MUSICA ELECTRONICA

INTRO
Por Música Electrónica entendemos a aquella música que esta generada con sonidos
provenientes de una señal eléctrica. Sin embargo este primer y sintético concepto abre
muchas posibilidades. Una guitarra eléctrica, un teclado eléctrico, bajo eléctrico o incluso
los micrófonos, amplificadores y altavoces podrían ser correctamente llamado electrónicos,
sin embargo el uso de esta herramienta, la de “señal eléctrica”, refiere en la actualidad a
sintetizadores, samplers, máquinas de ritmo o computadoras.
Vamos a abordar como se fue generando el uso de aparatos eléctricos en el campo de la
música. Si bien en un principio las primeras experiencias fueron de índole experimental y
científico, ese era el terreno para que descubrimientos, inventivas y demás creaciones
llevaran a ser utilizados estos medios para un fin artístico, concretamente para un mensaje
musical.
Este mensaje musical, estilísticamente puede ser muy variado. Desde el comienzo que fue
en un ámbito académico, hasta llegar al popular, muchas corrientes musicales adoptaron
estas herramientas tecnológicas.
Nuestro objetivo será profundizar en los estilos más bailables de la música electrónica, en
el discurso musical y creativo que tiene lugar en la música de loops y electrónica en la pista
de baile. Veremos, para entender los orígenes; como técnicamente se generaron los
elementos para construir esta música, de donde salieron los instrumentos y los aparatos que
permiten generar los sonidos; observaremos el fenómeno musical, el contenido que hace a
este estilo, como podemos compararlo y ver similitudes con otros estilos que si bien no son
generados con elementos electrónicos, su finalidad artística tiene bastante en común. Eso
que a veces escuchamos que alguien dice “ esto es re electrónico” y quizá esta estamos
escuchando a un grupo de percusión o ensamble acústico donde elementos electrónicos no
hay, pero la referencia hace a ciertos patrones rítmicos, a cierta construcción y desarrollo de
la música similar o familiar al dance electrónico.
HISTORIA ELECTRONICA
La Tecnología se introduce en la vida del hombre mucho antes de que este término empiece
a considerarse cosa de todos los días como lo vemos hoy. La tecnología aplicada a la
música se ve desde el sofisticado sistema de un piano acústico, un violín, una guitarra hasta
un sintetizador o maquina de ritmo. Los comienzos de la tecnología musical en materia de
electrónica o señal eléctrica, o sea el estudio de la electrónica puesta al alcance de un
proceso creativo como la música, nos sitúa ya en un tiempo y contexto.
El ámbito de la música académica a dado grandes aportes y avances en nuevas inventivas
creativas, técnicas y tecnológicas. Durante años se ha destinado presupuesto y tiempo para
que músicos y científicos desarrollen y busquen nuevas formas de expresión. Luego estos
conocimientos fueron adaptados y llevados al ámbito popular.
Hubo un progreso natural que la música transito tomando a el Wagner Pos-romántico,
generando la atonalidad, el dodecafonismo, el serialismo, la música aleatoria, la música
concreta y el minimalismo, que llevo y acompaño a innovaciones no solo de carácter
musical, al introducir nuevos conceptos y métodos de concebir la obra, sino de carácter
técnico y tecnológico. Junto a este proceso y gracias a él la electrónica empieza a aparecer
en escena y a ser uno de los medios para generar una nueva obra.
La influencia de los procesos matemáticos en la música que se ven en la pos-tonalidad, los
nuevos conceptos de tonalidad, el ruido como un elemento creativo, nuevos horizontes
tímbricos, nuevas formas de ejecución de los instrumentos, y etc. Hicieron naturalmente el
desarrollo de la electrónica.
Para comprender realmente un movimiento o una escuela, sea del orden que sea, es
importante tener en cuenta las pautas y condiciones relacionadas con su procedencia,
debemos entonces observar que la música electrónica se origina en la intersección de dos
aspectos, uno técnico y otro musical, y que en esta intersección, el aspecto técnico es el que
provee el material y ofrece el sustento para la creación musical. En un principio fueron los
grabadores de cinta, los mezcladores y los primitivos generadores de sonidos, el trabajo era
bastante artesanal, el timbre se construía interviniendo y modificando en forma directa los
elementos y componentes de un sonido, es decir sus armónicos, la dinámica se modificaba
en tiempo real con reguladores de intensidad y la duración de un sonido se calculaba en
longitud de cinta y se cortaba con tijeras; si bien todas estas labores estaban supeditadas a
una partitura previamente concebida, es fácil entender en esta dependencia del arte al
soporte técnico, el por qué hubo de transcurrir un tiempo antes de que pudiéramos hablar de
música electrónica y no de sonidos generados electrónicamente con intenciones musicales.
Comienzo Tecnológico
Música Concreta / El principio del Sampler y el Productor.
A fines de la década del 40 ́, dos músicos franceses, Pierre Schaeffer y Pierre Henri, dan a
conocer en París los frutos de sus experiencias sonoras con aparatos reproductores y
grabadores de cinta magnetofónica, nace así la música concreta, ya que es el producto de
fenómenos sonoros preexistentes como la voz humana, los instrumentos tradicionales y los
sonidos de la naturaleza y la vida cotidiana, solo que manipulados y transformados por
medios electroacústicos.
La música concreta consiste en grabar o generar en cinta magnetofónica, sintetizador o en
ordenador, sonidos musicales, no musicales y ruidos concretos, tales como golpes, gritos,
ruido de motores, canto de pájaros o mugidos, entre otros; a los que se le llama objetos
sonoros. Estas grabaciones son seleccionadas, manipuladas electrónicamente con filtros,
reverberación, delay o eco, entre otras técnicas, y finalmente combinadas, pegando trozos
de cinta magnetofónica o pegando archivos de audio, formando una especie de montaje
sonoro- musical. El compositor trabaja sólo con sonido grabado y la obra final sólo existe
como una grabación en cinta o como un archivo de audio digital. Luego se reproduce por
medios electroacústicos, tales como reproductores de cinta, amplificador y altavoces.
La mayoría de estas experiencias se llevan a cabo en los estudios de Radio de parís bajo la
dirección de su fundador Schaeffer quien encarnó el concepto de que no solamente es
música la organización lógica de los finos y depurados sonidos, sino que los ruidos, con su
estructura inarmónica y sus manifestaciones erráticas y azarosas, también lo son. No es esta
una escuela que haya dado una gran cantidad de obras, pero entre las más emblemáticas
podemos citar "Estudios de ruidos" (1948) y "Sinfonía para un hombre solo" (1950) de P.
Schaeffer y P. Henri respectivamente.
Estos nuevos conceptos y herramientas van a marcar nuevas formas de trabajo, no solo en
el concepto artístico sino en el técnico. La forma en que la música concreta se desarrolla, es
el principio de lo que conocemos como Productor hoy en día. Un ingeniero manipula
material de audio (previamente grabado o generado), cortando, pegando, y procesando; y
con ello logra una obra musical. Aquí se desarrolla el trabajo del otro lado de la “pecera”
del estudio, del lado del ingeniero de sonido y grabación.
También la música concreta y su forma de trabajo nos brinda el primer concepto de
Sampler. Con el tiempo se iban a ir depurando y perfeccionando los elementos e
instrumentos de trabajo, y se llegaría a obtener aparatos de tamaño reducido, posibles de
captar/grabar algún evento sonoro, almacenarlo y luego recurrir a él para reproducirlo en
