Grabado y Monotipos

“El color es en general un medio para ejercer una influencia directa
sobre el alma, el ojo es el martillo templador, el alma un piano con

muchas cuerdas y el artista la mano que, mediante una tecla
determinada, hace vibrar el alma humana”.
Wasily Kandinsky.
ÍNDICE
RESUMEN Pág 2
INTRODUCCIÓN Pág 3
OBJETIVOS Pág 5
LA IMPORTANCIA DEL COLOR Pág 5
ANTECEDENTES Pág 9
-Definición del término: el monotipo o monotipia Pág10
-Diferencia entre monoimpresión y monotipo Pág 11
-Breve historia del monotipo Pág 11,12
-Procesos de generación de imágenes Pág 12
-Estrategias de dibujo y pintura para el monotipo Pág 13
MARCO HISTÓRCIO – FUNDAMENTOS TEÓRICOS Pág 16

-Arte abstracto Pág 16
-Pintura abstracta Pág 18
-Expresionismo abstracto Pág 21
-La plástica contemporánea en Aragón y España Pág 22
REFERENTES Pág 24
-Precursores de la abstracción en España Pág24
-Artistas aragoneses Pág 31
-Artistas más influyentes a nivel personal Pág 32
DESCRIPCIÓN TÉCNICA DE PROYECTO Pág 36

PROCESO DE LA OBRA Pág 37
BIBLIOGRAFÍA Pág 54
ANEXO I. Fotografías de la obra final.

ANEXO II. Nota de prensa y exposición.
1
RESÚMEN
Este proyecto se desarrolla por medio del grabado experimentando con el color,
la propuesta artística que presento gira en torno al color y la abstracción, tratado desde
un punto de vista personal. Me interesa la fusión de varias técnicas, por lo que he
elegido la monotipia como sistema de impresión que estará presente en todo el
proyecto, fusionada con otras técnicas como el collage y gofrado.
La monotipia permite combinar diferentes procesos para crear una imagen,

experimentar e ir más allá de los límites de cada proceso, convirtiéndolo en un trabajo
muy personal, ya que la sobreimpresión permite dar continuidad a este trabajo de
experimentación.
El color está presente desde principio a fin de este proyecto, me interesa esa
capacidad que posee para crear experiencias y sensaciones.
Autora, Victoria Ferrer Peiró

Dirigido por Francisco López Alonso
Curso 2011 / 2012
2
INTRODUCCIÓN.
La propuesta artística que presento gira en torno al color y la abstracción, tratado

desde un punto de vista personal, el proyecto se desarrolla por medio del grabado
experimentando con el color, para ello parto de un número de tintas concretas, de color
rojo, amarillo, azul, blanco, negro y plata, a partir de ellos realizo mezclas obteniendo
variedad de tonos y matices distintos que componen las imágenes, también la forma y
la composición son tratados desde un punto de vista personal y único.
He elegido el monotipo ya que es posible combinar diferentes procesos para

crear una imagen, permite experimentar e ir más allá de los límites de cada proceso,
convirtiéndolo en un trabajo muy personal, ya que la sobreimpresión permite dar
continuidad a este trabajo de experimentación.
Me interesa la fusión de varias técnicas, partiendo del predominio del color de

forma libre, sin encerrarlo en una forma reconocible, la actitud de improvisación que
ofrece el monotipo y la exploración dentro del mundo de la impresión y estampación, es
lo que me llama la atención de esta técnica.
La serie es un conjunto de veinte obras en las que se aprecian los efectos y las
calidades cromáticas proporcionadas por la superposición de tintas sobre el papel,
resultando una imagen muy limpia, sin embargo con la pintura por ejemplo, el cuadro
quedaría más sucio, no se pueden obtener los mismo resultados.
Durante la carrera he aprendido a ver, a mirar de una manera nueva, apreciando

las zonas de colores que forman un todo, descomponiendo los elementos visuales con
manchas de tonalidades y matices. Tras haber cursado durante la carrera todas las
asignaturas a mi alcance referentes al grabado, me interesaba investigar con la fusión de
varias técnicas en papel de un formato 100 x 70cm.
3
Otro componente conceptual que desarrollo en el proyecto es el número de
ejemplares de la obra, ya que se trabaja con la idea de obra única. Al existir varias
copias, las imágenes impresas pueden distribuirse a gran escala por un módico precio,
pero la capacidad de reproducción puede considerarse un inconveniente, ya que el
potencial de que exista un número ilimitado de copias idénticas devalúa en realidad una
estampa concreta. Lo que me interesa es esa idea de único, es curioso que precisamente
haya elegido el grabado para llevarlo a cabo, que por lo general se asocia con ese
concepto de creación en masa, pero es con el medio artístico que más cómoda me siento
trabajando, haciendo uso de la imaginación para obtener resultados que no se pueden
conseguir mediante ninguna otra técnica artística, creo que es un medio muy atractivo y
con una amplia posibilidad para combinar las matrices.
El color está presente desde principio a fin de este proyecto, me interesa esa
capacidad que posee para crear experiencias, puede llegar a ser la traducción visual de
nuestros sentidos, o despertarlos mediante la gama de colores utilizados.
He titulado este proyecto: “El color a la deriva”, ya que a través del color nos
transportamos hacia lugares insospechados, el color hace que nuestra mente nos mueva
por sitios que no tenemos pensado ir, en definitiva el color hace sentirnos vivos a través
de él, tiene la capacidad de producirnos emociones.
4
OBJETIVOS
-Objetivo principal
Realizar una serie de obra gráfica única, mediante un proceso de
experimentación y exploración con el color y la abstracción en los procesos de grabado
y estampación.
-Objetivos secundarios.
Trabajar en torno a las sensaciones y emociones, haciendo hincapié en el uso del
color y la forma, mediante la superposición de tintas.
Investigar con los distintos procedimientos y técnicas de grabado,

experimentando la fusión entre varias de esas técnicas, en especial la del collage,
gofrado y monotipia. Elaborar la obra por medio de los diferentes procesos de trabajo
que permite la monotípia, (el color, composición, las formas, etc)
La importancia del color:
Quiero resaltar la importancia del color mediante una serie de obra gráfica
personal, llevada a cabo mediante un proceso de experimentación y exploración con el
color y la abstracción en los procesos de grabado y estampación.
El color posee la cualidad de transmitir sensaciones y emociones, creando
matices y tonos mediante la superposición de tintas,
El color no tiene una definición específica como tal, ya que el color en sí no
existe, es una apreciación subjetiva, se podría definir como una sensación que se
produce por la estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía
luminosa de ciertas longitudes de onda. Lo que sucede cuando percibimos un objeto de
un determinado color, es que la superficie de ese objeto refleja una parte del espectro de
luz blanca que recibe y absorbe las demás, ya que la luz blanca está formada por tres
colores básicos: rojo intenso, verde y azul violeta, este fenómeno fue descubierto en
1666 por Isaac Newton.
5
Los teóricos y artistas plantearon el estudio de las armonías de color mediante el
círculo cromático, sirviendo para relacionar los colores y las múltiples transiciones que
ofrecen entre ellos. Fue descubierto por Newton, y mantiene el orden correlativo: rojo,
naranja, amarillo, verde, azul ultramar y violeta. El círculo cromático más común se
basa en un total de 12 colores.1
Josef Albers,2 en el libro La interacción del color, mostró como los colores no se
perciben automáticamente, su apreciación varía dependiendo de la interacción de un
color con otro, según la forma en como se disponen los colores compartiendo un mismo
espacio y/o soporte, pueden adoptar la función de color influyente sobre otros colores, o
un color influido por otros colores.
“El color es el más relativo de los medios que emplea el arte”

Josef Albers (1888- 1976)3.
En los colores se pueden diferenciar varias propiedades, por ejemplo la

saturación, esta hace referencia a la fuerza o pureza, los colores primarios tienen su
mayor intensidad antes de mezclarse con otros, la saturación del color es más baja
cuando se le añade su opuesto o complementario en el círculo cromático, por que se
produce su neutralización. El tono o matiz es el estado puro del color, es decir, el color
puro al cual más se acerca, el tono se mantiene en un color, mientras que el matiz deriva
hacia otro. La luminosidad es el grado de claridad u oscuridad que posee un color de
un determinado tono como cualidad propia.
Todos estos aspectos mencionados anteriormente influyen mucho en la percepción de

