EL CINE SOVIÉTICO

Tras el triunfo de la Revolución Rusa en 1917, el gobierno soviético consciente del

poder propagandístico del cine para adoctrinar al pueblo, pondrá toda la producción
cinematográfica soviética al servicio de la revolución.
Uno de los promotores será Kulechov (asociación de imágenes para transmitir
emociones e ideas)
Claves
Cine al servicio de la Revolución, para transmitir ideas políticas. Propagandístico.
El gran protagonista es el pueblo, como colectivo. Desaparece el protagonista-
individuo.
Refleja un realismo crudo, casi documental.
Expresionismo simbólico.
Se estructura en actos.
Lección de ritmo, fotografía y montaje.

Sergei Eisenstein 1898-1948

Eisenstein ha pasado a la historia del cine por su maestría en las filmaciones y el
montaje. Ha sido una clara referencia e influencia en los grandes directores.
Realizó a penas 20 películas, algunas de ellas inacabadas.

Acorazado Potemkin, 1925

Es considerada una de las obras maestras de la historia del cine y una de las más
estudiadas en las escuelas de cine.
Eisenstein rodó una trilogía sobre el movimiento obrero y la Revolución: La huelga, El
Acorazado Potemkin y Octubre.
El Acorazado Potemkin fue un encargo del gobierno soviético para conmemorar el
vigésimo aniversario de la Revolución de 1905, preludio de la Revolución de 1917.
Relata los hechos ocurridos en junio de 1905 en el puerto de Odessa.
La filma en varias semanas y la monta en 12 días. Fue prohibida en algunos países por
considerar que hacía apología de la revolución.
La trama transcurre en 48 horas. Trata sobre la sublevación contra los oficiales de los
trabajadores del puerto y de la tripulación del acorazado que se niegan a comer carne
podrida.
El comandante ordena el fusilamiento de 10 de los protagonistas, pero los suboficiales
se niegan a acatar la orden y echan por la borda a los oficiales. Uno de los rebeldes
fallece y la gente desfila ante su féretro en el puerto. Los cosacos disparan contr el
pueblo (escena de la escalera). Desde el acorazado se dispara a los cosacos,
defendiendo al pueblo. Llegan los buques de guerra zaristas, pero la tripulación se
niega a disparar al Potemkin, que sale del puerto lentamente hasta desaparecer entre
la densa niebla.
Representa la revolución contra el poder zarista.
Rasgos más característicos:
 Ausencia de protagonistas individuales. El protagonista es el pueblo.
 Uso de rótulos, que lo que expresan son mensajes.
 Estructura divida en 5 actos:
1. Exposición (llega el buque y presentación de los personajes)
2. Drama del puente.

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 3. Desfile ante el féretro en el puerto.
4. Masacra de la escalera de Odessa. Clímax.
5. Salida del puerto
 Tema al servicio de los ideales políticos. Este episodio revolucionario es una
metáfora de la Revolución Rusa. Por un lado, están las clases que defienden el
zarismo y por otro los grupos revolucionarios.
 Montaje: Se considera un modelo de montaje. Película construida con
multiplicidad de planos, de tomas desde todos los ángulos. Abundancia de
planos detalle muchos de ellos con valor simbólico (El piano, la cruz, los
gusanos de la carne) y otros que acentúan el dramatismo de la acción (la mano
pisada del niño, los ojos de las mujeres)
 Utiliza también metáforas visuales como la del león de piedra que se despierta.
 El ritmo: cada acto comienza con ritmo pausado y va haciéndose más intenso.
 Fotografía muy variada y expresiva.

La escena más importante es la de la Escalera de Odessa en la que los soldados

masacran a la muchedumbre desarmada. Vemos a una madre que es alcanzada por un
disparo, soltando el cochecito de su hijo que rueda escalera abajo.
Esta secuencia es una de las más analizadas e imitadas de la historia del cine. Muchos
grandes directores han hecho un homenaje a esta secuencia. Francis Ford Coppola en
El Padrino o Brian de Palma en Los intocables de Eliot Ness.