parte o en su totalidad. El sampler a veces se utiliza simplemente para obtener un sonido,
sin un desarrollo musical (frase o línea rítmica o melódica) con el fin de luego utilizarlo
para programar alguna secuencia. Otra posibilidad es la de tomar una muestra de algún
desarrollo musical, como ser una melodía, una línea de un bajo, etc. Y luego reproducirla.
El Sintetizador
Paralelamente a Schaeffer y Henri en los años 40, en los estudio de la Radio de Alemania
Occidental en Colonia Werner Meyer-Eppler y Herbert Eimer se dedicaban a manipular
sonidos obtenidos de osciladores mediante moduladores y filtros electrónicos para producir
una música electrónica pura.
Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total
(Sistema dodecafónico) como base para la construcción de obras electrónicas. Según este
método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo,
quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Bruno Maderna y
Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva. Estas obras se
componían enteramente a partir de sonidos electrónicos. Desde 1953 Stockhausen compuso
obras de música electrónica, sirviendo como demostración práctica de la viabilidad de
componer usando métodos nunca probados en música clásica, como dispositivos
electrónicos o algoritmos matemáticos.
El primer sintetizador con un método general para el control de sus timbres fue el RCA,
estaba controlado por una computadora a la que el operador le ingresaba los datos de
programación del sonido por medio de una tarjeta perforada. Ambos instrumentos estaban
situados en el laboratorio de música electrónica de la Universidad de Columbia-Princeton y
no se operaban en tiempo real. Se ingresaban los datos, la computadora los procesaba y
programaba los módulos analógicos del sintetizador y luego emitía el sonido que era
grabado.
El sintetizador es un instrumento electrónico (hardware o software) formado por diferentes
módulos (osciladores, filtros, amplificadores, envolventes, etc) que en conjunto interactúan
para producir un sonido final. Este sonido es la síntesis de los diversos parámetros
programados en los módulos que se utilizaron para su creación. A pesar de que existen
instrumentos electrónicos desde principios del siglo XX, hasta mediados de los años ́60,
salvo excepciones, los módulos básicos, que hoy forman parte de un sintetizador, solo
existían por separado
En los años '60, Robert Moog y Donald Buchla desarrollaron por separado el sistema de
control por voltaje y construirían sintetizadores modulares controlados por tensión y entre
fines de los ́60 y comienzos de los ́70 se comienzan a producir los primeros sintetizadores
de uso masivo con la aparición del MiniMoog, el ARP 2600 y los E.M.S. VCS3 y Synthi.
El principio del control por voltaje es extraordinariamente sencillo y se aplica en
instrumentos musicales electrónicos desde la década del ́20 estando por varias décadas
limitado al control de la frecuencia de un oscilador/generador de ondas por medio de
variaciones de voltaje. Un ejemplo muy común es el de asignar a cada tecla de un teclado
musical una proporción distinta de voltaje y controlar la frecuencia de un oscilador tocando
diferentes teclas. Los logros de Moog y Buchla fueron aplicar este principio al control de
otros módulos como amplificadores y filtros también controlados por voltaje y el desarrollo
de generadores de voltaje con múltiples aplicaciones como los generadores de envolventes
o los secuenciadores.
Un sintetizador modular consiste entonces en una combinación de módulos separados que
el usuario interconecta pero que son en conjunto controlados por tensión o voltaje. Un
sistema modular puede variar en tamaño y complejidad en relación a cuantos módulos se
adquieran y distintos sistemas modulares pueden conectarse entre sí.
Un sintetizador semimodular tiene todos los módulos integrados en el equipo pero el
usuario puede configurar el camino de la señal (ej: Synthi AKS) o modificar el que diseño
el fabricante (ej: ARP 2600).
Un sintetizador de configuración fija es un instrumento cuyo ruteo de señal es “conectado”
por el fabricante y el usuario puede programar los parámetros de los módulos pero no la
configuración o el ruteo de las señales más allá de las opciones que entrega el diseñador.
Desde las primeras experiencias y pruebas con aparatos que manipulan una señal eléctrica y
los primeros procesos de edición de sonido, estas herramientas fueron evolucionando y
siendo cada vez más accesibles económicamente y sus cuerpos más fáciles de transportar.
Como resultado el músico moderno empieza a introducir estas herramientas en su expresión
artística.
Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con
dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que
tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado
sintetizador Moog Dentro del plano popular, grupos de rock, y pop introducen el
sintetizador en su música: Emerson, Lake and Palmer, Yes, Pink Floyd, Kim Crimson, The
Beatles, son algunos ejemplos. El jazz, también hace lo suyo con Joe Zawinul en Weather
Report, Herbie Hancock con la banda The Headhunters o Mailes Davis, en Tutu, en donde
no solo sintes se escuchan sino baterías electrónicas.
El Secuenciador
Un secuenciador es un dispositivo electrónico físico o una aplicación informática que
permite programar y reproducir eventos musicales de forma secuencial mediante una
interfaz de control físico o lógico conectado a uno o más instrumentos musicales
electrónicos. El interfaz de control más extendido es el estándar MIDI.
Aunque el origen del secuenciador es eminentemente electrónico se puede decir que uno de
los secuenciadores más básicos y antiguos que se conocen es la caja de música. A partir de
los pequeños pivotes que sobresalen de un rodillo giratorio se hacen sonar una serie de
lengüetas metálicas afinadas según la escala musical. La secuencia, pues, se encuentra
"grabada" en el rodillo giratorio, que realmente es una transcripción de la partitura en forma
de datos. Análogamente al funcionamiento de la caja de música encontramos la pianola,
sólo que en este caso la secuencia se encuentra en el cartón perforado.
Los primeros secuenciadores electrónicos aparecieron en los años 1970 y eran analógicos,
al igual que los primeros sintetizadores. Eran muy limitados y arduos de programar; sólo
permitían controlar un aparato a la vez y tenían pocos compases disponibles. La aparición
del sistema MIDI en 1983 y el avance de la tecnología digital en materia musical
supusieron una verdadera revolución. Fue en este punto cuando empezaron a
comercializarse los primeros secuenciadores digitales (físicos) y programas secuenciadores
para ordenadores, que han ido ganando complejidad y prestaciones con el paso de los años.
Caja de Ritmo
A diferencia de un secuenciador convencional, la caja de ritmos se basa en la programación
de patrones, que son grupos limitados de compases que se reproducen de forma cíclica.
Esto significa que una vez puesta en marcha, la caja de ritmos reproducirá el mismo patrón
en loop hasta que no se dé la orden de pasar a otro. La programación se realiza
introduciendo las notas una a una sobre una gráfica de patrón, dividida en compases y
subdividida según la cuantización prefijada (negras, corcheas, semicorcheas, etc). Los
sonidos están almacenados en forma de librería y se agrupan en forma de sets según su
tipología. La capacidad de edición de éstos varía según las prestaciones del aparato,
existiendo modelos muy potentes que se pueden considerar como verdaderos sintetizadores
de percusión.