los colores, por eso creo que es importante su conocimiento a la hora de trabajar con
ellos.
1
http://reposital.cuaed.unam.mx:8080/jspui/bitstream/123456789/1901/1/teoria-del-color.pdf
2
Artista y profesor alemán, ofreció un acercamiento a la composición y publicó
varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color.
3
ALBERS, Josef, La Interacción del color, Alianza Editorial, 1979, Madrid – ESPAÑA
Se pueden establecer diversas clasificaciones de color4:
Los colores primarios sustractivos o colores pigmento son los tres colores
básicos a partir de los cuales se pueden recomponer todos los demás colores, el cyan,
magenta y amarillo, la mezcla de estos tres colores produce el negro, este proceso se
llama síntesis sustractiva. Los colores primarios aditivos o color-luz, se obtienen de la
emisión de luz, son el rojo, el verde y el azul, que combinados producen el blanco,
síntesis aditiva. Los colores secundarios se obtienen combinando dos colores primarios
cualquiera, en la misma proporción y los colores terciarios se producen combinando
un color secundario con el primario restante. Los colores complementarios están
simétricos respecto del centro de la rueda, se refuerzan mutuamente, de manera que un
mismo color parece más vibrante e intenso cuando está al lado de su complementario.
Los colores complementarios cercanos se dan tomando como base un color en
la rueda y después otros dos que equidisten del complementario del primero, el
contraste en este caso no es tan marcado. Los dobles complementarios son dos parejas
de colores complementarios entre sí, el resultado es muy variado. Las gamas múltiples
se dan cuando los colores extremos están muy próximos en el círculo cromático, la
gama originada es conocida también con el nombre de colores análogos5. Llamamos
colores fríos a las gradaciones del azul al verde, ya que se asocian con el agua, el hielo
y la humedad y por asociación con la luz solar y el fuego, el grupo de amarillo-
anaranjado- rojo parece cálido, por lo que llamamos colores cálidos a aquellos que van
del rojo al amarillo.
Las diferencias entre los colores cálidos y los fríos pueden ser muy sutiles. El
que determina el efecto no es el color principal puro, sino el color que se desvía
ligeramente hacia la calidez, aunque la expresión del color y su temperatura en
particular, no se aprecian sólo por su matiz, sino también por su luminosidad y
saturación.
7
4
http://www.tiposde.com/arte/colores/tipos-de-colores.html y
http://www.proyectacolor.cl/
5
Colores situados al lado del color principal seleccionado, es decir, un segmento de colores consecutivos.
Estas combinaciones producen una mezcla armoniosa y natural, por ejemplo, verde tiene a los análogos
amarillo verdoso y azul verdoso.
He elaborado este proyecto sobre el color ya que me parece muy interesante
como se relaciona directamente con las emociones, ejerciendo una influencia directa y
decisiva sobre la mente y el cuerpo de las personas, el color tiene mucho que ver con la
forma de reaccionar de las personas, y actúan tanto en el plano físico, como en el mental
y el emocional. Es tal el poder que ejerce sobre nosotros que incluso se usa de forma
terapéutica para corregir los desequilibrios energéticos de las personas, la cromoterapia.
Por ejemplo, los colores cálidos:<<Sobre el organismo producen un efecto estimulante,
ya que actúan sobre el sistema nervioso simpático. Provocan sensaciones de alegría,
dinamismo, confianza, amistad, etc. Si estos colores son muy saturados, sobretodo en la
gama de los rojos, pueden provocar sentimientos de agresividad, ira, etc. También se
puede decir que estos tienen un efecto acidificante, los colores fríos son calmantes y
producen una sensación de lejanía y pasividad>>6
Fue muy significativo para la evolución del arte, el cambio que supuso entender
los colores como un medio de expresión, como algo sensible en sí mismo, un medio
para expresar la necesidad interior y transmitir mediante un lenguaje sin forma y con
libertad cromática. Con esta nueva capacidad del color de hacer reflexionar y transmitir
mediante tonalidades cromáticas, es el propio espectador el que construye la
significación de la obra.
Un artista referente para mí, ya que utiliza los campos de color como vehículo
para simbolizar la necesidad de que el espectador indague en sus propias emociones es
Mar Rothko, (1903-1970), donde la obra de arte tiene un sentido de búsqueda del
propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección, su pintura expresa una amplia
gama de sensaciones y emociones, abrió nuevos caminos a la pintura, rutas que se
separan del propio cuadro y continúan por el interior del mismo espectador, el cuadro
no tiene una explicación objetiva, dependerá en cada caso del observador que lo
contemple.
8
6
Diccionario español real academia española 2009, página 56.
ANTECEDENTES
-Breve historia del grabado.
El grabado calcográfico permite crear una o más impresiones partiendo de una

matriz y la posibilidad de modificarla tantas veces como se quiera a través de la
experimentación.
Según la técnica empleada la matriz puede ser de madera en la xilografía, de piedra en
la litografía, de cobre, zinc o acero inoxidable en el grabado en metal, el cartón o
pexiglas en las colleografías utilizando el collage de materiales para crear la imagen, o
incluso pueden ser creadas por ordenador. También permite combinar varias técnicas,
recortar las matrices, perforarlas, taladrarlas, imprimir la imagen en negro o con tintas
de colores, sobre papel u otro soporte distinto, como la tela, el metal, el plástico etc…
A continuación incluyo un esquema de las diferentes técnicas y sistemas de
impresión.
9
El concepto del múltiplo evolucionó hasta incluir la idea de la <<edición
limitada>>, número total de estampas realizadas a partir de una imagen, pone un límite
al número de impresiones tiradas de una matriz, esto supuso cierto equilibrio entre el
concepto de lo excepcional y lo infinitamente reproducible: aunque no sea único sigue
siendo uno entre unos pocos.
Los artistas y editores que se dedican ala impresión tratan por todos los medios
de diferenciar el <<original múltiple>> de las reproducciones fotomecánicas, la
participación directa del artista y su compromiso con los medios de impresión es una
condición importante y necesaria para la autenticidad de la obra.
- Definición del término: el monotipo o monotipia.
“El monotipo es una impresión única hecha presionando el papel contra una
superficie pintada o impregnada de tinta”.7
“El pigmento que se encuentra en la plancha normalmente es insuficiente para
crear otra impresión”. Sin embargo, esto puede llevar a confusión, ya que es posible
aplicar un <<fantasma>>, es decir, una segunda impresión que, a pesar de ser más
pálida, parte de la imagen original. Pero como “el fantasma”, tiene una naturaleza más
sutil, se podría considerar un trabajo independiente.8
Un monotipo es una única impresión sacada de una superficie de impresión que
no se puede volver a utilizar. Admitiendo que una de las cualidades de la impresión
artística es la posibilidad de producir una edición de obras que son idénticas, esta
definición parece acercarse de forma más clara a la naturaleza de la técnica del
monotipo/monoimpresión.9 La historia de la monoimpresión se remonta muy atrás en el
tiempo, ya que cualquier variación única impresa a partir de una matriz constituye, en
esencia, una monotipo. Algunas de las monoimpresiones más famosas fueron realizadas
por Rembrandt (1606-1669) con sus diversas pasadas de trapo sobre las planchas
grabadas, creando diferencias en la luz y la atmósfera general de imágenes realizadas a
partir de una misma plancha.
10
7
American Heritage Dictionary (2004)
8
Enciclopedia Británica (2006)
9
Diccionario de términos reimpresión (2002), Simmons
-Diferencia entre monoimpresión y monotipo
La monoimpresión emplea alguna forma de matriz que se repite durante el

desarrollo de la imagen, mientras que el monotipo es único, no repite la información.
En concreto me interesa la práctica del monotipo o monotipia, tomando como
base una plancha no trabajada y desarrollando sobre ella una imagen de manera similar
a una pintura o dibujo. Una vez terminada la imagen se imprime sobre el soporte, dando
como resultado una lámina con colores y formas irrepetibles, se podría obtener una
<<imagen fantasma>>, otra estampa con la mácula, tinta sobrante que queda en la
matriz, como guía para crear imágenes relacionadas, pero nunca se pueden obtener dos
estampas iguales, ya que la intensidad de los colores varía.
-Breve historia del monotipo.
Los primeros monotipos conocidos datan de mediados del S.XVII y fueron

realizados por el impresor italiano Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1664).
Castiglione trabajaba por reducción10, aplicando con rodillo una capa de tinta de
grabado sobre una plancha de cobre limpia, de forma que creaba la imagen cuando
retiraba la tinta, empleando un palillo para dibujar motivos lineales sobre la superficie
entintada. Esta técnica es propia del monotipo, al igual que el trabajo por adicción, esta
técnica se trata de aplicar directamente materiales sobre la superficie de una plancha,
dibujando trazos con materia, esto se puede realizar de varias formas, empleando
pinceles para aplicar la tinta dando un efecto pictórico, también con rodillos…
Edgar Degas, (1834- 1917) es otro artista que también utilizó el proceso del
monotipo. Como Castiglione, al principio él también empleó una técnica por reducción.
Más tarde, sus obras muestran adiciones pictóricas que ampliaban tanto los colores
como la calidad de los dibujos realizados en la obra.
11
10
Trabajar por reducción: consiste en crear tonos claros eliminando tinta, al igual que en dibujo se trata
de borrar tinta de una superficie, para ello se pueden emplear varias herramientas, depende del efecto
deseado, por ejemplo: trapos, brochas, rocillos, algodón…
Paul Gauguin (1848-1903) amplió todavía más las técnicas del monotipo, al
dibujar sobre una hoja de papel colocada encima de una superficie entintada (en
ocasiones otra hoja de papel sobre la cual se habría aplicado la tinta con la ayuda de un rodillo),
y por la presión del lápiz sobre el dorso del papel éste se pone en contacto con la superficie
entintada recibiendo la tinta que se transfiere mediante la presión, sin necesidad de tórculo, esta
técnica tiene un carácter más dibujístico y se conoce como monotipo trazado. Se
caracteriza por unas líneas suaves y marcadas.
-Procesos de generación de imágenes
La naturaleza del monotipo hace que históricamente haya resultado difícil

definirlo o clasificarlo, aunque la técnica sigue la pauta de la impresión artística que
consiste en reproducir imágenes de una superficie a otra utilizando tinta y presión, las
marcas que se realizan y la inmediatez están más próximas a la pintura o al dibujo.
El monotipo, al igual que la pintura es una técnica muy directa y permite una
gran flexibilidad en cuanto a la gama de trazos que se pueden obtener, las marcas se
pueden realizar utilizando pinceles, paños, manos y objetos cotidianos, por lo que hay
muchas formas de crear la imagen en la superficie de impresión, el trabajo se puede
realizar de forma rápida y espontánea o lentamente y con gran detalle, dependiendo de
la rapidez con la que se seque la tinta. Las impresiones se pueden recortar, corregir y
eliminar, al igual que sucede con la pintura.
Estas imágenes al fusionarse con otras técnicas producen como resultado una
composición rica y muy variada, entrando en juego la capacidad creativa del artista, el
collage, por ejemplo, es una técnica que ofrece un resultado muy personal, ya que
existen tantas formas de crear collages como personas lo practican. En el collage el
artista recorta: manipula el propio espacio, corta, realiza extracciones en lo <<unido>>
que es, en ese instante, su espacio mental y el espacio del mundo. El ensamblaje que
hace luego con esas formas de espacio es algo nunca visto, es la unión por fin realizada
de la vista y la visión, del pensamiento y la realidad.
12
El collage no está exactamente en la misma categoría que el papier collé, pues en
el collage el elemento pegado adquiere un valor por la forma, por la representación del
objeto y en el papier collé, adquiere valor por su materia, formando obras pictóricas en
las que se debate un problema de color, se obtiene un enriquecimiento de la paleta11.
Estrategias de dibujo y pintura para el monotipo12.
-Técnicas por adición:
Fotografía de tinta aplicada con pincel, resulta

un efecto muy pictórico.
Imagen de tinta rebajada con disolvente,

el resultado es un efecto aguado.
Fotografía de tinta aplicada con rodillos de

diferentes anchuras, creando marcas más mecánicas.
Ejemplo de viscosidad: una tinta grasa pintada en

