Educaci

Buen Vivir
 Editorial Omega

D irector Editorial:
Dr. Marco A uncancela Solis
C orrector d e Estilo:
Grupo Editorial O m ega
D erechos d e autor:
Grupo Editorial O m ega
027210 IEPI
ISBN
97897845-267-6
Q ueda prohibida la
reproducción total o parcial
sin autorización escrita del
Editor y/o Autor.

Diseño y D ia g ra m a c ió n :
Leda. Sofía Corral Ron.
Ing. Angel Solórzano Costales.

Edición 2 0 1 3 - 2 0 1 4
 ( INDICE )

BLOQUE 1

PROYECTO DE TEATRO
EL MONTAJE 15
TRABAJO DE MESA 15
Explicación acerca del personaje teatral 25
Planteamiento escénico 32
Improvisaciones 39
Ensayos 40

PROYECTO DE DANZA
Historia de la danza 44
Géneros de danza 45
Clásicos 45
Tradicionales y folklóricos 45
Modernos 46
Danza contemporánea 46
Danza posmoderna 47
Propuesta para la puesta en escena de unmontaje coreográfico 47
Tipos de coreografía 49
Objetivos del taller de danza 50
Clases de entrenamiento 51
Clases de actuación 51
Clases de realización 52
Selección de la música para la obra 52
Entretenimiento diario de la obra 52
Desarrollo de la coreografía por parte deldirector de la obra y el coreógrafo 52
Reuniones de trabajo con el diseñador de los decorados y utilería 53
Reuniones de trabajo con el diseñador de vestuario 54
Confección de los trajes 55
Reuniones de trabajo con el diseñador de lailuminación 55
Diseño de la planta de luces 58
Elaboración de los guiones de sonido y luces 59
Prueba de luces con el vestuario 60
Pruebas de luces con maquillaje y peluquería 60
Revisión final del proceso del montaje 61
Puesta en escena (montaje de Decorados,iluminación y sonido) 61
Ensayos para correcciones. 64
Ensayo técnico final. 64
Estreno o presentación de la obra. 64
 BLOQUE 3

PROYECTO DE MÚSICA
Composición de una canción 68
Ritmo 69
Melodía 76
Proyecto creando mi primera melodía. 78
Armonía 85
Letra 92

PROYECTO DE NUEVAS ARTES

Lenguaje visual 96
Lenguaje visual desde la Interpretación del mensaje 96
Qué es el mensaje visual y el mensaje textual 97
El afiche 99
Tipos de afiches 100
Proyecto mi propio afiche 102
Cualidades que debe tener un buen afiche 102
Fines del afiche 103
Aspectos que deben tomarse en cuenta en su elaboración 103
La imagen ____ _______________________ 103
La palabra ................ 103
Diagramación 103
Ejecución del proyecto mi propio afiche 104
Instrucciones para crear un afiche “ PÓSTER” utilizando Power Point 105

PROYECTO DE COMIC
CÓMICS 116
Viñeta 117
Tipos de planos 118
Ángulos de visión 118
Tipos de ángulos 118
Lenguaje del cómic 119
Elementos verbales 119
COLOREAR 123
PROYECTO FINAL 124

PROYECTO DE CINE
Cómo hacer un proyecto de cine 128
Preproducción 129
Producción 133
Postproducción 143
FORMATOS DEL CINE 144
 ►

ducción
El M inisterio de Educación con la finalidad de dotar al estu­
diante de materias de gran im portancia para el proceso de en­
señanza aprendizaje para los estudiantes del prim er Año de
Educación Bachillerato y a través de la nueva Ley de Educa­
ción y sobre to d o de Educación Artística propone el estudio
de la educación estética, com o un proceso único en el que
participan plenam ente la inteligencia y la sensibilidad humana,
sus funciones cognitivas y el desarrollo de la expresión co rp o ­
ral com o tam bién el desarrollo de su inteligencia utilizando el
lenguaje artístico y sus muy particulares códigos.

El principal objetivo de este trabajo es dotar al estudiante de

un material guía tanto para los maestros com o para los estu­
diantes que jun to a sus experiencias personales y al estudio
del arte se logrará el equilibrio perfecto en el estudio de esta
ciencia.

En cada uno de los bloques tratados en este libro se encontra­

rá el estudio del cine, teatro, cóm ics, y el lenguaje visual, pero
involucrándole directam ente al estudiante, es más convirtién­
dole en el principal actor de cada una de sus representaciones.

Por experiencias vividas nos hemos dado cuenta que al estu­

diante no hay que dotarle de material de investigación en can­
tidad por el contrario introducirlo en una investigación de ca­
lidad, buscando siem pre que sea el principal protagonista del
proceso de enseñanza - aprendizaje, descubriendo su talento
a través de sus m últiples destrezas manejadas con criterio de
desem peño.
 H

El GRUPO EDITORIAL OMEGA preocupado por dotar a los estudiantes de un material

apropiado para el estudio del fascinante mundo de las artes pone a consideración este
trabajo investigativo propuesto de una manera diferente con originalidad para desarro­
llar tus destrezas visuales motrices y auditivas.

Con este trabajo buscamos reforzar tus conocimientos y trasportarte al maravilloso

mundo del cine, el teatro, el cómic, etc. para que utilizando tus destrezas con criterio de
desempeño logres ser parte de cada uno de ellos.

No se debe hacer Historia del Cine sin amar el cine. Casi nadie ignora que, a estas altu­
ras, hay un buen número de monografías que estructuran y ponen fechas a este devenir
audiovisual. Pero no está de más aportar un enfoque íntimo, centrado en las reflexiones
que van surgiendo en la vida de un cinéfilo.

En las próximas líneas, y a lo largo de doce largos artículos, les invitamos a recorrer el
fascinante mundo de las artes, con exactitud histórica y juicios críticos, sí, pero también
con la complicidad que es deseable cuando uno siente y ama el arte.

Una de las mayores dificultades que siempre ha tenido el hombre es comunicarse con
los demás, por lo que desde tiem pos muy remotos éste siempre ha estado en la búsque­
da constante de hacerse entender, para lo que en el transcurso del tiem po y utilizando
su mejor herramienta que es su inteligencia lo fue haciendo mediante gestos, señales,
signos, pintura, y hasta sonidos.

Estas herramientas con el pasar del tiem po le sirvieron para hacerse entender o trans­
mitir sus necesidades o deseos, los mismos que fueron captados de manera mediática
y poco inteligente.

A medida que han ido transcurriendo los años el hombre ha ido perfeccionando la ma­
nera de comunicarse y de transmitir sus ideas convirtiéndose en medios idóneos para
contar a través de los gráficos, los dibujos de colores, las danzas, los gestos, las mími­
cas, y las imágenes para representar sucesos cotidianos o dar a conocer sus tristezas y
alegrías, sus triunfos y sus derrotas.

Posteriormente este lenguaje se convierte en un lenguaje artístico, la misma que se

constituye en la principal herramienta sobre todo de la juventud para hacerse sentir en
la sociedad y dar a conocer sus sueños, ideales y anhelos. En donde por sobre todas
las cosas prime la justicia, equidad e igualdad.

Los nuevos modelos educativos en donde el estado aparece como un ente regulador
proponen que este modelo sea de una educación instructivista, mas no formativa, razón
por la cual el estudio de las artes y la cultura nunca fueron tomados en cuenta o se les
brindó la importancia que se merecían.
 Enfoque
La finalidad primordial de la enseñanza de la Educación Artística es construir la identi­
dad de las jóvenes mediante prácticas y técnicas de apreciación, desarrollo del pensa­
miento crítico y creación de objetos o acciones artísticas, que originen procesos de au-
toconocimiento, de innovación continua y desarrollo de la sensibilidad hacia el entorno.

Fuera de las instituciones educativas, no solamente se produce arte (creación), sino que
también se observa, aprecia y critica (apreciación); se investiga el entorno social, políti­
co, religioso e histórico (historia del arte), y se realizan reflexiones filosóficas acerca de
la naturaleza del arte (estética).

Por lo tanto, si queremos lograr una Educación Artística completa, debemos incluir esto
cuatros grandes campos en la enseñanza de esta materia:

• actividades de creación
• actividades de apreciación
• actividades de investigación de historia del arte
• actividades reflexión: estética

Debemos tener claro que nos queremos alejar de la enseñanza que busca crear “ pro­
ductos lindos” . Tenemos que apuntar a ofrecer espacios y momentos de enseñanza-
aprendizaje que motiven procesos en los cuales ros estudiantes manejen ideas que
puedan después aplicar en su vida cotidiana.

El equipo pedagógico de EDITORIAL OMEGA se ha unido a este gran reto de país,

dejando a consideración de ustedes, maestros y jóvenes estudiantes, esta obra, QUE
SEGURO les ayudará a visualizar mejor los conceptos de arte, de los cuales ya es hora
que se apropien todas las ciudadanos de nuestro Precioso Ecuador.

OBJETIVOS DEL ÁREA |V

Percibir, de manera sensible y crítica, el mundo exterior y las creaciones artísticas, para
valorar las diferencias personales y culturales y poder responder a estas como ciudada­
na activa.

Explorar, su mundo interior para ser mas consciente de sus emociones y de sus reaccio­
nes y las de las otras para expresar con convicción y conciencia sus ideas.

Aplicar procesos creativos diversos para desarrollar una mente flexible que pueda inno­
var y resolver problemas de forma creativa en otras aéreas de la vida.

Apreciarlas similitudes, diferencias y nuevas propuestas en las expresiones artísticas

y culturales a través de la ejecución del proceso y la valorización de otras obras, para
responder a ellas de una manera individual informada y significativa.

Crear productos artísticos que expresen visiones sensibles e innovadoras por medio del
empleo consciente de los elementos y principios del arte, para experimentar procesos
reales de transformación.
 Comprender y aplicar distintos materiales, herramientas, conceptos, técnicas y proce­
sos mentales de los lenguajes artísticos mediante el desarrollo de un proceso riguroso,
para crear obras de arte.

OBJETIVOS DEL SEGUNDO A

• Investigar, evaluar y sintetizar información histórica, cultural, científica y artística
sobre un tema, para apoyar decisiones estéticas, y producir así ideas, acciones,
y obras de arte variadas, maduras, documentadas y desenvueltas
• Desarrollar procesos de reflexión personal y autoconocimiento para profundizar
el proceso de construcción de identidad y crear obras de arte originales y ex­
presivas
• Presentar y argumentar sus creaciones frente a un público , para reflexionar
acerca de sus decisiones estéticas y encaminarlas hacia futuros proyectos crea­
tivos.
• Conocer y experimentar individualmente todos los pasos de un proceso creativo
para fomentar una actitud de trabajo independiente, cuestionadora y proactiva.
• Identificar y experimentar procesos de gestión cultural para promover la presen­
tación de ideas, expresiones y creaciones a la comunidad.
• Conocer los diferentes aspectos verbales y no verbales que intervienen en los
diferentes sistemas de comunicación

MACRODESTREZAS POR DESARROLLAR

Explorar: En la exploración se consideran tres categorías:

Explorar el mundo exterior: La exploración sensible del entorno y su documen­

tación es una de las bases del proceso creativo.
Explorar el mundo interior: Es la atención cuidadosa a los sentimientos propios
y ajenos.
Explorar el mundo académico: Esta categoría incluye la investigación de los da­
tos y procesos que otras disciplinas ofrecen sobre el mismo tema, como parte
importante y complementaria de los procesos creativos.
Conocer: En el conocimiento se incluyen dos grupos de saberes:
Historia del Arte: Este conocimiento parte de la interpretación de la relación que
existe entre las obras de arte de distintos lenguajes y sus contextos históricos y
culturales, a través de la investigación.
Técnicas: La técnica de cada lenguaje artístico es el conjunto de procedimientos
y recursos de los que se sirve cada lenguaje.
Apreciar: Tanto el o la docente (mediador/a) como las estudiantes lograrán co­
nectarse profundamente con las obras de arte para apreciarlas y cuestionarlas.
Crear: Los estudiantes crearán obras de arte de lenguajes variados, vinculadas
siempre a un tema generador.

CONOCIMIENTOS ESENCIALES
En el segundo año de bachillerato se desarrolla un solo bloque curricular que se llama
..Mi proyecto personal...

En esta instancia las estudiantes serán quienes elijan su tema de trabajo para experi­
mentar un proceso artístico independiente lo más parecido posible a la realidad.

Las docentes seguirán la secuencia de las destrezas aquí establecidas para acompañar
a los estudiantes en esta experiencia.

9
MI PROYECTO PERSONAL
Eje curricular integrador del área

Construir identidad mediante experiencias y procesos de percepción, desarrollo de pen­

samiento crítico y creación de objetos o acciones artísticas, que promueven procesos
de autoconocimiento, sensibilización hacia el entorno e innovación cotidiana.

Es importante elaborar un proyecto de vida porque eso nos permite conocernos a

nosotr@s mism@s, aprender de nuestras debilidades y fortalezas, así como de las po­
tencialidades que tenemos.

Nos ayuda a organizamos, ya que es la dirección, el norte que marca nuestra vida.

La calidad de la vida de la persona y su familia también puede definirse con la calidad

de las propias decisiones y acciones.

Cada día la persona edifica los cimientos y las columnas de lo que es su presente, pero
también de lo que será su futuro.
N.
QUE ES UN FODA?

Hoy en día muchas técnicas, herramientas y metodologías, pueden utilizare en varios

contextos, a veces en forma directa y otras con algunas modificaciones. Una de estas
herramientas es el FODA, aplicado originariamente en el sector empresarial. Es una téc­
nica que permite diagnosticar cuatro aspectos básicos:

• Fortalezas
• Oportunidades
• Debilidades
• Amenazas

Esta magnífica herramienta puede también ser aplicada, con mínimos ajustes, en el as­
pecto personal.

Cuando tengas definidos tus aspectos positivos, fortalezas y oportunidades, empieza

con la definición de tus debilidades, que son aquellos elementos internos y negativos
que afectan el logro de tus objetivos o metas.

Por ejemplo, aquí se consideraría: no dar continuidad a las cosas, la pereza para realizar
de terminadas actividades, la inseguridad, plantearse metas mal definidas o no plan­
teárselas del todo, la falta de comunicación, etc.

Una vez que hayas concluido con la definición de tus debilidades, anota las amenazas,
estas son los elementos externos negativos que afectan el logro de tus objetivos y me­
tas.

Por ejemplo, depender de ayuda económica externa inestable que puede desaparecer
en cualquier momento, la falta de apoyo, la inestabilidad financiera, un ambiente incier­
to, etc.
 EJERCICIO PRÁCTICO

■H
ELEBORA TU PROYECTO PE ¿E

1 ¿Qué entiende por proyecto de vida?

2.- ¿Cómo te ves tú como profesional en diez años?

¿Cuál será tu profesión?__________________________________

¿Optarías por seguir una maestría o posgrado en tu profesión?

¿En dónde te gustaría trabajar? _______________

¿Cuánto te gustaría ganar?____________________

¿ En dónde te gustaría ejercer tu profesión (lugar)?

¿Cómo te gustaría que sea la relación en diez años con tus padres, hermanos, amigos.

3.- Utilizando la técnica de FODA, realiza un diagnostico de tu situación personal

Utilizando la técnica del FO D A , realiza un diagnóstico de tu situación profesional

FORTALEZAS O P O R T U N ID A D E S
Define en este espacio tus fortalezas. pef¡ne en este eSpac¡0 t us oportunidades.

D E B IL ID A D E S AM ENAZAS
Define en este espacio tus debilidades. Define en este espacio tus amenazas.

Muy bien lo lograste: ahora ya estás

listo p ara elaborar tus proyectos
fateéjfya, comicsjeatro,.etp^gjgt¡^
 . . . ______
Bloque
OBJETIVOS:
De uno manera científica, obletlva y p rácti­
co buscaremos relacionar al estudionte con
el maravilloso y enigmático mundo del
teatro, fortaleciendo sus conocimientos o
través d e talleres procurando que este sea
el actor principal de esta o b ra de teatro.
 Pasos para el montaje
de una obra teatral
1. Trabajo de mesa
Selección del texto
Lectura de la obra escogida
Lectura dramatizada

Contenido (Premisa)
Género: comedia, drama tra
Construcción
melodrama, sainete, farsa,
de la obra Estilo: Realista, natural
existencialista, Etc.

Análisis de la obra
Actos
Unidades
Escenas
Estructura Características: físicas,
psicológicas, social.
Breve biografía del personaje
Determinar: super objetivo
acciones físicas.

2. Planteamiento escénico
s Definición de escenografía
s Definición de música
z' Definición de vestuario
s Definición de maquillaje
s Definición de iluminación

3. Improvisaciones
s Partiendo de varias ¡deas individuales
y colectivas, organizar la obra teatral
/• Partiendo de la lectura del texto organizar
el reparto de papeles y personajes

4. Ensayo de la Obra 5. Presentación

s Parciales e Individuales
^ Bombardearle de Publicidad
y De corrido todas las escenas
juntas, marcando las entradas ✓ Salón de fotografías
y salidas ✓ Elaboración de trípticos
^ Técnicos marcando detalles de
sonido, escenografía y vestuario

6. Estreno de la Obra
 EL MONTAJE

Es la ejecución del proyecto mismo a través del proceso que se desarrolla desde la elec­
ción del tema o al determinar una obra teatral, hasta concluir su presentación frente a un
público. Por eso revisamos las etapas a las que tiene que someterse todo proceso de
montaje teatral, las mismas que permitirán, que su calidad alcance los niveles de éxito
deseado.

Selección del texto

Inicia con el interés personal y o la afinidad del grupo, de quien o quienes determinan lo
que les gusta para que pueda ser representado, por qué, para qué, para quién.

Dado el caso que el tema sea inédito y no haya sido escrito, el proceso se alargará hasta
lograr estructurar el guión deseado.

Lectura general

Siendo determinado el objetivo, para crear o seleccionar la obra, debe darse lectura al
guión en varias oportunidades, recordando llevar anotaciones de interpretación, entona­
ción, vocalización, pausas, volumen de voz y luego realizar comentarios.

Lectura dram atizada

De manera espontánea los participantes toman un personaje de la obra y se procede a

leer dramatizando a fin de tener claro su contenido.
 Análisis general de la
A diferencia del cuento o la novela la narración dramática está constituida esta por ele­
mentos específicos que se deben descubrir en la obra. Con esto se logrará conseguir
claridad y nitidez en la puesta en escena y que el espectador pueda seguir el hilo de la
obra fácilmente, que el director pueda dar las indicaciones necesarias para conseguir el
objetivo.

Encontrando las características de la obra escogida se podrá encontrar su naturaleza

y riqueza.

Construcción de la obra

C ontenido:

Tomando como base el argumento que el autor desarrolló extraeremos la “ premisa” , es

decir, la intención, lo que pretende decir la obra.

Toda buena PREMISA se compone de tres partes, de las cuales cada una es esencial en
la obra. Veamos la PREMISA de Otelo:

Los celos destruyen a la persona celosa y al objeto de su amor “ Los celos...”

entonces, sugiere al personaje;
“ ...destruyen...” , el conflicto; ...a la persona celosa y al objeto de su amor” , el final o
desenlace.

LA PREMISA sugiere que un personaje celoso duda de la fidelidad de su amada y, por

lo tanto, cree las invenciones de un malintencionado y envidioso rival, Yago, lo que lo
lleva a asesinar a su esposa

A
Desdémona, quedando destrui­
do moralmente y perdiendo los
logros en su carrera militar.

EJEMPLOS DE PREMISA

• Romeo y Julieta: Un gran

amor supera aun la muerte.
• El Rey Lear: La confianza
ciega conduce a la perdi­
ción.
• Macbeth: La ambición
cruel conduce a su pro­
pia destrucción.
• El Día que me quieras: La utopía conduce al desengaño.
• Edipo Rey: Nadie puede escapar de su destino.
• Espectros: Los pecados de los padres se repiten en los hijos.
• Dulce pájaro de la Juventud: La ambición desmedida conduce a la destrucción.
• Una PREMISA puede ser formulada de manera idéntica por distintos autores,
sin embargo, sus tratamientos serán totalmente originales.

FICHA TÉCNICA

Una ficha técnica es un documento en el que se registran los datos más relevantes so­
bre un tema específico.

Existen diferentes tipo de fichas técnicas que varían dependiendo los datos que se es­
tén registrando, pueden ser de cualquier tema como: libros, animales, películas, plantas,
profesiones, obras de teatro, museos, muebles, artículos de cocina, máquinas, países,
productos, etc.
Ejem plo de Ficha Técnica.

Obra: Enemigo en Común.

Autor:Pablo Campos.

Compañía, Flor de Teatro Producciones.

Dirección: Aurora Collao

Producción: Pablo Campos, Giulietta Capossiello, Aurora Collao, Luis Herrera

Elenco: Francisco Achondo, Slavija Agnic, Fabiola Araneda, Aurora Collao, Alejandro
Daza, Andrea Gutiérrez, Nadia Mena, Carolina Sagredo, Rodrigo Valenzuela

Musicalización: Pedro Villagra

Diseño escenografía: Flor de Teatro Producciones

Realización escenografía: Flavia Bustos & Javier

Alvarado
Visuales, Ignacio Vargas

Diseño iluminación: Alejandro Daza &

Javier Alvarado

Técnicos: Gustavo Acevedo, Javier Alvarado,

Catalina Labra, Ignacio Vargas

Fotografía & grabación y edición en video:

Constanza García

Asesoría Gráfica, Cristian Moris

GÉNERO:

Es importante definir qué género de obra se llevará

a escena estos pueden ser:

Comedia
Drama
Tragedia
Melodrama
Sainete
Farsa, etc.

ESTILO:

Reconocer de qué carácter es la obra:

Realista
Naturista
Surrealista
Existencialista, etc
 FICHA TÉCNICA

Una vez escogida la obra que será lleva­

da a escena después de haber realizado
el estudio donde se llena los detalles si­
guientes:

datos g e n e r a l e s

1. Título de la obra: ...............................

2. Premisa de la obra: ............................

3. Género: .................................................

4. Estilo: ....................................................

ESTRUCTURA:

Es el estudio que nos permite descubrir

cómo está constituida una obra, es decir sus
partes.

Actos Parlamentos
Unidades Acotaciones
Escenas

NOTA: es importante resaltar que el estu­

dio y el conocimiento de la estructura de
la obra es determinante para una exitosa
puesta en escena.

ACTOS:

Un a cto es cad a una de las partes p rin cip a le s en las que se d ivid e una o b ra te a ­
tral, una obra puede ten er uno o varios actos, ge neralm ente son 2 ó 3, ca d a acto
constará de un co n flicto , y un clím ax.

UNIDAD:

Está marcada por las variaciones temáticas que sufre la obra en su desarrollo.

Es una especie de acto corto que está marcado por el apagón con el cierre de telones,
una unidad se encuentra constituida por varias escenas que cuenta con una temática
como parte total de la obra, puede haber varias escenas en una unidad.
Una obra teatral moderna generalmente empieza
dividiéndose en unidades por lo tanto siempre ten­
drá más de una.

En cada unidad siempre hay un conflicto y un clí­

max, estos pueden coincidir con los de una escena.

ESCENA:

Está marcada por la entrada o salida de varios per­

sonajes, por lo tanto cada que entre un personaje
a escena, en ese momento la misma ha terminado,
para dar comienzo a otra.

Toda escena es igual a los actos y las unidades tie­

nen su conflicto y su clímax

Parlamento: Son los textos que se aprende el ac­

tor en la obra.

Acotación: son los paréntesis que hace el autor en

el guión teatral, aquí se va a anotar varios aspectos
sobre qué tiene o cómo debe empezar a trabajar
esa escena, estas acotaciones pueden servir para
indicar cuáles son las características del traje tam ­
bién indica cómo es la locación dónde se desarrolla
la acción.

FICHA TÉCNICA

• Actos (Nombres):

1 ......................................................................................................

2.

3.................................................

4 .................................................

Unidades (Nombres):

1..........................................................

2 ..........................................................

3.................................................

4.................................................
 Escenas (delimitar dónde empieza y dónde termina):

1.............................................................................................................................

2 .............................................................................................................................

3...........................................................................................................

4...........................................................................................................

CONFLICTO

Es el choque con un obstáculo que impide conseguir un objetivo, el enfrentamiento en­

tre dos fuerzas.

NOTA: si no hay conflicto no hay situación dramática

EJEMPLO INDIVIDUAL

Esteban decide dejar la escuela, su madre le impide interponiéndose a su deseo con

argumentos de peso (se genera un conflicto).

EJEMPLO COLECTIVO

Los estudiantes de 6to curso deciden hacer una gran fiesta de fin de año, los profesores
y autoridades del colegio se los prohíben, (se crea un conflicto)
En todo conflicto deben existir dos fuerzas, ambas enfoca­
das a alcanzar un objetivo común, si las fuerzas son equi­
valentes, se produce un conflicto interesante, pero si las
fuerzas son desiguales, se provoca todo lo contrario.

Es por esta razón que debemos observar que para que un

conflicto sea interesante fuerzas contradictorias equivalentes.

