(UASD)

Facultad de Artes

Escuela de Crítica e Historia del Arte

Historia del Arte ll

El Arte Barroco

Nombre: Evelyn Castillo De Aza

Matrícula: 100616240
Profesor: Zoila Anitza Gutierrez Gonzalez
Sección: 01
Investiga  el siguiente tema:

1. El contexto del arte Barroco: La Contrarreforma, la política, la

sociedad y la economía. 

El período barroco comenzó a finales del siglo XVI hasta principios del siglo XVIII, y
fue amplio y variado en toda Europa. Sus principios de extravagancia,
ornamentación y detalles decorados fueron retratados en una variedad de medios
culturales como pinturas, arquitectura, escultura, literatura y música. Fue un período
de renacimiento en el arte y la cultura con profundas raíces en las estructuras
religiosas y los poderes de la Europa occidental en ese momento, que era la Iglesia
Católica, y actualmente se conoce como la Iglesia Católica Romana.

El período barroco se desarrolló a partir de una considerable agitación política y

religiosa en Europa, como la Reforma entre los protestantes y la Iglesia católica
durante el siglo XVI. Aunque la Reforma puede haber comenzado con muchas otras
figuras religiosas antes de Martín Lutero (un monje, sacerdote y teólogo alemán),
muchas fuentes académicas lo señalan como el catalizador de la Reforma, que
puso en marcha estos eventos.

Martín Lutero es conocido por su publicación titulada " 95 Tesis ", que escribió en
1517 por temor a varias acciones cuestionables de la Iglesia Católica. Sus
aprensiones se referían principalmente a que la Iglesia vendiera indulgencias,
también conocidas como indulgencias plenarias, a personas para recaudar dinero
para construir la Basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano de Roma.

Después del giro de los acontecimientos de la Reforma, que se creía que terminó
durante la Paz de Augsburgo en 1555 o durante el Tratado de Westfalia en 1648, la
Iglesia Católica formó una Contrarreforma. Esto comenzó durante 1545 a 1563 con
el Concilio de Trento. El Concilio de Trento consistió en muchas reuniones que
abordaron diversos temas y procedimientos presentes dentro de la Iglesia y sus
sistemas.

Después de la victoria de la Contrarreforma , la educación estuvo casi

exclusivamente en manos de la Iglesia Católica Romana . Las escuelas de
gramática de las órdenes religiosas, especialmente de los jesuitas y benedictinos,
establecen un estándar muy alto en su mayor parte.

El arte barroco de cualquier tipo estaba indisolublemente ligado a la Iglesia

Católica. De hecho, la Iglesia informó cómo debería ser el arte para tener el efecto
deseado en la gente. Se hizo para inspirar grandeza y asombro en las personas que
lo experimentaron, y se convirtió en una experiencia sensorial completamente
nueva.

La Iglesia Católica respaldó el estilo barroco porque necesitaba un enfoque nuevo y

animado para inspirar y elevar a la gente común nuevamente, así como para
conectarlos con la Iglesia y su majestad. Después de la agitación de la guerra y los
conflictos de la Reforma, este fue un resurgimiento refrescante para la Iglesia.

La fuerza impulsora detrás de esto puede considerarse propagandista, ya que utilizó

los modos de representación y comunicación visual (pintura, arquitectura, escultura)
para mantener la credibilidad y la autoridad de la Iglesia Católica.

2. Características generales del Barroco.

Lo que distingue al período barroco del Renacimiento y los períodos posteriores del
manierismo fue su enfoque en una mayor vivacidad en su tema y un realismo
absoluto. Algunas fuentes también lo describen como centrado en el momento en
que está ocurriendo el evento, o en la "acción" o el drama. El tema fue de narrativas
religiosas y bíblicas, según las instrucciones de la Iglesia Católica. Estos variarían
entre imágenes de la Virgen María, los diversos santos y varias historias de la Biblia.

Además, las pinturas barrocas se caracterizaron por el uso de colores vibrantes

aplicados con remolinos y pinceladas amplias, que indicaban movimiento e
intensidad emocional. Este estilo de pintura se centró en representar grandes
extensiones de luz y apertura, que también se vio en la arquitectura, como las
iglesias con áreas expansivas dentro del centro del edificio, coronadas por cúpulas
(cúpulas o estructuras de coronación cuadradas sobre un techo) arriba para que
entre más luz al edificio.

