría, con un nivel de técnica clásica académica básica
e intermedia. El desarrollo y aprendizaje dancístico de los estudiantes bailarines
cada semestre es variado y complejo, ya que desde antes de su ingreso a la
Escuela Profesional de Danza su formación dancística es diferente, debido a las
diversas técnicas de las escuelas de ballet y/o academias de ballet de donde
provienen.

Según las observaciones realizadas en los últimos años, la mayoría de los

alumnos de la Escuela Profesional de Danza ingresan a la carrera con no más
de dos años de preparación técnico/académica previa, lo que en muchas
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ocasiones significa un retraso para los estudiantes de niveles más avanzados y

con más años de práctica. En otras palabras, esto implica un mal trabajo de
algunos, ya que realizan los ejercicios copiando movimientos o bien, imitando al
maestro de danza o a sus compañeros de clase más destacados.

Lo anterior significa que se ven obligados a tener un entendimiento

superficial de lo que muestra el maestro de ballet en cada secuencia y
combinación de ejercicios, este desequilibrio se complica aún más con cada
nuevo grupo de estudiantes bailarines que ingresan y que van acoplándose;
aunque también afectan los que se retrasan cada semestre; esto, además de
conllevar un retraso, provoca la problemática de no saber qué método se
aplicará.

Dicha problemática tiene relación con todas las técnicas del ballet, sus
variaciones y las modificaciones necesarias para un mayor aprendizaje
kinestésico, que consiste en la experimentación con el cuerpo para lograr un
aprendizaje significativo dentro de la danza clásica, ya que cada cuerpo es
diferente y los resultados no se dan de la misma manera.

En este aspecto, también cabe mencionar que se ha llegado a un

concepto de que un bailarín es solo aquel que se mueve y reconoce algunos
pasos del sistema de ballet, que, además, solo se limita a los conocimientos que
tenían los estudiantes bailarines en siglos pasados. Pero también está el hecho
de que los estudiantes bailarines no reconocen ni saben cómo trabajar
adecuadamente con su cuerpo para alcanzar mejores resultados dentro de la
danza clásica.

Otro punto son los materiales bibliográficos que se emplean: aparte de

que son escasos, algunos incluso ya están desactualizados y no integran las
nuevas investigaciones que se han dado en cuanto a la estructura de la clase de
ballet, los pasos y movimientos, y otros han sido escritos en idioma como el
inglés, francés o portugués. También se incluyen algunas tesis relacionadas con
la enseñanza o aprendizaje de la danza clásica que se han publicado en otros
países.
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Con esto se pretende tener un medio para generar conciencia en el

estudiante acerca de que, durante el aprendizaje en cualquiera de los niveles de
la clase de la danza clásica, se desarrolla en forma paralela tanto el sistema
cognitivo como el locomotor, a fin de que el estudiante reciba, procese y aplique
la información sobre las diferentes técnicas de las escuelas del ballet que se le
brindan en clase, sobre todo en lo relacionado con la ejercitación de los
músculos, a fin de que estos respondan adecuadamente a las acciones
antinaturales a que se someten en el ballet clásico, sobre todo entre los
potenciales futuros bailarines.

No está de más aclarar que el proceso es difícil y depende tanto del

maestro como del propio estudiante bailarín, entre quienes se necesitará
establecer un diálogo verbal y corporal para alcanzar el objetivo, el cual va a ser
evidente al obtener los primeros resultados, porque se verá un cambio total en
el estudiante bailarín, sobre todo en el aspecto dancístico (ballet clásico) y poder,
así, tener una mayor cantidad de artistas integrales.

Ante esta situación, surge la pregunta: ¿por qué el interés en el tema?

Porque, a medida que transcurre el tiempo, se ha observado que los estudiantes
de la especialidad toman superficialmente su aprendizaje de la danza clásica e,
incluso, desconocen lo esencial de su historia; no reconocen los principios y
fundamentos de la técnica del ballet clásico que se les ofrece o sufren lesiones
—leves o severas— por no saber trabajar, utilizar, conocer adecuadamente su
cuerpo, y no son capaces de reconocer sus limitaciones y habilidades.

Y esto no solo se da en nuestra ciudad. Ha sucedido a través del tiempo

con muchos bailarines, incluso, profesionales de todo el mundo; por eso es
necesario contribuir y formar una nueva generación de bailarines que sean
destacados tanto en lo artístico como en lo cognitivo, y ya no verlo como algo
desligado uno del otro, o bajo las justificaciones de que no se cuenta con las
condiciones necesarias, o de que muchas veces se cree que las artes escénicas
o plásticas son para una élite, algo totalmente falso y sin validez, pero que
condiciona a muchos aspirantes; todo lo anterior debe ser erradicado del proceso
educativo porque, como ya sabemos, la danza siempre ha estado, está y seguirá
estando en nuestra comunicación, como desde hace millones de años.
 9

Entonces, ¿cómo utilizar todos estos conocimientos e informaciones en la

formación de los bailarines aprendices y generar competencias en ellos? ¿De
qué manera debe trabajar el maestro de ballet, si cada técnica, a la vez que se
diferencia de las demás, también aporta a cada una? ¿Cómo podrían aplicar los
propios estudiantes bailarines sus experiencias junto con la nueva información
que les da el maestro, para una mayor destreza y mejor desarrollo del
aprendizaje motriz?

Este trabajo no se logra sin una ardua labor de investigación permanente,

al lado de los estudiantes bailarines de los últimos años de formación, ya que
son ellos quienes han estado en mayor contacto con los maestros de ballet en el
proceso de construcción de saberes, habilidades y destrezas, con base en las
experiencias y sensaciones.

En este caso, la población que se estudia corresponde a todos los ciclos

de la carrera de Danza, principalmente los primeros grupos de ingresantes de la
escuela de danza, recientemente creada. La metodología en esta investigación
es cualitativa, porque se explica y describe el grupo de estudio, además de
diseño descriptivo - correlacional, para establecer una relación causa-efecto.

Los instrumentos y análisis del aprendizaje kinestésico consisten en fichas

de observación, entrevistas a maestros de danza clásica y encuestas a los
estudiantes bailarines, así como la observación directa de las diversas clases de
danza académica en la Escuela Profesional de Danza; también se incluyen
registros fotográficos, grabaciones de las clases de ballet, consultas y
asesoramientos de los maestros de danza; posteriormente se emplean
procedimientos como el análisis comparativo de los resultados entre el modelo
de las escuelas internacionales y el aprendizaje kinestésico en la realidad.

La mayoría de estudios sobre técnicas de la danza clásica que existen se

caracterizan por ser una teorización de cada movimiento, además de incluir los
principios que se aplican en el ballet y cómo se desarrolla desde lo sencillo hasta
lo complejo. Así, se tienen autores como la rusa Agrippina Vaganova, en cuyo
libro Bases de la danza clásica (1945) sistematiza cada paso de la clase de
ballet, a los cuales les asignó un nombre y descripción; asimismo, detalla la
manera de cómo aprenderlos y cómo aplicarlos.
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Lo anterior no significa que dicho sistema deba cumplirse estrictamente

para crear alguna clase de ballet o repertorio, sino que es una manera en que
sus estudiantes bailarines, en la etapa formativa, sigan una secuencia o rutina
para que la continúen en su vida profesional y se vuelva natural a su cuerpo, con
movimientos naturales, para que, al aplicar sus variaciones en clase o en el
escenario, no se altere su esencia.

En ese mismo sentido, Assaf Messerer, otro maestro ruso, en su libro

Classes in Classical Ballet (1972-1975) trabajó claramente con el sistema del
Bolshoi Ballet Classes. En este libro, Messerer señala que construyó un tipo de
clase para ejercicios en la barra, centro y trabajo de puntas. El trabajo, indica, es
progresivo en cada año de formación por la que pasará el bailarín. Sin embargo,
la relación de este autor siempre fue con bailarines profesionales de compañía,
por lo que su trabajo es diferente al de la escuela formativa rusa o de cualquier
otro país.

Un libro que podría catalogarse como similar al de Agrippina Vaganova es

el publicado por Vera Kostrovitskaya, 100 Lessons in Classical Ballet (1981), ya
que define de manera similar la técnica clásica rusa, además de los conceptos
básicos, ejecución y descripción de los pasos. Se trata de un libro actualizado
porque también marca diferencias en el trabajo en clase, de lo más simple a lo
complejo; incluye los adelantos de los últimos años, así como un método de
clases diferenciadas para varones y mujeres, además de clase de estudio de
repertorio coreográfico.

Otro libro importante es Gramática de la danza clásica (1974), de

Geneviève Guillot, quien trabajó de cerca en el Teatro de la Ópera de París,
describe cómo se realiza la enseñanza de la danza clásica en la Ópera Garnier
(de París), como, por ejemplo, la aplicación de las leyes de la física relativas al
equilibrio y movimiento. Su finalidad es elaborar un diccionario para establecer
un tratado completo y preciso del ballet.

Cada capítulo del libro de Guillot contiene la definición del concepto y la

descripción necesaria de la danza clásica, sus precursores, cómo se ha
desarrollado en cada nación, cómo ha evolucionado a través de los siglos, cuáles
han sido sus mejores logros en metodología y en bailarines.
 11

CAPÍTULO I

De la historia de la danza clásica al aprendizaje kinestésico

En este capítulo se relata el proceso histórico de la danza clásica, que

también lleva el nombre de ballet clásico, antes de ser profesionalizado y
valorado al igual que las demás artes escénicas de la época; también se incluyen
las personalidades más importantes del mundo artístico del ballet, que aportaron
y dejaron todo un legado, tanto escrito como en los cuerpos de cada generación,
hasta la actualidad.

1.1 Historia de la danza clásica

Aun cuando la danza siempre ha estado en nosotros desde la aparición

del hombre, y que habría sido su primer medio de comunicación desde épocas
remotas, la historia de la danza clásica se remonta al siglo XVI, cuando
aparecieron dos personalidades que llevaron in crescendo al ballet en cuanto a
técnica: Cesare Negri y Marco Fabrizio Caroso.

Estos dos bailarines y teóricos dejaron sus testimonios en algunos

registros; por ejemplo, Cesare Negri, conocido como Il Trombone, publicó el libro
Le Gratie D’Amore (1602), que dos años después, en 1604, tendría una segunda
edición aumentada y con nuevo título: Nuove inventioni di balli, en el que
describe unas 55 reglas técnicas y descripciones coreográficas. De hecho, Negri
fue el primero en recomendar los dedos de los pies rotados hacia afuera, ahora
llamado en dehors. En tanto que Marco Fabrizio Caroso publicó su libro Il
ballerino, en el que recogió una nomenclatura de pasos.

Otros dos sustentos son los aportes de Jean-Michel Toulouze con la obra
l’Art et instruction de bien dancer (1496), en 1588, Thoinot Arbeau, seudónimo
de Jehan Tabourot, con su libro L’Orchésographie, quien, citado por Tambuti,
afirmaba que

[La danza] depende de la música y de sus modulaciones. Sin esta cualidad

rítmica sería aburrida y confusa…, la danza es una clase de retórica silenciosa
mediante la cual el orador, sin murmurar una palabra, se hace entender
mediantes sus movimientos. (2009, p. 53)
 12

En 1533, cuando Catalina de Medici llegó como reina a las cortes

francesas al contraer matrimonio con Enrique II de Francia, llevó consigo toda
una tradición italiana y que significó una gran influencia cultural en todas las
artes: danza, canto, poesía, entre otras; sin embargo, utilizó la danza como un
medio de entretenimiento para sus hijos Francisco II, Carlos IX y Enrique III. Los
temas más utilizados en sus coreografías clásicas fueron, por lo general,
mitológicos.

Pero, aun cuando Catalina de Medici llevó los movimientos dancísticos de

su país natal, fue en Francia donde estos movimientos tomaron su denominación
gramatical: el Ballet Comique de la Reine (1581), que fue el primero y el más
importante de la época, como lo comprueba una constancia impresa de ese
ballet, coreografiado por Baldassarino Belgiojoso, mayordomo italiano de
Catalina, quien tomó el nombre francés de Baltasar de Beaujoyeulx; luego, pasó
a ser violinista y maestro de danza.

Se dice que De Medici fue la coreógrafa de todos sus ballets durante su

reinado. Beaujoyeulx, por su parte, según Beaumont, definió a este ballet como
“una mezcla geométrica de muchas personas que danzan juntas al son de
diversos instrumentos”. (1949, p. 8). A su vez, Haskell afirmaba que la danza
clásica es “Un arreglo geométrico de muchas personas que bailan juntas, bajo
una armonía diversas de instrumentos”. (1968, p. 26)

Durante los reinados de Enrique IV (1589-1610) y de Luis XIII (1610-1643)

los ballets consistían en actos y entrées, ya que cada ballet tenía entre tres y
cinco actos, y los entrées hasta treinta. Enrique IV fue un amante de todos los
ballets y en varias oportunidades llegó a representarlos de una manera bastante
llamativa en cuanto a sus características.

Los ballets que surgieron en el reinado de Luis XIII fueron, en su gran

mayoría, de tendencia a fantástica y burlesca. Sus representaciones se conocen
como “Ballet de la dounairiere” (Ballet de la viuda de Billebabaut) (1625), en el
que representaban a animales exóticos; “Les Fées de la Foret de Saint-Germain”
(Ballet de las hadas del bosque de Saint-Germain) (1625); “Ballet des andouilles”
(Ballet de embutidos) y “La Douairiére d Billebabaut” (1626). Tras su muerte cayó
toda una cultura tradicional por un período de treinta años, hasta el siguiente
 13

reinado, en el que se buscó un nuevo modelo de espectáculo y técnica

específica.

A su vez, Luis XIV, llamado también el Rey Sol porque asumió el reinado
desde muy joven, debutó a los trece años como bailarín y representaba papeles
importantes del ballet, como Apolo, Neptuno y Júpiter; pero también el de
comediante o personaje no destacado. Entonces, el ballet pasó a ser más
artístico y hubo grandes obras, como el “Ballet del tiempo” (1654), “Los placeres”
(1655), “Psyché” (1656), “Los placeres estorbados” (1657) y “Alcidiane” (1658).

Luis XIV tuvo asistentes, quienes trabajaron de su mano en la parte

artística, además de colaboradores externos, para sus creaciones; entre ellos,
los destacados Bocan, Charles Louis Pierre de Beauchamps y Pécourt, en la
parte de coreografía; Jean Baptista Lully, en lo musical; Jean- Baptista Poquelin
conocido como Molière escribía los ballets-comedias; Carlos Vigarani se
encargaba de la escenografía, y Bassompierre, su primer bailarín (premier
danseur). Los registros y anotaciones del progreso de la danza se deben a
Feuillet, Thoinot, Arbeau y Rameau.
Acerca de Beauchamps, Pierre Rameau, citado por Bourcier, sostiene lo
siguiente:

Lo que se llama posición no es más que una proporción justa que se ha hallado
para alejar o acercar los pies dentro de una distancia medida en la que el cuerpo
se halle en su equilibrio o aplomo sin encontrarse embarazado tanto si camina,
como si danza o si permanece quieto. Las posiciones fueron dadas a conocer
por obra del difunto señor de Beauchamps, quien se había formado la idea de
dar a este arte el arreglo que necesitaba, y no se las conocía antes de él. (1981,
p. 100)

Se sabe que Beauchamps trabajó sus coreografías, especialmente sus

movimientos, basándose en primer lugar en los movimientos cotidianos y
naturales para desarrollarlos hasta llevarlos a un punto estético ante el público.

Luis XIV fue un apasionado y perfeccionista del ballet, y a él se debe la

creación de la Academia Royale de Danse (1661), bajo la dirección de
Beauchamps, y la Academia Royale de la Musique (1669); luego, transformada
en el Teatro de las Artes. Pero el año del nacimiento oficial de la danza y la
 14

música profesionalmente fue 1972, con ingresos económicos y reconocidos

como profesionales.

A partir de ese año, a los profesionales se les asignó un lugar de ensayos

en el Palacio del Louvre, pero prefirieron estar en L’Epée de Bois; con esto se
logró una base sólida dentro de las artes, como ya lo habían conseguido la
pintura, la escultura, la poesía y la música. Debido al estado absolutista de la
época, la danza fue un medio de gobierno, pues gracias a sus espectáculos
adormecía al pueblo aislándolo de la política.

En 1676, Louis Guillaume Pécourt le sucedió a Beauchamps en la

dirección de ensayos y coreografías en la Academia de la Danza; así lo describe
el secretario del bailarín franco-italiano Lully, según Bourcier:

Se distinguió de tal modo, en la danza, que en pocos años se convirtió en el

primero de la profesión. Pecourt era bello y bien construido, y danzaba con toda
la nobleza posible… Añadía a su talento mucha inteligencia y vivacidad y muchas
lecturas. (1981, p. 122)

Luis XIV dictó una ley ante la creación de la Academia de la Danza:

Aunque al arte de la danza ha sido reconocido siempre como uno de los más
honrosos y más necesarios para el adiestramiento del cuerpo… muchas
personas ignorantes han tratado de desfigurarlo y de corromperlo… de modo
que vemos pocos entre los de nuestra corte y séquito que sean capaces de tomar
parte de nuestros ballets, cualquiera que sea el plan que tracemos para atraer
su toda su atención hacia ellos… Deseando establecer dicho arte en toda su
perfección o incrementarlo tanto como fuera posible, consideramos oportuno
establecer en nuestra buena ciudad de París una Real Academia de Danza.
(Haskell, 1968, p. 29).

Cuando el ballet llegó al teatro público se construyó el teatro Le Palais

Cardinal, ya que en un principio tuvo un carácter más privado para los nobles y
sus argumentos estaban basados en las mitologías griega y romana. Se dice del
ballet, que eran óperas donde, en ocasiones, se representaban las danzas,
conformadas únicamente por hombres que, a la vez, desempeñaban roles
femeninos usando máscaras. En 1681, Lully incorporó bailarinas a los ballets,
siendo estas de la corte, ya que en un principio tenían solo carácter decorativo.
La primera bailarina en recibir el título de “La reina de la danza” fue Mlle.
Lafontaine.
 15

Pero Lully también fue creador de varios ballets, y así lo dice el testimonio
de un secretario:

Lully tuvo casi tanta parte en el ballet de las óperas siguiente como Beauchamps.
Reformaba las entrées, ideaba pasos de expresión y que conviniera al tema y,
cuando hacía falta, se ponía a danzar ante los bailarines para hacerle
comprender antes sus ideas. Sin embargo, él nunca había aprendido y no
danzaba sino como capricho y al azar, pero el hábito de ver danzas y un talento
extraordinario para todo lo que se refería a espectáculos le hacían danzar con
un gusto y una vivacidad sumamente agradable. (Bourcier, 1981, pp. 117-118)

Algunas de sus coreografías son: “Carnaval” (1675), “Triomphe de

l’Amour” (1681) en Palais Royal, donde por primera vez se presentaban en
escena bailarinas profesionales, y “Ballet du temple de la Paix” (1685).

Los bailarines más destacados del reinado de Luis XIV y que aportaron al
ballet fueron André Lorin, inventor de un sistema de notación de la danza; Pierre
Beauchamps, que fue el primero en sistematizar y definir las cinco posiciones de
los pies. “Solo se sistematizó porque la técnica siempre estuvo, fue también un
excelente coreógrafo y maestro del rey; Luis Pecourt, el mejor bailarín de su
tiempo; Ballon, notable por su levedad”. (Beaumont, 1949, p. 14)

Nicolás Blondy (1675-1739), bailarín destacado por su habilidad en la

vivacidad del movimiento, con los años llegó también a asumir la dirección de
ballet y tuvo a su cargo la formación de Marie Camargo y Marie Sallé; su
coreografía más representativa fue “Les amours des déesses” (Los amores de
las diosas). Y Marie Therese Perdou, continuadora del cargo de Mlle. Lafontaine,
fue la primera bailarina francesa en presentarse en Inglaterra entre los años 1700
y 1702, lo que hizo que otros bailarines tomaran esta acción como modelo para,
así, viajar y realizar presentaciones más continuas.