EJEMPLO

Caso 1: Los personajes están completamente de acuerdo

sobre un tema en particular.

Caso 2: Las partes no están de acuerdo, solo que en este

último caso se crea una situación dramática.

DIVISIÓN DE CONFLICTOS

a. Enfrenta miento entre dos hombres o dos grupos hu­

manos.
Ej. Un hombre decide exponer su trabajo para un empresa­
rio muy importante ya que necesita que conozcan el pro­
ducto y que sea comercializado, el empresario necesita
ideas innovadoras para vender. Al empresario no le
convence la idea, el hombre insiste aduciendo que
será un éxito.

b.Lucha de un hombre contra sí mismo.

Ej. En este caso el hombre duda en presentar su pro­

ducto por el miedo que tiene de ser rechazado, va­
cila, lo piensa varias veces y se hará de valor para
entrar a presentarlo, la presentación es todo un éxito.

c.Enfrentamiento de un hombre contra las fuerzas

de la naturaleza.
Ej. El hombre en este caso ha sido convocado para presentar el proyecto, está muy en­
tusiasmado pero en el camino sufre un accidente y no llega a la reunión.

FICHA TÉCNICA

Conflictos:

Conflicto central:

Conflicto de actos:.

Acto 1: .....................

Acto 2:

Acto 3:
Conflicto de unidades

Unidad 1: ......................

Unidad 2:

Unidad 3:

Unidad 4:

Conflictos de escenas

Escena 1: .....................

Escena 2:

Escena 3:

Escena 4:

Escena 5:

EXPLICACIÓN ACERCA DEL CLÍM AX

En cada escena, en cada unidad, en cada acto y en cada obra existe un momento de
suprema emoción, y es generalmente aquel en que el conflicto llega a su culminación,
razón por la cual se vuelve más emocionante y de mayor interés, esta parte es conocida
como climax.

Es el punto de mayor intensidad o fuerza en una serie creciente, a partir de la cual co­
mienza a decaer la tensión acumulada, pues se resuelven los problemas y cuya acción
conlleva al desenlace.

Los clímax no necesariamente aquellos que tienen más gritos, o las discusiones más
acaloradas ya que podría ser un largo silencio con mucha tensión que se destaque en
la obra.
El momento del clímax es por lo tanto el momento en el que se desenvuelve el conflicto.

Como ya hemos visto existen en la obra varios clímax, pero solo uno es el que provoca
mayor emoción por lo tanto éste será el clímax principal.

Por lo tanto la obra debe ir en ascenso lenta y progresivamente hasta llegar al punto
más alto que es el clímax, si la obra no transcurre de esta manera, entonces se volverá
monótona y aburrida.

FICHA TÉCNICA

Clímax:

Clímax Central: ..................................................................................................................

Climax de Actos:

Acto 1: ................................................................................................................................

Acto 2 : .................................................................................................................................

Acto 3: ................................................................................................................................

Clímax de Unidades

Unidad 1 : ...........................................................................................................................
 Unidad 2:

Unidad 3:

Unidad 4:

Clímax de las escenas

Escena 1: ...................

Escena 2:

Escena 3:

Escena 4:

Escena 5:

ESTUDIO DE LOS PERSONAJES

En esta etapa se tomará en cuenta cuatro aspec­

tos muy importantes para un mejor conocimiento
de los personajes de la obra:

a. Las características: físicas, sociales, ideológicas, y psicológicas del personaje.

b. Una especie de biografía de cada personaje, lograda de lo que deducimos a par­

tir del conocimiento que nos permite la lectura.

c. Determinar el súper objetivo de cada uno de los personajes, es decir definir las
máximas aspiraciones de cada uno, lo que los motiva, que los lleva a la acción.

d. Las acciones físicas de cada personaje, es decir, lo que hace físicamente durante
el transcurso de la obra.

Explicación acerca del

Característica

Todo personaje teatral tiene aspectos que el actor debe conocer, para representarlos,
por lo tanto, el conocer al personaje en sus cuatro dimensiones: físicas, sociales, ideo­
lógicas y psicológicas. De no proceder así, el actor se estaría interpretando a sí mismo.
 Aspecto físico
Determina sus características corporales y faciales:

Edad Ej: viejo, joven viejo, adolescente.

Estructura corporal Ej: gordo flaco, etc.
Estatura
Salud Ej: sano, enfermo.
Condición física Ej: manco cojo ciego sordo paraplé-
jico mudo.
Imagen facial Ej: Nariz larga, aguileña.
Imagen exterior Ej: Elegante harapiento.
Género: humano, animal objeto.
De lo humano: femenino masculino otras tendencias
De su fortaleza: débil fuerte muy fuerte
Actitud: activo, despierto, ágil, lento, pasivo

Si tuviera algún defecto en este aspecto el personaje

trata o no de disimular

FICHA TÉCNICA _________________________

fe
______________________ r m
Características del personaje

Aspecto físico: determina sus características corporales y

faciales

E d a d :........................................................................................................

E structura:..............................................................................................

S a lu d :.......................................................................................................

De su enferm edad:................................................................................

De su co n d ició n :....................................................................................

Imagen fa c ia l:.........................................................................................

Imagen exterior:

Género: .............

De lo humano: .

De su fortaleza:

Actitud: .............
NOTA: Si teniendo algún defecto en este aspecto el personaje, no trata de disimular

Aspecto social
Determina las condiciones sociales del personaje, el medio ambiente humano que le
rodea, y lo veremos desde las siguientes condiciones.

Origen: país, ciudad, pueblo.

Conocimientos: culto, intelectual, medio, básico, bajos.
Economía: rico, pobre, endeudado, insolvente, mendigo
Clase social: amo siervo, rey, esclavo
Trabajo: militar profesor, sacerdote
Vivienda: grande, pequeña, majestuosa
País: grande pequeño poderoso débil, pobre,
rico
Situación política del país: capitalista, socialis­
ta, democracia, dictadura, etc
Tiempo del país: paz, guerra, revolución
Condición civil: soltero casado viudo.

FICHA TÉCNICA

Características del personaje:

Aspecto s o c ia l:........................................................

Origen:

Conocimientos:

Economía:

Clase social:

Trabajo:..............................

Vivienda:............................

País:....................................

Situación política del país:

Tiempo del p a ís:...............

Condición c iv il:.................
Aspecto ideológico

Determina su manera de pensar y de compromiso social, permitiendo identificar su po­

sición en el conflicto y la historia

Permite al actor reconocer el porqué de la actitud del personaje en su manera de ver las
cosas, la sociedad, el mundo, permitiendo confrontar ambas realidades, del personaje
vs el actor y obtener enriquecimiento del personaje en la escena.

Para ello se deberá realizar las siguientes preguntas:

• De la religión ¿tiene religión? ¿Qué religión tiene?, Dioses, las fuerzas naturales
• De la política ¿Es político o no, qué ideología tiene, cómo concibe el mundo?
• De los valores ¿morales, éticos, legales?
• De sus intenciones y actitudes, lidera o hace lo que le dicen, se sacrifica o sacrifica
a otro, se cree superior, inferior o igual protesta o se calla, ambiciona o se confor
ma, promueve cambios o no?

FICHA TÉCNICA

Características del personaje:

Aspecto id e ológ ico :....................

R eligión:.......................................

P o lítica:........................................
Valores:.........................................................................................................................................

Intenciones o a ctitu d e s:............................................................................................................

Aspecto psicológico
Identifica las cualidades, su carácter, sus deseos, y ambiciones, pero sobretodo se adentra en
su condición emocional, como respuesta de su relación con el contexto que le rodea.

Este estudio del personaje determina las diferencias que tiene el actor que lo va a representar
y que le servirán para desarrollar su representación. Para ello habrá de hacerse las siguientes
preguntas:

¿tiene buen o mal genio?

¿ama, perdona o se venga?
¿explota o se controla en la ira, el odio, la felicidad?
¿es bueno, malo, incauto, estúpido, inocente?
¿llora o se ríe con facilidad?
¿Es generoso, tacaño, avaro?
¿Es cariñoso, agresivo, indiferente, agradecido, ingrato?
¿Planea o improvisa sus acciones?
¿Es consecuente con lo que piensa y hace?
¿Acepta , se resiste o se acomoda a las circunstancias
 FICHA TÉCNICA

Características del personaje:

Aspecto psicológico

¿Tiene buen o mal genio?

¿Ama, perdona o se venga?

¿Explota o se contrla en la ira, el odio, la felicidad?

Es bueno, malo, incauto, estúpido, inocente?

Es cariñoso, agresivo, indiferente, agradecido, ingrato?

Planea o improvisa sus acciones?

Es consecuente con lo que piensa y hace?

Acepta, se resiste o se acomoda a las circunstancias

del personaje
Una vez que se ha leído en varias oportunidades el guión, y se ha comprendido su con­
tenido, su mensaje y se conoce de cerca a los personajes, entonces será fácil crear una
biografía de cualquiera de ellos.
Lo importante es tratar de determinar los
antecedentes, las razones, los motivos de
la vida del personaje, el porqué de su pre­
sencia, actitud y su comportamiento en la
historia.

FICHA TÉCNICA

Datos biográficos del personaje

Determinar el súper objetivo

Todo personaje de la historia y durante cada
uno de sus parlamentos, tiene siempre un
objetivo que cumplir que se los conoce
como parciales o micro objetivos.

Pero este personaje tiene una misión aún

más grande que cumplir y es la que recoge
la razón de su actitud, su comportamiento
y su presencia en la trama, aquella que le
obliga al personaje a asumir los riesgos y
retos que le identifican, a esto se le llama
súper objetivo.

FICHA TÉCNICA

El súper objetivo del personaje es:

Las acciones físicas

El actor cuando asume el papel de un per­

sonaje, va creando cada uno de sus movi­
mientos, acciones, que parten de las nece­
sidades del guión.

Cada diálogo debe siempre estar justificado

con movimientos lógicos, coherentes a lo
que él dice. No es correcto decir algo y ha­
cer gestos que no corresponden a lo dicho.
Es por ello que cada escena estará cubierta
de acciones físicas que deberán estudiar­
se minuciosamente junto al guión, con la
finalidad de que sean consecuentes con la
actitud del personaje en el transcurso de la
historia. Estas acciones físicas cuando han
sido analizadas, el actor debe grabar en su
memoria, para que puedan repetirlas cuan­
tas veces fueren necesarias.
Planteamiento escénii
Todo el estudio que se ha realizado anteriormente, da el conocimiento necesario para
que los actores y en particular el director obteniendo una visión clara y amplia de los
acontecimientos a fin de recrear el ambiente que la obra necesita para alcanzar el éxito
deseado.

En esta etapa, se definen y con bastante precisión los siguientes aspectos:

escenografía,vestuario, maquillaje música e iluminación.

Escenografía

La escenografía responde a las intenciones de la historia, sugiere características de los

elementos a usar, e incluso señala el lugar que deben ocupar.

Con ella se recrea un ambiente, una atmósfera de lo que se va a representar, pues índica
el lugar donde se desarrollarán los hechos dramáticos.

La época en que se desarrollan los acontecimientos: (antigua, moderna, contemporánea etc.)

El lugar o locación: (ciudad, monte, pueblo, etc)

Las características de los personajes, psicológicas y sociales, pues éstas determinarán

sus gustos, caprichos, intenciones, posibilidades, condición social, (ricos pobres, preo­
cupados, despreocupados, etc.)

Hay que tomar en cuenta los grandes y pequeños detalles para recrear las condiciones
de fantasía que el autor quiere decir.
 Utilería
Son todos aquellos elementos que complementan la escenografía, ingresan al escenario
para cumplir una función específica en un momento dado y su fin es enriquecer la ima­
gen, éstas pueden ser de tres clases:

Utilería fija: en este grupo están los muebles, adornos, alfombras, cortinas, etc.

Utilería de mano: son aquellos elementos que el actor y la actriz utilizan para remarcar
las características de su personaje como un periódico, cadenas, pitos, etc.

,S FICHA TÉCNICA

a Época

Lugar o lo ca ció n :......................................................................................................................

Escena 1 : ......................................................................................................................................

Escena 2 : ......................................................................................................................................
in
)- Escena 3 : ......................................................................................................................................

Escena 4 : ......................................................................................................................................
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Características generales de los personajes:

P sicológicas:....................................................

S ociale s:...........................................................

U tilería:..............................................................

Para el escenario:..........................................

Escena 1 : ..........................................................

Escena 2 : ..........................................................

Escena 3 : ..........................................................

Escena 4 : ..........................................................

Personajes:

Personaje 1 : .....................................................

Personaje 2 : .....................................................
 Vestuario
Para la elaboración del vestuario, tendre­
mos que hacer las mismas consideracio­
nes que se hace para la escenografía.

El vestuario ayuda no solamente al per­

sonaje sino a crear el ambiente de lo que
se representa, permite identificar la épo­
ca a la cual corresponden los aconteci­
mientos representados.

La ropa ayuda a caracterizar el perso­

naje, el propio actor puede de acuerdo
con el director incorporar a lo largo de
los ensayos las prendas que él mismo
vaya encontrando útiles para enriquecer
su vestimenta.

FICHA TÉCNICA

Época

Lugar o locación

A partir de las características generales

de los personajes:

Personaje 1 : .......................................................

Personaje 2

Personaje 3

Personaje 4

Personaje 5

Personaje 6:
M aquillaje

Cuando el actor ha conocido muy bien su personaje, será entonces cuando podrá ayu­
darse del maquillaje. El maquillaje debe usarse, solo si éste va a contribuir en mejorar la
apariencia del personaje.

FICHA TÉCNICA

Época

Lugar o lo ca ció n :.....................................................................

A partir de las características generales de los personajes

Personaje 1 : ..............................................................................

Personaje 2 : ..............................................................................

Personaje 3 : ..............................................................................

Personaje 4 : ..............................................................................

Personaje 5 : ..............................................................................

Personaje 6 : ..............................................................................
Música
l_a música en la escena es un factor trascen­
dental para lograr la adecuada ambientación de
la historia, al igual que la escenografía y el ves­
tuario debe responder a las mismas referencias
que proporciona la obra.

La música está destinada a reforzar el ambiente

tanto previo, inmediato, o posterior de la actua­
ción promoviendo a que mejore la expresión de
la acción dramática.

Para saber cuándo ingresa la música en esce­

na es necesario establecer un guión de sonido,
donde señala el inicio dentro del guión teatral,
indicando en la palabra o parlamento y determ i­
nando el tiempo de duración.

Todo efecto de sonido debe perseguir a confi­

gurar o crear el contexto, provocar el efecto que
se persigue en el instante mismo de la acción,
ej. Timbre de una puerta, o del teléfono, etc.

Estos efectos sonoros deben ensayarse conti­

nuamente, hasta alcanzar precisión en su eje­
cución, es importante indicar también que el volumen no tape la voz del actor y su ma­
nejo debe estar destinado para una persona que se dedique a esta actividad.

FICHA TÉCNICA

1. Música ambiental: mientras ingresa el público

2. Tema central: tema que sonaría en varias partes

de la obra, al inicio o al final del trabajo

3. Tema de inicio: puede ser un tema específico que

ubique al público en un ambiente que queremos.

4. Tema final: puede ser otro tema que sea sugerente

a la idea que el director tiene la intención de dejar en
la memoria del público.

5. Sonidos: los que se relacionen a provocar un efec­

to inmediato a la acción del actor.
La iluminación en el teatro es una de las herramientas indispensables para dar color,
forma y sentido a los que se está representando. Así se crea la atmósfera adecuada para
preparar al espectador.

La iluminación teatral es el conjunto de dispositivos que se instalan para producir ciertos

efectos luminosos, tanto prácticos como decorativos.

Con ella, las ideas comienzan a hacerse posibles y las historias que se cuentan sobre
las tablas pueden tomar forma, como un acto de magia.

El objetivo de la iluminación escénica es iluminar al intérprete, actriz o actor, revelar

correctamente la forma de todo lo que está en escena, ofrecer la imagen del escenario
con una composición de luz que pueda cambiar tanto la percepción del espacio como
la del tiempo.

Gracias a la luz se pueden inventar

espacios y desarrollar las historias
develando información en una atm ós­
fera mágica creada para cada situa­
ción.

Los cambios de iluminación deben

corresponder a las exigencias del de­
sarrollo dramático de la obra. Por lo
que no puede ser repentino ni mucho
menos sin sentido y más bien deberán
ejecutarse sutilmente, de tal manera
que el público no pueda percibirlos.
 FICHA TÉCNICA

Deberá elaborarse un plano por cada escena, detallando cuando se provoca el cambio
del efecto, puede usarse como referente para determinar este detalle tanto el texto del
actor o el movimiento del mismo.

Son aquellas actividades que mediante el juego, la fantasía y la libre creatividad, dan
forma y significado a la expresividad personal, como herramientas que les ayuden a
desenvolverse mejor.

Se entiende por improvisación a “ la técnica de actuación donde el actor representa

algo imprevisto, no preparado de antemano e inventado al calor de la acción’: Mediante
ellas, obtiene un conocimiento basado en el descubrimiento de su propio yo y de sus
posibilidades potenciales, utilizando de recurso la simulación y el juego, ya que los su­
jetos aparentan, fingen, hacen parecer que ocurre algo.

La improvisación busca canalizar las habilidades imaginativas y expresivas, mejorando

e incentivando la capacidad de comunicación, de escucha, de aceptación, desarrollan­
do la creatividad e imaginación, la capacidad para trabajar en equipo, la habilidad para
narrar, la capacidad de síntesis, su vocabulario, su sentido de cooperación, explorando
el ritmo y su auto conocimiento, todo esto de manera espontánea.

Por ello, para descubrir sus propias capacidades creativas se parte de juegos de desin­
hibición, de creación y de interacción con el espacio, con los objetos y con sus com pa­
ñeros, estos paulatinamente ayudarán a que vaya superando sus miedos e inhibiciones
a la representación, claro está confrontándose en una gran cantidad de acciones y
ejercicios espontáneos con los que debe enfrentar.

Finalmente la improvisación desarrolla la ha­

bilidad de narrar, de crear historias, persona­
jes y atmósferas, ya sea de manera dramáti­
ca, oral o escrita, posibilitando crear textos
coherentes y ricos de imágenes a través de
la práctica y análisis de diferentes ejercicios
de improvisación, con lo que promueve una
conciencia crítica y profunda del papel que
juega la improvisación teatral como vehículo
de creación escénica.

Las improvisaciones son de dos tipos: Las

que parten de una idea cualquiera y las que
parten del texto teatral.

EL REPARTO

Cundo el trabajo, es con actores profesiona­

les el reparto se hace al comenzar el proceso,
pero por la experiencia adquirida con estu­
diantes principiantes, especialmente cuando
su objetivo no es tanto el resultado final sino
la experiencia formativa, es recomendable
no determinarlo hasta haber cum plido las
etapas antes señaladas.
Esto pensando siempre en que haya una mayor participación del grupo. (Si cada uno
sabe su personaje de antemano, no se interesará tanto en la totalidad del trabajo como
en lo que sólo a él le toca hacer) y que en definitiva posibilite al director una mejor elec­
ción. Al director, las etapas anteriores le servirán para darse cuenta quién es el más
adecuado para tal o cual papel, claro está a partir de la comprensión y el interés que
cada uno de los actores vaya mostrando sobre determinado personaje. También es im­
portante saber que se va descubriendo las características personales de cada uno de
los participantes.

FICHA TÉCNICA

Personajes:

Actriz o Actor.

Personaje 1: ...............

Personaje 2:

Personaje 3:

Personaje 4:

Personaje 5:

Personaje 6:

Esta etapa es la de concreción del trabajo, aquí se pone en práctica todo lo estudiado
anteriormente, por tal razón el director parte analizando con los actores todos estos
aspectos, a fin de que tengan una visión clara, no sólo del personaje que les toca inter­
pretar, sino de toda la obra y la manera como será enfrentado el montaje.

Luego de este trabajo pasa entonces sí a los ensayos siguientes:

Ensayos parciales
Ensayos de corrido
Ensayo de la obra escena por escena
Ensayos técnicos
Ensayos generales
 5¡i

OBJETIVOS
r° c u r Q f que e| estudiante se Interne en el
^undo de lo donzo mediortte movimientos
0f Pora les, rítmicos que siguen un patrón
orr,° una formo de comunicación o expre-
|,-:r Procurando llegar a transformar las
jr iciones normales en movimientos fuera de
• ^obituol pora propósitos extraordinarios,
 PROYECTO DE DANZA

Historia de la danza
La Historia de la Danza estudia ia evolu­
ción de la danza a través del tiempo. Des­
de la prehistoria el ser humano ha tenido
la necesidad de comunicarse corporal­
mente, con movimientos que expresaban
sentimientos y estados de ánimo. Estos
primeros movimientos rítmicos sirvieron
igualmente para ritualizar acontecimien­
tos importantes (nacimientos, defuncio­
nes, bodas). En principio, la danza tenía
un componente ritual, celebrado en cere­
monias de fecundidad, caza o guerra, o de
diversa índole religiosa, donde la propia
respiración y los latidos del corazón sirvie­
ron para otorgar una primera cadencia a la
danza.

Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte, teniendo una musa
dedicada a ella: Terpsícore. Los primeros vestigios provienen de los cultos a Dionisio
(ditirambos), mientras que fue en las tragedias principalmente las de Esquilo donde se
desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos del coro.

La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido a la migración a la que la sometió la

Iglesia, que la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único vestigio eran las
danzas de la muerte, que tenían una finalidad moralizadora. En las cortes aristocráticas
se dieron las danzas bajas, llamadas así porque arrastraban los pies, de las que se tie­
ne poca constancia. Fueron más importantes las danzas populares, de tipo folklórico,
como el pasacalle y la farándula, siendo famosas las danzas moriscas, que llegaron
hasta Inglaterra. Otras modalidades fueron: el carol, estampié el branle el saltarelo y la
tarantela.
Géneros de danza
Pertenecen al grupo de las danzas anti­
guas o históricas.

La danza ha ido evolucionado en mu­

chos estilos, desde la Danza Académica
o Ballet, hasta el Breakdance y el Krum-
ping. Las definiciones que constituyen a
la danza dependen de factores sociales,
culturales, estéticos, artísticos y morales,
así como también del rango de movi­
miento funcional (como la danza folclóri­
ca) hasta las técnicas virtuosas (como el
ballet). Cada danza, no importa el estilo,
tienen algo en común, ya que en la mayor
parte de los casos implica tener flexibili­
dad y movimiento del cuerpo, así como
condición física.

Clásicos
Principalmente llevan movimientos y ele­
mentos armoniosos, suaves y coordina­
dos. Estos bailes se practican desde épo­
cas pasadas hasta hoy en día:

• Ballet
• Danza medieval, barroca, renacen­
tista
• Danza contemporánea Tradicionales y folklóricos
• Ballet contemporáneo Danza
Barroca Las danzas folclóricas son danzas que
por lo general pertenecen a la cultura y
etnia de una región, país o comunidad y
pertenecen a la cultura popular.

• Bailes de salón
• Tango
• Charlestón
• Danza árabe
• Baile de las cintas
• Danza del garabato
• Huella
• Diablada de Oruro
• Danza clásica jemer Cueca
• Bacchu Ber
• Danza griega
• Bharatanatyam
• Danza azteca
• Gomba
• Diablada puneña
• Lakalaka
• Flamenco
 Modernos
Son bailes que han sido de gran demanda
en las últimas décadas, sobre todo por el pú­
blico juvenil.

Muchos de ellos han sido usados principal­

mente por cantantes como parte de su ca­
rrera en conciertos, presentaciones, espec­
táculos o videos musicales.

• Jazz
• Breakdance
• Salsa
• Rock n’ Roll
• Para Para
• Moonwalk
• Jumpstyle
• Popping
• Pole Dance
• Hardstep
• Hustle
• Funky

Danza Contemporánea
Se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso a finales del siglo XIX: Mihail Fokin
dio más importancia a la exprésión sobre la técnica, su obra Chopiniana (1907) inaugu­
raría el Ballet Atmosférico solo danza, sin hilo argumental. Sergei Diágilev fue el artífice
del gran triunfo de los Ballets Rusos en
París, introduciendo la danza en las co­
rrientes de vanguardia, su primer gran éxi­
to lo obtuvo con las Danzas Polovisianas
de El Príncipe Igor de Aleksandr Borodin
(1909), al que siguieron El Pájaro de Fuego
(1910), Petrushka (1911) y La Consagra­
ción de la Primavera (1913),de Igor Strav-
inski, por último, Parade (1917) fue un hito
dentro de la vanguardia, con música de
Erick Satie, coreografía de Léonide Mas-
sine, libreto de Jean Cocteau y decorados
de Pablo Picasso. En el grupo de Diágilev
destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky,
Anna Pavlova y Ta mara Karsavina.

Con la Revolución Soviética el ballet ruso

pasó a ser un instrumento de propagan­
da política, perdiendo gran parte de su
creatividad, aunque surgieron grandes
bailarines como Rudolf Nureyev y Mihail
Baryshnikov, y se produjeron obras me­
morables como Romeo y Julieta (1935) y
Cenicienta (1945), de Sergei Prokofiev, y
Espartaco (1957), de Aram Khachaturian.
También alcanzó notoriedad el sistema
pedagógico ideado por Agrippina Vagá-
nova.