3. El arte barroco en Italia: características y principales representantes

en arquitectura, escultura y pintura.

Arquitectura: La arquitectura barroca italiana tiene varias características

importantes. Por lo general, incluye formas curvas, incluidas formas ovaladas y una
combinación de formas cóncavas y convexas que hacen que las paredes
parezcan onduladas o aparezcan onduladas con un fuerte sentido del movimiento.

En las superficies de los edificios, a menudo verá una masa de elementos, lo que

significa agrupar cosas como columnas y elementos decorativos.  Otra característica
clave es la distorsión, con figuras alargadas, rotas o manipuladas de alguna manera
para resaltarlas.  Los arquitectos más importante del barroco en Italia son: Bernini
(aunque se le conoce más por ser el mejor escultor de esa época), Carlo Maderno,
Pietro da Cortona y Martino Longhi, el Joven.

Escultura: Es una escultura en movimiento en contraste con el equilibrio y reposo

del Renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia fuera. Las
figuras adoptan posiciones teatrales y los gestos son más expresivos.

 
Aparecen las composiciones en aspa, los paños flotantes en el viento y la
gesticulación expresiva de brazos y manos. Los giros en espiral y escorzos dan
dinamismo a las obras. Para conseguir un efecto de riqueza es frecuente
la combinación de varios materiales, fundamentalmente el bronce y el mármol; la luz
resbala sobre las superficies lisas y descubre la calidad de la carne o la
transparencia de las telas.

Si bien su mayor representante es Gian Lorenzo Bernini, podemos reconocer a

otros escultores como: Stefano Maderno, Alessandro Algardi, Antonio Raggi y
Ercole Ferrata.

Pintura: La pintura Italiana en el barroco pone gran atención a los efectos de la luz

y el color para destacar los personajes en las escenas así como el mensaje de las
mismas. Utilizan fondos oscuros para resaltar mediante los efectos de luz enfocada,
los elementos que querían destacar.

Se utilizó el Escorzo para acentuar la profundidad dando la impresión de que esta

en tercera dimensión. Cuando se utiliza el escorzo no deben quedar parte de los
elementos ocultos así como utilizar cortes que impidan la sensación de continuidad,
acentuando la profundidad.

Se desarrollan dos tendencias principales en la pintura barroca en Italia que son en

esencia contrapuestas una a la otra. El Naturalismo (basado en la imitación perfecta
y cruda de la realidad natural. De esta tendencia destaca un aspecto, el llamado
¨Tenebrismo¨ con cierto gusto por el claroscuro) y el Clasicismo (que aunque
desarrolla también un realismo detallado en su ejecución, muestra la naturaleza no
como es sino como debería ser, tiende a idealizar, edulcorando las figuras y
escenas, así como a intelectualizar el mensaje. Inspirados en el arte grecorromano y
renacentista devotos a la belleza ideal). De ambas deriva una corriente o estilo
llamado Barroco Decorativo, que es el último gran estilo pictórico italiano que trae
consigo la superación del naturalismo y el clasicismo, los pintores de esta corriente
favorecen la ejecución de una pintura más abigarrada, fuertemente decorativa, así
como dinámica y voluptuosa.

Algunos de sus grandes pintores fueron: Caravaggio, Artemisia Gentileschi,

Domenichino, Guercino, Pietro da Cortona y Evaristo Baschenis.
 Judit decapitando a Holofernes (Artemisia Gentileschi) (versión de Florencia) (1620)

4. El arte barroco en España: características y principales

representantes en arquitectura, escultura y pintura. 

Arquitectura: Las principales características de la arquitectura barroca se basan

en el uso de elipses, curvas y espirales, así como en formas policéntricas
complejas. Además, esta arquitectura se apoyó en otras dos disciplinas muy
importantes, la pintura y la escultura. Con estas disciplinas se crearon edificios muy
exuberantes y artísticos.

Los arquitectos barrocos entendieron los edificios como una sola masa que se
formaba según una serie de requisitos. Asimismo, en la descripción barroca era más
adecuado dibujar la conformación de una masa imaginaria de plástico blando o
arcilla. Para los arquitectos barrocos, un edificio era hasta cierto punto una especie
de gran escultura.