CINE
El Séptimo Arte no es sólo un mundo de fantasía, también es un tipo de comunicación
audiovisual y un espectáculo y una industria.
El cine nace a finales del siglo XIX (1895).
En el cine se pueden distinguir diferentes géneros: Westerns, comedias, dramas,
bélico, negro, de terror, aventuras, suspense etc.
Claves narrativas:
Toda película nos cuenta una narración o relato cuya estructura suele ser la de
planteamiento, nudo y desenlace. El desenlace puede ser ambiguo y abierto a varias
interpretaciones.
El suspense se nutre de la intriga. La idea principal del cine de suspense es mantener
en vilo al espectador creando en él una cierta incertidumbre y tensión. Esta tensión es
provocada por una situación peligrosa en la que se encuentra el protagonista, por
ejemplo, al ser acusado de un crimen que no ha cometido. Estos hechos hacen
participar a los espectadores.
El suspense está relacionado con las películas policíacas y de género negro. En el cine
de suspense pueden aparecer también géneros como las aventuras, las comedias
románticas.
Abundan los falsos culpables, las dobles identidades, los detectives, los criminales,
espías…
El maestro del suspense fue sin duda Alfred Hitchcock.

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Alfred Hitchcock
Director de cine británico. Destacó por sus películas de suspense y thriller psicológico.
Ha influido profundamente en otros realizadores.
Su primera oportunidad para dirigir una película le llegó cuando un director cayó
enfermo. Lo sustituyo y terminó la cinta, a partir de ahí inició su labor como director.
En Inglaterra filmó 25 largometrajes de los que destacan: El hombre que sabía
demasiado y Los 39 escalones.
En 1940 llega a Hollywood y rueda Rebeca con la que ganó el único ´Óscar a mejor
película en su carrera.
Otras películas destacadas:
La sombra de la duda, La soga, Frenzy, Los pájaros, El crimen perfecto, La ventana
indiscreta, Psicosis, Con la muerte en los talones, Vértigo, Recuerda etc.

Claves del cine de Hitchcock

 El cine es un espectáculo destinado al público.
 Sus argumentos son siempre simples.
 El sonido puede ser tan importante como la imagen. Fue uno de los primeros
en utilizar la música y los sonidos como recurso para introducir una emoción o
una información. En Los pájaros, aunque no los vemos en algunas ocasiones,
sabemos que están acechando porque los podemos oír. Otro ejemplo sería
Psicosis con la chirriante música y con el sonido de las puñaladas en el cuerpo
de la mujer.
 El peligro puede suceder en lugares insospechados.
 El villano puede parecer bueno.
 No existen los héroes por naturaleza.
 Fue uno de los principales desarrolladores de la cámara subjetiva. Sus películas
son a veces como un videojuego, vemos la acción a través de los ojos del
protagonista.
 Busca encuadres que produzcan emoción. En los momentos de clímax
emocional busca encuadres inusuales (verticales, oblicuos, deformados etc.)
para causar desazón en el espectador. También utiliza primeros planos para
involucrar al espectador en la acción. Destaca el uso del zoom por ejemplo en
Vértigo, que después imitarán otros directores.
En los momentos más tranquilos los planos son horizontales y bien
encuadrados, permitiendo que el espectador se relaje.
 También utiliza el color como medio de establecer emoción o para centrar la
atención sobre determinados objetos o personajes. Destaca el juego de color
en Vértigo en concreto con los colores rojo y verde, que salen insistentemente
a lo largo de la película y a los que da un significado psicológico.
 Utiliza la casualidad o la mala suerte del protagonista para crear tensión en el
espectador. El protagonista se verá implicado en una inoportuna situación de la
que le va a resultar difícil salir.
 Usaba el contraste emocional. Para acentuar momentos de clímax las
contrastaba con secuencias humorísticas.
 El montaje era un elemento fundamental en sus películas.
 Hitchcock apareció en muchas de sus películas con pequeños cameos.
 Daba gran importancia a los objetos.

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  En el cine de Hitchcock las mujeres solían ser pasivas y vulnerables. Destaca su
obsesión por las mujeres rubias de aspecto fino, refinado y sofisticado.