Danza Posmoderna
Introdujo lo corriente y lo cotidiano, los
cuerpos ordinarios frente a los estilizados
de los bailarines clásicos, con una mez­
colanza de estilos e influencias, desde
las orientales hasta las folklóricas, incor­
porando incluso movimientos de aerobio
y kickboxing. Otros coreógrafos posm o­
dernos fueron Glen Tetley, Alvin Ailey y
Twyla Tharp.

En las últimas décadas del siglo destaca­

ron coreógrafos como: William Forsythe
y Mark Morris, así como la escuela holan­
desa, representada por Jifí Kylián y Hans
van Manen, donde también se formó el
español Nacho Duato. A nivel de bailes
populares, en el siglo XX ha existido una

gran diversidad de estilos, entre los que

se puede remarcar: Fox Trot, Charlestón,
Claqué, Chachachá, Tango, Bolero, Paso-
doble, Rumba, Samba, Conga, Merengue,
Salsa, Twist, Rock and Roll, Moonwalk,
Hustle, Break dancé, etc. Con este peque­
ño recorrido por la Historia de la Danza, pa­
samos concretamente con el tema al que
va referido este trabajo La Puesta en Esce­
na de un Montaje Coreográfico.

Propuesta para la puesta en escena

de un montaje coreográfico
Para el montaje de una obra coreográfica es
necesario seguir varios pasos que pueden ser
necesarios durante el proceso de la Puesta en
Escena y que a continuación de detalla:

• Taller para seleccionar y decidir la

obra que se va a poner en escena
Objetivos del taller de danza
Clases de entrenamiento
Clases de actuación
 Clases de realización.
Selección de la música para la obra.
Entrenamiento diario de la obra.
Desarrollo de la coreografía por parte del director de la obra y el coreógrafo.
Reuniones de trabajo con el diseñador de los decorados o utilería.
Reuniones de trabajo con el diseñador del vestuario.
Confección de los trajes.
Reuniones de trabajo con el diseñador de la iluminación.
Diseño de la planta de luces.
Elaboración del Raider Técnico.
Elaboración de los guiones de sonido y luces.
Prueba de luces con el vestuario.
Pruebas de luces con maquillaje y peluquería.
Revisión final del proceso del montaje.
Puesta en escena (Montaje de Decorados, Iluminación y Sonido).
Ensayos para correcciones.
Ensayo técnico final.
Estreno o presentación de la obra

Taller para seleccionar y decidir la obra que se va a poner en escena.

La educación artística es un instrumento pedagógico que posibilita el desarrollo integral

del ser humano, potencializando sus capacidades para la expresión creadora y la acción
solidaria frente a su entorno.

De manera específica, la expresión dancística incide en el mejoramiento de las relaciones

interpersonales, ya que al mejorar las habilidades corporales, orales y gestuales de los
participantes y favoreciendo la desinhibición, posibilita una efectiva comunicación, propicia
la adaptación en su medio, dándole asimismo mayores posibilidades de liderazgo.

Al reunirse todas las personas involucradas, en el taller, esto es Director de la obra, co­
reógrafo, bailarines, diseñadores tanto de Decorados, vestuario, sonido e iluminación,
personal técnico y tramoyistas, se procede a discutir y seleccionar la obra a representar.
Esta puede ser de tipo:

Tipos de Coreografía
Coreografía Monologa
Coreografía Grupal
Coreografía Expresiva
Coreografía Distributiva
Coreografía Principal
Coreografía Folklórica
Coreografía Histórica.
Coreografía Simétrica.
Coreografía del Espacio Parcial.

Para hacer una coreografía se necesita realizar una planigrafía, que consiste en plasmar
los movimientos de los bailarines en un papel, la planigrafía normalmente la hace el
coreógrafo, ya que con este material puede dirigir a un grupo grande de personas en el
escenario.

Seleccione y decida la coreografía que va a poner en escena:

Objetivos del taller de danza
1. Elevar la autoestima y autoconfianza en los integrantes del taller.

2. Crear en el taller un marco de convivencia agradable entre los compañeros, entre es­
tos y el profesor (coreógrafo).

3. Formar hábitos de conducta que potencien la socialización, tolerancia y cooperación

entre compañeros.

4. Hacer sentir a los integrantes del taller la necesidad de someterse a una disciplina
necesaria en todo el grupo.

5. Crear responsabilidades en la concreción del proyecto.

Sembrar inquietudes intelectuales para que los integrantes del taller disfruten del estu­
dio e investigación.
Clases de entrenamiento
Desarrollo de los recursos psicofísicos ne­
cesarios para realizar los ejercicios dancís-
ticos:

1. Calentamiento.
2. Concentración.
3. Relajación.
4. Desinhibición.
5. Movimiento.
6. Imaginación.
7. Observación.
8. Tipos de respiración.
9. Ejercicios respiratorios.
10. Técnica corporal
11. Conocimiento y conciencia corporal.
12. Expresión corporal.
13. Tensión - Relajación.
14. Destreza física y coordinación.
15. Ritmo.

Clases de actuación
Se propone un acercamiento al trabajo del
bailarín, explorando las posibilidades ex­
presivas del cuerpo y de la voz, ensayando
la técnica de improvisación.

Se busca desarrollar la imaginación como

motor para la producción dancística, des­
cubrir y profundizar los rasgos particulares
de cada participante, aproximarse a la com ­
posición de un rol personaje jugado dentro
de una estructura dramática. La concep­
ción formativa será el trabajo del bailarín
sobre sí mismo en el proceso creador de
las vivencias.

El contenido puede ser juegos dramáticos y

técnicas básicas usando vestuarios y obje­
tos para el funcionamiento actoral orgánico
a través de improvisaciones simples basa­
das en la vida real.

Proponga sus clases de actuación:

 Clases de realización
Se ayudará y enseñará a los asistentes
al taller ténicas de realización para la
concreción de dicho proyecto.

Selección de la música para la

obra
Existen obras dancísticas que ya tienen
determinada la música para su ejecu­
ción desde su creación, pero existen
obras que en su mayoría requieren de
un estudio musical para acoplar a la
obra que se va a ejecutar, a parte su
edición y masterización de los C d’s, se

requiere de una persona especializada en este

trabajo, esto lo realiza conjuntamente el director
de la obra, el coreógrafo y bailarines.

Seleccione el tipo de m úsica que va a

em plear en la obra:

Entrenamiento diario de la obra

Este es un paso esencial en el proceso para un
montaje, ya que en el entrenamiento diario se
pueden realizar las correcciones o m odificacio­
nes necesarias que el director y coreógrafo quie­
ra realizar.

Desarrollo de la coreografía por parte

del director de la obra y el coreógrafo
El coreógrafo y el director tienen en sí la facultad
de crear estructuras en las que suceden movi­
mientos a estos el término com posición también
puede referirse a la navegación o conexión de
estas estructuras de movimientos. La estructu­
ra de movimientos resultante también puede ser
considerada como la coreografía.
El desarrollo de la coreografía está ligado directamente con el entrenamiento diario y la
planigrafía que lleva tanto el coreógrafo como el director de la obra.

Reuniones de trabajo con el diseñador de los decorados y utilería

Los escenarios tienen que ser vestidos y adornados con los objetos que aparezcan en
acción, toda obra necesita ser creíble y debe llevar una ambientación adecuada.

Para realizar esta labor tanto el director de la obra y el coreógrafo deben mantener reu­
niones constantes con el diseñador para llevar a cabo su ejecución.

Para abarcar la extensa variedad de materiales y objetos que intervienen en la ambien­

tación efectuaremos la siguiente clasificación:

Decorados: Se incluye todo el mobiliario que viste un escenario como los cuadros, cor­
tinas, lámparas, vehículos que aparecen en escena aunque su función sea meramente
decorativa, la armería decorativa, la escenografía, pantallas, diagramas, mapas, pane­
les, etc.

Attrezzo (Utilería): Lo constituyen todos aquellos objetos con que interactúan los bai­
larines en los escenarios, es decir, con los que juegan o manejan. Son fundamentales
y vienen perfectamente indicados en el guión de forma directa o indirecta (pueden ser
plumas, armas, medicinas, ceniceros, cigarrillos, etc.) con los elementos de utilería es
necesario incrementar el control de la continuidad en la acción
 Indique el tipo de utilería y decorados que utilizará en la obra:

Reuniones de trabajo con el diseñador de vestuario

Otro de los puntos esenciales en el proceso del montaje es las reuniones de trabajo con
el diseñador del vestuario, constituye la materia prima para la ambientación de la apa­
riencia física de los bailarines.

Es habitual contratar a un profesional que se encarga de la fabricación a medida del

vestuario, aunque también se recurre con frecuencia al alquiler del mismo (normalmente
en empresas de servicios especializadas, si se trata de trajes de época) o a su compra
en los comercios del ramo. Muchas veces se negocia con los comercios de moda el uso
de determinada vestimenta a cambio de determinada publicidad más o menos eviden­
te. La zapatería, joyas, complementos y todos aquellos elementos destinados a dar la
apariencia física a los personajes que se incluyen en este concepto.

Es necesario que esta persona presente bocetos, texturas y coloración de las prendas a
confeccionar y que estén sujetas a discusiones y cambios que se den.
 Indique el tipo de traje que van a utilizar para hombres y mujeres.

Confección de los trajes

Una vez discutido, hecha pruebas con la iluminación y aprobado por el director de la
obra y el coreógrafo se procede a tom ar las medidas a los bailarines para la confección
de los trajes, una vez confeccionados se procede a realizar las pruebas para ver qué tan
bien les quedan las prendas y realizar los ajustes necesarios.

Una vez realizada las rectificaciones y ajustes necesarios se procede a realizar una prue­
ba definitiva para observar si no necesita más cambios o ajustes, caso contrario la pren­
da queda lista y si es necesario realizar la última rectificación.

Indique el presupuesto para cada prenda de

vestir que se utilizará:

Reuniones de trabajo con el

diseñador de la iluminación
Cuando el director de la obra y el coreógrafo ya
han decidido qué coreografía van a realizar em­
piezan las reuniones con el diseñador de la ilu­
minación donde se tratan los siguientes puntos:

1. Creación de escenas.
2. Creación de atmósferas.
3. Creación de ambientes.
4. Colores a utilizar (filtros de color)
5. Tipos de instrumentos o lámparas que se
van a utilizar
6. Efectos especiales.

1. Creación de escenas: Es el proceso por el cual se va dividiendo secuencialmente la

obra, esta puede tener desde una sola escena hasta una infinidad ilimitada de las mis­
mas.

2. Creación de atmósferas: Es la motivación que se quiere dar a la obra, estos pueden

ser momentos de ira, violencia, macabros, de amor, de felicidad, etc.

3. Creación de Ambientes: Estos pueden ser momentos en cambio de ubicación don­

de la iluminación juega un papel fundamental y nos indica que son momentos en el que
podemos estar en el interior de una vivienda, en la ciudad, en el campo, el amanecer de
un nuevo día, etc.
 4. Colores a utilizar (filtros de color):
Existe una gama completa de colores en
lo que es filtros de color que se utilizan
en iluminación desde los colores más fríos
que son los ultravioletas, hasta los más
cálidos que son los infrarrojos, esto de­
pende de qué ambiente o atmósfera que­
remos dar a la escena.

5. Tipos de instrumentos o lámparas

que se van a utilizar: Al igual que los fil­
tros de color en la iluminación existen ins­
trumentos o lámparas de gran variedad,
estas pueden ser luces que van a cubrir
grandes áreas a estas se las conoce con el
nombre de Wash y son instrumentos que
por su lente pueden cubrir áreas amplias y
bañar suavemente la escenografía o el es­
cenario y tenemos por ejemplo los instru­
mentos que se llaman fresneles, parnel o
en instrumentos robóticos los que utilizan
un lente wash que también puede cambiar
los colores automáticamente y por otro
lado encontramos los instrumentos de luz
dura o concentrada que son los spotlight,
estos son útiles para realizar efectos que
tiene una serie de aditamentos con los
cuales las luz se puede cortar a la forma
que usted desee, proyectar imágenes con
globos y porque tiene unos lentes que us­
ted los puede regular, se los conoce con el
nombre de Lekos o Elipsoidales, esta luz
tiene la particularidad de que hace sobre­
salir los elementos que están cubiertos por
estos reflectores, en instrumentos robóti­
cos también existen con lentes spot y ade­
más vienen provistos con globos y colores
que se cambian automáticamente a través
de motores, existen los seguidores cuya
función como indica es perseguir al actor o
bailarín por el lugar donde él se mueva y lo
haga sobresalir ante los demás bailarines
y por último tenemos las baterías que son
instrumentos que sirven para iluminar y dar
color a los cicloramas, panoramas y esce­
nografía, su luz es suave y uniforme.

En la actualidad están viniendo instru­

mentos que para facilitar su manejo y
ubicación en el escenario vienen provis­
tos con un juego de lentes que se pueden
cambiar a la necesidad de la obra, estos
son el Source Four Par, el parnel, elipsoi
dales con zoom y lo último en tecnologí;la
los instrumentos de luz con Leeds

A
6. Efectos especiales: Dentro de este campo se encuentra los spotlight (luces), flash
(estroboscopios), máquinas de humo, niebla, nieve, ventiladores, cañón de confeti o
papel picado, bengalas, relámpagos, rayos, sonidos especiales, etc.

Describa ias escenas que va a utilizar:

Describa la atm ósfera a usar:

Indique el am biente en el que se desarrollará la obra:

Describa los colores a utilizar:

Indique las lám paras a utiliza:

Escoja los efectos especiales a usar:

Diseño de la planta de luces
Cuando se ha visto y estudiado todas las necesidades de la iluminación durante el pro­
ceso de montaje se procede a realizar una planta de luces, la misma que es realizar un
plano en un papel o documento, donde se indica qué tipo de instrumento o reflector va a
utilizar, la ubicación en el espacio, el color que lleva el instrumento, el circuito asignado al
instrumento y el canal al que va asignado en la consola de mando.

Elaboración del Raider Técnico

Para la elaboración del Raider Técnico es preciso tener todos los elementos necesarios
del proceso del montaje para que con estos detalles se lleve un registro completo de las
necesidades que requiere la coreografía.

Por ejemplo en lo referente a la iluminación se debe tener la planta de luces, la ficha téc­
nica y el guión para saber lo que se necesita en otros espacios donde se va a realizar las
presentaciones.

En lo que concierne al sonido igual se detalla los equipos de sonido necesarios, parlantes,
cables, micrófonos, toca C d’s, etc., y el guión donde se indica los momentos o tiempo de
entrada y salida de la música.

Y para lo que es tramoya y utilería se debe tener un listado completo de las decoraciones,
escenografía, elementos y demás utensilios que van en la obra y un guión donde se detalle
el momento de ingreso y salida de todos estos elementos.

Toda esta información reunida se llama Raider Técnico y se lleva o se envía a los lugares
donde se va ha realizar las presentaciones, por ejemplo el Teatro Nacional.

Indique el Raider Técnico a utilizar:

Elaboración de los guiones de Sonido y Luces

Esto es de gran importancia porque en este registro va detallado tanto los cambios de
luces y sonido que son entregados a los operadores de luces y sonido, los mismos que
son trabajados tanto con el director de la obra como con el coreógrafo y que son recopi­
lados a través del montaje y a momentos son tan coordinados que los cambios de luz se
producen con el registro numérico de los C d’s.
Prueba de luces con el vestuario
Es de prescindible necesidad realizar esta prueba, para ver si no hay colores de la textura
del vestuario saturen el color de la iluminación.

Pruebas de luces con m aquillaje y peluquería

De igual forma como en el párrafo anterior: también es necesario, porque el maquillaje
caracterización y peluquería son elementos complementarios para la ambientación de la
apariencia física de los bailarines. Se emplea prácticamente siempre aunque solo sea para
que los bailarines no aparezcan desmejorados. La iluminación ambarina (ambar) obliga a
introducir correcciones en la tez de los bailarines. Por supuesto se emplea también para
mejorar o desmejorar su apariencia física. La caracterización va un paso más adelante que
el maquillaje y prescinde cambios importantes en la apariencia física de los bailarines. Los
especialistas emplean látex y un variado catálogo de materiales que sirven para remode-
lar el cuerpo, por eso la iluminación debe ser clara para observar los detalles en caso de
que el bailarín lleve máscaras y la peluquería se centra en el peinado de los bailarines así
como en el empleo de pelucas que permiten cambios: significativos en su imagen para
adaptarla a las necesidades del guión.
 Describa e! tipo de m aquillaje y pe­
luquería que va a usar:

Revisión final del proceso del montaje

Por lo general al final de todo el proceso del montaje, antes de la puesta en escena,
siempre quedan inquietudes por aclarar y muchas cosas por revisar, por eso es necesario
realizar una revisión final al proceso del montaje y realizar las correcciones necesarias para
tener una depuración total de la obra y de realizar los correctivos necesarios en la puesta
de escena.

Puesta en escena (montaje de decorados, iluminación y sonido)

• La puesta en escena: Es una de las partes más importantes dentro de este
proceso es el montaje mismo de todos los equipos, es en este momento donde
se mira la colocación de la escenografía, decorados, telones, pisos plásticos, la
utilería, las luces, los efectos de instalación de los equipos de sonido y monitoreo.

La tramoya en el teatro o lugar donde nos presentemos es la zona donde se

coloca:

La escenografía: Puede ser estructuras en madera, metal o mixtos.

• Decorados: Pueden ser en tela, papel o mixtos.

• Telones: Por ejemplo telón de boca, telón de fondo, ciclo rama, panorama,
patas o piernas y bambalinas.

• Piso plástico o linóleum: Este piso por lo general se lo utiliza para Ballet o para
las coreografías y es de ayuda para que los bailarines no se resbalen al momen­
to de ejecutar las interpretaciones.
 Efectos: Pueden ser visuales, sonoros o combinados.

1. Visuales: Luces, láser, luces robóticas, gobos, bola de espejos (discoteca),

máquina de humo, máquina de niebla, cañón de confeti, etc.

2. Sonoros: Cajas acústicas elevadas, micrófonos aéreos, campanas, ruidos, etc.

3. Todo lo que tenga que colocarse en la tramoya está constituido por varales
manuales, eléctricos, torres, trípodes (tripies), troneras y puentes elevados,
tanto dentro del escenario, como sobre el público o delante del público.

Iluminación:

- Iluminación frontal
- Iluminación áerea
- Iluminación lateral o calles:

1. Cabeza: estas luces iluminan al bailarín desde el pecho hacia arriba lo más
alto posible, para cuando una bailarina o bailarín sea elevada por sobre sus
hombros.

2. .Medio: estas luces iluminan de la cabe­

za a la cintura.
3. Bajo: estas luces iluminan del pecho a
la rodilla.
4. Piso: estas luces iluminan de la rodilla
al tobillo.
5. Contra piso: estas por lo general van
a iluminar el movimiento de los pies del
bailarín y estas van colocadas al piso del
escenario.

- Iluminación en contraluz o
Back
- Iluminación especial:

1. Luz cenital: esta luz como su nom­

bre lo indica cae vertical mente so­
bre la persona y puede estar defini­
da tanto en forma circular como un
punto o de acuerdo al diámetro que
se le quiera dar, en forma rectangu­
lar o cuadrada y a veces puede es­
tar proyectada como una línea.

2. Luz diagonal: esta por lo general

se encuentra en las 4 esquinas del
escenario, puede estar colocada
en varal, torre, trípode o al piso y
se puede recortaron los obturado­
res formando una calle de luz, no
necesariamente puede estar en las
esquinas también se puede formar
una calle lateral de lado a lado.
 3. Proyectores: dentro de esta iluminación están los reflectores que pueden pro­
yectar imágenes a través de gobos, las imágenes pueden ser desde edificios,
nubes, el sol, follaje, ventanas, etc, cualquier cosa que usted se imagine que
pueda proyectar, dentro de estos está el seguidor y para medios audiovisuales
el infocus y los más avanzados los robóticos.

4. Sombras: pueden ser instrumentos que se encuentren ubicados en el piso fron­

talmente para producir sombras sobre el ciclorama y se los puede pintar de
color con las baterías del ciclorama y también se puede lograr la famosa sombra
china con uno o varios instrumentos ubicados tanto desde un trípode o del piso
pero desde la parte posterior del escenario, la proyección puede ser sobre el
ciclorama o sobre un bastidor.

- La consola o control de mando

- Los dimmers
- Los reflectores:

Sonido: durante el proceso de montaje es esencial la ubicación de los equipos

de sonido, porque hay que colocar las cajas acústicas de modo que el sonido sea igual
y parejo en todas las direcciones del Teatro o lugar donde se presente, el volumen debe
ser moderado sin llegar a la saturación, para tener un registro sonoro agradable y no
un sonido estridente, porque caso contrario molestaría al público y de igual forma la
colocación de los monitores para que los bailarines tengan una buena referencia de la
música y pueden ejecutar la coreografía.

El sistema de sonido está com puesto de igual forma por tres partes esenciales
que son:

- Los equipos reproductores

- La consola de sonido
- Cajas acústicas

1. Cajas pasivas: estas son las que necesitan de un amplificador para su funcio­
namiento.
2. Cajas activas: estas en cambio vienen con un sistema de amplificación incor­
porado y solo necesitan que llegue la señal sonora para amplificarla.
 Describa la puesta en escena que usará en
la obra (m ontaje de decorados, ilum inación
y sonido).

Ensayos para correcciones

Es mucha necesidad realizar estos ensayos,
es donde todavía se pueden realizar m odifi­
caciones y ajustes que a criterio de los bai­
larines, diseñador, coreógrafo y director de
la obra y realizar la limpieza o depuración de
todo lo extraño o desagradable que se en­
cuentre e incluso mejorar la calidad del mon­
taje.

Ensayo técnico final.

Este ensayo por lo general es de vital importancia,
se lo realiza previo al estreno de la obra o al inicio
de cada presentación y es para revisar y realizar
los ajustes necesarios que pudieran suscitar, la
obra se la pasa de corrido como si fuera la fun­
ción y se toma los apuntes para los correctivos
respectivos y proceder a rectificarlos.

Estreno o presentación de la obra.

Es la culminación de un proceso, donde se pone
a consideración del público el trabajo realizado
durante el tiempo que ha tomado en realizar el
montaje.

Es el momento donde existen las críticas y comentarios del público, unos pueden ser a favor o
en contra pero igual vale la pena considerar toda crítica o comentario, para que con estos argu­
mentos realizar un análisis más profundo y dar los correctivos necesarios a la obra, tanto en la
parte artística como en la parte técnica.
En consideración de toda esta experiencia vivida nosotros tomamos como objetivos específicos
realizados para el aprendizaje de los bailarines y los integrantes del taller los siguientes puntos:

• Encontrar en su cuerpo (manos, voz, gesto, mirada, movimientos) recursos

comunicativos y disfrutar de ellos.
• Conocer su propia voz y utilizar la palabra y el cuerpo como el más noble
medio de expresión.
• Aprender a realizar el vestuario, escenografía, utilería, iluminación, sonido,
objetos, etc.
• Potenciar la lectura e involucrarse más dentro de la obra o coreografía.
• Asimilar los problemas de los demás al tener que asumir los de sus persona­
jes lo mismo que la manera de hablar y sentir según su época y condición.
• Poder transportarse con la imaginación a otros momentos históricos.
• Analizar los personajes y las situaciones representadas.
• Realizar una crítica del hecho bailado o dramatizado.
• Saber colaborar en la construcción de decorados, vestuario o manipulación
de equipos tanto de sonido como de luces, etc.
• Comportarse debidamente en un espectáculo.
• Conocer los recursos de grabación en video como resumen e inmortaliza-
ción de una tarea artística efímera.

Describa las conclusiones finales de la obra que presentó, es decir de su proyecto

de danza.
Proyecto de

Música
 Bloque
hiendo lo músico uno manifestación artística y
-ultural buscaremos que el estudiante viva una
**periencia estática como oyente y aprendo a
apresar sus sentimientos, circunstancias, ¡déos y
^ens a míenlos a través de este arte y ser capaz
de proyectar a los de su entorno entretenimiento.
Comunicación y deleite.
 PROYECTO DE MÚSICA

Composición de una canción

Como toda tarea importante en la

vida, la composición de una canción
tiene mucho de arte, ciencia, senti­
miento, inspiración, conocimiento y
cálculo.

Para aquellos que nunca han com ­

puesto una canción “formalmente” ;
parecería un gran misterio el cómo
se compusieron tantas canciones en
el mundo y cómo siguen aparecien­
do muchas más, cada una con su
propio carácter, sus propios colores.
Sin embargo, en el mundo occidental
todo este milagro se crea solamente
con doce notas, y está en cada uno
de nosotros la forma de combinarlas.

El objetivo es quitarle el misterio a la

composición de una canción, para
que veamos que cualquiera puede

hacerlo, sin necesidad de tener cono­

cimientos profundos de música.