Comienzo Musical
Los nuevos conceptos que venían dándose en la era Post Tonal, abren el juego y rompen
estructuras tanto sonoras como formales. Se hacen todo tipo de experiencias y
prácticamente todo se puede esperar en una obra musical.
Uno de los grandes influyentes de la era post tonal fue Stravinski, su obra “La
consagración de la Primavera” rompió moldes y provoco algunos disturbios en la escena
musical. Armonías salvajes, rítmicas irregulares y el empleo de sets de notas (quizá mas
intuitivamente, ya que no estaba sujeto a un orden sistemático) crearon una nueva
sonoridad y desarrollo musical, del cual muchos compositores tomaron esos recursos...
Shoemberg, influenciado por Wagner y Brahms, llevo la complejidad armónica y formal al
extremo. La tonalidad fue reemplazada por la atonalidad y alcanzo la emancipación de la
disonancia. Sin embargo en un comienzo su música, denominada Expresionista, sonaba un
poco anárquica. Es por eso que busco e ideo un sistema: el serialismo o música de doce
tonos. Pensaba que si la tonalidad estaba muerta no había razón para considerar a una nota
más importante que otra. De modo que las doce notas de la escala cromática debían recibir
sistemáticamente la misma importancia: situarlas en una serie y no repetirlas hasta haber
tocado las once precedentes. Una vez elegido el orden de las notas pueden tocarse al revés,
de abajo había arriba o someterlas a toda clase de trucos.
Messiaen
En 1940, en la Batalla de Francia, Messiaen fue hecho prisionero de guerra, y mientras
estaba encarcelado compuso su “Cuarteto para el fin de los tiempos” para los cuatro
instrumentos disponibles allí: piano, violín, violonchelo y clarinete. La obra fue estrenada
por Messiaen y sus amigos prisioneros ante una audiencia de prisioneros y vigilantes. Al
salir de prisión en 1941, pronto Messiaen fue nombrado profesor de armonía, y luego
profesor de composición en 1966 en el Conservatorio de París, puesto que mantuvo hasta
su retiro en 1978. Entre sus distinguidos alumnos están Pierre Boulez, Stockhausen,
Xenakis entre otros.
La música de Messiaen es rítmicamente compleja (estaba interesado en los ritmos de la
antigua Grecia y de orígenes hindúes).
Durante un período muy corto, Messiaen experimentó con el serialismo integral, en cuyo
campo es citado a menudo como un innovador. Su estilo absorbió muchas influencias
musicales exóticas tales como gamelan de Indonesia (la percusión afinada tiene a menudo
un prominente papel en sus obras orquestales), y también usó las ondas Martenot.
Las ondas de Martenot es un instrumento electrónico inventado en 1928 por el compositor,
ingeniero y cellista francés Maurice Martenot.
El instrumento está formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia.
Las ondas Martenot es un instrumento monofónico, es decir que no produce notas
simultáneas. Cuando se presiona una tecla sólo puede producirse un único sonido.
Messiaen estaba fascinado por el canto de los pájaros, decía que los pájaros eran los
mejores músicos y se consideraba a sí mismo tanto ornitólogo como compositor.
Transcribía el canto de los pájaros en sus viajes por todo el mundo, e incorporó las
transcripciones de estos cantos en gran parte de su música.

Ives
Su música es inexorablemente experimental, con disonancias, armonías atonales y ritmos
complejos que conseguía tocando no solo en diferentes claves sino en tiempos distintos
simultáneamente. El sonido de dos bandas cruzándose mientras marchaban dejo una huella
profunda en el recuerdo de Ives. Alguna de sus obras “ Central Park in the dark”, “La
pregunta sin respuesta”.
Varése
Durante la década del 20 ́, el Edgar Varése, un francés que componía en bloques de sonidos
rítmicos, con mucha percusión y extremadamente disonantes y que fue de los primeros en
utilizar instrumentos electrónicos. Produce obras fundamentales como "Amériques" (1920),
"Octandre" (1924), "Intégrales" (1926), “Ionisacion”, “Poema electrónico”; que no
solamente re dimensionan el concepto tímbrico y el lenguaje orquestal, sino que
representan un punto de inflexión en la música de este siglo y serán el paso ineludible en el
camino de lo que vendrá.
Ya varias tendencias atonales, muestran el camino a seguir y abren posibilidades a la
música aleatoria, por azar y al minimalismo. Músicos como John Cage (1940),
experimenta con la emancipación del ruido, sus primeras obras estaban compuestas en su
propio estilo disonante y a ellas siguieron unas cuantas piezas para formaciones de
percusión (a menudo con instrumentos como chatarra) centradas más en el ritmo y en los
tiempos que en la melodía. O considerando otro tipo de melodía. También desarrollo
técnicas para piano preparado (insertando tornillos, vidrios, caucho en las cuerdas), y
composición azarosa.

Minimalismo
Mientras tanto en EEUU se producía una reacción contra los excesos de los vanguardistas.
La aleatoriedad y el control absoluto estaban muy bien, pero resultaban difíciles de
escuchar. Como siempre los jóvenes compositores buscaban algo nuevo y acabaron dando
con el minimalismo: una música basada en un mínimo de elementos sencillos y
caracterizada por repeticiones constantes y cambios muy graduales. Una música hipnótica.
El minimalismo se inspiraba principalmente en los ritmos repetitivos y las armonías
estáticas de las danzas africanas, y en la música contemplativa asiática.
Alguno de los primeros minimalistas fueron Terry Riley, Philip Glass y Steve Reich.
(nacidos en 1935, 1937 y 1936 respectivamente).
Mientras Riley y Glass realizaban un cambio gradual repitiendo varias veces una figura,
haciendo un cambio ligero de figura y repitiendo este nuevo elemento, y así sucesivamente;
Reich siguió la senda del cambio constante mediante la “técnica de fases”, repitiendo
figuras simultáneamente a velocidades ligeramente diferentes, de manera que los
instrumentos quedaban gradualmente des sincronizados unos con otros y la música
adoptaba una suerte de metamorfosis. Reich, compositor e intérprete estadounidense, en un
principio genero todos sus sonidos en cinta magnetofónica con pequeños fragmentos
hablados que se repiten, se unen y se entretejen, haciendo del ritmo su principal
característica y desarrollando un contrapunto basado también en valores rítmicos.