primer lugar rechaza la tinta más seca aplicada
encima con la ayuda de un rodillo, la tinta más
seca recoge la tinta grasa y vuelve a depositarla a
medida que sigue haciéndose girar el rodillo.
13
11
Libro Emmanuel Guijon, Historia del collage en España. Colección <<La Edad de Oro>>, Museo de
Teruel. 1995.
12
Beth Grabowski y Bill Fick, El grabado y la impresión. Guía completa de técnicas, materiales y
procesos, Barcelona, 2009, Art Blume, S.L.
Técnicas por reducción:
La tinta se elimina de forma lineal con varias

herramientas distintas, por ejemplo bastoncillos de
algodón para los oídos.
Fotografía de un ejemplo de técnica por

reducción, en esta ocasión se ha eliminado tinta
con un trapo, quedando áreas más limpias.
Esta fotografía se trata del efecto que

producen las gotas y salpicaduras de disolvente
sobre la capa de tinta, creando unos motivos
improvisados por el artista.
También se puede jugar con las plantillas

sobre la composición de tinta, como se aprecia en
esta imagen la plantilla impide la impresión en una
capa de tinta, creando formas bien marcadas.
14
Existen variedad de técnicas que se pueden combinar para experimentar con el
resultado de la composición, por ejemplo técnicas digitales, la fotografía, el estarcido, el
collage y el relieve y otros métodos de impresión artística, ya que la naturaleza del
monotipo invita a ser espontáneo dentro del proceso creativo en un medio que es
flexible y, a la vez, expresivo.
El monotipo más sencillo se puede crear con una plancha de cristal, un rodillo,
un pincel, tinta, alcohol mineral y el dorso de una cuchara. La tinta se puede aplicar al
cristal, dibujar en él o también aplicar con el alcohol mineral y un pincel, un paño o las
manos. Para transferir la tinta sobre el papel, es necesario aplicar una presión uniforme,
el papel ligeramente humedecido se coloca sobre la superficie impregnada de tinta y se
aplica a presión sobre toda la superficie con una cuchara de madera o un rodillo de
amasar.
Las imágenes también se pueden pintar directamente sobre la superficie de
impresión utilizando pinturas al óleo o acuarelas y luego transfiriéndolas sobre el papel,
un ejemplo de esto ello es la obra de William Blake (1757-1827).
15
MARCO HISTÓRICO - FUNDAMENTOS TEÓRICOS.
A continuación voy a desarrollar las características del arte abstracto, sus inicios
en España y la importancia de algunos artistas aragoneses respecto a esta práctica
artística, también quiero mencionar el valor que poseen los colores para expresar
sensaciones y trasmitir emociones.
Arte abstracto en España.

Breve resumen del panorama artístico aragonés y algunos artistas de carácter
abstracto de esta provincia con gran relevancia para la historia del arte.
Importancia del color: Círculo cromático, percepción y relatividad del color,
armonía y contraste cromático, saturación o brillo, tono o matiz, luminosidad y
clasificaciones del color.
ARTE ABSTRACTO.
El arte contemporáneo provoca la aparición de corrientes yuxtapuestas, a veces

de efímera duración, que reflejan los cambios acontecidos y la capacidad creadora del
hombre. A lo largo del tiempo, el objeto ha sido reducido a color en el Fauvismo,
geometrizado en el Cubismo, distorsionado en el Expresionismo, vibrado
dinámicamente en el Futurismo, soñado en el Surrealismo, pero ahora en el arte
abstracto se procede definitivamente a su eliminación, el propósito de los artistas
abstractos es prescindir de todos los elementos figurativos para concentrar la fuerza
expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual.
La abstracción marca una ruptura con el Arte anterior por que se basa en unas
premisas totalmente nuevas: El Arte no tiene por qué ser un medio de conocimiento: es,
una fuente de emociones y sentimientos, la obra no debe representar nada concreto: su
valor está en sí misma.
La pintura abstracta surgió alrededor de 1910, esta pintura se refiere solo a
estados interiores invisibles o simplemente a sí misma. La primera obra de estas
características fue creada por Wassily Kandinsky, al pintar en 1910 la primera acuarela
abstracta, esta se conserva en el Centre Pompidou, (París).
16
Se identifican los orígenes del arte abstracto con la obra de este artista ya que
desde el punto de vista cronológico es el primero en llegar a una visión abstracta de
forma consciente y no como impulso pasajero, por ejemplo Francis Picavia que ya había
realizado en 1909 una obra abstracta titulada “Caoutchouc”, pero a penas se tuvo en
cuenta por que se consideró que era una excepción, un accidente en la evolución del
artista, sin embargo Kandinsky lo hizo de forma consciente.
La palabra abstracción utilizada por Kandinsky en sus primeros escritos, fue

introducida poco antes, en 1908, en la tesis doctoral del filósofo alemán Wilhelm
Worringer, titulada Abstracción y empatía, en la que introducía la idea de que lo
abstracto se contraponía frontalmente a lo figurativo.
En 1911 Kandinsky formó junto con Franz Marc y otros artistas como Paul
Klee, Alexei Yavlensky, August Macke y Gabriele Münter, el grupo Der Blaue Reiter
(El jinete azul), sobre todo Marc y Kandinsky, se interesaron principalmente por la
transformación pictórica de los sentimientos. A este grupo de artistas les importaba más
el cómo de la representación que el qué, lo más importante eran las formas y los colores,
se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el artista y el
espectador, al principio de la cual se encontraba "la sensibilización del alma del artista",
el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos, con lo cual se convierte
en el agente responsable de "la sensibilización del alma del espectador", la asociación
del significado y la concepción del sentido de cada cuadro están en manos del propio
espectador.13
17
13
http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm#losex
Pintura abstracta.
Las obras cubistas de dos artistas que sirvieron de estimulo para el arte abstracto
fueron las de Picasso (1881- 1973) y Braque (1882- 1963), que en torno a los años
1910- 1911 construían espacios pictóricos sin perspectiva, abordando las obras desde
muchos ángulos imaginados y combinando varios puntos de vista hasta que la imagen
final era apenas reconocible, ya no se necesita falsear la naturaleza para crear las
composiciones. La desaparición del objeto para muchos artistas fue el paso decisivo y
revelador hacia una “pintura pura” (Apollinaire), purificada de todo lo extraño al arte.
Apollinaire estudio la obra de un grupo de artistas que llamó cubistas órficos14 (que
incluía a Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia y
Frantisek Kupka) mencionó la posibilidad de crear un arte (abstracto) <<puro>>,
Apollinaire definió el orfismo como,”el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos
que no han sido tomados de la esfera visual, sino que han sido creados totalmente por el
propio artista y dotados por él de una moderna realidad. Las obras de los orfistas deben
proporcionar simultáneamente placer estético y significado sublime, es decir, un tema.
Esto es arte puro”.15
Picasso y Braque, desde 1912 comenzaron a introducir el collage y el Napier
collé o chine-colle, (papel pegado) como una manera nueva de expresión, unieron trozos
de papel y tela rasgados a la superficie de su obra, esto influyó en la posterior evolución
del arte abstracto, ya que creó la posibilidad de usar materiales reales en lugar de
artificios pintados y sugirió que la obra de arte acabada podía disfrutar de una existencia
autónoma, ya no solo imitando el mundo de las cosas, sino participando en él como
cualquier otro objeto. La teoría científica proporcionó, al igual que el collage, un
camino para entrar en la experimentación del color, los textos del S.XIX sobre el color
resultaron una fuente de inspiración para varios artistas franceses, italianos y
estadounidenses y los impulsaron hacia la abstracción.
18
14
Nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta
del cubismo parisino que exalta el color y la luz.
15
http://books.google.es/books?id=8Z-
GYKRF6tMC&pg=PA612&lpg=PA612&dq=Apollinaire+defini%C3%B3+el+orfismo+como&source=bl
&ots=1zEhU4cG6O&sig=rmbHsWW7EaDaZhTs5E2emsy5aeo&hl=es#v=onepage&q=Apollinaire%20d
efini%C3%B3%20el%20orfismo%20como&f=false
Delaunay entre 1905 y 1907, estudió el tratado de Michel – Eugéne Chevreul,
Sobre la ley del contraste simultáneo de colores (1839), este demostró que las
yuxtaposiciones de ciertos colores intensifican el color contiguo, lo que crea efectos
totalmente diferentes según su colocación, por lo que Delaunay desarrolla la idea de
crear una clase de pintura que dependa técnicamente del color y los contrastes de
colores, comenzó a desarrollar esta idea en su serie de pinturas Ventanas 1912.
Vasily Kandinsky escribe en 1911, "De lo espiritual en el arte", esencialmente en

este libro se propone despertar la capacidad de captar lo espiritual de las cosas
materiales y abstractas, piensa que esa capacidad es básica para el arte del futuro y con
la cual seremos capaces de experimentar infinidad de sentimientos y sensaciones, habla
de una nueva época de gran espiritualidad en la que contribuye la pintura, esta debe
basarse en un lenguaje de color. En este libro se han escrito gran número de estudios
teóricos y filosóficos que fueron publicados, en parte, en sus propias revistas: De Stijl,
Wjeschtsch, G, Blok, Abstraction-Création, Art d’aujourd’hui, Structure y The
Structurist, la necesidad de explicar y de precisar bases teóricas fue continuamente
señalada por Kandinsky, Mondrian y más tarde, entre otros, por Georges Mathieu y
Michel Tapié. Kandinsky además de escribir “De lo espiritual en el arte”, exploró la
posibilidad de crear un arte abstracto en su ensayo “Sobre la cuestión de la forma”
publicado en Munich, 1912. Esta cuestión de la forma y la idea de lo << espiritual>>en
el arte, era un tema tópico heredado de la filosofía idealista alemana del S.XIX. Desde
la época de Hegel había habido una creencia generalmente sostenida de que arte y
filosofía podían expresar el mismo contenido. Para Hegel, que escribió una Filosofía del
arte (1835), la función más elevada para el arte, como para la filosofía y la religión era
expresar lo Divino, o Espíritu Absoluto. Schopenhauer fue más allá para proporcionar
una razón fundamental para la abstracción en su texto La metafísica del arte, donde
sugirió que <<el cuadro nos conduce de inmediato desde lo individual a la mera forma;
y esta separación de la forma de la materia lleva a la forma mucho más cerca de la
Idea>>. 16
19
16
Página 46, libro El arte Abstracto, Anna Moszynska, Ediciones Destino.S.A.,1996.Barcelona.
La sensibilidad y la pasión es uno de los dos caminos en los que se
desarrolló la abstracción, este de instinto más libre, y el segundo es el de la reflexión
intelectual utilizando formas geométricas.
-Abstracción Lírica, es una tendencia que enfatiza la expresividad de los colores, las
formas y la materia, con el fin de provocar emociones en el espectador, el artista parte
de su intuición para expresar, por medio de color, sentimientos e ideas., los aristas
más representativos de esta tendencia son Wassily, Kandinsky y Paul Klee.
-Abstracción Geométrica, se refiere a las composiciones donde el artista trabaja con
figuras geométricas como el círculo y el cuadrado, surge como un intento para
distanciarse de lo puramente emocional, Kasimir Malevich y Piet Mondrian también
se encuentran entre sus impulsores.
Me voy a centrar en la abstracción lírica, sus movimientos más destacados