En 1697, André Campra (1660-1744), amante del teatro, estableció un

género nuevo junto a Houdar de La Motte, dedicado a la poesía; con ello nació
la ópera-ballet. La primera creación de este género y la más exitosa fue
“L’Europe galante”, su temática fue sobre mitología a escala humana y
personajes históricos.

Ya en el reinado de Luis XV, durante la primera mitad del siglo XVIII, se

alcanzaron muchos progresos técnicos dancísticos, mismos que se
desarrollaron hasta su muerte; desde ese momento se abordaron con más
 16

frecuencia los temas exóticos. La Academia Royal de la Música y la Danza, que

aún persiste en la Ópera de París, fue el lugar originario del ballet en el mundo.
En 1713 se creó la escuela de la danza dentro de la Academia Royal, que incluía
como requisito, en algunos casos, para poder ser bailarín de la academia, ser
muy destacados. Fue por eso que hubo un mejoramiento en la técnica de la
danza clásica.

En 1700, un discípulo de Beauchamps publicó toda su teoría y

codificación de pasos con relación a lo musical. Se trata de Raoul Auger Le
Feuillet, y tituló su obra Choreographie ou l’Art de noter la danse; en ella describió
el esquema coreográfico del desplazamiento de los bailarines sobre el piso, pues
lo que destacaba eran las figuras coreográficas, más que el movimiento por sí
mismo.

Todo ello llevó a que Beauchamps pusiera su queja ante el consejo del
rey, por lo que consideró un acto de robo de sus conocimientos sistematizados,
situación que no se le reconoció. Empero, veinticinco años después, Pierre
Rameau presentó su escrito con el nombre de “Le Maitre á dancer”; en ambos
sistemas escritos se da su interpretación literal, mas no su interpretación
corporal, sobre todo su descripción en cuanto a las extremidades inferiores, y
nada relacionado con los gestos, torso y brazos.

Por el año 1726, Marie Camargo (1710-1770) se hizo reconocida por

quitar el taco a las zapatillas que se usaban en la época, y recortó el largo del
vestido tradicional, con lo cual se mostraba la habilidad de sus pies en los saltos;
además, introdujo el entrechat quatre y varios tipos de jeté y pas de basque. En
un principio, estas adaptaciones generaron un escándalo, pero fueron
aceptadas, ya que se permitía libertad en la ejecución y eran visiblemente
estéticas; es posible que se hayan ejecutado antes los entrechat pero se le da la
mención a Camargo por su destreza. Louise Lamy realizó el entrechat six y Marie
Lyonnois fue ilustre por su gran habilidad con las piruetas.

Otra grande de la época, y que muchos autores la mencionan como rival

de la Camargo, fue la francesa Marie Sallé (1707-1756), quien migró a Londres
ya que no tenía oportunidad en su país por la reforma que se propuso a la danza.
Sallé debutó en el Teatro de Covent Garden con su coreografía “Pygmalion”,
 17

presentándose sin el corpiño, sin la falda y con el cabello liberado, cubierta solo
por un vestido de seda, con inspiración griega y liberando aún más la danza. En
todo esto influyó su gracia y encanto para cautivar a sus espectadores.

Debido a este encuentro de bailarinas destacadas y tan diferentes se dio

una lucha por la verdadera identidad del ballet, sobre si tenía que ser una danza
dramática o danza por sí misma; esta disputa aún se da en nuestros días, pero
tampoco se puede limitar únicamente a uno.

Louis de Cahusac, aficionado a la danza, en su obra Danse ancienne et

moderne ou Traité historique de la danse (1754), mencionó su posición respecto
a la danza puramente formal. Apoyado y elegido para escribir artículos respecto
a la danza en el libro Enciclopedia, también presentó propuestas para su
reforma, misma propuesta metodológica que fue puesta en práctica con el
bailarín austríaco Weuwen Hilferding; de esta manera, introdujo la cotidianidad
de la vida del campo en la escena. De Cahusac terminó como maestro de ballet
en Stuttgart, en la corte del príncipe de Wurtemberg, donde Noverre luego
ocuparía dicho lugar.

Jean George Noverre (1727-1810), discípulo de Dupré, no se limitó a la

enseñanza física, sino que incrementó sus conocimientos con estudios de
música y anatomía, y fue reconocido como el reformador de la danza tanto como
por su obra Cartas sobre la danza y el ballet, publicada en 1760; obra que hasta
nuestros días ha ejercido influencia en los nuevos maestros, coreógrafos,
bailarines e investigadores, ya que en ella manifestó la importancia esencial de
la técnica, principalmente en la expresión de las emociones de los bailarines. Un
año después de esta publicación, Gasparo Angiolini (1731-1803), teórico y
maestro de ballet, presentó Dissertation sur les ballets pantomimes des anciens
(Disertación sobre la danza pantomímica de los antiguos), en la que cuestionó
los largos argumentos explicativos de los ballets de Noverre:

“[ubicó…] el ballet pantomímico dentro del gusto del mundo antiguo”, “la
pantomima consistía en el arte retratar las costumbres, pasiones y hechos de los
dioses, héroes y hombres siguiendo el ritmo de la música”, “estos movimientos
y gestos debían componer un discurso interrelacionado, algo así como un
recitado visual facilitando su comprensión por el acompañamiento musical.
(Tambutti, 2009, p. 56)
 18

Noverre debutó a los dieciséis años y su primer gran éxito como

coreógrafo fue “Fétes Chinoises”. Fue un gran conocedor del arte de la danza,
modificó las vestimentas de los bailarines y desarrolló la expresividad del rostro
y la mímica del cuerpo sin la necesidad de máscaras. Autor de una nueva forma
escénica, el Ballet d’action, donde se daba toda una historia sin tener que ser
hablada o cantada. Tuvo a su cargo su propia compañía y el servicio de la corte
de Wurttemberg, en Stuttgart, donde recibió bailarines de todas las
nacionalidades y se convirtió en centro de actividades del ballet.

El trabajo de Noverre se centró más en los ballets exóticos, algunos de

estos eran “La féte a Vauxball”, “Les métamorphoses chinoises”, como también
los ballets con historias amorosas, como “La mariée du village” (La casada del
pueblo), “Le jaloux sans rival” (El celoso sin rival) y ballets históricos: “La mort
d’Ajax”, “La descente d’Orphée aux enfers” (El descenso de Orfeo a los infiernos)
y “Renaud et Armide”.

Varios discípulos de Noverre difundieron todas sus teorías en París,

Londres, Roma, Viena y San Petersburgo. Sus bailarinas dieron un gran aporte
al ballet por esos años: Anna Heinel creó la pirouette a la second; a G. Vestris y
Maximilien Gardel se les atribuyeron la invención del rond de jambe y
perfeccionaron esta pirouette y, finalmente, la más destacada de la época,
Madeleine Guimard, con sus representaciones dramáticas.

Tras el incendio de la Ópera, en 1781, esta se reabrió tiempo después con

“Les caprices de Galathée”, pero a la que Noverre quitó todas las partes
cantadas y se quedó, definitivamente, con la esencia, la del movimiento. Es acá,
precisamente, donde se ve cómo explica la palabra acción en sus obras ligadas
a la verosimilitud de los movimientos y emociones. Es por esto que su influencia
revolucionaria hace que consideren a Noverre como el impulsor de un género
artístico completo e independiente.

Con el acaecimiento de la Revolución francesa, los vestuarios tomaron

otro camino: lucieron más livianos y un poco más transparentes, con la finalidad
de resaltar la belleza del cuerpo. Es importante mencionar que en ese siglo no
solo resaltó el virtuosismo del bailarín, sino también la del coreógrafo y, con ello,
 19

el centro de interés del ballet migró a Italia con la ayuda de Salvatore Vigano y,
posteriormente, con Carlo Blasis.

Uno de los más destacados alumnos de Noverre fue Dauberval, creador

del ballet “La Fille Mal Garde”, de hecho, uno de los más antiguos que perdura
hasta nuestra actualidad, pero que ya no se representa como originalmente fue;
aquí se hace hincapié de que Salvatore Vigano (1769-1821), alumno de este
último, fue quien realizó los anhelos de Noverre e, incluso, se menciona que en
algunos aspectos fue un predecesor de Fokine; dejó la danza para dedicarse
netamente a la coreografía y a la composición musical de sus ballets.

Vigano procuró expresar el argumento del ballet mediante la danza y la

mímica, sin necesidad de contarla oralmente, como Noverre plasmó en sus
cartas; elaboró una nueva síntesis teatral que llamó coreodramma, en la que el
bailarín era un ser diferente a los demás, se expresaba de manera única y
mostraba sus propios sentimientos y, lo más importante, reivindicaba la danza
italiana con elementos propios. Una creación importante de él es “Prometeo”
(1801), con música de Beethoven. Con toda esto dieron a la ópera una fama de
tecnicismo, poniendo a la escuela francesa como modelo en toda Europa.

A fines del siglo XVIII, el francés Charles Le Picq dirige el Ballet Imperial
de San Petersburgo. Duport, por su parte, lleva la técnica francesa a San Carlos
de Nápoles (Italia) y al teatro de la Puerta de Carintia (Viena).

Durante la era napoleónica (1799-1815) el poder político asumió la

dirección de Ópera y el ballet estuvo al servicio del Estado como un instrumento
de poder; los hermanos Maximilliem (1741-1787) y Pierre Gardel (1758-1840)
fueron los coreógrafos de este gobierno. Sin embargo, fue Pierre Gardel quien
estuvo más cerca de Napoleón, e incluso integró el gran jurado de la Ópera.
Existen registros documentados por el menor de los Gardel, de la intervención
de Napoleón en las decisiones artísticas, lo cual se ve representado en su ballet
“Dansomanie”.

En el siglo XIX el movimiento romántico se manifestó hasta después de

1830. Aquí, la danza no se opuso totalmente a los pilares de la estética
neoclásica pero, con los años, este movimiento pasó a manos de los pensadores
románticos y fue entonces cuando empezaron los gloriosos años del ballet
 20

romántico. Dos características fundamentales de este movimiento fueron lo

sublime y lo pintoresco, sugiriendo la relación de lo abstracto con lo concreto,
como la simbolización del cisne como pureza o la figura de la sylphide como
ángel, y su mayor influencia de esta época fue la del poeta Teófilo Gautier.

“La Sylphide” y “Giselle” fueron los ballets en los que se mostraron los
prototipos señalados, las estructuras coreográficas fueron una sucesión del
ballet d’action donde la acción se acercó más a las pantomimas dramatizadas,
que eran el acto de virtuosismo del ballet. François Henri Joseph Castil-Blaze
(1784-1857), en su obra La Danse et les ballets depuis Bacchus jusqu’a Mll.
Taglioni, publicada en 1832, afirmaba: “la mayoría de los ballets habían sido
óperas o dramas traducidos a un lenguaje pantomímico”. (Tambutti, 2009, p. 71)

En 1803 nace Carlos Blasis, llamado el padre de la técnica del ballet

clásico, discípulo de Vigano y alumno de Gardel y Dauberval, italiano formado
en la escuela francesa y considerado el primer pedagogo del ballet clásico por
su libro Traité élémentaire, théorique, et pratique de l’art de la danse (Tratado
elemental, teórico y práctico sobre el arte de la danza.) publicado en 1820, en el
que plasmó principios y codificó lo que ya se conocía del ballet; también publicó
El código de Terpsícore (1830), que sirvió de base para la técnica de la danza
moderna. Uno de sus alumnos, Giovanni Lepri, fue quien aprovechó todos estos
conocimientos y los llevó muy lejos gracias a sus enseñanzas. Blasis fue quien
creó el attitude basado en la estatua de Mercurio, de Jean Bologne. En sus
coreografías destacó los temas bíblicos como base de su composición, y también
el individuo se convierte en tema del arte; la evolución fue lenta, pero profunda
en la búsqueda de la expresividad. Inspirado en sus estudios y conocimientos,
Blasis afirmó que el bailarín no se puede limitar solo a bailar.

Durante la guerra de Francia contra Inglaterra, en Londres estaba

prohibido contratar bailarines franceses, pero con el tiempo se logró que llegaran
y, además, la gran reforma de la Academia de Danza del Estado y Lise Noblet y
Albert hicieron resurgir el interés por el ballet, lo que marcó el comienzo de la
edad de oro del ballet en Inglaterra .

En París, en 1832, María Taglioni nacida en Suecia, denominada “la

primera bailarina cristiana”, estrenó “La Sylphide” en el teatro de la Academia
 21

Royal de la Música (Ópera), con coreografía de su padre Fernando Taglioni,

música de Jean Schneitzhoeffer y guión de Adolphe Nourrit inspirado en la
novela Trilby ou le Lutin dÁrguail (Trilby o el duendecillo de Argail), de Charles
Emmanuel Nodier.

Gracias a su fragilidad extraordinaria, Taglioni alcanzó el éxito y con ello,

la contribución del ballet al Romanticismo, destacando una temática
completamente nueva; como dijo en algún momento Gautier:

Después de La Sylphide, la ópera fue abandonada a los gnomos, a las ondinas,

a las salamandras, a las nixes, Willis y peris, a todo ese extraño y misterioso
mundo que tan maravillosamente se presta a las fantasías del maitre de ballet.
(Beaumont, 1949, p. 26)

Con Taglioni, el vestido se convirtió en el uniforme obligatorio del ballet

clásico en su esencia, el blanco en las mallas, tutus y las puntas hicieron que se
designara al ballet romántico como le ballet blanc, y cómo no mencionar también
la aparición de las zapatillas de puntas, claro que totalmente diferentes a las que
se usan actualmente; pero esto sugería que la bailarina se desprendía del suelo
e iba en contra de la gravedad, mostrándola como un ser extraño e inalcanzable.
Es importante mencionar que algunos cronistas de 1813 vieron a algunas
bailarinas elevarse a la punta, brevemente; una de ella era Genevieve Gosselin
y, en 1820, Amelia Brugnoli.

Jules Perrot, mientras tanto, fue compañero de Taglioni y catalogado

como I’aerien por su capacidad aérea, o también llamado “el Taglioni varón”; fue
creador de varios ballets en los que participaron Taglioni, Grisi, Cerrito y Grahn,
en el “Pas de Quatre”, “Pas des Déesses”, “Esmeralda”, “Catherine”, “Fausto” y
“Le Corsario”.

Pero Taglioni no fue la única que destacó en su época, al mismo tiempo

deslumbró Fanny Elssler, cuyo nombre vedadero es Franziska Elsser nacida en
Viena- Austria; aquella rivalidad entre ambas bailarinas ayudó mucho en la
popularidad del ballet, ya que Elssler representaba el lado apasionado del
romanticismo. Al respecto, Gautier mencionó algo sobre estas dos bailarinas tan
 22

opuestas: “Si madame Taglioni volaba, ella (Elssler) relampagueaba”.

(Beaumont, 1949, p. 27) Otra destacada del ballet fue la italiana Caronne Adele
Josephine Marie Grisi, conocida como Carlota Grisi por su interpretación de
Giselle.

Tenemos que mencionar que parte de este crecimiento artístico nace en

la Gran Academia de Danza de Milán, en 1837; su protocolo fue muy estricto y
selectivo, eso hizo que fueran modelos de imitación por otras instituciones.

A mediados del siglo XIX Francia e Inglaterra tuvieron un declive en el

ballet romántico por encima de la ópera, ya que los ballets presentaban el
virtuosismo de un solo bailarín y dejaron de lado a todos los demás bailarines
del cuerpo de baile. Habían idealizado tanto a la bailarina, que se perdió el
interés por los varones tanto por parte del coreógrafo como del púbico; a esto se
sumó que la demanda de bailarines varones fuera escasa, llegando a la
necesidad de que las mujeres bailarinas se vistieran de hombres, ya que estos
se convirtieron solo en soporte de los Pas de Deux, lo cual debilitó la situación
pero, a la vez, se desarrolló el ballet en Rusia. Prueba de eso tenemos lo descrito
por Castil Blaze, historiador de ópera:

Nuestras modas teatrales se han alterado hasta el punto de que en 1832, año
que se estrenó la sylphide, se aprobaron los cambios introducidos en el personal
del ballet. Se aumentó considerablemente el número de mujeres, mientras se
reducía el de hombres, y, los que quedaban de estos, perdieron gran parte de
su importancia. En 1846 las bailarinas vistieron los pantalones apretados, las
chaquetas y capas de húsares e hicieron una atrevida incursión dentro del
terreno hasta entonces dominado por el sexo masculino. Nadie protestó, ni en
los palcos, ni en el anfiteatro, y los encantadores húsares de paquita recibieron
la más amable bienvenida. (Haskell, 1968, p. 39)

También, lo dicho por Charles de Boigne en Ptits Memories de l’Opera

(Paris, 1857):

Los danzarines no son ya sino profesores, mimos, maestros de ballet, catapultas

encargadas de lanzar al aire y volver a recoger a sus danzarinas al vuelo… Todo
lo que se les pedía es que fueran razonablemente feos y que pudiesen hacer
juegos malabares sin demasiado esfuerzo con un paquete de doscientas libras.
(Bourcier, 1981, p. 169).
 23

Con todo esto, Rusia e Italia dieron vida a nuevas bailarinas con la
inclinación de su destreza al virtuosismo de la ejecución de pasos; por ejemplo,
Pierina Legnani, con sus treinta y dos fouettes y Virginia Zucchi, por sus
pirouettes sur la point.

La emperatriz Ana Ivanovna (1693-1740) fundó una escuela del Estado

de Rusia en 1735, dirigida por el francés Landé, seguido por Didelot, destacado
bailarín y maestro de danza, quien formó a grandes bailarinas rusas; luego, la
emperatriz Isabel I de Rusia (1741-1762), aficionada a la danza, puso en la
dirección de la escuela al maestro austríaco Hilferding, y ya en el reinado de
Catalina la Grande (1762-1796), Le Picq y Angiolini aportaron con sus
conocimientos. La mayoría de los coreógrafos franceses, como Louis Duport,
Jules Perrot, Joseph Mazilier y Arthur Saint-León, se desarrollaron en Rusia.

De igual manera, la gran mayoría de maestros franceses utilizaron a la

escuela italiana para su enseñanza; además, a Rusia llegaron muchas bailarinas
italianas para los roles principales. Solo existían tres academias de danza: en
San Petersburgo, Moscú y Varsovia.

El ballet Giselle —que se estrenó en 1841 en la Ópera de París— estaba

basado en la obra De l’Allemagne, de Heinrich Heine, para la bailarina Carlotta
Grisi, ya que él la amaba; el guión fue escrito por Jules Henri Vernoy, inspirado
en la obra; también incluyó la coreografía de Coralli Peracini (1779-1854) y Jules
Perrot (1810-1892) y música de Adolphe Adam (1803-1856). A pesar de las
muchas modificaciones que ha sufrido la coreografía original, es uno de los
ballets más intactos que ha llegado hasta nuestros días.

Esta misma obra también fue interpretada por otras grandes bailarinas que, en
algunos casos, aportaron algo más a lo que dio Grissi; por ejemplo, Fanny Cerrito
le añadió un paso llamado “de la corona”, en Milán (1843) y Madrid (1851); Fanny
Elssler añadió, a la muerte de Giselle, una escena de locura en mímica. También
Marius Petipa modificó este ballet hasta en tres oportunidades, en los años 1884,
1887 y 1899, y Serge Lifar también lo hizo en la Ópera de París.