1870 1914______1918 __WAGNER -> STRAUS/MALHER ___ RAVEL- DEBBUSY-

SATIE___STRAVINSKY (( 1o GUERRA M ))
(Post Romanticos) (Impresionismo)
1920
1939 ((2o GUERRA M)) 1945 SHOEMBERG____BARTOK-
KODALY______VARESE_____IVES______MESSIAEN____ CAGE
(Dodecafónico) (Nacionalistas) (piano prep.)
SCHAEFFER – HENRI______STOCKHAUSEN-BOULEZ-XENAKIS_______RILEY-
REICH-GLASS (Música Concreta) (Serialismo) (Minimalismo)

Música Popular
Nos vamos a centrar en la denominada música electrónica de baile.
Este estilo, tiene la característica de estar generado con herramientas electrónicas, como
vimos, sintetizadores, samplers o maquinas de ritmo. Y en su componente musical, a demás
de estar apuntado al baile, tiene una fuerte impronta minimalista en todos los sub-géneros.
Siendo el rítmico uno de los elementos de más relevancia.
Como todo estilo nuevo popular, el ámbito en el que se desarrolla es en la pista de baile,
acorde a cada década. En sus momento el jazz, el rock, el tango o la música latina por
ejemplo.

Central Eléctrica Alemana Kraftwerk

Una gran cantidad de artistas alemanes habían sido influidos por géneros como el rock
psicodélico, el rock progresivo, la música avant-garde, el rhythm and blues y el jazz,
utilizando nuevas tecnologías y nuevas formas de usar las tecnologías de grabación,
amplificación y mezcla musical, con nuevas estructuras formales.
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la
corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el
pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo,
que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la
electrónica y la robótica para simbolizar la alienación del mundo tecnológico moderno.
Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica. Son considerados los
Beatles de la electrónica, la comparación hace mención a la gran influencia en artistas
sucesores y las innovaciones creativas con elementos electrónicos.
La historia de Kraftwerk se remonta cuando Florian Schneider Esleben (1947) y Ralf
Hütter (1946) coinciden en las clases de improvisación en Remschied en los años 60.
Poco después se integraron en un grupo que se llamaba Organisation.
En el grupo Ralf Hütter tocaba el órgano, Florian Schneider tocaba la flauta electrónica y el
violín eléctrico entre otros instrumentos, y además había un cantante, un bajista y un
baterista.
Poco después Ralf y Florian abandonan Organisation para formar Kraftwerk - que en
alemán es "central eléctrica" o quizá un mejor significado como comento Ralf en una
ocasión se podría traducir como energía eléctrica o estación generadora de energía eléctrica
ya que para ellos encierra un concepto de transformación de las ondas cerebrales en ondas
eléctricas audibles a través de los actuales medios técnicos. El grupo se compone por Ralf
(órgano, tubón), Florian (flauta, violín, percusión eléctrica) y Andreas Hohmann (batería).
Graban un primer disco llamado Kraftwerk y al poco tiempo vuelven a grabar un nuevo
álbum titulado "Kraftwerk 2" que lo llegaron a producir en tan sólo siete días. Este disco no
tiene batería convencional. Ralf en una entrevista refiriéndose a este disco comentaba:
"Compré una máquina de ritmos barata que proporcionaba algunos presets de ritmos de
baile. Modificando los sonidos básicos con eco de cinta y filtrado, hicimos las pistas de
ritmo de nuestro segundo álbum. Nuestros sonidos instrumentales provenían de osciladores
caseros y un viejo órgano Hammond...Para mayor efecto, manipulábamos las cintas a
diferentes velocidades".
En noviembre de 1973 Ralf y Florian graban solos su tercer álbum titulado "Ralf &
Florian". En este disco ya se empiezan añadir muchas mas improvisaciones y el sonido es
cada vez más depurado. En este disco se incorpora por primera vez un sintetizador el
minimoog y también el primer. El vocoder es un instrumento que sintetiza la voz humana y
que lo había desarrollado un alemán en los años 40 llamado Werner Meyer-Eppler.
En 1974 se unen al grupo Wolfgang Flür en la percusión electrónica y Klaus Roeder en el
violín electrónico. Y en ese mismo año vuelven a grabar un nuevo álbum llamado
"Autobahn". En este disco se ve un progreso espectacular si lo comparamos con los tres
álbumes anteriores. Sobretodo si nos fijamos en la pieza "Autobahn" con una duración de
unos 22 minutos interpretada totalmente con instrumentos electrónicos. La pieza Autobahn
es una combinación de ruidos ambientales, melodía pegadiza y ritmo minimalista que
plasma la experiencia de viajar en coche por una autopista alemana. Destacan tres
instrumentos el vocoder, el minimoog (uno de los primeros sintetizadores que existieron) y
la batería electrónica
Wolfgang Flür se le puede considerar como uno de los primeros baterías electrónicos de la
historia de la música. Esta batería electrónica se basa en unos pequeños sensores de metal
conectados a generados de audio, y sería la precursora de las baterías electrónicas que
fabricaría Roland años más tarde. La batería electrónica es una patente de Florian y Ralf.
Graban un nuevo álbum llamado Radio-Activity.
Por primera vez un disco de Kraftwerk está completamente interpretado con instrumentos
electrónicos dejando de un lado los instrumentos convencionales en este disco y en todos
sus posteriores. El disco tiene un nivel alto de experimentación electrónica a base de
sonidos como el ruido, la radio o rosa y sobretodo con la experimentación del uso del
vocoder, que en este disco tiene uno de los papeles más importantes
Dos años más tarde Kraftwerk publica otro álbum "Trans Europe Express" donde se
destaca su original ritmo, y la unión de la música electrónica y el pop. Creando así los
primeros indicios del electro pop y lo que se considera electro. Este álbum tiene una
influencia grandísima en la música y sobretodo en la americana y la cultura dj. Ralf en una
entrevista comentó lo siguiente: "Recuerdo que alguien nos llevó a un club en 1976 o 1977,
cuando salió el Trans Europe Express. Era un club de Nueva York, un justo cuando
comenzaba la cultura DJ, cuando los DJ's comenzaban a hacer sus propias grabaciones y
ritmos. Había un DJ que estaba pinchando secciones del Trans Europe Express, así que
pensé: "Oh, están poniendo el nuevo álbum". Pero, ¡continuó durante diez minutos! Y yo
pensé: "¿Qué está pasando? ¡Esa pista sólo dura dos o tres minutos!" Luego le pregunté al
DJ, y resulta que tenía dos copias del disco, y estaba mezclándolos y, por supuesto, podía
seguir así mientras la gente estuviera bailando. Esto fue un gran avance porque, en esos
días, tú ajustabas un determinado tiempo en la grabación, por debajo de 20 minutos en
cada cara, para poder pasarlo a formato vinilo. Decidir
cuanto duraría la canción era una cuestión de tecnología. Nosotros solíamos tocar
diferentes duraciones en los directos, pero allí estábamos, en este club y la cosa duraba 10
minutos, 20 minutos, y el ritmo seguía ahí".
En 1978 graban otro álbum titulado "The Man Machine". El tema de este álbum se centra
en la relación del hombre con la máquina, y es un tema muy relacionado con la música de
Kraftwerk por varias razones, ya que es una relación muy íntima con las máquinas y una
sociedad cada vez más mecanizada.
Finalmente en 1986 consiguen lanzar su nuevo álbum "Electric Cafe", este disco fue el
primero de Kraftwerk en realizarse totalmente con tecnología digital
La novedad de estas actuaciones es los equipos nuevos que llevan, a simple vista solo se
pueden ver cuatro ordenadores portátiles encima de unos soportes. Hay que destacar que a
pesar de llevar los portátiles, la música esta tocada totalmente por ellos.
Estas computadoras aparte de generar la música también sincronizan los videos con el
sonido. Ralf en una entrevista comenta: "Ahora tenemos nuestros portátiles, y podemos
viajar, donde antes sólo podíamos imaginar, incluso en los 70 y los 80, teníamos nuestros
enormes aparatos analógicos, que se podían llevar por el Reino Unido y el resto de
Europa, pero volar a América, o Australia era una tarea casi imposible."