fueron el Expresionismo abstracto de Estados Unidos (con artistas como Pollock y
Rothko) y el Informalismo,
movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se
desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en
paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense.
Una de estas tendencias es el tachismo ,desarrollada durante los años
1940 y 1950, este estilo de pintura abstracta se desarrolló como variante de la pintura
expresionista y emocional, en estas pinturas priman composiciones realizadas sobre la
base de brochazos, de la gestualidad y de las manchas de color, es una creación
espontánea e intuitiva, con la que estos artistas mediante el uso de colores pretenden
expresar su estado emocional, sin tener en cuenta el tema de la obra. Entre los pintores
tachistas se encuentran Georges Mathieu y Camille Bryen, Antoni Tàpies, Alberto
Burri, Alfred Otto Wolfgang Schülze y Jean-Paul Riopelle, también podemos citar a
Sam Francis, más adelante en el apartado de Referentes comentaré su obra.
Pintura matérica, esta tendencia del informalismo, se inicia a finales de los

años 40 y principios de los 50, sus creadores fueron los artistas franceses Fautrier y de
Dubuffet, se caracteriza por ser una pintura realizada con diversas materias, incluyendo
en el cuadro arena, madera, serrín, vidrio o yeso.
20
Los pintores actúan sobre la obra destruyéndola en parte con cortes,
perforaciones…Una variante de la pintura matérica es el espacialismo: desarrollado en
Italia por el artista Lucio Fontana, se trata de una discontinuidad física del lienzo,
utilizando técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del
lienzo, la obra se organiza con oposiciones de materia y no materia. El movimiento tuvo
como principal integrante a Lucio Fontana, algunos participantes fueron: André Breton
y Jean Dubuffet.
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico dentro de la

abstracción, surge en 1940 en Estados Unidos, difundiéndose décadas después por todo
el mundo. Sus raíces se encuentran en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y
en la de los surrealistas, que de forma premeditada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en
su actividad creativa.
En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la gestual

o pintura de acción (action painting) y la pintura de superficie-color (color fiel-
painting). Dentro de la pintura de acción podemos nombrar artistas como Pollock, de
Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann, estos artistas utilizan la pintura para
dar rienda suelta a sus estados de ánimo. La pintura de superficie-color centra su interés
en las yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies
generalmente de grandes dimensiones, artistas como Mark Rothko, Clifford Still y
Barnett Newman aparecen vinculados a esta vía.”17
Greenberg, influyente crítico de arte estadounidense muy relacionado con el

movimiento abstracto en los Estados Unidos, cree que el expresionismo abstracto de
Pollock es el arte más honesto, más puro, defendió un método de autocrítica que
permitiera que la pintura abstracta pasara de ser decorativo papel pintado a un auténtico
arte, para Greenberg la pintura es la expresión en el plano, es una pintura en la que el
tema es la pintura, por eso es autocrítica.
21
17
http://jacksonpollocksigloxx.wordpress.com/expresionismo-abstracto/
La plástica contemporánea en Aragón y España.
La guerra civil española (1936-1939) frenó el desarrollo de la vanguardia y es a

finales de los años cuarenta cuando comienzan a surgir grupos que apuestan por nuevas
tendencias, esta modernidad artística llega de la mano de tres grupos: El Grupo Portico,
en Zaragoza 1947, el Grupo Dau al Set en Barcelona 1948, el Grupo El paso en Madrid
1957.
En cuanto a la modernización en el campo artístico más radical de Aragón, como

referentes podemos citar al grupo Pórtico, formado por artistas aragoneses: Fermín
Aguayo, José Baqué Ximénez, Alberto Duce, Vicente García, Manuel
Lagunas, Santiago Lagunas, Vicente López Cuevas, Manuel Pérez Losada y Alberto
Pérez Piqueras.
Pórtico abrió el camino de la pintura vanguardista de posguerra. En 1947 se dio
la muestra de arte titulada: Pórtico presenta nueve pintores, inaugurada en el Casino
Mercantil de Zaragoza, estilísticamente esta muestra supuso el abandono de los
convencionalismos, un nuevo código estético caracterizado por la desnaturalización
académica, el empleo de gamas cromáticas distintas, fondos y volúmenes planos,
texturas pronunciadas, estilizaciones, esquematizaciones y reinterpretaciones
iconográficas, etc., que dieron paso a paisajes de carácter cubista, al inicio de las
ensoñaciones líricas o imágenes expresionistas. Estos artistas son responsables de las
primeras experiencias artísticas abstractas en España tras el paréntesis forzoso de la
Guerra Civil y la posguerra, el grupo, excepto tres componentes de él: Santiago
Lagunas, Fermín Aguayo y Eloy Laguardia, se dispersó y cada uno de ellos siguió su
camino.
Sus esfuerzos tuvieron consecuencias evidentes, lograron modernizar el
lenguaje artístico, esto les hizo acreedores de una merecida fama nacional y en cuanto a
Aragón crearon una escuela que otros pintores más jóvenes continuaron, como por
ejemplo Juan José Vera, convertido en el nexo de unión entre Pórtico y el grupo Escuela
de Zaragoza, del que fue uno de sus principales impulsores.
22
El Grupo Dau al Set, también es uno de los movimientos preocupados por
reivindicar la creación artística frente a la ideología imperante en España en la
postguerra, este grupo contó con artistas como el poeta Joan Brossa, el filósofo Arnau
Puig y los pintores Joan Ponç, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats y
Juan Eduardo Cirlot, fundado en Barcelona en 1948 . Estos artistas contaron con la
influencia de Joan Miró, Klee, Max Ernst y Francis Picabia.
Pórtico y Dau al Set representan dos opciones estéticas distintas, Dau al Set lo hace
desde el surrealismo y Pórtico se encamina hacia la abstracción.
El grupo Parpalló, fue el primer foco de introducción del informalismo en

la Comunidad Valenciana , formado en Valencia en 1956, algunos de los miembros son:
Vicente Aguilera Cerní, crítico de arte, Salvador Soria, Manolo Gil, Balaguer, y Andreu
Alfaro. Equipo 57, creado en París, también en 1957, por Jorge de Oteiza y Ángel
Duarte, también fueron responsables de una modernización de los lenguajes estéticos.
En 1957 se fundó el grupo El Paso, esta fecha supuso la definitiva implantación del
informalismo en sus diversas variantes, su seno estaba formado por aragoneses: Pablo
Serrano, Antonio Saura, José Manuel Viola y otros artistas como Luis Feito, Juana
Francés, Manuel Millares y Lucio Muñoz. El grupo Zaragoza nace en 1964, se trata del
grupo formado por Juan José Vera, Ricardo Santamaría y Daniel Sahún, pintores
abstractos.
En Aragón contamos con artistas de renombre en el campo de la abstracción,

más adelante, citaré algunos artistas aragoneses y sus obras, que me han servido de
referentes para este trabajo.
23
REFERENTES
La priorización de referentes se ha centrado en una breve selección de artistas

que me interesan por el aspecto formal y técnico.
He analizado y clasificado líneas de trabajo de artistas que me han parecido

interesantes y que actúan como referentes en el proyecto, podemos diferenciar tres
grupos de referentes que han sido importantes para este trabajo:
1-Artistas precursores de la abstracción en España, sus trabajos han sido

un punto de inflexión para el arte abstracto y el uso del color en el arte.
Principales artistas:
-Vasily Kandinsky.
-Mondrian.
-Paul Klee.
-Jackson Pollock.
-Mar Rothko.
Otros artistas, también importantes en la abstracción y el color:

- Frantisek Kupka
- Sam Francis
- Rafael Canogar.
- Pablo Palazuelo.
- Lucio Muñoz.
2-Artistas aragoneses que han trabajado con la abstracción y los colores

como medio de expresión.
3.- Artistas que en mayor medida me han influenciado para realizar el

trabajo.
24
1. Artistas precursores de la Abstracción en España.
Vasily Kandinsky, Moscú, (1866-1944) artista y gran teórico del arte abstracto,
su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben
actuar sólo los sentimientos, la belleza está en el color y en la simplificación formal,
esto le conduce a una experimentación continuada que termina con la conquista de la
abstracción en una acuarela de 1910,
Composición IV.
En su obra Composición IV, de 1910, las

figuras están tan simplificadas, el color es
tan arbitrario y el espacio tan confuso, que
es imposible distinguir el tema sin la referencia de los cuadros anteriores de la serie.
Paul Klee
Mondrian, Pintor holandés y uno de los máximos representante de la

abstracción. La desaparición de la referencia al mundo real y visible es un principio
básico en su obra, trabaja con formas geométricas planas, rectángulos y cuadrados, con
gruesas líneas negras que los separan, creando una trama con planos geométricos de
color blanco, negro, rojo, azul y amarillo.
Composición con rojo, amarillo, azul.