Algo que debes conocer: Dentro de

la enseñanza tradicional, se dice que
la música está compuesta por tres ele­
mentos básicos (que serán explicados
a continuación): Melodía, armonía y
ritmo; y si pensamos en una canción,
a esto habría que aumentarle una líri­
ca, o letra. En la combinación de estos
elementos, que pueden estar todos o
no presentes, es donde nuestra mu­
sicalidad interna se puede expresar; y
hay que recordar que estos conceptos
son parte intrínseca de nuestra cotidia­
nidad; simplemente les daremos nom­
bres para poder organizarlos y jugar
con ellos de manera consciente; y así
darles una dirección y un propósito.
Ritmo
Todos los seres humanos, sin excepción, creamos
música a diario sin darnos cuenta; comenzando por
los latidos del corazón, que marcan sin equivoca­
ción el ritmo de lo que estamos experimentando a
cada momento. Cada vez que nos encontramos a
nosotros mismos repitiendo un golpe con algún ob­
jeto en nuestras manos, o moviendo nuestro pie re­
petidamente (incluso por efecto de estar inquietos o
nerviosos); estamos creando un ritmo.

El ritmo es quizás, el elemento más importante de la música, ya que nos proporciona

un sentido de seguridad y tranquilidad, de orden en medio del caos. Lo primero que
nuestros oídos pudieron escuchar cuando se formaron dentro del vientre de nuestras
madres, fue el latido de su corazón; ese “ ritmo constante marcó nuestros primeros nue­
ve meses de vida; nos hizo saber que alguien vivía por nosotros y para nosotros; y que
mientras ese ritmo siguiera ahí, nosotros podríamos vivir. Es así como, llevamos ese
anhelo por el resto de nuestras vidas; y buscamos el ritmo (y vivimos el ritmo) hasta el
último segundo de nuestra existencia. No es una coincidencia que a tantos seres hu­
manos les guste entrar a bares y/o discotecas constantemente y el ritmo; “ pun chis pun
chis” que lo único que significa a nivel inconsciente es el retorno al vientre materno, y
por ende, a todas las sensaciones agradables que esto conlleva.

Para este momento, el misterio de cómo crear un ritmo debe haber casi desaparecido,
que veremos que todo el tiem po estamos creando o repitiendo ritmos. Además, para
crear un ritmo, no se necesita absolutamente ningún instrumento en especial más que
nuestro propio cuerpo: Nuestra respiración ya es un ejemplo de una creación perfecta
de ritmo; nuestras manos, nuestra boca son ya instrumentos rítmicos con millones de
sonidos potencialmente listos para ser explotados.
Vamos a crear

La clave para crear música, y como primer y más importante paso, es ¡Escuchar Músi­
ca! Y escuchar, dentro de nuestro objetivo de poder posteriormente crear música, no se
limita simplemente a oír el conjunto global de todos los sonidos en una canción sino a
profundizar conscientemente en los diferentes elementos que la conforman. Si hacemos
la analogía de la música como una pintura podríamos buscar cuántos colores encon­
tramos, si los trazos son delicados y suaves o agresivos, si hay muchas puntas y líneas
rectas o más curvas, si está todo lleno de colores o quedan espacios en blanco, etc.
musicalmente, sin tener ningún conocimiento teórico podemos hacer el mismo análisis;
para lo cual podemos realizar la siguiente actividad.

Actividad 1

Apreciación.- Escucha en un espacio tranquilo, silencioso y sin interrupciones tu can­

ción favorita, sin importar el género que esta sea. Abre tus oídos y tu mente y responde
las siguientes preguntas:

1- ¿Cuántos y cuáles sonidos diferentes puedo reconocer?

.2.¿Cuántos y cuáles patrones repetitivos puedo reconocer en los diferentes instrumen­

tos y/o voces?

3.¿Escucho los ritmos que marcan los diferentes instrumentos y la voz; cuáles?

4.¿Qué otras repeticiones encuentro en la canción como tal?

Al finalizar esta actividad (para la cual tal vez tengas que escuchar la canción más de
una vez), descubrirás que una característica común de cualquier canción es la repe­
tición; se repiten elementos muy pequeños casi insignificantes o imperceptibles, y se
repiten partes enteras de la canción como versos o coros, musicalmente y también en
letra. LA REPETICIÓN ES LO QUE HACE QUE UNA PIEZA MUSICAL O CANCIÓN SEA
MEMORABLE Y SE QUEDE EN NUESTRA MENTE POR MUCHO TIEMPO.

A partir de esta escucha consciente de la música; podremos comenzar a crear nuestros

propios ritmos; sin embargo, antes de hacerlo, es importante que podamos copiar o re­
petir, donde lo que predomina a volúmenes inclusive dañinos para la salud, es un golpe
lo que otros (como el ejemplo de la canción favorita) ya lo han hecho; y que sabemos
que lo han hecho bien. Si podemos experimentar en nuestro cuerpo estos ritmos pre­
viamente creados; los podemos repetir, sentir y transmitir de forma natural, sin sentirnos
forzados o que estamos realizando un esfuerzo físico o mental para lograrlo, podremos
crear los nuestros. Como se mencionó previamente, el solo hecho de hacer consciencia
de la respiración, es ya una creación de ritmo, con el que podemos jugar en cualquier
momento del día.

Es importante recalcar que la palabra crear debe comprenderse como un proceso en el

cual simplemente podemos aportar a algo que ya existe. Como se dice cotidianamen­
te, nadie puede inventar “ el agua tibia” Esto significa que en el proceso de creación no
se puede esperar obtener resultados que sean completamente desconocidos antes de
comenzar; lo que hacemos simplemente es juntar muchos elementos conocidos, mez­
clarlos de la manera más creativa posible, y nuestro aporte estará en el mensaje que
queremos comunicar, sea este explícito o no, y lo haremos de la forma en la que nuestro
espíritu esté preparado para hacerlo, resultado de nuestras vivencias, experiencias y
estado de ánimo del momento. Hay que recordar que el fin último de la música es CO­
MUNICAR.

Para la siguiente actividad, así como para el resto de este capítulo, utilizaré un lengua­
je que pueda ser comprendido por cualquier persona independientemente de su nivel
previo de conocimiento musical; así como diagramas y representaciones gráficas de
elementos musicales; de tal forma que se pueda interpretar de la manera más acertada
posible; sin embargo esto NO SERA LENGUAJE NI NOTACIÓN MUSICAL; y tendrá las
limitaciones respectivas por no poder utilizar el lenguaje correcto; con el objetivo men­
cionado anteriormente: que no exista frustración por parte de quien quiera aprender lo
que se busca en este capítulo sin conocimientos musicales previos. Para poder obtener
las bases musicales esenciales y explicar el proceso de composición musical harían
falta varios capítulos de notación y teoría musical previos; que se aconseja estudiar a
quienes quieran profundizar en este tema posteriormente.
Exploración.- Para crear ritmos, procederemos a representarlos gráficamente de tal for­
ma que podamos interpretarlos lógicamente; sin importar si nuestra interpretación es di­
ferente a la de otra persona; ya que el objetivo es crear un ritmo propio y que podamos
transmitirlo a los demás y comenzar así nuestro proceso de creación musical. En esta
actividad, se debe aplaudir (o con algún ruido vocal) los ritmos que serán graficados a
continuación; en donde los puntos asentarán golpes de corta duración, y las líneas gol­
pes de larga duración; sin importar cuán largos o cuán cortos se hagan, se debe buscar
que sean agradables, ordenados y musicales. (Con musicales me refiero a que se sien­
tan como que pudieran ser elementos de una canción de la cual gustaríamos).

Una vez que se haya encontrado el patrón y suene musical, se debe repetir la cantidad
de veces necesaria hasta que se sienta natural y fluido. Antes de comenzar se codificará
rítmicamente para ejemplo la canción popular infantil “ Los Pollitos” de tal manera que
se entiendan claramente los ejemplos: Los símbolos estarán por debajo de la letra de la
canción.

Los Pollitos di-cen: Pí-o, pí-o, pí-o,

cuando tienen hambre, cuando tienen frío

2.

3.

4.

5.
Actividad 3

Creación.- Una vez que el cuerpo y la mente se han familiarizado con repetir los patro­
nes graficados anteriormente; además de haber creado una nueva “ costumbre” corpo­
ral, al hacer conscientes estos ritmos, también estamos aprendiendo a encontrar nuestra
propia manera de codificar y decodificar esta “ información musical’.’ En esta actividad
realizaremos lo contrario: Se debe imaginar un ritmo, un patrón de sonidos repetitivo;
y debemos encontrar la forma de escribirlo; si se gusta, con la forma presentada en la
actividad anterior, o como cada uno se sienta más cómodo.

Existen cinco numerales igual que en la actividad anterior, solo que a diferencia de esta,
se comenzará con un patrón muy sencillo en el numeral Uno. En el segundo buscaremos
otro distinto al primero pero igual de sencillo; y a partir del tercero al quinto, se buscará
combinarlos de formas distintas para llegar a un patrón interesante de repetir; y que sea
más largo que el primero y el segundo. En resumen, el quinto debe sonar a algo que
repetiríamos con gusto en cualquier canción existente.

1 ...................................................................................

2 ............................................................................................

3 ...............................................................................

4 ...............................................................................

5 ................................................................................

Actividad 4

Ahora que ya hemos creado ritmos conscien­

temente, con musicalidad y organizadamente;
podemos comenzar a crearlos de tal forma que
cumplan de mejor manera dentro de lo que se
espera de una canción. Para ello vamos a tom ar
dos ejemplos clásicos de cómo se trabajan co­
múnmente los ritmos en diferentes canciones,
de tal manera que suenen agradables al oído y
se desarrollen sin ser monótonas, sin perder el
orden ni la repetición necesarias para que sean

En este primer ejemplo, podemos ver un patrón que serepite siempre desde el com ien­
zo al final de la canción. Volvemos a la canción “ Lospollitos”y si codificamos solamente
el ritmo, se vería de la siguiente manera en toda la canción:

/ / — P1 — / / / / — P1 — I I / / — P1 — I I / / — P1 — I I / / — P1 — I I / / — P1 — II etc.

Ej.1

Los pollitos (solo ritmo del canto)

Otros ejemplos de canciones populares donde encontramos esta forma musical son:
Estrellita dónde estás, Tengo una muñeca, Campana sobre campana (la primera parte),
entre otras de varios géneros; sin embargo he mencionado algunas de conocimiento
universal.

En el segundo ejemplo, se verá una forma musical más compleja e interesante que la
anterior, también muy común en miles de canciones y temas musicales desde siempre.
En este ejemplo veremos que existe un patrón que aparece dos veces, seguido por uno
que es igual de largo que los dos juntos; de esta manera:

/ / — P1 _—/ / / / — P1 - „ / / / / . -------p2 //e n donde (en duración) P1 + P1 = P2

Ej.2

Navidad, navidad (Jingle Bells)

Letra primera parte (P1 y P2): Navidad, navidad, hoy es Navidad.

Ritmo:

P1: ...__

P2: ....__

Todo junto:

Letra segunda parte (P3):Con campanas este día hay que festejar

P 3 :.............

Si cantamos la primera parte de la canción, podemos ver que tenemos dos patrones pe­
queños que se repiten (P1), seguidos de un patrón (P2) que es igual a los dos primeros
juntos, es decir, mide lo mismo que la suma de ambos.

Y si cantamos las dos partes de la canción: Navidad, navidad, hoy es navidad; con
campanas este día hay que festejar... podemos escuchar que la segunda parte, es decir
(P3) también mide en tiem po la suma de los patrones que conforman la primera parte.
Gráficamente lo podemos ver de la siguiente manera:
/ / — P1 — / / / / — P1 — / / / / -------- P2 //

//----------------------- P3-------------------- //

en donde, en duración, P2 es el doble de Pl, y P3

es el doble de P2.
En resumen, y para facilitar la comprensión de
esta nueva forma musical, se debe comprender
que es común encontrar patrones pequeños que
se repiten, seguidos de otros patrones que duran
lo mismo que la suma de ambos pequeños. Y
esto se repite como si miráramos desde un mi­
croscopio y saliéramos poco a poco hasta ver a
nivel global la repetición de este comportamiento.

Para una mayor comprensión de esta forma mu­

sical, se debe escuchar todo el tema (Navidad,
navidad) con atención y buscar estos patrones
que son obvios y se repiten todo tiempo.

Otros ejemplos de música popular donde podemos encontrar estas formas musicales
son: Noche de Paz, Arroz con leche, El patio mi casa, entre otras de diferentes géneros,
simplemente he mencionado algunas de conocimiento universal.

Actividad 5

Apreciación y creación.- Ahora que conoces, lo que es ritmo, y algunas formas básicas
de organización para crear temas musicales, escucha las canciones mencionadas en
la actividad anterior; repite los ritmos que encuentres y luego crea tus propios ritmos y
organízalos bajo la misma lógica (P1 + P1 + P2). Recuerda que independientemente de
cualquier medida, cálculo o técnica que utilices, lo más importante es que suene bien.
Utiliza tu instinto y tu musicalidad y el resultado será siempre correcto.

Conclusiones
Por último, la mejor forma de lograr com poner ritmos agradables, interesantes, diver­
tidos de tocar, de cantar, es por medio de la EXPERIMENTACIÓN! Recuerda escuchar
conscientemente mucha música; copiar lo que te guste, repetirlo, hacerlo natural en tu
cuerpo y en tu mente, y después comenzar a crear; y sin importar lo que salga, cada
vez mejorará; nunca hay que menospreciar una composición por más pequeña o simple
que sea; ya que de lo más pequeño nace lo más grande; y para ejemplo una de las más
grandes y famosas obras de la humanidad, la Quinta Sinfonía de Beethoven, que repite
varias cientos de veces este sencillo patrón rítmico, que lo podemos diagramar así:
Actividad Grupal 1
Exploración.- Esta actividad es más divertida mientras más personas se puedan juntar
para realizarla. Una persona debe comenzar golpeando un objeto con un ritmo cons­
tante, que sirva como base para que los demás” instrumentistas” puedan acompañarlo.

Puede tocar un ritmo constante como un latido de corazón o el sonido de las manecillas
de un reloj. Poco a poco, las demás personas, deben buscar, con su propio cuerpo, su
boca, y objetos que tengan a la mano; otros sonidos; y poco a poco deben integrarse
acompañando el ritmo, buscando realizar cada uno patrones diferentes que no cho­
quen con el patrón base, sino que lo complementen. Para esto, se debe escuchar con
atención y dejar fluir la imaginación; una vez que se haya juntado el mayor número de
personas repitiendo cada una su propio patrón, se obtendrá un ritmo global que será
muchísimo más interesante que cada ritmo en solitario. Esta será la base para compren­
der cómo funciona una orquesta a un nivel básico y cómo pueden fusionarse diferentes
ritmos en una composición para lograr un resultado mayor.

Melodía
Definición: La melodía es el ritmo principal de una canción; es el resultado de una serie
de notas . La melodía se considera “ horizontal” porque sus notas se leen de izquierda a
derecha, mientras que la armonía es “vertical” porque las notas se tocan en simultáneo
y, por lo tanto, deben escribirse verticalmente en la notación.

Para comprender esta sección y poder realizar las diferentes actividades que serán pro­
puestas a continuación, es importante comprender algunas propiedades del sonido.

Algo que debes conocer. El sonido es una onda que se transmite a través de un medio
(aire, agua, metal, etc.) y que es provocada por un impulso (que podemos visualizarlo como
un golpe sobre un objeto). El objeto en cuestión, al recibir este impulso o golpe, vibra; y
esta vibración empuja las partículas de aire (o del medio en el que se encuentre) y crea
las ondas mencionadas. Cuando estas ondas llegan a nuestros oídos, nuestros tímpanos
vibran al recibirlas, y es así como escuchamos y reconocemos los diferentes sonidos.
Esto puede visualizarse fácilmente
cuando lanzamos una piedra en el
agua, y vemos como se crean círcu­
los alrededor del lugar donde cayó
la piedra, que se alejan poco a poco
y terminan desapareciendo a una
distancia mayor. Si pudiéramos ver
estos círculos al nivel del agua, ve­
ríamos olas que se alejan, con una
forma similar a esto:

Este comportamiento también existe en elaire,simplemente no lopodemos ver, pero

es exactamente igual. Y lo que no debemos olvidar, es que lasondas sonoras son una
VIBRACIÓN de las moléculas del aire.

Cuando hablamos de vibración, debemos comprender que si quiero hacer vibrar algo,
lo que hago es crear un movimiento repetitivo a una velocidad específica. Esto lo hace­
mos, por ejemplo, cuando saltamos soga; creamos una vibración en la soga; o cuando
tocamos una guitarra, podemos ver claramente cómo vibran las cuerdas mientras las
tocamos o pulsamos.
Para efectos de lo que este capítulo requiere
que se conozca sobre estos atributos del so­
nido mencionados anteriormente, se explicará
solamente uno llamado Frecuencia.

La palabra Frecuencia la utilizamos cotidianamen­

te para diferentes situaciones; por ejemplo uno
podría preguntarle a alguien: -¿Con qué frecuen­
cia comes durante el día? Y esto significa: ¿Cuán­
tas veces comes en un día?. Es decir, la Frecuen­
cia es el número de veces que algo “ pasa” en un
determinado espacio de tiempo. En este caso en
particular, sería el número de comidas ingeridas
(comidas es lo que medimos) en un día (el día es
el espacio de tiempo)

Frecuencia.- Volviendo al sonido, estas vibra­

ciones provocadas en el aire por nuestra voz, un golpe, o un instrumento musical, tam ­
bién tienen Frecuencia. Es decir, un sonido en particular puede crear muchas o pocas
vibraciones en un mismo espacio de tiempo, y esto, nosotros lo escuchamos como
sonidos graves o agudos.

Un sonido grave tiene una frecuencia baja, mientras que un sonido agudo tiene una fre­
cuencia alta. Un ejemplo clarísimo para recordar este ejemplo es el de la hélice de una
avioneta. Cuando las aspas giran lentamente (frecuencia baja) escuchamos un sonido del
aspa cortando el aire cada vez que da la vuelta, como un “wuooooo” que es grave. Cuan­
do sube la velocidad del aspa escuchamos un cambio en el sonido: Dejamos de recono­
cer cada “ pasada” del aspa y escuchamos un sonido constante, como un ‘brrrrrrrrrrr” que
cada vez se hace más agudo hasta que llega a su velocidad máxima y ha llegado a sonar
lo más agudo que sonará. Con este ejemplo, será imposible olvidar que un sonido grave
es producto de vibraciones lentas y un sonido agudo es resultado de vibraciones rápidas.

Otros ejemplos de sonidos graves son: El motor de un camión grande, el rugido de un

león un contrabajo, una tuba, una explosión grande, el ruido de una ciudad a lo lejos,
entre otros. Como ejemplos de sonidos agudos tenemos: El canto de un pájaro; la voz
de un bebé llorando, vidrios rompiéndose, la turbina de un avión, entre otros.

Indica 3 ejem plos de sonidos graves y agudos.

Agudos

Graves

¿Y para qué sirve comprender esto?.- Porque cuando cantamos una canción, o toca­
mos un piano o una guitarra; los diferentes sonidos que escuchamos son simplemente
ondas con diferentes frecuencias, unos más graves y otros más agudos. El combinar
correctamente sonidos graves con sonidos agudos, a un ritmo específico es lo que fi­
nalmente forma una melodía; y a las diferentes “ alturas” (en términos de agudo y grave)
de los sonidos, dentro del mundo musical, se las llama notas musicales.
Proyecto creando mi primera melodía
Ahora que comprendemos que la melodía es una composición rítmica que dejó de tener
solamente golpes y pasó a tener sonidos con diferentes frecuencias; podemos recono­
cer melodías en todas partes.

La sirena de una ambulancia describe una melodía, un timbre de una puerta o cuando
aplastamos las teclas de un teléfono digital; y por supuesto, en la música encontramos
melodías en el canto (incluso en el rap, la voz describe melodías, solamente que son
menos complejas que las del canto tradicional) y en muchos otros instrumentos.

Para poder crear una melodía propia no hay fórmulas, sin embargo existen ciertas ideas
con las que uno puede comenzar a trabajar para obtener resultados agradables al oído.

Para ello, propondré una representación gráfica para las melodías, en la cual, con una
simple matriz con ejes X y Y, podremos comprender cómo cambian las notas musicales
(agudas y graves) en forma de alturas en el eje Y, y en el eje X, veremos cómo se com ­
portan al pasar el tiem po (el Ritmo).

En el siguiente ejemplo, se podrá ver una representación gráfica del tema popular infantil
“ Los Pollitos” para una comprensión total de lo explicado anteriormente.

Ej. 1 “ Los pollitos”

Como podemos observar en el gráfico, la melodía describe diferentes “alturas” que son
completamente lógicas y consecuentes con la sensación de cantar esta melodía; y las du­
raciones en tiempo, es decir, el ritmo, lo podemos ver representado en la parte inferior con
la misma “ notación” utilizada en la sección “ Ritmo” con puntos y rayas. Arriba de la letra la
duración está representada por cuadros en el eje X, en donde vemos que las notas de du­
ración más corta ocupan un cuadro, y las de mayor duración dos cuadros. Para este caso
particular, la duración de las notas en el gráfico representa perfectamente la duración en
la realidad; en donde las notas más largas duran exactamente el doble de las más cortas.

Este gráfico, además de ayudarnos a comprender la relación que existe entre las notas
musicales y los ritmos, nos permite ver la base sobre la cual se construye cualquier me­
lodía de cualquier género del planeta: Esto se llama el motivo.

Grave
Letra
Ritmo
EL MOTIVO.- Un motivo es una pequeñísima melodía, con un ritmo específico el cual
se tom a como base en una composición. Imaginemos que queremos arreglar una casa
con flores. Tomo como arreglo básico floral (motivo), una rosa roja, una blanca y una
amarilla, las amarro con una cinta y las pongo al lado de la puerta de entrada, de modo
que las personas que entren y sea lo primero que vean. Seguimos entrando por el co­
rredor y vemos antes de la puerta de la sala dos arreglos (uno a cada lado de la entrada)
exactamente iguales (rosa roja, blanca y amarilla; de nuevo mi motivo pero ahora dos
veces). Entramos a la sala y vemos en la mesa de centro el mismo arreglo anterior, pero
ahora, se aumentaron lirios y margaritas (tomé mi motivo, y lo adorné). Después voy a
la cocina, y encuentro otra vez el mismo arreglo, pero ahora, hay dos rosas rojas, dos
blancas y dos amarillas, además de los lirios y margaritas (mi motivo ahora tiene muchos
más adornos!); y finalmente cuando paso hacia los dormitorios encuentro fuera de cada
puerta, el mismo arreglo inicial, más lirios, margaritas, claveles y orquídeas mi motivo si­
gue estando siempre ahí, pero ahora tiene muchos más elementos que lo hacen mejor).

Esto exactamente pasa en la música! Comenzó por exponer un motivo musical (melodía)
sencillo, y lo voy repitiendo, variando, adornando, modificando y así voy componiendo
una obra completa, una canción.

La existencia del Motivo le da un sentido estético y una sensación de “ hogar” a mí com ­

posición; ya que, sin importar qué tan lejos voy a experimentar con los sonidos y los
ritmos, si de vez en cuando mi motivo aparece; voy a recordar siempre de dónde vine; y
el resto, musicalmente, se siente bien.
En nuestro ejemplo “ Los pollitos” podemos encontrar dos motivos que se repiten duran­
te todo el tema, simplemente varían para que la canción no sea aburrida y se desarrolle
y nuestro viaje a través de ella sea interesante.

El primer motivo, que corresponde a la sección inicial donde se dice “ Los pollitos” se
(puede representar de la siguiente manera, regresando a nuestro gráfico melódico:

Agudo

Motivo 1

Aquí podemos observar que son cuatro notas de igual en

H3
4—1
O
duración (en referencia al ritmo) y una melodía que sube. z
Y el segundo motivo, que corresponde a la segunda parte
donde se dice “dicen” se puede representar de la siguien­
te manera:
Grave

Motivo 2 Let . Losf > 0 Ifi tos

Ritmo • • • •
Aquí vemos que son dos notas iguales en altura (es decir,
la misma nota), con la misma duración entre ellas, pero
Agudo
más largas que el motivo 1.

Bajo estos dos motivos se desarrolla toda la canción,

como en el ejemplo de las flores, simplemente con dife­
Notas

rentes “ adornos” o variaciones, pero siempre, de manera

directa o indirecta, nos recuerda nuestro “ arreglo inicial”
o motivo. En las gráficas siguientes podemos observar lo
descrito anteriormente.
Grave

Podemos ver entonces, que el motivo 1 se usa durante Letra di- -- cen
toda la canción, con el mismo ritmo siempre, solamente Ritmo
cambiando las notas musicales; e inclusive podemos observar que, solamente al co­
mienzo usa un patrón ascendente, pero en el resto de la canción repite siempre esta
figura que sube y baja. De esto hablo cuando me refiero a “ adornar” el motivo, que en
este caso, cambiaron las notas inicialmente, y luego se mantuvo la misma relación in­
terna entre ellas, simplemente cambiando las “ alturas” para que sea más interesante.

