Rebaza Hoyos Betty Stefany

FACULTAD DE
COMUNICACIONES
Carrera de Ciencias de la Comunicación
MANIFESTACIÓN DE LAS CARACTERÍSTICAS

DE LO SINIESTRO EN LA NARRATIVA EN STOP
MOTION DE LA PELÍCULA CORALINE Y LA
PUERTA SECRETA
Tesis para optar el título profesional de:
Licenciada en Ciencias de la Comunicación

Autor:
Bach. Betty Stefany Rebaza Hoyos
Asesor:
Mg. Diego Alonso Baca Cáceres
Cajamarca - Perú
2019
Manifestación de las características de lo siniestro
en la narrativa en stop motion de la película
Coraline y la puerta secreta
DEDICATORIA
A mi niña interior, para que siempre se sorprenda de los detalles simples de la vida.
A mamá, por todo su amor que, en resumen, es todo lo que necesito.
Rebaza Hoyos, Betty Stefany Pág. 2

AGRADECIMIENTO
A todas y cada una de las personas que me ayudaron en esta aventura del cine y el stop
motion:
a Emilio Bustamente por el soporte,
a mamá por el café y tanto amor en las madrugadas de desvelo,
a mi mejor amiga,
a mi asesor por el apoyo incondicional y su ánimo para seguir investigando.

Tabla de contenidos
DEDICATORIA .............................................................................................................................2
AGRADECIMIENTO .....................................................................................................................3
ÍNDICE DE TABLAS .....................................................................................................................5
ÍNDICE DE FIGURAS ...................................................................................................................6
CAPÍTULO I. INTRODUCCIÓN .................................................................................................. 11
CAPÍTULO II. METODOLOGÍA ................................................................................................. 44
CAPÍTULO III. RESULTADOS.................................................................................................... 46
CAPÍTULO IV. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES ........................................................................ 95
REFERENCIAS ......................................................................................................................... 105
ANEXOS.................................................................................................................................... 109

ÍNDICE DE TABLAS
Tabla 1 Principios del análisis cinematográfico…………………………...………. 46
Tabla 2 Análisis del estilo cinematográfico o sistema estilístico…………………... 49
Tabla 3 Matriz de consistencia…………………………………………………… 119

ÍNDICE DE FIGURAS
Figura 1 Coraline deja la muñeca……………………………………………………….... 65
Figura 2 Palacio rosa real……………………………………………………...…………. 65
Figura 3 Palacio rosa alternativo…………………………………………………………. 66
Figura 4 Jardín real………………………………………………………………….......... 66
Figura 5 Jardín mundo alterno……………………………………………………………. 67
Figura 6 Casa real Mr. Bobinski…………………………………………………….......... 67
Figura 7 Casa alterna Mr. Bobinski………………………………………………………. 68
Figura 8 Casa real de las actrices…………………………………………………………. 68
Figura 9 Casa alterna de las actrices……………………………………………………… 69
Figura 10 Cocina real……………………………………………………………………. 69
Figura 11 Cocina del otro mundo……………………………………………………........ 70
Figura 12 Estudio real……………………………………………………………………. 70
Figura 13 El otro estudio…………………………………………………………………. 71
Figura 14 El túnel del otro mundo………………………………………………………... 71
Figura 15 La vuelta al otro mundo………………………………………………………... 72
Figura 16 Cañones de algodón………………………………………………………........ 72
Figura 17 Plantas carnívoras……………………………………………………………... 73
Figura 18 Personajes de la película………………………………………………………. 73
Figura 19 Sombra inherente…………………………………………………………........ 74
Figura 20 Luz contrapicada………………………………………………………………. 74

Figura 21 Imperfecciones………………………………………………………………… 75
Figura 22 Padre escena siniestra…………………………………………………………. 75
Figura 23 Madre siniestra……………………………………………………………........ 76
Figura 24 La verdadera madre……………………………………………………………. 76
Figura 25 La otra madre…………………………………………………………………. 77
Figura 26 El verdadero padre……………………………………………………………. 77
Figura 27 El otro padre………………………………………………………………........ 78
Figura 28 Wybie real……………………………………………………………………... 78
Figura 29 Wybie del mundo alterno…………………………………………………........ 79
Figura 30 Mr. Bobinski real……………………………………………………………… 79
Figura 31 El otro Mr. Bobinski………………………………………………………........ 80
Figura 32 Spink y Forcible real………………………………………………………....... 80
Figura 33 Spink y Forcible del otro mundo………………………………………………. 81
Figura 34 Gato...…………………………………………………………………………. 81
Figura 35 Coraline Jones…………………………………………………………………. 82
Figura 36 Modelo actancial N°1…………………………………………………………. 83
Figura 37 Modelo actancial N°2.......................................................................................... 84
Figura 40 Modelo actancial N°5.......……………………………………………………... 87
Figura 41 Cuadro de Greimas N°1.......………………………………………………....... 88

Figura 47 Cuadro de Greimas N°7.......……………………………………………........... 94

RESUMEN
El stop motion es claramente diferenciable de las imágenes generadas por computadora o
Computer Generated Imagery (CGI) por varios aspectos que revelan su lado artesanal. Por
su parte, lo siniestro se demuestra en variedad de películas casi siempre del género del terror
y el suspense. Unir estas variables en una producción cinematográfica infantil se presta para
el estudio de la relación de ambas en el contexto mostrado y por qué funcionan juntas como
una puesta en escena completa.
La presente tesis se centra en el estudio de la manifestación de las características de lo
siniestro en la narrativa en stop motion, es decir, qué características de las variables
estudiadas cumple la película Coraline y la puerta secreta y cómo se revela la primera en la
segunda.
La investigación se divide en el marco teórico que es reforzado con trabajos de investigación
relacionados y teorías que avalan lo que se sustenta en la presente tesis, el desarrollo de
investigación donde se señala detalladamente el cumplimiento de la hipótesis en la película
que ha servido de unidad de estudio; y finalmente se ofrecen conclusiones y sugerencias para
enriquecer los resultados obtenidos durante la investigación.
El trabajo concluye en la relación significativa de ambas variables que demuestra por qué
las películas rodadas en stop motion que mantienen una narrativa siniestra, obtienen un
resultado tan prolijo.

El estudio demuestra cómo se manifiestan las características de lo siniestro en la narrativa
en stop motion a partir del uso de instrumentos de revisión documental que han permitido
recoger los datos más relevantes para demostrar la hipótesis.
Palabras clave: Stop motion, siniestro, narrativa, convención, puesta en escena, argumento.

CAPÍTULO I. INTRODUCCIÓN
1.1. Realidad problemática
El cine es uno de los artes más versátiles que ha creado el hombre pues existen muchas
formas de rodar una cinta. Las técnicas que usan los directores cinematográficos van
desde manejos de guion, planos, rodaje y posproducción que permiten que cada obra
tenga un matiz que la diferencie de otras y la enmarque en determinada categoría. Por
nombrar algunas técnicas (indistintamente de la herramienta o parte del proceso
cinematográfico al que pertenezca), está el plano secuencia (toma que no considera
cortes y desarrolla la escena o la cinta en su integridad sin montaje), la cámara
subjetiva que muestra las escenas desde la visión del personaje (donde la cámara se
convierte en el personaje que presencia el desarrollo de la cinta) o la animación
(técnica donde los personajes son recreados con muñecos o a través de un software,
dejando de lado la actuación con personajes reales).
La animación es una de las técnicas más usadas al momento de realizar una cinta. Con
la evolución de la tecnología es posible que esta técnica se haya desarrollado hasta
niveles sorprendentes; sin embargo, mantiene en sus raíces el concepto básico del
movimiento fotograma a fotograma. El método de producir la sensación de
movimiento a partir de una serie de fotografías de objetos y personajes inanimados es
conocido como stop motion. Se realizan cientos de fotografías según el movimiento
del elemento permitiendo la sensación de movilidad de los personajes y dando la
sensación de que estos objetos inanimados tuviesen vida propia (Donoso Astudillo,
2013). Así es como esta técnica aparenta el movimiento de objetos estáticos mediante
una serie de imágenes sucesivas, imágenes sacadas de la realidad que no han sido
generadas por computadora o artificialmente.

Al ser el stop motion una técnica y no un género cinematográfico, es posible usarlo
para la producción de diversas películas independientemente del corte que le quiera
dar el director. Muestra de esto, son las diversas producciones que se han valido del
stop motion para transmitir desde un mensaje meramente infantil como Chicken Run:
Evasión en la Granja (2000) hasta una comedia dramática como Anomalisa (2015).
Además del género que puede manejar una película, el trasfondo también influye al
momento de elegir el formato en el que se va a realizar. Diversos directores han usado
la técnica en películas oscuras como la comedia dramática Mary and Max (2009) y en
películas orientadas a un público infantil como las de Aardman Animations. La
característica que permite que el stop motion sea amigable con diversos géneros y
conceptos audiovisuales se debe a la manera en la que se produce esta técnica:
producción estrictamente artesanal que responde al reto épico de convertir lo estático
en movimiento, descubriendo en ciertas “imperfecciones” del material, la mano
discreta del hombre. En cuanto a este punto, Tim Burton señala que la textura y las
características propias de los muñecos hechos a mano, no pueden ser superadas por las
creaciones digitales, que aún tienen problemas para ser dotados de vida, según los
productores de animación digital (Arenas, 2013).
De acuerdo a las apreciaciones de varios estudiosos, uno de los conceptos más
compatibles con el stop motion es lo siniestro. Sigmund Freud indica que lo siniestro
“es aquella variedad de lo terrorífico que se remonta a lo consabido de antiguo, a lo
familiar desde hace largo tiempo” (1919, p.1). El concepto se revela, no por mera
casualidad, en varias producciones de directores especialistas en el tema como Tim
Burton y su ya conocido cine gótico en producciones como Corpse Bride (2005) o
Frankenweenie (2012), y Henry Selick en The Nightmare before Christmas (1993) y
Coraline (2009). Estas cintas mantienen una atmósfera de suspenso donde los objetos

cotidianos se ven envueltos en una trama de espanto, revelando secretos y misterios
ocultos al interior de cada película.
Pieza audiovisual que demostrará claramente el concepto antes mencionado en el
desarrollo de la presente tesis es Coraline y la puerta secreta (Selick, 2009). Esta cinta
realizada en stop motion – que, como ya se mencionó, dota de vida a muñecos
inanimados a través del movimiento fotograma a fotograma - muestra las experiencias
paranormales que vive una niña en la casa nueva a la que se muda. Correspondiente al
concepto de lo siniestro, Coraline descubre aquello que debió mantenerse secreto,
denotando la extrañeza de aquello que se tenía como conocido. Según Freud, lo
siniestro también se refleja en la presencia de amputaciones de órganos representativos
de la personalidad como los ojos. El psicoanalista señala que “el estudio de los sueños,
de las fantasías y mitos nos ha enseñado que la angustia por los ojos, la angustia de
quedar ciego, es con harta frecuencia un sustituto de la angustia ante la castración”
(1919, p. 6), contexto presente en la película mencionada (los protagonistas
antagónicos presentan botones en lugar de ojos).
Lo anterior es un atisbo de que la relación stop motion – siniestro va más allá de una
casualidad o de la elección de la técnica por simple estética. Detrás de esta conexión
entre ambos conceptos, hay diferentes aspectos que estudiar. Si bien hay estudios
acerca de la relación de determinados conceptos con algunas técnicas
cinematográficas, el stop motion ha sido relegado y, a pesar de ser una técnica
altamente aprovechable, no ha sido estudiada en la medida ideal para conocer todo el
potencial que esta herramienta puede darle a una producción audiovisual. Los estudios
consultados refieren a la explicación de la técnica más no a la relación que puede
mantener con conceptos como lo siniestro y la efectividad que puede representar esta
técnica en la producción de tramas asociadas al cine de géneros y el cine de autor.

Independientemente, cada uno de los conceptos anteriores es estudiando en campos
estrictamente dirigidos a su desarrollo, es decir, el stop motion es analizado a partir del
uso práctico que se le puede dar, mientras que lo siniestro es analizado desde la
naturaleza del psicoanálisis. Pocos son los estudios que refieren este segundo término
relacionado al arte (pintura, cine, teatro).
Al analizar los formatos del stop motion y las características de lo siniestro, se busca
entender las relaciones sintácticas, semánticas y pragmáticas de ambas categorías a fin
reconocer su potencial en producciones audiovisuales o para el estudio de
producciones vigentes.
La presente tesis se propone identificar de qué manera el uso de los diversos formatos
que maneja el stop motion en la actualidad, contribuye a la configuración de lo
siniestro en la película Coraline y la puerta secreta (Selick, 2012), referida líneas arriba
como producción animada en stop motion, en la que se ha identificado la cualidad de
siniestro.
Antecedentes
Un primer trabajo corresponde a Carmen Luengo Naranjo (2012), titulado “La
animación Stop Motion. Técnicas y posibilidades artísticas. Cut-out: Siluetas
animadas”. En esta tesis, se explica el desarrollo de una pieza audiovisual en stop
motion (pre producción, producción, posproducción), contextualizando teóricamente
su realización.
La tesis de Luengo estudia detalladamente el mundo del stop motion, haciendo
hincapié en la singularidad de los resultados del uso de la técnica en comparación con
otro tipo de animación. El estudio se centra tanto en su importancia a lo largo de la
historia del cine como por la capacidad que tiene esta técnica en la experimentación

dentro de la retórica audiovisual. También estudia la creación de los elementos que
conforman el stop motion y cita referencias para la creación de la pieza audiovisual
propuesta en la tesis.
Los resultados de esta tesis señalan los aspectos más relevantes al momento de
desarrollar una pieza en stop motion; demuestra la vigencia de la técnica, apelando a
la infinidad de sus posibilidades de producción y comprueba que el éxito del stop
motion se da al recrear la pieza correctamente desde el primer intento debido a que no
existe ningún equivalente real de la visualización previa del movimiento.
En la tesis de Camila Donoso Astudillo (2013), titulada “Camposanto: Diseño
experimental de audiovisuales animados en stop motion. Nuevos lenguajes de creación
visual para la transferencia y preservación del patrimonio cultural inmaterial de las
leyendas urbanas del Cementerio General de Santiago”, explica cómo los medios
audiovisuales, incluyendo la animación, se han convertido en uno de los medios más
persuasivos para el público, señalando que el cine de animación se ha expandido a tal
punto que ya no es sólo cine para niños o cine de dibujos animados. A partir del diseño
y desarrollo de una pieza audiovisual animada en stop motion, busca crear nuevas
formas y lenguajes para transferir y resguardar el patrimonio cultural inmaterial de su
país, específicamente en torno a las leyendas urbanas del Cementerio General de
Santiago.
Donoso realiza una investigación de carácter descriptiva y exploratoria en base a la
recopilación de información, entrevistas y un proceso creativo de carácter
fundamental. A partir de esta información, crea una obra en stop motion teniendo como
tema las leyendas urbanas del Cementerio General del Santiago.

Los resultados de esta tesis comprueban el desenvolvimiento por sí solo de los medios
audiovisuales y los campos narrativos del patrimonio cultural inmaterial, pero también
la forma en la que funciona la transferencia de una a otra para lograr un esbozo de
conceptos primarios claves a la hora de enfrentarse a la creación experimental. La
práctica cercana de las herramientas necesarias para enfrentar los procesos que la
creación de una pieza audiovisual animada requiere, aportó al desarrollo profesional
para el buen desenvolvimiento en la dirección de trabajos enmarcados en un contexto
profesional y en la creación audiovisual futura.
Por otro lado, Andrea Abalia (2013) en su tesis “Lo siniestro femenino en la creación
plástica contemporánea” estudia el concepto de lo siniestro desde una perspectiva
artística, analizando los recursos específicos de lo siniestro que se manejan en la
creación de imágenes. Abalia hace un estudio de la forma en la que se manifiesta lo
siniestro visual desde el campo específico de la imagen artística para después abordar
lo siniestro específicamente femenino, analizando cómo se representa visualmente lo
siniestro vinculado a feminidad. De esta forma, esta investigación estudia los recursos
visuales que maneja el lenguaje de las imágenes, señalando que lo siniestro se forma
de acuerdo a unos principios y recursos significantes estudiados por el efecto negativo
que producen.
Abalia hace una profundización teórica sobre el concepto de lo siniestro y realiza un
estudio de la imagen artística, pictórica y fotográfica para analizar lo siniestro visual
en dichos objetos de estudio. La metodología aplicada abarca la conceptualización y
contextualización de lo siniestro, su vinculación con la feminidad y el estudio
específico de la conexión de ambos conceptos en la imagen artística, pictórica y

fotográfica a través de un análisis plástico, iconoplástico, icónico y narrativo (recursos
básicos de la imagen).
La investigación arroja como resultado el vínculo estrecho entre lo siniestro y la
creación artística basándose en la dimensión psíquica que ambas comparten. La
representación artística y lo siniestro participan de un carácter catártico por lo que
destaca la esencia visual, frente a otros medios como el musical o narrativo, la
capacidad del lenguaje visual de penetrar en el inconsciente y producir imágenes
mentales necesarias para vivenciar lo siniestro. Este estudio también determina cómo
un encuadre específico, determinado empleo de luz o un tratamiento textural ofrecen
una connotación negativa a una imagen, provocando incertidumbre y desasosiego, lo
que confirma que lo siniestro se crea de acuerdo a unos principios y recursos
específicos del medio visual. También comprueba que la incertidumbre de lo real es
una de las claves fundamentales de lo siniestro.
El ensayo de Eugenio Trías (1982): “Lo bello y lo siniestro” presenta cinco
movimientos introductorios de lo bello, lo sublime y lo siniestro. La obra de Trías
defiende en su hipótesis que lo siniestro es el límite de lo bello, a partir de la genealogía
de los conceptos y el estudio de sus significaciones.
La investigación de Trías realiza un análisis en diversos objetos de estudio ligados a
lo siniestro: primero, del humanismo neoplático de la escuela florentina a partir de La
alegoría de la primavera y El nacimiento de Venus (Botticelli); posteriormente en la
película Vértigo de Alfred Hitchcock y finalmente de los conceptos de la poesía
aristotélica y la estética kantiana.