Piet Mondrian, 1939, Londres, Tate Gallery.
25
Paul Klee, Suiza (1879-1940), componente del Grupo Der Blaue Reiter (El
Jinete Azul), fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc en Múnich en 1911. Se trata
de un artista abstracto con gran creatividad y potencia en sus imágenes, en 1920 es
invitado por Gropius a participar en la Bauhaus en Weimar, donde conoce a Kandinsky
y fundan en 1924 al lado de Feininger y Jawlensky, el grupo Los Cuatro Azules, que
realiza su primera exposición en Estados Unidos.
Klee siente la necesidad de un arte que transforme la naturaleza, para alcanzar

ese objetivo, cree que es necesario la independencia total del color, la luz y el
movimiento y apuesta por la abstracción. En sus obras, las formas y los colores
juegan a componer la diversidad de esta naturaleza imaginada, donde la luz
y la armonía gobiernan la composición . Paul Klee: “los elementos gráficos (el
punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de
energía dentro de la mente del artista”.
Jackson Pollok, (1912 - 1956), Estados Unidos, referente en el movimiento

del expresionismo abstracto, considerado uno de los pintores más importantes de los
Estados Unidos en el siglo XX. Jackson Pollock, a través de términos como el azar, la
originalidad y el interés por encontrarse en el mismo acto artístico, se convierte en el
punto de partida del Action Painting, en esta técnica Pollock solo empleaba un telar
extendido en el suelo y latas de pintura o pinceles cargados de colorido. El mismo acto
de pintar pasaba a convertirse en gran parte del contenido de las obras, con la
particularidad de transmitir de forma espontánea y directa el ánimo con el que el artista
se enfrentaba a la hora de armonizar su arte. Otra de las técnicas creadas por Pollock fue
el “dripping”, en la que utiliza la pintura con toda su propia vitalidad y dinamismo,
usaba los botes de pintura con una perforación en su parte inferior para que la pintura se
aplicara sobre el lienzo goteando, con movimientos bruscos y de dirección cambiante.
Otro de los grandes términos que han marcado su trabajo artístico es el “all-over” que
consiste en no dejar ningún espacio sin cubrir, buscando crear una atmósfera completa y
sin limitaciones de marcos
26
En esta fotografía de Jackson Pollock se puede observar claramente su técnica de
trabajo, en el año 1945 el artista afirmó:
“Mi pintura no procede del caballete. Por lo
general, apenas tenso la tela antes de empezar, y,
en su lugar, prefiero colocarla directamente en la
pared o encima del suelo. Necesito la resistencia
de una superficie dura. En el suelo es donde me
siento más cómodo, más cercano a la pintura, y
con mayor capacidad para participar en ella, ya
que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar
desde cualquiera de sus cuatro lados e
introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los
pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al
margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles.
Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un
empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otras materias”.18
“Cuando estoy en mi cuadro, no soy consciente de lo que hago. Solo después de un

rato de familiarización veo en qué he estado metido. No tengo miedo de hacer cambios
o destruir la imagen, porque el cuadro tiene vida propia. Intento dejar que se exprese.
Solo cuando pierdo el contacto con el cuadro, el resultado es un desastre. Si no es así,
es pura armonía, un sencillo dar y tomar, y entonces el cuadro sale bien"19
Mark Rothko, (Letonia, 1903 -1970), tras sus inicios cercanos al surrealismo y
expresionismo, llegó a un estilo personal que lo convirtió en una de las figuras más
destacadas del expresionismo abstracto. A finales de los años cuarenta Rothko elimina
de su pintura cualquier elemento figurativo dando paso, con sus obras de transición
realizadas entre 1946 y 1949, conocidas posteriormente como Multiformas, a su
enfoque basado en los colores puros en el espacio.
27
18
http://jacksonpollocksigloxx.wordpress.com/biografias/
19
http://rociotroya.blogspot.com.es/2007/05/jackson-pollock-vitalismo-y-arte.html
A comienzos de la década de 1950 Rothko alcanzó un lenguaje abstracto
personal, sus obras se componen de varios campos de color de formas rectangulares,
más o menos horizontales, sin ninguna relación con la geometría, que parecen flotar
sobre un espacio indefinido, son finas veladuras de óleo aplicado como acuarela, con
la mínima textura. Sus cuadros, de gran intensidad espiritual, consiguen envolver al
espectador con una gran fuerza.
El artista consideraba que el color puro era el mejor método para expresar las
emociones y, en este sentido, podemos ponerle en relación con las teorías místicas sobre
la abstracción desarrolladas por Kandinsky. Como él, Rothko creía que el color actuaba
directamente sobre el alma y era susceptible de producir emociones profundas en el
espectador, invitándole a la contemplación y la meditación.
Rotko comentó en 1959: <<un cuadro no es la imagen de una experiencia, si no que es

una experiencia>>.
Otros artistas españoles, también importantes en la abstracción y el color:
Frantisek Kupka, República Checa (1871 – 1957) fue uno de los creadores del Orfismo, junto
con Léger y Delaunay, también fue uno de los primeros artistas aventurados en la
abstracción de color puro, utilizando una tabla de colores publicada por los teóricos de
color Hershel y Young en el texto de Ogden Rood Cromáticos modernos (1879), Kupka
investigó el poder del color sólo para sugerir movimiento dinámico cuando está liberado
de función representativa.
Frantisek Kupka
Óleo sobre tela.
49.5 x 65 cm.
Museé National d'Art Moderne. París
28
Delaunay 1885- 1941, pintor y teórico francés, es uno de los pioneros del arte
abstracto a principios del siglo XX. En 1912 se adentró en el Orfismo buscando un
nuevo arte basado en la propagación de planos de luz y color en el lienzo. Su serie
Ventanas (1912) fue uno de los primeros ejemplos de un arte abstracto total y una
importante referencia en el arte moderno.
Al mirar esta pintura el ojo se mueve de un lado a otro por la superficie,
encontrando agradables relaciones de color, tono y forma. En un texto que acompañaba
a la serie Ventanas, Delaunay escribió: << La luz en la Naturaleza crea movimiento en
el color. El movimiento lo proporcionan las relaciones de medidas desiguales, de
contraste de colores entre ellas mismas y constituyen la Realidad>>20
Robert Delaunay.
Ventanas abiertas simultáneamente,
1.ª parte, tercer motivo 1912.
Sam Francis, (1923- 1994), pintor y grabador estadounidense de la tendencia

del tachismo, su obra está cercana a la pintura de acción de Pollock, en ella pone de
manifiesto dos cuestiones fundamentales, el color como eje fundamental de la expresión
pictórica y la completa libertad del artista para llevar a cabo sus composiciones.
Sam Francis: “Composición SF 174”.

Litografía original firmada y numerada 60/125.
Año 1975. Papel de Arches.
Dimensiones 73 x 56 cm.
29
20
Página 17, libro “El arte Abstracto”. Anna Moszynska. Ediciones Destino
Rafael Canogar, Toledo, 1935, es uno de los artistas plásticos más conocidos e
influyentes del panorama plástico del arte abstracto español, en 1954 pinta sus primeras
obras abstractas y es en 1957 junto con otros artistas, cuando fundó el Grupo El Paso.
Rafael Canogar.
Obra Gráfica. Técnica Mixta y Collage en Papel Hecho a Mano.
Edición Limitada (95). Tamaño Mancha: 54x74cm. Firmada y
Numerada a Lápiz. Año: 1991
Pablo Palazuelo, pintor, grabador y escultor, nació en Madrid en 1915, fue una
de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX, sus primeras
referencias fueron la pintura cubista, Mondrian y Paul Klee quien le marcará
profundamente y le conducirá definitivamente a la abstracción. Su obra, pulcra y
minuciosa, desemboca en una concepción de tipo geométrico muy personal, y se
caracteriza por una depurada técnica y sentido del color. Palazuelo concibe el arte como
un «un camino para dar salida a los problemas humanos».
Lucio Muñoz, (Madrid-1929), pintor abstracto, en 1955 inicia sus primeras

obras no figurativas, se sirve aún del lienzo como soporte, pero raspándolo y
quemándolo con aplicación de collage. Aunque su obra gira principalmente en torno al
estudio de la materia y la tridimensionalidad del cuadro, nunca dejó de trabajar en
grabados, litografías y obra seriada. A principios de la década de los 80 se dedicó
exclusivamente a la obra gráfica, en este período realizó grabados de gran formato en
los que la gama cromática se aclaró considerablemente (hasta ese momento prevalecían
los negros, marrones, pardos) y desapareció la uniformidad tonal.
30
El artista abandonó cierta agresividad melancólica que había estado presente en sus
obras y la espontaneidad y el azar se convirtieron en protagonistas de su producción
gráfica, a la que aportaron nuevos matices expresivos, estos cambios que trabajó en sus
grabados pasaron después directamente a la pintura.
Lucio Muñoz,
Aguafuerte, aguatinta y gofrado, tamaño del
papel 106 x 141 cm, Planchas 80 x 120 cm
2- Artistas aragoneses que han trabajado con la abstracción y los colores

como medio de expresión.
Charo Pradas, 1960 Hoz de la Vieja, Teruel, en 1979 presentó su primera

exposición individual en Zaragoza, comenzó su carrera pintando ambiguas formas
orgánicas, que con el tiempo se han ido simplificando hasta convertirse en espirales,
muelles y espacios pulsantes, reflejo de los gestos pictóricos que han provocado su
creación. Más allá de la deleitación con los efectos ópticos y ornamentales, estas
pinturas de colores extraños buscan una meditación muy poética sobre la naturaleza del
arte como actividad física y mental.
Charo Pradas.
"Macorina VII". Díptico de óleo sobre lienzo.
Medidas: 80 x 100 cm.
Año 2000.
31
José Manuel Viola, Zaragoza 1916, artista de formación autodidacta, en 1958
entró en el grupo “El Paso”, en su obra se distinguen dos etapas: la primera, hasta los
años 50, entre el surrealismo y el expresionismo figurativo y la segunda, marcada
rotundamente por “El Paso”, a partir de 1958, y caracterizada por el expresionismo
abstracto o informalismo. Esta segunda etapa es la que más me interesa, en sus obras
presenta una gran expresividad mediante el trazo de su pintura.
José Manuel Viola.