Con respecto al motivo 2, podemos ver que siempre son dos notas iguales, más lentas
que simplemente van cambiando su altura. El hecho de que sean así, tiene una razón
de ser: Las notas más lentas y con la misma nota, ayudan a equilibrar lo “juguetón” del
comportamiento del motivo 1, así, para quien escucha, es un juego interesante entre
movimiento y quietud, entre inestabilidad y estabilidad; y todo esto hace que resulte
agradable y memorable.

Importancia del motivo.- Todo este análisis nos sirve para reconocer las bases de las
cuales parte una gran obra.

Se ha tomado como ejemplo una canción popular infantil porque este tipo de música
es la más memorable, sin importar si somos niños o adultos, siempre se quedarán en
nuestra memoria justamente por lo sencillo y perfecto de su construcción. En el resto de
música que escuchamos en la radio, sin importar los géneros; escuchamos esto todo el
tiempo, simplemente que encontramos motivos más largos o complejos; y las com bina­
ciones no siempre son tan obvias de descubrir, pero siempre están ahí. Con esto dicho,
es el momento de comenzar a crear.
Actividad 6

Creación.- Para esta actividad, lo más importante es NO JUZGAR las ideas que nacen;
ya que una sola nota musical puede ser convertida en una obra maestra con el trabajo,
la paciencia y la dedicación necesarias.

Ahora se debe imaginar una pequeña melodía, un motivo. No debe ser necesariamente
tan corto como el ejemplo de “ Los pollitos” ; pero tam poco tan largo que no sea fácil de
recordar y repetir. Encuentra algo que te guste, que sea sencillo, y repítelo el número de
veces necesarias hasta que se quede en tu memoria y tenga sentido, que suene agra­
dable.

Una vez que sea fácil de recordar, cántalo, sin importar si es con una sola vocal, o con
la letra “ m” o tarareado; y siente que comienza a adquirir un carácter; y recuerda: no
juzgues si tom a un carácter que no esperabas, o suena a algo infantil o diferente a lo que
quisieras componer; el proceso simplemente servirá para adquirir una habilidad que ser­
virá independientemente de si uno quiere com poner Rock, Punk, Jazz, Pop o lo que sea.

Una vez que esto se haya quedado impregnado en tu memoria y en tu cuerpo (que es lo
más importante); grábalo en un teléfono o lo que tengas a la mano para que no te olvides
y puedas seguir jugando con esto en las siguientes actividades.

A continuación dibuja el motivo como en los ejemplos presentados anteriormente; sin

importar si las duraciones o las distancias verticales no cumplen “ matemáticamente”
con la realidad, lo importante es ver el “ dibujo” donde podemos saber que hay notas que
duran más que otras, y cuál es la relación entre ellas en cuestión de alturas, dónde está
la nota más alta, la más baja, y cómo esta melodía sube y baja. Esto servirá posterior­
mente para “adornar” el motivo.
Actividad 7

Exploración y creación.- El cantar o tocar un solo motivo puede llegar a ser monótono, y es
por esto que en las canciones más “comunes” escuchamos más de un motivo, sin embargo,
tampoco son tantos; simplemente tienen variaciones y “adornos” como vimos anteriormen­
te. En esta actividad la tarea consiste en tomar el motivo creado previamente y comenzar a
desarrollarlo o “adornarlo” de tal manera que la canción no sea monótona o aburrida.

Para esto, se va a trabajar por secciones; es decir, se debe estar claro dónde están los
“ respiros” entre nuestros motivos y sus variaciones. En la sección de Ritmo, se trabajó
con Patrones, que fueron representados por las letras P1, P2, P3, etc.

Ahora, realizaremos lo mismo pero con MI, M2, M3, etc. En donde la letra M representa
el Motivo. La forma en la que se desarrollará el motivo será de la siguiente manera:

/ / —M1 —/ / / / —M1 —/ / / —M1 Variación —/ / / / —M1 —/ /

Esto significa que se debe cantar el motivo 1, repetirlo una vez, y después cantar el
motivo 1 con variaciones, y finalmente regresar y cantar el motivo 1 como estaba origi­
nalmente. La duración del Motivo 1 y de su variación debe ser igual, es decir, todas las
partes tienen el mismo tiempo.Esto nos dará un sentido de orden para nuestra com po­
sición inicial.

Una vez que se haya logrado hacer esto, y que el resultado final de estas cuatro partes
cantadas juntas sea agradable y musical; habremos compuesto ya un tema musical
estándar; cuya estructura existe hace muchos años ya en géneros como el blues, la
música infantil, entre otros.
Agudo ■ ■

■
Grave j|¡ Hl'üSikS«' ¡í-",
Motivo: M1
Ritmo: • •
Sección

Agudo

Grave

Motivo
Ritmo:
Sección

Agudo

Grave

Motivo:
Ritmo:
Sección

Actividad 8

Exploración y Creación.- Una vez que hayamos logrado componer motivos sencillos, y
luego haber logrado variarlos, transformarlos, desarrollarlos y/o adornarlos; estamos listos para
crear temas musicales con estructuras más complejas como las de las canciones que escucha­
mos a diario en la radio.
Para ello, se trabajará tal como se hizo anteriormente en la sección de Ritmo. Esto sig­
nifica que estructuraremos nuestros motivos de tal manera que suenen naturales para
nuestros oídos y para los de los demás; sin importar el género que sean, un motivo
poderoso será siempre poderoso sin importar el género en el que finalmente termine
sonando. Para el requerimiento siguiente se debe tom ar en cuenta lo siguiente:

M1 = Motivo 1
M1V = Motivo 1 con variación

• El M1V dura el doble de lo que dura M 1, igual que en la Actividad 4, de la sec­

ción de Ritmo.

Es decir que, en duración de tiempo, M1 + M1 = M1V

M2 = Motivo 2
IV = Motivo 2 con variación

• Se cumplen las mismas condiciones entre M2 y M2V que entre M1 y M1V.

La canción a componerse deberá tener la siguiente estructura; para lo cual, ya

tenemos lista la melodía de MI, de la cual partirá el de la composición:

/ / — M1— / / / / — M1 — / / I I -------- M1V-------- //

/ / — M1 ---// / / — M1— / / / / -------- M1V-------- //
/ / — M2— // / / — M2— / / / / ------ M2V //
/ / — M1 - - / / / / — M1 — I I I I -------- M1V-------- //

Este tema musical tiene cuatro secciones: Las ‘” eras son iguales, la tercera es com ple­
tamente diferente, y terminamos con una cuarta sección, que nos sirve para recordar de
dónde salió todo, el “ regreso a casa”

Para mayor claridad de lo que se espera, tom ar en cuenta la siguiente gráfico:

Ojo: Las alturas de las notas musicales del ejemplo solo están como una referencia de
melodías imaginarias; pero quien realice el ejercicio debe buscar su propia melodía; este
es un ejemplo con fines didácticos pero no representa ningún tema musical en particular.

Conclusión
Como se puede observar en la estructura propuesta al final de esta sección, todo parte
de una idea pequeña, y que al organizar esta idea pequeña, juntarla con otra, y desarro­
llarlas juntas; obtenemos una composición musical organizada.

La estructura, sea cual sea esta, es importante para que la composición musical tenga una
dirección. Una composición musical es simplemente una historia, independientemente de
cómo sea contada; y nosotros esperamos a nivel inconsciente que esta historia nazca,
crezca, nos sorprenda, nos lleve a un clímax para después terminar. Es por esto que la
gran mayoría de historias exitosas de la humanidad tienen la misma estructura: El héroe
está en su hogar, y se presenta un conflicto, por el cual debe abandonar su hogar, pasar
por una cantidad de situaciones desconocidas y distintas en donde se transforma, crece,
sufre, se enfrenta con sus miedos; y cuando está a punto de morir, vence. Regresa victo­
rioso a casa y la historia termina.

Una canción o tema musical no son más que esto visto desde otra óptica; y lo que in­
conscientemente buscamos es repetir esta historia y cuando el
Motivo inicial es recordado al final de nuestra composición, el
héroe finalmente llegó a casa y nos queda esta sensación de
estar completos y satisfechos.

ACTIVIDAD GRUPAL 1

Creación y apreciación.- Conformar un grupo de cuatro per­

sonas. Enumerarse de tal manera que quede establecido un
orden de participación del 1 al 4. La primera persona improvi­
sará una melodía cualquiera, un motivo pequeño y la tarareará
o cantará en voz alta para que los demás escuchen. La segun­
da persona debe repetir el motivo y le agregará algo más que
improvisará en ese momento. La tercera persona debe repetir
todo lo que ha escuchado hasta el momento y le agregará un
segundo motivo; y finalmente la cuarta persona cantará todo lo
anterior y terminará repitiendo el motivo inicial.

Fuera de ser un excelente ejercicio de atención, para aprender a escuchar, para la memo­
ria, para la habilidad de improvisación; los resultados que se obtendrán serán interesan­
tes y mientras más se realiza el ejercicio, va siendo cada vez más fluido, más divertido y
mejores ideas afloran; ya que el proceso de composición musical, independientemente
de las nociones que podemos tener como las estructuras y terminologías estudiadas
anteriormente, es un proceso que parte del lado irracional de nuestro cerebro, es decir,
del lugar que no podemos controlar y que no calcula, simplemente siente y reacciona.
Es así como la teoría musical nació de lo que ya el ser humano había hecho sin saber
nada, simplemente con su sentido común lo que hacemos ahora es invertir el proceso
para acelerar el aprendizaje y lograr reconocer lo que llevamos dentro y dejarlo salir.

Explique su experiencia en la actividad grupa!

Armonía
Armonía proviene del término griego “ harmonía” y significa adaptar, coordinar distintas
cosas materiales o inmateriales, de modo agradable.

En música, armonía es el conjunto de sonidos que se unen en forma acorde y estruc­

turada. Es la disciplina artística que forma y combina los acordes musicales. Ya en
la antigua Grecia la armonía era buscada en las
melodías, implicando la sucesión de sonidos que
ocurrían dentro de una octava. El orden de tonos y
semitonos determinó la existencia de siete armo­
nías diferenciadas.

ACTIVIDAD GRUPAL 2

Apreciación.- Buscar una grabación de la can­

ción “ Los pollitos” o pedir a alguien que la conoz­
ca muy bien que la toque en un instrumento mu­
sical. Esto servirá para poder trabajar con cada
nota de esa melodía por separado.
Un grupo de personas, idealmente de 3 ó 4 mínimo, debe cantar con una letra de su
elección, por ejemplo, la “A” la nota correspondiente a la palabra ” Los” de la melodía de
los pollitos de manera sostenida hasta que todos los integrantes del grupo hayan afina­
do y suene como un gran instrumento que canta esta única nota.” aaaaaaaaaaaaaaaa” .
No importa si se termina el aire de alguien porque los demás seguirán cantando, y así
nunca habrá un silencio total por parte de todos los integrantes.

El segundo grupo, cantará de la misma manera, la nota correspondiente a la sílaba “ lli” (de
duración del Motivo 1 y de su variación debe ser igual, es decir, todas las partes tienen el
mismo tiempo. Esto nos dará un sentido de orden para nuestra composición inicial.

Una vez que se haya logrado hacer esto, y que el resultado final de estas cuatro partes
cantadas juntas sea agradable y musical; habremos compuesto ya un tema musical
estándar; cuya estructura existe hace muchos años ya en géneros como el blues, la
música infantil, entre otros.

OJO: Esta actividad puede realizar solamente con tres personas, pero grupalmente re­
sulta más fácil inicialmente ya que los miembros del grupo más afinados ayudarán a
aquellos a los que les cueste un poco más cantar la nota adecuada; sin embargo, tres
personas son suficientes para lograr el mismo efecto.

Algo que debes conocer ¿Qué es la armonía?.- Por ende, como su nombre lo indica,
la armonía, es la combinación armoniosa (agradable, estética, natural) de varias notas
musicales sonando simultáneamente. En la música popular actual, podemos escuchar
la armonía en lo que comúnmente se conoce como “ acompañamiento” tocado por una
guitarra o un piano, que “ acompañan” al cantante o instrumento principal solista. Como
podemos observar en la experiencia de escuchar música popular, la armonía le da a la
melodía una “ base” sobre la cual puede “flotar” y viajar; y a quienes escuchamos, nos
brinda una sensación de que el sonido la canción está “ com pleto” ; a diferencia de cuan­
do se escucha a alguien cantar solo, o “ a capela” Es así como, en la música popular, la
armonía se ha convertido en un acompañante fundamental para cualquier canción.

Debido a que la explicación teórica de la construcción de acordes tiene como base una
cantidad de información bastante amplia (y tomaría otro libro solo para explicar lo bá­

sico), procederé a compartir ciertas “fórmulas” de

composición que funcionan en diferentes géneros
como un comienzo para quien desea hacer can­
ciones de forma rápida y real, pero como cualquier
arte/ciencia, quien desee encontrar su “ sello” pro­
pio, lo hará a través de una mayor investigación y
experimentación.

Para la formación de acordes, se debe tener apo­

yo de un instrumento musical que permita la for­
mación de armonías, es decir, que permita tocar
más de una nota musical simultáneamente; como
el piano o teclado y la guitarra.
Las notas musicales.- En el mundo occiden­
tal, como se mencionó al inicio de este capítu- D¡s,a„c¡a
lo, existen doce notas musicales, las cuales s<
han combinado de millones de formas distinta:
para lograr la cantidad infinita de canciones i
las cuales hoy tenemos acceso, que son:

El gráfico nos indica la siguiente información:

1 Las notas musicales principales, que son

Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, y Si.

2.- Las notas intermedias que están acompaña

das de los símbolos # y b (“ Sostenido” y “ Be
mol” respectivamente), indican un descenso o una elevación de la frecuencia de la nota
“ principal”

Para el caso del símbolo #, indica una “ elevación” en frecuencia de la nota base (Es
decir, si parto de Do como nota principal, al elevar su frecuencia, se convierte en Do#) y
un “ descenso” de la nota base para el caso del símbolo b (Es decir, si parto de Re como
nota base, al bajar su frecuencia obtengo la nota Reb).

Por esta razón, Do# es la misma nota que Reb, y así sucesivamente con el resto de no­
tas como lo indica el gráfico.

3.- La distancia que existe entre cada nota “ principal” y “ secundaria” es siempre la mis­
ma. Y a esta distancia se le llama 1/2t, que significa medio tono. Es decir, entre Do y Do#
hay medio tono, entre Do# y Re, también hay medio tono; y así sucesivamente.

Lo único que el gráfico no indica es que entre la nota Si y Do, también hay medio tono,
ya que esta “ escalera” sube repitiéndose a sí misma varias veces.

La escala musical.- A las que he llamado “ notas principales”tienen estos nombres, sin
alteraciones (es decir, sostenido o bemol) porque forman lo que conocemos como Es­
cala Mayor, que se compone de las siguientes notas: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si.

Si combinamos estas notas de formas específicas, obtendremos los acordes perfectos

para acompañar estas notas. Debido a que la explicación que requieren estas “formas
específicas” mencionadas no es tema de este capítulo, procederé a explicar los acordes
que salen de esta escala. Lo importante es saber que cada escala diferente tiene un
grupo de acordes que lo acompañarán bien.

OJO: Para saber cómo tocar estos acordes en un piano o guitarra, se recomienda buscar
en el internet o en libros específicos donde se muestra gráficamente el cómo hacerlo.

IMPORTANTE: Se recomienda tocar los acordes y buscar una melodía que suene y se
sienta bien; no se explicó previamente en la sección Melodía las notas y la escala mu­
sical, porque en el proceso de com posición de una melodía es recomendable hacerlo
por medio de la intuición y la musicalidad propia, más que por un proceso lógico y/o
mecánico de buscar cum plir con una escala específica.

Para conocer las diferentes escalas con exactitud, se recomienda lecturas específicas
o el internet.
 - :
Acordes
Presentaré algunas escalas
Escala Orden I II III IV V VI
muy comunes en la música
occidental, y los acordes co­ Do Do Rem Mim Fa Sol Lam
rrespondientes, de tal forma Re Re Mim Fa#m Sol La Sim
que se pueda facilitar la expe­
Mi Mi Fa#m Sol#m La Si Do#m
rimentación y mantener la co­
herencia musical al momento Fa Fa Solm Lam Sib Do Rem
de componer. Sol Sol Lam Sim Do Re Mim
La La Sim Do#m Re Mi Fa#m

La notación usada implica que los acordes que son mencionados solos, como por ejem­
plo Fa, significa que el acorde es mayor, y aquellos acordes acompañados de la letra
“ m ” como por ejemplo Fam, significa que el acorde es menor. Fa = Fa Mayor, Fam = Fa
menor.

En el gráfico observamos las tonalidades más comunes en la música popular, y se ha

aumentado, con números romanos el orden de los acordes, con respecto a cada es­
cala, así podemos ver que el primer acorde de cada escala, pertenece a la nota que
le da su nombre. Estos números romanos son importantes ya que presentaré algunas
combinaciones comunes de estos acordes, los cuales, al ser presentados en números
romanos, no importa en qué escala estén, simplemente se elige la que mejor se ajuste
al instrumento o voz.

Estructuras comunes.- A continuación, algunas estructuras comunes de acordes en la

música popular. Se debe tomar en cuenta que aunque solo se presentará una parte pequeña, si
se repite continuamente la misma estructura, o se combinan entre ellas, se obtiene la base para
una canción común!

1.-
Acordes I IV V V I IV V V

2.-
Acordes I V VI III IV I IV V

3.-
Acordes I I VI VI II II V V

4.-
Acordes I I III III IV IV V V

Actividad 9

Exploración.- Tocar el ejemplo 1 en cualquier tonalidad elegida, la que sea más fácil de
tocar en el instrumento elegido. Primero, se debe tocar cada acorde de la secuencia,
sin necesidad de tener algún ritmo en especial, simplemente para que el oído se fam i­
liarice con el sonido, y además, nuestras manos se acostumbren a tocarla. Una vez que
esto se haya logrado, buscar un ritmo constante y tocar repetidas veces esto. Esto le
dará un sentido musical a los acordes, además de una “ memoria muscular” a nuestras
manos, de tal manera que cuando comience el proceso real de composición, nuestra
mente no tenga que estar preocupada de pensar en qué acorde va en dónde, sino que
se convierta inicialmente en algo mecánico, que nos permita ir más allá en términos de
composición.
En lo posible practicar esta misma secuencia en diferentes tonalidades para que el oído
se acostumbre a escuchar la secuencia independientemente de la escala en la que se
encuentre.

Actividad 10

Realizar lo mismo que la Actividad 9 con los distintos ejemplos (1-4) y en diferentes to ­
nalidades. Y una vez que esto resulte fácil, familiar y fluido; comenzar a combinar estas
secuencias al azar, en la misma tonalidad, y escuchar lo que pasa. Esto ya es el comien­
zo de una estructura tal como la de una canción común y corriente, en donde básica­
mente, al igual que con los ritmos y las melodías, partimos de estructuras sencillas que
al repetirlas y combinarlas con otras, obtenemos sonidos interesantes.

Actividad 11

Elegir dos secuencias que resulten fam i­

liares. Primero, tocar la primera secuencia
elegida y comenzar a improvisar con la voz
una melodía. Se debe tener paciencia puesto que si es algo que no se ha realizado
anteriormente, el cuerpo y la mente no están acostumbrados y uno tenderá a juzgar lo
que escucha; pero se debe ser paciente y seguir improvisando, recuerda que esto es un
juego! La creación musical no es más que un juego que debe ser divertido SIEMPRE.
Seguir improvisando sobre esta secuencia de acordes elegida, e ir memorizando y re­
pitiendo las melodías que más gusten, que se sientan bien, que sean agradables, hasta
finalmente quedarse con una. En este momento ya está creada una sección de una can­
ción. Luego repetir lo mismo con otra secuencia, y tendremos casi el suficiente material
para una canción completa.

Actividad 12

Realizar los pasos de la Actividad 11 aumentando una última sección, es decir, se deben
tener en total tres secciones con sus respectivas melodías listas. Con esto, ya existe el
material suficiente para crear una canción como las que se escuchan en la radio. La for­
ma de organizar esto es libre del compositor; sin embargo existen parámetros dentro de
la música popular que se explicarán a continuación, que nos explican por qué razones,
racionales y emocionales, las estructuras de las canciones exitosas, son exitosas.
 Algo que debes conocer: Cada canción es una historia, y como tal, tiene diferentes
momentos, energías. Toda historia humana tiene una estructura similar, a la cual durarte
siglos casi no se le han hecho modificaciones, porque simplemente es una represen­
tación cultural y religiosa del camino espiritual que todos recorremos y que todos los
personajes mitológicos y religiosos han recorrido.

El héroe comienza la historia normalmente en su casa, en su pueblo, en un lugar co­

nocido (aquí se presenta al héroe y su entorno); después se presenta un conflicto, un
problema y él debe salir a resolverlo (presentación del conflicto); se desarrolla la historia
y el héroe pasa por diferentes situaciones en donde pone muchas cosas en juego; pero
el hecho más importante que pasa, es que él cambia en el proceso, se transforma en
un mejor ser humano (desarrollo). Llega un momento en donde todas sus habilidades y
aprendizajes son puestos a prueba en un momento crítico, de vida o muerte (clímax) y
finalmente, el héroe vence y regresa a casa (conclusión).

Musicalmente, cada canción posee esta misma estructura; solamente difiere en sus
nombres, pero musical y líricamente vivimos exactamente los mismos momentos:

Presentación del personaje y su entorno = Intro (o introducción)

Presentación del conflicto = Versos y precoros
Desarrollo = La parte más memorable, llamada Coro
Clímax = Puente, o Solo
Conclusión = Outro, o salida.

Si escuchamos con atención música popular, incluyendo géneros como el rock, rap,
metal, hip hop, trash, punk, etc. y casi todo lo que puede ser escuchado en radio, con
excepción de música instrumental cuyas estructuras son muchas veces más complejas
de analizar; la gran mayoría respetan esta estructura. Comienzan con algo instrumental
para darnos el ambiente general de cómo será la canción (así sabremos automática­
mente en qué género estamos, por el ritmo, la instrumentación, etc.), después el can­

tante comienzan a contar la historia (verso, que puede

ser uno o más), sube la energía en el precoro, que es
justo el momento musical antes del Coro. El Coro, es
el momento más memorable de la canción, donde está
el texto de la letra que resume o presenta lo más im­
portante que la canción quiere expresar; musicalmente
es el lugar de mayor energía y que crea mayor recor­
dación (o dicho comúnmente, que se “ pega”) porque
literalmente es la sección de la canción que nos que­
damos cantando una vez que esta terminó. Después,
normalmente, se regresa a los versos, precoro, y nue­
vamente al Coro, que inclusive puede repetirse.

Después llegamos al clímax, que, aproximadamente a

los 3/4 de la duración total de la canción se presenta
normalmente un lugar que nos entrega nuevo material,
muchas veces una nueva sección de la letra y el canto,

kl
otras un solo de guitarra o un espacio instrumental, que crea sorpresa y “ refresca” al
oído del material presentado. Y, finalmente, se presenta el Coro una o dos veces más
para terminar la canción, algunas veces abruptamente (según el género) y otras, nueva­
mente con una sección instrumental más suave que da pie al final (Outro).

Como se explicó anteriormente, esta estructura funciona porque está en nuestro in­
consciente, como una historia deseable y personal, desde hace miles de años atrás; por
eso, cuando algo queda inconcluso, o no existe el coro, no llegamos a un clímax, etc.
sentimos que algo está mal; y musicalmente funciona exactamente igual.

Esto no significa que esta estructura no pueda ser cambiada o rota, simplemente es una
base en la cual se trabaja la música popular; pero que cada com positor tiene la libertad
de cambiarla; y el hecho de que exista o no, no necesariamente garantiza el éxito co­
mercial tiempo para experimentar en varias áreas, o artístico de un tema musical.

Actividad 13

Creación.- Una vez comprendidos estos conceptos y criterios; es el momentos de crear

una canción completa, con letra y música.

Como se mencionó anteriormente, no existe una fórmula de qué se debe hacer primero;
cada ser humano es distinto y cada proceso creativo será de la misma forma. Si alguien
es hábil con las palabras, pero no tan hábil en la improvisación o creación de melodías,
deberá buscar una persona que compense esta habilidad y viceversa; y si uno se da el
tiempo para experimentar en varias áreas, debe ser paciente e ir encontrando en cada
uno de estos momentos, las palabras correctas, las melodías y armonías que expresen
de la mejor manera la historia que se quiere contar. Lo importante de este proceso es
dejar fluir, no juzgar; y no despreciar ningún elemento de la creación, ya que no existe
una melodía “ mala” ; simplemente existe o no musicalidad, y esto es algo que se siente
sin un mayor conocimiento musical; además de que esto, como cualquier actividad
artística o no artística, tiene 10% de inspiración y 90% de sudor. Se debe practicar y
practicar y practicar.