Trías concluye su investigación afirmando que una de las condiciones para que una
obra sea bella es ocultando y sugiriendo algo siniestro. Además, indica que la obra
artística funciona como un manto entre aquello que está oculto (lo siniestro) y la
representación de la obra (lo bello), sugiriendo sin mostrar.
La obra de Sigmund Freud (1919) titulada “Lo siniestro”, perteneciente al Volumen
XVII - «De la historia de una neurosis infantil» (Caso del «Hombre de los lobos»), y
otras obras (1917-1919) de sus Obras Completas, hace un estudio de lo ominoso (lo
siniestro) a partir del término alemán Heimlich, haciendo referencia al diccionario de
la lengua alemana de Daniel Sanders y otros referentes. En el ensayo, Freud explica el
concepto de lo siniestro al relacionarlo con términos alemanes sobre lo familiar y lo
conocido y sus antónimos.
La metodología utilizada por Freud consiste en un profundo estudio del término
lingüístico, definiendo la raíz de lo ominoso como una variedad de lo terrorífico que
se remonta a lo designado de ya conocido. En la búsqueda de esta raíz, el autor se guía
por una vertiente hermenéutica no simbólica simple (sustituir una representación
consciente por una inconsciente). El objeto de estudio de esta investigación es el
cuento El hombre de arena (Hoffman, 1816), donde se identifican aspectos que
generan la sensación de ominoso.
Freud concluye que la historia de El hombre de arena está repleta de situaciones y
personajes pavorosos que reaparecen, en una especie de compulsión de repetición,
demostrando que la repetición no voluntaria genera que un evento se convierta en
ominoso. Además, resalta la influencia de las amputaciones y mutilaciones como rasgo

de lo ominoso tomando como ejemplo el despojo de los ojos, castración que representa
angustia infantil y donde el miedo a perder la vista evoca el sentimiento ominoso.
Justificación
En un contexto donde la imagen generada a computadora no supera a la animación

tradicional, es interesante investigar cuáles son los factores que permiten que una
técnica artesanal siga siendo exitosa, especialmente al aplicarse a producciones donde
se trabaja el concepto de lo siniestro. Parte de esa investigación busca darle bases
teóricas que sustenten el resultado de la técnica aplicada a lo siniestro, dos conceptos
aparentemente incompatibles. La relación de lo siniestro y el stop motion es
claramente efectiva pero no existe aún el marco teórico-metodológico que permita
reconocer componentes, describir procesos y señalar mecanismos dentro de la creación
del texto que explique a qué se debe el buen desempeño de ambos términos en
conjunto.
El estudio de la contribución del uso de los formatos del stop motion en la

configuración de las características de lo siniestro podrá facilitar a estudiantes y
productores la elección de un formato de producción cinematográfica (la animación
en stop motion) en caso de buscar realizar una pieza con contenido siniestro, debido a
que este estudio explicará la forma en que la técnica permite potenciar el concepto
siniestro del producto audiovisual que se pretende rodar.
Analizar el stop motion y la cualidad de lo siniestro en una obra cinematográfica,

permitirá identificar las cualidades, que aún no han sido estudiadas o identificadas a
plenitud, con las que cuentan ambas variables al fusionarse en un mismo trabajo.
Finalmente, al reconocer las potencialidades de ambas categorías y sus relaciones

semánticas y pragmáticas se espera contribuir al proceso creativo del realizador
audiovisual, al identificar nuevas posibilidades en el contexto de producción de la
animación.

Elementos teóricos y definiciones conceptuales
Stop motion
Barry Purves (2011) define al stop motion como la técnica que permite la recreación
de la ilusión de movimiento usando objetos estáticos como marionetas, recortes y otros
materiales mediante una secuencia de imágenes sucesivas.
A pesar de que esta técnica es muy utilizada en el mundo cinematográfico, muchos
espectadores no identifican las cintas que usan este formato. Muchas veces debido a
que la velocidad con la que pasan los fotogramas permite que la sensación de
movimiento sea tan efectiva como la de una cinta rodada con personajes y elementos
en movimiento, pero no llega a ser tan fluida como el CGI o la dramatización real (live
action).
Teoría de persistencia de la visión
El científico belga Joseph Plateau descubrió el principio de la persistencia de la visión
en 1829, que consiste en la ilusión de movimiento continuo generada por el
movimiento consecutivo de 10 imágenes por segundo.
Luengo Naranjo (2012) explica:
Dicho fenómeno visual se basa en que toda animación, sea mecánica, en película
o en un formato digital, funciona como tal porque el cerebro humano percibe
una secuencia de imágenes fijas en movimiento como si de una acción continua
se tratara. Si las imágenes son colocadas simultáneamente y a la velocidad
necesaria (aproximadamente diez por segundo), el cerebro las verá como una
sola imagen con elementos en movimiento. Cada imagen o frame representa un

cambio minúsculo en el personaje o la escena que se está animando, de manera
que cuando se proyecta la película, las imágenes se superponen en la retina y el
cerebro las enlaza, por lo que esos elementos aparentan moverse. Si esto no
ocurriera, veríamos pasar la realidad como una rápida sucesión de imágenes
independientes y estáticas. El cine aprovecha este efecto y provoca ese enlace
proyectando más de diez imágenes por segundo (generalmente a 24), lo que
genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento, es decir, que percibamos
una secuencia de fotogramas individuales como una sola imagen visual móvil y
continua. (pp. 9-10)
La proyección de un número determinado de fotogramas por segundo genera,
precisamente, la ilusión del movimiento. Técnicamente esto puede aplicarse a
cualquier película debido a que el fotograma es la unidad más pequeña de una
secuencia; pero es el concepto básico en el que el stop motion se basa para la
realización de la técnica: una fotografía por segundo para ir modificando después de
cada una la posición del muñeco u objeto y seguir fotografiando hasta finalmente
proyectar esta secuencia en una cantidad de aproximadamente 24 fps. El aumento o
disminución de fotogramas por segundo intensifica o disminuye, respectivamente, la
sensación de realismo en los movimientos al interior de una escena.
Concepto de Morphing
Camila Donoso explica: “Se le denomina Morphing o Morph al tratamiento de la
forma en los objetos de una animación, que van mutando y transformándose
cambiando radicalmente su forma inicial. Se ocupa la plastilina como material idóneo
donde su maleabilidad permite estas transformaciones.” (2013, p. 41) Este concepto

aplica a la realización del stop motion al utilizar este, elementos maleables (tanto en
personajes como en otros objetos de la escena). Como menciona el concepto, la
plastilina es uno de los ingredientes más comunes para el logro del mismo; este detalle
es mencionado por el productor Tim Burton que resalta cómo las características
propias de la textura de los muñecos hechos a mano no son superadas por los generados
por computadora.
Principios del stop motion
Naranjo Valdez y Salcedo Luna (2010) describen diez principios básicos del stop
motion que explican cómo esta técnica de animación es viable para la producción de
cualquier tipo de largometraje.
- Aplastado y estiramiento: el stop motion suele desarrollarse con materiales
flexibles que necesitan de este principio para darle el realismo que necesita la
acción a desarrollar.
- Anticipación: permite llamar la atención a la acción, reduciendo o
desapareciendo el movimiento de las acciones que no protagonizan para que el
muñeco o marioneta principal pueda prepararse para el movimiento y logre ser
el centro de atención de la mirada del espectador.
- Follow - Through y acción traslapada: resultado físico del movimiento
ordenado que requiere el stop motion para la acción de elementos y personajes.
- Arcos: el movimiento natural del cuerpo y de los objetos en la gravedad tiende
a ser en arcos; el movimiento recto no corresponde al movimiento natural, a
menos que se busque dotar de una apariencia robótica la acción.

- Aceleración y desaceleración: consiste en la tendencia de acumulación y
retraso gradual del movimiento natural al comenzar y parar de moverse.
- Tiempos: consta de la sincronización física, es decir, los movimientos reales
necesarios para la acción; y la sincronización de teatro, referida a las pausas y
énfasis propios del drama.
- Acción secundaria: movimientos no esenciales en la escena pero que agregan
significado a la acción.
- Exageración: forma de agregar énfasis a los movimientos para llamar la
atención en el punto que se desee.
- Puesta en escena: herramienta del director usada no sólo en la animación sino
en cualquier producción cinematográfica que consiste en el arte de usar ángulos
y movimientos de cámara, iluminación, composición de escenografías y
elementos para dirigir la mirada a un punto de atención.
- Empatía: relación emocional de los personajes con el espectador mediante el
desarrollo del mismo y de la historia.
Teoría psicoanalista cinematográfica
La pretensión de esta teoría es establecer una relación entre la estructura de
significación del cine y la psique para confirmar que el sistema de representación
cinematográfico está modelado sobre nuestro inconsciente. Varias disciplinas
contribuyen a esta teoría como la filmología, la teoría feminista del cine, la psicología
experimental y la antropología. Sangro Colón (2007), catedrático de la Universidad

Pontificia de Salamanca, explica que “la irrupción del psicoanálisis en la reflexión
fílmica forja la idea que considera el cine como un dispositivo psíquico auxiliar capaz
de constituirnos en sujetos y sumergirnos en las emociones que se juegan en los
conflictos propuestos por toda historia audiovisual.”
Esta teoría ofrece las bases necesarias para estudiar por qué determinado concepto
cinematográfico genera ciertas sensaciones en el espectador, a partir de los conflictos
propuestos y su fusión con la técnica de rodaje utilizada.
Lo ominoso según Freud y las seis definiciones de lo siniestro
Freud (1919) hace un estudio respecto a lo siniestro a partir del análisis de varios
cuentos infantiles. El psicoanalista busca identificar rasgos de lo ominoso en los
mismos a partir del significado alemán de la palabra, afirmando que lo ominoso es una
variedad de lo terrorífico que se remonta a lo familiar desde hace mucho tiempo. Los
rasgos identificados son los siguientes:
- Individuos portadores de maleficios o infortunios: personajes con personalidades
tétricas y malévolas que generan la sensación de lo ominoso. Por ejemplo, el hada no
invitada de La bella durmiente de Perrault o Coppola en el cuento El hombre de arena
de Hoffmann (objeto de estudio de Freud para analizar lo siniestro).
- Los dobles: consiste en la aparición de personas de aspecto idéntico (rasgos faciales,
caracteres, nombres, hechos criminales) donde ambas poseen el saber, sentir y
vivenciar de la otra.

- Lo inanimado que cobra vida: lo ominoso se revela a través del sentimiento que
provoca la incertidumbre de si un ser aparentemente vivo en verdad es un ser animado
y si una cosa inerte puede no tener alma.
- Las repeticiones: otro sentimiento que causa lo siniestro es el retorno de lo igual, es
decir, la repetición pues denota la angustia que representa vivir la misma imagen o
escena una y otra vez.
- Las amputaciones: el autor señala que las amputaciones son aplicadas
específicamente a órganos representativos de la personalidad, principalmente los ojos.
Esta castración representa a la angustia infantil.
- Lo fantástico soñado en lo real: Al borrar los límites entre fantasía y realidad se
genera la sensación de lo ominoso. El no poder diferenciar la realidad de la fantasía
genera la angustia característica del término.
Das Unheimlich según Freud
El psicoanalista define lo ominoso, cuya traducción más conocida es lo siniestro, a
partir de la palabra unheimlich en alemán. En su obra Lo ominoso (1919) señala:
La palabra alemana «unheimlich» es, evidentemente, lo opuesto de «heimlich»
(«íntimo»}, «heimisch» {«doméstico»}, «vertraut» {«familiar»}; y puede
inferirse que es algo terrorífico justamente porque no es consabido {bekannt} ni
familiar. Desde luego, no todo lo nuevo y no familiar es terrorífico; el nexo no
es susceptible de inversión. Sólo puede decirse que lo novedoso se vuelve
fácilmente terrorífico y ominoso; algo de lo novedoso es ominoso, pero no todo.
A lo nuevo y no familiar tiene que agregarse algo que lo vuelva ominoso. (p. 1)

Posterior al análisis de lo ominoso en diversas lenguas, Freud regresa al origen alemán
del concepto para estudiar la conexión entre heimlich y unheimlich, para concluir que
ambos conceptos, aunque son ajenos entre sí, no llegan a ser opuestos. Por tanto, nos
dice que lo unheimlich es “todo lo que, estando destinado a permanecer en secreto, en
lo oculto, ha salido a la luz.” (Freud, 1919, p. 3)
La propuesta de Freud permite el análisis de diversas producciones audiovisuales que
contengan los rasgos que explica mediante la definición de lo unheimlich, para
posteriormente ser analizadas por los demás rasgos que se desligan de la primera
definición que le da el psicoanalista a lo siniestro.
Lo siniestro según Eugenio Trías
Eugenio Trías (1982) afirma en su obra Lo bello y lo siniestro que lo siniestro es
condición y límite de lo bello pero que, por dicha condición, se presenta bajo la imagen
de algo familiar. A partir del análisis cinematográfico de Vértigo (1958) y Psycho
(1960) de Alfred Hitchcock, Trías verifica su hipótesis estética afirmando que el arte
(cinematográfico en este caso) es un campo de expresión sublimatoria y territorio
común entre lo real y lo fantástico, volviéndose así, principal fuente de lo siniestro.
Trías afirma que lo siniestro es condición de lo bello debido a que no existe belleza sin
una dosis de lo siniestro y afirma que es límite porque la revelación de lo siniestro
anula el efecto estético. De acuerdo a esto, formula tres condiciones:
- Lo bello sin lo siniestro carece de fuerza. Para que algo sea bello,
lo siniestro debe participar latentemente.

- La presencia evidente de lo siniestro destruye el efecto estético por
lo que el éxito de lo siniestro depende de su tendencia oculta.
- El caos debe presentirse a través de la belleza, sin transmitirse
directamente.
Tales afirmaciones permiten aplicar la teoría a diversas producciones cinematográficas
sin discriminar la técnica con la que haya sido realizada, aportando al estudio de la
unidad de estudio de la presente tesis.
Lo siniestro según E. Jentsch: la incertidumbre intelectual
Ernst Jentsch define lo siniestro como la sensación que se produce ante lo novedoso o
insólito, a partir de la definición que le da a la incertidumbre intelectual que consiste
en las dudas que sufren las personas al no identificar el carácter animado o inanimado
de determinadas cosas.
Fué [sic] E. Jentsch el primero en buscar una interpretación psicológica,
destacando como caso por excelencia en que lo siniestro se manifiesta, aquel en
que se duda de que un ser animado sea viviente, e, inversamente, de que sea
inanimado un ser sin vida.
Dió [sic] como ejemplo típico la impresión que causan las figuras de cera, las
muñecas "sabias" y los autómatas, comparando la impresión causada por ellos a
la que producen las crisis epilépticas y las diversas manifestaciones de la locura.
Estos fenómenos evocarían el recuerdo de procesos automáticos, mecanismos
que se ocultan bajo el cuadro habitual de nuestra vida. (Pichón-Rivière, E., 1946,
pp.614-615)

Los estudios sobre lo siniestro de Freud se basan en gran parte en los principios de
Ernst Jentsch, psicólogo alemán que en 1906 escribió Zur Psychologie des
Unheimlichen donde señala la idea de la incertidumbre intelectual que se experimenta
ante lo siniestro.
El legado de Jentsch es especialmente relevante para esta investigación puesto que los
conceptos que propone, aplican tanto a la temática de personajes al interior de la
película analizada, como en la técnica utilizada, puesto que el stop motion dota de vida
a elementos inertes mediante el desplazamiento consecutivo hasta lograr la sensación
de movimiento. Como señala Abalia (2013) “[el sujeto] tiende a quedar sorprendido
frente aquello que, como en suspenso, escapa a su comprensión.” (p.58)
Teorías cinematográficas
Las teorías cinematográficas consisten en el estudio de la naturaleza del cine,
permitiendo proveer un marco teórico para comprender la relación del cine con la
realidad por motivos tanto prácticos como teóricos. Dudley Andrew en su obra Las
Principales Teorías Cinematográficas (1993) explica:
“El objetivo de la teoría cinematográfica es formular una idea esquemática sobre
la posibilidad del cine. Puede aducirse que el cine no es una actividad racional y
que ninguna descripción esquemática le sería adecuada. Pero esto nos devuelve
al problema del conocimiento y de la experiencia. Cuando se le pregunta «¿Qué
valor posible existe en tratar científicamente el cine?», el teórico
cinematográfico debe contestar que la esquematización de cualquier actividad
nos permite relacionarla con otros aspectos de nuestra vida.” (p.30)

En el propósito del estudio de las características de lo siniestro y la narrativa en spot
motion, las teorías a continuación presentadas pretenden esbozar la idea esquemática
de la unión de ambas variables, en base a teorías relacionadas al estudio psicoanalítico
y al estudio subjetivo del cine, “desplazando el análisis del significado de las películas
hacia el estudio de los fenómenos encargados de manufacturar la producción de
subjetividad que se produce durante su visionado.” (Sangro Colón, 2007)
Teorías formalistas
Las teorías formalistas del cine enfatizan la técnica cinematográfica, ubican los
elementos del lenguaje por encima de lo narrado. A diferencia de las teorías realistas,
las teorías formalistas defienden que el cineasta crea una realidad distinta a la realidad
circundante. Durante los años 60 renació junto a la semiótica y aún influye en nuevas
teorías.
Uno de los primeros en hacer las distinciones de las teorías formalistas y realistas es
Andrew Dudley en su obra Las principales Teorías Cinematográficas (1993),
señalando que las teorías formalistas responden a un cine que no solo es un fenómeno
sociológico sino una forma artística como cualquier otra. El propósito de los primeros
formalistas es conocer las propiedades del cine, centrada en la técnica siempre ligada
a la forma y propósito cinematográficos, para explicar el éxito de los grandes films.
Los formalistas consideran la técnica el punto más importante de su teoría pero no la
separan de la forma cinematográfica pues de existir este desligue, la teoría quedaría
resumida a un listado de técnicas de rodaje.
Dudley explica que el cine responde a su función estética cuando fuerza al espectador
a ver una realidad en una forma especial mediante técnicas artificiales, indica que el

realizador “debe hacernos ver el film no como un mero sustituto del mundo real, sino
como una imagen existente para una percepción significativa.” (Dudley, 1993, p.109)
Por tal, el formalismo reconoce en la técnica y el estilo de las técnicas al arte en sí
como lo definen los teóricos.
Fernández Labayen (2008) señala que “las teorías formalistas versan sobre cómo se
organiza el film para narrar y transmitir sensaciones, apelando a un análisis
escrupuloso de las relaciones que se establecen entre los distintos elementos
lingüísticos del filme: el sonido, el montaje y la puesta en escena.” Esta teoría se apoya
en la semiótica que se convierte en su principal línea de trabajo pues explica la realidad
cinematográfica a partir de signos y códigos, adoptando una posición científica
alejándose de la admisión de juicios de valor.
Estas teorías, al basarse en la técnica y por tanto en el significado del filme, permiten
explicar de manera semiótica cómo es que conceptos no reales (como lo siniestro)
pueden ser expuestos a partir de la técnica cinematográfica usada en una producción,
basándose en los códigos y los signos, relacionados al concepto estudiado, que
transmite determinada película.
Hugo Münsterberg
El principal aporte de Münsterberg va dirigido a la capacidad del cine por narrar
historias y conectar directamente con la mente del hombre, basándose en los
mecanismos psicológicos de la percepción fílmica en la profundidad y el movimiento,
el papel de la imaginación y de las emociones.