Discografía
Tone Float (1970) Kraftwerk (1970) Kraftwerk 2 (1971) Ralf & Florian (1973) Autobahn
(1974) Radio-Activity (1975) Trans-Europe Express (1977) The Man Machine (1978)
Computer World (1981)
Tour de France (1983) Electric Cafe (1986) The Mix (1991) Expo2000 (1999)
Aerodynamik (2004)
Como punto de partida hacia el terreno más bailable de la música electrónica reconocemos
tres movimientos musicales como son, House, Electro y Techno. Estos tres pilares surgidos
casi paralelamente e influenciados unos con otros marcan las innovaciones musicales y
técnicas y abren el juego para que no solo estos mismos se desarrollen y evolucionen sino
para que generen otros sub-estilos y corrientes musicales.
Cabe destacar que una de las características de esta nueva forma de generar música como la
electrónica para la pista de baile, esta dada por la mezcla, ya sea por la forma de producir
los temas, mesclando samplers, sonidos, etc, sino también porque una de las formas más
utilizadas para tocar en vivo es la mezcla de dj. Esto quiere decir que con la cultura dj, es
inevitable que todo se mezcle, que haya varios estilos y músicas sonando juntas y ya casi
todo puede estar emparentado. Hasta música no electrónica puede formar parte de esta
gracias a la técnica de mezclar.

Electro Electro Funk

((Orígenes: Funk, Hip Hop, Jazz, Synthpop, Disco))
1982
Gracias al legado del grupo alemán y el nuevo sonido que propuso. El electro es practicado
a comienzos de los años 80, nacido de la fusión del funk, la música disco y la música
electrónica europea de Kraftwerk. Una combinación recurrente seria Funkadelic +
Kraftwerk.
Este primer Electro, tiene que ver con las raíces negras estadounidenses. Bastante
emparentado con el hip-hop y el funk, ritmos quebrados, en donde los sonidos son
generados por sintes y samplers.
Todo empezó cuando un DJ del Bronx llamado Afrika Bambaataa Aasim, que comenzaba a
ser uno de los más requeridos en las fiestas de Hip Hop, tras grabar varios maxis publica en
1982 el tema "Planet Rock", el auténtico himno del electro, una composición destinada a
llevar al Hip Hop mas allá de la simple combinación de rima callejera y break percusivo,
utilizando como base la caja de ritmos TR-808 y un sample de la canción "Trans-Europe
Express" de Krafwerk
De esta manera se empezaron a construir paisajes rítmicos a base de beats electrónicos y
voces con efecto vocoder. Hoy hay una multitud de diferentes interpretaciones de lo que
significa electro, pero el uso de sintetizadores analógicos y, a veces, digitales, generalmente
usando el TR-808, parecen ser constantes y resulta un tipo de música con ritmos sincopados
y sonidos que solo pueden ser producidos electrónicamente.
El Electro también influyó en otros campos como el jazz, con la trilogía formada por los
discos "Future Shock", "Sound-System" y "Perfect Machine ", de Herbie Hancock.
Más adelante (en los ́90) el Electro se fusionaría con el House y el Techno. Obteniendo lo
que hoy por hoy se denomina como termino general al Electro.
Artistas
Afrika Bambaataa Man Parrish Arthur Baker
John Robie
Jellybea Fat Boys Treacherous 3
The Sequence,

House
(( Orígenes: Funk, Soul, Disco, Electro( Kraftwerk), Synthpop))
Chicago / EEUU
1984/1985
El House es un estilo de música electrónica dance que desarrollaron los dj’s en Chicago a
mediados de los ‘80. El House está fuertemente influenciado por elementos del Soul y Funk
de finales de los ‘70 de estilo disco. El House toma del Disco el uso prominente del bass
drum en cada beat y desarrolla un nuevo estilo al mezclar sobre un bassline de sintetizador
electrónico pesado, tambores electrónicos, samples Funk y Pop, y reverberación o delay de
voces.
El común denominador del House es un prominente 4/4 beat generado por una drum
machine u otros medios electrónicos (como samplers). El sonido del kick drum es realzado
por golpes y delays extendidos. El sonido del drum es reemplazado con cimbales hi-hat
sobre la octava nota de los offbeats y un pequeño tambor o sonido de golpes repentinos
sobre los beats dos y cuatro de cada compás. Este patrón deriva del llamado drumbeat
Dance “four-on-the-floor” de los ‘60 y especialmente de los tambores Disco de los ‘70.
El House es un estilo up-tempo para bailar y tiene reducido rango de tempo, generalmente
entre 118 y 135 bpm. Los productores usan diferentes fuentes de sonido para los sonidos
bajos, desde continuas y repetitivas secuencias generadas electrónicamente con un Roland
303 para grabaciones de estudio o samples para presentaciones en vivo. Los sonidos
electrónicos y los samples de grabaciones Jazz, Blues y Synthpop son añadidos a la base
del drum beat y la línea de bajos synth. Las canciones House también incluyen realces,
reverberaciones Disco o voces de estilo Soul y Gospel y percusión adicional.
El origen del término “House” es discutido. Puede derivar del nombre de un club llamado
The Warehouse, el cual fue uno de los primeros clubes nocturnos que se volvió popular
entre los jóvenes de Chicago a finales de los ‘70. En ese lugar, tocaba el dj Frankie
Knuckles, que presentaba mezclas de Disco, Synthpop europeo, New Wave, Industrial y
Punk (con influencia
de Kraftwerk y Electro) Por otro lado djs y productores. reclaman que el término House
refleja el hecho de que muchos de los primeros dj’s crearon música en sus propias casas,
usando sintetizadores y drum machines.
Se suele citar a "On & On" de Jesse Saunders de 1984 como la primera grabación
comercial de house music
Artistas
Erick Morillo Dany Tenaglia Basement Jaxx Felix da Housecat Deep Dish
Róger Sánchez Bob Sinclar David Guetta
En los años siguientes no solo iba a seguir evolucionando el estilo, y afianzándose en el
público y en sus compositores y productores, sino que iba a empezar a generar sub géneros
y ramificaciones.