Es importante recalcar que todo lo presentado son ejemplos que deben ser practicados
y desarrollados por quien desee aprender y comprender en su totalidad el cómo tocar
una armonía. Solo mediante la experimentación cada uno descubrirá su propia forma

de organizar su música así como nuevas

estructuras que satisfagan lo que se quiere
expresar; existen obras de la música po­
pular muy famosas que han tenido solo un
acorde durante todo el tema y han funcio­
nado bien, y asimismo han existido obras
tremendamente complejas que también
han logrado un reconocimiento mundial;
depende de cada uno encontrar sus pro­
pias combinaciones.
En la actividad anterior, una vez que he­
mos experimentado con los aspectos
meramente musicales de una canción,
se pidió agregar el aspecto “ lógico” o
“ racional” de la misma. Los aspectos an­
teriores han sido explicados de tal forma
que se pueda entender de una manera
muy básica los elementos existentes en
la música, y que, al racionalizarlos, ten­
gamos más herramientas al momento
de componer; sin embargo, siguen sien­
do aspectos emocionales cuyos resulta­
dos no pueden ser explicados a través
de una fórmula o receta. Es por esto que
muchas veces nos hemos encontrado
cantando canciones en otros idiomas sin
siquiera saber qué significan!! Es porque
los aspectos musicales, irracionales,
son los que seducen nuestros oídos y
nuestros espíritus, sin importar cuál es el
mensaje oral que quieran expresarnos; y
es en la combinación de estos aspectos
con la letra (que es el aspecto que nues­
tro cerebro decodifica, analiza y raciona­
liza), lo que le da equilibrio a una canción
y logra finalmente quedarse en nuestros
cerebros y corazones.

Para poner una letra a una canción no

existe una fórmula. Cada com positor
tiene su propia forma de lograrlo. Algu­
nos crean la melodía primero después
adaptan una letra a esta melodía con su
ritmo; otros primero escriben la letra y
luego le ponen ritmo y melodía; y otros
lo hacen todo simultáneamente. Lo im­
portante es, como se mencionó al co­
mienzo de este capítulo, escuchar mu­
cha música y aprender de quienes ya
lo han hecho miles de veces y sacar lo
que más nos guste, sacar y memorizar
los elementos que más nos gusten y que
más expresen lo que sentimos, y a esto
añadir nuestros propios “ colores” .
 HOY TENGO GANAS DE TI

Fuiste ave de paso, y no sé porque razón

me fui acostumbrando, cada día más a ti
los dos inventamos, la aventura del amor
llenaste mi vida, y después te vi partir
sin decirme adiós, yo te vi partir

Quiero en tus manos abiertas buscar mi camino

y que te sientas mujer solamente conmigo
hoy tengo ganas de ti, hoy tengo ganas de ti
Quiero apagar en tus labios la sed de mi alma
y descubrir el amor juntos cada mañana
hoy tengo ganas de ti, hoy tengo ganas de ti

Christina aguilera
No hay nada más triste, que el silencio y el dolor
nada más amargo, que saber que te perdí
hoy busco en la noche, el sonido de tu voz
y donde te escondes, para llenarme de ti
llenarme de ti, llenarme de ti

Alejandro Fernandez y Christina Aguilera

Quiero en tus manos abiertas buscar mi camino

y que te sientas mujer solamente conmigo
hoy tengo ganas de ti, hoy tengo ganas de ti
Quiero apagar en tus labios la sed de mi alma
y descubrir el amor juntos cada mañana
hoy tengo ganas de ti, hoy tengo ganas de ti
Hoy tengo ganas de ti, hoy tengo ganas de ti

Quiero en tus manos abiertas buscar mi camino

y que te sientas mujer solamente conmigo
hoy tengo ganas de ti, hoy tengo ganas de ti
Quiero apagar en tus labios la sed de mi alma
y descubrir el amor juntos cada mañana
hoy tengo ganas de ti, hoy tengo ganas de ti

1 ---------------------------------------------------------------------
Procurar Que el estudiarle seo ca p a z de proyector lo beHe-
¿a a través de formas artística» que buscan la representa­
ción estética de la misma o de la realidad no sola a través
de la pintura sino también de la escultura, la arquitectura,
lo música, ía danzo, el cine, el teatro, la fotografía, e!
diserto, etc. Con la finalidad de representar el mundo y la
c a lid a d que lo rodeo, a través de la vi3ta y el oído.
 Proyecto de Nuevas Artes

Lenguaje Visual

Lenguaje visual desde la Interpretación del M ensaje

El hombre tras un largo proceso evolutivo fue encontrando los medios de comunicación
que hoy se manifiestan en varias formas tales como la: oral, escrita, impresa, radiofó­
nica; y entre estas, actuando en forma paralela y en otras interactuando con ellas se
encuentra la presencia constante de las imágenes.

Los avances tecnológicos de los medios de difusión y la creciente fascinación ante la

transmisión ¡cónica determinan que la transmisión visual haya sido adoptada como la
solución universal, eficaz e inmediata para comunicarse.

Al igual que las diversas maneras de comunicación desarrollada por el hombre en ésta
también, y para que no pierda el valor, el sentido de sus mensajes; los elementos que
intervienen en el proceso deben cum plir adecuadamente su función. Estos elementos
son: emisor, mensaje, medio y receptor. Detalle que ya hemos tratado en los temas an­
teriores pero que nos viene bien recordarlo.

• EL EMISOR es quien origina el mensaje. Puede ser un fotógrafo, un pintor, un pu­

blicista, etc. Trata de comunicarse por algún motivo: vender, convencer, protestar,
embellecer, etc.
• EL MENSAJE es la información que el emisor desea transmitir (lo que nos quiere
decir).
• El RECEPTOR es a quien va dirigido el mensaje. Llegar a él es el objetivo del emisor,
para ello ha de captar su atención e interesarlo en su imagen.
• El CANAL o MEDIO es el soporte utilizado por el emisor para hacer llegar su men­
saje. Es decir, la televisión, internet, la prensa, los carteles, etc. Cada uno de ellos
tiene sus ventajas y sus limitaciones. Pero en definitiva, el canal ha de ser elegido en
función de las características y posibilidades de acceso del receptor.
Definición:

El Lenguaje Visual: Es un proceso de elaboración, difusión y recepción de mensajes vi-suales.

El mensaje visual se divide, en dos partes:

• La información propiamente dicha, que lleva consigo el mensaje.

• El soporte visual.

El soporte visual es el conjunto de los elementos que hacen visible el mensaje, todas aquellas
partes que se toman en consideración y se analizan, para poder utilizarlas con la mayor coheren­
cia respecto a la información.

Es un lenguaje de carácter no secuencial en el que los dibujos transmiten ¡deas y hasta senti­
mientos.

Este lenguaje, se expresa mediante imágenes.

El Lenguaje Visual se realiza a través de imágenes fijas como fotografías, dibujos, cómics, pin­
turas, collages o a través de la imagen en movimiento como las imágenes cinematográficas,
televisivas o las animaciones por ordenador.

Por lo que el lenguaje visual es un sistema de comunicación que utiliza las imágenes como medio
de expresión, es decir, transmite mensajes visuales.

De ahí que es necesario indicar y comprender, que las imágenes son una representación de una
parte de la realidad, no son por lo tanto la realidad misma.

Según la finalidad que se pretenda al transmitir el mensaje podemos distinguir entre tres clases
diferentes de lenguajes visuales:

• Lenguaje visual objetivo: es el que transmite una información de modo que posea sólo
una interpretación. Por ejemplo, un dibujo científico.
• Lenguaje visual publicitario: su objetivo es informar, convencer y/o Vender.
• Lenguaje visual artístico: posee una función estética.

Qué es el mensaje visual y el mensaje textual

M ensaje textual

Tiene que ver con la información más importante que el autor quiere comunicar.

El texto puede proveer el tema.

El texto debe entregar sólo la información

de carácter Indispensable.

Los elementos que lo componen son: la

idea principal, las ¡deas secundarias, el
tema o asunto, el mensaje que quiere
trasmitir.
Mensaje visual

Prácticamente es todo lo que podemos ver con nuestros ojos: una flor, una nube, un cartel, un
dibujo, un zapato, una bandera, símbolos, el arte, letra, colores todo lo pictórico.

Imágenes que como todas tienen un valor según su contexto, dando informaciones distintas,
mensajes que pasan por nuestros ojos y que se pueden procesar por lo menos dos distinciones
en la comunicación: que puede ser intencionada o casual.

Buena parte de esta información se simplifica en los signos que lo representan tal como el icono,
los afiches, carteles pancartas, etc.
icono
Un icono (del griego: “imagen”) es una imagen, cuadro o representación; es un signo que susti­
tuye al objeto mediante su significación, representación o por analogía.

En el campo de la informática, un icono es un pequeño gráfico en pantalla que identifica y repre­

senta a algún objeto (programa, comando, documento o archivo), usualmente con algún simbo­
lismo gráfico para establecer una asociación.

Por extensión, el término icono también es utilizado en la cultura popular, con el sentido general
de símbolo; por ejemplo, un nombre, cara, cuadro e inclusive una persona que es reconocida por
tener una significación, representar o encarnar ciertas cualidades.

En la ortodoxia oriental y en otras tradiciones de pintura cristiana, un icono es generalmen­

te un panel plano en el cual aparece pintado un santo o un objeto consagrado (como Jesucristo,
la Virgen María, los santos, los ángeles o la cruz cristiana).

Los iconos también pueden ser en relieve estar hechos de metal, esculpidos en piedra bordados,
hechos en papel, mosaico, repujado, etc.

El afiche
Los afiches son textos breves escritos sobre papeles de grandes medidas, con un mínimo de
elementos, destinados a llamar la atención de los destinatarios sobre algún aspecto.

Su efectividad depende del color, de la diagramación y tipografía, de la imagen, de la elocuencia

del texto, etc.

Los afiches pueden ser de tipo: Informativo o Formativos.

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Los Informativos: Fueron planeados para comunicar eventos, cursos, reuniones, conferencias
espectáculos, etc.

Este tipo de carteles puede ser dado a conocer sólo en formato de texto por lo que se recomien­
da emplear letras grandes sobre un fondo de color que le permita resaltar.

Los textos de dicho cartel deben darle al espectador sólo la información de carácter indispensa­
ble.

Los Formativos: En este tipo de afiche, las imágenes poseen una gran preponderancia sobre
el texto, el mensaje se expresa gráficamente en forma concisa y clara en donde el texto tiene
un escaso margen de aparición, la función del mismo es darle énfasis a la imagen que estamos
percibiendo.

Tipos de afiches

A fiche evento C ultural En este tipo de afiche se promueve toda actividad de carácter cultural.
A fich e evento com ercia! Vende una marca. Los afiches comerciales son aquellas donde hay un
interés económico explícito y son orientados a la comercialización de bienes y servicios.
Al mismo tiempo las campañas comerciales pueden clasificarse en:

• Campañas de marca: Estas giran alrededor del nombre de un fabricante o generador de

servicios, o de sus productos tomados en forma colectiva o individual, con el fin de fortalecer la
marca que respalda. Ejemplos, campañas de las marcas deportivas: NIKE, ADIDAS, REEBOOK,
una clase de jeans, de cigarrillos, de cuentas corrientes, de gaseosas, etc.

>s m a a A

Afiche político Los afiches que promueven ideas, personas, ideologías, credos.

A este tipo de campañas se les llama propaganda.

La mal llamada publicidad política (en realidad propaganda política) cabe en esta clase.

i'in itn ii's u i' r'Ut'vo -fvitut-U'

le o n a d o tspwola
tncuxri.T.ia

Son los que promueven campañas cívicas o de bien público. Plantean

un mensaje sin ánimo de lucro.

Buscan cambiar actitudes mediante la oferta de oportunidades diferentes a un producto, estos

pueden ser de: cultura, turismo, educación, salud. Sus fines son altruistas, invitan a obrar, a
congregarse alrededor de causas importantes para conglomerados sociales: combatir la droga,
fomentar los cuidados ecológicos, etc.

También pueden ser un medio para invitar e informar sobre un evento cultural.
Afiche de turístico:

Afiche de evento deportivo:

Proyecto mi propio afiche

Para dar inicio a la elaboración o creación de un buen afiche siempre será necesario tomar bien
en cuenta todas las consideraciones que están expuestas previa y posteriormente a la estructura
del afiche.

El afiche es una forma de publicidad.

No es un libro, no trata de explicar o desarrollar un tema.

La intención del afiche es crear un impacto emotivo que reviva o instale ¡deas, o que ayude a
crear el ambiente o inquietud por el o un tema.

Cualidades que debe tener un buen afiche

• Debe ser llamativo.
• Debe entenderse a primera vista
• Debe comunicar un mensaje de interés.
• Su mensaje debe impactar para que se grabe en la memoria.
Fines del afiche
Los fines del afiche en general son:

• Anunciar algo.
• Crear ambiente en una sala o aula.
• Mentalizar el tema que se va a desarrollar.
• La realización de una campaña.
• Conclusión de un tema, como un trabajo de síntesis.

Aspectos que deben tomarse en cuenta en su elaboración

• Es importante precisar con exactitud lo que se pre­

tende lograr.
• En el afiche informativo debe predominar el texto
sobre la imagen, mismo que deberá ser lo sufi­
ciente, corto y claro.
• En el afiche formativo: Predominará la imagen que
será reforzada con un texto corto.
• Cuando se tome una decisión esta debe ser sobre
una sola idea.
• Lo que se comunica debe ser con fuerza, claridad
y simplicidad.
• Hay que tomar en cuenta a quién va dirigido (des­
tinatario).

La imagen
• No es un fin en sí misma sino un medio.
• Se puede recrear la imagen con: fotos, recortes
de revistas, dibujos, fotos y dibujo juntos.
• Una sola imagen o composición o contraposición
de varias.
• No recargar.
• Que sea significativa.

La palabra
• Esta debe ser formulada con claridad y precisión.
• Debe ser concisa, bien expresiva y original.
• Debe ser fácil de entender retener.
• La palabra debe reforzar la imagen visual y no
repetirla exactamente.

Diagramación
Formato:

• Debe verse a distancia.

• Siempre debe ser en forma rectangular y preferen­
temente en vertical.
• El formato estándar es de 70x100 cm. ó
Cofor:

• El color es elemento primordial para llamar la atención.

• Puede bien utilizar colores “fríos” o “calientes’.’
• El color por sí ya determina el propósito del afiche.

Contraste:

• Indudablemente otro factor importante para captar la atención es el contraste, de él de­

penderá la motivación, atracción que pueda alcanzar el objetivo que se ha propuesto.
• Estos son los contrastes máximos: negro sobre blanco, negro sobre amarillo, rojo sobre
blanco sobre negro, azul sobre blanco, negro sobre rojo.

Ejecución del proyecto mi propio afiche

1.- Después de haber conocido las características del afiche, empecemos a realizar el nuestro,
siguiendo uno a uno los pasos que nos exige el rigor:

Emisor - determinar quién lo va a publicar. (Su nombre o nombres).

E m iso r:.........................................................................................................................................................

Contexto - Qué situación genera el aviso.

Contexto: ......................................................

Destinatarios - A quién va dirigido.

Destinatarios: ..................................

Finalidad- ¿Qué busca? Es muy importante Porqué:, el analizar el mensaje subliminal que encie­
rra, de ahí la importancia se saber escoger el tema o idea.
Finalidad: ......................................................................................................................................................

Canal de recepción - Visual.

Canon Im agin g íc ro s i networks

Código utilizado - Cromático - uso de los
colores, ¿ cuáles? y ¿por qué?.

para qUe Código Utilizado: ..........................................

tus
imágenes|
no ¿Cuáles?:
lu z c a n
a s í...
¿Porqué?:
Icónico - tipo de dibujo o foto (simplicidad).
Icónico: ............................................................

Lingüístico - qué función cum ple- (analizar -

por qué: intención, qué va a escribir).
Lingüístico: .........................................................

Informativa - Estrategia- tipográfica (tamaño de la letra) ¿por qué?.

Estrategia - tamaño de la letra: ............................................................

¿Por qué?: ................................................................................................

Topológica - distribución en la hoja letras e imágenes: ¿por qué?.

Topológica: .............................................................................................................................................

Instrucciones para crear un afiche “ PÓSTER” utilizando Power Point

Instrucciones generales:
1. Primero deberá preparar el contenido de su cartel (texto, selección de imágenes, tablas, etc.)
en un archivo por separado. Se prefiere Microsoft Word para el texto.

2. En este taller utilizaremos Microsoft Power Point crear nuestro el cartel.

Procedimiento:
1. Inicie abriendo su programa de Power Point.

2. Ir a la parte de “Formas” a la derecha del monitor.

3. Para trabajar con nuestro cartel necesitaremos de una sola diapositiva.

4. El siguiente paso será definir el tamaño del cartel, para esto se deberá tomar en considera­
ción las intenciones que tiene la idea del mensaje.
El tamaño general para el cartel es de 36” alto x 56”de ancho, pero este puede ser más pequeño
o más grande dependiendo de la intención de quien io hace, de los recursos económicos, o de la
capacidad del equipo de impresión.

5. Para propósitos de este taller utilizaremos el tamaño 36” de alto x 56” de ancho, el cual es uno
de los tamaños aceptados.

6. Para ajustar el tamaño del cartel siga los siguientes pasos en el mismo orden:

• Vamos a la pestaña “Diseño” y luego a “Configurar pagina”

• En el encasillado de Ancho escribimos 56 y en el encasillado de Alto escribimos 36.
• Verifique que este marcado la opción “Horizontal”
• Presione el botón ‘Aceptar”

7. Ahora proceda a eliminar toda la caja de texto que contenga su diapositiva, haciendo clic so­

bre estas y presionando la tecla de “Supr o

Delete”de su teclado.

8. Proceda a activar las guías de cuadrilla que

le permitirán posicionar mejor los elementos en
su diapositiva. Para lograr esto haga lo siguiente:

• Clic derecho sobre cualquier parte de la

Diapositiva, seleccionamos “Cuadricula y Guías”

• Haga clic en el encasillado que dice

“ Mostrar guías de Dibujo en Pantalla” y luego
presio namos ‘Aceptar”

9. Nuestro próximo paso será trabajar con el co­

lor de fondo de nuestro cartel:

• Diríjase a la pestaña de “Diseño” luego

a “Estilos de Fondo” y seleccionamos “Formato
de Fondo” en aquella ventana seleccionamos
“Relleno Degradado” allí trabajaremos con dos
colores, los cuales debemos seleccionar en la
opción “Color” que está casi al final de la venta­
na.

• La recomendación es seleccionar colores claros y luego las diferentes tipos de “Som

bras” que se encuentra en la parte superior de la ventana, donde dice “Tipo” después
salimos dando clic en la opción ‘Aplicara todo” y luego en “Cerrar”

10. Para añadir imágenes o logos a su cartel es importante que tenga el formato y la resolución
de la misma.

• El formato ideal para las imágenes e JPG con una resolución adecuada de 640x480
pixeles.

• Si la imagen será utilizada como fondo deberá hacerlo a través del menú presionan
 do “ Insertar” y luego en “Imagen”
• Si simplemente lo que desea es insertar un logo o una imagen podrá hacerlo presio
nando “Imágenes prediseñadas’.’

IMPORTANTE:

Si utiliza imágenes del Internet recuerde que estas son usualmente de poca resolu-ición y su
cartel será impreso en un tamaño superior por lo que podría perder calidad en la imagen.

Puede encontrar imágenes Royalty Free en la siguiente dirección de Internet: http:// gettyimages.
com Logos - Estos son usualmente colocados a ambos extremos del car-tel.

11. Para insertar Texto en su cartel utilizare-nmos la herramienta de “Cuadro de texto” que se en­
cuentra en “ Formas” y la cual está Indicado con una ‘A’ y varias líneas a los laidos.

Cuadro de Texto

• Tipo de Letra “Fuente” - Arial. PIENSA CON LA CABEZA NO CON....

• Título del Cartel, Autor e Institución.
• Tamaño del texto de 60 a 90 puntos
Encabezados.
• “Titulo” - Tamaño 40 a 45 puntos
Contenido o Cuerpo.
• Tamaño 24 a 36 puntos.
• Título.
• Encabezados.

IMPORTANTE:

Contenido.

1. Es su responsabilidad verificar la calidad orto­

gráfica de su cartel.

Recuerde que este es un reflejo de su trabajo.

2. Asegúrese de que su cartel sea legible y se

exprese en un orden lógico.

3. Haga una “Vista Preliminar” de su cartel ó imprima una prueba en tamaño carta o legal para
observar si está satisfecho con el mismo.

Para hacer la “Vista Preliminar” de una presentación de Power Point, debe seguir los siguientes
pasos:

• Hacer clic sobre el icono pertenecien te a Microsoft Office, dejar el mouse un

momento sobre la opción que dice “Imprimir” y hacer Clic en “Vista Preliminar’.’
• Por último damos Clic sobre la X, y se cerrara la vista previa de archivo.

4. Guarde su trabajo en un disco extraíble o un lugar seguro en su computador.

5. Asegúrese de que el lugar o empresa en donde seleccionó para imprimir su cartel, le entregue
con al menos 3 a 5 días de anticipación a la fecha de presentación.

6. El costo de impresión dependerá del tamaño del cartel, el tipo de papel y el lugar que ofrece este
servicio.

Si su cartel es científico al menos deberá incluir los siguientes elementos:

• Abstracto (Abstract)
• Introducción (Introduction)
• Métodos (Methods)
• Resultados (Results)
• Tablas (Tables)
• Fotos o Imágenes (Pictures)
• Gráficos (Graphics)
• Preguntas (Discussion)
• Conclusiones (Conclusions)
• Recomendaciones (Recomendations)
• Referencias (References)

TALLER FINAL
Con el procedimiento estudiado elabore 2 afiches en power point, y pega uno a continuación y otro
en un cartel como trabajo final.

Detalla tus propias conclusiones de los afiches que creaste en tu proyecto.

 nsertor ol estudiante en ur» mundo de fantasía formada
oor un conlunto de Imágenes denominadas viñetas que
se ordenan formando uno secuencio narrativa, y pre­
parándote para ser capaz de crear historietas o
^beos que no son otra cosa de ia narración de una
'listónete a través de una sucesión de itusfrociones
que se complementan con un texto escrito.
 Proyecto de Cómic
Este recurso gráfico desde sus antecesores
se a convertido en un documento imprescin­
dible de información, sobre las relaciones
sociales, productivas, políticas económicas
ideológicas e incluso, han permitido desci­
frar increíbles historias de amor, odio ven­
ganza, en medio de interminables batallas,
entre hombre, entre dioses, entre unos y
otros, con increíbles criaturas que han cons­
truido la mitología de diversas culturas.

Estas culturas dejaron plasmada en las

oscuras cavernas de la prehistoria, en los
enor-mes y fabulosos bloques inexplicable­
mente organizados perfectamente hasta for­
mar las misteriosas pirámides en Egipto, lo
mismo en la actual América central con las
imponentes pirámides truncas de las cultu­
ras Maya y Azteca en las inertes paredes de
templos de Grecia y Roma.

Y eso que tan solo repasamos en una pe­

queña pincelada, esa necesidad vital del ser
humano por expresarse y mejor aún dejar
la huella de su paso por el mundo, usando
cualquier recurso de la propia naturaleza,
piedra, pieles arboles conchas huesos, de­
jando que sus manos dibujen lo que dicta su
alma. Con el aparecimiento del papel, la tin­
ta y el perfeccionamiento de técnicas plásti­
cas, el resto lo puso la ilimitada capacidad
humana de contar e imaginar.

Cabe señalar que el cómic empezó a es­

tructurase como tal, cuando las imágenes
em-pezaron a superar su único lenguaje, y
los mensajes expresados a través del dibujo,
se articulaban a una narrativa intencional e
incluso secuencial, que ya mostraba rasgos
de posicionamiento político social a través
déla crítica sarcástica, el humor es sus di­
versos matices, ya probadas en la rica y se­
tenaria historia del teatro y escondida entre
las líneas de libros, empezaron a tener ros­
tros, nombres y figuras.

Para llevar al papel a nuestros dibujos, estos

tienen que nacer primero, y es importante
darle un lugar de nacimiento, un tiempo y
por su puesto, padres. Estos padres si duda
el tema y la idea.
Dentro de proyecto que planteamos hay dos temas a elegir La vida y la muerte, una de las cosas
que debemos valorar antes de elegir el tema es tener conciencia que del lenguaje que estamos
manejando, identificando el gran valor subjetivo y personal que ah caracterizado al comic. Sin
decir con esto que no se pueda hacer un trabajo colectivo, más aún en el comic como industria
gráfica y ahora digital, este necesita de un gran equipo con especializaciones concretas que
van complementado el trabajo, boceteado- res, dibujantes, coloreantes, digitalizadores e incluso
animadores, etc. Pero esta forma de comunicación y en algunos casos esta industria se mueve
gracias a una idea originaria, sino recordemos a Mafalda de Quino, Condorito de Pepo, Garfield
de Jin Davis.

No olvidemos que estamos creando una vida virtual en cada personaje y sus carac-terísticas y
aunque la historia sea creada colectivamente, seguramente los rasgos de un personaje, tendrá
mucho de uno de sus creadores o será gracias al aporte emocional y de experiencias propias de
una determinada persona.