El psicólogo alemán que definió al cine como el arte de la mente, enfatiza sus estudios
en la capacidad narrativa del cine plasmándolos en The Photoplay. A psychological
study (1916) donde explica que una película ubica al espectador frente a una
experiencia estética al ser un fenómeno mental, esto permite que la experiencia
cinematográfica supere al tiempo y al espacio, permitiendo que la obra cobre sentido
en la mente del espectador, convirtiendo la realidad en objeto de imaginación; esto se
demuestra por la creación psicológica de la película en mente. A un nivel superior, las
emociones dirigen la narración, como una experiencia mental fuera del mundo real. El
espacio, el tiempo y los hechos en el cine son imaginarios y no actúan en nuestras
vidas.
El aporte de Münsterberg apoya las reacciones que produce lo siniestro en la mente
pues indica que los realizadores trabajan con los elementos de la mente para, a partir
de eso, construir la narrativa que va a provocar ciertas sensaciones en el espectador.
Serguéi Eisenstein
Eisenstein fue el único de los teóricos formalistas que, además de formular teoría,
realizó cine durante sus años de actividad. Los principales aportes de Eisenstein se
basan en una dialéctica que contrapone a la máquina y al organismo, generando
interesantes contribuciones a la teorización de la cinética.
Como primer aporte, Eisenstein generó la idea de la atracción como materia prima del
cine, elemento mucho menos mecanizado de la toma que considera la actividad mental
del espectador más allá de la simple acción del realizador. El teórico determina que
cada atracción funciona de manera armónica sobre la base de la toma y son capaces de
dar al espectador una impresión psicológica precisa, debido a que esta materia prima

tiene un lado material (las atracciones) y un lado mental (la reacción psicológica de la
mente atraída) lo que se define en una relación entre mente y materia; muy relacionada
a la experiencia del público. (Andrew, 1993)
El estudio de las atracciones de Eisenstein considera a cada elemento al interior de la
toma, que aporta atracciones afines o conflictivas que generan efectos psicológicos en
el espectador. Considerando que la unidad de trabajo de la presente tesis es una película
rodada en stop motion, donde cada toma ha sido minuciosamente preparada tanto en
aspectos técnicos generales del cine como propios del manejo de títeres del stop
motion, guarda mucha relación como la concepción física de cada toma busca
aprovechar las atracciones que se pueden crear con la técnica del stop motion. Para el
teórico la materia prima del cine son los elementos que provocan una discreta reacción
en el público, tal como es el efecto sutil que genera el stop motion (y las características
del mismo mencionadas anteriormente) en el espectador. El realizador creativo es
capaz de construir estas relaciones no implícitas en el significado de la toma, creando
nuevos significados a la mente del espectador.
Los estudios de Eisenstein continúan con la conciliación dialéctica entre las teorías
mecanicista y orgánica. La primera señala que el film “ha funcionado como una
máquina, utilizando un combustible apto (atracciones), activado para crear una
corriente firme de movimiento (montaje), desarrollando un significado dramático
controlado y total (argumento, tono, carácter, etc.) que conduce a un destino inevitable
(la idea final o tema).” (Andrew, 1993, p.89) Es decir, el realizador escoge los estilos
adecuados para el propósito del film no solo por su función estilística sino por la
reacción mental consciente del espectador. Sobre la teoría mecanicista, Eisenstein
explica en su libro El sentido del cine que una película no es un producto sino un

proceso creativo que permite la participación intelectual y emocional del público
(Eisenstein, 1974). La teoría orgánica, por su lado, explica que el tema es lo que lleva
al film a ser como es, exigiendo la formulación de ciertas elecciones y el descarte de
otras en el proceso creativo. La analogía orgánica del film indica que la forma
cinematográfica yace estrictamente en el film y lo aleja de su realizador, quien debe
adoptar las técnicas que el film orgánicamente requiere a través de una comprensión
fuera de la conciencia del creador pero que supone solo por medio de ella. (Andrew,
1993) La teoría orgánica indica que la forma es el alma de una película y esta no está
fija ni se compone, sino que simplemente surge y nace en la forma que debe ser.
La relación de ambas teorías permite formar una idea de “máquina orgánica” como la
define Eisenstein. El film nace a partir de su forma y el realizador escoge las
atracciones que corresponden a lo que la forma exige. De esta manera se siente
involucrado también el espectador que identifica y yuxtapone mentalmente las
atracciones y las tomas participando de manera psicológicamente activa. Teniendo en
cuenta esta teoría, se puede considerar que, debido a la forma que tiene la película
Coraline, la técnica en stop motion es una atracción acorde a las exigencias del
argumento de la película, enfocando las estructuras en la mente humana que es
finalmente el destino del mensaje cinético.
Teoría contemporánea
Jean Mitry
Este investigador del arte cinematográfico es el autor del libro Estética y Psicología
del cine (1963), estudio que le permitió acercarse de modo más científico al cine. En
su obra, Mitry distingue varios períodos en la construcción de la teoría estética

cinematográfica, aportando tres niveles de significación en la imagen fílmica desde el
aspecto de la percepción psicológica de la imagen: percepción per se y la realidad que
comporta (imagen como signo primario), narración y secuencia de imágenes (denotado
diegético) y significación artística de su propio mundo (sentido connotado). El
investigador explica, a partir de lo anterior, que los grandes filmes pueden construir el
sentido abstracto más allá del narrativo. (Cañizares Fernández, 2002)
Cañizares Fernández (2002), cita a Mitry en su explicación del cine como lenguaje y
de cómo los signos y su significación permiten dotar al cine con tan calificativo:
“Resulta evidente que un filme es una cosa muy distinta que un sistema de signos
y símbolos. Al menos, no se presenta como solamente esto. Un filme es, ante
todo, imágenes, e imágenes de algo. Es un sistema de imágenes que tiene por
objeto describir, desarrollar, narrar un acontecimiento o una sucesión de
acontecimientos cualesquiera. Pero estas imágenes, según la narración elegida,
se organizan como un sistema de signos y de símbolos; se convierten en símbolos
o pueden convertirse en tales por añadidura. No son únicamente signo, como las
palabras, sino ante todo objeto, realidad concreta: un objeto que se carga (o al
que se carga) con una significación determinada. En esto el cine es LENGUAJE;
se convierte en lenguaje en la medida en que primero es representación, y gracias
a esta representación es, si se quiere, un lenguaje en segundo grado. (p.140)
Es, si se quiere, un lenguaje en segundo grado. No se da como una forma
abstracta a la que se le podrían agregar ciertas cualidades estéticas, sino como
esta cualidad estética misma, aumentada con las propiedades del lenguaje; en
suma, como un todo orgánico en el cual arte y lenguaje se confunden, siendo uno
solidario del otro.” (1978, tomo 1, p. 52). (p.140)

Mitry afirma que la imagen puede ser creada y registrada según los intereses y
categoría que le da el productor, pudiendo combinarla con más imágenes para producir
series estéticas, sentidos y reacciones psicológicas nuevas, debido a que cada lenguaje
(cinematográfico en este caso) posee un sistema diferente y responde a una simbología
apropiada.
A partir del estudio de Mitry, respecto a las posibilidades de combinación que hacen
que el lenguaje de una cinta cumpla con los tres niveles de significación que propone,
es posible explicar la relación de un concepto (como lo siniestro) y el uso de una
técnica (como el stop motion) para una realización cinematográfica. El autor expone:
“El realizador cinematográfico debe elegir determinadas percepciones de la realidad
con las que podrá construir un mundo cinematográfico completo y propio. Si es capaz
de aprovechar creativamente todas las posibilidades de ese material, a través de su
propia creación poética podrá transformarlos en un mundo complejo de amplio
significado humano.” (Cañizares Fernández, 2002, p. 150)
Christian Metz: cine y psicoanálisis y filmología
Metz aporta en la semiología del cine desde la filmología, donde aplica disciplinas
como el psicoanálisis al estudio del cine. “La filmología se ocupa ya del filme y de sus
efectos; pero del filme en abstracto. Se trata de un estudio científico realizado desde
fuera por psicólogos, psiquiatras, sociólogos, pedagogos, biólogos, etc.” (Cañizares
Fernández, 2002, p. 34)
Metz, creador de la semiología fílmica, señala cuatro métodos para estudiar el
fenómeno cinematográfico: crítico, teórico, histórico y la filmología. Lo que permite
a Metz apoyar la filmología se debe a que identifica al cine como un fenómeno

semiológico en un sentido genérico, especialmente al compararlo con la lingüística.
“El cine es un hecho de lenguaje en el sentido de que es capaz de construir en cada una
de sus manifestaciones su propio discurso gracias al montaje, capaz de recrear en cada
film sus propios términos expresivos.” (Marzal Felici y Gómez Tarín, 2007, p. 384)
En el haber de Metz también está la autoría del libro El significante imaginario:
psicoanálisis y cine (1974) donde señala la relación del psicoanálisis y el cine pues
este segundo implica procesos del inconsciente como cualquier otro arte. Esta relación
estudia cómo funciona la psique humana (fenómeno general) y la representación
cinematográfica (sistema particular) a partir de una serie de herramientas del
psicoanálisis para demostrar cómo las películas son posibles solo a través del trabajo
mental del espectador. El autor se refiere a la película como el imaginario que percibe
el espectador, quien vendría a ser el nuevo significante de la misma al tener acceso a
lo simbólico de la cinta.
Metz relaciona el análisis freudiano con la semiología, al abordad al cine en su
totalidad significante (códigos, efectos de sentido no codificados y configuraciones
semánticas). Así mismo, identifica al significante fílmico, que contiene los rasgos,
características, imágenes obtenidas según el proceso fotográfico al que luego se le da
movimiento; la secuencialidad y el montaje. El autor explica que este significante
puede ser ilustrado a través del psicoanálisis, que es una disciplina meramente
semiótica. (Metz, 2001)
Metz indica que “el cine implica procesos de lo inconsciente en mayor medida
que cualquier otro medio artístico. Los filmes en sí mismo solo llegan a existir a
través del trabajo ficcional de sus espectadores, ya que sus significados se

activan durante el visionado y en este sentido, todo film es una construcción de
su espectador. Y es al mismo tiempo un sistema simbólico y una operación
imaginaria.” (Brisset, 2011, p.88)
De esta forma, el aporte de Metz explica cómo es que la gente puede sentir ciertas
emociones y sensaciones al ver una cinta, debido al carácter de significante que
adoptan tanto el espectador como el film, a partir de las configuraciones semánticas,
semióticas y características que conforman el significante fílmico.
Teoría sobre lo fantástico
La teoría fantástica estudia y explica los elementos sobrenaturales que caracterizan la
narrativa fantástica. Involucra lo maravilloso, lo insólito y lo fantástico. Señala
también como cualidad que la narrativa fantástica permite que el espectador
identifique el contexto de la producción como propio e intente racionalizar los
elementos sobrenaturales que rompen con las leyes naturales; y que la narración
fantástica debe replicar nuestra realidad pero cambiando las estructuras universales
para poder provocar miedo, denotando este segundo como requisito indispensable de
cualquier producción fantástica provocado por la falta absoluta de explicación natural
ante los fenómenos que se desarrollan en la trama. (Naranjo Valdez y Salcedo Luna,
2010)
Teoría fantástica según Todorov
El lingüista Tzvetan Todorov en su libro Introducción a la teoría fantástica (1980),
describe al género fantástico como aquella incertidumbre que se ubica entre ilusión y
realidad. Señala la aparición de “el misterio”, “lo inexplicable” y “lo inadmisible”

dentro de “la vida real”, “el mundo real” y “la inalterable legalidad cotidiana” como
definición de lo fantástico.
Lo fantástico permite vacilar entre la interpretación natural y sobrenatural de los
eventos sin decidirse por una de ambas. Elegir uno de los dos caminos lleva al género
de lo extraño y de lo maravilloso respectivamente. Añade también la ambigüedad que
trae consigo el género que siempre responde a una sensación de miedo por parte del
lector. Roger Caillois remite esta duda a que “Lo fantástico requiere algo involuntario,
súbito, una interrogación inquieta y no menos inquietante, surgida de improviso de no
se sabe qué tinieblas, y que su autor se vio obligado a tomar tal como vino…” (1965,
p. 46)
Según el filósofo Vladimir Soloviov, en lo fantástico existe la posibilidad de una
explicación racional de los eventos y, al mismo tiempo, esta explicación no tiene una
probabilidad interna. Por otro lado, Olga Reimann señala que es el héroe es el que
siente la contradicción entre el mundo real y el mundo fantástico. Ambas propuestas
son válidas, aunque la primera atiende al lector y la segunda al personaje (Todorov,
1980).
Todorov expone que la brecha entre lo fantástico y lo extraño, y lo fantástico y lo
maravilloso es muy frágil. Admitir que los eventos que suceden al interior de la trama
responden a sucesos naturales o sobrenaturales rompe con la vacilación característica
de lo fantástico. Explica que: “lo maravilloso corresponde a un fenómeno desconocido,
aún no visto, por venir: por consiguiente, a un futuro. En lo extraño, en cambio, lo
inexplicable es reducido a hechos conocidos, a una experiencia previa, y, de esta
suerte, al pasado.” (1980, p. 24)