1987
El Acid House evoluciona una nueva versión minimalista de música House, que utiliza
básicamente máquinas como Roland 303 Bassline y Roland 808 Drumcomputer y los
sonidos que producen. Utiliza samples y líneas vocales cortas repetidas, funcionando más
como un elemento instrumental, a parte de quizá tener alguna línea vocal principal como en
el house de Chicago. Pero la característica es el sonido del Roland 303 y 808, ese sonido
crujiente y entre brillante y penetrante.
El término se debe a que la primera canción del género se llamaba "Acid Trax", y se decía
que el nuevo estilo era tan “caliente” que “quemaba la pista de baile como el ácido”. La
opinión más acertada es, la de los propios autores de Acid Tracks. Según los autores se le
dio ese nombre a la canción porque parecía como si hubiera caído algún tipo de acido sobre
el teclado de la TB 303, en referencia al burbujeo del sonido. Las melodías parecían
retorcerse
El Acid se extendió al Reino Unido, Australia y Europa donde fue tocada por dj’s en la
temprana escena Rave. Más tarde influenciaría a al Trance y al Psytrance.

Techno
(( Orígenes: Electro, Industrial, Synthpop, Chicago house ))
Detroit
1987
En Detroit a fines de los ́80 empieza a formarse el Techno. Fue influenciado por el
Chicago House, Electro, New Wave, Funk y temas futuristas y relativos a la cultura
moderna. Siguiendo el éxito inicial del Detroit Techno como una cultura musical, al menos
a nivel regional, un subconjunto de géneros relacionado emergió mundialmente en los ‘90.
En un principio estaba bastante emparentado con la música electro de afrika bambaataa,
pero al tiempo empezó a fusionarse con el house y adopto el bass line en los cuatro
tiempos.
El Techno presenta un gran sentir percusivo, como los sonidos sintéticos, efectos de estudio
usados como instrumentación principal, y en general un beat 4/4 regular con un tempo entre
120 y 140 bpm. Es principalmente instrumental, y las voces llegado el caso están utilizadas
con un concepto instrumental.
A partir de los ́80 se empieza a cocinar en los ambientes más underground de Detroit el
Techno. Juan Atkins, Derrick May y Kevin Sauderson comienzan con la corriente conocida
Detroit Techno y después la continuaron Jeff Mills y Richie Hawtin.
Por la misma época, la comunidad Hip Hop tomaba elementos de la música de Kraftwerk.
Diskjockeys como Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash crearon el electro, con aporte de
sonidos del sintetizador y voces computarizadas. El techno y el electro fueron posibles
gracias a la nueva y accesible tecnología. La Roland TR-808m, una batería programable,
una versión de finales de los 80, producía los sonidos característicos del electro y con ellas
se crearon muchas de las primeras canciones techno. En 1981 se usó el TB-303, un
miniteclado, para crear sonidos del bajo para el “house” y el techno.
Al principio de los 90 ocurría algo curioso. El Techno, que no tuvo tanto éxito de los
Estados Unidos, por contrario, fue un enorme fenómeno en Europa, especialmente en Gran
Bretaña y Alemania, dónde el sello Tresor publica cantidad de referencias.
Hay muchas corrientes del Techno. Aunque podemos distinguir bastante el sonido
Americano del Europeo.... Por ejemplo el sonido oscuro de Jeff Mills no se parece a los
sonidos más “animados” de Carl Cox. Podemos encontrar HardTechno (variante mas dura
y contundente del techno, con muchas percusiones y con un bpm más rápido entre 130-
150), Detroit Techno (tendencia mas oscura) Minimal (tendencia especialmente alemana,
con muy pocos sonidos)
La Roland Tr 808-M -una batería programable que producía los sonidos característicos del
electro y uno de los instrumentos con los cuales se crearon las primeras canciones techno-,
o el Roland TB-303, -un mini teclado que se utilizó para crear sonidos de bajo tanto para el
house como para el techno-.
Por otra parte, las influencias también venían del movimiento house de Chicago ya que la
mayoría de los productores utilizaban el mismo hardware y hasta llegaron a realizar
remixes juntos. Inspirados por el entorno de la ciudad, los artistas de Detroit modificaban
las amigables voces que poseían las producciones house de la época por sonidos robóticos e
industriales, los cuales remitían a las viejas líneas de ensamblaje de las fábricas de
automóviles.
Luego de ello, en 1984, publican el legendario “Techno City” inspirado en la decadencia
industrial de Detroit; aquí fue donde comenzó a sonar el nombre “techno” para este tipo de
música.
1990: Dos jóvenes, Ritchie Hawtin y John Aquaviva crean el label +8 (plus 8) Cybersonik:
proyecto de Hawtin, Acquaviva y Daniel Bell arrasan en los circuitos Rave con el tema
"Technarchy"
Una de las primeras variantes que aparece es el Hard Techno. Similar al Techno, aunque
con un bpm más rápido (entre 130-150), de sonoridad mas grave, en cuanto a líneas de
bajos y un golpe más “martillado” más duro. Este seria el principio del primer Trance.
Artístas
Jeff Mills Richie Hawtin aka Plastickman John Aquaviva Daniel Bell Joey Beltram Mike
Banks Robert Hood Disciples of Annihilation Adam Beyer Ellen Allien
Ramificació Trance
((Origenes: Techno, House, Industrial, Ambient))
El Trance es desarrollado en los ’90 en Europa (Alemania – Inglaterra). En las conocidas
Raves la música generalmente era Techno y Trance. En general se caracteriza por un tempo
entre los 130 y 160 bpm, presenta melodías de sintetizador y Teclados, similar al Pop o
Rock Progresivo. (Progresiones armónicas menores), y un estilo en el que sube y cae la
música a través de una canción. A veces se emplean voces. Se puede decir que el estilo
deriva de una combinación del Ambient, el Techno, y el House.
El sonido Trance comenzó como una rama del Techno en las discotecas alemanas a
principios de los ‘90. Frankfurt es citada a menudo como el lugar de nacimiento del Trance.
El Trance original compartía mucho con el Techno en términos del tempo y estructuras
rítmicas pero además agrega matices más melódicos, que fueron tomados del House de la
época. A mediados de los ‘90.
En un principio los climas y armonías eran oscuras, con el tiempo el Trance entró en el
mainstream, muchos de sus fans originales se distanciaron del estilo y como la industria se
volvió más grande, los sellos musicales, productores, discotecas y dj’s empezaron a alterar
su sonido a uno más Pop, para hacerlo accesible a una audiencia más amplia y joven.
Algunos elementos percusivos extra son añadidos, y mayores transiciones, construcciones o
clímax se presagian en los largos “snare rolls (rápida sucesión de snare drum hits
espaciados simétricamente creada hacia el fin de un measure o phrase).
Artístas:
Above & Beyond Paul Oakenfold
Paul Van Dyk Tiësto Armin Van Buuren ATB
Christopher Lawrence Ferry Corsten