CON LA MUERTE EN LOS TALONES, 1959

North by northwest
Fue uno de sus mayores éxitos.
El argumento de la película trata uno de los temas preferidos por el director: el
de un ciudadano normal que se ve envuelto en una situación límite, de manera
que se mantiene el suspense en el espectador. Hitchcock parta del concepto de
que el cine es un espectáculo y que debe de mantener el interés, el suspense
en el público. Parao ello emplea argumentos y diálogos simples y utiliza
recursos que despiertan la reacción emocional del espectador. Entre las
técnicas empleadas por él se encuentran: efectos visuales (como el uso del
zoom en “Vértigo”), encuadres no habituales y efectos auditivos no utilizados
hasta el momento, relacionar el tiempo real con el fílmico o utilizar un único
espacio o la creación de decorados extraños.
En esta película aúna espionaje, romance, aventura y referencias artísticas
(Frank Lloyd Wright). Fueron impresionantes las escenas en las que el
protagonista era perseguido por una avioneta, o la persecución el Mont
Rushmore.
Un ejecutivo publicista, Roger Thornhill, se ve envuelto en un trágico
malentendido cuando unos espías le confunden con un espía del gobierno. Va
ser secuestrado por unos desconocidos para interrogarle. Regresará a la casa
con la policía, pero las personas de las que habla parece que no viven allí. Nadie
le cree.

LA VENTANA INDISCRETA, 1954

Esta película propone un juego tan divertido como enrevesado. Crea un relato
de suspense a través del vouyerismo. El protagonista se entretiene observando
la vida de los demás. Pero también se trata de una película romántica.
Es la historia de un fotógrafo que, tras un accidente de trabajo, debe
permanecer en su residencia con una pierna escayolada, y en el aburrimiento
de su existencia decide espiar a sus vecinos. En todo el universo mostrado a
través de dicho vecindario, nuestro sufrido protagonista llegará a la conclusión
de que se ha producido un asesinato.
Gracias a la maestría de Hitchcock en la primera escena, sin necesidad de
ningún diálogo, el espectador tiene ya ante sí una gran cantidad de datos.
Vemos que el protagonista tiene la pierna rota, que es fotógrafo (vemos su
cámara de fotos, vemos fotografías suyas de gran riesgo, y también otra que
puede ser la causa de su accidente)
Toda la película está rodada desde la habitación del protagonista., en une
escenario único, como ya había hecho en 1948 con La Soga. James Stewart con
su objetivo observa las rutinas de sus vecinos, hasta que ve lo que él piensa que
es un crimen. Solo en algunos momentos ese objetivo se acerca más a sus
vecinos, pero no lo suficiente para ver con claridad.
A través de los vecinos observados Hitchcock muestra toda una variedad de
relaciones humanas (amistad, amor, odio, soledad etc.). Cada una de las

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 historias aluden a un género cinematográfico: Thriller, comedia romántica,
drama… Esta película es un espejo de la sociedad y la clase media neoyorquina.
El protagonista parece ser que está inspirado en el fotógrafo Robert Capa.

PSICOSIS, 1960
Lo que más le interesaba a Hitchcock de su cine de suspense era la expectación
que generaba en los espectadores, pues estos son conscientes de que algo va a
suceder porque conocen parte de los hechos que se muestran en el discurso
cinematográfico, pero además saben que no hay posibilidad de cambiar el
rumbo de los acontecimientos. En algunos casos su cine se aproxima al terror, y
provoca sobresaltos. Fue un maestro del cine de suspense.
En Psicosis de 1960 utilizó varios recursos cinematográficos como el efecto
visual conocido como zoom (que ya había utilizado anteriormente, destacando
Vértigo). También destaca la sucesión rápida de muchos planos (la famosa
escena de la ducha), la importancia de la gestualidad y el sonido (como la
chirriante música y el sonido de las puñaladas en el cuerpo de la mujer).
Los diálogos y el argumento son sencillo de entender para el espectador,
porque a él lo que verdaderamente le interesaba era satisfacer al público y
crear emociones.
El argumento de Psicosis mezcla dos tramas: una la de la secretaria que se fuga
tras robar dinero en su empresa y la otra mucho más siniestra e inesperada la
que se va ir descubriendo en el Motel Bates donde se aloja. Rodada en blanco y
negro para aumentar el dramatismo. Esta película es precursora del género de
terror. Será imitada entre otros en los Psycho Killers.

LA COMEDIA AMARGA

Charles Chaplin 1884-1977

Fue actor, director, guionista, productor y compositor de bandas sonoras. Nació
en Gran Bretaña. Se convirtió en la figura más representativa del cine mudo y
es considerado uno de los grandes genios de la historia del cine. Realizó
alrededor de 90 películas mudas y sonoras. Su personaje Charlot se convirtió en
un icono del cine.

La comedia amarga o ácida.

Muestra una realidad relativamente trágica, sin esperanzas, sin ilusiones, pero
se convierte en motivo de risa.
La comedia ácida es una sátira cómica con gran contenido de denuncia social y
política y utiliza el humor como forma de ridiculizar o criticar situaciones o
personajes. Es un humor incómodo.