Título: “La cornada”.
Año: 1959.
Medidas: 140,5 x 180 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Pablo Serrano nació en Crivillén(Teruel) 1908, se transladó a Uruguay, donde

obtuvo prestigiosos premios de escultura, fue uno de los fundadores del grupo “Paul
Cézanne”. En 1957 decidió volver a España y quedarse de forma definitiva, fue uno de
los fundadores del grupo El Paso, en el que permaneció sólo un año. Allí estuvo junto a
su compañera, la también artista Juana Francés.
3.- Artistas que en mayor medida me han sido de influencia para realizar el
trabajo.
José Luis Lasala,(Zaragoza, 1945), pintor Aragonés,

miembro fundador en la década de los sesenta en Zaragoza,
del grupo Azuda- 40, con una amplia y sólida formación
con preferencias claras por la abstracción de la segunda
mitad del siglo XX, especialmente por Rothko.
32
Al contemplar los cuadros de José Luis Lasala se piensa necesariamente en el
uso del color como lenguaje con el que transmitir determinados estados de ánimo.
Estas obras transmiten sensaciones y emociones, con una gran capacidad sensible del
color.
María Antonia Sánchez, Marbella, 1954.
En sus obras lo que pretende es << acumular las emociones y

energías para que cada criatura establezca un diálogo con el
que la contempla >> La obra artística debe inducir al
pensamiento, <<penetrar y estrechar lazos con nosotros
mismos>>.
Gerard Richter, nació en Dresde, Alemania en 1932, abstracta, casi todo su trabajo
posterior a 1976 es abstracto, excepto bodegones y paisajes, anteriormente era arte
figurativo, basado en la fotografía o la naturaleza.
Me interesan sus composiciones de gran valor cromático

y las fusiones de color en el cuadro.
Gerard Richter,
Claudius. 1986.
311 x 406 cm.
33
José Manuel Broto Gimeno, Zaragoza, 1949. En el comienzo de su trayectoria su
obra era neofigurativa, (1968), después se adentró en la abstracción geométrica. A
comienzo de los años 80, pinta cuadros de grandes dimensiones en los que presta
especial atención al color y las cualidades expresivas. En los últimos años su pintura se
hace más simplificada en cuanto a los materiales y las formas, aunque introduce temas
nuevos como figuras espaciales, transparencias, formas atmosféricas, etc.
Desde 1985 su informalismo va unido a la revalorización del color, con fines expresivos
y emotivos, y del gesto, siendo fruto de una reflexión poética y metafísica. En sus obras
son frecuentes los contrapuntos y tensiones entre campos cromáticos y formas. Recibe
influencias del expresionismo abstracto, del cubismo y de
Cezanne.
José Manuel Broto.

Litografía, 96 x 64.
Papel arches.
Año 2006
Suzanne McClelland.
Suzanne McClelland,
Nana nº8, 2006.
Monoimpresión ,
76’2 x 111’7 cm.
Impreso por K.Caraccio
Printmaking Studio, New York,
publicado por One Eye Pug.
34
McClelland pinta con tinta grasa y a continuación aplica encima una capa de
tinta más seca con la ayuda de un rodillo. El rodillo recoge esta tinta y vuelve a
depositarla, lo que crea motivos con forma en la imagen. Las plantillas colocadas
durante la primera pasada crean un óvalo abierto de color blanco fuerte, esta forma
vuelve a introducirse en la capa siguiente en un gris más sutil, añadiendo transparencia a
la tinta.
Marylyn Dintenfas, artista de renombre internacional cuya obra se encuentra en

importantes colecciones públicas, corporativas y privadas en Dinamarca, Inglaterra,
Israel, Italia, Japón y Estados Unidos. La artista es conocida por el uso del
color exuberante y un léxico abstracto.
Artista: Marylyn
Dintenfas.
Título:Palos y piedras II:
Jade y Pequeña Ruby
2002.
Técnica monoimpresión.
Medidas: 80 x 104’1 cm.
Dintenfas trabaja con planchas de plástico trabajadas con formas, algunas de

ellas contienen información tallada en la superficie. Trabaja los elementos y los coloca
unos sobre otros para imprimirse en la prensa. Al aprovechar los colores y las texturas
que quedan después de la primera impresión, la artista crea una segunda impresión, en
este caso la segunda imagen:(Little Ruby), utilizando el fantasma de la primera estampa.
Los elementos se vuelven a colocar, algunos se entintan, y otros se giran para llegar a la
tinta tomada de la disposición por capas de la primera impresión.
35
DESCRIPCIÓN TÉCNICA DEL PROYECTO.
Una característica que une todas las láminas de este proyecto es el empleo del
monotipo como base para continuar trabajando sobre él, ya que posee una actitud de
improvisación y exploración con resultados infinitamente variables.
En algunas ocasiones he estampado una segunda vez sobre el monotipo, jugando
con la transparencia y opacidad de las tintas, las opacas cubren la información impresa
previamente, pero en algunas ocasiones he añadido una base transparente a la tinta
consiguiendo que varios tonos se superpongan, creando colores muy sutiles, resultando
mezclas de color complejas, creando texturas en capas (carborundo), relieves (utilizando
cola), con tinta sobre papeles pegados en la primera impresión (chine-colle),
superposiciones de colores, añadiendo plantillas con diferentes formas de acetato, una
posibilidad es entintarlas por completo con rodillo o aplicar la tinta por la abertura
(según la forma del acetato) con la ayuda de un rodillo o de un pincel o también pueden
utilizarse para impedir que la tinta se imprima en el elemento de impresión final,
haciendo reservas, las posibilidades son muchas dando lugar a un número infinito de
impresiones, las decisiones a cerca del color, la secuencia, la forma de entintar y la
cantidad de capas puede proporcionar múltiples posibilidades de exploración.
Para comenzar con la parte práctica, experimenté estampando sobre varios tipos
de papeles: Couche Blanco Brillo, 300 gr., 70x100, Basik, 370 gr., 70x100 cm, Pop Set
Blanco, 240 gr., 70x100 cm e Incisioni Magnani Blanco, 220 gr.,70x100 cm,
definitivamente me gustó el resultado con el papel Pop Set Blanco y es este el que he
empleado a lo largo de todo el proyecto. En cuanto a las planchas he usado planchas de
Offset, de 54 cm x 74 cm, estampadas en papel Pop Set blanco, 240 gr. 100 x 70 cm.
En alguna ocasión he empleado otra plancha Offset de 65 x 55 cm.
36
PROCESO DE LA OBRA:
Imagen Nº 1.
Plancha de Offset de 54 cm x 74 cm.
Papel Pop Set blanco, 240 gr. 100 x 70 cm.
Mancha de 54 x 74 cm.
Monotipia y cuatro plantillas de acetato.
Esta fotografía corresponde a la primera
monotipia realizada para este grabado, para ella entinté
la plancha con la ayuda del rodillo, los colores de los
que parto son verde y amarillo, realizando varias
mezclas entre ellos y resultando así varios matices. Las
formas rectangulares de colores claros, son la ausencia
de tinta, este efecto es conseguido a través de arrastres
de materia con la ayuda de espátulas de varios tamaños,
estos arrastres se hacen cuando a plancha está entintada
por completo.
Cuando la primera estampa estuvo seca, entinte cuatro plantillas de acetato de

formas cuadradas y rectangulares, los colores que usé fueron rojo y amarillo, (un
cuadrado de cada color), para los rectángulos mezcle estos dos colores entre ellos,
resultando un tono derivando más hacia amarillo y el otro a rojo, en las cuatro ocasiones
añadí a la materia un poquito de transparencia para que el resultado no fuera totalmente
opaco.
Ver resultado final en Anexo I

37
Imagen Nº 2.
Dos monotipias y collage sobre papel.
Para este segundo grabado decidí emplear las

espátulas, pero en lugar de usarlas para eliminar tinta,
como en el trabajo anterior, experimenté empleándolas
como medio para aplicar la tinta sobre la plancha.
Este es el resultado de la primera estampa, donde se
aprecian los gestos de la materia aplicada con la espátula.
Mi intención es fusionar sobre esta primera imagen más
tonalidades, para ello, una vez seca la tinta volvería a
estampar otra plancha sobre esta.
Posteriormente volví a entintar la plancha con la misma técnica, añadiendo así
varias tonalidades sobre las anteriores, para potenciar la gama cromática de la
composición.
Este es la imagen después de sacar
el grabado del tórculo por segunda vez,
donde se aprecian más calidades
cromáticas que en la anterior.
A modo de collage, recorte la
superficie de mancha en tres partes, para
después pegarlas sobre otro papel con una
distancia de 1cm de distancia entre cada
fragmento de tinta.
El resultado es una imagen más rica
en cuanto a valores cromáticos, ya que al
espaciar la tinta, potencia la composición.
Ver resultado final en Anexo I.

38
Imagen Nº 3.
Monotipia.
De la misma manera que en el grabado anterior, apliqué la tinta sobre la plancha
con espátulas, realicé varias mezclas de colores resultando tonalidades muy sutiles.
Para que no se emborronaran unos tonos con
otros, primero estampé una plancha y cuando la tinta
estuvo seca entinté una segunda plancha de la misma
manera que la anterior pero con colores más fuertes
Por último volví a entintar la plancha, pero esta

vez aplicando la tinta con rodillo, para que resultase un
tono uniforme por toda la superficie de mancha. Mezclé
colores hasta obtener un tono violeta que me gustase y
a este le añadí transparencia, para que permitiera
apreciar los colores anteriores del papel. El resultado es un velo muy sutil de tono
morado sobre los distintos valores cromáticos conseguidos con las monotipias.