Los arquitectos más destacados son: Fray Alberto de la Madre de Dios, Juan
Gómez de Mora, Alonso Cano, Ventura Rodríguez, Alberto de Churriguera, Andrés
García de Quiñones y Jaime Bort.

Escultura: La temática tratada es casi exclusivamente religiosa, sólo en el ámbito

de la corte habrá escultura monumental. Los temas mitológicos y profanos estarán
ausentes. En España predominan las imágenes religiosas talladas en madera
(imaginería) que posteriormente se policroman. Entre los trabajos más destacados
están los retablos para altares de iglesias donde aparecen figuras exentas y en
bajorrelieve. Los temas mitológicos y profanos están ausentes y sólo en el ámbito
de la corte se da escultura monumental.

Las características generales son: sentido de movimiento, energía, tensión,

composición asimétrica con predominio de las diagonales y los escorzos, fuertes
contrastes de luces y sombras que realzan los efectos escenográficos y el
naturalismo. Entre sus representantes se encuentran: Luisa Roldán, Martínez
Montañés, Pedro Roldán, Narciso Tomé, Gregorio Fernández y Alonso de Mena.

San Bruno, de Martínez Montañés, 1643

Pintura: Su principal objetivo era, sobre todo, permitir al espectador comprender

fácilmente las escenas representadas en las obras mediante el uso del realismo, al
tiempo que satisfacía las demandas de 'decoro' de la Iglesia Católica durante
la Contrarreforma .
El naturalismo propio de los caravaggisti en Italia, y la dramática iluminación
del tenebrismo que se introdujo en España después de 1610, seguirían
configurando el estilo de pintura dominante en la España de la primera mitad del
siglo XVII. Más tarde, el estilo fue influenciado por la pintura barroca flamenca , ya
que los Habsburgo españoles gobernaron un área de los Países Bajos durante este
período. 

Las pinturas religiosas tuvieron una gran importancia, ya que fueron encargadas por
la Iglesia Católica para ser utilizadas durante la Contrarreforma . 

Algunos de sus artistas destacados fueron: Diego Velázquez, Juan de Valdés Leal,
Juan Bautista Martínez del Mazo, José Antolínez y Juan de Espinosa.

5. El arte barroco en Francia: características y  principales

representantes en arquitectura, escultura y pintura.

Arquitectura: Como ocurre con la mayoría de los movimientos artísticos y

arquitectónicos de la historia, el barroco estuvo directamente relacionado con el
contexto social y económico de esa época. Durante los siglos XVII y XVIII, en
Francia, la monarquía absolutista estaba en su apogeo. El rey se veía a sí mismo
como el centro del universo, como un gobernante designado por Dios y todo el
poder estaba en sus manos; esto fue especialmente cierto durante el reinado de
Luis XIV. El rey tenía la autoridad absoluta para decidir qué hacer con el dinero del
Estado, por lo que ningún proyecto era demasiado caro o ambicioso para ser
encargado. Por tanto, la iglesia ya no era el objeto principal; se trataba de
una arquitectura secular, centrada en las viviendas del rey y su corte.
La idea detrás de cada nuevo palacio era resaltar el poder del monarca, por lo que
los edificios eran muy opulentos.  La arquitectura barroca fue diseñada para crear
una impresionante impresión en los visitantes.
Entros los arquitectos más reconocidos se pueden nombrar: François Mansart,
Salomon de Brosse, Louis Le Vau, André Le Nôtre y Jules Hardouin-Mansart.

Palacio de Versalles

Escultura: El Barroco francés se reconoce por su carácter cortesano, mitológico y

decorativo. Predominan los bustos, las estatuas ecuestres, las alegóricas y la
escultura funeraria. Tiene cierta tendencia al clasicismo.La escultura entró a formar
parte del arte oficial que exaltaba a la monarquía absoluta, con centro en el Palacio
de Versalles.