En La introducción a la literatura fantástica, se destaca a lo extraño como das
Unheimlich según Freud, cumpliendo con eso con una de las condiciones de lo
fantástico: la descripción de las reacciones, en especial la del miedo. El autor habla de
la polisemia de la imagen poniendo como ejemplo la presencia (benigna o maligna)
del doble en los textos fantásticos. Si se presenta un doble que encarne una alegría o
una amenaza para los personajes es posible asumir una semejanza con la imagen que
propone Freud sobre lo siniestro, donde la presencia del doble es una de sus
características.
La incertidumbre característica de lo fantástico puede aplicarse a la presencia o
ausencia de vida en un personaje o al elemento que lo representa en el rodaje de una
cinta. Entendiendo que los muñecos usados en el stop motion son seres inanimados,
pero al involucrarse ellos en el papel que el animador les ofrece, es posible etiquetarlos
como fantásticos.
Stop motion y lo siniestro
Paul Wells señala en su obra Los fundamentos de la animación que el formato en stop
motion, participa con un toque realista en el diseño de espacios para narraciones
sobrenaturales y también surrealistas. Así, las películas que manejan la técnica de stop
motion y una trama sombría y un ambiente gótico afrontan tanto el reto técnico como
el narrativo y estético de realizar un todo envolvente. (Wells, 2007)
Por otro lado, Viñolo-Locuviche y Duran-Castells (2013) citan a Hames (2008) que
revela la cantidad de autores y productores que han reconocido que la animación
tridimensional tiene una capacidad para sugerir lo siniestro. Dichos autores apoyan tal
hipótesis debido a que lo siniestro genera inquietud al no reconocer algo extraño en lo

familiar, pero especialmente debido a que la animación tridimensional (en especial el
stop motion) presenta personajes que parecen tener consciencia propia y no estar vivos
al mismo tiempo.
Expresionismo alemán
El expresionismo alemán es una corriente artística que bien puede involucrarse en la
explicación del funcionamiento del stop motion y lo siniestro en la misma cinta. Esta
corriente es influencia de importantes directores de stop motion como Tim Burton,
quien ha trabajado en diversas ocasiones con Henry Selick, director de Coraline.
El término expresionismo alemán nace a partir del grupo Die Brücke (el puente),
primer grupo de expresionistas. El término alude a la obra Así habló Zaratustra de
Nietzsche, que dice: “La grandeza del hombre está en ser un puente y no una meta: lo
que en el hombre se puede amar es que es un tránsito y un ocaso” (2007, p.4) Así, los
expresionistas ubican este elemento en diversas obras cinematográficas como metáfora
a la separación de dos realidades o dos mundos. Esto se demuestra en Coraline en el
túnel que separa el mundo real del otro mundo, concretando un camino que transforma
tal como lo señala Scheebart en su libro Arquitectura de Cristal (1998) quien indica
que el puente metaforiza la provisionalidad de la condición humana denotando el paso
de un estado a otro, cristalizando un proceso metafórico.
El expresionismo alemán busca transmitir las emociones y sentimientos del autor más
que la realidad objetiva que lo circunda. Entre los temas que trata usualmente están los
estados del alma: los miedos, las fantasías y los sueños (Rojas, 2015). Espinós Escuder
(2008) explica que el expresionismo recrea la muerte, los mundos fantásticos, las
realidades paralelas y las dobles personalidades; materias que se refuerzan con el uso

del claroscuro, la distorsión de formas – tanto de personajes como de espacios,
angulosos y asimétricos – y decorados que parecen interactuar con los personajes. La
doble realidad suele manifestarse en las sombras; se puede ejemplificar esto en
Coraline en el uso que se le da a las sombras cuando los personajes del otro mundo
mutan a su verdadera forma, como la otra madre. Los mundos fantásticos, por otro
lado, pueden presentarse mediante el uso de los ángulos y desproporciones.
La corriente del expresionismo le da mayor importancia a la puesta en escena, “que
adopta una fuerza dramática muy persuasiva gracias a la naturaleza hiperbólica del
escenario, el vestuario, la iluminación y la caracterización de los personajes” (Zavala,
2005, p.6). Considerando que los personajes en el expresionismo adquieren ciertos
matices que les dotan características terroríficas, y que los personajes dentro del stop
motion tienen rasgos particulares propios de su creación manual, es importante señalar
lo que indica Deleuze en su libro La imagen-movimiento (1983) al respecto de los
seres aparentemente vivos dentro de un film. El autor indica que tanto autómatas como
robots y títeres no destacan por su cantidad de movimiento sino por la caracterización
propia de su personaje (como sonámbulos o zombies) que expresan la intensidad de
esa vida no orgánica. Frente a esto indica también que “la vida no orgánica de las
cosas, una vida terrible que ignora la sabiduría y los límites del organismo, tal es el
principio del expresionismo” (p.79). Deleuze indica que las diferencias entre lo
humano y lo mecánico ya no existen, pero se destaca la vida no orgánica de las cosas.
El expresionismo es, indica el autor, “la oposición del impulso vital a la representación
orgánica, invocando la línea de lo “gótico o septentrional” (p.80).
Esta corriente cinematográfica “concibe la arquitectura del porvenir como una
prolongación imaginaria de la naturaleza, realizada a impulsos de fuerzas biológicas

que encuentran en el arquitecto su vía de manifestación. De acuerdo con ello, realiza
maquetas y dibujos de extrañas formas que parecen dotadas de vida orgánica y prestas
a metamorfosearse, en un estado entre lo mineral, lo animal y lo vegetal.” (Casals,
1982, p.106)
Como punto más importante de referencia, el expresionismo, tanto como el stop
motion, aprovechan a las marionetas personajes para dotarles una vida no orgánica que
genera un resultado gótico. Sumado a esto, la corriente del expresionismo mantiene
tópicos fácilmente relacionables a lo siniestro, tales como los dobles, los mundos
paralelos, la muerte y los sueños. La fusión de ambos elementos: la vida no orgánica
y los temas que trata el expresionismo alemán se sustentan en la puesta en escena que
aprovecha los ángulos y las formas irregulares para generar los efectos que tiene en
sus espectadores.
1.2. Formulación del problema
1.2.1. Problema general
¿De qué manera las características de lo siniestro se manifiestan en la narrativa en stop

motion de la película Coraline y la puerta secreta?
1.2.2. Problemas específicos
- ¿Qué características de lo siniestro están presentes en la película Coraline y la puerta

secreta?
- ¿Cuáles son los rasgos de la narrativa de stop motion en la película Coraline y la puerta
secreta?

1.3. Objetivos
1.3.1. Objetivo general
Identificar las características de lo siniestro que se manifiestan en la narrativa en
stop motion de la película Coraline y la puerta secreta.
1.3.2. Objetivos específicos
- Describir las características de lo siniestro presentes en la película Coraline
y la puerta secreta.
- Describir los rasgos de la narrativa en stop motion de la película Coraline
y la puerta secreta.

CAPÍTULO II. METODOLOGÍA
2.1. Tipo de investigación
No experimental, descriptiva, transversal.
2.2. Técnicas e instrumentos de recolección y análisis de datos
Revisión documental:
Metodología para el análisis del film: Este instrumento consiste en una metodología
confeccionada a partir del análisis del texto fílmico de Bordwell y Thompson.
Modelo actancial: Se confeccionaron cuadros semióticos que permite el análisis de

los personajes y sus relaciones al interior del film, aportando un análisis semiótico que
sirve para reforzar el instrumento principal adaptado del texto de Bordwell y
Thompson.
Cuadrado semiótico de Greimas: Con este instrumento se busca analizar la

estructura elemental de la significación del film, basándose en la negación y aserción
para poder clasificar los conceptos según un par que se oponen, reforzando los aspectos
estudiados en la metodología para el análisis del film como el estilo cinematográfico
y la puesta en escena.
2.3. Procedimiento
Para realizar la investigación de la presente tesis se realizarán los siguientes pasos:
- Ver la película Coraline y la puerta secreta para identificar los rasgos que
se señalarán en los instrumentos que se elaborarán para el análisis de la
misma.

- Adaptar el texto fílmico de Bordwell y Thomson, orientado al estudio de
las variables de la tesis.
- Desarrollar cuadros de modelo actancial para analizar a los personajes de
la película.
- Interpretar los hitos más relevantes de la película en cuadros semióticos de
Greimas.
- Realizar el análisis de la película haciendo uso de los instrumentos
mencionados y visualizando la película las veces necesarias para evaluar
cada uno de los indicadores precisados.

CAPÍTULO III. RESULTADOS
Tabla 1
Principios del análisis cinematográfico
Forma fílmica de la película: Narrativa

Expectativas formales
Suspense La trama de Coraline y la puerta secreta mantiene un aire de suspense a

lo largo del largometraje. El espectador conoce que la protagonista corre
peligro y presupone quiénes son los personajes encargados de ponerla en
riesgo. Durante las primeras visitas al mundo paralelo, Coraline
desconoce el peligro a pesar de ser advertida por dos personajes. Cuando
es inevitable su encierro en esta realidad alterna, ella se da cuenta que en
realidad su vida peligra, detalle que ya conoce el espectador.
Curiosidad El espectador especula acerca de la historia que envuelve la trama de
Coraline y la puerta secreta. Antes del inicio de la trama (llegada de la
familia al Palacio Rosa), Coraline tiene una vida y amigos, sus padres
tienen un trabajo y ciertas circunstancias los hacen mudarse. La
curiosidad también se hace presente sobre la historia de la hermana de la
dueña del Palacio Rosa y la forma misteriosa en la que desaparece. Estos
detalles, pertenecientes a la historia más no al argumento, permiten que
el espectador mantenga esa curiosidad que será saciada paulatinamente
con la evolución de la trama y los personajes.
Sorpresa En varios momentos del argumento, parece que todo está perdido para
Coraline y va a perder el juego que ha propuesto a la otra madre y nunca
recuperará a sus padres. La atmósfera siniestra de la película da pie a
pensar eso y que posiblemente la historia no tenga un buen final. Pero
aparece siempre un personaje que funciona como ayudante de la
protagonista y salva el momento.
Principios de la forma fílmica
Función Un elemento importante es la muñeca de trapo que se parece a Coraline.
Su función dentro del argumento es ser la espía de la otra madre en la
realidad. La muñeca desaparece y aparece en lugares diferentes lo que es

muestra de una de las características de lo siniestro pues representa a algo

inanimado que cobra vida. Además, la muñeca espía de la otra madre
revela la existencia de la puerta secreta que estaba destinada a estar
oculta, pero ha salido a la luz, otra cualidad de lo siniestro que se ve
reforzada en la caracterización artesanal de la muñeca. (Fig. 1.1)
Similitud y Un elemento repetitivo a lo largo del film es la bola del Detroit Zoo,
repetición elemento del atrezo que luego será la prisión de los padres reales de
Coraline. El elemento se muestra en varias escenas para que el espectador
capte que es un elemento importante.
Diferencia y La mayoría de elementos se muestran en contraste entre la realidad y el
variación otro mundo de Coraline. Existe un paralelismo explícito entre ambos
mundos y sus elementos, el espectador compara los elementos de ambos
mundos al realzar la similitud entre los personajes y la construcción
escenográfica. Las diferencias radican en el color e iluminación de la
escena, la personalidad de los personajes y los ojos de botón que tienen
las marionetas del otro mundo.
Desarrollo La forma global de la película señala la evolución y maduración de la
(segmentació heroína. Esto implica a una enemiga y un ayudante. La enemiga es la otra
n) madre y cumple con las características de un personaje siniestro tanto por
su personalidad como por la animación que adquiere la marioneta.
Unidad/desun Las partes de la película se relacionan sistemáticamente entre sí pues se
idad trata de una forma narrativa. Existen las causalidades que permiten que
todo el argumento siga una línea: desde que Coraline llega a su nueva
casa, pasando por el descubrimiento de la puerta secreta hasta el final
cuando vence a la otra madre.
Principios del análisis fílmico
Causa-efecto Al mantener una forma narrativa, la evolución del argumento es lineal,
cada acto funciona como causa que desencadena a su vez un efecto
dramático. La sucesión de estos eventos más la resolución de cada
conflicto presente en ellos permite que las líneas narrativas se cierren al
finalizar el clímax de la cinta.

Diferencias El argumento inicia con la llegada de Coraline al Palacio rosa; la historia

entre historia inicia con la desaparición de la hermana de la dueña del edificio.
y argumento Debemos deducir que la hermana tiene algo que ver con la otra madre y
la aparición de la muñeca debido a las advertencias que hace Wybie sobre
el ingreso de los niños a la casa y las prohibiciones que le hace su abuela
en la misma escena donde el gato mira a la muñeca y le gruñe; finalmente
se revela que la hermana ha sido una de las víctimas. El único material
no diegético en el argumento son los créditos y la musicalización.
Motivaciones La desaparición de la hermana da referencia de la muñeca por primera
vez. En los créditos se ve cuando una muñeca idéntica al fantasma de la
niña desaparecida (cuya primera aparición es en el cuarto detrás del
espejo) es modificada por unas manos de agujas hasta convertirse en una
pequeña versión de Coraline. Esta es la causa de que Wybie le regale la
muñeca a Coraline y que luego esta le revele la puerta secreta.
Paralelismos El espectador se ve en la necesidad de comparar las escenas que se
producen en la película debido a que existen dos mundos paralelos como
dos foros distintos con los mismos personajes, pero convertidos en otros.
Esta característica se expresa a través de la puesta en escena de cada uno
de los foros, mostrando la otredad de los personajes reales como
monstruos siniestros.
Progresión El orden temporal en el argumento es lineal, no se hace uso de flashbacks
del comienzo ni flashfoward, por lo que la narrativa es de fácil compresión para el
al final primer público al que se dirige: niños. El desenlace refleja un esquema
(desarrollo claro de desarrollo que une todas las líneas narrativas que se tenían
del pendientes como el origen de la muñeca, qué pasó con la hermana de la
argumento) dueña del Palacio Rosa y el final de la otra madre.
La narración de la información se limita al conocimiento de ciertos
personajes, es decir, ni Coraline ni quienes la advierten al inicio del
argumento, conocen el verdadero peligro que corre, cumpliendo con la
expectativa formal del suspense, rasgo adecuado para las convenciones
de lo siniestro. No se percibe la exploración de los estados mentales de
los personajes a partir de sonidos diegéticos internos excepto en la escena

donde Coraline decide enfrentar a la otra madre y su pensamiento dice:

“Sé fuerte, Coraline.”
Alcance y Coraline y la puerta secreta hace saltos entre el género fantástico y el

profundidad género maravilloso. La cinta refleja un carácter infantil expresado en la
de la empatía y caracterización de sus personajes, pero también cumple con las
narración convenciones del género fantástico (cuando Coraline no distingue el
sueño de la realidad) y el maravilloso (cuando la incertidumbre termina
al identificar que los eventos sobrenaturales responden a un fenómeno
desconocido). Los rasgos definidos a lo largo de la cinta, responden a las
características de lo siniestro por lo que se las toma como convenciones
de una especie de híbrido cinematográfico.
Nota: El presente análisis se basará en el estudio de la creación de marionetas y movimientos en stop motion
y argumento siniestro, y la relación que mantienen ambos para concebir una pieza audiovisual; y adopta
como sistema de elementos las escenas que contemplan cada una de las maravillas que descubre Coraline en
el otro mundo e incluye a los personajes, construcción escenográfica y soporte sonoro. Fuente: Bordwell B.
y Thompson K. (1995) El arte cinematográfico. Barcelona: Paidós.
Tabla 2
Análisis del estilo cinematográfico o sistema estilístico
Determinar la estructura organizativa de la película, su sistema formal

Forma Forma narrativa. La película mantiene un sistema narrativo pues
cuenta la historia de manera lineal, mostrando sucesos consecutivos,
causales de otros eventos que desencadenan en el nudo del
argumento. La película analizada no es un documental ni tampoco
presenta una forma abstracta por lo que es posible analizarla a partir
de cada sistema de elementos audiovisuales.
Argumento El argumento de Coraline y la puerta secreta es sobre una niña que,
inconforme con su nueva vida a raíz de una mudanza, descubre una

puerta secreta que la conduce a una realidad alterna donde todo lo

que conoce en la vida real es mejor y más divertido. El argumento
narrativo nos permite idear una historia que va desde varias décadas
anteriores, con la desaparición de la niña que vivía en el Palacio Rosa
y, más cercano a la ubicación temporal del argumento, a la vida
previa de Coraline Jones junto a sus amigos en un lugar más acogedor
al que actualmente es su hogar. La serie de sucesos de la historia que
dan pie al argumento (como la nostalgia por su vieja vida causada
por la mudanza) generan una cadena de causas y consecuencias que
llevan a la protagonista a tomar ciertas decisiones que desencadenan
en el inicio, nudo y desenlace de la trama. Durante todo el proceso
del argumento, notamos una evolución tanto en los personajes como
en la atmósfera de la realidad y la realidad alterna en la que se mueve
Coraline, llegando a un pico alto como final de la película.
Segmentación Para identificar plenamente la narrativa de la película, es necesario
segmentar el argumento según las necesidades identificadas en el
presente análisis. La manera en la que segmentaremos la película será
a partir de escenas donde se muestren las maravillas que Coraline
descubre en la realidad alterna: Casa de los Jones, jardín de los Jones,
casa de Mr. Bobinski y casa de las Srtas. Spink y Forcible y la
intervención que tiene cada uno de los personajes resaltantes en cada
maravilla descubierta.
Identificar las técnicas más destacadas que se utilizan
La técnica más utilizada en la producción de Coraline y la puerta secreta es la puesta
en escena. El análisis de esta técnica nos permite, aparte de desmenuzar los aspectos
más importantes de la trama y su aporte al corte siniestro que mantiene la película,
estudiar la forma en la que la creación del espacio y de los personajes mediante la
técnica del stop motion aporta al argumento.
La puesta en escena consta de decorados y escenarios, vestuario y maquillaje,
iluminación, expresión y movimiento de las figuras y relación de la puesta en escena en
el espacio-tiempo.
Técnica: Puesta en escena