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 El Gran Dictador, 1940
Escrita, dirigida y protagonizada por Charles Chaplin. Fue su primera película
sonora, se había resistido a hacer cine sonoro, de hecho, fue el único cineasta
que continuó haciendo cine mudo cuando el sonoro estaba ya plenamente
implantado.
Es un alegato contra el nazismo y el antisemitismo. Se estrenó cuando la II
Guerra Mundial ya había empezado en Europa. El discurso final se considera un
manifiesto humanista contra el fascismo y en defensa de la libertad y la
democracia. El Gran Dictador pertenece al género de comedia ácida, una sátira
cómica con un gran contenido de denuncia social y política, que utiliza el humor
como forma de ridiculizar o criticar situaciones o personajes.
Chaplin interpretó dos papeles: el del dictador y el del barbero judío.
En España no se estrenó hasta 1975.

Ernest Lubitsch 1892-1947

Director judío alemán se traslada a EEUU a los 30 años.

Destacaron sus películas de comedia, consagrándose con la llamada comedia
sofisticada de la que destacan Ninotchka 1940 (sátira antisoviética) y Ser o no
ser 1943 (sátira antinazi)

Ser o no ser
Lubitsch fue el principal representante de la comedia ácida o amarga y su
principal objetivo era la evasión y la sátira política. Se desarrolla en ambientes
aristocráticos o entre la alta sociedad, con un gran refinamiento estético. Tiene
unos diálogos brillantes y se dan situaciones equívocas y todo tipo de
confusiones con las que se destacaba la hipocresía de la sociedad. Ser o no ser,
se centra en un grupo de actores de teatro, de pocos recursos, que realizan
interpretaciones ridiculizando a los nazis en la Polonia ocupada por los
alemanes en la II GM. Parodia sobre Hitler y el nazismo.
Un espía comunica al grupo de teatro una información que, de ser conocida por
los nazis, sería perjudicial para Polonia. El grupo se moviliza para intentar evitar
que caiga en manos de los nazis.

Características:
Tratamiento cínico con el que trata el conflicto bélico contrasta con el humor
blanco con el que trata las relaciones entre los personajes.
Su obra se caracteriza por el “toque Lubitsch”con el que complicaba las tramas,
se saltaba la censura y hacía comedias divertidas.
Esta película fue un homenaje al teatro y a los actores. Admiración por
Shakespeare y su Hamlet y su monólogo existencial Ser o no ser.
Confusión entre realidad y ficción, entre la representación y la realidad.
Interpretación magistral de los actores.
Su película fue una propaganda anti-nazi, con la que ataca los totalitarismos
ideológicos y políticos.

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CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA DEL SIGLO XX
 Temática: la figura humana pierde su omnipresencia. Los temas se inspiran en
formas geométricas, en la naturaleza como la escultura biomórfica de Arp. Se
representa el movimiento, el espacio, el vacío.
 Innovaciones pláticas: masas y sus deformaciones.
 Representan el movimiento. Esculturas-máquinas o cinéticas como los móviles
de Calder.
 Se interesen por el espacio y el tiempo.
 Continua experimentación con materiales nuevos: sintéticos, resinas etc.
 Los artistas están en continua evolución. Pasan de un movimiento de a otro.
 Se incorpora la construcción, el ensamblaje y el ready-made.

Henry Moore 1898-1986

Contestación a Figura reclinada, en la ebau.
El dibujo fue la base de su obra. Realizaba gran cantidad de bocetos dibujados,
estudios previos de sus obras.
Sus obras representan abstracciones de la figura humana, principalmente de mujeres e
hijos y familias (grupos escultóricos).
Evoluciona del realismo y primitivismo inicial, a la semifiguración y la abstracción total
en su etapa final.
Predominio de líneas curvas (cóncavas y convexas), sin aristas, sinuosas, y
tridimensionales.
Busca el equilibrio entre la masa y el vacío, representando el hueco y el vacío.
Realiza obras monumentales que son expuestas en espacios urbanos, abiertos a todo
el mundo.
Domina el mármol y el bronce a la cera fundida.
Influirá en la escultura figurativa de la 2 mitad del siglo XX.
En él influyeron: el arte primitivo, la cultura precolombina, los clásicos, el
Renacimiento, Miguel Ángel, Rodin, Picasso…

Figura reclinada, 1947

Si pregunta poner lo de las características de Moore.