En 1847, el destacado bailarín Marius Petipa llegó a Rusia y con los años
pasó a ser el maestro de ballet, además de coreógrafo. Una de sus
presentaciones que causó exaltación fue la de La Fille du Pharaon. En verdad,
 24

todos los bailarines tenían la misma capacidad interpretativa y técnica,

estableciendo una diferencia en relación con otras instituciones del ballet, porque
la gran mayoría se preocupaba por presentar a los principales bailarines
destacando solo su virtuosismo sin darle importancia al cuerpo de baile, o solo
como un fondo escenográfico. La técnica, y el ballet mismo, habían llegado a su
refinamiento más alto. Las obras más conocidas del repertorio de Petipa, son:
Don Quijote (1869), La bayadera (1877), La bella durmiente (1890), El lago de
los cisnes (1890) (estrenada en el Teatro Mariinsky, de San Petersburgo) y
Raymonda (1898), entre otras. Gracias a ello, al ballet ruso le da autonomía
convirtiéndolo en la cuna del estilo académico.

August Bournonville (1805-1879), hijo de Antonie Bournonville, quien

fuera discípulo de Noverre, llevó consigo el estilo nato del ballet francés a Viena
y Estocolmo, pero fue en Rusia donde alcanzó su máximo apogeo. Charles
Didelot fundó la escuela rusa de ballet en 1801 y por último, Saint-Leon, cuyo
verdadero nombre era Arthur Michel, fue primer bailarín de San Petersburgo y
con él llevó a Rusia el estilo romántico francés. A su salida como maestro de la
Escuela Imperial, en 1869, le sucedió Petipa en el cargo.

La siguiente es una crítica de Bournonville al ballet Don Quichotte, de

Petipa:

Yo he apreciado en su justo valor la fantasía de la puesta en escena, los

decorados lujosos y las transformaciones, y he reconocido la posibilidad de
explotar las riquezas del personal formado por unos doscientos artistas, bien
hechos y capaces. Yo no he sido ciego ante el verdadero talento de los jefes de
fila, capaces de producir impresión, por su virtuosismo acrobático, sobre todo
aquel que no se deje guiar por esta santa verdad: en materia de danza, lo más
difícil de obtener es la gracia, la elegancia, la belleza… Yo he buscado en vano
una acción, un interés dramático, fuera cual fuera… Si tenía la fortuna de
encontrar un pasaje inspirado por la razón (como, por ejemplo, el Don Quichotte,
del señor Petipa), la impresión quedaba de inmediato comprometida
irremediablemente por algunas entrées de bravura que provocaban el
entusiasmo de la sala. (Bourcier, 1981, p. 179)

Pero Bournonville no solo criticó eso, sino también a la nueva vestimenta

que lucían; al respecto, se dice que es la época en la que aparecieron los tutus:

Ellos estaban perfectamente de acuerdo con mi opinión y me juraban por sus

dioses que ellos también menospreciaban esa tendencia, pero que, de buen o
mal grado, tenían que seguir la corriente y dejarse guiar por un público hastiado,
por la voluntad superior. (Bourcier, 1981, p. 179)
 25

Isadora Duncan (1878 – 1927), se rebeló contra la técnica del ballet

clásico y se liberó de todo el vestuario académico que la limitara, yendo en contra
de la nomenclatura que se desarrollaba y estructuraba en una clase de ballet
hasta ese momento. Ella tomó referencias de las estatuas griegas para sus
creaciones dancísticas.

Michael Fokine (1880-1942), graduado de la escuela de San Petersburgo,

tuvo como misión retomar las teorías de Noverre y Blasis, ya que por su disciplina
y tradición consideraba que eran las mejores en cuanto a formación; por esa
razón, sus teorías fueron expuestas en su carta dirigida al Times y de la cual
citaremos un extracto para reproducir sus ideas:

1° La forma de la danza deberá estar compuesta de manera que corresponda al

asunto y debe expresar el carácter etnográfico y el de la época.
2° La danza y la mímica debe emplear solo para expresar el asunto y no como
mero entretenimiento visual.
3° En el gesto debe participar todo el cuerpo, debiendo emplearse el gesto
convencional de las manos solo cuando lo requiera el estilo del ballet.
4° Debe haber expresividad en todas las partes del desarrollo coreográfico.
5° En las artes asociadas al ballet debe dejarse entera libertad al compositor y al
decorador. No es necesario que la música sea un simple acompañamiento a los
movimientos del danzante; debe estar permitida cualquier clase de música,
siempre que sea buena y expresiva. Finalmente, no es imperioso que la bailarina
esté ataviada con la falda tradicional de ballet. (Beaumont, 1949, pp. 35-36)

Por su parte, Fokine fue quien redujo la duración de los ballets y sus
primeras representaciones fueron Noches de Egipto y Eunice.

A manera de referencia, Aleksandr Nikoláyevich Benois (1870 – 1960) fue

un hombre con grandes conocimientos en el campo del arte y la literatura, artista
influyente del diseño escenográfico; trabajó de la mano con Diaghilev.

Sergio Pavlovich Diaghilev (1872-1929), quien comenzó su carrera

artística bajo la influencia de Benois, fue director adjunto de los Teatros
Imperiales en 1899, pero no estuvo más que dos años. Además de fundar los
Ballets Rusos, logró revivir y destacar el ballet en toda Europa occidental.
 26

Diaghilev, llamado el padre del ballet contemporáneo, eligió a Fokine,

destacado coreógrafo, para realizar las coreografías para los Ballets Rusos;
trabajo muchos años para la compañía Diaghilev y entre sus ballets más
conocidos figuran El cisne (1904), Las Sylphides y las danzas polovtsianas del
príncipe Igor (1908), Sherezada, El pájaro de fuego (1910), El carnaval (1910),
El espectro de la rosa, Petrushka (1911) y Consagración de la primavera (1912),
con la colaboración musical de Igor Stravinski. El compositor escribió sobre el
proceso de creación del ballet El pájaro de fuego:

Durante todo el invierno trabajé arduamente en mi ballet, y eso me tuvo en

permanente contacto con Diaghilev y sus colaboradores. Fokine creó la
coreografía de El pájaro de fuego, parte por parte, a medida que le iba siendo
entregada. Yo asistía a todos los ensayos de la compañía; luego, Diaghilev,
Nijinsky y yo, terminábamos el día por lo general con una buena cena, bañada
en un buen clarete. (Haskell, 1938, p. 78)

Y también sobre La consagración de la primavera:

Nijinsky comenzó exigiendo un número tan fantástico de ensayos, que resultaba

físicamente imposible concedérselos. No será difícil comprender por qué insistía
en esto cuando diga que al tratar de explicarle la construcción de mi obra en
rasgos general y en detalle, descubrí que no conseguiría nada hasta que le
hubiese enseñado los rudimentos mismos de la música… Cuando, al escuchar
la música, él estudiaba los movimientos, era necesario siempre recordarle que
debía armonizarlos con el tempo, con sus divisiones y sus valores. (Haskell,
1938, p. 78)

Entre los artistas profesionales que colaboraron en los Ballet Rusos dentro
del campo de la plástica, escenografía y vestuario estuvo Pablo Picasso,
Gabrielle Bonheur Chanel conocida por su seudónimo Coco Chanel y Leon
Bakst; Leonide Massine, coreógrafo quien tomó el lugar de Fokine cuando este
dejó la compañía; con él tomó otro sentido la dirección coreográfica.
Posteriormente, la compañía pasó a manos de Bronislava Nijinska, hermana de
Vaslav Nijinsky, cuyos ballets en un principio no destacaron.

Diaghilev tuvo consigo a los mejores coreógrafos, bailarines y maestros

durante los veinte años de vida de su compañía, pero también contó con el apoyo
de Alexander Benois en la parte del decorado; lo que tenemos que resaltar es
que a Diaghilev le interesaba el campo artístico, pero nunca pudo desarrollar
bien ninguno de ellos, por lo que se dedicó a la producción y dirección de su
compañía; sin duda, él también realizó, en varias oportunidades, coreografías
 27

que no siempre fueron bien recibidas por el público llegando a ser, en algunos
casos, un fracaso artístico y financiero. Una de sus creaciones, basada en el
ballet La bella durmiente, Diaghilev la estructuró y la llamó La princesa
durmiente, porque sintió que en el existía alguna belleza que pudiera
representarla, y la presentó en el Teatro Alhambra, de Londres, en 1921.

Entre los bailarines que acompañaron a Diaghilev se tiene a Karsavina,

consideraba el ideal de un ballerina moderna; Vaslav Nijinsky, bailarín ruso
deslumbró en Europa por el dominio de su técnica; Lydia Sokolava, inglesa, con
conocimientos musicales y destreza en la expresión dramática; Vera
Nemtchinova, bailarina educada con profesores particulares sin pisar ninguna
escuela de ballet, y Anton Dolin, primer bailarín clásico inglés en Los Ballet
Rusos. Sus trabajos más destacados fueron confiados a Alice Nikitina, Alexandra
Danilova y Serge Lifar, que fueron ganando experiencia con el tiempo.

Después de la Revolución rusa, Diaghilev viajó con su compañía a París

para seguir con sus creaciones sin limitarse en sus producciones coreográficos.
Él siempre quiso que la danza fuese la congregación de todas las artes, eso se
ve en sus ballets y para ello trabajó con artistas de estilo cubista. Después de su
muerte los ballets rusos decayeron, pero sus coreógrafos continuaron con la
esencia de la danza en todas sus posibilidades corporales, espirituales y
terrenales, entre ellos estaban Fokine, Nijinsky, Massine, Nijinska y Balanchine.

Este recuento histórico nos lleva hasta Enrique Cecchetti (1850-1928),

discípulo de Giovanni Lepri, quien se inició como bailarín y posteriormente fue
un destacado maestro de danza clásica; algunos de sus alumnos, como Anna
Pavlova (1881-1931) y Vaslav Nijinsky (1889-1950), muestran el gran desarrollo
que alcanzaron debido a la formación que les dio, gracias a la fuerza y
virtuosismo de la técnica clásica italiana. Cecchetti fue maestro de ballet en el
Ballet Imperial ruso, en San Petersburgo y Varsovia, así como en la Escuela de
Danza de la Scala de Milán, además de los Ballet Rusos. Vaslav Nijinsky fue el
bailarín estrella de esta compañía hasta los primeros años del siglo XX; Thamara
Karsavina, primera bailarina de la compañía Diaghilev, destacó por su encanto
en el ballet.
 28

A fines de 1870, Francia, que había marcado tendencia en toda Europa,

era desplazada por la Escuela Rusa de Ballet, fundada por Charles Didelot
(1767-1837); en 1801 y en 1880, la escuela académica rusa de San Petersburgo
impuso su romanticismo académico en su técnica, desarrollando su máximo
virtuosismo, que se veía reflejado en las creaciones coreográficas de Marius
Petipa.

Las investigaciones que en el siglo XIX hizo Françoise Delsarte (1811-

1871) fueron de gran importancia para la danza, ya que separó lo que unía
emoción y expresión, como causa (emoción) y efecto (expresión); esta
explicación la basó en la ley de correspondencia: a cada función espiritual
corresponde una función corporal, a cada función física corresponde un acto
espiritual.

La compañía de Anna Pavlova, creada en 1910, tuvo la oportunidad de

realizar una gira por América que no fue desaprovechada, pues llevó toda
aquella tradición que se implantó en ella mientras estuvo en el Ballet Imperial
Ruso, alcanzando gran éxito. Por esta razón, se considera a Pavlova como una
de las pocas bailarinas que influenció, a través del arte del ballet clásico, a
muchas otras grandes bailarinas.

La Ópera de París y la Scala de Milán, a su vez, fueron influenciados por

Olga Spessivtzava (1895-1991), bailarina rusa graduada del Teatro Mariinski,
Serger Lifar (1905-1986) y Léonide Massine (1896–1979), para poder remontar
los ballets más antiguos y conservarlos posteriormente en su repertorio con
bailarines de una nueva generación; después de medio siglo se reconoció a
Ivette Chauviré (1917- 2016) como prima ballerina absoluta y, por último, a los
rebeldes Roland Petit (1924- 2011) y Zizi Jeanmaire conocida como Reneé
Jeanmaire (1924) por llevar a otros países la influencia de la escuela francesa.

En Paris entre 1920 y 1925 aparece el Ballets Suecos, creado y fundado

por Rolf de Maré y Jean Borlin, quien fue el primer bailarín coreógrafo de esta
compañía Sueca, que se diferenciaba de la compañía rusa de Diaghilev, por su
entrega, pasión y renovación del arte coreográfico que les había dejado su país
tras la Primera Guerra Mundial, por la sociedad y política que vivían en aquel
entonces. Sus bailarines fueron, en su gran mayoría, procedentes del Ballet de
 29

Estocolmo. Los Ballets Suecos fueron muy ambiciosos abarcando en su máximo

movimiento la expresión de las coreografías clásicas del ballet, y supieron
mantenerse a través de los años con destacados e increíbles bailarines,
coreógrafos y atrajo a muchos otros artistas.

Otra gran compañía con esta tradición y visión fue el ballet ruso de Monte
Carlo, fundado en 1932 por René Blum y el coronel De Basil, que contaron con
los bailarines de la compañía de Diaghilev después de su desintegración tras la
muerte de su director, entre otros, de San Petersburgo. Lo importante de esta
compañía es que logró juntar al público de Diaghilev y al de Pavlova con sus
ballets; con el tiempo se dividió en dos compañías, la primera llamada Les Ballet
Russes du Coronel De Basil, luego llamada Original Ballet Ruso con Fokine y
Lichine, y el Ballet Russe de Monte Carlo, en un primer momento dirigido por
René Blum y luego por Léonide Massine.

Por esos años, en Estados Unidos también habían crecido las compañías
de ballet; esto, gracias a la llegada de Fokine, Adolph Bolm y Mikhail Mordkin,
pero el gran aporte lo hizo otro ruso George Balanchine (1904 - 1983) al
implantar firmemente el ballet clásico con el apoyo de Lincoln Kirstein (1907 –
1996) y, sobre todo, de la Fundación Ford. Las compañías que se crearon son:
el Ballet Caravan (Nueva York), creado en 1936 por Lincoln Kristein, George
Balanchine, Lew Cristensen y Eugene Loring; el Philadelphia Ballet, fundado en
1935 por Catherine Littlefield; Page-Stone Ballet (Chicago), en el año 1938, por
Ruth Page y Bentley Stone; el San Francisco Opera Ballet, dirigido por William
Christense, y el Ballet Society (Nueva York) (1946), con George Balanchine. Fue
a raíz de estas nuevas exploraciones que nació el ballet neoclásico o escuela
neoclásica, donde se amplificó la codificación clásica sin alterar su carácter
natural.

Balanchine se formó en la Escuela Imperial de Ballet de San Petersburgo

y uno de sus aportes, desde muy joven, fue su creación de “Las funciones de
ballet joven”; luego de su trabajo en los Ballets Rusos y la Ópera de París, llega
a los Estados Unidos en 1934 adonde lleva sus conocimientos a través del
American Ballet, que luego pasó a ser parte del Metropolitan Opera House;
fundó, en 1941, el American Ballet Caravan y de 1946 a 1948 reorganizó el Ballet
 30

Ruso de Monte Carlo, pero su mayor logro fue la creación de su propia

compañía: New York City Ballet.

Balachine define la danza como:

El deseo que tenemos de expresar lo que sentimos al oír música. En los ballets
de danza pura no hay ni libretos ni fuerza interior, sino simplemente música. El
coreógrafo trabaja sobre la música exactamente igual que el poeta trabaja sobre
la métrica. (Bourcier, 1981, p. 194)

Junto a él trabaja Jerome Robbins, que desarrolla coreografías tan

elegantes y continuas como las de Balanchine.

Es imposible dejar de mencionar a Serge Lifar (1905 – 1986), quien

empezó en la escuela de Bronislava Nijinska (1891-1972), considerada una de
las pioneras de la integración de las bailarinas mujeres a las coreografías, así
como a la danza moderna de Norteamérica y que luego pasó a la compañía de
Diagihilev, su avance se produjo gracias a las exigencias de Cechetti. En su
publicación Manifeste du choréografe (1935), Lifar muestra que la danza es un
arte completo y llama a su estilo coreográfico: neoclásico.

Por otro lado, en Alemania, bajo la influencia de las compañías de

Diaghilev y Pavlova surgieron otras compañías de ballet que no se puede dejarse
de mencionar: El Ballet Club, en 1930, después llamado Ballet Rambert por su
directora Marie Rambert; Vic-Wells Ballet (1931), luego llamado Sandler’s Wells
Ballet, dirigido por Ninette de Valois, quien también asumiría la dirección de la
Compañía Estatal de Turquía; El London Ballet, con la dirección de Antony
Tudor; El Art’s Theatre Ballet, con Keith Lester; International Ballet, con Mona
Inglesby, y el Ballet Guild.

El ballet cubano nació con el propósito de crear una compañía profesional

de ballet clásico en 1948, bautizado con el nombre de Ballet Alicia Alonso, con
la dirección del bailarín Fernando Alonso, esposo de Alicia Alonso y hermano del
coreógrafo Alberto Alonso; quien, con su escuela de ballet y su compañía,
consiguió que el Ballet Nacional de Cuba se encontrara entre las cinco mejores
compañías de ballet clásico en el mundo, después de la Ópera de París, el Royal
Ballet de Londres, el American Ballet Theatre y el Ballet Bolshoi.
 31

1.2 Técnicas de las escuelas internacionales de danza clásica

Tomando en cuenta las técnicas de las escuelas de danza clásica, se

considera el método que se desarrolla en clase, así como la manera en que se
forman los estudiantes dentro de la escuela de ballet. En ella se presenta un
conjunto de características de estilo, técnicas, sistemas y formas que son
transmitidas al bailarín durante los seis o siete años que dura su formación
dancística profesional. De manera progresiva, si el bailarín cumple con los
requisitos físicos y anatómicos además de los conocimientos técnicos, antes de
ingresar a una de estas escuelas de ballet. Hay que resaltar que cada Escuela
tiene sus variantes y formas de aplicar los movimientos, esto se refiere al orden
de los ejercicios de ballet en la barra y centro, la posición de cada uno de los
pasos o la posición de los pies, piernas, cabeza y brazos.

Se deben mencionar tres grandes escuelas pioneras del ballet clásico: la

escuela francesa, la escuela italiana y la escuela danesa; y de estas han surgido
otras cuatro escuelas de gran importancia e influencia a nivel mundial que,
incluso, han llegado a ser las que más destacan en los últimos años y que se
van modificando con las nuevas investigaciones que se dan en la actualidad. Se
trata de la escuela rusa, la inglesa, la cubana y la norteamericana.

Dentro de cada escuela se dan diferentes técnicas, dependiendo de la

visión del maestro, quien está en constante capacitación y contacto con las
nuevas metodologías del ballet, que le permiten seleccionar a criterio las
secuencias y combinaciones de la clase para el mejor desarrollo corporal de los
bailarines, o de los objetivos que tenga con el grupo en formación; los
coreógrafos, por el mismo hecho de estructurar una coreografía o un estilo
determinado para la compañía, requieren un tipo de preparación especializada
en cierto ejercicios o poner más énfasis en algunos movimientos para que
resalten en las coreografías; esto refuerza los principios básicos que se les
imparte en las clases de ballet, para luego expresarlas con movimientos fluidos;
esto puede variar, mucho o poco, dependiendo de la dirección del ballet. El grado
de nivel de los bailarines también es clave, ya que eso exige que se elabore una
clase en la que se uniformicen para luego ir avanzando, cada cierto tiempo, en
el estilo de la danza que llevará la compañía como, por ejemplo, si es una
compañía netamente clásica, neoclásica o contemporánea.
 32

1.2.1 Escuela Rusa: Vaganova & Legat

La llamada Escuela Rusa se inicia gracias a la influencia de las dos

grandes escuelas antecesoras de la danza clásica: la italiana y la francesa; pero
se diferencia de ellas por razones sociológicas, ya que la francesa era
presentada en cortes y palacios, ante los nobles, con gracia y virtuosismo;
mientras que la italiana era presentada en lugares populares, demostrando el
refinamiento técnico acrobático. A partir del siglo XVIII, la Escuela Rusa toma
posición con su tecnicismo en este mundo de la expresión a través del
movimiento y comienza a desarrollarse por sí misma en el arte de la coreografía
clásica; sin embargo, no se habla de esta escuela sino recién a principios del
siglo XX. En esta se menciona que los estudios de conocimientos teóricos y el
gran desarrollo técnico al detalle, en toda su nomenclatura, llegaría a formar
bailarines con estudios científicos sobre ballet.