Decorados y Los escenarios y decorados de Coraline y la puerta secreta han sido

escenarios confeccionados a mano en maquetas que posteriormente han sido
- Decorados fotografiadas para el uso directo de stop motion o para la realización
seleccionados o de chroma key en algunos fondos de la película. El detalle especial

construidos del stop motion es que refleja ciertas imperfecciones en la confección
- Construcciones de los elementos cinematográficos y que también permite recrear la
realistas o escenografía ideal según el propósito del animador. Entre los

abstractas escenarios destacados en el argumento están:
- Uso del color El palacio rosa y el otro Palacio rosa. Aparentemente ambos foros
- Atrezzo reflejan la misma casa, pero existen ligeras variaciones. Según el

momento de la película, la fachada del otro mundo refleja una luz
azul mientras que en la realidad siempre es rosa. Ambos foros son
maquetas creadas a mano, pero el real Palacio rosa denota antigüedad
pues muestra escaleras oxidadas y ventanas y paredes despintadas
por el tiempo, mientras que, en el otro mundo, la casa se muestra con
una fachada joven: fachada, ventanas y barandas recién pintadas y un
aspecto acogedor; también muestra decoración extravagante y
diferente al Palacio rosa original. Según evoluciona el argumento y
la otra madre va perdiendo vitalidad, la realidad alterna también va
perdiendo vigor y empieza a mostrarse maltrecha. (Fig. 1.2 y 1.3)
El jardín del Palacio Rosa. En la realidad, el jardín es un espacio
árido, con vegetación seca lo que denota que no sido cuidado hace
mucho tiempo. En el otro mundo, el jardín es una de las maravillas
que ofrece la otra madre a Coraline para conquistarla. Como el otro
padre señala: “Te conoce como la palma de su mano.” El jardín de la
realidad alterna muestra colores fosforescentes y conforme Coraline
lo recorre, descubre que tiene la forma de su cara. (Fig. 1.4 y 1.5)
Casa Mr. Bobinski. La casa real de Mr. B se relaciona a su estilo de
vida excéntrico. Resaltan las paredes sin tapizar, el desorden y la
oscuridad de un ambiente descuidado. En la realidad alternativa el
foro es completamente diferente pues presenta una especie de circo
con colores fuertes (naranja, rojo, amarillo) y el ambiente se nota más

profundo. La mesa con lámpara de la casa real muta en una pequeña

carpa de circo en el otro mundo. La profundidad del mundo alterno
da la sensación de espacio y libertad que busca Coraline, mientras
que la poca profundidad de la primera casa más las sombras púrpuras
en lugar de negras, reflejan la vida monótona de la protagonista. (Fig.
1.6 y 1.7)
Casa de las Srtas. Spink y Forcible. En el caso de este escenario se

mantiene el común denominador de áreas anteriores: la vida real, el
escenario es menos profundo, mantiene tonalidades grises y resaltan
las imperfecciones de una casa vieja mientras que, en el foro del
mundo alterno, resalta la profundidad y los colores vivos (naranja,
amarillo, rojo). En la casa real resaltan los perros disecados de las
actrices, marionetas hechas a mano que producen cierta sensación de
tenebrosidad por saberse que están muertos, pero permanecen en la
casa. El teatro en el que se convierte la casa en la realidad alterna es
el escenario más alto y amplio de todos los foros. (Fig. 1.8 y 1.9)
La apertura de los planos y la profundidad que denotan en las escenas
rodadas en el mundo alternativo, dan la sensación de espacio y
libertad (Fig.1.11 y Fig.1.13). Además, permiten señalar más detalles
y se nota la sensación de espacio y libre movilidad a lo largo del
escenario. Por otra parte, en el mundo real, las tomas son más
cerradas y los escenarios denotan menos profundidad (Fig.1.10 y
1.12); también se usan colores grises y tonalidades bajas que
contrastan con la ropa colorida de Coraline, revelando la monotonía
de su vida, principal causa de que ella busque la entrada al mundo
alterno que le ofrece lo que ella necesita. En cuanto a la creación de
escenarios, cada una de las maquetas refleja la creación artesanal
propia del stop motion. Cada uno de los foros más los movimientos
que puede adquirir cada atrezzo cumplen con las características del
movimiento fotograma a fotograma y reflejan la sensación de
movimiento artesanal.

Las construcciones de cada escenario mantienen un aspecto realista,

sobre todo en el mundo real donde en cada foro no hay más que lo
indispensable. Una ligera variación se da en el mundo alterno pues
se mantiene como un escenario realista, pero incluye objetos y
detalles de formas abstractas, como los cuadros que no son rectos y
los cajones que no respetan las leyes de la gravedad en el otro estudio.
Lo que resalta en el otro mundo, más que una presencia de
construcciones abstractas, es la de elementos fantasiosos que no se
hallan comúnmente en una casa (Fig1.16 y 1.17).
El uso del color es uno de los elementos más importantes de las
construcciones escenográficas en Coraline y la puerta secreta. El
color busca sugerir y subrayar efectos y sensaciones como el
contraste de las tonalidades grises del mundo real (depresión, lejanía)
y los colores encendidos como el naranja y el rojo en el mundo
alterno (exaltación, felicidad), que funcionan perfectamente para
reflejar la monotonía y aburrimiento de la vida real de Coraline a
comparación de la vida alegre y llena de sorpresas que tiene en el
mundo alterno. El color azul (serenidad) también es importante
dentro de la composición de las construcciones: el túnel que
comunica ambos mundos (Fig.1.14) mantiene ese color al igual que
el Palacio rosa cuando Coraline descubre que ese mundo es una
creación de la otra madre, de acuerdo a las cosas que sabe que podrán
conquistarla (Fig.1.15).
Funciona como atrezzo de la construcción, el túnel que conecta
ambos mundos pues es uno de los elementos del decorado que opera
de forma activa dentro de la acción. Otros elementos que forman
parte del atrezzo son los objetos que conforman cada una de las
maravillas que recibe Coraline, como los cañones expendedores de
algodones de azúcar, las plantas carnívoras en el jardín y los perros
en el teatro de las actrices.
Otra cualidad que refleja la construcción en stop motion de
escenarios en Coraline y la puerta secreta es el uso de materiales

convencionales, como palomitas de maíz para las flores de cerezo,

dedales para algunas flores, entre otros.
Vestuario y El vestuario y maquillaje de Coraline y la puerta secreta se adecúa a

maquillaje la personalidad de cada personaje. El rodaje en stop motion implica
- Uso del color la creación de muchas réplicas de ropa y el detalle de la misma todo
- Asignación de creado a mano.

elementos del Al igual que con el escenario, la ropa de los personajes en el mundo
atrezzo al real mantiene un color gris y sombrío que expresa monotonía. En el
sistema mundo paralelo, todos los personajes usan ropa de colores vivos y
narrativo maquillaje acorde. La otra madre usa ropa diferente y labial rojo
- Armonía o intenso. El otro padre usa ropa naranja. Las actrices usan ropa naranja
contraste entre y roja y maquillaje intenso. Mr. Bobinski tiene la tez azul y usa ropa
vestuario y de cirquero roja. Wybie es el único que mantiene la misma ropa en
decorado ambos mundos: casaca gris oscura y pantalones. Coraline es la única
- Tipo de en el mundo real que usa ropa colorida: impermeable y botas

maquillaje amarillas, chompa naranja, pijama naranja.
según género y El maquillaje estrafalario de varios personajes cumple un importante

convenciones papel en las convenciones del género del terror y de la trama siniestra.
El maquillaje aporta en los rasgos de los personajes: la excentricidad
de las actrices, la elegancia de la otra madre.
Tanto decorado como vestuario mantiene una armonía pues los
colores se contrastan entre los diferentes foros. El cabello azul de
Coraline hace contraste con los colores cálidos del mundo alterno.
(Fig. 1.18)
Iluminación La iluminación a lo largo de la película se muestra diferente
- Composición dependiendo del foro en el que esté. En el mundo real, la mayoría de
global del plano escenas son de día por lo que la presencia de sombras es nula, pero
- Definir texturas se mantiene una iluminación en clave baja. En el mundo paralelo,
- Reflejos y siempre es de noche y la iluminación consta de focos, velas y luz de

sombras luna. Este tipo de iluminación proyecta las sombras de los personajes

- Cualidad, y solo ilumina parte de los personajes y objetos debido a la forma de

dirección, su superficie, lo que indica presencia siniestra.
fuente y color La cualidad de la iluminación en el mundo real denota simpleza y
normalidad pues la intensidad de la luz es suave y no genera sombras.
En el mundo paralelo la intensidad es dura y proyecta sombras y
genera inherencias, creando texturas y contornos definidos.
En las escenas donde hay presencia de fuentes de luz específicas, la
dirección es lateral o contrapicada, generando el efecto con esta
segunda dirección, de terror y siniestro al distorsionar los rasgos y
crear dramáticos efectos siniestros. (Fig. 1.19 y 1.20)
Expresión y La expresión y movimiento de las figuras es la parte más importante

movimiento de las de este análisis por lo que será bastante incisiva la explicación de esta
figuras parte del estilo cinematográfico de Coraline y la puerta secreta.
- Modelos La construcción de la puesta en escena en base a la técnica del stop
cinéticos: motion habilita la creación de modelos cinéticos pues consiste en el
anticipación, comportamiento que le da el animador a cada una de las figuras. El
follow-throgh y movimiento de los muñecos responde a los principios del stop motion
acción porque respetan las leyes naturales de movimiento para que este se
traslapada, note normal. Añadido a esto, cada personaje demuestra su
arcos, personalidad a través del modelo cinético que ofrece: Wybie se
aceleración y mueve dubitativamente, encorvado y con la cabeza hacia un costado,

desaceleración, la sensación que produce con sus movimientos es la de un cuerpo
tiempos, acción inanimado que por alguna fuerza se mantiene en pie, dando los
secundaria. primeros indicios de un comportamiento siniestro a pesar de que su
- Interpretación personaje ayuda a la protagonista.
(visuales: La aceleración y desaceleración en los movimientos permite que la
apariencia, sensación de movilidad sea más natural, muestra de esto es la escena
gestos, donde Coraline cae con el balcón de Mr. B, al principio el
expresiones movimiento es suave, coge velocidad para terminar en un golpe seco
faciales; en el suelo. Lo mismo ocurre cuando Coraline corre (al inicio de la
sonoros: voz, película cuando el gato la asusta o cuando huye del segundo padre).
efectos)

- Factores Los tiempos se demuestran a lo largo de la cinta: el movimiento de

formales, los personajes se muestra natural, aunque en ciertos momentos se
causalidad de la nota la intervención manual en espacios donde los 24 fotogramas que
narración y conforman el segundo audiovisual son insuficientes para el completo
convenciones realismo del movimiento, las marionetas articuladas permiten el
del género movimiento de rodillas, brazos, cabeza y otras partes del cuerpo que
- Comportamient dotan de vida al personaje; asimismo, aportan las reacciones
o apropiado a la dramáticas del movimiento y propias de la personalidad de cada
función del muñeco.
personaje en el El movimiento en arcos y la acción traslapada dan un resultado físico
contexto: los acorde al movimiento ordenado y natural de los elementos y
dobles, personajes del argumento.
repeticiones, La concepción de la película en stop motion está hecha a 24 fps. La
complejo de visualización detenida refleja que el rodaje a 24 fps de marionetas
castración, lo tiene cierto efecto de letargo lo que revela que lo inanimado está
inanimado que tomando vida a través del movimiento del animador.
cobra vida, lo Las figuras animadas son muy importantes en la puesta en escena. Al
fantástico ser marionetas, el animador tiene la potestad de darles el movimiento
soñado en lo preciso de acuerdo a su personalidad y al contexto. La producción en
real. stop motion de Coraline y la puerta secreta exagera ciertos
- Motivaciones movimientos de acuerdo al personaje para mantener una atmósfera
psicológicas dinámica y permitir así los tiempos dramáticos.
- Tipos amplios, Cada uno de los personajes ha sido creado a mano por lo que resaltan
anónimos e ciertas imperfecciones propias del stop motion. El cabello está hecho
individualizado con pelo artificial a diferencia del cabello moldeado típico de la
s: individuos técnica, lo que implica el movimiento natural del mismo, añadiendo
portadores de realismo a los personajes. (Fig. 1.21)
maleficios Cada uno de los personajes de Coraline y la puerta secreta tiene su
(arquetipo de la contraparte en el mundo alterno. Los únicos personajes que no tienen
madre, heroína) un doble son Coraline y el gato.
- Expresión facial Coraline y la puerta secreta es una película para niños que mantiene
y corporal: ciertas convenciones del género terrorífico. Pertenece así, al género

aplastado y fantástico concluyente en el género maravilloso. Por tal se ha

estiramiento, englobado la cinta por el corte siniestro que mantiene y la
exageración, determinación de factores formales, causalidad de la narración y las
empatía, calidad convenciones serán analizadas en base a este corte.
de realismo, La interpretación que hace cada personaje muestra la exageración
nivel de que necesita una marioneta que será animada mediante stop motion.
verosimilitud y Este es uno de los principios de la técnica y es claramente apreciable
naturalidad del en el movimiento de cada personaje en escena apoyando los tiempos
movimiento del dramáticos que se dan, generando una interpretación estilizada. Una
personaje. actuación más realista restaría efecto en la forma global de la cinta
- Factores afectando a la percepción que se tendría de la misma.
contextuales Cada uno de los personajes mantiene un doble en el mundo alterno
importantes que cumple con las expectativas que tiene Coraline. Tanto la
cuando el expresión facial como el tono de voz y la personalidad de cada uno
personaje no es cambia radicalmente entre mundos; un factor que aporta a que esta
humano: diferencia se note, es el uso de color e iluminación cálidos en el otro
encuadre, mundo a diferencia de las tonalidades en escala de grises e
montaje, otras iluminación natural en el mundo real. El uso de colores vivos en el
técnicas mundo alterno influye en la apariencia divertida y extravagante de
los dobles que aparecen en esta realidad, la extravagancia del
maquillaje y vestuario es característica de las convenciones del
terror; la aparición de elementos mágicos y exagerados como el tren
de la salsa en la otra casa o los perros como espectadores en el teatro
de Spink y Forcible denotan la fantasía aparentemente soñada de
Coraline en sus dos primeras visitas. Los personajes se comportan de
una manera ilusoria de acuerdo a los eventos ofrecidos en cada una
de las maravillas por lo que Coraline piensa que lo vivido es un
sueño.
La tipificación no aplica a ninguno de los personajes ofrecidos en la
cinta. Ninguno de los personajes está estereotipado y cada uno es una
creación individualista del personaje, este detalle asume a una de las
características de lo siniestro que es lo desconocido. Cada personaje

mantiene un rasgo fantástico como el cabello azul de Coraline, los

enormes pechos de Forcible, la piel azul de Mr. B o la postura irreal
de Wybie. Este hecho implica que cada personaje tiene motivaciones
psicológicas de desenvolvimiento que apoyan a las convenciones
siniestras.
El uso de movimientos de cámara afecta la percepción del espectador
sobre la interpretación de los personajes. En Coraline y la puerta
secreta, existe un travelling in al momento de conocer a algunos
personajes y en momentos importantes del argumento que aportan a
las convenciones de lo siniestro. Otro rasgo relacionado al
movimiento de cámara que aporte al desenvolvimiento del personaje
son los ángulos contrapicados en momentos siniestros del argumento.
Cuando el otro padre ha perdido vitalidad y se encuentra en el otro
estudio, al momento de gesticular la cara larga que puso Wybie, hay
un movimiento de cámara hacia el interior de la escena con un
contrapicado que fortalece el efecto terrorífico del texto. El mismo
travelling in más contrapicado se repite cuando la otra madre revela
su verdadera identidad maligna. (Fig. 1.22 y 1.23)
El elemento visual principal de la puesta en escena de Coraline y la
puerta secreta es la creación y animación en stop motion de foros y
personajes. Si bien es cierto que reconocer la forma en que una
película ha sido rodada no es siempre sencillo, el análisis
cinematográfico permite identificarlo. Los rasgos que revelan que
Coraline y la puerta secreta ha sido realizada mediante stop motion
es la fluidez limitada de los movimientos, la imperfección de los
personajes y decorados creados a mano que denotan su carácter
artesanal y la creación no realista de la forma global en el argumento.
El reconocimiento del uso de esta técnica es de gran utilidad para los
principios fundamentales de la organización total de la película: su
unidad y sus modelos de similitud, diferencia y desarrollo.
Los personajes artesanales y las características de cada uno, dividen
la película en escenas y contrasta entre ellas las diferencias y

similitudes entre ambos mundos. La puesta en escena restringe la

narración al mostrar la concepción de la visión generada por el stop
motion.
Mel Jones, la madre de Coraline, tiene la apariencia de una mujer
cansada y seria. El estrés laboral y el accidente del cuello le dan una
personalidad seca con su hija; la otra madre ofrece todo lo que
Coraline quiere y tiene una apariencia más juvenil. La madre real se
ve desaliñada y la otra madre bien arreglada y carismática. La voz de
ambas madres es la misma con la sutil diferencia que la otra madre
es más dulce al inicio y al final del argumento habla casi a alaridos.
La otra madre es la antagonista de la película y cumple con las
características de lo siniestro femenino, pues es el otro del personaje
real de la madre y además tiene el deseo de quitarles los ojos a los
niños (relacionado al complejo de castración). Este personaje aporta
a su caracterización siniestra manteniendo siempre su plato de
comida vacío. La marioneta de la madre, creada a mano, muestra
ciertas imperfecciones que reflejan la técnica de rodaje aplicada. El
movimiento revela que la manipulación del animador es la causante
de dotar de vida a la marioneta.
Otra característica de lo siniestro con la que cuenta la otra madre es
ser el personaje portador de maleficios. Este ser puede crear una
realidad acorde a las necesidades de su víctima a partir de la
información que le da la muñeca espía en la casa de Coraline. Cuando
no puede apoderarse de los ojos de la niña, su fuerza se ve debilitada
y con ello las maravillas que le ofreció, revelando la verdadera
identidad terrorífica de cada una de ellas. (Fig. 1.24 y 1.25)
Charlie Jones, el padre de Coraline, cumple con el arquetipo del
padre condicionado a lo que la madre decida. También está
sumergido en la realización del catálogo de jardín por lo que siempre
está estresado y trata de mantener ocupada a Coraline con otras cosas
para que no interrumpa su trabajo. Charlie mantiene una postura
encorvada y la apariencia de un hombre cansado (ojeras, cejas caídas