Allí trabajaron escultores como François Girardon, de gusto clásico (Apolo y las
Ninfas, la fuente de las pirámides o el sepulcro del cardenal Richelieu, donde
prescinde de toda integración con la arquitectura a favor del efecto teatral) y Jean-
Baptiste Tuby (Fuente de El carro del sol o El carro de Apolo, El Ródano). Pierre
Puget fue el más típicamente barroco, por su dramatismo, tensión y la violencia
formal de sus obras, claramente influido por Bernini, por lo que tuvo dificultades para
que sus obras fuesen aceptadas en la corte (Milón de Cortona, Alejandro y
Diógenes, Andrómeda liberada por Perseo). Antoine Coysevox gran retratista en
busto, realizó numerosas estatuas para el conjunto de Versalles y los mausoleos de
Mazarino y Colbert. Nicolas Coustou y su hermano Guillaume Coustou (Caballos de
Marly), sobrinos de Coysevox y formados en su taller, trabajaron para la corte, en
ocasiones conjuntamente. El estilo de Guillaume, más vigoroso, denota la influencia
del barroco italiano que conoció en su estancia en Roma.

Pintura: La pintura del siglo XVII en Francia fue influenciada por las sensibilidades
barrocas italianas, así como por los gustos clásicos de la poderosa
monarquía. Estas dos fuertes influencias dieron como resultado un estilo que era
exclusivo de Francia y culminó en el arte producido para el rey Luis XIV.  El reinado
de Luis XIV vio un cambio de los estilos manierista y barroco populares en la
primera parte del siglo, durante el reinado de Luis XIII, hacia un estilo clásico más
prescrito. Luis XIV estableció el control real sobre la producción artesanal en
Francia, prohibiendo la compra de artículos de lujo en el extranjero. También
estableció la Academia de Pintura y Escultura, que mantuvo una jerarquía de
géneros en la pintura y un sabor claramente clásico.

Pintores importantes de la Francia del siglo XVII incluyen a Simon Vouet, Charles Le
Brun, Nicolas Poussin, Claude Lorrain y Georges de la Tour.

6. El arte barroco en Flandes y Holanda: características y principales

representantes en arquitectura, escultura y pintura.

Arquitectura: Flandes se caracterizó por la absorción del barroco. En la segunda

mitad del siglo XVI había triunfado el Renacimiento de inspiración italiana por obra
de Cornelis Floris, que construyó el Palacio Municipal de Amberes (1561-1565).
Este "romanismo" quizá facilitó que Flandes adoptase el Barroco difundido por los
jesuitas y por la dominación española, como estilo romano de la Contrarreforma. El
verticalismo y la abundancia de pináculos y remates decorativos, característicos del
gótico flamígero, cobraron nueva vida con la gran influencia barroca del siglo XVII .

En cambio, lo característico de la arquitectura holandesa de este período es el

rechazo a las formas barrocas. Es el momento en que Amsterdam se convierte en
una de las ciudades mayores de Europa y pasa a controlar el mercado mundial de
los diamantes y de los metales preciosos. Esta rica burguesía protestante amaba la
simplicidad señorial y las sencillas estructuras derivadas de la utilización del ladrillo,
el material de construcción típicamente holandés. Así se desarrolló un estilo que aún
hoy es peculiar en todo el centro de Amsterdam, y confiere su tranquila poesía a los
anillos concéntricos de sus hermosos canales.

Entre sus representantes se encuentran: Jacob van Campen, Pieter Post y Hendrik
de Keyser.

Escultura: Mucho más que pintura, la escultura durante el Barroco estuvo ligada a
la religión y su vivencia. La razón de esto es que la escultura estaba estrechamente
relacionada con el edificio de la iglesia y especialmente con su mobiliario.

Las esculturas en el interior de la iglesia fueron, por lo tanto, la víctima preeminente

de la iconoclastia en 1566. Este hecho, junto con el desalojo durante los períodos de
dominio calvinista en nuestras regiones, hizo que las iglesias quedaran desoladas
durante la reconquista española de nuestras regiones. En 1585 apareció y tuvo que
ser redecorado. Como parte esencial del mobiliario eclesiástico de piedra y madera,
la escultura ocuparía un lugar central.

Entre sus representantes se encuentran: Jan y Robrecht Colyn de Nole, Jan y

Cornelis van Mildert, Hubert y Norbert Van den Eynde, Peter I, Peter II y Hendrik
Frans Verbruggen, Artus I y Artus II Quellinus, Willem y Willem Ignatius Kerricx y
Ludovicus Willemssens

Pintura: Si en Flandes se unieron perfectamente la Iglesia Católica y el Estado

monárquico de los archiduques, en los Países Bajos se experimentó una unión
paralela entre la naciente República y el protestantismo reformista. El catolicismo
mantenía la idea de monarquía por derecho divino, mientras que los protestantes,
que rechazan el autoritarismo religioso en todos los aspectos, tratan de relacionar a
los fieles directamente con Dios, sin intermediarios y, por tanto, cada conciencia es
responsable ante Dios y no ante la Iglesia.