Entonces si bien en el proceso de creación de un comic debe estar respaldado por el rigor inves-
tigativo en la estructura y contenido de la historia y en la justificación socio cultural del personaje,
debemos tener presente que este tipo de comunicación a producido abundante material fantás­
tico y de ficción.

Por lo tanto para escoger el tema y crear la historia es importante hacer una mesa de discusión
creativa para responderse preguntas y hacer lluvia de ideas de cada tema y elegir por la afinidad
que tenga para la mayoría del grupos la emotividad que produzca, las posibilidades que el grupo
sienta pueda generar el tema para crear situaciones caóticas, confrontativas que faciliten el len­
guaje lúdico, cómico y sarcástico que tiene el comic.

Hagamos un ejerticio tomando al azar el tema de la muerte, y plantearemos una serie de pre­
guntas que generen el intercambio de ideas para con el cúmulo de estas, recaer en el esbozo de
¡deas concretas que puedan delinear la historia y los personajes.
 Preguntas Generadoras.

¿Qué es la muerte?

¿Qué me gustaría conocer de la muerte?

¿Conozco a los mensajeros de la muerte?

¿Qué me hace sentir la idea de morir?

¿Qué conozco de la muerte?

¿Qué historias sobre la muerte conozco?

LINEALIDAD

La narración será lineal o tendrá saltos de tiempo, irá de pasado a futuro o viceversa.
Es el momento ahora de empezar a esbozar
los personajes que sin restar importancia a
los demás elementos gráficos que comple­
mentan la historia, los personajes son el alma
de la historia.

Una vez analizados estos elementos y con

las características de la historia ya definida
vamos al fondo a lo que habíamos llamado,
Rigor investigativo que respalde Histórica­
mente, socialmente, políticamente, y se docu­

mente en hechos, conocimientos y bases fuertes. Recordemos que estos textos por su dinamis­
mo su carácter lúdico concreto, entretenido y de fácil y rápida lectura, son los primeros textos e
imágenes que acceden los principiante de la lectura y a la vez son también la primera fuente de
conocimiento. Por último, los comics se han convertido en clásicos en donde se puede encontrar
e las sociedades de donde proviene incluso de los estilos de su ficción, su historia, su mitología
y como si humor.

Encontramos Historias con maravillosas historias nacidas de la imaginación de sus autores y

con argumentos fantásticos , pero basados en la mitología griega por ejemplo , incluso- muchos
héroes del cómic estadounidense, recogen personajes relacionados a esta mitología un ejemplo
es Thor.

En Europa encontramos a Asterix de Francia que recrea una etapa determinada de su historia,
en América del Sur el famoso condorito, que es un esbozo de la cotidianidad del sudamericano,
Mafalda que con un humor más reflexivo hace una crítica política de la realidad social de América
del Sur. Y todos estos personajes e historietas tienen un fondo y finalidad, subjetiva o explícita.

Por estas razones nuestros personajes deben tener fun­

damentos sólidos, pues la imagen y percepción de nues­
tra cultura y sociedad estará expuesta al público, les
invitamos a ser creativos y responsables con la funda-
mentación de sus personajes, estudien cuidadosamente
los detalles del entorno social cultural y temporal que ha­
yan elegido para su creación; no caigan en el simplismo.
Si eligieron crear un súper héroe negro, digo esto relacio­
nando el tema que es la muerte, y decidieron relacionarlo
con la mitología griega no se remitan solo a la afirmación
de otro cómic o a un resumen, acudan a textos más pro­
fundos, le aseguro que será enriquecedor, por todos los
lados que lo vean, tendrán un héroe muy sustentado, us­
tedes podrán defender con conocimiento a su creación,
aumentaran su nivel cultural y amaran realmente lo ha­
cen.

Si eligieran, personajes americanos, andinos o ecuatoria­

nos de igual forma revuelvan bien todos los documentos
que les permita empaparse del tema, quien sabe y uste­
des puedan ser los creadores de un icono de la cultura
ecuatoriana y descubran cosas que estaban muy escon­
didas y ustedes, quien saquen esto a la luz y le den vida.
CÓMICS
Una definición general sería:’;una secuencia de viñetas o representaciones gráficas que narran
una historieta mediante imágenes y texto que aparece encerrado en un globo o bocadillo” Es
decir es la serie de cuadros con imágenes y texto que en un conjunto y con una lógica narrativa
forman una historia.

Esta definición puede coincidir en la forma pero en el contenido, la estética, las temátcas, los
estilos cambian según la cultura y la sociedad donde se desarrollan por esta razón, la historieta
ha tomado diferentes nombres en diferentes países y han sido recogidos como propios por otros,
los nombres más comunes son:

Investiga los conceptos detallados continuación y describe:

Historieta:

Manga:

Tebeo:

Bande Desinée:

Fumetti:

Quadrinhos:
Es necesario aclarar que cada denominación no solo se diferencia en el nombre sino que tienen
sus particularidades estrictamente relacionadas a su cultura y lenguaje.

Viñeta
La viñeta en el cómic es un cuadrado que unidos a otros cuadrados conforman una historia, es
la unidad mínima con significado narrativo. Suele tratarse de un cuadro delimitado por líneas ne­
gras que representa un instante de la historia. Cada viñeta corres-iponde a un encuadre, que no
solamente ocupa un espacio, sino también un tiempo.

Investiga los diferentes tipos de Viñeta, escribe el concepto y pega una de cada una.

• Viñeta Cerrada
• Viñeta Abierta
• Viñeta Diagonal
Tipos de Planos
El Gran Plano General (GPG) describe el ambiente donde se desarrolla la acción. En este tipo
de plano los personajes apenas se perciben. El GPG es eminentemente descriptivo, por lo que,
las viñetas suelen ser más grandes que las del resto de la página.

Investiga los diferentes tipos de Planos y escribe el concepto.

El PLano General (PG):

El Plano Americáno (PA):

El Plano Medio (PM):

El Primer Plano (PP):

El PLano Detalle (PD):

Ángulos de Visión
Es el punto de vista desde el que se observa la acción, permite dar profundidad y volumen a la
viñeta, así como sensación de grandeza o pequeñez según el punto de vista adoptado.

Tipos de Ángulos

• En el ángulo de visión normal o ángulo medio o neutro.

• En el ángulo picado la acción es representada de arriba haciaabajo.
• El ángulo cenital es el ángulo picado absoluto y ofrece una visión totalmente
perpendicular de la realidad.
Lenguaje del Cómic

El lenguaje del comic es narrativo, formado por elementos verbales y elementos ¡cónicos.

Elementos Verbales
Son los textos relacionados al dialogo, narración y pensamiento de los personajes del cómic,
expresados en palabras u onomatopeyas.

Lo que en video sería la voz del narrador que contextualiza la historia y da la entrada a los textos
de los personajes se ubican a los lados, arriba o abajo de la viñeta y casi siempre en recuadros
internos, llamados carteleras y cartuchos. El globo o bocadillo se forma de dos partes, la primera
se denomina silueta, que es el cuerpo del bocadillo o globo en sí mismo, y el delta que es el ra­
billo o ángulo que señala al personaje.

Onomatopeya
En lingüística una onomatopeya es el uso de una palabra, o en ocasiones un grupo de palabras,
cuya pronunciación imita el sonido de aquello que describe.
Ejemplos típicos de onomatopeyas son bum, pam, ring.

Los Códigos Cinéticos

Se trata de una serie de elementos visuales, como rayas, nubes, estelas líneas onduladas o en
zigzag, etc. Que representan el movimiento en una imagen estática como es el cómic.

Los códigos cinéticos son algunos elemen-.tos de expresión de movimiento dentro del cómic, y
que conoceremos a continuación:
La Trayectoria

Es la señalización gráfica del espacio que aparentemente recorre un objeto en un breve período
de tiempo. El objeto que se desplaza aparece acompañado por una estela que marca su trayec­
toria.

Oscilación

Suele expresarse por un halo punteado o elementos similares a la silueta, pero desdibujados. Se
utiliza para expresar movimientos vibratorios o de vaivén.

Lo que en video sería la voz del narrador que contextualizan la historia y da la entrada a los textos
de los personajes se ubican a los lados, arriba o abajo de la viñeta y casi siempre en recuadros
internos, llamados carteleras y cartuchos.

El Impacto

Se representa por medio de una estrella irre—

-guiar, en cuyo centro se localiza el objeto causante
del impacto, pero con señales de desplazamiento. Otro modo de expresar el desplazamiento de
un objeto es mediante la presentación de nubes, que le acompañan en su trayecto.

Lo primero es elaborar el guión literario de nuestro cómic. El guión tenemos que desarrollarlo
viñeta por viñeta, tal cual, realizaremos luego el boceto gráfico y dentro de él tenemos que seña­
lar qué elementos tiene (personajes, vestuario, plano, onomatopeyas, decorado, diálogos, sen­
saciones ...en el caso de que el vestuario sea idéntico a las anteriores, con especificarlo ya es
suficiente). Este guión puede servir de borrador, ya que sobre la marcha pueden realizarse cam­
bios. Cuando elaboremos las viñetas, tenemos que repartirlas por páginas, teniendo en cuenta el
tamaño del folio y de las viñetas. Cuando haya muchos elementos dentro de la viñeta, mejor que
sea más grande. Tenemos que tener en cuenta que no pueden faltar ni sobrar viñetas.
Viñeta 8

• Aparecen Paco y Cristina. Se les ve el cuerpo entero a ambos. Están mirándose de frente.
• Paco sigue llevando la misma indumentaria de la anterior viñeta, al igual que Cristina.
• Se encuentra una mecedora detrás de Paco. En medio, un retrato del tío Isidro (calvo, gafas
y bigote).
• Al lado de Cristina se encuentra una vaca blanca con manchas negras. Lleva colgando una
campanita.
• Paco (cabreado): ¡Pero Cristina, te dije una baca, una baca con “b” de “burra” como tú!
• Cristina (confundida): Yo que sé, yo siempre suspendí lengua...

Es hora de tomar papel y trazar los primeros rasgos de la historieta y este será sometido por últi­
ma vez a un trabajo de grupos para corregir formas sugerir colores y corregir historia.

Y ahora a escoger los materiales que vamos a utilizar el los momentos de la realización gráfica
del cómic.

• Soporte: Papel: Gramaje. Textura.

• Lápices: Grafitos: distintas durezas, Lápiz azul.
• Portaminas: Durezas, Grosores.
• Pinceles: Tamaños. Tipos de pelo, Naturales, sintéticos.
• Plumillas: Tipos y marcas.
• Rotuladores: Calibrados, medidas, rotulador, pincel. Estilográfica.
• Color: Acuarela, tubos. Pastillas. Lápices, témpera, Lápices de color, ceras, pastel, óleos,
técnica Mixta. Color digital.

Entramos a la etapa vivencia! y práctica de la aplicación técnica y de lenguaje que nos permite
un ejercicio apreciativo y que se deriva en un producto individual y colectivo con mensajes espe­
cíficos con una intencionalidad definida.

Impacto visual Si necesitas publicitar, por ejemplo un jugo de frutas para niños entre 6 y 12 años,
debes profundizar tus conocimientos de uso de colores, significado de los colores, psicología de
colores y las influencias de los colores para niños. Y además utilhzar como mascota o personaje
y si la empresa sugiere, por ejemplo un animal. Lo más efectivo es pensar en un animalito debe
ser el más común, y familiar en el imaginario de los niños y niñas, y no por ejemplo un cocodrilo
negro.
La calidad de la línea y el estilo del personaje Aunque parezca poco importante, el estilo tiene
mucho que ver, las líneas suaves y el estilo redondeado de la figura, denota un personaje tierno,
las líneas tipo boceto o raboneado denotan un personaje más agresivo, como tip: las líneas grue­
sas tiene un gran impacto visual.

¡Exageeeeera! las características del personaje Como todo personaje ficticio , la exageración
de ciertas características puede ser bastante beneficioso para el perfil del propio persona­
je, por ejemplo, si tu personaje es fuerte, en el sentido físico, puedes exagerar el tamaño de sus
brazos, eso enfatizará su personalidad y ayudará a dar más credibilidad para el propósito para el
que será creado.

Los colores Los colores son básicos para lo que el personaje debe comunicar. Los colores
oscuros como el negro, el gris, o el púrpura describen a un personaje más del estilo maléfico o
mafioso. Los colores claros como el blanco, los azules, rosas y amarillentos denotan inocencia,
bondad o pureza. Los colores rojos combinados con los amarillos y azules pueden dar cualidades
de héroe a nuestro personaje.

Accesorios Los accesorios y la vestimenta de los personajes enfatizan los rasgos y el entorno
del mismo. Por ejemplo, la ropa desaliñada puede ser de un personaje pobre, los diamantes para
uno rico. Los accesorios son las extensiones literales de la personalidad. Si ves un loro en el
hombro de sujeto, difícilmente dudaras de que realmente es un pirata y si añades un calavera a
su sombrero no cabra la menor duda. Juega con los estereotipos.

Y a la hora de dibujar... No tengas miedo de experimentar e ignora todas las reglas, olvídate de
los planes, sólo comienza a trazar. Yendo contra se supone es la mejor manera de hacer algo,
puedes terminar con buenos resultados. Confía en tus conocimientos, en lo que has visto, en tus
ideas, agárrate de la mano de la inspiración ¡y dibuja! Siéntate en tu silla, pon tu música favorita,
una vez que los rayones que salieron de tu mano tengan sentido para ti y tu cerebro, las cosas
se habrán hecho.

Más allá del personaje De la misma manera que creaste una historia detrás del personaje, así
mismo tienes que crear un ambiente que le dé más credibilidad a su existencia. El mundo el que
el personaje vive e interactúa da sentido de quién es y para qué fue creado.

No tengas miedo a preguntar Cuando ya lo tengas, muestra a la gente tu creación y pregúntales

que piensan. ¡Nunca preguntes si les gusta o no! Sin embargo, fíjate si ellos pueden reconocer o
identificar la personalidad o los rasgos del personaje. Busca la opinión de aquellos a quien esta
dirigido, recibe retroalimentación de ellos específicamente y vuelve al papel para hacer los cam­
bios necesarios.
Matiza tu creación Cuestiona cada elemento de tu creación, especialmente los rasgos físicos,
adivina como es percibido. Sé todo un critico, ponlo a prueba bajo tus ojos, la más mínima altera­
ción puede cambiar la forma en como lo ven los demás.

¿Los trazos están listos? Ahora procederemos al lápiz final.

Se denomina lápiz final dibujo esquemático final de una página de cómic. Es el siguiente paso
tras el de los borradores. Anteriormente, el dibujante realizaba complejos esquemas pictóricos
llenos de detalles burdos o, con figuras poco definidas, esto son los borradores. Cuando el dibu­
jante termina de decidirse por cómo quiere dibujar la página coge el borrador correspondiente y
lo convierte en lápiz final.

Mientras que los borradores solo necesitan ser comprensibles por sus propios autores y pueden
estar cargados de anotaciones, flechas y demás señales, los lápices finales son comprensibles
para todos.

Entintado

El proceso de entintado no es simplemente calcar la obra del dibujante a blanco y negro. El encar­
gado de realizar el entintado, el entintador, es otro artista que puede dar, en este proceso, nueva
carga visual a la obra del dibujante, dependiendo de las técnicas aplicadas, centrándose más
en los grosores de los contornos, en el detalle de las texturas o el efecto de la luz en las formas
dibujadas.

COLOREAR
Llegó el momento de poner color a nuestra historieta, y existen dos formas de colorear.

La primera es la clásica, con los tintes, pinturas, lápices de colores etc. Herramientas que a lo
largo del tiempo se han ido perfeccionando para este trabajo.

Aplicando lo aprendido crea, dibuja y colorea dos historietas ecuatoriana

 El segundo, son los recursos que ha proporcionado la tecnología. Ahora se puede colorear en el
computador, gracias a programas digitalesque nos permiten incluir colores y texturas a nuestros
dibujos, pero no solo eso incluso se puede realizar el dibujo en si mismo gracias a una tableta
digital y un lápiz óptico.

Aunque todavía se realiza una técnica mixta, ósea se traza, dibuja y entinta manualmente, luego
se digitaliza escaneando o fotografiando el dibujo y bajándolo al computador.

Ya en el computador citaré tres programas que son los más usados y versátiles aunque en el
mercado existen muchos programas de este tipo. Pueden probar el Photoshop y el Corel Painter,
no teman el probarlos, no necesitan ser profesionales, las herramientas están a la vista. Para
recursos, más elaborados entonces podrán seguir algún curso. Que son muy comunes.
De esta manera hemos conseguido no solo crear una historia sino dar vida y trascendencia a
nuestros personajes. Para la realización de nuestros proyectos, no necesitamos complicarnos
mucho, en la parte de final; pues, seguramente no necesitaremos una imprenta, ni reproducirlos
a gran escala ni, haremos una revista en couche y full color estilo americano. Basta con mostrar
la lámina con una historia que llene esta, o una mini revista con cuatro páginas es decir dos hojas
dobladas y así tendremos nuestra mini revista de comic, puede ser el primer paso para ser un
gran artista de historietas y caricaturas.

Adelante manos y corazón a la obra mucha suerte y éxitos.

PROYECTO FINAL
Aplicando todo lo aprendido sobre el lenguaje del comics ;en el computador; crea, dibuja, pinta 2
comics made in ecuador; imprime en papel couche de 90 gr y presenta tu proyecto.

■ 9 '
j
Voy a te n e rlo .. CEBO
veso TENERLO.. CONOCERLO.
Freeza v e HA ESTE MONO...
FALLADO. ESTE SUPER
¡¡TENDRÉ EL SAIYAJIN ES
CONTROL DEL LA CALVE
UNIVERSO!! PARA LA
RESPUESTA
QUE HE
ESTADO
BUSCANDO.

M I REINA

III
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SAOAJW HA
ECHO ESTO?

FAPRS,
tAAVZe
¡¡Ayúden­
m e!!
Introducir ol estudiante en el maravilloso mundo deí cine
o cinematografía a través de talleres para que sean
capaces de crear cortometrajes de una manera cacera
pero con un contenido científico reproduciendo fo to g ra ­
mas de forma rápida y sucesiva creando la llamada
(ilusión de movimientos) de tal manera que el espectador
pueda percibir en forma visual su contenido.
 PROYECTO DE CINE
Como hacer un Proyecto de Cine
Muchos hemos disfrutado del ritual de ver una película en el Cine, el entrar a otro universo cuan­
do compramos el boleto, el canguil, y el refresco. La magia de sentarnos en las cómodas butacas
y transportarnos en una maquina del tiempo que nos lleva al pasado, al futuro o a otra realidad
virtual, mediante las historias que disfrutamos en las películas.

Gracias a las facilidades actuales de la tecnología, disfrutamos también en nuestras casas, en

compañía de nuestra familia o amigos, de una buena película, un buen refrigerio y todas las co­
modidades de sonido, imagen, confort.

Y si el recurso económico nos alcanza hasta en 3D.

En cualquiera de los casos, tanto el cine como en la televisión existen dos grupos:
El grupo que lo conforma el público espectador y el grupo de productores, realizadores actores,
etc. Querer cambiar de grupo, resulta, o resultaba difícil; aunque los que participaban en el lado
de la producción audiovisual, pueden en algún momento ser espectadores. En cambio, Vicever­
sa, es decir ser parte del equipo de Producción cinematográfica, parecía imposible.

Muchas cosas lo impedían, empezando que solo un golpe de suerte nos podía acercar al inal­
canzable Hollywood, donde se fabricaban las películas, porque en nuestros países, nada o muy,
pero muy poco se producía. En la TV solo los pelucones de caras lindas entraban, y para rematar
los rostros afro descendientes, mestizos, indígenas no eran precisamente el modelo de actores
y actrices famosas, cuando había alguna posibilidad sus papeles eran de ladrones, criados o el
más malo de los malos.
Sin embargo muchos factores, entre los más importantes: los procesos sociales, la accesibilidad
a la educación, la universalización de la comunicación, la globalización y la imparable revolución
tecnológica, que unida a la insaciable necesidad de la sociedad, de vender y vender. Han enfren­
tando a las empresas por conquistar a los consumidores, haciendo más fácil el acceso a equipos
de producción audiovisual, más baratos, compactos y eficientes.

Esto ha causado el nacimiento de grupos de productores de cine, televisión y video independien­

te, con propuestas interesantes tanto en contenidos, como en concepciones nuevas e incluyentes.

Grupos étnicos, sociales, religiosos, de género y generacionales, participan en todos los pro­
cesos que conforman la producción cinematográfica, televisiva y audiovisual. Incluso la nueva
tendencia de producción y realización, prefiere trabajar con personas naturales sin formación
previa en actuación por ejemplo, para intentar lograr, situaciones lo más cercanas a la realidad y
cotidianidad.

Estos grupos humanos, no solo participan como actores o en los equipos de producción, sino
que están en los procesos de formación comunitaria, escriben y producen historias con temáticas
propias de su entorno y presentan productos de video que difunden sus realidades, denuncian y
provocan, opinión pública.

La propuesta que planteamos, es democratizar el uso de los medios de comunicación contem­

poráneos, en este caso el audiovisual, aclarando que no desconocemos la profesionalización de
este recurso de la comunicación y que se expresa en espacios de difusión a escala nacional e
internacional como el cine, la televisión, el Internet. Pero el acercamiento temprano y diverso de
muchos sectores de la sociedad, garantiza diferentes puntos de vista y la posibilidad de construir
una sociedad más crítica y participativa, además de ofrecer a los jóvenes y demás grupos huma­
nos, una alternativa lúdica, reflexiva e integradora.

Estos contenidos plantean socializar el lenguaje audiovisual, la aplicación eficiente en la difusión

de ideas y sentimientos de los participantes y el aprendizaje de técnicas y metodología s de tra­
bajo que optimicen el tiempo los resultados.

En lenguaje estrictamente técnicamente los momentos de la producción audiovisual se divide en

tres: La preproducción, La producción y la post producción, pero para fines, pedagógicos dividi­

remos en tres etapas de percepción puesta en

práctica del lenguaje y la producción audiovi­
sual.

Preproducción
En el lenguaje tradicional esta etapa sería la
pre producción, que consiste en elegir o poner
en la mesa de discusión y observación el tema,
que será convertido en una película, cualquier
producto audio visual. Si bien en ocasiones el
tema nace de una persona, y aunque parezca
obvio, es importante recalcar que este trabajo
es colectivo, y la participación del grupo, debe
ser activa en todas las etapas la producción;
aportando con sus puntos de vista, aportando
en la investigación y no ser solamente obreros
de actividades específicas.
Para poder ordenar este proceso enumeraremos los pasos de la etapa de exploración.

• Valoración de los temas que deberían presentarse, según la importancia o necesi

dad que tenga el grupos o el entorno al que pertenece el grupo, en ocasiones la te
mática esta planteada en ese caso pasamos al siguiente punto.
• El segundo paso, escogido el tema es, precisarlo, pues en la mayoría de los casos
los temas suelen ser muy generales, por ejemplo, el amor la sexualidad, la violen
cia, etc. Y el resultado es no saber por donde empezar.

Entonces es importante generar un desglose del tema en base, sub temas o ¡deas fuerza, que se
facilita cuando se prioriza, según la afinidad, necesidad o inmediatez social.

En nuestra propuesta los temas base es la vida y la muerte, si escogemos la muerte.

FICHA TÉCNICA

La Muerte

La vida después de la muerte:

Formas de representar la muerte:

Culturas que honran la muerte:

Tradiciones propias que honran la muerte:

Dioses y personajes míticos que representan la muerte:

Una vez desglosado los subtemas se puede avanzar más en la concreción, hasta llegar a un
tema más específico, si por ejemplo se elige, la vida después de la muerte:

FICHA TÉCNICA

La vida después de la Muerte

Creencias de la vida después de la muerte, según las religiones del mundo:

La vida después de la muerte en la religión católica:

Lo que dice Jesús sobre la vida después de la muerte:

Una vez precisado el tema entramos a la etapa de la investigación, el desglose anterior nos ayu­
dará a definir que vamos a investigar, se recomienda que aunque llegado al tema es
pecífico, en la recopilación de materiales se tome en cuenta los subtemas y su concreción, para
tener argumentos complementarios.

Fuentes de Investigación
• Archivos bibliográficos.
• Archivos de prensa.
• Documentos bibliográficos especializa-idos (libros, revistas, artículos).
• Archivos digitales (Internet).
 • Archivos audiovisuales.
• Personas especializadas en el tema (procesional, empírico).
• Testimonios de personas relacionadas a un hecho específico según eltema.
• Encuestas y datos estadísticos (datos re la cio n a d o s al tema u obtenidos específica
mente).
• Entrevistas de video y audio.

Se recomienda que datos obtenidos en audio y video para el tema, sean conservados y obteni­
dos en buena calidad, pues si bien sirven como base para el libreto o guión y el posterior rodaje,
este puede ser invaluable en la edición final, pues sucede que en ocasiones, no se podrá obtener
nuevamente esta información.

Es importante realizar un cronograma con tiempos reales y precisos para cumplir la etapa de
selección de fuentes y recopilación de información.