y joroba), situación que se refleja en su andar y hablar. Pese a ello

busca darle más atención a Coraline que su madre y suele darle
muestras de cariño. Su versión doble en el mundo alterno, es un padre
emocionante, de actitud activa y apariencia elegante. El cabello
peinado y la actitud de músico le dan personalidad a este personaje.
La voz de ambos padres es la misma con la diferencia propia de cada
personaje: para el padre real la voz es cansada mientras que el otro
padre suena alegre y vivaz, conforme avanza la trama, la voz del otro
padre cambia y se vuelve aletargada, pastosa y, en su última escena,
polifónica. (Fig. 1.26 y 1.27)
Wybie es un personaje causal debido a que él entrega la muñeca a
Coraline y luego, tanto en la realidad como en la versión alterna,
ayuda a la protagonista. Se muestra excéntrico y espía usualmente a
Coraline. Los movimientos de este personaje son vagos, mantiene
una postura encorvada y la cabeza extremadamente inclinada hacia
un lado; este rasgo lo hace diferir de una persona normal y lo dota de
cierta extrañeza. El Wybie real tiene una voz un tanto dubitativa
aunque insistente, mientras el otro Wybie no habla por un arreglo
realizado por la otra madre para comodidad de Coraline. (Fig. 1.28 y
1.29)
Mr. Bobinsky, excéntrico cirquero que aparenta problemas de
alcoholismo, es un personaje que a lo largo de la cinta da muestras
de su habilidad acrobática. Es el primer personaje que ofrece una
maravilla en la realidad alterna de Coraline (fuera del padre) y
también advierte sin saberlo en la realidad. El otro Mr. B es más
elegante y se ve más arreglado y en forma. La voz de ambos es la
misma con las diferencias propias de la personalidad de cada
realidad. La evolución del otro Mr. B cuando Coraline busca los ojos
de los niños, lo convierte en un cuerpo invertebrado que se
contorsiona sin problema, este rasgo cumple con la característica de
lo siniestro de dotar de vida a lo inanimado. La voz muestra la
influencia del alcohol y cuando se va a descubrir que la causa del

movimiento de su cuerpo es porque está compuesto por las ratas

cirqueras, la voz se torna polifónica. (Fig. 1.30 y 1.31)
Srtas. Spink y Forcible, actrices inglesas retiradas que viven rodeadas
de perros vivos y disecados. La actitud de ellas es elegante pero
marcada por la vejez y la lucha por evitarla. Spink camina con un
andador y Forcible lentamente. Ambas tienen una voz chillona y
advierten a Coraline sobre su peligro al igual que Mr. B. En el otro
mundo, ambas son jóvenes acróbatas que luego se convierten en una
especie de gemelas de dulce, apelando al doble siniestro. (Fig. 1.32
y 1.33)
El gato es el principal ayudante y guía de Coraline y el único
personaje que puede transportarse entre ambos mundos. Representa
al principal obstáculo de la madre y resalta que esta odia a los gatos
pero que él puede burlarla cruzando al otro mundo a su gusto. Este
personaje muestra claramente su creación manual, su cuerpo muestra
el moldeado y el efecto de pelo sobre la superficie que lo compone.
Sus movimientos son sigilosos y tiene la voz tranquila de un hombre
adulto.
El uso de stop motion también favorece a este personaje, que de haber
sido rodado con personajes reales, hubiese sido más complicado
conseguir el efecto protector y alerta que tiene el gato. El rodaje
fotograma a fotograma permite que el gato tenga sutiles expresiones
faciales y gestos creados que acentúan su estado de alerta sin
necesidad de acudir a planos muy cerrados. (Fig. 1.34)
Coraline, protagonista del filme, es la marioneta más meticulosa de
todo el reparto. Usa varios cambios de ropa y tiene 200,000
expresiones faciales. Se crearon 28 muñecos diferentes para la
recreación de Coraline. La apariencia de la niña es segura y confiada,
pero manteniendo la actitud de una niña de su edad, sus expresiones
van desde la sorpresa hasta el terror y su voz (Dakota Fanning) se
matiza según el momento del argumento. En este personaje resalta el
cabello azul que tiene que moverse de acuerdo al contexto. Una

escena donde se nota claramente el uso de stop motion es cuando

Coraline sacude el cabello luego de que se moja en la ducha de su
casa.
El personaje de Coraline ofrece una evolución a lo largo de la cinta,
desde el desconocimiento del peligro que corre, hasta el momento en
que destruye a la antagonista de la película luego de haber aprendido
cómo hacer tal cosa. Entra entonces dentro del arquetipo del héroe
que recibe la llamada a la aventura, tiene ayuda sobrenatural, pasa
por un camino de pruebas y finalmente rescata al mundo exterior.
El hecho de que la heroína sea una niña, incrementa las sensaciones
siniestras. Si se tratase de un adulto, el riesgo que correría sería
aparentemente menor que el que corre una niña que tiene que
aprender a defenderse sola. (Fig. 1.35)
Localizar patrones de las técnicas dentro de toda la película

Estructuración de Un patrón repetitivo a lo largo de la película es el uso de transiciones
las técnicas cruzadas para cambiar de escena. El efecto que produce esta
Reacciones transición es de ambigüedad y relación entre las escenas que usan
Modos en los que se este corte. El efecto fortalece la sensación siniestra al pasar de la
refuerzan los escena donde los otros padres arrullan a Coraline a la escena donde
patrones de la se despierta y el lugar que ocupaba la otra madre está ocupado ahora
organización por la muñeca que espía la vida de Coraline.
narrativa Los travelling in más ángulo contrapicado en primeros planos
permite que las imperfecciones del trabajo manual del stop motion
resalte aún más. Añadido a la sensación de inercia de las marionetas
ambos elementos del estilo cinematográfico de Coraline y la puerta
secreta potencian los efectos siniestros de la cinta.
Proponer funciones para las técnicas destacadas y los patrones que forman
Papel que Cada técnica repetitiva identificada en la película, fortalece las
desempeña el estilo convenciones de lo siniestro: el uso de dobles cuyos rasgos manuales
en la forma global son bastante notorios refleja la apariencia inerte de las marionetas,
de la película más lo paralelismos entre ambos mundos que definen al otro mundo

Efectos de la como una especie de escenario de personajes monstruosos. Lo

película siniestro se demuestra a partir de ciertas cosas inanimadas que cobran
vida y que lo siniestro se revela tras algo familiar y conocido que
libera algo que debe mantenerse oculto según la teoría. Los
elementos cotidianos que se utilizan en el stop motion de Coraline y
la puerta secreta permiten la reproducción de esta premisa a
diferencia de la animación por computadora, que posee de por sí la
vitalidad que otorgan las texturas computarizadas a los personajes y
objetos pertenecientes a una producción cinematográfica.
Los travelling usados aportan al tiempo dramático ofrecido en la

cinta: al acercar el plano se permite reducir la profundidad de campo
y hacer más énfasis en los rasgos terroríficos que propone cada
personaje.
La animación fotograma a fotograma utilizada en la puesta en escena
ofrece movimientos imprecisos responsables de la carga emocional
que tiene el carácter artesanal de esta técnica. Sumado a las
convenciones siniestras como el complejo de castración, los dobles,
lo fantástico soñado en lo real producen las sensaciones de
incertidumbre y terror.
Análisis del sonido

El sonido en Coraline y la puerta secreta se divide en diálogos,
Nivel, tono, timbre
efectos de sonido y música o banda sonora.
Diálogos, música, La banda sonora es atípica y consta de temas cantados y partes

efectos sonoros instrumentales. Los sonidos no diegéticos de la banda sonora aportan
atmósfera a la escena. Cuando Coraline corre luego de asustarse con
Ritmo, fidelidad, el maullido del gato, la música enfatiza la sensación de terror. En la
espacio, tiempo misma escena también colaboran los sonidos diegéticos como los
truenos al momento de la primera aparición de Wybie. Ambos
elementos fortalecen las convenciones siniestras y terroríficas.
El fondo musical refuerza el desarrollo de la secuencia, los tiempos
lentos difieren de la escena cálida de una cena o de un encuentro

familiar y acentúan la sensación de que algo no está bien para dar

pase a las sensaciones ominosas del stop motion.
Un tintineo suena cada vez que está por descubrirse algo fantástico
como la llegada de la muñeca a manos de Coraline, cuando descubre
la puerta secreta o cuando se revela el túnel al otro mundo.
El efecto recurrente de vidrios lustrándose encauza la atención de
manera bastante específica hacia un objeto. El sonido se repite desde
que los padres de Coraline desparecen y la verdadera madre pide
ayuda escribiendo en el espejo. El sonido se repite en la sala del
mundo paralelo y finalmente revela que los padres están escondidos
en la bola de nieve de Detroit Zoo.
Las canciones corales son galimatías, lo que refuerza las
convenciones siniestras atendiendo al efecto eufórico que puedan
tener las palabras.
El timbre de voz de los personajes originales y de sus versiones
alternas en el otro mundo también afectan las sensaciones que
producen, el diferir entre sus tonos de voz influye como característica
de diferencia entre los personajes de uno y otro mundo fortaleciendo
la característica de otredad como parte de las convenciones de lo
siniestro.
Nota: El patrón de los otros en el mundo alterno de Coraline responde a uno de los recursos artísticos de lo
siniestro, donde necesariamente el otro funciona como un monstruo que obedece a leyes desconocidas y
contradice la lógica. Esto produce un efecto siniestro que se ve reforzado en el complejo de castración evocado
a los ojos. La pérdida de los ojos representa según la teoría la angustia infantil por lo que el miedo a perderlos
evoca el sentimiento siniestro, ya que los ojos son órganos representativos de la personalidad.
Otro momento importante en la trama que refleja la relación del stop motion y lo siniestro, son dos escenas
donde hay interacción con insectos: Coraline mata 12 bichos en la ducha y la otra madre ofrece chocolates en
forma de escarabajo que se mueven constantemente. El movimiento de estos es repetitivo respondiendo a la
animación menos fluida del stop motion, pero donde el movimiento mecánico y compulsivo provoca el efecto
siniestro, según la teoría, próximo al de las crisis epilépticas. Fuente: Bordwell B. y Thompson K. (1995) El
arte cinematográfico. Barcelona: Paidós.

Figura 1: Coraline deja la muñeca Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 2: Palacio Rosa real Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 3: Palacio Rosa alternativo Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 4: Jardín real Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 5: Jardín mundo alterno Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 6: Casa real Mr. Bobinski Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 7: Casa alterna Mr. Bobinski Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 8: Casa real de las actrices Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 9: Casa alterna de las actrices Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 10: Cocina real Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 11: Cocina del otro mundo Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 12: Estudio real Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 13: El otro estudio Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 14: Túnel al otro mundo Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 15: La vuelta al mundo Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 16: Cañones de algodón Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 17: Plantas carnívoras Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 18: Personajes de la película Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 19: Sombra inherente Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 20: Luz contrapicada Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 21: Imperfecciones Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 22: Padre escena siniestra Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 23: Madre siniestra Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 24: La verdadera madre Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 25: La otra madre Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 26: El verdadero padre Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 27: El otro padre Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 28: Wybie real Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 29: Wybie del mundo alterno Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 30: Mr. Bobinski real Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 31: El otro Mr. Bobinski Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 32: Spink y Forcible reales Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Figura 33: Spink y Forcible del otro mundo Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.
Figura 34: Gato Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Coraline Jones Fuente: Película Coraline y la Puerta Secreta.

Modelos actanciales
Eje del saber
Ojos de
Otra Coraline Otra madre
madre
Eje del deseo
Muñeca Otra madre Gato
Eje del poder
Figura 36: La otra madre, que cumple con las características de lo siniestro planteadas por Freud, mantiene los
maleficios, genera los dobles en el mundo alterno, se muestra como lo fantástico soñado en lo real y es la
encargada de las amputaciones de ojos de los niños. Ella brinda la información sobre su necesidad sobre los
ojos de Coraline y al mismo tiempo es la beneficiada. El objeto de su deseo son los ojos de Coraline y cuenta
con la ayuda la muñeca, ente siniestro que espía a la niña y le comunica todo a la otra madre. Esta es una
muñeca idéntica a Coraline que funciona como un doble inanimado que en ocasiones aparece en sitios
diferentes a donde se la dejó. El gato es el oponente de la otra madre, pues, trata de evitar que esta logre su
cometido. Cumple con el papel de protector de Coraline detalle que se demuestra en sus gestos enfatizados
manualmente. Fuente: Elaborada por la autora en octubre 2018.

Eje del saber
Ojos del tercer

Coraline Niña
fantasma
eje del deseo
Ratones
Gato Coraline Otro Mr. B
Eje del poder
Figura 37: Coraline es el sujeto que actúa como héroe en este modelo, donde el objeto de su deseo es el ojo
del tercer fantasma, el gato la ayuda y los ratones (que componen el cuerpo del otro Mr. B) se oponen. Coraline
propone el reto de hallar el tercer ojo del fantasma, así que ella es la destinadora mientras que la niña dueña de
los ojos, es decir, el tercer fantasma, sería el destinatario. La función que cumple el otro Mr. B cuyo cuerpo se
conforma por ratones, lo que permite la contorsión de la misma, es generar terror y atemorizar a la heroína; así,
la asimetría de este personaje hiperboliza la narrativa siniestra. La composición física de Mr. B implica una
plástica que le permite al personaje mostrarse como una persona, pero al mismo tiempo insinuar que está
conformado por algún elemento incógnito que luego se da a conocer, representación ideal del concepto
unheimlich. Fuente: Elaborada por la autora en octubre 2018

Eje del saber
Esconder
Fantasmas Coraline
la llave
eje del deseo
Wybie Coraline Otra

madre
Eje del poder
Figura 38: El sujeto es Coraline nuevamente como heroína del argumento donde el objeto de su deseo es
esconder la llave que la otra madre quiere. Wybie la ayuda y la otra madre se opone. Cada uno cumple con el
papel necesario para conseguir que Coraline consiga su objetivo y alcance la madurez como heroína. La otra
madre se manifiesta a través de una mano hecha por agujas que aparentemente ya no tiene vida, pero sigue
moviéndose indiscriminadamente para evitar que Coraline cumpla su objetivo, denotando un nuevo rasgo de
lo inanimado que cobra vida en dos sentidos: la ausencia real de vida en una mano hecha de agujas y la vida
no orgánica de la marioneta que representa al elemento. Wybie entra en ese momento a dar soporte a la
protagonista y evitar los ataques siniestros de la otra madre. Los fantasmas advierten a Coraline que tiene que
esconder la llave por lo que se convierten en los destinadores y Coraline es la beneficiada al obtener este
conocimiento. La relación ayudante-oponente debe ser equilibrada por lo que la actitud siniestra de la otra
madre se compensa con la personalidad inquietante de Wybie que mantiene una personalidad extraña
acompañada de una vestimenta poco usual y un comportamiento corporal anormal para un ser humano (cabeza
extremadamente inclinada, gestos tristes) que responden a la asimetría de la técnica y a la naturaleza hiperbólica
de la narrativa. Fuente: Elaborada por la autora en octubre 2018

Eje del saber
Otra madre Nueva vida Coraline
eje del deseo
Túnel Sujeto Pared de ladrillos
Eje del poder
Figura 39: Coraline nuevamente como protagonista tiene como ayudante y oponente al túnel y la pared de
ladrillos respectivamente, que cumplen como el mismo elemento dentro de la puesta en escena y se convierten
en la metáfora de la separación de los dos mundos, cumpliendo así con la característica siniestra de los dobles
y un tema recurrente en el expresionismo alemán. Este rasgo de doble comportamiento responde a lo fantástico
soñado en lo real pues durante la noche, la pared de ladrillos se convierte en el túnel que conecta a Coraline
con el otro mundo, permitiendo que la niña no descubra que en realidad está acudiendo a una trampa de la otra
madre y comportándose confiadamente como si se tratara de un sueño. El objeto de deseo de Coraline es una
nueva vida alegre y dinámica opuesta a su vida real; la destinadora de información es la otra madre quien le
enseña todas las maravillas que tiene el mundo alterno mientras la destinataria es la misma Coraline, pero con
botones en los ojos que sería el rasgo que le permitiría ser parte de este mundo. El detalle de los ojos de botones
implica la castración de los ojos (órganos representativos de la personalidad) que remiten a la angustia por la
castración que propone Freud, pérdida que representa una cualidad de lo siniestro. Fuente: Elaborada por la
autora en octubre 2018

Eje del saber
Ganar el
Coraline Fantasmas
juego
eje del deseo
Gato Coraline Otra madre
Eje del poder
Figura 40: Coraline tiene como ayudante al gato que cumple con el papel de protector, las características y
gestos que le permite tener el stop motion a la marioneta del gato permiten mayor naturalidad en la personalidad
y desenvolvimiento del personaje lo que refuerza la actitud protectora que tiene con la protagonista. La
oponente es la otra madre que cumple con las características de lo siniestro, enfatizando en su función de ser
maligno, el no saber de dónde proviene la madre y por tanto considerarla un ser cuya vitalidad existe realmente.
Todas las características mencionadas se ven reflejadas en la plástica que obtienen cada uno de estos personajes
para demostrar que ambos son seres fantásticos cuyo origen físico se desconoce. El objeto del deseo de Coraline
es ganar el juego que ella misma le propone a la otra madre, por tanto, es ella misma la destinadora y los
fantasmas que recuperarían sus ojos, serían los destinatarios. Fuente: Elaborada por la autora en octubre 2018

Cuadrados de Greimas
Vida aserción Muerte

contrariedad
implicación implicación
complementariedad complementariedad
aserción
No muerte No vida
contrariedad
Figura 41: Este cuadrado responde al aspecto siniestro de lo inanimado que cobra vida. El término lógico de
oposición a la vida es la muerte, sin embargo, lo que se busca representar es la ausencia de vida sin tener como
condicional a la muerte; por tanto, esta contrariedad ilógica es un claro signo de la incertidumbre intelectual
que propone Jentsch: dudas que se sufren al no identificar el carácter animado o inanimado de las cosas y la
sensación de angustia propia de lo siniestro al no poder interpretar el sentido correcto del cuadrado. Fuente:
Elaborada por la autora en octubre 2018