Agrippina Vaganova (1879- 1951), en su libro Bases de la danza clásica,

deja un registro escrito de las nomenclaturas de pasos y secuencias de ballet
por grados, no necesariamente estricta, y toma como modelo la técnica de la
Escuela Italiana con ayuda de algunos maestros, como Pierina Legnani (1863-
1930), bailarina que realizó treinta y dos fouettés en tournant, y fue primera
Bailarina Absoluta en el Teatro Mariinsky, de San Petersburgo; Olga
Preobrajenskaia, bailarina del Ballet Imperial Ruso y Prima Bailarina del Teatro
Mariinski, quien se dedicó a enseñar a las nuevas generaciones de bailarinas, y,
finalmente, Enrique Cecchetti (1850 – 1928), maestro, bailarín y coreógrafo
italiano, quien narra su experiencia, sus éxitos y su método de enseñanza,
apoyando el desarrollo de las nomenclaturas corporales en las mencionadas
escuela de ballet.

El objetivo de Vaganova con su libro Bases de la danza clásica (1934) es

buscar nuevas formas de creación coreográfica, conservar la herencia de la
danza clásica y tener un análisis crítico de este arte. En su fase de formación,
por ejemplo, Vaganova siempre fue corregida cuando trabajaba sus
extremidades superiores, la delicadeza y sutileza que debían tener los brazos,
pero en su momento no entendió realmente qué era lo que realizaba mal en los
port de bras. No tenía una explicación para que pudiese corregirlos, fue entonces
 33

cuando empezó su análisis de la técnica clásica y cómo debían aplicarse los

movimientos (metodología) y su ejecución (aprendizaje).

Como parte de la enseñanza de la técnica, en un principio solamente se

realizan ejercicios en la barra y en el centro, con combinaciones simples de las
piernas, y se estudian las posiciones básicas de los pies (imagen 1) para que las
alumnas estén bien preparadas para los años superiores y esto las lleve a su
profesionalismo. Esta enseñanza y aprendizaje corporal es muy lenta pero con
grandes resultados, y para esto se necesita del conocimiento general de la
técnica teórica y práctica de ambas partes: bailarín y maestro.

Imagen 1: Posiciones de los pies1. (Vaganova, 1934, p. 37)

El aprendizaje de la danza clásica en cada bailarín es diferente, los

cuerpos reaccionan de manera distinta ante una nueva acción, para esto se debe
tener una buena conciencia corporal, mantener la concentración al máximo,
saber reconocer los movimientos, los pasos básicos y avanzados, sus principios
técnicos y metódicos, saber manejar un ritmo de vida con una rutina de
movimiento constante para poder ver los resultados en la ejecución de la técnica
clásica. El bailarín también debe reconocer el lugar en donde preparará su
cuerpo y el clima donde se encuentra, ya que es un factor importante para su

1
De izquierda a derecha: Se muestran las piernas y pies en posición eh dehors, primera posición,
segunda posición, tercera posición, cuarta posición, quinta posición.
 34

aprendizaje, pues de esta manera sabrá qué tipo de calentamiento debe realizar
antes de su clase y así evitar futuras lesiones.

Técnicamente, el estudiante bailarín debe reconocer las cinco posiciones,

como se observan en la imagen 1, y todos los pasos que utilizará durante su
carrera, para ello debe conocer estas posiciones y así pueda identificar el trabajo
que tiene que desarrollar y su aprendizaje vaya in crescendo.
 35

Imagen 2:

Demi plié: Es una flexión de las piernas (con fuerzas opuestas al realizarlo) manteniendo
en dehors y la presión contra el piso, se realiza en las cinco posiciones de pies.

Grand plié: Es la continuación más profunda del demi plié sin perder lo ya mencionado.
(Vaganova, 1934, p. 39)
 36

Imagen 3: Battements tendu jete: mantiene el mismo principio del battements tendú,
pero la pierna de ejecución es lanzada a una altura de 45° y mantiene un acento
rítmico al salir y regresar (aducción y abducción)2. (Vaganova, 1934, p. 49)

2
Battements tendus: Es la aducción y abducción de la pierna, trasladando el peso a la pierna que
queda de base y, esencialmente, mantener el en dehors de la pierna que ejecuta el movimiento.
 37

Imagen 4: Rond de jambe par terre: movimiento de la pierna que se realiza en semicírculo
en dehors y en dedans sobre el piso, sin perder la rotación de las caderas. 3 (Vaganova,
1934, p. 64)

3
Rond de jambe en l’air: Mismo principio del semicírculo pero en el aire y a la pierna a la seconde
en una altura máxima de 90°, solo se mueve de la rodilla hasta el pie.
 38

Imagen 5: Vattements fondu: se inicia con un sur le cou de pied con la pierna de ejecución
y demi plié en la pierna de base, estirando ambas piernas al mismo tiempo y retorna a
su posición inicial, es un movimiento ligado y continuo, se realiza an avant, a la seconde,
an arriere. (Vaganova, 1934, p. 58)
 39

Imagen 6: Battements frappés: se inicia con un sur le cou de pied, dándole un acento
cuando se extiende o al regresar a su posición originaria (lo mismo al lado y atrás).
(Vaganova, 1934, p. 55)
 40

Imagen 7: Battements developpes: es el movimiento continuo donde se desarrolla la pierna de

ejecución en un adagio hasta alcanzar la altura máxima conservando el en dehors y la postura
del cuerpo. (Vaganova, 1934, p. 60)
 41

Imagen 8: Grand battements jete: Lanzar la pierna sin desfasar o que haya alteración
alguna en el cuerpo hasta su máxima altura, manteniendo el principio del dehors.
(Vaganova, 1934, pp. 60 y 61)
 42

Imagen 9: El trabajo del port de bras (los brazos) está constituido por tres posiciones
básicas, las demás son derivaciones; acá, el estudiante debe ser muy observador, ya
que el mal trabajo y la imitación por imitación podría traerle consecuencias como el
descontrol de los miembros superiores para la ejecución de piruetas que luego será difícil
corregir; conlleva también el desequilibrio del movimiento y estéticamente malogra la
proyección del bailarín.

(Vaganova, 1934, pp. 68)

 43

Imagen 10: Se tiene que saber y también reconocer los seis port de bras, los cuatro
arabesques y la direccionalidad de cuerpo en la ejecución de cada paso croiseé y effacé.

(Vaganova, 1934, pp. 42)

 44

Los petit allegros o pequeños saltos se aprenden desde el trabajo de

barra, ya que requieren una gran fuerza para mantenerse suspendido en el aire,
para luego ejecutar con facilidad los entrechat de pies; desde el segundo y tercer
año el aprendizaje debe realizarse con mejor ejecución y precisión para,
seguidamente, lograr los grand allegros o grandes saltos; las pirouette, tours y
los giros son esenciales en el ballet, su aprendizaje es paulatino y con mucha
conciencia porque, de lo contrario, el cuerpo adquiere vicios para realizar los
movimientos o muletillas corporales, que más tarde, con el tiempo, son difíciles
de corregir y crean una técnica imperfecta.

La escuela de Vaganova tiene un gran impacto a nivel mundial por su

técnica, pero es necesario recalcar que esta fue elaborada para cuerpos
diferentes a los de Latinoamérica; así que, trabajar completamente en los
bailarines no tiene un resultado óptimo para todos, por lo que se tienen que
buscar otros medios para conseguir la perfección del arte del ballet.

1.2.2 Escuela Rusa: Sistema Messerer

Elena Golubkova menciona sobre las reflexiones de Assaf Messerer

trabaja con el sistema de notación del Ballet Bolshoi, construye una serie de
combinaciones y secuencias en cada clase con su respectivo leitmotiv; empieza
en la barra para trabajar con los músculos que intervendrán más tarde en los
ejercicios más complejos del centro de la clase, o variando el ritmo de la música
clásica del piano. Explica que cada ejercicio tiene su propio valor y hace que las
combinaciones sean más orgánicas y naturales. Las clases son estrictamente
planeadas, todos los componentes deben estar claros, la complejidad va a
avanzar y va a adecuarse al propósito y objetivo del maestro encargado en un
tiempo determinado; también se recalca a los bailarines evitar la carga muscular.

El principio fundamental sobre el que se basa el entrenamiento del

sistema de ballet clásico de Messerer, es la progresión natural en el desarrollo
de la fuerza y el control muscular, que prepara a los bailarines para ejecutar la
forma más complicada de movimiento en la danza; la música también es un
componente que ayuda a la formación del bailarín y tiene que ser variado y
rítmicamente estricto para entrenar su oído.
 45

La estructura de la barra de la clase de ballet que trabaja Messerer es

muy similar a la de Vaganova: Plié, Grand plie, Battements tendus, Battements
jeté, Rond de jambe a terre, Rond de jambe en l’air, Battements frappé,
Battements fondu, developes, Grand battements jetés, adagio, etc. Solo se
diferencia en algunas posiciones de brazos o de piernas (imágenes 11 y 12); la
finalidad de Messerer es que los bailarines profesionales de su compañía tengan
una clase de preparación y perfeccionamiento de su técnica para continuar con
sus ensayos coreográficos; mientras que Vaganova formaba a estudiantes
bailarines con una estructura diferente cada año, para introducirlos a la técnica
que ella elaboró al detalle.
 46

Imagen 11: Messerer (1972-1979).

 47

Imagen 12: Messerer (1972-1975).

 48

Messerer reconoce que hay maestros de otras escuelas que alteran el

orden estructural de los pasos de ballet clásico, pero no los resultados del
desenvolvimiento corporal. Recomienda también el estiramiento a mitad de clase
y que este no sea realizado solo al inicio o al final de la clase, para que los
músculos estén suficientemente preparados para ese tipo de ejecución. Ya en la
parte del centro de la clase se comienza con un pequeño adagio y se realizan
combinaciones diferentes de los que se prepararon en la barra; estos adagios
pueden acabar en pirouette o balancé; luego, siguen los pequeños y grandes
saltos en uno o dos pies.

Las combinaciones del centro, menciona Messerer, tienen variantes en el

orden en que se ejecutan, según la escuela de procedencia; pero lo que no
recomienda es realizar saltos en esta primera etapa que se desarrolla en el
centro, ya que los músculos no están lo suficientemente preparados para
ejecutar esa presión y suspensión sin un previo calentamiento de pies.

Messerer afirma que

En el gran adagio permito algunas formas de vinculaciones de movimientos,

como chassé, o failli. En la combinación de grandes battemets jetés que sigue,
a veces doy pequeños saltos, pequeños chamgemmets de pied o jeté assemblé.
(Messerer, 1972-1975, p. 37) (Imagen 13)
 49

Imagen 13: Adagio y développé. (Messerer, 1972-1975)

 50

En ese mismo sentido, Messerer también menciona las clases mixtas que
dicta a hombres y mujeres con quienes ha trabajado en su compañía, y la forma
que le ha dado a estas, tanto en la barra como en el centro; en ella tiene que
construir movimientos que difieran pero que sean de utilidad tanto para la
bailarina como para el bailarín. Por ejemplo, al realizar los saltos, los varones
requieren mayor fuerza física, como: doublé sauts de basque, tours en l’air o
pirouettes a la seconde, o las mujeres, que necesitan desarrollar más los
fouettes, piques y adagios.

Para esto, las combinaciones de los allegro tienen una ligera modificación
al final de la secuencia para varones y mujeres; a ellos se les exige la elevación
y rapidez de sus pies, es uno de los momentos más virtuosos que tienen; en
cambio, a ellas se les pide que destaquen en los grand allegro para mostrar su
resistencia y flexibilidad contra la gravedad y el control de su centro. El tiempo y
carácter del movimiento debe ser muy bien observado por el maestro; eso exige
que los fundamentos principales del ballet sean bien aprendidos y con ello
obtengan un buen resultado en la ejecución del movimiento, pues eso afirma la
estabilidad y el equilibrio, la exactitud de las posiciones y la colocación adecuada
del cuerpo. Todo esto lleva como resultado: un bailarín profesional.
 51

Imagen 14-1: Epaulements con battements tendus croiseé. (Messerer, 1972-1975)

 52

Imagen 14-2: Epaulements con battements tendus efaccé y croiseé. (Messerer, 1972-
1975)
 53

Otra recomendación para la enseñanza de los maestros de danza clásica

y para el aprendizaje de los estudiantes, es evitar la repetición innecesaria del
ejercicio, porque este método es extremadamente peligroso, ya que sobrecarga
los músculos del cuerpo y puede causar lesiones en el bailarín. La finalidad es
alcanzar no solo un alto nivel de ejecución de los pasos y tecnicismo, sino la
perfección de la danza como arte en conjunto, la belleza de la línea clásica, el
diseño plástico en el movimiento de los brazos y las extremidades inferiores, y la
expresividad e interpretación del bailarín, que es muy importante en las
coreografías y la musicalidad. En todo esto, el maestro desempeña un rol
indispensable para su aprendizaje.

La técnica de las clases de ballet del Teatro Bolshoi trabajada por

Messerer, comprende la estructura de los pasos universales del ballet clásico,
en ella presenta desde combinaciones simples hasta complejas. Es una
característica esencial de su sistema: la clase dura una hora y media, dividida en
tres partes, el primer tercio para la barra y los restantes dos tercios, en el centro;
siempre se repite la combinación en dehors y en dedans. Messerer trabaja con
los mismos principios de Vaganova: determinación de los puntos del aula para
los croisse, effacé, epaulements, écarté y, en cuanto al uso de tres posiciones
de brazos, se ha explicado que en cada escuela de ballet varía la cantidad; en
las clases mixtas, los bailarines trabajan de la misma manera, pero a partir de
los saltos comienzan a dar variaciones separadas o cuando se hace una
combinación de grand allegro, la diferencia está en el paso final con el que
terminan.

Aunque el trabajo de Messerer es especializado y trabajado en compañías

profesionales, si se va aplicar se debe sintetizar las clases de ballet en objetivos
a mediano plazo para alcanzar resultados, esto ayuda a no desarrollar alguna
debilidad técnica en los estudiantes.
 54

1.2.3 Escuela Cubana

La primera aparición para la formación de ballet en Cuba fue con el ruso

Nikolai Yavorsky, en la Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical de La
Habana, en 1931, en donde formaban a los bailarines pero no de manera
constante, lo que provocaba mucha insatisfacción a los Alonso; a la vez, esto
generaba la necesidad de crear un tecnicismo metodológico para los cuerpos de
su país en las escuelas de ballet ya establecidas en todo el mundo, porque
consideraban que todas hacían un aporte muy importante para la formación del
bailarín.
Riera (2012) en su tesis de investigación realiza una breve historia del
Ballet Cubano, menciona varios aspectos que desarrollaron a lo largo de sus
años de creación. Las clases de la Escuela Cubana son desarrolladas a partir de
un profundo análisis y reflexión, de un pensamiento pedagógico y metodológico
que no deja de incluir el trabajo multidisciplinario desde los primeros momentos.
Han perfeccionado la técnica con el transcurrir de las décadas, desde los
primeros patrones fundamentales de la danza clásica y la medicina desarrollada
altamente en Cuba. Existe una estructura de clase desarrollada, no por tradición
o copia, sino de un análisis que recopila elementos de las escuelas rusa,
francesa, italiana y americana; es decir, han hecho un análisis científico y
pedagógico de cómo se debe trabajar una clase de ballet a partir del método
cubano. La escuela tiene una personalidad definida, con características propias,
así como con diferencias que son evidentes a simple vista en una clase de ballet
de escuela y compañía.
El Ballet Nacional de Cuba fue fundado en el año 1948 y bautizado con el
nombre de Ballet Alicia Alonso; en sus inicios, Fernando Alonso, el gran maestro,
pedagogo y metodólogo del ballet clásico cubano, reflexionó sobre algunos
casos que se presentaban en las clases de ballet. Por ejemplo, se dio cuenta de
que había muchos problemas en las rodillas de los bailarines y consultó a varios
especialistas, entre ellos un doctor, un gran deportista, entre otros que se
dedicaban a la preparación física, para entender cómo lograr más fuerza y cómo
evitar lesiones. Gracias a este análisis llegó a la conclusión de que primero
debían calentar las articulaciones de los tobillos y después, la articulación
coxofemoral (cadera y fémur), para luego llegar a la gran flexión como el grand
 55

plie; en otras palabras, tener, previamente, una buena clase de preparación

física.
Al comienzo de la clase se trabaja el battements tendu con demi plié y
estirado; se realizan, al menos, tres ejercicios de tendus antes de llegar al gran
plié. Por lo general, el primero es frente a la barra; luego, los siguientes, de perfil
a la barra. El grand plié se ejecuta después de los tendus, o puede ser también
hasta después de los battements jettes e, incluso, se puede añadir en
combinación con el ronde jambe par terre.
Otra de las características de las clases de danza clásica es el trabajo de
los port de bras. En los primeros ejercicios siempre está combinado con las
extensiones hacia adelante y hacia atrás, con los souples y cambré en diversas
posiciones, como sexta posición, primera posición de pie, con demi plié, de cote,
a la barra, etc., buscando el calentamiento y estiramiento al inicio de la clase,
antes de llegar a los ejercicios más complejos; analizar la manera de intercalar
un ejercicio rápido con un movimiento más lento para preparar la musculatura; ir
subiendo las piernas poco a poco, desde el tercer ejercicio, de manera muy fluida
para lograr la ligereza. Al final de la barra, el adagio se realiza para lograr mayor
fuerza, resistencia y sustentación y, finalmente, el grand battement jeté, que se
ejecuta con los principios de cualquier escuela de ballet.
Se trabaja la posición de la cabeza, postura del cuello desde la espalda
hasta la proyección de la mirada. El alumno debe tener la mirada en un punto fijo
frente a sí, cada vez que cambia la cabeza con algún movimiento. Es necesario
y muy importante que este punto fijo no se proyecte hacia el piso sino a la altura
de los ojos o un poco más arriba. Con los ojos abiertos, se debe buscar la lucidez,
claridad y precisión en los puntos, esto ayudará mucho en los giros y piruetas.
La mirada proyectada hacia abajo afecta el sentido de la perpendicularidad
afectando, también, la colocación de la espalda y, por lo tanto, el desarrollo bien
ejecutado de los port de bras.
En los niveles más avanzados (a partir del tercero o cuarto año de ballet)
se trabaja la dirección del cuerpo hacia los ángulos de la sala de ballet (croisé,
effacé, ecarté derriére y ecarté devant) para tener más independencia de las
partes del cuerpo y sea más orgánico cuando se baile. Luego de algunos
análisis, se llegó a la conclusión de que de esa manera se logra el trabajo de la
espalda, que es esencial para los giros característicos de la Escuela Cubana.
 56

Todos los movimientos se basan en la física elemental, pues el movimiento en

la danza es pura física. En el giro hay una serie de leyes de la física, como las
fuerzas centrípeta y centrífuga; así como romper con la inercia —la inercia tiene
una tendencia y es necesario romper con ella— para crear un nuevo movimiento;
tampoco se deben olvidar las leyes del equilibrio. Existe toda una serie de leyes
que hay que conocer y utilizar para realizar los giros perfectamente.
Otro factor importante es el punto base de apoyo. Se trabaja sobre la base
del equilibrio, el movimiento de la cabeza, la postura de la espalda y la fuerza
centrada en el abdomen; por ejemplo, cuando se realiza un giro el cuerpo se
mueve en bloque, todo al unísono, y la precisión del impulso debe ser exacto,
controlado. Un movimiento de la cabeza rápido contribuye a la coordinación de
los giros para evitar el mareo o descolocación del cuerpo, que provoca el
descontrol del cuerpo y la caída del mismo. Desde el centro se trabaja todo tipo
de variaciones que puedan facilitar el giro. Todos los pasos pueden ser
enlazados con giros, solo hay que buscar la forma de unirlos o guardar el
equilibrio en la posición con la que se girará.
En las clases se busca la repetición del ejercicio con la razón justificada
de interiorizar y dominar el movimiento; en otras palabras, que la repetición sirva
para que se mejoren y superen las dificultades, y no para generar presión y
lastimar o sobrecargar los músculos. En ese sentido, se desarrollaron cuatro
ideas fundamentales:

1. La clase no debe tener un sentido coreográfico. No enfatizar la clase

con movimientos superficiales en la barra y el centro, se debe
concentrar en la elaboración y buena ejecución de la técnica clásica,
lo que no quiere decir que no tenga una belleza artística en cada paso.