Imagen Nº 4.
Dos monotipias, plantillas de acetato, gofrado con tinta negra.
Con la tinta restante del grabado anterior, estampé

la plancha de Offset, una segunda vez, “imagen fantasma”.
Como se puede apreciar en la fotografía los colores son muy
suaves, sobre ellos estampé una segunda plancha en un tono amarillo para avivar la
composición, a la tinta amarilla añadí transparencia y la apliqué con la ayuda de un
rodillo.
39
Me interesaba respetar parte del fondo, por lo que recorté tres plantillas de
acetato, para que impidiera pasar la tinta.
Las plantillas de forma rectangular, dispuestas dos en la parte superior y una en
la inferior.
Sobre esta composición, dejando un tiempo de secado a la tinta, apliqué unos

cordones de zapatilla entintados de color negro.
Imagen Nº 5.
Plancha de Offset.
En esta ocasión, decidí cortar una de las planchas de Offset en dos trozos, uno de
ellos siendo un triángulo, partiendo de estas formas las he combinado formando la
composición.
He aplicado tinta de varios colores, predominando los tonos
verdosos y azulados, con algunos toques de color rojo y amarillo,
para ello he usado rasquetas, como la que se puede ver en la
fotografía, de distintos tamaños, con ellas he extendido y
arrastrado la tinta por la superficie de las dos planchas.
Posteriormente recorté la imagen en tres fragmentos

verticales, para después pegarlos sobre el papel de 100 x 70 cm,
dejando un margen de 1 cm y medio entre cada uno de ellos.
40
Imagen Nº 6.
Monotipia y collage.
En esta ocasión he reutilizado la tinta restante de la impresión anterior, esta
estampa tiene distintos valores cromáticos que la anterior, son tonos más sutiles.
Sobre ella, he pegado cinco tiras de papel de medio centímetro de ancho cada
una, tres de ellas de color negro y dos blancas. He jugado con los lados de la forma
triangular de la plancha, pegando los papeles en esa dirección y en dos ocasiones
saliéndose de la monotipia.
Imagen Nº 7.
Monotipia e intervención sobre ella con tinta calcográfica.
Para crear la primera monotipia de este grabado

utilicé tinta roja, amarilla y azul, haciendo mezclas entre
ellos conseguí distintas tonalidades de rojos, naranjas y
tonos verdosos.
Primero apliqué la tinta con rodillos, una vez
cubierta la plancha por completo, con la ayuda de
rasquetas de distintos tamaños y una espátula de
cocinero, con la que hice formas y dibujos, con el lateral
y la parte ancha de las rasquetas.
Sobre la primera monotipia, cree dos franjas de color anaranjado, esta vez
experimentando con la ayuda de un corcho para nadar cortado por la mitad, al tono
naranja le añadí transparencia, arrastré pintura.
41
Después repetí el mismo
procedimiento, pero con tinta
calcográfica amarilla.
Imagen Nº 8.
Monotipia, gofrados,
Primero entinté con rodillo la superficie de la plancha, para ello usé varios tonos
de tintas que previamente mezclé.
Con la ayuda de una espátula creé dibujos arrastrando la tinta con un giro
de muñeca, jugando con los blancos que proporciona la eliminación de la materia. En
algunas ocasiones añadí tinta a la vez que giraba sobre el fondo ya con color.
Sobre este fondo aplique tinta de colores azul
amarillo y rojo, con la ayuda de una rasqueta fui
arrastrando tinta sobre el papel.

42
Imagen Nº 9.
Monotipia, gofrados,
En esta ocasión tomé como punto de partida para comenzar a trabajar la “imagen
fantasma” del grabado anterior, es decir algunos restos de tinta de la plancha anterior.
En las esquinas inferior derecha y posterior izquierda, coloqué sobre la plancha,

antes de pasarla por el tórculo, dos pares de mechas de combustión, esto hace que la
tinta no pase al papel y que a la vez quede una textura marcada muy curiosa.
Después continué con el gofrado, pero
ahora entintando los elementos, de forma que
puse varios cordones y los coloqué sobre la
composición, lo mismo hice en la parte inferior,
donde coloqué un entramado de tela, a los
cordones les puse tinta negra y a la tela un tono
morado.
Coloqué distintos tipos de cordones, más
anchos, lisos…para que se marcaran sobre el
papel de forma distinta, los entinté y los añadí
sobre la composición.
Creando de esta manera una sensación de cercanía los más oscuros, con mayor
intensidad de negro y los cordones más claros dando una sensación de profundidad.
También empleé mechas de combustión, pero esta vez entintadas de negro, las coloqué
en el borde inferior y superior, contrastando con las zonas blancas reservadas con las
mechas anteriores.
43
Imagen Nº 10
Monotipia, gofrado y reservas con papel de periódico
En esta monotipia he entintado la plancha de Offset con la ayuda de un rodillo,

en tono rosáceo, sobre la plancha coloqué tres trozos de periódico rasgado, para impedir
que pase la tinta al papel. Finalmente sobre ellos coloqué un trozo de malla de plástico y
por último la pasé por la prensa, obteniendo la textura de la malla sobre el papel.
Imagen Nº 11.
Monotipia, reservas de papel con cinta adhesiva.
Para comenzar entinté la plancha con rodillo, empleé verde, naranja y morado,
esta vez poniendo los colores uno al lado del otro, sin mezclarlos entre sí. Experimenté
con la técnica sustractiva, pero en lugar de quitar tinta con espátulas u otro elemento
como anteriormente, lo hice dibujando con un estropajo de acero, dejando textura sobre
la tinta.
Me interesaba crear zonas blancas, por lo que
puse cinta adhesiva pegada sobre la plancha, para que de
esta manera la tinta no llegara al papel, hice varias
pruebas con las tiras, hasta conseguir la composición final
deseada.
Fotografía de detalle del trazado con

estropajo.
44
Imagen Nº 12.
Monotipia, reservas de papel con cinta adhesiva, acetatos entintados y otros usados
como zonas de reserva.
Esta fotografía está tomada de la segunda

estampa de la plancha anterior, es decir, de la
<<imagen fantasma>> del grabado nº 11.
Seguí trabajando sobre ella, primero coloqué
tres cuadrados de acetato, entintados con tinta (sin
añadirla transparencia), en tonos azul, granate y
morado.
Después recorté nuevas planchas de acetatos con
formas rectangulares, colocadas en vertical, la
intención es crear “ventanas hacia el interior de la
obra”, ya que permiten visualizar la primera
monotipia y los blancos reservados del papel. Para
añadir más “profundidad” a la composición, entinté otra plancha de Offset de 54 cm x
74 cm, de color morado mezclado con transparencia y para mantener los tonos de los
cuadrados anteriores coloqué de nuevo los acetatos empleados, pero esta vez sin tinta.
45
Imagen Nº 13.
Monotipia, reservas de papel con cinta adhesiva.
He seguido experimentando en la
línea de los dos grabados anteriores, en esta
ocasión, he entintado la plancha de Ofsset
con tonos rojizos, marrones y para el centro
color plata. Todos los colores excepto la
tinta plata han sido aplicados con rodillo,
mientras que para el color plata he utilizado
una espátula.
Una vez entintada la plancha he

trazado unos gestos con el estropajo,
después he colocado de nuevo cinta
adhesiva para hacer reservas.
Sobre esta composición estampé una plancha de color vivo, un tono rojizo para
potenciar la imagen, esta vez entintado con rodillo para que quedara uniforme, para
completar la composición pegué dos tiras de papel de ½ cm cada una que van de lado a
lado del grabado, jugando con las direcciones de las reservas anteriores, estas se ven con
un color plano, al igual que las tiras de papel pegadas, juego de colores rojo-blanco,
papel-mancha.

46
Imagen Nº 14.
Monotipia y collage.
Para comenzar empecé pegando papeles seda

rasgados, sobre el papel base de este trabajo, elegí
tonos azules, morado y amarillo, colores en torno a
los que gira esta composición.
Después dibujé sobre la plancha de acetato,
poniendo la pintura con un pincel grueso y la estampé
en el centro del papel, dejando salir por los bordes de
éste, algunos de los trozos pegados.
Posteriormente entinté de nuevo la plancha de
acetato anterior de color morado mezclado con
transparencia, encajándola justo sobre la monotipia
primera.
Para finaliza despegué algunos trozos de papel pegado, pues al tener dos
monotipias sobre ellos los colores no han traspasado al papel y todavía mantiene un
tono claro.
Imagen Nº 15.
Monotipia y collage, papel de periódico, cartulina azul y papel Mi-teintes de color gris.
Para comenzar entinté la plancha con tinta calcográfica de color rojo y

anaranjado con la ayuda del rodillo, pero éste sin cubrirse de tinta por competo, de
forma que al girar el rodillo el color no tape la superficie en su totalidad,
47
Después directamente sobre el collage hice unos
trazos con un pincel grueso, sobre él estampé un
segundo monotipo, entinté la plancha dejando zonas
reservadas (para que se vea la primera imagen) y en el
centro de ella pegué una pieza de acetato generando un
rectángulo central en la imagen y apliqué tinta azul con
pincel
Imagen Nº 16.
Monotipia y reserva con cinta adhesiva
Primero entinté la plancha con la ayuda del rodillo y con la rasqueta añadí
algunos toques de tinta plata. Después, hice reservas con cinta adhesiva sobre la
plancha, formando espacios entre las zonas de tinta.
Sobre esta primera estampa volví a poner la
plancha pero esta vez sin las reservas anteriores,
excepto en dos rectángulos, elegí los colores rojo y
verde para dar más fuerza a la imagen. A la pintura de
color verde le añadí transparencia, para hacer visible
la primera estampa pero de forma sutil.
Para finalizar rematé la composición
con unas franjas negras y verdes, algunas de ellas de
lado a lado de la imagen y otras discontinuas, jugando
con la estructura de los tonos obtenidos anteriormente
48
Imagen Nº 17.
Monotipia,
Esta es la imagen correspondiente al monotipo

realizado en el papel, primero apliqué la tinta con
rodillos y con la ayuda de espátulas dibujé formas sobre
la plancha entintada, las zonas blancas que se observan
son el resultado del contacto producido por la tinta y
gotas de aguarrás que deposité sobre ella.
Después dibujé sobre el papel con cola blanca directamente del tubo, trazando
formas y gestos, posteriormente la deje secar unos minutos y sobre ella espolvoreé
carborundo, en otras zonas extendí cola coloreada con tinta, resultando en este caso un
tono verdoso. Entinté de nuevo la plancha, pero esta vez con un tono uniforme
amarillento el cual previamente mezcle con transparencia, en las zonas donde
anteriormente se veía el color blanco del papel, ahora se aprecia el color amarillo
intenso.
Para concluir la imagen, en esta ocasión empleé dos planchas de acetato, ambas
con forma de “L”, las entinté con un tono naranja rojizo y las coloqué a los lados de la
composición, de forma que parte de ellas salieran al margen del papel, dando así más
variedad cromática, pues en el interior del grabado se fusionan con las demás
tonalidades.
49
Imagen Nº 18.
Monotipia,
Primero estampé con la prensa la “Imagen fantasma” del grabado anterior, he

decidido trabajar a partir de esta base, primero apliqué gotas de tinta china azul oscura
con la ayuda de una jeringuilla.
Después al igual que en el grabado anterior
añadí cola o bien, haciendo dibujos directamente
con el tubo o usando rasquetas, depositando tinta
mediante un juego de muñecas.Emplee cola blanca
normal, y también coloreé parte de ella con tinta de
color verde y roja, después espolvoreé carborundo
sobre algunas de estas zonas.
Cuando estuvo seco, dibujé con ceras

blandas sobre el papel, después entinté de nuevo
una plancha de color amarillento y naranja
mezclado con transparente y la coloqué justo
encima de la imagen para pasarla por el tórculo.
Para finalizar entinté las dos planchas de acetato empleadas en el grabado
anterior, con color verde mezclado con transparencia.