Estiramiento aserción Rigidez

contrariedad
aserción
Vida No vida
contrariedad
Apariencia
Figura 42: El estiramiento – y aplastado – principio del stop motion se aplica a la maleabilidad del material
usado en personajes y elementos fílmicos, denotando realidad, y, por tanto, representando vida. La rigidez y
falta de movimiento indica la ausencia de la vida. Ambos términos (estiramiento y rigidez) se aprecian en
personajes de la película que, al ser rodada en stop motion, se toma licencias de movimiento con algunos
personajes, potenciando así el aspecto siniestro.
Según la teoría de Eisenstein, en donde las películas se componen de atracciones (elementos necesarios según
las exigencias del argumento), el argumento siniestro de Coraline requiere de elementos de stop motion para
el desarrollo de la trama. Esto se avala en la teoría formalista que indica que la técnica es la base del propósito
del film, pues, permite la experimentación en la retórica audiovisual. Fuente: Elaborada por la autora en octubre
2018

Presencia benigna aserción Presencia maligna

contrariedad
aserción
Gato La otra madre
contrariedad
Figura 43: Una de las características de lo siniestro es la presencia de dobles. La otra madre, que cumple con
este tópico, representa una amenaza para los personajes y por tanto es una presencia maligna reforzando la
teoría del género fantástico; mientras que el gato por su parte, que es un personaje benigno, no tiene un doble.
De esta manera, la otra madre contradice a una presencia benigna y refuerza esta caracterización al ser un doble
de la realidad alterna del Palacio Rosa. Fuente: Elaborada por la autora en octubre 2018

Naturaleza hiperbólica
Simetría aserción Asimetría

contrariedad
aserción
Coraline La otra madre
contrariedad
Protagonistas
Figura 44: Según el expresionismo alemán, la asimetría de elementos es una característica siniestra en un film,
que refuerza los argumentos de los dobles y las realidades paralelas y adopta una fuerza dramática. La otra
madre es un personaje antagónico que contraria a Coraline por los rasgos mencionados. Del mismo modo, se
complementa con la asimetría de sus rasgos una vez que pierde su vitalidad, asimetría posible por la creación
artesanal que implica su realización en stop motion. Fuente: Elaborada por la autora en octubre 2018

Unheimlich aserción Heimlich

contrariedad
aserción
Ominoso Conocido
contrariedad
Figura 45: Unheimlich-heimlich. Fuente: Elaborada por la autora en octubre 2018

Mundo paralelo aserción Mundo real

contrariedad
aserción
Coraline soñando Coraline despierta
contrariedad
Figura 46: Incertidumbre de lo real. Lo fantástico soñado en lo real. Elaborada por la autora en
octubre 2018

Mundo paralelo aserción Mundo real

contrariedad
aserción
Botones Ojos
contrariedad
Figura 47: Amputaciones. Castración de órganos representativos de la personalidad. Fuente:

Elaborada por la autora en octubre 2018

CAPÍTULO IV. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES
4.1 Discusión
El estudio de la manifestación de las características de lo siniestro en la narrativa en stop
motion ha permitido adquirir fuentes y resultados muy ricos frente a los instrumentos
propuestos para el análisis mencionado. Tanto las fuentes teóricas como los resultados
arrojados por el estudio generan una sinergia debido al carácter similar de los estudios
previos como de los nuevos descubrimientos a partir de la unidad de estudio.
El punto de inicio que determina el alcance de lo estudiado es la teoría de Sigmund Freud
(1919) donde se determina que la raíz es lo ominoso guarda directa relación con lo
terrorífico. Aporta también Wells (2007) que indica que el stop motion permite diseñar
espacios para narraciones surrealistas y sobrenaturales.
Entre los individuos portadores de maleficios que tienen personalidades tétricas o malévolas
destaca la presencia de la otra madre. Ella cumple con las características de lo siniestro
femenino al portar los maleficios, al buscar amputar los ojos de los niños y por su figura
angulosa.
Los dobles, que son personajes siniestros de aspecto idéntico, están presentes también en la
teoría del género fantástico de Todorov (1980) una de cuyas características es la polisemia
de las imágenes y en la falta de explicación natural ante los fenómenos de la trama. De
acuerdo a los principios de la forma fílmica que proponen Bordwell y Thompson (1995)
existe un paralelismo entre ambos mundos que responde al principio de la diferencia y
variación. Así, se refleja la presencia de los dobles y el contraste de sus personalidades, color

e iluminación que los acompañan; esto muestra la otredad de los personajes reales en
monstruos siniestros. Por ejemplo, las Srtas. Spink y Forcible que se convierten en dos
gemelas de dulce y apelan al doble siniestro. Asimismo, la narrativa fantástica replica la
realidad pero cambiando las estructuras universales para poder provocar miedo. Esta
estructura vendría a ser el stop motion.
Lo fantástico soñado en lo real y la teoría de la literatura fantástica apuntan al mismo
concepto: no poder diferenciar la realidad de la fantasía. La profundidad de la narración
según el análisis obtenido de Bordwell y Thompson permite identificar a la unidad de estudio
dentro del género fantástico cumpliendo con los rasgos de lo siniestro. El género fantástico
según Todorov responde a la incertidumbre entre realidad y ficción. Responde al misterio y
lo inexplicable dentro de la vida real y a su conversión en lo maravilloso cuando lo sucedido
se puede explicar por un evento sobrenatural.
Las repeticiones y la angustia de vivir una misma escena una y otra vez como cuando
Coraline despierta y sigue en el mundo alterno suman a los elementos identificados en el
análisis de Bordwell y Thompson que cumplen con determinadas funciones que fortalecen
la narrativa y el uso de la técnica. Existen también elementos similares y repetitivos que
podrían apelar nuevamente al sentido siniestro de la repetición.
En el estudio de Freud en el cuento El Hombre de arena (Hoffman, 1816) que mantiene
principios de lo siniestro similares a Coraline y la puerta secreta donde ambas narraciones
tienen personajes y situaciones pavorosas que reaparecen, se visiona la intención de
mutilación de ojos, órganos representativos de la personalidad.
El mejor rasgo de relación entre lo siniestro y el stop motion se basa en lo inanimado que
cobra vida, donde no se sabe si un ser aparentemente vivo es un ser animado. Un estudio que

refuerza lo dicho es el de Jentsch (1906) donde la incertidumbre intelectual se refiere a las
dudas que se sufren al no identificar el carácter animado o inanimado de las cosas. Responde
a lo inanimado que cobra vida según Freud. Se refleja por ejemplo en los autómatas
(procesos automáticos) al comparar la impresión que generan las crisis epilépticas o la
locura. El stop motion replica esto pues el movimiento de personajes no es 100% natural.
Un ejemplo es el otro Sr. B que es un cuerpo invertebrado que refleja fielmente lo inanimado
dotado de vida.
En este punto del conocimiento, es necesario identificar el papel que cumple la narrativa
cinematográfica como unificador de ambas variables. La relación entre la estructura de
significación del cine y la psique es la base de la teoría psicoanalítica cinematográfica,
Sangro Colón (2007) indica que el cine es un dispositivo psíquico que constituye a las
personas en sujetos y los sumerge en las emociones de la narrativa audiovisual.
El estudio de Abalia (2013) señala que el lenguaje visual penetra en el inconsciente y
produce imágenes mentales que permiten vivenciar lo siniestro que se forma según recursos
y principios significantes que generan efectos negativos. Tanto el arte cinematográfico como
lo siniestro mantienen un vínculo cercano por la dimensión psíquica que comparten. Por su
parte, el stop motion mantiene la característica de la singularidad frente a otros tipos de
animación por la capacidad de experimentación audiovisual que tiene. Según Donoso
Astudillo (2013) el desenvolvimiento de la técnica y los campos narrativos permiten la
transferencia entre ambas para lograr el esbozo de los conceptos primarios. Así, por ejemplo,
las texturas tanto del stop motion como de lo siniestro generan incertidumbre propia de lo
siniestro; esto reforzado en los encuadres, la luz y los ángulos.

Ha sido importante también el uso de la teoría formalista para el estudio de la película pues
esta teoría enfatiza la técnica cinematográfica (puesta en escena, montaje, fotografía y
sonido) y también se soporta en la semiótica. La presente investigación acentúa el estudio
de la puesta en escena para reconocer la participación de lo siniestro y el stop motion y tiene
su soporte en el cuadro actancial para definir exactamente la función de los personajes en
determinados momentos del argumento. Esto ha permitido recoger que los resultados
obtenidos sean coherentes, de manera que se ha identificado, de acuerdo a la teoría, cómo se
organiza esta película para narrar y trasmitir sensaciones. De acuerdo al análisis
cinematográfico de Bordwell y Thompson, la película cumple con las expectativas formales
de la forma fílmica según el formato de que son el suspense, la curiosidad y la sorpresa.
En el análisis cinematográfico ofrecido también se observa que la película estudiada cumple
con los diez principios del stop motion propuestas por Naranjo Valdez y Salcedo Luna
(2010). Esto fortalece la teoría de la persistencia de la visión que propone que el paso de
imágenes simultáneas genera la ilusión de movimiento, y se producen acciones naturales
cuando se cumple con el concepto de Morphing que habla acerca del tratamiento de la forma
en los objetos de una animación hechos con un material maleable que, en el caso del stop
motion, genera las características propias de la textura.
Es importante señalar que el stop motion según Hames (2008) presenta personajes que
aparecen tener consciencia propia y no estar vivos al mismo tiempo. Según los resultados,
el movimiento de los personajes denota perfectamente la intervención manual del animador
y la cualidad de inanimado tanto de la marioneta como del personaje que representa al
ofrecer posiciones de movimiento no naturales y aletargadas. También refuerza la
exageración que impone el stop motion que resaltan las imperfecciones, el movimiento
fotograma a fotograma y los tiempos dramáticos.

El análisis ha permitido identificar que las imperfecciones en la confección manual de
personajes y elementos cinematográficos que incluye objetos y detalles abstractos y
elementos fantasiosos refuerza lo siniestro tanto por la connotación de lo inerte del stop
motion como los efectos y sensaciones de lo siniestro que refuerza la teoría del
expresionismo alemán. El contraste de tonalidades de colores, iluminación y formas entre
un mundo y otro producen las sensaciones de tenebrosidad a las que apela el expresionismo
y su narrativa.
El término Die Brücke (el puente) del expresionismo alemán explica la metáfora de
separación de dos realidades y la provisionalidad de la condición humana denotando el paso
de un estado a otro. Uno de los resultados indica que, dentro del film, el túnel funciona como
atrezzo de la construcción pues es el elemento del decorado que funciona de forma activa en
la acción. Además, el expresionismo alemán refuerza ciertas cualidades de lo siniestro como
la muerte los miedos, la fantasía, las realidades paralelas y las dobles personalidades. Estos
aspectos se ven demostrados en el film haciendo uso del claroscuro, distorsión de formas,
ángulos, sombras y desproporciones debido a la naturaleza hiperbólica propia del
expresionismo y del stop motion en su principio de la exageración.
Un punto interesante que arroja la investigación es que el maquillaje estrafalario refuerza las
convenciones de lo siniestro y del expresionismo alemán que resalta el uso de maquillajes
exagerados y oscuros como parte de la corriente. La iluminación igualmente aprovecha al
máximo las sombras y la generación de texturas y contornos definidos que se producen al
proyectarse desde un contrapicado. Genera así, dramáticos efectos siniestros y
expresionistas. Se define así lo que indica Rojas (2015) cuando dice que el expresionismo
alemán busca transmitir emociones y se basa en los estados del alma como los miedos,
fantasías y sueños.

Otro aspecto relevante al interior de esta investigación es la interactividad mental que tiene
el producto audiovisual con el espectador. El formalista Münsterberg (1916) indica que el
cine es un fenómeno mental donde la realidad se convierte en objeto de la imaginación y se
genera la creación psicológica de la película en la mente. Por su parte, Metz señala que el
cine implica procesos del inconsciente y por tanto los significados se activan durante el
visionado (1974). El efecto siniestro se refuerza cuando el espectador adopta como real la
narrativa. La teoría cinematográfica identifica al cine como un proceso cuya
esquematización permite relacionarlo con los aspectos de la vida y elementos reales
presentes en el film (atrezzo). Así, las imágenes de un filme se organizan como un sistema
de signos y símbolos en los que se convierte la historia según la técnica utilizada. El punto
destacable de este párrafo radica en la capacidad del realizador cinematográfico de elegir las
percepciones de la realidad con las que construirá un universo narrativo acordes al propósito
y razón de ser del film.
El estudio de Mitry presentado en la tesis de Cañizares Fernández (2002) permite explicar
la relación entre el concepto de lo siniestro y el uso de la técnica del stop motion para la
realización del film, a partir de determinadas percepciones de la realidad que elige el director
para poder construir el mundo cinematográfico con los foros y personajes necesarios. Según
el análisis realizado, el uso de la técnica para la puesta en escena permite la transformación
del concepto en un mundo complejo que contiene alto significado humano, personajes
consolidados reflejados en marionetas empáticas y con un argumento penetrante. Para
complementar esto, lo propuesto por Wells (2007) dice que el stop motion es efectivo para
narraciones sobrenaturales, reflejado en un argumento sombrío o en un ambiente gótico; y
Hames (2008) que señala que el stop motion presenta personajes donde es difícil diferir entre
si son seres animados verdaderamente o un tercero los dota de vida.

Luego del estudio de las bases y los resultados arrojados por la investigación, tanto el stop
motion como lo siniestro (apoyado en el expresionismo alemán y el género fantástico)
resaltan la intensidad de la vida no orgánica. La incertidumbre de lo fantástico aplica a la
presencia o ausencia de vida tanto como lo siniestro mismo. Igualmente, el hecho de que los
personajes no estén estereotipados y no tengan un aspecto lógico fortifica la característica
de lo desconocido en lo familiar que indica lo siniestro, además de los rasgos fantásticos y
extravagantes de la creación artesanal. Estos personajes del mundo alterno funcionan como
monstruos que obedecen a leyes que contradicen la lógica tanto en la narrativa como en la
realización física de la técnica.
4.2 Conclusiones
Los datos obtenidos en los instrumentos de análisis escogidos para la presente tesis permiten
concluir que las características de lo siniestro se manifiestan significativamente en la
narrativa en stop motion de la película Coraline y la puerta secreta. Esto se debe
principalmente a que lo siniestro consiste en algo inanimado que cobra vida: las marionetas
en inercia tienen movimiento debido al trabajo del animador. Lo siniestro también apela a
que algo que debe mantenerse oculto se revela tras un manto de familiaridad y cotidianeidad:
los elementos y marionetas creados para la animación en stop motion son obtenidas del
mundo real por lo que mantienen un aspecto artesanal e imperfecciones marcadas.
En general, la película Coraline y la puerta secreta comprende la técnica de stop motion que
se vincula directamente con lo siniestro, al comprender el uso de marionetas (seres
inanimados que cobran vida mediante el estímulo del animador). En cuanto al argumento,
mantiene claras manifestaciones de lo siniestro. Como punto más importante, se concluye
en que tanto técnica como argumento apuntan al mismo efecto generado. Respecto a las
características de lo siniestro y la narrativa en stop motion se detalla a continuación:

La película responde adecuadamente a la mayoría de las características de lo siniestro
estudiadas en la presente investigación:
1. Individuos portadores de maleficios: la otra madre es catalogada como una bruja y a lo
largo del film se aprecia cómo realiza ciertos maleficios, al crear una realidad alterna o por
su capacidad de transformarse en cualquier ser que ella quisiese.
2. Los dobles: cada personaje tiene un doble de aspecto idéntico en el otro mundo que conoce
la forma de parecer y ser del personaje original. La otredad se muestra como una versión
deformada y monstruosa del personaje real.
3. Lo inanimado que cobra vida: esta categoría aplica a un personaje en específico que es la
muñeca espía que desaparece y aparece en lugares diferentes y también a la creación de las
marionetas en general que se mueven gracias a la técnica del movimiento fotograma a
fotograma. El no saber si un ser aparentemente vivo es en realidad un ser animado genera la
sensación de incertidumbre.
4. Las amputaciones: el objetivo de la otra madre es sacarle los ojos a los niños que atrapa
para coserles botones en su lugar.
5. Lo fantástico soñado en lo real: El límite entre fantasía y realidad se borra cuando Coraline
cruza al otro mundo en medio de la noche. Esto hace que la protagonista piense que este
viaje sea parte de un sueño y el no poder diferenciar la realidad de la fantasía genera angustia.
La narrativa en stop motion de la película respeta los principios básicos de este tipo de
animación para generar la sensación de movimiento que la caracteriza.

1. Aplastado y estiramiento: los movimientos naturales y gestos maleables demuestran que
las marionetas creadas para la realización de Coraline y la puerta secreta están hechas con
materiales flexibles.
2. Anticipación: la acción sigue el movimiento del protagonista reduciendo otras acciones
para permitirle ser el centro de atención.
3. Follow - Through y acción traslapada: cada movimiento es ordenado (por ejemplo al
caminar, una pierna delante de otra acompañada del movimiento de brazos) generando el
resultado físico de una acción natural.
4. Arcos: cada personaje tiene un desenvolvimiento natural debido a que el animador genera
acciones en arcos.
5. Aceleración y desaceleración: el movimiento de las marionetas se nota natural debido a
la acumulación y retraso gradual cuando inician y terminan de caminar, correr, hacer
piruetas, etc.
6. Tiempos: cada muñeco, como parte de su personalidad, se mueve creando énfasis de
acuerdo a su comportamiento, acompañado de la sincronización física que implica.
7. Acción secundaria: en escenas donde hay más de un personaje, los personajes o elementos
secundarios muestran movimientos sutiles que añaden significado, como cuando Coraline
visita el teatro y todos los perros mueven las colas y menean la cabeza.
8. Exageración: efecto propio de la animación en especial del stop motion que necesita
mayor énfasis en los movimientos para generar el efecto deseado y de paso dotar de una
personalidad específica a las marionetas. Este principio también permite la generación de
los efectos de lo siniestro.