A partir de los años 30 se produce en Moore una estilización de la figura humana,
pasando a la abstracción. Además, comienza a perforar el volumen. La figura reclinada
es el tema obsesivo de Moore que nunca va a abandonar.
Forma orgánica en piernas, brazos, pecho y abdomen, en donde diferencia el espacio y
el hueco.

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Sus obras fueron trabajadas en diferentes materiales desde yeso, talla directa en
madera o en piedra, cemento y bronce.
Mantendrá la forma reclinada, pero, pasó de imágenes robustas y realista a otras con
variados tamaños; de un lenguaje primitivo a formas ondulantes, perforando las
piezas.
En 1957 recibió el encargo de la UNESCO para colocar una escultura. Se decidió por
una figura reclinada, descartó el bronce y usó el mármol travertino de textura rugosa.
Tiene 5 m de largo. Fue una de las mayores esculturas realizadas en piedra.

Maternidad o mujer reclinada con niño, 1975

El juego de los volúmenes se relaciona con la arquitectura orgánica, con elementos

curvos y ondulantes. Ese juego de volúmenes con espacios interiores (huecos) hace
que las figuras están físicamente partidas, pero psicológicamente unidas.
La masa y el vacío dialogan en esta obra.

CONSTRUCTIVISMO RUSO
Naum Gabo

Construcción lineal en el espacio nº2

Fue uno de los líderes del Constructivismo del siglo XX. El Constructivismo fue una
vanguardia que nació en Rusia. Gabo cambió su nombre para no ser confundido con su
hermano Antoine Pevsver, que también era artista.
El constructivismo de Gabo se basaba en la construcción de esculturas a partir de
materiales industriales, en vez de usar el tradicional tallado en piedra o vaciado en
bronce. Pronto elimina toda referencia figurativa para introducir un elemento
innovador en la escultura como va a ser el movimiento o la transparencia, ligados al
uso de materiales nuevos. Sus obras dotadas de movimiento las denominará
esculturas cinéticas.
En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, donde se ponen las
bases del constructivismo ruso y se busca una forma artística nueva, basada en el

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espacio y el tiempo. La obra de Naum Gabo se caracteriza por la fusión de una visión
artística y un método científico.
Defienden la libertad del artista.

Antoine Pevsver, 1884-1962

El mundo, 1947
Destaca por el uso de materiales industriales (Vidrio, plexiglás, metal, cemento,
plásticos etc.) De los materiales tradicionales solo utiliza el bronce, pero introduciendo
el color.
Abandona la figuración y hace esculturas abstractas, dinámicas, donde el vacío ocupa
un lugar primordial.
Realiza, como su hermano Gabo, esculturas científicas, basadas en estudios
matemáticos y geométrico.
Los temas principales: el espacio, el tiempo, la luz, el Universo.
Introduce el movimiento y la transparencia.
A partir de mediados del siglo XX emplea láminas, e hilos de bronce o latón soldados
entre sí para hacer formas complejas y enrevesadas. Muchas de sus obras tendrán
formas helicoidales y ovales que las dota de múltiples puntos de vista.
Realiza obras para espacios públicos.
Respuesta ebau:
El mundo 1947 obra de Antoine Pevsner. Este artista se integra en el Constructivismo
ruso, que se caracteriza por su lenguaje abstracto, la investigación sobre el espacio y el
uso de los nuevos materiales industriales, especialmente los transparentes. El empleo
de estos materiales se defendió en el Manifiesto Realista. En sus obras desaparece el
concepto de masa y se tiene en cuenta el concepto de vacío y el espacio. El
Constructivismo pretendía cambiar el arte y revalorizar al artista industrial, al servicio
de un arte de masas, frente al artista artesano.

A partir de 1932 Pevsner es miembro de Abstracción-Creación una asociación de

artistas abstractos que se formó en París para contrarrestar la influencia del grupo de
los surrealistas liderados por André Bretón. Pretendían fomentar el arte abstracto
después de que la tendencia volviera al arte figurativo en los años 20. Asumieron los
planteamientos de Theo van Doesburg. Llegaron a ser más de 400 asociados de las más
diversas nacionalidades y tendencias abstractas.

En 1946 es cofundador del Salón de las Realidades Nuevas, un salón de la abstracción

organizado por los propios artistas. Su objetivo era promover obras de arte abstracto.

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