Psychedelic
El Psychedelic, también conocido como Psychedelic Trance o Psytrance, es una forma de
música que evolucionó del Goa Trance a principios de los ‘90. El Goa Trance original era a
menudo hecho sobre los populares sintetizadores modulares y samplers, pero en el
Psychedelic la preferencia se desplazó hacia la manipulación y almacenamiento de samples
en aplicaciones software VST y AU. (Digital)
bpms (en general entre 130 y 150 bpm) tienden a ser más rápidos que en otras formas de
Trance o Techno. El Psychedelic usa beats graves que rompen la continuidad durante la
canción, y reviste los graves con variados ritmos usando tambores y otros instrumentos
sintetizados. Los tracks de Psychedelic tienden a durar 8-12 minutos, esto da al tiempo
musical un desarrollo lento, aumentando a un clímax antes de interrumpirse para volver
atrás y volver a desarrollarse. La estratificación es usada para grandes efectos, con nuevas
ideas musicales siendo añadidas en intervalos regulares, a menudo cada 4 u 8 compases.
Este aumento sucederá hasta que se llegue al clímax, luego la canción se interrumpirá y
comenzará un nuevo patrón rítmico sobre la constante línea de graves.

Goa Trance
El Goa Trance es un estilo que se desarrolló al mismo tiempo que el Trance se volvía
popular en Europa. Se originó a finales de los ‘80 en el estado indio de Goa y luego
tomaron lugar en ubicaciones inusuales como la playa o en el medio del bosque, sin
embargo es común que se mantengan en locaciones convencionales como discotecas. El
Goa tuvo su momento de auge entre 1994 y 1998, y desde entonces ha disminuido
significativamente en producción y consumo, siendo reemplazado por su sucesor, el
Psychedelic (conocido también como Psychedelic Trance o Psytrance).
El Goa Trance está fuertemente vinculado al surgimiento del Psychedelic durante la
segunda mitad de los ‘90, donde los dos géneros se unieron. En la cultura popular, la
distinción entre ambos géneros está en controversia. Algunos consideran a los términos
como sinónimo, otros dicen que el Psychedelic es más “cibernético” y el Goa más
“orgánico”.
El Goa es básicamente música “Dance-Trance”, el objetivo original era asistir a la gente
que bailaba en experimentar un estado colectivo de trascendencia corporal, similar al de los
antiguos rituales chamánicos, a través de melodías y ritmos hipnóticos.
Un típico track generalmente aumentará a un movimiento mucho más enérgico en su
segunda mitad, para luego disminuir rápidamente en final. Los tracks de Goa tienden a
enfocarse en un continuo desarrollo de energía, usando cambios en los patrones de
percusión y partes sintetizadas más intrincados y estratificados para crear un sentir
hipnótico e intenso.
El Goa Trance permanece como un estilo de música underground y con excepción de
artistas como Infected Mushroom, Hallucinogen o Juno Reactor, los álbums de Goa Trance
no se venden en las tiendas principales y pueden ser difíciles de encontrar.
Artístas:
Infected Mushroom Goa Gil
Hallucinogen Juno Reactor

Electro House
El Electro House es lo que hoy por hoy se denomina Electro. El Tempo es similar al House
o Techno más lento (bpm 120-140). Se caracteriza por no tener una estructura formal de
tipo pop o canción, sino por desarrollar un Groove a lo sumo con parte A y B. La sonoridad
es más bien rugosa, bajos muy comprimidos y melodías menores, manteniendo ese aire
funk – disco.
Artístas
Justice Daft Punk Carl Cox

Progressive House
Es la evolución del House, se fusión con el Techno. Se utilizan prácticamente todos los
sonidos sintetizados. Prácticamente instrumental. La característica es de una progresión
constante por capas. Generalmente la base rítmica no deja de sonar, el tema tiene un
desarrollo en crescendo constante, agregándose elementos y melodías todo esto
progresivamente en formas de 8 y 16 compases.
Artístas
Deep Dish Hernán Cattaneo
John Digweed

Tech House
El tech house es una fusión entre el techno y house. Normalmente se aplica al house que,
lejos de la herencia disco o el pulso funk, prefiere el sonido más futurista y frío del techno.
Se escuchan las progresiones armónicas y melodías del house, pero con un tratamiento
sampleado y fragmentado. Aunque la sonoridad está más emparentada con el Techno (año
95- 00). El tempo es menor al del Tehcno generalmente entre (bpm110-130)
Artistas
Bertera Lautaro Laurent Wolf -Pump It Up Chris Doria -Busrider-

Break Beat
Es un estilo de música rítmica, muy expresiva para el baile, derivada de estilos funk. Sus
orígenes datan de los ‘60 y ‘70. Los dj’s de Hip-Hop comenzaron a usar breaks como base
rítmica de sus canciones. Los breaks “Amen Break” y “The Funky Drummer” son los más
utilizados.
Recientemente, la música Breakbeat se ha vuelto sinónimo de muchos géneros de música
que utilizan breaks como el Big Beat, Nu Skool, Breaks y Progressive Breaks. Dj’s de
diversos géneros, como el house y el techno, usan breaks en sus sets.
Esta versatilidad se debe a que el ritmo de las canciones break (oscila entre 115 y 150 beats
por minuto) pueden ser fácilmente mezcladas con otros géneros, mientras que la mayor
rapidez del Jungle y Drum and Bass (165 a 180 bmp) no permiten su uso a los dj’s que
tocan música más lenta.