2. Se le exige al alumno que trabaje el sentido interpretativo. Esto es

necesario desde el inicio de su formación, ya que debe transmitir algo
más que tecnicismo, que también es importante, sin llevarlo a la
exageración; eso le da un plus a su profesionalismo y lo hace
diferente.

3. El disfrute de los ejercicios desde la clase. Aprender a disfrutar del

arte del ballet, lograr grandes pasos a pesar de sentir que el cuerpo
 57

nos juega en contra, o por el propio dolor de los movimientos

antinaturales, conseguir que la audiencia encuentre esa satisfacción
en el movimiento corporal.

4. No perder la limpieza y calidad del movimiento. Todo lo ya

mencionado debe ser acompañado por la buena elaboración de la
técnica, la ejecución y la coordinación de brazos, piernas y cabeza.

En todo esto, el maestro juega un rol fundamental, pero el problema del

maestro está en hacerse entender y en transmitir claramente sus conocimientos;
eso es lo difícil, el maestro no es aquel que cuestiona al bailarín por no recordar
o no realizar bien los ejercicios de la clase; es el maestro el que tiene que lograr
que el alumno entienda, de lo contrario, no está enseñando correctamente,
porque si el estudiante no entiende el error es directamente del maestro. Es
importante que el maestro tenga conciencia de que no se puede tratar a todos
los alumnos por igual, ya que el estilo de aprendizaje de cada estudiante bailarín
es individual/personal.
El maestro de danza clásica debe hacer un trabajo que vaya más allá de
la enseñanza de la técnica en salón de clases, debe guiar al alumno en el más
amplio sentido artístico posible, exigirle que se cultive como persona, desarrollar
un sentido ético y estético; debe darle los elementos que le permitan formar
criterios de evaluación y el sentido analítico y crítico de los fenómenos culturales,
evaluar su competencia y no confundirlo con la idea de que obtenga la mejor
calificación semestral.
Se debe entregar siempre la teoría de la correcta definición y ejecución de
los pasos, y hacer las correcciones a tiempo con el fin de evitar los malos hábitos
corporales, que luego serán más difíciles de corregir.
La metodología cubana para la enseñanza de la técnica de la danza
clásica tiene sus características generales bien definidas, propuestas por sus
fundadores. A continuación veremos algunas de ellas:
• Cada una de las posiciones y pasos básicos se estudia como un
“elemento” que, una vez asimilado, se procede a combinarlo. Por
ejemplo, para llegar al estudio de un passé a relevé de quinta posición,
se habrá tenido que asimilar la quinta posición de pies, el demi-plié, el
relevé y el passé, todos por separado en primera instancia.
 58

• Todos los pasos básicos se estudian primero con dos manos frente a la
barra; luego, con una mano en la barra y después se pasan al centro.
• Las piernas deben estar bien estiradas, con una sensación de empuje
del piso, siempre alargando la línea y estirando al máximo la musculatura.
• Se requieren dos o tres ejercicios de battements tendus y algún
levantamiento de piernas antes de realizar grand plié.
• En los ejercicios de barra es usual alternar la pierna que trabaja con la
de base para realizar un buen trabajo de cambio de peso, que luego se
llevará al centro.
• La altura del relevé, tanto para mujeres como para hombres, es siempre
de 3/4 de punta.
• El estudio de los pasos se realiza por etapas; por ejemplo, el rond de
jambe par terre, en el primer año, se estudia la primera mitad en dehors;
luego, la segunda mitad en dehors, y posteriormente se estudia la primera
y segunda mitad en dedans. Luego, completo y seguido en dehors y en
dedans.
• La estructura de cada clase y de cada ejercicio es de suma importancia,
se estructura la clase con base en los objetivos generales del año u
objetivos específicos por semestre.
• La barra y el centro se estructuran, dentro de lo posible, alternando un
ejercicio que desarrolle control y fuerza con otro que desarrolle velocidad,
con el fin de lograr una musculatura óptima.
• Se inicia la sección de allegro con saltos pequeños de dos a dos pies,
de dos pies a un pie, y de ahí se va desarrollando hacia el allegro mediano
y grande. La acentuación de los saltos es siempre arriba.
• Desde la barra, la estructura de cada ejercicio es bastante combinada,
a partir del segundo año se empiezan a trabajar pequeñas combinaciones
con los pasos aprendidos y para el séptimo año se deberá manejar un
lenguaje amplio y fluido.
• Desde el primer año se debe ejercitar la respiración en la mecánica de
la danza para llegar a convertir el ballet en un movimiento natural y sin
esfuerzo.
• Se debe insistir constantemente en la colocación del cuerpo, piernas,
brazos y cabeza en cada movimiento.
• Los pase se exigen siempre muy altos y sin apoyarlo en la pierna de
soporte.
• No debe faltar en la clase diaria un ejercicio de battements fondus, tanto
en la barra como en el centro.
• Las extensiones altas son imprescindibles y a partir del segundo año se
empieza a trabajar la altura en todas las posiciones in l’air.
• No existen port de bras fijos, se van elaborando según las necesidades.
• Al estudiar el allegro durante los primeros años se hace uso del “estira-
plié” entre uno y otro paso, o colocándolo en la frase de manera que
ayude al siguiente salto.
 59

• Lograr rapidez y dinamismo en la ejecución de los allegros. Ejercitar los

grandes saltos. (Riera y Guerra, 2012, pp. 76-81)

La Escuela Cubana ha realizado un trabajo impecable con sus bailarines

en formación y con profesionales, desde siempre, como todas las grandes
escuelas internacionales de ballet. Los maestros, desde que tienen a cargo la
formación de un grupo de bailarines deben considerar todas las alternativas,
porque todas tienen la capacidad de formar correctamente a los estudiantes,
pero deben saber llegar y asegurarse de que reciban y procesen debidamente la
información motora.
 60

CAPÍTULO II

Didáctica del movimiento dancístico. Las técnicas, el estilo y

su aprendizaje

La didáctica es la forma como se va a enseñar la técnica clásica a través

de diferentes métodos de enseñanza del movimiento para generar una base
sólida en las clases de ballet; es, también, el arte de saber enseñar no solo a
través de palabras, sino con gestos, expresiones y movimientos para poder
lograr que el aprendizaje tenga un resultado óptimo y alcance todas las
competencias y capacidades que se tengan en consideración para los diferentes
niveles.

Los estilos más predominantes en las clases de ballet dependen de la

escuela de ballet; por ejemplo, la técnica cubana es un entrenamiento diferente
a la técnica rusa, por el trabajo de sus movimientos; pero la intención del maestro
es que el bailarín lo capte y lo adapte a su cuerpo, por sí mismo.

2.1 Técnicas de aprendizaje del movimiento: observación, ensayo y error

Se da dentro del sistema de aprendizaje visual, auditivo y kinestésico, así

como de la programación neurolingüística; al respecto, Howard Gardner propuso
en Las inteligencias múltiples-inteligencia corporal o kinestésica (1983), que todo
el conocimiento y movimiento corporal ingresa por los ojos y se guarda en la
memoria visual.

Existen casos en los que el maestro no puede realizar los movimientos

por diferentes razones o eventualidades, y entonces brinda al estudiante la
explicación verbalizada de los pasos, los movimientos y la secuencia (utilizando
los términos de la danza clásica) y lo demuestra, muchas veces, sin dar mayores
detalles de los principios ni de la ejecución misma; en otros casos, los bailarines
no recuerdan lo explicado de la clase; sin embargo, todos nacemos con estas
potencialidades, refiriéndonos al aprendizaje corporal y kinestésico, que se
pueden desarrollar en mayor grado, ya que son muchas las condiciones que ella
 61

abarca y no todos logran perfeccionar cada habilidad específica que exige el

ballet; por ejemplo, saltos, giros, resistencia, coordinación, flexibilidad, dehors.

El estudiante bailarín aprende siguiendo un “modelo” y sin saberlo,

muchas veces, es en beneficio y otras en perjuicio de su herramienta de trabajo,
que es el cuerpo; en este caso, el “modelo” es el maestro de danza clásica. La
decisión que toma el estudiante bailarín de seguir ese modelo es consecuencia
de lo que ha visto. Los resultados que ha obtenido este modelo son de gran
influencia para seguir ese mismo camino de aprendizaje, pero olvidan analizar
sus propias condiciones personales, sus habilidades y destrezas, así como las
limitaciones que cada cuerpo tiene; esto, muchas veces conlleva un mal
aprendizaje kinestésico de la danza clásica.

Un bailarín en formación tiene que nutrirse de diferentes maestros, saber

que debe mejorar toda la técnica del ballet, pulir lo que domina su cuerpo y
acondicionarlo para lo nuevo que se le enseñará. Para esto, el maestro debe ser
muy consciente de los cuerpos que formará y cómo debe ser la exigencia con
cada uno de ellos.

En esta primera etapa del proceso es donde se da lo que llamamos

ensayo-error; aquí, el estudiante bailarín aún no tiene la capacidad de discernir
lo que puede, debe y tiene que hacer antes, durante y después de una clase de
danza clásica, según su estructura anatómica y sus condiciones físicas, pero se
da, en algunos casos a corto o largo plazo, el entendimiento y procesamiento de
esta información; sin embargo, para eso el maestro de ballet facilita el
aprendizaje y se convierte en un mediador; en este proceso, el estudiante
bailarín es el protagonista de todo el proceso.

El aprendizaje por imitación u observación se da como si se aprendiera

por la experiencia de otra persona, y no se analiza si es bueno o malo para él;
en el caso de los niños, solo repiten lo que hacen los adultos y copian
exactamente lo que ven. Para este tipo de aprendizaje es necesaria una base
colectiva porque tiene, por lo menos, la intervención de dos personas: el modelo,
al que también le podemos llamar el maestro y quien asume una conducta
determinada, elaborada, estructurada y con el fin de que consiga en sus alumnos
una buena formación técnica de la danza clásica; y el aprendiz, también llamado
 62

el estudiante bailarín, que realiza la observación y ejecución de dicha conducta;

esta observación determina el aprendizaje por ensayo-error pero sujeto a sus
propias estrategias.

Albert Bandura (1977) nombró a este tipo de aprendizaje la “teoría social

del aprendizaje”, que se da gracias a que los estudiantes aprenden por la
experiencia indirecta que perciben de los modelos, en un contexto social
mediante procesos cognoscitivos y, en este sentido, este tipo de aprendizaje es
“modelado”, por lo que necesita la conducta del modelo para ser observado o
realizar otras acciones estimuladoras que se pueden transformar en imágenes y
códigos verbales que se guardan en la memoria del estudiante.

Bandura recalca los conceptos de refuerzo y observación. Afirma que los

seres humanos adquieren destrezas y conductas de modo operacional e
instrumental (con movimiento, en la praxis). Entre la observación y la imitación
siempre intervienen factores cognitivos que ayudan al sujeto a decidir si lo que
hace se imita o no; eso quiere decir que influyen mucho las cualidades
académicas y los logros que pueden observar los educandos. En los niños,
menciona Bandura, la observación e imitación se da a través de los modelos que
pueden ser los padres, hermanos, maestros, amigos e incluso, personajes de la
televisión. Es por eso que debe ser un gran ejemplo la impresión que se les da
a los alumnos desde el primer momento hasta el fin de su formación.

La imitación se da por diferentes factores, entre ellos el instinto, pues las

acciones observadas despiertan un impulso instintivo por copiarlas (ya explicado
anteriormente y más recurrente), por el desarrollo; los niños imitan las acciones
que se ajustan a sus estructuras cognoscitivas, por condicionamiento; las
conductas se imitan y refuerzan por moldeamiento y perfeccionamiento.

Los factores cognitivos se concretan a la capacidad de reflexión y

simbolización que debe generar el maestro, así como a la prevención de las
consecuencias en los procesos de comparación, generalización y
autoevaluación que realiza cada estudiante. Se afirma que el comportamiento
depende, también, del ambiente, así como de los factores personales, familiares
o emocionales (motivación, retención y expresión motora).
 63

El aprendizaje social, también conocido como aprendizaje vicario,

observacional, imitación, modo de aprendizaje o cognitivo social, se basa en una
situación social en la que, al menos, participan dos personas: el modelo, que
asume una conducta determinada, y el sujeto que realiza la observación de dicha
conducta. Esta observación determina el aprendizaje.

En ese sentido, Albert Bandura consideró que la teoría del conductismo

se focaliza sobre los cambios que no pueden observarse, medirse ni manipularse
y rechaza todo aquello que sea subjetivo. En este método, el procedimiento es
manipular la variable para luego medir sus efectos sobre otras. Por eso, Bandura
estudia el aprendizaje a través de la observación y el autocontrol. Así, el
aprendizaje se realiza según el modelo conductista, que pone de relieve cómo la
observación y la imitación intervienen como factores cognitivos que ayudan en
este proceso.

Elementos del aprendizaje observacional

1. Atención. Si se quiere aprender algo es necesario estar en estado de

atención; si se está distraído por un estímulo ajeno la retención será más
complicada de lograr. Algunas de las cosas que influyen en la atención
tienen que ver con las prácticas del modelo. Si el modelo es colorido y
dramático o si el modelo es atractivo o prestigioso, se presta más o menos
atención.

2. Retención. Se debe ser capaz de recordar aquello a lo que se ha prestado

atención, guardado en la memoria lo que se ha visto hacer al modelo en
forma de imágenes mentales o descripciones verbales. Una vez archivadas
en la mente esas imágenes, se podrá reproducirlas con el propio
comportamiento.

3. Reproducción. Las imágenes o descripciones se traducirán al

comportamiento actual del aprendiz. Es fácil repetir la conducta, y la
repetición constante lleva a la práctica para lograr los resultados esperados.

4. Motivación. No se puede realizar nada a menos que se esté lo

suficientemente motivado para imitar o, al menos, que se tenga buenas
razones para hacerlo.
 64

Factores que influyen en el aprendizaje observacional

 Estado del desarrollo

 Prestigio y competencia del modelo
 Expectativas de los resultados
 Establecimiento de metas
 Autoeficiencia
 Enseñar nuevas conductas y actitudes
 Dirigir la atención
 Despertar las emociones

El aprendizaje social es la forma en que los individuos adquieren nuevos

conocimientos a través de la socialización e interacción con el medio externo,
el sujeto modifica su conducta por observación y moldeamiento de un modelo.
El aprendizaje por observación influye en los integrantes de una sociedad, y esta,
a su vez, interviene en la misma.

El aprendizaje kinestésico

Está entendido que lo que predomina en el aprendizaje kinestésico es la

experimentación, la conciencia corporal y el análisis del movimiento por medio
de una orden del cerebro; todo está pensado y planeado para su ejecución
evitando, así, errores en el ejercicio y, en este caso específico, lesiones o
muletillas corporales difíciles de corregir o de recuperar.

El estudiante bailarín tiene que expresar cada movimiento, sentirlo suyo,

con esto queda claro que influenciará tanto lo visual (todo lo que ve) como lo
auditivo (todo lo que escucha y se le dice). Es necesario procesar la información
y llevarla al cuerpo porque es en él donde se desarrolla este aprendizaje; esto
no quiere decir que el alumno obtendrá los resultados más óptimos en corto
tiempo porque, como ya se mencionó, cada cuerpo tiene habilidades innatas
para ciertos movimientos, así como limitaciones para otros adiestramientos, pero
le será más fácil encontrar la manera de conseguirlo dentro de su máximo límite.

En el aprendizaje kinestésico entran otros sentidos, como el auditivo y el

tacto (lo visual no es suficiente para alcanzar el objetivo del movimiento). Por
 65

ello, los estudiantes bailarines buscan y gustan de participar, moverse y

practicar; en resumen, comprobar un aprendizaje por ellos mismos para mejorar
su calidad dancística.

Según el contexto, en una clase de danza clásica se puede dar el

aprendizaje por observación e imitación si el profesor se convierte en un modelo,
según la concepción del prestigio o reconocimiento que tenga el estudiante
bailarín sobre él. Por ejemplo, ¿qué pasa si el profesor es o fue bailarín y maestro
destacado en el campo de la danza, con muchos años de experiencia? Lo más
probable es que el alumno tienda a imitarlo, pero tiene que estar muy consciente
para aplicar estos nuevos conocimientos corporales dentro del rango de su
cuerpo, ya que no todos van a poder seguirlo (porque algunos no tendrán las
condiciones necesarias y abandonarán si no saben trabajar adecuadamente con
su cuerpo).

El aprendizaje kinestésico aplicado a la danza clásica no busca

uniformizar a todos los estudiantes bailarines, ya que cada uno aprende de un
modo diferente, tiene su manera de resolver las situaciones y busca cómo
aprender mejor, a su manera. El maestro ayuda a encontrar ese método
personal, porque es un mediador y enseña a trabajar con el cuerpo con
conciencia corporal, y a aplicar todas las teorías anatómicas. En este aprendizaje
es muy importante la capacidad de desarrollo cognitivo, porque se aplican
conscientemente todas las teorías de aprendizaje para un mejor resultado y que
este se evidencie en el aula y escenario.

2.2 El estilo de movimiento y su aprendizaje

El aprendizaje kinestésico: tipos de aprendizaje según la danza

clásica en Lima, Perú

Desde la llegada del ballet a nuestra ciudad (en 1917, con Pavlova), la
forma en que se enseñó y se aprendió la danza clásica fue empírica, porque los
maestros venían con una formación diferente de cada escuela de ballet, siempre
tratando de buscar la manera óptima de llegar a la perfección en este arte
efímero, tanto en movimiento corporal como en coreografía y conocimiento.
 66

Existen estilos de aprendizaje que están presentes en todos los seres

humanos desde su nacimiento, algunos desarrollan solo uno de ellos con mayor
potencialidad que otros; es entonces que estos estilos de aprendizaje empiezan
a caracterizar y a diferenciar unos de otros, por eso se encuentra en clase uno
o más estilos de aprendizaje, lo cual no impide que algún estudiante bailarín —
que se encuentre en el rango del sistema de representación visual o auditiva—
no pueda desarrollarse en el campo de la danza. Por el contrario, la enseñanza
y, por ende, el aprendizaje, será diferente. La gran mayoría aprende a través de
la memoria muscular, de la expresión corporal y del movimiento. Por eso hay
que tener en cuenta que un tipo de aprendizaje no es mejor que otro, sino que
se trata de una forma de establecer de qué manera los estudiantes pueden
aprender a desarrollar sus habilidades, trabajar con conciencia la materia en la
que se desenvuelven y ser más eficientes en sus procesos mentales. Esta es la
razón por la cual:

El modelo de los estilos de aprendizaje de la Programación Neurolingüística

(PNL) toma en cuenta el criterio neurolingüístico, el que considera que la vía de
ingreso de información al cerebro (ojo, oído, cuerpo) resulta fundamental en las
preferencias de quien aprende o enseña. Concretamente, el ser humano tiene
tres grandes sistemas para representar mentalmente la información: visual,
auditivo y kinestésico (VAK). (Romo, López y López, 2006)

En el aprendizaje kinestésico no se trata de aprender los nuevos

movimientos del ballet por una simple imitación, sino de establecer nuevas y
variadas coordinaciones de movimiento a partir de los ya aprendidos
anteriormente; en otras palabras, el estudiante bailarín que ya cuenta con una
base de los principios de la técnica de la danza clásica podrá realizar las
combinaciones más avanzadas y complicadas sin problema; se trata, también,
de resolver situaciones motrices con un método propio o con estrategias antes
de clase; para su calentamiento y estiramiento muscular, durante la clase; para
prevenir lesiones, trabajar y avanzar correctamente y después de clase; para
reforzar la técnica. En pocas palabras, se trata de aprender a aprender.