9. Puesta en escena: los elementos usados para esta película han sido sacados de la realidad
(palomitas de maíz, dedales, etc.), además se han usado ángulos que enfatizan los aspectos
siniestros e iluminaciones que contrastan los dos mundos paralelos existentes en la trama.
La puesta en escena responde a la estilística del filme en términos generales; y por tanto
aporta significativamente al desarrollo de una trama. En el caso particular del stop motion,
es conveniente considerarlo también un elemento básico en el uso de la técnica.
10. Empatía: la fusión de los elementos anteriores, en especial el tiempo dramático y la
exageración producen una relación emocional con el espectador a raíz del desarrollo de la
trama.
4.3 Recomendaciones
Al investigador, aplicar los instrumentos propuestos en otra serie de películas que mantengan
el mismo corte y poder comparar, corroborar y fortalecer lo propuesto en la hipótesis y
analizar las películas: The adventures of Mark Twain (1985), The nightmare before
christmas (1993), Corpse Bride (2005), Frankenweenie (2012) y de los cortometrajes
Vincent (1982) y The Sandman (1991).
A la academia, aumentar los de estudios sobre los principios básicos de la animación a partir
del movimiento fotograma a fotograma para ampliar el espectro y utilizar los conocimientos
adquiridos para nuevas producciones fílmicas y reducir la ausencia de investigación
cinematográfica en especial en el campo de la animación.
A las Facultades de Comunicaciones o Cinematografía, realizar una propuesta de un análisis

cinematográfico a partir de los principios y convenciones propios de la animación.
A los productores cinematográficos, considerar el stop motion como técnica posible y

adecuada para el rodaje de cintas con carácter siniestro.

REFERENCIAS
Abalia, A. (2003). Lo siniestro femenino en la creación plástica contemporánea. (Tesis
doctoral). Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea, Vizcaya,
España.
Andrew, D. (1993). Las principales teorías cinematográficas. (2ª edición). Madrid:
Ediciones Rialp.
Arenas, C. (2013). El renacimiento del stop motion. Universitat de València, Valencia.
España.
Bordwell B. y Thompson K. (1995) El arte cinematográfico. Barcelona: Paidós.
Brisset, D. (2011) Análisis fílmico y audiovisual. Barcelona: Editorial UOC.
Caillois, R. (1965) Au coeur du fantastique. Paris: Gallimard.
Cañizares Fernández, E. (2002) El lenguaje del cine: semiología del discurso fílmico.
(Memoria para optar al grado de doctor). Universidad Complutense de Madrid,
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Corro P, P. (2000). Un espacio siniestro en el cine de Buñuel. Instituto de Estética Pontificia
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ANEXOS
ANEXO n°1
Formato de análisis cinematográfico basado en la propuesta de Bordwell y Thompson
Para empezar:
Analizar el tipo de forma que mantiene la película: narrativa o no narrativa.
Expectativas formales:
Suspense: alude al retraso en el cumplimiento de una idea preconcebida.
Curiosidad: capacidad para estructurar hipótesis sobre acontecimiento anteriores (factor
importante en la forma narrativa).
Sorpresa: resultado de una expectativa que descubrimos como equivocada.
Principios de la forma fílmica: referente a cada sistema de elementos
Función
Similitud y repetición
Diferencia y variación
Desarrollo (segmentación)
Unidad/desunidad
Preguntas para los principios de la forma fílmica:
1. De cualquier elemento de la película nos podemos preguntar ¿cuál es su función
dentro de la forma global? ¿Cómo está motivado?
2. ¿Hay elementos o modelos repetidos a lo largo de la película? Si es así, ¿cómo y en
qué momentos? ¿Nos están pidiendo los motivos y paralelismos que comparemos
elementos?

3. ¿Cómo se contrastan y diferencian entre sí los elementos? ¿Cómo se oponen los
diferentes elementos unos a otros?
4. ¿Qué principios de progresión o desarrollo funcional a lo largo de la forma fílmica?
Más específicamente, ¿cómo revela una comparación de comienzo y el final la forma
global de las películas?
5. ¿Qué grado de unidad está presente en la forma total de la película? ¿Está la unidad
subordinada a la unidad total o domina la desunidad?
Principios del análisis fílmico:
Causa-efecto
Diferencias entre historia y argumento
Motivaciones
Paralelismos
Progresión del comienzo al final (desarrollo del argumento)
Alcance y profundidad de la narración
Preguntas para los principios del análisis fílmico:
1. ¿Qué hechos de la historia se nos presentan directamente en el argumento y cuáles
debemos deducir? ¿Proporciona el argumento algún material no diegético?
2. ¿Cuál es el primer acontecimiento de la historia que conocemos? ¿Cómo se relaciona
mediante una serie de causas y efectos con hechos posteriores?
3. ¿Cuál es la relación temporal de los hechos de la historia? ¿Se han manipulado en el
argumento el orden temporal, la frecuencia y la duración para influir en nuestra
comprensión de los hechos?

4. ¿Refleja el desenlace un esquema claro de desarrollo que lo relaciona con el
comienzo? ¿Todas las líneas narrativas consiguen clausurarse o se dejan algunas
abiertas?
5. ¿Cómo nos presenta la narración la información de la historia? ¿Se limita al
conocimiento de uno o unos pocos personajes, o se extiende libremente entre los
personajes en diferentes espacios? ¿Nos proporciona una considerable profundidad
de información de la historia mediante la exploración de los estados mentales de los
personajes?
6. ¿Pertenece esta película a un género conocido? Si es así, ¿qué convenciones de ese
género emplea la narración para guiar nuestras expectativas?
7. ¿Cuán fielmente sigue la película las convenciones del cine clásico de Hollywood?
Si se aparta significativamente de esas convenciones, ¿qué principios formales utiliza
entonces?

Estilo cinematográfico: uso unificado, desarrollado y significativo de las elecciones
técnicas concretas
Análisis del sistema estilístico
Técnica 1: Puesta en escena
- Decorados y escenarios:
- Decorados seleccionados o construidos
- Construcciones realistas o abstractas
- Uso del color
- Atrezzo
- Vestuario y maquillaje
- Uso del color
- Asignación de elementos del atrezzo al sistema narrativo
- Armonía o contraste entre vestuario y decorado
- Tipo de maquillaje según género y convenciones
- Iluminación
- Composición global del plano
- Definir texturas
- Reflejos y sombras
- Cualidad, dirección, fuente y color
- Expresión y movimiento de las figuras
- Modelos cinéticos: anticipación, follow-throgh y acción traslapada, arcos,
aceleración y desaceleración, tiempos, acción secundaria.

- Interpretación (visuales: apariencia, gestos, expresiones faciales; sonoros: voz,
efectos)
- Factores formales, causalidad de la narración y convenciones del género
- Comportamiento apropiado a la función del personaje en el contexto: los dobles,
repeticiones, complejo de castración, lo inanimado que cobra vida, lo fantástico
soñado en lo real.
- Motivaciones psicológicas
- Tipos amplios, anónimos e individualizados: individuos portadores de
maleficios (arquetipo de la madre, heroína)
- Expresión facial y corporal: aplastado y estiramiento, exageración, empatía,
calidad de realismo, nivel de verosimilitud y naturalidad del movimiento del
personaje.
- Factores contextuales importantes cuando el personaje no es humano: encuadre,
montaje, otras técnicas
- Puesta en escena en el espacio-tiempo
- Espacio (profundidad): movimiento, diferencias de color, equilibrio de
componentes, variación de tamaños
- Tiempo: compás, tempo, acentos
Análisis del sonido:
- Nivel, tono, timbre
- Diálogos, música, efectos sonoros
- Ritmo, fidelidad, espacio, tiempo

1. ¿Qué sonidos están presentes, música, diálogos, efectos sonoros? ¿Cómo se utilizan
el nivel, el tono y el timbre? ¿La mezcla es sobria o densa? ¿Es modulada o cambia
repentinamente?
2. ¿Está relacionado rítmicamente el sonido con la imagen? Si es así, ¿cómo?
3. ¿Es fiel el sonido a la fuente que percibimos?
4. ¿De dónde procede el sonido? ¿Del espacio de la historia o de fuera de él? ¿De dentro
de la imagen o del exterior?
5. ¿Cuándo se está produciendo el sonido? ¿Al mismo tiempo que la acción de la
historia? ¿Antes? ¿Después?
6. ¿Cómo están organizados los diferentes tipos de sonidos a lo largo de una secuencia
o de toda la película? ¿Qué patrones se reforman y como refuerzan aspectos del
sistema formal global de la película (narrativo o no narrativo)?
7. Para cada una de las preguntas de 1 a 6, ¿qué objetivos se cumplen y que efectos se
consiguen mediante las manipulaciones sonoras?
Pasos para analizar el estilo de una película:
- Determinar la estructura organizativa de la película, su sistema formal
- Identificar las técnicas más destacadas que se utilizan
- Localizar patrones de las técnicas dentro de toda la película
- Proponer funciones para las técnicas destacadas y los patrones que forman
Fuente: Bordwell B. y Thompson K. (1995) El arte cinematográfico. Barcelona: Paidós.

ANEXO n°2
Modelo actancial
Eje del saber
Destinado Objet Destinatario

r o
eje del deseo
Ayudante Sujeto Oponente
Eje del poder
Donde:
Destinador: inclina al sujeto hacia el objeto (impulso)
Destinatario: recibe el objeto con beneficios
Ayudante: le facilita al sujeto el logro del objeto (coadyuvante)
Oponente: impide al sujeto el logro del objetivo
Objeto y sujeto: trayectoria de acción, búsqueda del protagonista
Relación:
Sujeto Objeto
Deseante Deseado
Deseo
Destinador destinatario
comunicación
dador
Ayudante oponente
lucha
Fuente: García Contto, J. (2011) Manual de semiótica narrativa. Lima. Universidad de Lima

ANEXO n°3
Cuadrado de Greimas
A aserción B
contrariedad
aserción
No B No A
contrariedad
Donde:
El modelo establece relaciones lógicas entre los elementos que lo conforman. Estos términos
y sus recorridos pueden explicar aspectos centrales del sentido del texto.
Operaciones:
Aserción
Negación
Implicación
Fuente: García Contto, J. (2011) Manual de semiótica narrativa. Lima. Universidad de Lima

ANEXO n°4
Matriz de consistencia
PROBLEMA OBJETIVOS HIPÓTESIS VARIABLES DIMENSIONES INDICADORES METODOLOGÍA
PROBLEMA OBJETIVO HIPÓTESIS Narrativa de stop Técnica Uso de Chroma TIPO DE

PRINCIPAL GENERAL GENERAL motion Key INVESTIGACIÓN
¿De qué manera Identificar cómo Las características Uso de Básica

las características se manifiestan las de lo siniestro se escenografía
NIVEL DE
de lo siniestro se características de manifiestan física
INVESTIGACIÓN
manifiestan en la lo siniestro en la significativamente
narrativa en stop narrativa en stop en la narrativa en Creación de Descriptiva
motion de la motion de la stop motion de la elementos
película Coraline película Coraline película Coraline artesanales MÉTODO DE
y la puerta y la puerta y la puerta INVESTIGACIÓN

Sensación de Aplastado y
secreta? secreta. secreta.
movimiento Analítico -
estiramiento
deductivo
Anticipación
Manifestación de las características de lo siniestro en la narrativa en stop motion
de la película Coraline y la puerta secreta
PROBLEMAS OBJETIVOS HIPÓTESIS Follow - Through DISEÑO DE LA
ESPECÍFICOS ESPEFÍCOS ESPECÍFICAS y acción INVESTIGACIÓN
traslapada
- ¿Cuáles son las - Describir las - Las No experimental
características de características características de Arcos UNIDAD DE
lo siniestro siniestros lo siniestro
ESTUDIO
presentes en la presentes en la presentes en la Aceleración y
película Coraline película Coraline película Coraline desaceleración Película Coraline
y la puerta y la puerta y la puerta secreta (2009)
Tiempos
secreta? secreta. responden a la
TÉCNICAS
propuesta de
- ¿Cuáles son los - Describir los Acción
Freud. Revisión
rasgos de la rasgos de la secundaria
documental
narrativa de stop narrativa en stop - Los rasgos de la
Exageración
motion en la motion de la narrativa del stop INSTRUMENTOS
película Coraline película Coraline motion en la Puesta en escena
y la puerta y la puerta película Coraline Metodología para
secreta? secreta. y la puerta secreta Empatía el análisis del film
responden a los
Fotograma Actantes
Calidad de
diez principios
posicionales
realismo en

básicos del stop fotogramas

motion.
Animación Nivel de
corpórea verosimilitud y
naturalidad del
movimiento del
personaje
Características de Los maleficios Personajes

lo siniestro portadores de
maleficios en la
película.
Los dobles Personajes que

mantienen un
doble en la
película.
Lo inanimado que Personajes

cobra vida inanimados que
cobran vida en la
película.

Las repeticiones Escenas que

representen
acciones que se
repiten de manera
idéntica.
Complejo de Escenas que

castración muestren órganos
amputados.
Lo fantástico Escenas donde el

soñado en lo real personaje no
difiere de la
realidad y lo
fantástico.

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FACULTAD DE

MANIFESTACIÓN DE LAS CARACTERÍSTICAS

Tesis para optar el título profesional de:

Licenciada en Ciencias de la Comunicación

Rebaza Hoyos, Betty Stefany Pág. 2

Rebaza Hoyos, Betty Stefany Pág. 3

ÍNDICE DE TABLAS .....................................................................................................................5

ÍNDICE DE FIGURAS ...................................................................................................................6

CAPÍTULO I. INTRODUCCIÓN .................................................................................................. 11

CAPÍTULO II. METODOLOGÍA ................................................................................................. 44

CAPÍTULO III. RESULTADOS.................................................................................................... 46

CAPÍTULO IV. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES ........................................................................ 95

REFERENCIAS ......................................................................................................................... 105

Rebaza Hoyos, Betty Stefany Pág. 4

Tabla 1 Principios del análisis cinematográfico…………………………...………. 46

Tabla 2 Análisis del estilo cinematográfico o sistema estilístico…………………... 49

Tabla 3 Matriz de consistencia…………………………………………………… 119

Rebaza Hoyos, Betty Stefany Pág. 5

Figura 1 Coraline deja la muñeca……………………………………………………….... 65

Figura 2 Palacio rosa real……………………………………………………...…………. 65

Figura 3 Palacio rosa alternativo…………………………………………………………. 66

Figura 4 Jardín real………………………………………………………………….......... 66

Figura 5 Jardín mundo alterno……………………………………………………………. 67

Figura 6 Casa real Mr. Bobinski…………………………………………………….......... 67

Figura 7 Casa alterna Mr. Bobinski………………………………………………………. 68

Figura 8 Casa real de las actrices…………………………………………………………. 68

Figura 9 Casa alterna de las actrices……………………………………………………… 69

Figura 10 Cocina real……………………………………………………………………. 69

Figura 11 Cocina del otro mundo……………………………………………………........ 70

Figura 12 Estudio real……………………………………………………………………. 70

Figura 13 El otro estudio…………………………………………………………………. 71

Figura 14 El túnel del otro mundo………………………………………………………... 71

Figura 15 La vuelta al otro mundo………………………………………………………... 72

Figura 16 Cañones de algodón………………………………………………………........ 72

Figura 17 Plantas carnívoras……………………………………………………………... 73

Figura 18 Personajes de la película………………………………………………………. 73

Figura 19 Sombra inherente…………………………………………………………........ 74

Figura 20 Luz contrapicada………………………………………………………………. 74

Rebaza Hoyos, Betty Stefany Pág. 6

Figura 22 Padre escena siniestra…………………………………………………………. 75

Figura 23 Madre siniestra……………………………………………………………........ 76

Figura 24 La verdadera madre……………………………………………………………. 76

Figura 25 La otra madre…………………………………………………………………. 77

Figura 26 El verdadero padre……………………………………………………………. 77

Figura 27 El otro padre………………………………………………………………........ 78

Figura 28 Wybie real……………………………………………………………………... 78

Figura 29 Wybie del mundo alterno…………………………………………………........ 79

Figura 30 Mr. Bobinski real……………………………………………………………… 79

Figura 31 El otro Mr. Bobinski………………………………………………………........ 80

Figura 32 Spink y Forcible real………………………………………………………....... 80

Figura 33 Spink y Forcible del otro mundo………………………………………………. 81

Figura 35 Coraline Jones…………………………………………………………………. 82

Figura 36 Modelo actancial N°1…………………………………………………………. 83

Figura 37 Modelo actancial N°2.......................................................................................... 84

Figura 38 Modelo actancial N°3.......................................................................................... 85

Figura 39 Modelo actancial N°4.......................................................................................... 86

Figura 40 Modelo actancial N°5.......……………………………………………………... 87

Figura 41 Cuadro de Greimas N°1.......………………………………………………....... 88

Figura 42 Cuadro de Greimas N°2.......………………………………………………....... 89

Rebaza Hoyos, Betty Stefany Pág. 7