Los temas holandeses son los de la vida cotidiana, retratos, costumbres, paisajes,
bodegones, etc. Temas que habían sido tratados marginalmente hasta entonces y
ahora pasan a ocupar el centro de la obra de arte. El artista se instala en el centro
de la realidad doméstica que siempre ha tenido a su alrededor, pero que ahora
descubre como centro y objeto primordial de su arte. Entre sus representantes se
encuentran: Rembrandt Van Rijn, Jan van Goyen, Meindert Hobbema, Jacob
Ruysdael, Van der Heyden y Albert Cuyp.

Meindert Hobbema

El Rococó: características y principales representantes en arquitectura,

escultura y pintura.

Arquitectura: Una de sus característica fue una nueva preferencia por los colores
pastel. El rosa se usaba en el exterior de los edificios y también era un color popular
para las habitaciones de los niños en ese momento. Se pensaba que el rosa era un
color masculino, ya que era solo una versión más clara del rojo. Los colores pastel
enfatizaron la ligereza y la alegría de la época, manteniendo el tema de la
alegría. Anteriormente, especialmente en el arte barroco, había colores oscuros y
sombras.

El uso de líneas curvas fue otra característica de este período. La elaborada

decoración fue otra característica del estilo rococó. El uso del oro fue especialmente
prominente, ayudando a agregar claridad, armonía, sofisticación y un nivel de lujo a
los colores pastel. Entre sus representantes se encuentran: Aleijadinho, Manuel
d'Amat i de Junyent y Francesco Bartolomeo Rastrelli.

Escultura: La escultura rococó era teatral, colorida y dinámica, dando una

sensación de movimiento en todas direcciones. Se encontraba con mayor
frecuencia en el interior de las iglesias, por lo general estrechamente integrado con
la pintura y la arquitectura. La escultura religiosa siguió el estilo barroco italiano,
como se ejemplifica en el retablo teatral de la Karlskirche de Viena.

Apareció una nueva forma de escultura a pequeña escala, la figura de porcelana , o

pequeño grupo de figuras, que inicialmente reemplazó a las esculturas de azúcar en
las grandes mesas del comedor, pero pronto fue popular para colocar sobre repisas
de chimenea y muebles. Por lo general, fueron modelados por artistas que se
habían formado en escultura. Los temas comunes incluyeron figuras de
la commedia dell'arte , vendedores ambulantes de la ciudad, amantes y figuras con
ropa de moda y parejas de pájaros.

Entre sus representantes se encuentran: Johann Joachim Kändler, Franz Anton

Bustelli, Étienne-Maurice Falconet y Franz Anton Bustelli.

Arlequín y Columbine , porcelana de Capodimonte , c. 1745

Pintura: La pintura rococó francesa en general se caracterizó por tratamientos

tranquilos y alegres de temas mitológicos y de cortejo, pinceladas ricas y delicadas,
una tonalidad relativamente ligera y coloración sensual. En contraste con los temas
religiosos que eran populares en la pintura barroca, las escenas mitológicas en las
pinturas rococó ilustraron la oposición nacional al poder de la iglesia.

Entre sus representantes se encuentran: Jean-Antoine Watteau, Jean-Honoré

Fragonard, François Boucher, Canaletto, François Boucher, Jean-Honoré Fragonard
y Giovanni Battista Tiepolo.

Bibliografia
1. E. Valdearcos, “La pintura barroca holandesa y flamenca”, Clío 34, 2008. http://clio.rediris.es.
ISSN 1139-6237
2. An Introduction to the Rococo by ThoughtCO
3. 10 Most Famous Rococo Paintings by ARTST
4. Barokke beeldhouwkunst in de Zuidelijke Nederlanden by BAROK
5. Italian Painting in the Baroque Period by Boundless Art History
6. Marble Court of the enlarged Chateau, as modified by Jules Hardouin-Mansart (c. 1680)