El aprendizaje kinestésico involucra tanto al maestro de danza como al

mismo estudiante bailarín, quien debe implementar sus propias estrategias para
resolver las dificultades motrices y de coordinación, y contar con técnicas propias
de la danza clásica, conocimientos previos de la nomenclatura del ballet,
 67

motivación para aplicarlas ante una nueva situación. Mientras que el profesor
debe ser el mediador que sepa cómo impartir los conocimientos y fortalecerlos.

Algo esencial para el progreso del estudiante es que debe estar motivado
para que condicione mejor su aprendizaje; asimismo, el maestro debe motivar
constantemente al alumno. La calidad de la enseñanza y el objetivo del
aprendizaje en cada clase y en cada semestre, deben ser: tener una formación
adecuada y continua en el plan de estudio, corregir de forma asertiva y
constructiva los errores que se presentarán haciendo, también, que ellos mismos
los reconozcan; estos son los indicadores a tener en cuenta para el aprendizaje
integral en la danza clásica.

En ese mismo sentido, los procesos de enseñanza consideran tres

aspectos fundamentales que van de la mano: actitud, habilidad y conocimiento,
con el propósito de alcanzar y activar el adecuado nivel intelectual y emocional.
Una explicación clara de estos procesos la da Isabel Megías:

1. Importancia atribuida a los procesos cognitivos: estructuración del

conocimiento, memoria, capacidad de reflexión. Los objetivos generales de la
educación en la danza no pueden limitarse a los resultados observables de la
conducta, sino que cobran importancia los componentes cognitivos, no
observables. También cobra importancia como proceso cognitivo el refuerzo
intrínseco que supone conseguir unas metas elegidas por el propio sujeto que
aprende (que reflexiona sobre su proceso de aprendizaje). Resulta un factor
decisivo en el aprendizaje y no solo el refuerzo externo (del profesor o de
compañeros).
2. El proceso educativo está centrado en el alumno, agente fundamental de su
propio proceso de aprendizaje. El alumno es considerado procesador activo de
la información y la educación deberá crear las condiciones y proporcionar los
instrumentos para que el sujeto controle y optimice su aprendizaje, teniendo en
cuenta su nivel de desarrollo psicomotor, cognitivo y afectivo-social para enseñar
de un modo más realista y adecuado. El alumno de danza debe ser formado para
ser autónomo, a la hora de practicar, resolver las dificultades surgidas en
diferentes pasos, coreografías, etc., y se le debe posibilitar esa opción,
disminuyendo el estilo de enseñanza directivo, jerárquico o formal.
3. El aprendizaje se concibe como adquisición de conocimientos pero también
de nuevos procedimientos, actitudes y valores, así como de nuevas posibilidades
de aprender. Se adquieren patrones de respuesta más flexibles y generalizables
a otras situaciones, de forma que darían lugar a diferentes manifestaciones
externas que no se hayan experimentado o practicado antes. (Megías, 2009, p.
373)

La danza es una disciplina que se aprende de manera progresiva y

constante, ya que lo que se aprende de forma correcta no se perderá y se
utilizará siempre, porque queda registrado en el cuerpo, y los conocimientos
teóricos y corporales previos son la base para un siguiente nivel o grado de
avance de la técnica clásica; esto quiere decir, también, que si el estudiante
 68

bailarín toma a la ligera su formación los resultados serán diferentes, quizá podrá
realizar los movimientos que la danza clásica pide, mas no los ejecutará
correctamente.
En muchos casos, aprender mediante el sistema kinestésico es lento,
mucho más lento que con cualquiera de los otros estilos de aprendizaje (el visual
y el auditivo). Sin embargo, el aprendizaje kinestésico es profundo; se puede
aprender una lista de palabras y olvidarlas al día siguiente pero, por ejemplo,
cuando se aprende a montar bicicleta, nadar o correr, estas actividades no se
olvidan nunca. Una vez que se aprende algo con el cuerpo, es decir, con la
memoria muscular, es muy difícil que se olvide porque queda como un sello en
el cuerpo y la mente.
El aprendizaje motor requiere pasar por tres fases fundamentales:
1. Fase de exploración o percepción. Se recibe información de su entorno y de
su interior: observa, analiza y comienza a intentar el movimiento, probando,
fallando; de esta manera se establecen conexiones entre su sistema locomotor
y la actividad neural, que trabajaran de manera conjunta y progresiva.
2. Fase de disociación o decisión. Se produce un aprendizaje realmente
“inteligente”, ya que de forma consciente y activa se busca cómo realizar el
movimiento de forma efectiva y usando menos recursos. La representación
mental que se hace del movimiento es parte de esta fase.
3. Fase de estabilización de automatismos o ejecución. Se ejecuta el movimiento
con fluidez, sin necesidad de pensamiento consciente. (Megías, 2009, p. 388)

Además, se tiene que mencionar el tema de las inteligencias múltiples

propuestas por Howard Gardner en el año 1995, una de ellas es la inteligencia
corporal kinestésica, entendida como la capacidad que tiene el cuerpo para
aprender, expresar, solucionar problemas y construir conceptos; quienes poseen
inteligencia corporal aprenden mejor cuando están en movimiento constante. La
inteligencia kinestésica se encuentra localizada en la corteza motora del cerebro,
mientras que los hemisferios controlan cada lado contrario; esta inteligencia se
aplica más en la danza, el deporte o el diseño de una invención. Las habilidades
características son la coordinación, destreza, equilibrio, flexibilidad, fuerza,
velocidad y capacidades autoperceptivas de medidas, táctiles y volúmenes.
El concepto de inteligencia kinestésica hace referencia tanto a la
capacidad que poseemos para percibir la forma de nuestro cuerpo en el espacio,
como al desarrollo de nuestras capacidades sensoperceptivas y de memoria
corporal por medio de nuestro entorno social.
 69

El aprendizaje de la danza se realiza, principalmente, gracias al desarrollo

de las capacidades kinestésicas y cenestésicas que nos proporcionan
información acerca de músculos, huesos y tendones. La cenestesia se define
como la capacidad del individuo para tomar conciencia de su cuerpo y sus
sensaciones. Con la aparición de la kinestesia, más concretamente referida a la
sensibilidad motriz, la cenestesia queda relegada a una perspectiva más pasiva
e inconsciente.
La kinestesia amplía el ámbito de la sensibilidad corporal y autores como
Henri Wallon la sitúan más cercana a la “propiocepción”4 que a la sensorialidad
hacia el exterior o “exterocepción”5. La kinestesia es la capacidad corporal que
abarca tanto la exterocepción, referida a la “sensopercepción” 6 como actividad
de los sentidos con el medio exterior, como la propiocepción, relacionada con la
apreciación y configuración de las sensaciones internas como el “reconocimiento
osteoarticular, noción de peso corporal, de presión de los apoyos, de espacios
corporales interiores, de la tensión y relajación neuromuscular, etc.”. (Megia,
2009, p. 388)
Algunos de los maestros pioneros del ballet en Lima que han tenido la
misión de formar bailarines competentes, comentan cómo han trabajado y cómo
estos últimos han ido recibiendo y aprovechando cada clase. Hay que mencionar
que cada uno de estos maestros ha trabajado en forma diferente, en cuanto a la
o las técnicas, estilos, metodología, etc.
Miguel Ángel Mora Sánchez, en su libro El papel del profesor en la
autonomía del aprendizaje (1994), define los conceptos de autonomía del
aprendizaje y de la creación y potenciación de estrategias de aprendizaje
individuales del alumno.
A su vez, María Fux enuncia que:
La danza no debe ser un privilegio de aquellos que se dicen dotados, sino que
debe ser impartida en la educación común como una materia de valor estético,
de peso formativo, físico y espiritual. A través de las distintas etapas
educacionales: jardín, primaria, secundaria y universitaria, puede ir
evolucionando esta idea y canalizando la danza como un lenguaje más en la
educación […] Danzar, entonces, no es adorno en la educación sino medio
paralelo a otras disciplinas que forman en conjunto, la educación del hombre.

4 Propiocepción, sentido que informa al organismo de la posición de los músculos, es la capacidad de sentir la posición
relativa de partes corporales contiguas.
5 El sistema exteroceptivo es un conjunto de receptores sensitivos formado por órganos terminales sensitivos especiales
distribuidos por la piel y las mucosas que reciben los estímulos de origen exterior y los nervios aferentes que llevan la información
sensitiva aferente al sistema nervioso central.
6 Procesos que permiten la captación de los estímulos físicos y su interpretación vía la actividad cerebral.
 70

Realizándola en integración en las escuelas de enseñanza común, como una

materia formativa más, reencontraríamos a un nuevo hombre con menos miedos
y con la percepción de su cuerpo como medio expresivo en relación con la vida
misma. (Fux, 1999, p. 34)

El desarrollo del ballet en Lima ha sido de muy diversas maneras, los

datos que se manejan dejan en claro la situación, los resultados de los bailarines
también lo demuestran. El trabajo ha sido bueno pero se podría lograr destacar
mucho más el talento de los bailarines, teniendo en cuenta las condiciones, los
niveles y las adquisiciones que tienen los jóvenes estudiantes ante un mundo
globalizado donde solo copiar e imitar los conduce a tomar decisiones que
provocan una mala formación o, incluso, lesiones.
 71

CAPÍTULO III

Aprendizaje kinestésico del ballet en Lima

3.1 Breve historia del ballet en Lima entre los años 1920-2017

Este resumen histórico se realizó encontrando los datos a través de dos

fuentes base para esta la investigación: Primeros Pasos (1996) de Lichi Garland,
Poder y Estudios de las danzas en el Perú (2006) de Miriam Parra; como también
las entrevistas directas en las que los maestros de danza han compartido.

La llegada de Anna Pavlova a Lima, en 1917, ejerció una influencia que

generó en los artistas y aficionados de la época la idea de crear la primera
academia de ballet, a cargo de la inglesa Wilfren Gylzean, en la Asociación
Filarmónica. Diez años después, la bailarina y escritora, llamada La Meri, decidió
realizar una gira por México y Sudamérica, según relata en su libro Dance as an
art form, que publicó en Estados Unidos. Posteriormente, Enzo Longhi presentó
al grupo de alumnas de ballet que tenía a su cargo en la Academia Nacional
Alcedo de Música. En 1932, Longhi presentó una nueva coreografía titulada El
hada de las muñecas, con auspicios de la Sociedad Filarmónica.

Un hecho importante para los bailarines de Lima fue la llegada, desde

Rusia, de Lisa Von Toerne, en 1933, por su estudio con Dalcroze y su interés
por conocer el folklore peruano; seguidamente, llegó Tamara Burkevitz como
maestra de danza. En 1935 la compañía de ballet del Teatro Colón llegó al Perú
y se creó la Academia Municipal de Ballet, promovida por Araujo Álvarez y bajo
la dirección de Longhi, que tras su muerte, la maestra rusa Lisa Von Toerne
asumió dicho cargo (1936). Una de las alumnas más destacadas de Longhi,
considerada la primera bailarina peruana en profesionalizarse, fue Rosita Ríos,
quien abrió su propia academia de ballet. Otra artista, Thora Darsie, llegó en
1938 y comenzó a dirigir el taller de ballet en el Instituto Bach.

En 1940, Kaye Mackinnon, bailarina norteamericana y su esposo el

músico peruano Luis Pacheco de Céspedes dejan París para migrar a Lima. La
dirección de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA) fue asumida por la
bailarina recién llegada, y se empezó a promover la enseñanza del ballet. En el
año 1943, Dimitri Rostoff aceptó dirigir la Escuela de Ballet de la Asociación de
 72

Artistas Aficionados y, junto al compositor Andrés Sás, presentaron los ballets

La leyenda de San Lorenzo y La patrona del pueblo. El Original Ballet Russe, del
coronel de Basil, se presentó en Lima y también Kormena Burkevitiz y Kiril
Pikieris, bailarines del ballet de la Ópera de Letonia, expresando a través de sus
movimientos su formación académica.

Kaye Mackinnon, por su parte, creó el Ballet Peruano en 1946 y un año

después Thora Darsie creó el Ballet Universitario de San Macos. Mientras tanto,
en esos años Rostoff y Sás fueron presentando más ballets, entre ellos Así vivía
una limeña, Motín de tapadas, La seis edades de la tía Conchita; todos,
presentados con el Ballet de la Asociación de Artistas Aficionados.

En 1948 llegaron desde Europa Les étoiles de l’Opera de Paris (Las

estrellas de la Opera de París), entre ellos Roger Fernonjois. Mientras tanto,
Pacheco de Céspedes en la parte musical y Mackinnon en lo coreográfico,
creaban coreografías para el Ballet Peruano.

Un hecho importante fue el arribo a Lima, por primera vez, de Alicia Alonso
en 1949, mientras que dos años después Julio Castro hizo la primera publicación
con la revista especializada en Lima titulada Ballet. Años más tarde (1952), el
Ministerio de Educación, con César Miró en la Dirección de Educación Artística
y Extensión Cultural, otorgó becas de estudio a la escuela de Kaye Mackinnon
por su trabajo y desempeño en el desarrollo de la danza.

Los ballets más conocidos y representados a nivel mundial fueron El

espectro de la rosa, Don Quijote, Cascanueces y Lago de los cisnes; estos se
mostraron por primera vez en Lima, bajo la dirección de Rostoff, en el local de la
Asociación de Artistas Aficionados. En esa época también se dio la graduación
de la primera promoción del Ballet Peruano. Al respecto, Pablo de Madalengoita
escribió su obra Panorama de la danza, en 1954.

Hacia 1958, Fernonjois reemplazó a Rostoff en el cargo de director de

ballet de la Asociación de Artistas Aficionados y grandes compañías
internacionales llegaron a Lima, entre ellas el Ballet Nacional de Chile; al año
siguiente, el Ballet de Cuba, en el Teatro Colón y, por segunda vez, el ballet Les
étoiles de Paris. Entonces, la Asociación de Artistas y Aficionados cambió de
nombre a Ballet de Lima. En esas fechas, el ruso Sergie Golovine se presentó
 73

en la capital, mientras que Roger Fernonjois creó su instituto coreográfico

peruano-francés.

Un hecho importante se dio en Trujillo: la creación de su compañía de

ballet a cargo de Ileana Leonidoff (1962-1965), que luego pasó a manos de los
bailarines argentinos Omar de Gahetano y Martha Pazharota. Posteriormente
llegó Stella Puga, quien tomó el mando de dicha compañía.

En 1963 se presentaron dos grandes compañías internacionales con

influencias en técnica clásica; se trataba del ballet de Serge Golovine y el Ballet
Siglo XX, de Bejart; al año siguiente, Fernonjois fundó el Conservatorio de Danza
de San Marcos y Vera Stastny abrió el Ballet del Art Center. Nuevamente se dio
la presencia de compañías extranjeras con influencia en la formación clásica: el
Ballet de la Ópera de Berlín y, en 1966, el Ballet Africano.

En 1967 se creó el Instituto Nacional de Ballet, con Kaye Mackinnon como

directora, que luego dio origen a la actual Escuela Nacional Superior de Ballet.
En ese mismo año se fundó el Estudio de Ballet: Asociación Choreartum, de Lucy
Telge de Linder, y el Conservatorio de Danza que tomó el nombre de Ballet San
Marcos, estuvo desactivado durante los años 1970-1972.

En 1971 se creó el Instituto Nacional de Cultura (INC) y la Escuela

Nacional Superior de Ballet pasó a depender directamente de este. Al año
siguiente, el Ballet San Marcos es dirigido por Vera Stastny y se estableció el
Conjunto Nacional de Ballet y el Ballet Moderno de Cámara. Cinco años más
tarde llegó la compañía de Ballet de Paul Taylor. En 1979, Vera Stastny asumió
la dirección del Ballet Nacional (con la unión del Conjunto Nacional de Ballet,
Ballet Moderno de Cámara y Ballet San Marcos).

El Ballet Municipal se fundó en 1983 con el auspicio de la Municipalidad

de Lima y bajo la dirección de Lucy Telge. Tres años más tarde, Ducelia Woll
creó el Centro de Danza Monterrico. En 1987 se fundó del Consejo Nacional de
Danza y se convocó a concurso nacional de coreografía. En 1988, Olga
Shimasaki asumió la dirección del Ballet Nacional del Perú.

La creación y formación de academias y centros de danza clásica iban en

aumento. Hacia el año 1994 se estableció el Ballet Municipal de Jesús María,
 74

con Lucía Alcalá de Casanova como directora y, al año siguiente (1996), Lichi
Garland publicó su libro Primeros pasos.

La reconocida Asociación Cultural Ballet Joven de Lima, bajo la dirección

de Tatiana Izquierdo y Roberto Murias, abrió sus puertas, para la formación de
bailarines, en 1999.

Ya en el nuevo siglo se dieron algunos hechos importantes para el

desarrollo del ballet, ya que, como se mencionó anteriormente, cada maestro
que llegaba traía consigo grandes influencias. En el 2010, tras dieciocho años
de lucha por la creación y profesionalización de la carrera de danza por parte del
Ballet San Marcos, se aprobó la creación de la Escuela Académico Profesional
de Danza, hoy Escuela Profesional de Danza, de la Facultad de Letras y Ciencias
Humanas, de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos; al año siguiente se
dio el ingreso de los primeros alumnos a esta carrera. En forma paralela, en esa
misma época se creó el Ministerio de Cultura y el Gran Teatro Nacional.

En el 2015 el Ballet Nacional del Perú ya tenía un nuevo director artístico:

Jimmy Gamonet de los Heros, y en el 2017 celebraba sus cincuenta años de
creación y fundación.