50
Imagen Nº 19.
Monotipia, gofrado.
En esta ocasión entinté la plancha con rodillo y

después con la ayuda de un cuchillo de pastelería, fui
quitando tinta haciendo las formas resultantes.
Entinté otra plancha recortada de acetato en un
tono violeta con transparencia y la estampé sobre esta
imagen. Después volví a entintar otra plancha de
acetato y la coloqué en el centro de la composición,
sobresaliendo por la parte inferior de la imagen.
Posteriormente entinté de color negro una
huevera y dos tabletas de pastillas vacías, la presión del tórculo hizo que se quedara
marcada la forma de estos objetos.
Ver resultado final en Anexo I
Imagen Nº
20
Monotipia.
El fondo de esta imagen es una segunda

estampa con la tinta restante de la plancha anterior.
Para lograra este efecto, sobre la base he dio añadiendo
planchas de acetato recortado, se trata de cuatro
plantillas distintas, usando varios tintas mezcladas con
transparencia para fusionar tonalidades.

51
CONCLUSIONES
A la hora de desarrollar la parte práctica, no he seguido unas pautas lineales, ni

una metodología rígida, que exija seguir un paso detrás de otro. Han sido mis propias
necesidades expresivas las que han determinado el procedimiento llevado a cabo en
cada una de las imágenes creadas, obteniendo así resultados distintos y ajenos a un
previo estudio. Me he sentido muy cómoda trabajando en el taller, he conseguido
resultados que personalmente me han sorprendido, a pesar de haber investigado sobre
las técnicas y resultados, he descubierto un carácter sorpresivo que posee esta práctica
de fusión de técnicas, nunca se puede preveer el resultado final.
Este proyecto es una forma de autoconocimiento, una reflexión personal en la

que desarrollo la visión propia interna de sensaciones, emociones enjauladas en el
interior, manifestadas en el mismo acto creador, sin meditación. En este proyecto he
visto la manera de sacar de esa jaula las sensaciones y emociones destinadas a morir en
el olvido, representándolas con formas abstractas y colores.
El aspecto más significativo de este trabajo es la constatación de que la fusión de

varias técnicas como la monotipia, collage y gofrado, permite generar un lenguaje
gráfico con resultados plásticos únicos, a pesar de que estos resultados no son
alcanzables por ningún otro procedimiento plástico, las obras finales obtenidas tienen
relación con otras ramas artísticas como la pintura, dibujo ó escultura. En cuanto a la
pintura, se relaciona directamente con mi trabajo, las manchas de colores son el
elemento central en torno al que gira todo el trabajo, el dibujo también está presente a lo
largo de toda la creación plástica, pues en todas las obras he trazado líneas o gestos que
forman parte de la composición y por último respecto a la escultura se relaciona con
volumen del gofrado, en varias ocasiones he empleado elementos como cordones,
mechas de combustión, tela, una huevera o envases de pastillas, para pasarlos por el
tórculo y que de esta manera a través de la presión ejercida sobre el papel deje la marca,
textura o relieve de los objetos.
52
La percepción de los colores y el lenguaje cromático se relacionan íntimamente,
conocemos muchos más sentimientos que colores, por eso, cada color puede producir
muchos efectos distintos, y a menudo contradictorios. El color tiene una gran influencia
sobre el cuerpo y la mente del hombre, despertando en él emociones y sentimientos, los
colores han sido muy comparados con los sonidos por sus principios de agregación y de
composición, pero también debemos compararlos con los olores y los sabores ya que
crean estímulos y sensaciones simultáneas, sugiriendo estremecimientos y recuerdos.
Hoy en día, gran parte del tiempo no damos importancia al color en nuestro día a
día, lo damos por supuesto por lo que existen muchos colores separados de su sentido y
finalidad y es que a través de lo sensorial del color, el individuo se relaciona con los
colores definiendo su estado de ánimo, los colores se comunican con nuestro interior y
es ahí donde surge la relación de gustos, humor, etc
En cada color hay un mundo, de manera que el color tiene esa esencia y con ella
las virtudes que hacen que nos comportemos de determinada manera, es como si el
color ya portara esos aspectos y nosotros somos quienes los agarramos y es cuando
llegan al interior y en el interior se encuentra el verdadero yo, la realidad de lo que
hemos sido, de lo que somos y de lo que seremos.21
21
http://temagris.blogspot.com.es/2010/04/un-periplo-que-nos-desconecta-del-mundo.html
53
BIBLIOGRAFÍA.
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-Anna Moszynska, El arte abstracto. Ediciones Destino, Barcelona, S.A., 1996.
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-David Solar, Descubrir las vanguardias. Arlanza Ediciones, S.A., 2000, Madrid.
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-David Anfam. El expresionismo abstracto. Edicones Destino, S.A, 2002, Barcelona.
-Diane Edison. El color en la pintura, composición y elementos visuales, mezcla de

pintura, técnicas, tema y contenido de las obras. Editorial Blume, S.L., 2009,
Barcelona.
-José Orús. Odisea Cósmica. Sala Cai Luzán, Zaragoza, Exposición octubre del 2002.
54
-Julia Dorado. 5 años de taller (1993-1997). Monotipos serigráficos. Sala María
Moliner, Edificio Pignatelli, Junio, 2003, Zaragoza, Gráficas Mola.
- Mark Godfrey and Nicholas Serota with Dorothée Brill and Camille Morineau,
Gerhard Richter, Panorama, a Retrospective. Tate Modern, Centre Pompidou, 2011
Referencias bibliográficas disponibles en Internet.
http://www.artelista.com/arte-abstracto.html
http://www.arteespana.com/wassilykandinsky.htm
http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html
http://www.weblogicnet.com/descargas/teoria-del-color.pdf
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/albers.htm
http://www.joseluislasala.com/index.php?x=inicio

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“El color es en general un medio para ejercer una influencia directa

sobre el alma, el ojo es el martillo templador, el alma un piano con

MARCO HISTÓRCIO – FUNDAMENTOS TEÓRICOS Pág 16

DESCRIPCIÓN TÉCNICA DE PROYECTO Pág 36

ANEXO I. Fotografías de la obra final.

La monotipia permite combinar diferentes procesos para crear una imagen,

Autora, Victoria Ferrer Peiró

La propuesta artística que presento gira en torno al color y la abstracción, tratado

He elegido el monotipo ya que es posible combinar diferentes procesos para

Me interesa la fusión de varias técnicas, partiendo del predominio del color de

Durante la carrera he aprendido a ver, a mirar de una manera nueva, apreciando

Investigar con los distintos procedimientos y técnicas de grabado,

La importancia del color:

“El color es el más relativo de los medios que emplea el arte”

En los colores se pueden diferenciar varias propiedades, por ejemplo la

Todos estos aspectos mencionados anteriormente influyen mucho en la percepción de

-Breve historia del grabado.

El grabado calcográfico permite crear una o más impresiones partiendo de una

- Definición del término: el monotipo o monotipia.

La monoimpresión emplea alguna forma de matriz que se repite durante el

-Breve historia del monotipo.

Los primeros monotipos conocidos datan de mediados del S.XVII y fueron

-Procesos de generación de imágenes

La naturaleza del monotipo hace que históricamente haya resultado difícil

Estrategias de dibujo y pintura para el monotipo12.

-Técnicas por adición:

Fotografía de tinta aplicada con pincel, resulta

Imagen de tinta rebajada con disolvente,

Fotografía de tinta aplicada con rodillos de

Ejemplo de viscosidad: una tinta grasa pintada en

La tinta se elimina de forma lineal con varias

Fotografía de un ejemplo de técnica por

Esta fotografía se trata del efecto que

También se puede jugar con las plantillas

Arte abstracto en España.

El arte contemporáneo provoca la aparición de corrientes yuxtapuestas, a veces

La palabra abstracción utilizada por Kandinsky en sus primeros escritos, fue

Vasily Kandinsky escribe en 1911, "De lo espiritual en el arte", esencialmente en

Me voy a centrar en la abstracción lírica, sus movimientos más destacados

Pintura matérica, esta tendencia del informalismo, se inicia a finales de los

El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico dentro de la

En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la gestual

Greenberg, influyente crítico de arte estadounidense muy relacionado con el

La guerra civil española (1936-1939) frenó el desarrollo de la vanguardia y es a

En cuanto a la modernización en el campo artístico más radical de Aragón, como

El grupo Parpalló, fue el primer foco de introducción del informalismo en

En Aragón contamos con artistas de renombre en el campo de la abstracción,

La priorización de referentes se ha centrado en una breve selección de artistas

He analizado y clasificado líneas de trabajo de artistas que me han parecido

1-Artistas precursores de la abstracción en España, sus trabajos han sido

Otros artistas, también importantes en la abstracción y el color:

2-Artistas aragoneses que han trabajado con la abstracción y los colores

3.- Artistas que en mayor medida me han influenciado para realizar el

En su obra Composición IV, de 1910, las

Mondrian, Pintor holandés y uno de los máximos representante de la

Composición con rojo, amarillo, azul.

Klee siente la necesidad de un arte que transforme la naturaleza, para alcanzar

Jackson Pollok, (1912 - 1956), Estados Unidos, referente en el movimiento

“Cuando estoy en mi cuadro, no soy consciente de lo que hago. Solo después de un

Rotko comentó en 1959: <<un cuadro no es la imagen de una experiencia, si no que es