Drum ́n Bass / Jungle

(( Origenes: Hardcore, Techno, Hip Hop, Reggae, Ragga, Dancehall, Dub, Funk,
Breakbeat, Jazz ))
Es un tipo de música electrónica que surgió a principios de los ‘90. El género se caracteriza
por su rápido tempo roto por sus beats de tambores (entre 160-180 bpm) con duros y a
menudo intrincados basslines.
El Drum and Bass comenzó como una rama del Breakbeat Ingles y el Hardcore y en la
primer década de su existencia hubo muchos cambios en este estilo, incorporando
elementos del Ragga, Dancehall, Electro, Funk, Hip Hop, House, Jazz, Reggae, Rock,
Techno y Trance.
En 1991, las canciones hechas sólo de beats “broken” comenzaron a ser conocidas como
“Jungle” y se volvieron un género aparte, popular en las raves y radios ilegales de Gran
Bretaña. En 1994 el Jungle comenzó a ganar popularidad y los fans del estilo se volvieron
una parte reconocible de la joven subcultura británica.
El estilo se volvió más sofisticado, y comenzó a desplazarse de radios ilegales a radios
comerciales y ganar una mayor aceptación entre 1995 y 1997.
El término Jungle en un primer momento se utilizaba hacia la música negra de gran
contenido rítmico, caracterizada por sus sonidos africanos y sus exóticos efectos de
percusión. Hoy en día la diferencia entre Jungle y Drum and Bass está en debate, algunos
asocian al “Jungle” con los materiales de la primera mitad de los ‘90, y al “Drum and Bass”
como su sucesor.
El género pone gran énfasis en el bass line, un patrón musical sub-bass que se siente
físicamente más que escucharse. Los bass lines sintetizados son los más comunes, y están
sujetos a muchos y varios efectos de sonido, incluyendo técnicas estándar como la
compresión dinámica, flanger, coros, over-drive, ecualización, etc., y técnicas específicas
del género como el “Reese Bass”. De igual importancia es el kick drum “808′′, un bass
drum artificial de tono bajo o un sample extendido de la drum machine Roland Classic TR-
808.
Los rápidos drum beats forman un lienzo sobre el cual un productor puede crear canciones
para recurrir a casi cualquier estilo y a menudo crear un ambiente para otros elementos de
la música.
La música del Drum and Bass, nacida en los samplers, ha sido y es altamente influenciada
por otros géneros, aunque esta influencia quizás ha disminuído. Miles Davis es una de las
mayores influencias, y artistas del Blues como Leadbelly, Robert Johnson, Charlie Paton,
Muddy Waters y B.B. King también son citados como inspiración por los productores.
Como estilo musical construido alrededor de un beat Funk o de Rock and Roll, Al Green,
Marvin Gaye, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Diana Ross, Ray Charles, Jerry Lee Lewis,
James Brown e incluso Michael Jackson, son influencias Funky en la música del Drum and
Bass.
Una influencia fuerte y obvia en el Drum and Bass es el Dub y el Reggae, con pioneros
como King Tubby, Pete Tosh, Bill Laswell, Bob Marley y Buju Banton. El temprano Hip
Hop es una importante influencia en el Drum and Bass. El Drum and Bass y el Hip Hop
comparten muchas características musicales.
Big Beat
A veces llamado Chemical Breaks, es un término utilizado a mediados de los ‘90 por la
prensa británica para describir el trabajo de artistas como The Chemical Brothers, Fatboy
Slim y The Prodigy. El Big Beat tiende a la distorsión, un ritmo moderado (en general,
entre 90 y 140 beats por minuto) y fuertes loops de Jazz, Rock y Pop de los ‘60.
A menudo, provocan interrupciones con voces de estilo Punk, versos distorsionados con
estructuras convencionales del pop y techno.
En el estilo de Fatboy Slim en particular, el género presenta una fuerte compresión y un
ensordecedor sonido de tambores (de ahí el nombre del género). También puede contener
muestras como explosiones, sirenas de policía y hasta partes de turntablism.
Artístas Break
The Chemical Brothers Plump Djs Fatboy Slim The Prodigy
Hybrid Concord Dawn Conquering Lion
Counterstrike DJ Marky Konflict London Elektricity Mathis Mootz Paradox

Minimal Techno
El Minimal Techno se caracteriza por un sonido compuesto por solo lo esencial, un ritmo
estable (entre 120 y 135 bpm), repetición de loops cortos, y cambios sutiles.
Muchos trabajos de Minimal Techno presentan una armonía consonante, pero carecen de
una funcional progresión de acordes. Las melodías, cuando están presentes, son loops
cortos de uno o dos compases, y el énfasis está puesto en crear capas de sonidos únicos. El
Minimal Techno tiende a adoptar uno de dos estilos: skelital o massification.
En Skelital sólo los elementos principales del género se incluyen en los tracks; los
embellecimientos son usados sólo con el propósito de variar dentro de la canción.
Massification es un tipo de minimalismo en que muchos sonidos se colocan en capas, pero
con una pequeña variación en los elementos.
En este momento este es el estilo en donde se está escuchando la mezcla que se fue dando
durante todo este tiempo. La conjunción de elementos musicales y técnicos. Una variante
minimal es el MicroHouse, tomando breves referencias del house (amronias, melodias,
sonoridad) y utilizando un desarrollo minimalista.
Artístas
Richie Hawtin Marc Houle Adam Bayer Troy Pierce
Ricardo Villalobos

MUSICA ELECTRONICA NO BAILABLE

Ambient
A principios de los ́70
El Ambient es un tipo de música cuyas singulares características la hacen climática,
relajada, atmosférica y evocadora de pensamientos e ideas. Incide en la profundidad y los
espacios abiertos y se basa en la superposición de sonidos sintéticos. Combinando a
menudo la naturaleza y “sonidos encontrados”, que pueden doblarse a través de los
procesadores para crear únicos sonidos originales. Ofrece a menudo largos efectos, intros y
descansos, y mezclas de vez en cuando de hasta 20 minutos o más.
Su inventor fue Brian Eno. Conceptualmente Eno compone con el axioma de una imagen
fija que él define como una “imagen mental cercana al concepto de espacio abstracto
Es el antecedente del estilo trance pero sin base percusiva de estilo dance, desarrollando su
contenido principalmente con sonidos suaves y espaciales.
En 1979 sacan su álbum Music for Airports junto con varios clásicos Ambient.

IDM
El Intelligent Dance Music (comúnmente llamado IDM) es un género inventado por Alan
Parry para describir la música Dance de los ‘80 y principios de los ‘90 que hace uso de
sonidos inusuales y raros, desafía las convencines rítmicas, y es mucho más difícil de bailar
que otras formas de Techno.
En 1992, Warp Records lanzó “Artificial Intelligence”, el primer álbum de la serie
Artificial Intelligence. El disco estaba compuesto por canciones de artistas como Autechre,
B12, The Black Dog, Aphex Twin, y The Orb. Esos artistas, entre otros, se convertirían
luego en los principales temas de conversación en la Intelligent Dance Music List, un lista
de correos electrónicos fundada en agosto de 1993.
A finales de los ‘90 los sellos musicales de todo el mundo comenzaron a notar que el
escuchar música electrónica empujaba en nuevas direcciones. Artistas destacados del
período son Boards of Canada y otros del sello Skam Records, muchos de los cuales
empezaron a usar software de síntesis, una tecnología que recientemente se ha vuelto
posible de usar en computadoras personales.
En noviembre de 1991, la frase “intelligent techno” apareció en Usenet en referencia al EP
de
Coil “The Snow”. El uso masivo del término no se dio hasta agosto de 1993, cuando Alan
Parry acuñó el término “intelligent dance music” y sus iniciales fueron adoptadas en el
nombre y fueros de la lista de correos electrónicos de IDM: “IDM es un foro para la
discusión de lo que ha sido denominado música ‘inteligente’- eso es, música que mueve la
mente, no sólo el cuerpo”. La lista de correo sigue activa y está alojada en hyperreal.org.
También se pueden buscar o leer los archivos de esa lista en resynthesize.com.