En otro sentido, diferentes personalidades de la especialidad se han

referido a los problemas de la danza en el Perú. Por ejemplo, Yvonne von
Mollendorff, del Ballet Nacional del Perú:

Veo con mucha preocupación la concentración del quehacer dancístico en la capital

Lima. En las provincias no se han logrado cristalizar escuelas sostenibles y las
autoridades muy poco o nada han hecho para revertir esta falta. Con excepción de
Trujillo, no se conoce ningún impulso durable y yo estoy convencida [de] que URGE
cambiar esta situación. En Lima, el desarrollo del ballet se centra en lo foráneo y
pienso que todavía hay mucho por descubrir en nuestro propio país. Así que los
jóvenes tienen una tarea por delante.7 (Correo electrónico, 25 de noviembre de 2016)

7
Muestra una clara realidad del desarrollo del ballet, todo se ha centralizado en la capital, si es
cierto que se tienen que crecer profesionalmente, las posibilidades de llegar a avanzar depende de qué
tan lejos puedas transmitir sus conocimientos de este arte para todos los estudiantes.
Ya que existen personas que lo presentan solo con un fin comercial, engañando a jóvenes estudiantes
con espíritu y talento de realizarse en la carrera.
 75

Carolina Rocío Vigil Mattos, del Ballet Nacional del Perú:

El ballet ha avanzado bastante, el Ballet Municipal de Lima nace porque solo existía
el Ballet Nacional, y en esa época era el Ballet Peruano, más folclórico, danza fusión,
luego pasó a ser más contemporáneo con la gestión de la señora Vera Stastny pero
solo existía una compañía hasta que la señora Lucy, en 1983, crea la compañía del
Ballet Municipal de Lima, porque no había otra y las chicas y chicos que hacían ballet
solo tenían acceso a una compañía y no había otro sitio dónde bailar, y eso que no
eran muchos bailarines, ahora somos más. Trujillo es una cuna de lindos artistas, ahí
tienen un gusto por el ballet súper fuerte, creo que es la ciudad en la que siempre [ha]
habido menos prejuicios con los bailarines hombres y es que siempre se ha cultivado
ese amor por el ballet. Ahora hay más cantidad, hay más exigencia también y, en
general, la danza ha crecido bastante mundialmente y eso también acá en Perú, hay
menos prejuicios que los varones hagan ballet, danza; hay otras disciplinas y eso ha
ayudado porque esas disciplinas (hip-hop, danza contemporánea, etc.) necesitan la
base del ballet como herramienta para la técnica; entonces, ya no es muy prejuicioso
el tema.8 (Comunicación personal, 16 de febrero de 2017)

Ileana Mariátegui Angulo, de la Universidad Nacional Mayor de San

Marcos:

El ballet en el Perú [se] ha desarrollado a través del tiempo pero se ha limitado al

aspecto del desarrollo de las habilidades técnicas. La enseñanza ha seguido el
esquema tradicional y no ha incorporado los avances modernos de la pedagogía de
la educación.9 (Correo electrónico, 17 de febrero de 2017)

8
Es interesante cómo, con el transcurso de los años, el ballet y todas las ramas de la danza han
ido creciendo y puede cubrir las expectativas de todo aquel joven bailarín que le interese ser parte del
arte de la danza clásica, pero se sabe también que no lo cubre del todo ya que la nueva cantidad de
población de bailarines va en aumento.
9
Se habla mucho de la escuela tradicional como el método de enseñanza para cualquier
especialidad bajo presión y superficialidad; empero, las nuevas técnicas y desarrollo científico de estas
ciencias nos muestran que el alumno debe desarrollar su sentido crítico, perceptual, kinestésico,
emocional y conceptual.
 76

Gabriela Fernanda Paliza Ravazzani, del Ballet Nacional del Perú:

Ahora hay muchos chicos acá (bailando) pero realmente cuantos pueden afrontar el
nivel de una compañía profesional exige, son poquísimos; por eso hay que reforzar
con todos los primeros bailarines de afuera, se ve más hombres ahora pero
preguntémonos cuántos son peruanos y cuántos vienen de afuera.10 (Comunicación
personal, 7 de marzo de 2017)

Ricardo Falcón Chang, del Ballet Nacional del Perú:

Actualmente, el ballet ha avanzado muchísimo, tanto en el Perú e internacionalmente,

claro que en esta última se nota más radical el avance pero en el Perú el avance es
abismal; en primer lugar, se ve [que] las personas que practican la danza ya tienen
la predisposición y acondicionamiento físico para poder desarrollar esta actividad,
porque antes no todos tenían las condiciones idóneas, pero ahora las nuevas
generaciones que están saliendo a partir de hace diez años atrás, vienen
desarrollando esas condiciones y sus metas se vuelven mucho más grandes, con
mucha más predisposición, mucho más maleable; entonces, la valla va creciendo.
Nosotros no tenemos nada que envidiar a otros países, acá en el Perú hay mucho
talento que se puede aprovechar; veo a mis alumnos y a otros con ese potencial, que
se puede explotar, se necesita una guía que los pueda formar pero ya está lo más
difícil, que es el modelo a esta disposición. (Comunicación personal, 7 de marzo de
2017)

Martha Herencia Torres, Ballet San Marcos:

Estoy contenta porque creo que nunca ha habido tanto interés por la danza en
general; hoy en día, todo el mundo si no hace danza, lo hace su hijo o su hija. Cuando
yo estuve en el colegio éramos raras las que hacíamos ballet, muy raras; entonces,
ver hoy en día que las niñas o las madres de estas mueran por hacer ballet cuando
fue difícil, porque si algo teníamos que hacer las pocas que hacíamos ballet en el
colegio en las clases de educación física, siempre nos veían diferentes. Con los años,
ahora ha crecido tanto el interés que hoy en día mueren por hacerlo; todas las
academias de danza están llenas no solamente [de quienes] hacen ballet. En Trujillo
es un fenómeno, en una casa los hijos tienen que bailar, o están en la academia de

10
El gran interés de muchos nuevos jóvenes en desarrollarse en el ámbito de la danza ha
generado que la mayoría tome su desarrollo de manera superflua; entonces, cuando tienen la necesidad
de bailar con bailarines extranjeros donde tienen una forma diferente de desarrollar su disciplina, se
aprecian claramente las diferencias y su mejor preparación, lo que hace que las compañías los
consideren más.
 77

marinera o están en la academia de ballet, pero de todas maneras están bailando; es

por eso que Trujillo siempre tiene bailarines hombres y sigue produciendo bailarines
hombres porque están acostumbrados a bailar, bailan naturalmente; así que, yo sí
veo, en ese sentido, la abundancia que hay ahora lo cual es bueno, porque, creo yo,
en una formación a través del arte en general y obviamente desde mi campo, una
educación integral que tengan los chicos más lo de la escolaridad, tengan algo de
danza porque los va a disciplinar y van a encontrar un espacio donde realmente van
a sensibilizarse, a través de sus sentidos y físicamente también les va a producir tanto
beneficio. Creo, entonces, en la educación a través del arte en general y de la danza
en particular, considero que […] por lo mismo que hay tanto, se les está dejando una
tremenda responsabilidad a las nuevas generaciones, los jóvenes de ver que las
academias (de danza) que abren sin tener mucho conocimiento, no malogren a los
niños porque veo, a veces, las condiciones y no me tengo que ir al último pueblo del
Perú, veo aquí en Lima que al considerarse alumna avanzada o yo ya he estudiado
siete años, pero no correctamente; generan lesiones severas a los niños, los pisos
no son adecuados y los pisos son lo más importante en una sala de ballet, debe ser
un piso flexible; entonces, sí considero que es muy grato para mí, como digo, desde
todo punto de vista se genera mayor trabajo para los alumnos, es tener también la
responsabilidad y no es posible que se enseñe en esas condiciones o se engañe, por
todo lo demás estoy muy contenta. En Trujillo, en 1973 había una compañía del
Instituto Nacional de Cultura, hoy en día y desde hace muchos años existe la
compañía del ballet municipal y academias, hay como cinco, todas llenas, esto en lo
que respecta a lo educacional; ahora, lo que es la oferta como espectáculo yo pienso
que no se da todavía, no se está formando un público para danza contemporánea, el
ballet nos está ganando y no podemos echarle la culpa a los demás, debemos
responsabilizarnos porque nosotros mismos nos hemos encargado, en los últimos
treinta años, de alejar a la gente de la danza contemporánea. (Comunicación
personal, 9 de marzo de 2017)
 78

3.2 Escuelas y academias formativas de ballet

3.2.1 Escuela Nacional Superior de Ballet

La Escuela Nacional Superior de Ballet fue creada en 1967. En un
principio llevó el nombre de Instituto Nacional de Ballet y tuvo como gestora y
directora a la maestra Kaye MacKinnon. El Ministerio de Educación le otorgó la
facultad de formar profesionales en el campo de maestros, coreógrafos o
bailarines de ballet clásico. En 1972 tomó el nombre de Escuela Nacional
Superior de Ballet bajo la dirección del Instituto Nacional de Cultura.
Cuenta con dos niveles de formación para sus alumnos, tanto en la parte
interpretativa como en la docencia: Formación Artística Temprana (FAT) y
Formación Artística Superior (FAS), con las que ha llegado a participar y a formar
parte de varios certámenes y festivales nacionales e internacionales.
La formación de sus alumnos es, principalmente, con la escuela rusa, con
Vaganova, pero con una buena dirección han obtenido clases maestras con
especialistas de otras escuelas para que los alumnos aprendan y enriquezcan
su desarrollo profesional.

Actualmente se encuentra bajo la dirección de la maestra, bailarina y

coreógrafa Gina Natteri Marmol que ha trabajado básicamente la técnica Rusa
pero siempre ha integrado complementariamente a las clases de los alumnos
técnicas de maestros invitados de ballet y danza contemporánea.

3.2.2 Escuela de Ballet San Marcos

Desde la fundación de la Escuela de Ballet, en 1964, la enseñanza de la

danza clásica ha llegado a formar un estilo personal sanmarquino que recoge
influencias de diferentes técnicas de escuelas, gracias a los maestros que
llegaron a impartir sus enseñanzas y a compartir sus experiencias en diferentes
momentos, tanto de la compañía como de sus escuelas formativas.
En danza clásica se han recibido el virtuosismo y la precisión de la escuela
francesa de la Ópera de París, gracias a su fundador y maestro Roger Fenonjois.
 79

Aquí, unas palabras del maestro durante su estancia en Lima:

El Conservatorio de Danza de San Marcos tiene por misión la preparación

completa y gratuita de futuros bailarines, así como el mantenimiento en actividad
de un cuerpo de baile profesional. Su ambición es la de crecer, superarse y
alcanzar esa calidad legítima que hace del arte de la danza el vehículo cultural
más completo. (Centro Cultural de San Marcos, 2011, p. 238)

El lirismo y legado de la escuela inglesa, basados en la técnica italiana del

maestro Enrique Cecchetti, del Royal Ballet de Londres, llevó con la maestra y
exdirectora de la compañía y su escuela, Vera Stastny, la fluidez y la elevación
de la escuela rusa, mientras que el sistema de Assaf Messerer fue traído por el
maestro Alexander Plisetski, del Ballet Bolshoi de Moscú a mediados de los años
70; todos ellos han trabajado directamente con la compañía y la escuela de San
Marcos. Gracias al trabajo, empeño y dedicación de los bailarines, maestros,
coreógrafos y directores, se han formado nuevas generaciones de artistas y,
además, se ha creado la Escuela Profesional de Danza, como se ha
mencionado, en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos y de ella saldrán
al Perú los primeros graduados con título universitario en Danza.

3.2.3 Estudio de Lucy Telge

Creado el 29 de marzo de 1983, el proyecto presentado por la

maestra Lucy Telge de Linder para dotar al Teatro Municipal de Lima de una
compañía de ballet propia, tal como existen en los principales teatros del mundo,
contó con la aprobación de la Municipalidad de Lima Metropolitana. La finalidad
del Ballet Municipal de Lima (BML) ha sido, desde entonces, difundir el arte del
ballet clásico en nuestro medio, así como las manifestaciones dancísticas
contemporáneas de los coreógrafos más destacados.

Una vez alcanzada la profesionalización de la compañía, por medio de su

escuela de formación, su directora Lucy Telge ha mantenido como prioridad
proporcionar, permanentemente, la mejor preparación posible a los jóvenes
integrantes de su estudio; de modo que, apoyados por la Asociación
Civil Patronato Amigos del Ballet Municipal y la Municipalidad de Lima
Metropolitana, se ha invitado regularmente a maestros, coreógrafos y bailarines
de renombre internacional y de gran trayectoria, como: Jorge Esquivel, Fernando
 80

Bujones, Iván Korneiev, Dimitri Rykhlov, Alexei Borzov, Rosario Suárez, entre
otros, a compartir sus experiencias.

La academia de Lucy Telge como la compañía del Ballet Municipal de

Lima es una de las más importantes y de mayor trayectoria en el Perú, basado
en la técnica que se ha desarrollado, por años, en el Royal Academy of Dance
de Londres.

3.2.4 Allegro Ballet

El proyecto nace por iniciativa de los bailarines peruanos Ronna Azaña y

Miguel Burgos, para dar oportunidad a niños, niñas y jóvenes de todas las
edades y clases sociales de aprender ballet clásico, desarrollar su talento para
la danza, cultivar los valores a través del arte y alcanzar, por medio de una
enseñanza adecuada, una mayor difusión de la danza en el Perú.

En el año 2009 este proyecto de difusión recibió el apoyo de la

Subgerencia de Cultura de la Municipalidad Metropolitana de Lima y se dictaron
las clases en la sala Alcedo (auditorio del Teatro Segura).

La academia de danza Allegro Ballet no solo se enfoca en brindar

educación dancística a los alumnos, sino también en enseñar al público que el
arte, además de ser una manera de expresión artística, es una carrera
profesional que puede ser desempeñada por ambos sexos.

Su metodología de enseñanza se basa en la utilización adecuada de la

técnica, cuidando aspectos del desarrollo psicológico y físico de las edades de
los niños y niñas. Desde un punto de vista pedagógico, para perfeccionar el
desarrollo de grupos pequeños y darles la debida dedicación, la clase se imparte
a diez o quince alumnos, con lo que se busca motivar a los estudiantes a apreciar
y amar el arte de la danza.

La academia Allegro Ballet cuenta con el programa de enseñanza para

ballet clásico estructurado desde el primero hasta el octavo grado, que
corresponden a cinco años de nivel elemental y tres de nivel intermedio. Parte
de un estudio de la escuela francesa que dejó el bailarín francés Roger
Fernonjois y de la escuela cubana, en convenio con la maestra Alicia Alonso,
 81

brindado por la maestra Stella Puga, creadora del Centro Cultural de la Danza
en Trujillo.

Manejan el método de la técnica cubana (francesa, rusa, danesa)

adaptada al cuerpo latino que no es igual al europeo.

Se inicia con una formación introductoria que se da paso a paso, para

llegar en las mejores condiciones a la parte de desarrollo y aprendizaje técnico
de la danza clásica.

Actualmente cuenta con diferentes disciplinas de la danza: ballet, danza

contemporánea y danzas de salón, para que niños y jóvenes decidan en cuál
desarrollarse; y es dirigida por Miguel Burgos, ex bailarín principal del Ballet
Nacional y del Ballet Municipal.

3.2.5 Cinderella

Desde el inicio de sus actividades, el 10 de enero de 1994, su directora y

fundadora Rosa Cáceres Asencio, junto a su equipo de profesores y profesoras,
ha conseguido posicionarse en el medio como una institución de reconocido
prestigio, gracias tanto al nivel técnico en danza clásica de sus alumnas como a
las importantes participaciones en eventos organizados por el Consejo Nacional
de Danza del Perú, así como por otras instituciones de igual importancia y
prestigio del mundo de la danza.

Cinderella se ha preocupado por brindar el más eficiente nivel de

desarrollo a sus alumnos, por lo que a la fecha ha realizado presentaciones
propias, con mucho éxito, en los teatros importantes de Lima, con una masiva
asistencia, realizadas íntegramente con su alumnado como parte de la formación
integral que brinda.
 82

3.3 Técnicas de danza clásica aplicadas a los alumnos para desarrollar el

aprendizaje kinestésico

Conversando con los maestros y bailarines pioneros del ballet clásico en

Lima, quienes han tenido la misión y responsabilidad de formar bailarines
competentes, comentan cómo han trabajado y cómo sus bailarines han recibido
y aprovechado cada clase de ballet. Hay que mencionar que cada maestro ha
trabajado y aplicado sus conocimientos de diferente manera, en cuanto a las
técnicas y metodología, porque su formación dancística influye, lo mismo que el
tiempo y contexto en que vivía cada grupo de bailarines.

Muchos maestros peruanos mencionan cómo han ido trabajando con sus
estudiantes bailarines la técnica de la danza clásica, cómo la han ido modificando
con el tiempo, observando los diferentes resultados de cada uno y la influencia
que han tenido de algún maestro que llegaba en un respectivo momento y lugar
de nuestra Lima. En entrevistas realizadas a maestros de la danza clásica nos
relatan cómo llegaron a sus alumnos para formarlos en el mundo de la danza
clásica.

Yvonne von Mollendorff

Empezaremos con Yvonne von Mollendorff, graduada en Múnich,

Alemania, en la Staatliche Hochschule fur Musik en las especialidades de Ballet
Académico, Pedagogía, Coreografía y Música. Inicia su carrera profesional con
renombradas compañías en Bruselas, Ámsterdam y París e integra las filas del
Ballet Nacional del Perú como solista, maestra y coreógrafa desde 1976.
Paralelamente, desde 1986 desarrolla una carrera como directora de su propia
compañía de danza independiente con la que se ha presentado en México,
Brasil, Paraguay, Chile, Ecuador, Bolivia, Venezuela, Aruba, Cuba, Colombia,
Nicaragua, Guatemala, Estados Unidos, Portugal, Alemania, Italia España y
Finlandia. También ha realizado numerosas giras por todo el Perú. Además,
ejerce la docencia, dirige obras de teatro y ha publicado diversos textos tanto
ensayos como ficción.
 83

Yvonne von Mollendorff da su punto de vista sobre las técnicas que ha

utilizado y los resultados que ha tenido; también, cómo es que los alumnos deben
aprender a aprender:

Imagen 15: Yvonne von Mollendorff

El bailarín se nutre de diversas fuentes a fin de estimular la creatividad. Creo que

no es solo una u otra técnica y su aplicación [lo] que es útil para su desarrollo,
sino también [las] disciplinas artísticas distintas: de la pintura aprende a ver
formas; luces, sombras, intensidades; del cine aprende a enfocar imágenes, a
secuenciar; la literatura alimenta su imaginación; la música le enseña
estructuras. Todos estos elementos son indispensables para formar a un artista
completo, integral, que sepa trascender la mera técnica. La técnica está al
servicio de lo que el artista quiere transmitir. En mi caso, he practicado muchos
estilos, casi todos, y debo algo a cada una de estas técnicas.

Apuesto por la técnica académica: un buen bailarín de ballet sabrá cómo resolver
cualquier desafío creativo contemporáneo, moderno u otro siempre […] Hay que
dedicar unas buenas horas en preparar una clase. Conocer de antemano el
alumnado es de enorme importancia, pues te da la clave para escoger el material
didáctico que deseas impartir.
 84

Hablar de resultados es acaso fatuo, nunca hay resultados pues nunca se

termina de enseñar o de aprender, es una meta por siempre inalcanzable porque
aspiramos a la perfección y esta, acaso, no existe realmente. El cuerpo y la
mente humana son caprichosos y cambiantes, por lo que debemos ceder, como
el agua cede a la roca.11

Ileana Mariátegui:
Empezó su formación con la Profesora Carmena Burckeviksde
nacionalidad Rusa posteriormente pasó por la Escuela Nacional Superior de
Ballet con los profesores: Olga Shimazaky, Martha Ferradas, Manuel Stagnaro,
Liliana Dalbyni.
Seminario Metodológico de Danza Clasica - Profesora Haydee Caycho.
Seminario Metodológico de la Escuela Cubana – Ballet de Camaguey.
Seminario Metodológico Sistema Vaganova - Nikita Dolgushin, Instituto.
coreográfico de San Petersburgo, 1998.
Seminario Internacional – Sistema Vaganova a cargo de Tatiana Tereckhova,
Yelena Zabalstkanskaya, Elena Shertsnieva y Alla Osipenko de la Escuela
Vaganova de San Petersburgo en Miami – Florida.

Imagen 16: Ileana Mariátegui

11
Correo electrónico, 25 de noviembre de 2016.
 85

Comenta lo siguiente:
El sistema desarrollado ha sido básicamente el sistema Ruso y
posteriormente el de la Escuela Vaganova, en menor grado el de la
Escuela cubana que es, en su origen, ruso.
A través del tiempo he ido logrando buenos resultados y por supuesto
variando mi forma de enseñar. En un primer momento era más tradicional
pero siempre busque hacer que el alumno entienda lo que está haciendo,
lo comprenda. En el proceso de perfeccionamiento siento que mis
objetivos han ido variando, ahora mi objetivo no es sacar solo un bailarín
técnicamente fuerte sino un bailarín que vaya más allá de solo el dominio
de la técnica, lo principal para mi es que primero que nada desarrolle la
capacidad de pensamiento crítico, reflexivo, que conozca su cuerpo como
instrumento de su arte, sus potencialidades y sus limitaciones y pueda
así crecer, crear, interpretar y comunicar al público toda su riqueza
interior. 12

Bruno David Silva Romero

Imagen 17: Bruno Silva Romero

12
Correo electrónico, 17 de febrero del 2017.
 86

Existen notas escritas sin publicar del maestro Bruno Silva, con respecto
al estudio de la danza clásica, enseñanza y aprendizaje, producto de los años
de trabajo y de su relación con los bailarines. Silva menciona que para un
aprendizaje kinestésico completo se tenía que desarrollar la técnica de la
interpretación, el carácter expresivo (dentro de clase) junto a la coordinación de
los movimientos, la fuerza y la resistencia.