Hemos precisado que el proceso de producción audiovisual es un trabajo colectivo es imprescin­

dible, hacer una reunión de valoración y priorización de información para la elaboración del guión,
previo la elección del formato audiovisual, que explicaremos más adelante.

Una vez valorados los contenidos de la investigación empieza la etapa de guionización.

Tanto el guión literario que consiste en un resumen general de el video, luego el guión técnico que
detalla planos, sonido, musicalización, entrevistas, testimonios, locución.

Y por último el story board, que detalla gráficamente en contenido del trabajo.

FECHAS PARA LOCACIONES RECURSOS FECHA DE

ACTIVIDAD RESPONSABLE FUENTES
RECOPILACI" N T..CNICOS ENTREGA
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1 | ■ |■ ■
A manera de ejemplo incluiremos a continuación una misma escena descrita en los dos tipos de
guiones:

En el viejo y destartalado pueblo de Canyon City, abandonado por sus habitantes, luego de que
se supo.
Guión Técnico

Story Board

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Producción
En este punto se prioriza la profundización de dos aspectos fundamentales, para la etapa de
la producción propiamente dicha, pues el conocimiento de estos aspectos tanto los contenidos
teóricos de la historia, principios del cine, su lenguaje y la aplicación técnica de estos define la
calidad, eficacia del mensaje y trascendencia de nuestro producto audiovisual.

El primer aspecto sería la historia del arte, es decir conocer las raíces del arte que tratamos, en
este caso el Cine, que incluso es considerado por la humanidad como el séptimo arte.
El segundo aspecto será conocer las técnicas aplicadas tanto en el aspecto del contenido del trabajo
audiovisual, relacionado al manejo del lenguaje audiovisual, como en la preparación del rodaje y el
rodaje mismo es decir en la grabación y las condiciones en que este se realiza.

Técnicas

Elementos Fundamentales de un Filme o Película.

Coa el nacimiento del cine, antiguas y nuevas formas de expresión y comunicación se articularon e
interrelacionaron para crear un nuevo lenguaje en el mundo, el lenguaje audiovisual.

1. Lenguaje; Lenguaje Cinematográfico

El lenguaje puede ser considerado como mecanismos de la mente para posibilitar la comunicación
entre los seres humanos de una comunidad. Compuesto de signos, símbolos y señales convenidos
para comunicarse y convivir en sociedad.

Símbolos: Cuando el signo no solo informa de un significado, sino que evoca valores y sentimientos.

Continuemos con el ejemplo de la araña, en las culturas como la maya y la egipcia. Sim-boliza la
creación y la vida, por su capacidad de formar hilos de su propio cuerpo, pero también simboliza la
muerte por su veneno que es letal.

Señal: Es un tipo de signo que provoca una acción o actitud específica del que mira esa señal, en
el momento que mira esta señal. La señal informa, educa, previene.

Entre las señales más utilizadas están: las señales de tránsito.

El lenguaje audiovisual contiene este mismo sistema de signos, símbolos y señales, adecuados
para esta forma de comunicación y otros elementos que nacen a partir del invento de la cámara y
todo lo relacionado a la creación del filme, o lo que hoy conocemos como una película y actualmente
gracias a la creación de las cámaras electrónicas, el video.
Los elementos que componen el filme y además son parte del lenguaje audiovisual son:

La Imagen: En si, es el conjunto de objetos captados de la naturaleza o el entorno, por medio de

la vista y en nuestro caso, por la cámara de fotos, cine o video.

El Encuadre: Es la selección de la realidad que capta el fotógrafo o el operador de cámara. Se­

gún la situación en que se coloque la cámara, distancia o ángulo de mira, la selección realizada,
es decir, el encuadre, puede variar substancialmente la visión de la realidad. Al encuadre se le
llama comúnmente PLANO.

El SonidO: Clasificación de los Sonidos

1. Sonido ambiente.

• Sonidos - Naturales.
• Sonidos - Humanos.
• Sonidos - Mecánicos.
• Sonido - Ruido.

2. La música.

3. La palabra y los diálogos.

Organización de Planos
Plano: Unidad básica del lenguaje de las imágenes. Es
la unidad de imágenes que capta el camarógrafo o fo­
tógrafo en un disparo de la cámara fotográfica y en el
caso del video, el espacio entre el inicio de la graba­
ción y el final de esta, es decir en una sola toma.

Los planos se clasifican desde dos consideraciones:

• Qué se muestra (espacio)

• Cuánto dura (tiempo)

Tiempo: Se puede alargar, acortar y modificar el tiem­

po de la realidad.

• Ralentización (cámara Lenta): poetizar las imá

genes / realzar acontecimientos.
• Reiteración: alargamiento de la acción.
• Aceleración: condensación del tiempo real y re
curso cómico.

Manejo del Encuadre

Como se ha manifestado anteriormente el encuadre es la forma de ubicar y priorizar las imáge­
nes que entraran en el plano, para manejar el encuadre es importante conocer formas de ubicar
la cámara, ángulos, movimientos y composición.

Ángulos: Cuando se habla de angulación o punto de vista se traza una línea imaginaria que va
desde el lente de la cámara al objetivo de la cámara, es decir al personaje u objeto filmado.
 • Ángulo Normal.
• Ángulo Picado.
• Ángulo Contrapicado.
• Ángulo 3/4
• Ángulo Perfil

Movimientos de la Cámara: Los movimientos de la cámara pueden ser físicos u ópticos:

Movimientos Físicos: Panorámica consiste en un movimiento de rotación de la cámara hacia

la derecha y hacia la izquierda. Normalmente la cámara está situada sobre un trípode y gira alre­
dedor de su eje. Tiene un gran valor descriptivo y también puede tener valor narrativo. Podemos
distinguir:

Movimientos Ópticos: ZOOM el movimiento se realiza con las cámaras que tienen objetivos
variables. Permite hacer que los objetos se acerquen o se alejen con el juego de los lentes de la
cámara, sin desplazar la cámara. También se liama traveling óptico. Con el zoom los objetos que
se acercan se comprimen.

Equipo Humano
Desde el inicio de este proyecto hemos priorizado al equipo humano como el elemento funda­
mental para la producción audiovisual, en este punto a más de reforzar este concepto lo estructu­
raremos específicamente, según sus funciones para la etapa de rodaje y producción.

Determina el equipo humano con el que vas a trabajar.

Productor General: Es la persona o Institución que concibió el proyecto y lo ejecutará, buscan­

do o gestionando los recursos económicos etc. Y ubicando a las personas o empresas que los
proveerán.

Cuando hablamos de producción alternativa, los productores general mente son or-ganizaciones
sociales, que plantean el tema o el proyecto para aplicarlo a un grupos sociales específicos para
el que trabajan, y contratan una productora que realizará el trabajo técnico bajo las pautas ideo­
lógicas de la institución. También pueden ser grupos de cineastas, videastas o aficionados que
promueven un proyecto a audiovisual y gestionan recursos a través de auspicios y publicidad, e
incluso apoyo gubernamental.
Productor Ejecutivo: Organiza y pone en movimiento todos los recursos obtenidos y estructura
todas las necesidades puntuales para el rodaje, técnicas, logísticas, de locaciones, vestuario,
tramoya, actores, extras, iluminación, escenografía.

Productor de Campo: Puede ser uno o varios productores de capo son ios que consiguen estos
recursos para el rodaje, realizan los casting de actores, ubican locaciones, gestionan permisos,
garantizan las condiciones de rodaje, tanto técnicas, como logísticas, contratan los servicios
complementarios, como alimentación hospedaje de los equipos humanos etc., Es decir hacen
concreto lo planificado.

Director: Es la persona que maneja la técnica y el lenguaje audiovisual, el maestro de orquesta

que dirigirá el equipo humano que participará en el rodaje, Coordina con los productores las
características que deben tener los equipos humano y técnico según el proyecto. Tiene la última
palabra sobre la toma más adecuada, la escena que quedará grabada, la actuación perfecta.

Director de Fotografía Apoya al director en la apre­

ciación de la composición, profundidad de campo,
iluminación, escenografía, es decir garantiza que la
imagen que saldrá al público, este artísticamente rea­
lizada y que cumpla con el objetivo emocional y visual
que se quiera lograr.

En este punto aclaramos que existen varias direccio­

nes, pero como esta es una propuesta alternativa y de
aprendizaje, el equipo y los conocimientos serán res­
tringidos, así que resumiremos y juntaremos las fun­
ciones. Esto por respeto a las funciones específicas y
profesionales del mundo de la producción cinemato­
gráfica y audiovisual.

Director de Actores: Se encarga de la parte dramáti­

ca, es decir de dirigir a los actores y lograr el realismo,
la intención y la intensidad que requiere el proyecto,
en el caso de documentales o trabajos alternativos,
en donde los protagonistas son personas naturales,
el director de actores debe saber manejar a las personas brindándoles confianza y seguridad
y girándoles en los objetivos del proyecto. Y si es un testimonio o entrevista permitiendo que el
personaje proyecte una emoción específica.

Continuidad: Es la persona que se encarga de mirar los detalles del rodaje e informar cualquier
detalle que afecte la secuencia de lo grabado, por ejemplo falto un accesorio en el vestuario de
una toma a otra, las condiciones de luz cambiaron, o si las posturas de los actores cambiaron
de una escena a otra, además de anotar las tomas que fueron aprobadas y mantener un registro
detallado del rodaje.

Maquillaje: Persona o equipo que se encargué, de lograr una imagen estética adecuada y apro­
piada al objetivo, es decir no solo es que la persona se vea bien, sino que se vea como el proyecto
lo requiere. Por ejemplo, requerimos un mendigo, entonces no necesariamente va a lucir como si
fuera a una fiesta de gala, sino tendrá que realmente parecer a un mendigo, una herida debe pa­
recer realmente una herida, una mujer que se levanta de la cama, tiene que recordarnos cuando
nosotros nos levantamos.

Vestuario: Maquillaje y vestuario se complementan, es la persona o equipo que garantiza la

credibilidad del proyecto audiovisual. Hay que tomar en serió esta parte de la producción pues
generalmente es tomada a la ligera y sin rigor histórico y cultural, pues el caso de recreaciones
de culturas, no se toman en cuenta el profundo significado de sus colores, de los materiales de
su vestuario y su manera de llevarlos.

Mientras más realistas seamos, el proyecto saldrá más profesional, sino miremos las grandes
producciones, invierten mucho tiempo en investigar los detalles étnicos y sociales e históricos del
vestuario, no solo es cosa de dinero, sino de conocimiento.

Actores: Garantizan el realismo, es importante valorar este recurso, pues en las producciones al­
ternativas, a veces es tomado a la ligera, y en ellos recae el éxito de una dramatización entonces
es importante, encontrar actores apropiados al papel y si lo hacemos con personas naturales o
espontáneos, es importante tener un trabajo anterior muy serio.

Tramoya -Tramoyistas: Son los encargados de la movilización e instalación técnica y manejo de

la iluminación y la escenografía, por lo general este trabajo ha sido menospreciado, solo se toma
en cuenta al director de iluminación o al escenógrafo, pero no al enorme equipo que garantiza su
funcionamiento.
En nuestro proyecto seguramente no sea necesario iluminación, ni escenografías grandes, pero
este tema es muy importante; aunque las locaciones sean lugares cotidianos como nuestras
casas o lugares públicos, es importante mover ciertos elementos, y usar luces para iluminar am­
bientes y que el lugar se vea visualmente adecuado. Se recomienda formar un equipo y para no
restarles importancia, no se debe decir donde quiero que vaya la luz o en donde quiero tal objeto,
sino decir como quiero que el lugar luzca, de esa manera el equipo buscará soluciones y tomarán
decisiones adecuadas para lógralo.

Camarógrafo/s: Es la persona no solo con conocimientos del manejo de cámara, sino con ma­
nejo del lenguaje audiovisual, en producciones alternativas el camarógrafo es la mano derecha
del director, no es meramente un operador.

Asistentes: Es un equipo que acompaña al camarógrafo, transportando, ubicando y haciendo las

conexiones adecuadas de los equipos complementarios a la cámara y el sonido, si el sonido es
separado o integrado, igualmente se requiere monltorear estos.

Por esta razón en nuestro proyecto no se debe diferenciar el camarógrafo y el sonldista separado
a los asistentes, dándoles un papel de empleados, sino formar un equipo unitario, que trabaje por
un fin común, garantizar la calidad y buen funcionamiento del equipo técnico y lo grabado.
Catering: Los encargados de proveer a lim e n ta ­
ción, refrigerios e hidratación para los participantes
del proyecto, en el rodaje y otros m om entos de la
producción.

Equipo Técnico
Cámara: Quizá la herram ienta más im p o rta n te
d e n tro de los equipos de producción, existen varias
m odelos y el escogerlos dependen de las necesi­
dades y condiciones de rodaje, lo prim ero que hay
que conocer son los form atos y sus características
prácticas en la aplicación.

MINI DV un form ato m uy versátil, la mayoría de

cámaras caseras antes de las digitales, eran las
mas com unes usan una casete pequeño que dura

una hora cinco minutos de grabación en velocidad normal (SP), en velocidad ampliada (LP- EP)
el tiempo de grabación varia de dos a cuatro horas, pero baja la calidad de grabación.

Da una imagen aceptable siempre y cuando las condiciones de luz sean aceptables y el material
que se baja al computador para la edición, sea directo de la cámara al archivo digital y no pase
por varias transferencias.

Detalles que no debemos dejar pasar, para un buen desempeño de la Cámara:

• Mantener limpios los lentes de la cámara con paños o telas apropiadas que no raye
o dejen pelusa en el lente.
• Evitar el contacto directo con el agua, proteger adecuadamente la cámara en la lluvia,
• No exponer directamente el lente de la cámara al sol, o a una fuente de luz fuerte,
por mucho tiempo.
• No hacer una toma frente a una ventana, o entrada de luz directa, porque provocamos con
traluz y el objetivo grabado saldrá muy obscuro. Es mejor colocar al objetivo y a la cámara
tras la fuente de luz de esta manera, la grabación será clara.
• Iluminar adecuadamente una locación interior, recuerde que el elemento más importante
en una grabación de video es la luz.
• Evitar en lo posible ruidos ambientales si se van a grabar diálogos, o usar micrófonos
adecuados.
• No olvidar el balance a blanco en las cámaras manuales y automáticas, siempre habrá
un icono WB. En las cámaras manuales se balancea, poniendo un papel o cualquier

objeto blanco frente a la cámara, y se

pulsar un botón que nivela el color, y
en las automáticas hay op­
ciones para interiores, exteriores, auto
mático, para primeros planos
etc. Esta función evita que la tom a sal-
ga azul o amarilla y tenga un color
más real.
• No forzar los mecanismos de entrada
de casete, batería, m em or ia m icrófono,
audífono, estas se acoplan perfecta -
 mente y toman su tiempo determinadoen activarse, no los forcé y sino entran
fácilmente seguramente tiene un daño técnico.
• Para logra tomas más estables y fluidas use un trípode, sobre todo para tomas en las
cuales usen el zoom digital.
• No dejar el casete o la memoria o batería en la cámara cuando ésta está apagada y guar­
da da por algún tiempo, así evitaremos cualquier contratiempo con estos accesorios.
• Para evitar la pérdida de los materiales obtenidos, guardar adecuada mente estos mate­
riales: Protegidos, del sol, polvo, lluvia o la manipulación externa.
• Correctamente membretados y protegidos con sus respectivos seguros, y si es
posible hacer copias digitales, en un disco duro o en un disco DVD.

Accesorios de Cámara:

• Casetes o memorias según el formato de la cámara.

• Batería para cámara.
• Trípode.
• Dolly.
• Mono Pie.
• Esteadycam.

Micrófonos: Equipo fundamental para el éxito de una produc­

ción:

• Micrófono Convencional
• Micrófono boom Omni Direccional
Micrófono de Solapa

DVCAM

Es un formato profesional, existen dos tipos de casetes DVCAM,

uno es grande y el otro es parecido en tamaño y forma a los mini dv. La cámara DVCAM puede
usar su formato natural pero también graba con el casete mini dv, pero definitivamente su formato
madre es de mayor calidad y nitidez.

HDV es un nuevo formato digital, el high definition nos da una gran calidad de imagen, superior a
la tradicional, se mejor luminosidad color y nitidez, gracias a la cantidad de pixeles 1280 de ancho
por 720 de alto, el HD estándar y 1920 x 1080 el full HD que nos da una dimensión de pantalla
ancha.

Existen ortos formatos digitales que responden a cámaras con mejores condiciones técnicas,
que gracias a su mayor sensibilidad ofrecen imágenes de altísima calidad profesional, sin embar­

go su limitación son los altos costos y los accesorios que

necesitan para su funcionamiento óptimo, por esta razón
nombramos los más populares y accesibles.

Cuando elegimos cámaras digitales tenemos que tomar

en cuenta que ahora hay de gran variedad y precio pero
no se deben dejar engañar no todas las cámaras digitales
tienen buena resolución, hay algunas que graban en bají-
sima resolución, mp4 y suelen venderse como HD (high
definition, alta definición) cuando en realidad son HDD ini­
ciales de hard disk drive, unidad de disco duro; es decir, el
material se graba en un disco duro interno pero el formato en de grabación no es óptimo.

Los formatos de las cámaras sugeridas, son las más actuales y versátiles para un trabajo de buena
calidad, existen formatos anteriores a la era digital como el VHS, súper VHS, V8, que tiene una re­
solución más baja y herramientas modernas como cámara de fotos casteras , celulares y aparatos
de mp3, mp4, etc. Que de igual forma tienen formatos de calidad muy limitada y todas sus funciones
son automáticas; que no permiten controlar iluminación, balance de blancos, audio, pero sirven para
la finalidad más importante que es incursionar en el video y expresar nuestras ideas y sentimientos
a través de un producto audiovisual.

Isla de Edición:

Consiste en la computadora, tarjetas de captura de video, pro­

grama de edición digital y programa para crear menús de video
y grabación del material en un dispositivo de Almacenamiento
y reproducción.
La computadora para edición de video debe tener las siguientes
características básicas para poder funcionar óptimamente para
la edición:

Si queremos editar en una PC que son las más comunes debe

tener una buena tarjeta madre, puede ser una Intel Core 15 un

Procesador superior a los 2,3 GHz, memoria Ram superior a los 8 Gigas y un disco duro superior
a los 500 gigas pues los archivos de video pesan bastante.

Si se decide por una MAC con una tarjeta madre Intel Core 17 y Procesadores superior a los 2,3
GHz son de buenas características, La memoria ram igualmente debe superar los 8 Gigas y el
disco duro superar los 500 Gigas.

Estas características de la computadora permite la instalación del programa de edición, sea exito­
sa, existen muchos programas de edición de video nombraremos los 3 más populares, amigables,
estables y sus características particulares.
Vegas

Un programa semi profesional, pero muy versátil y con muchos efectos prediseñados, ideal para
principlantes.

Adobe Premier Pro

El programa profesional natural de PC, no tiene muchos efectos prediseñados pues hay que fabri­
car efectos en un programa complementario, pero su entorno es más profesional, y permite solu­
cionar mejor los detalles de edición, y pulir el producto final.

Final Cut Pro

De un entorno profesional con ventanas y recursos algo complejos, pero que trabajan el detalle
óptimo del video y audio, programa natural de MAC, con opciones para obtener productos finales
de gran calidad profesional.

Investiga el programa Vegas para utilizar en tu proyectos, da una síntesis de lo que se trata.
Postproducción

Géneros del Cine

Los géneros cinematográficos se clasifican según los elementos comunes de las películas, según
sus aspectos formales (ritmo, estilo o tono y, sobre todo, el sentimiento que busquen provocar en el
espectador. Los géneros cinematográficos se definen por su ambientación, por su formato, por su
audiencia.

Drama: En el cine, películas que se centran principalmente en el desarrollo de un conflicto entre los
protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo mismo.

Coniedu-: Películas realizadas con la intención de provocar humor, entretenimiento o/y risa en el
espectador.

n Cuyo argumento implica una interacción moral entre el «bien» y el «mal» llevada a su fin
por la violencia o la fuerza física.

Aventura: Contienen situaciones de peligro y riesgo.

Terrot Realizadas con la intención de provocar tensión, miedo y/o el sobresalto en la audiencia.

Presentan la progresión de lo desconocido a lo conocido por el descubrimiento de

una serie de enigmas.

R om ántico Hacen hincapié en los elementos amorosos y románticos.

Contienen interrupciones en su desarrollo, para dar un breve receso por medio de un

fragmento musical cantado o acompañados de una coreografía.

Tiene una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva, atendiendo al gusto de cada
persona.

Su tema principal es una gran catástrofe (por ejemplo graneles incendios, terre­
motos, naufragios o una hipotética colisión de un asteroide contra la Tierra).

Realizadas con la intención de provocar tensión en el espectador.También suele utilizar­

se la palabra thriller para designar a películas de este tipo, aunque hay sutiles diferencias.

Contienen hechos, mundos, criaturas o cosas fantasiosas.

Contiene escenas sexuales explícitas.
Por su ambientación
H istórico: La acción de estas películas ocurre en el pasado menudo con intención de recreación
histórica.

Policiaco: La derrota del «Mal» en el reino de la actividad criminal.

Bélico: Campos de batalla y posiciones que pertenecen a un tiempo de guerra.

Del oeste (o W estern; Del período colonial a la era moderna de los Estados Unidos de América, a
menudo mitificándolos.

El espacio dominado por el hombre o civilizaciones de un posible futuro.

Fantasía Mundos míticos que provienen únicamente de la imaginación de su autor.

Deportivo: Entornos o acontecimientos relacionados con un deporte.

¿Qué género del cine vas a utilizar y bajo que argumento?

FO RM A TO S DEL CIN E

Películas compuestas de fotogramas dibujados a mano que, pasados rápidamente,

producen ilusión de movimiento. También se incluyen aquí las películas generadas íntegramente
mediante la informática.

En oposición a la animación, películas filmadas con actores reales, de

«carne y hueso».

Aunque también se acostumbra a mezclar el dibujo animado y la animación con per-sonajes reales,
y actualmente con paisajes y personajes creados a través de la animación 3D.

¿Qué formatos vas a establecer? Dar una explicación al respecto

Taller general

Después de realizar este primer ejercicio se debe desarrollar

esta idea base, poniendo en práctica la creatividad, el cono­
cimiento de la realidad, y la finalidad ideológica que mueve el
proyecto.

Quiero estudiar pero soy de origen humilde y no tengo opor­

tunidades.

Maticemos el personaje ubicando su perfil psicológico, social,

definiendo sus características personales como edad y géne­
ro, integrándolo a un entorno y una realidad tem-iporal, social
cultural y por último ubicando el carácter político del mensaje.

María es una joven empleada domestica tiene 18 años y tuvo

que salir del colegio y lleva 3 años sin estudiar. Tiene novio,
él es guardia de seguridad, pero ella no se quiere casar aún,
desea con mucha fuerza volver a estudiar, pero ayuda con su
trabajo a su madre y 4 hermanos, y no sabe que hacer para
cumplir su sueño de ser una maestra.

Como se puede apreciar esta base permite ya desarrollar con­

tenidos políticos que desaten el nudo del conflicto, el siguiente
paso es desarrollar la historia en un guión literario, que no es
otra cosa que la continuación de esta narración hasta llegar al
desenlace y luego transformar este guión en uno técnico, con
la aplicación del lenguaje audiovisual.

Bien, estamos listos mÁnso a la obra, o mejor dicho vamos al

rodaje a tomar la cámara a trabajar en equipo, interactuando,
aprendiendo de el otro u otra y apreclaNdo conscientemente,
esta experiencia.

El conocimiento permite construir en nuestras actitudes y

pensamientos un sentido analítico y crítico de lo que vemos
y hacemos. Para apreciar conscientemente lo que sucede en
nuestro alrededor, los mensajes subjetivos y hechos explíci­
tos que permitan valorar los contenidos culturales sociales,
humanos y políticos de las sociedades y sus fenómenos.

Pero esta facultad de apreciación no es un resultado inamovi­

ble y único va enriqueciéndose y evolucionaNdo, en las expe­
riencias cotidianas. Un ejercicio fundamental entonces, será
evaluar al final del día de trabajo o de una parte específica de
la producción; las dificultades, logros, retos y lo aprendido de
esta experiencia.

Buena Suerte, disfruten intensamente y como diría esa tra­

dición de los amantes del cine rómpanse una pierna, que
simplemente quiere decir dejen toda su energía entusiasmo
y amor en esta actividad, que los hará sentir orgullosos y sa­
tisfechos, cuando repitan el ritual del cine, se sienten cómo­
damente, se apaguen la luces, se encienda la pantalla y se
reconozcan como protagonistas de su propia historia.
Educación Estética y* Artística

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C o n o cim ien to s y 0 < ¿ 'J f< z z a z

O ¿Qué es el Cine? © ¿Qué es el Teatro?

@ ¿Qué es un doble en el Cine?

© ¿Qué es el montaje?

@ Enumera los tipos de danzas en el Ecuador.

''
© ¿Describe la Película que más te impacto y por qué?

Q Enumera 2 directores de cine nacionales y tres internacionales

Calificación: _____
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