En cada clase, con el paso a nuevos movimientos, debe reforzarse todo el

material que se ha estudiado.

Para esto es necesario incluir combinaciones complicadas, las cuales generan

en los estudiantes la fuerza muscular, la constancia, la coordinación de los
movimientos, así como también la resistencia y la voluntad de superar las
dificultades. La ejecución de combinaciones complicadas desarrolla en los
estudiantes la musicalidad, la plasticidad y la fuerza expresiva de los
movimientos.13

Cecilia María Gonzales Cavero

13
Notas sin publicar (2016).
 87

Imagen 18: Cecilia Gonzales

Empecé enseñando en San Marcos, formábamos el grupo de San Marcos

con Vera Stastny; entonces, ella determinó que la gente que era profesional
formara a niños y niñas, a cada uno de nosotros nos dio un grupo de niñas y era
lo que nosotros habíamos aprendido en general, con Dimitri, por ejemplo. Lo que
pasa es que a la Asociación de Artistas Aficionados llegaban maestros ingleses,
argentinos y rusos, y cada vez que venían todo el mundo se metía a la asociación
a tomar clases con ellos tres meses y luego se iban, eso es lo que hemos
aplicado cuando empezamos a trabajar.

La estructura de la clase que impartíamos la hicimos con Vera Stastny,

nos sentábamos en la oficina todas las maestras que teníamos a cargo a los
niños y ella nos daba las bases de qué debíamos hacer, porque ella tenía mucha
experiencia y la distribuía, eso lo tenía muy organizado (qué teníamos que hacer,
cuánto tiempo enseñar a cada grupo, según su edad); todo lo estructurábamos
con ella y nos reuníamos cada cuatro meses, aproximadamente, para ver los
resultados, ver alguna variación que tendríamos que hacer, teníamos que
informar cómo se estaba desenvolviendo y desarrollando cada niña; siempre
había información de cada grupo y de cada uno. Vera Stastny era muy estricta
con su trabajo, por eso es que han salido tan bellas bailarinas formadas ahí.14

14
Comunicación personal, 8 de febrero de 2017.
 88

Carolina Rocío Vigil Mattos

Carolina Vigil, formada en la academia de la señora Lucy Telge. Ahí, ella

tenía técnica americana, luego adquirió la técnica de la Royal Academy of Dance.
Formó parte del Ballet Municipal del Lima, donde estuvo diez años y durante ese
tiempo tuvo diferentes maestros: cubanos, rusos, argentinos como Mario Galizzi,
que influyó mucho en su carrera), becada en el Ballet de Cuba y luego en el
Ballet Nacional. Certificada como profesora en la Royal Academy of Dance y con
bachillerato en Danza Clásica en la Escuela Nacional Superior de Ballet.

Imagen 19: Carolina Vigil.

En mi opinión personal, me gusta hacer una mezcla. Yo soy maestra certificada

de la Royal Academy of Dance, mis alumnas de la escuela dan el examen de la
Royal pero yo tiendo a hacer una mezcla, me gusta mucho la fuerza que da la
técnica rusa; pero también la agilidad y dinámica que te puede dar la técnica
americana, que es la que se trabaja ahora en el Ballet Nacional con el maestro
Gamonet; entonces, busco una fusión. Pero sí es diferente, porque en una
compañía profesional los bailarines deben calentar sus cuerpos antes de clase
y eso no se tiene que hacer en clase, es ir de frente al grano; en cambio, los
 89

estudiantes en formación llegan corriendo a sus clases y, entonces, se tiene que

empezar con tendus, rotación de caderas, demi plie.

Estructuro, generalmente, en una hora mi clase, en las academias se dictan dos

o tres veces por semana a un mismo grupo, trato de que esa semana no sea lo
mismo pero sí que tenga un rumbo definido, un fin; por ejemplo, esta semana
quiero que hagan piruetas de quinta o voy a trabajar piruetas attitude, tengo una
meta a la que quiero llegar al mes, pero también lo que voy a conseguir en esa
semana con una estructura de clase similar; sin embargo, sé que se estructuran
clases y se repiten por dos semanas y es válido porque la memoria corporal se
da con la repetición en el cuerpo. Pero enseñar todos los días en una escuela
sería perfecto porque sería más constante, los bailarines avanzan más y se ve
la diferencia de alguien que trabaja dos veces a la semana a alguien que lo hace
todos los días.

Trato de conseguir que su trabajo sea limpio; que, a pesar de sus limitaciones,
busquen el en dehors, [que] roten las caderas, que no hagan por hacer porque
si no, luego ese trabajo se ve reflejado cuando bailan y, en mi experiencia, veo
a los bailarines que sufren mucho porque hace las cosas pero no de manera
correcta y al llegar a una compañía se dan con la sorpresa de que, si lo hacen
todo, por qué no las integran a las coreografías, y es porque están trabajando
mal. Lo que yo quisiera en mis alumnas, y sé que no todas serán bailarinas o
algunas lo llevan por hobbie, algo que me ha venido costando muchos años
porque me frustraba que no tenían las condiciones físicas naturales y que, ahora
entiendo, y veo es que vienen a tomar sus clases de ballet porque desean
hacerlo, que disfrutan de la música clásica.15

15
Comunicación personal, 16 de febrero de 2017.
 90

Gabriela Fernanda Paliza Ravazzani

Gabriela Paliza empezó con la gimnasia, perteneció a la selección de

gimnasia deportiva en donde tuvo una maestra de danza clásica inglesa que le
vio muchas condiciones y le recomendó entrar al mundo del ballet clásico. Fue
a la escuela de Lucy Telge, con ella vio que no solo era ir a tomar clase todos
los días sino que tenía clase de música, parternaire, todo era mucho más
atractivo. Después volvió a la Escuela Nacional Superior de Ballet (Formación
Artística Superior), obtuvo una beca para estudiar en el Teatro Colón, de Buenos
Aires, Alemania y Costa Rica, con un maestro suizo Hans Zullig que trabajó y
estudió en Alemania. Actualmente asume la labor de ensayista y maestra en el
Ballet Nacional del Perú.

Imagen 20: Gabriela Paliza

 91

Tengo el registro del Royal Academy of Dance y el sistema inglés, que a mí me

encanta, sobre todo para mujeres. Trato [de] que los bailarines complementen
con otras cosas que no sea solo la técnica […] Me parece que la técnica de
Vaganova es extraordinaria, pero es una técnica superfuerte, necesita un tipo de
formación desde pequeña. Sí, creo que para los peruanos en la etapa de
inicialización no se puede ir a tomar clases de ballet dos veces por semana, eso
es lo que no funciona en todas las escuelas; hay que complementar con
preparación física, ya sea con el Royal, Vaganova, cubana o la escuela que sea,
hay que realizarlo en un horario diferente al de ballet, clases de danza
contemporánea que tengan una educación integral para que los bailarines se
vayan formando.

Preparar mis clases de ballet me toma mucho tiempo, hago todos los planes de
trabajo cuando me reúno con los profesores, cada tres meses; voy, evalúo lo que
están haciendo en las clases, tengo que reanudar los planes, a veces,
semanalmente porque faltan, no consigo lo que yo pensaba o el ejercicio que
pensé realizar no funciona. Hay todo un trabajo detrás de dictar clases: la
selección de música, si van a ir a competencias; muchas veces, lo que uno
planea en papeles en la realidad no funciona. Es también revisar, bailarín por
bailarín, qué déficit tienen, mejoró o no, si el ejercicio que diseñaste realmente
ayudó a su postura o tienes que diseñar otro.

Yo preparo mi clase de examen dos o tres meses antes de que lo den, pero las
preparo mucho más, desde antes; eso hace que cerebralmente sea más rápido,
si todo el año las avanzas más con cosas más difíciles el examen se le es fácil y
también los motiva.16

16
Comunicación personal, 7 de marzo de 2017.
 92

Ricardo Falcón Chang

Ricardo Falcón inició en la Asociación Choreartium de Lima, ahora

llamada Academia de Lucy Telge (1987), que tuvo muchos convenios con otras
compañías internacionales haciendo intercambios culturales con los maestros y
bailarines de ballet, por un mes o dos meses. Perteneció al Ballet Municipal de
Lima y al Ballet Nacional del Perú.

Llevo enseñando cerca de veinte años. En general, tengo diferentes técnicas

que aplico con mis estudiantes, por ejemplo, la técnica rusa Vaganova, Royal
Academy of Dance (Inglaterra), técnicas americanas, jazz, danzas españolas y
trato de hacer un conjunto, siempre les explico a los bailarines que la danza no
es hermética. Antes se creía que se hacía de una sola forma; después de que
nace la danza moderna y contemporánea que contrapone todo esto, pero es
donde se puede dar una homogeneidad y desarrollar ambas ramas, porque uno
complementa el otro, solo los bailarines errantes se daban cuenta de eso.

Normalmente, preparo mis clases en un día o dos, para mí lo principal de una

clase es tener un objetivo principal y, como mínimo, cinco objetivos secundarios;
entonces, con base en eso se prepara la clase y enfocas todo lo que deseas
enseñar.17

Martha Herencia Torres

Martha Herencia inicia a los nueve años sus estudios de ballet en Trujillo
con la maestra rusa, Ileana Leonidoff, quien organizaba la clase (ella tocaba el
piano mientras sus asistentes, que eran las alumnas más avanzadas que tenía,
dictaban las clases) en lo que era la Casa de la Cultura de Trujillo. Siguió sus
estudios de ballet con Stella Puga y paralelamente llevaba un curso en la
Facultad de Letras y Humanidades de la Universidad de Trujillo. Con el tiempo
nació el Instituto Nacional de la Cultura bajo la dirección de Martha Hildebrandt.
Integra el Ballet San Marcos (1974) y el Ballet Nacional (1985).

17
Comunicación directa, 7 de marzo de 2017.
 93

Imagen 21: Martha Herencia

La maestra Stella Puga, a quien considero muy importante en mi formación, me

enseñó a enseñar; ella me enseñó para formar, yo le dije: “a mí no me gusta
enseñar”, a lo que me respondió: “hazlo, en el camino te va a gustar”. Y así fue
que a los quince años ya tenía un grupo a mi cargo por el que me pagaban.
Cuando llegué al Ballet San Marcos tuve la suerte de tener al maestro Alexander
Plisetsky. Yo venía de una formación de la escuela francesa y encontraba cosas
distintas: el orden de los pasos, cómo se tenían que hacer los pasos, cómo eran
pedidos, es lo mismo pero diferente. Me encantó a tal punto que hoy considero
que yo hubiese estudiado siempre con maestros rusos. Recuerdo también que
en el Ballet Nacional, el maestro Fernando Alonso impartió un seminario de ballet
clásico en Trujillo, donde se presentó toda la compañía del Ballet Nacional. Stella
Puga me encargó dictar una clase de ballet, fue halagador que consideraran mi
clase con el sello de la escuela rusa.

Es tan bueno el sistema ruso, en especial el sistema Messerer: es tan simple,

que se impregnó en mi cuerpo y es lo que yo enseño; tiene una barra escueta,
pequeña, simple, muy sencilla, a diferencia de la escuela cubana que realizan
en dehors y en dedans todos sus ejercicios. Messerer decía: “la barra debe ser
 94

para centrar y calentar el cuerpo, sin durar más de 25 o 30 minutos porque la

hora que sigue debe ser en el centro; es un sistema muy orgánico.18

Cada maestro dio su apreciación de la realidad de nuestro mundo artístico

referido al ballet, expectativa de lo que podríamos hacer para mejorar nuestra
carrera profesional y la experiencia de sus enseñanzas por diferentes
generaciones, los resultados que observaron y cambios que han tenido hasta
ahora. Todos sus comentarios sobre la elaboración de sus clases de ballet son
válidos y ahora, junto a nuestros objetivos, llevar muy clara la verdadera
intención de la formación integral profesional de la danza clásica en el Perú, para
que las generaciones sigan cultivando sus diferentes conocimientos (educación,
fisioterapia y rehabilitación, psicología, investigación, historia) a través del
compromiso de la profundización en el estudio de ballet teórico y práctico.

18
Comunicación personal, 9 de marzo de 2017.
 95

CONCLUSIONES
CONCLUSIONES

Después de todo el análisis de la danza clásica como técnica de

movimiento dentro de una escuela de formación, cualquiera que fuese, y del
aprendizaje kinestésico, se da a conocer la necesidad que el artista, tanto en su
etapa de estudiante como en la profesional, tiene que pensar y razonar el porqué
del ejercicio de cada secuencia dentro de la clase de ballet o en la reposición de
alguna coreografía clásica, y llevarlo hasta una interpretación visual y artística.
Debo mencionar que desde este momento tenemos que concientizar que cada
contracción o relajación tiene un propósito, ya no podemos trabajar de la misma
manera y que cada maestro de danza que se presenta ante un aula sea para
enriquecer lo ya aprendido y tomar lo mejor de sus conocimientos dancístico en
lo teórico y práctico.

Nuestro cuerpo y el movimiento que evoca es el resultado que veremos

ante un público actualmente exigente, de cualquier propuesta artística clásica y
contemporánea y, si se desea que sea por largo tiempo, son necesarios la
atención y el cuidado de nuestra herramienta de trabajo: el cuerpo, de nada sirve
lo exagerado y mal hecho sino lo bien trabajado y elaborado.

Por esta razón, lo expuesto a lo largo de este trabajo se arriba a las

siguientes conclusiones:

1. Siempre es necesario tener en cuenta la base histórica para analizar cómo

ha sido su desarrollo. Claramente apreciamos que el ballet ha crecido y
los aportes de cada representante han sido valiosos para las
generaciones posteriores; pero en nuestra era y desde siempre, la nueva
generación ha perdido ese acto de investigación; por eso, es importante
inculcar y conocer el origen para aportar en el futuro e incluso, para
entender la interpretación de cada ballet en el pasar de los siglos.
2. Cualquier técnica de ballet bien empleada siempre consigue óptimos
resultados para los bailarines y para esto se deben seguir los principios y
necesidades del grupo de estudiantes, porque vivimos en un país con
mucha diversidad de cuerpos que se puede trabajar utilizando las
 96

diferentes metodologías y buscando siempre la expresión emotiva, que es

el punto donde se aprecia la esencia de la danza clásica.
3. El aprendizaje del ballet tiene que ser correcto y, en su mayor porcentaje,
impecable, ya que es un arte efímero que demuestra perfección, donde el
bailarín tiene una sola oportunidad para aprender correctamente, evitar
muletillas corporales y lesiones, diferenciar las escuelas, conocer su
historia y saber qué técnicas son mejores para su cuerpo. Todos tenemos
diferentes maneras de aprender, buscar el mejor método es la clave de
avanzar, reconocer todos nuestras habilidades y debilidades, pero
también el maestro debe saber orientar e identificar cómo cada bailarín
toma sus enseñanzas.
4. Se acepta que un bailarín en formación puede pasar por un proceso más
largo para adquirir métodos de aprendizaje, pero cuando el bailarín está
en su formación superior debe saber que, esencialmente, tiene que evitar
estos primeros errores y tener una base para que su aprendizaje sea
direccionado por sí mismo. El aprendizaje kinestésico tiene que ser, en la
mayoría de los cuerpos en formación, el medio para lograr sus objetivos
en la danza clásica; aprender a seleccionar los problemas o dificultades
con mayor facilidad.
5. Lo más satisfactorio para un maestro de danza es el progreso de sus
alumnos, en el crecimiento de su carrera; todos los agentes de la danza
somos responsables de su desarrollo y avance. A medida que vayamos
aportando a la danza con nuestros diferentes intereses de investigación,
no solo impulsaremos la carrera en la Universidad y el país, sino que entre
los mismos bailarines para crecer íntegramente como profesionales
sólidos y, posteriormente, llevarlo a futuras generaciones evitando todas
las debilidades que ocurrían en el pasado.
6. Los estudiantes bailarines deben promover la investigación desde el
campo de su preferencia. Somos un país donde las artes escénicas están
surgiendo de un mundo global, de conocimiento abstracto separado de lo
humanístico y artístico. Nuestro trabajo es impulsar y generar nuevo
conocimiento.
 97

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 101

ANEXOS

ENCUESTA A LOS ESTUDIANTES BAILARINES DE LA

ESCUELA PROFESIONAL DE DANZA

1. Sexo: _____________ Edad: ________

Distrito: __________________________
2. Año de ingreso a la carrera: __________
3. Conoce la técnica, estilo o sistema de la danza clásica que le imparte en
las clases: SÍ - NO
4. Años de estudio en danza académica (previo a la carrera): _________
5. Escuela o académica de formación previo al ingreso a la carrera:
__________________________________________________________
__________________________________________________________
6. Conocimientos generales de la teoría de la danza clásica:
__________________________________________________________
__________________________________________________________
__________________________________________________________
7. Diferencia las escuelas, sistema o técnicas de la danza clásica:

__________________________________________________________
__________________________________________________________
__________________________________________________________

8. Aprende mejor durante la clase de ballet

a) Observando al maestro ( )
b) Escuchando al maestro ( )
c) Haciéndolo junto al maestro ( )
 102

ENCUESTA A MAESTROS DE DANZA CLÁSICA

PARA EL TRABAJO DE INVESTIGACION DE LA
TESIS

1) Reseña de vida: formación académica

(escuelas, técnicas maestros).

2) ¿Qué técnica, estilo o sistema ha trabajado, ha

desarrollado a través del tiempo (como bailarín/a y maestro/a)?

3) ¿Cómo ha ido desarrollándose el ballet en el Perú con el tiempo?

4) Se dice que ninguna técnica es mejor que otra pero, en su opinión

personal y viendo resultados en sus alumnos, ¿cuál es la que aplica
en clases?

5) ¿Qué tiempo le dedica a estructurar una clase de ballet en lo que se

refiere a escuela y compañía?

6) ¿Qué resultados ha conseguido con sus clases y qué tanto lo ha

modificado con el tiempo?

7) ¿Cómo ha visto el desarrollo del aprendizaje Kinestésico en sus

alumnos?
 103

FICHA DE OBSERVACIÓN

Fotos: Lizeth Periche Vega.

Según la escuela rusa: sistema Messerer, técnica Vaganova

Clase de ballet: Maestra Ileana Mariátegui, alumna del noveno
ciclo, 2016. Adagio: rotación de la articulación coxofemoral,
trabajo de abductores, posición de brazos.

Adagio en la barra: attitude con port de bra simple.

 104

Battement tendu an avant con port de bra simple.

Grand battement an avant con port de bra simple

 105

Grand Plié a la second

 106

Fotos: Oriana Cchencho

Alumnas del cuarto y sexto ciclo de la EP de Danza de la Universidad Nacional
Mayor de San Marcos (2017). Clase del profesor Emanuel Zelayaran

Adagio: promenade en passé.

Adagio: Equilibrio en attitude an arriere.

 107

Fotos: Lizeth Periche Vega

Clase de Danza Académica V y VII (2018) con la Maestra Rosa Rospigliosi:

Calentamiento para el trabajo de puntas

Plié, Relevé en primera posición en puntas

Reverencia
 108

Clase de Danza Académica V (2013) con la Maestra Lucrecia Prado.

Balance en punta para la ejecución de las piruetas.