LA COMPOSICIÓN “ALL OVER” DE LA PINTURA ABSTRACTA Y LOS

ESTILOS RELACIONADOS CON ELLA

Existen dos tipos de composición en el dibujo y la pintura. Una de ellas es conocida

como composición relacional, que es la que más conocemos, y la otra es conocida como
composición “all over”, que es menos conocida y es el tema principal de este texto.

Cuando componemos de forma relacional debemos determinar qué elementos dentro de

un plano tienen mayor importancia y cuales menos, o dicho de otra forma cuales ocupan
un lugar privilegiado dentro de la imagen y cuáles no. En esta forma de composición
hay un personaje principal o área principal y personajes secundarios. Utilizamos la
composición para determinar qué puntos de nuestra imagen están en “foco” y cuáles son
los puntos de menor interés.

Cuando en la tradición clásica de la pintura europea se hablaba de composición se hacía

referencia a la composición relacional. Solo que en aquella época no se llamaba de esa
forma, se llamaba composición pictórica.

Esta herramienta que se valía del ajuste de las relaciones de los elementos artísticos
respetando el borde del lienzo, fue ampliamente desarrollada desde la edad media y
hasta los primeros movimientos modernos, como el cubismo y el arte abstracto.

Luego, a fines de la década de 1940, el expresionista abstracto Barnett

Newman comenzó a hacer pinturas en las que grandes bloques de color corrían de arriba
a abajo del lienzo (Campos de color). Este estilo fue radical en términos de composición
debido a que los bloques de color simplemente salieron de los bordes superior e inferior
del lienzo, que Newman dejó deliberadamente sin enmarcar.

Al mismo tiempo, el pintor expresionista abstracto estadounidense, Jackson Pollock, dió

a conocer lo que llegó a llamarse composición “all over”, estilo compositivo en el que
no había elementos principales ni secundarios. Examinaremos este estilo a continuación.

¿En qué consiste el estilo de composición “All over”?

“All over” (en inglés significa en todas partes), es una práctica surgida en la pintura
alrededor de 1948, que consiste en distribuir más o menos uniformemente los elementos
pictóricos en toda la superficie. La pintura inclusive parece extenderse más allá de los
bordes.

Esta técnica fue inventada por Janet Sobel (1894-1968), una pintora estadounidense de
origen ucraniano. Jackson Pollock vio su obra expuesta en 1944, en la galería Art of
This Century, y se inspiró para crear su propia obra all over, en 1951. En su caso, utilizó
palos y pintura industrial para extender la pintura por todas partes de manera uniforme
con gestos amplios pero controlados. El resultado es una abstracción pura en el espacio
pictórico.

 
Vía Láctea (1945). Janet Sobel. Esmalte sobre lienzo. 44 7/8 x 29 7/8 “(114 x 75.9 cm)

“All over painting” es una técnica en la que todo el lienzo o la superficie de la obra está
cubierta de pintura de borde a borde y de esquina a esquina. En este tipo de pintura,
cada porción de la obra de arte recibe la misma importancia y atención. Es diferente de
las composiciones habituales que vemos. Es un estilo de pintura en el que no se
considera la forma normal de tratar la composición. De esta manera, las obras quedaron
liberadas de un centro de interés determinado, con múltiples puntos focales en el plano
del cuadro y del dilema entre forma y fondo.

 
Imagen general

El término “imagen general” fue utilizado por primera vez por el crítico de
arte Clement Greenberg en su ensayo de 1948 “La crisis de la imagen del caballete”
para describir el surgimiento de composiciones “descentralizadas” como las enredadas
capas de pintura goteada de Jackson Pollock. Los trabajos en esta categoría carecen de
un punto focal dominante debido al tratamiento uniforme de toda la superficie. Artistas
contemporáneos como Mark Bradford y Dan Colen han modernizado esta técnica al
cubrir cada centímetro de los medios de apoyo tradicionales con materiales poco
ortodoxos, como los papeles desechables o el chicle mascado.

Ave del paraíso (2018). Mark Bradford.

Categorías relacionadas al estilo de composición “all over painting”.

Expresionismo abstracto

En términos de movimientos, el expresionismo abstracto se asocia en particular a los

pintores de la Escuela de Nueva York, como Willem De Kooning (1904-97), Jackson
Pollock (1912-56), y Franz Kline (1910-1962). Otros pintores en el movimiento
incluyeron a Robert Motherwell (1915-91) (famoso por su serie de Elegía a la
República Española), y Mark Tobey (1890-1976) (estilo caligráfico).

El expresionismo abstracto es un un movimiento artístico de mediados del siglo XX que

comprende diversos estilos y técnicas y que destaca especialmente la libertad de un
artista para transmitir actitudes y emociones a través de medios no tradicionales y, por
lo general, no representativos.
Sin título (1967). Mark Tobey. Técnica mixta sobre papel. 12.5 x 19 cm.

Pintura gestual

El término “pintura gestual”, también conocido como “gestualismo”, se utiliza para

describir un método de pintura artística caracterizada por pinceladas enérgicas y
expresivas que enfatizan deliberadamente el movimiento del brazo del pintor o el
movimiento de la mano. En otras palabras, la pincelada en una pintura gestualista
expresa las emociones y la personalidad del artista tal como los gestos de una persona
reflejan sus sentimientos en la vida cotidiana. El gestualismo también enfatiza el acto
físico de pintar en sí mismo, llamando la atención sobre el “proceso de creación”.

El término originalmente se usó para describir la pintura de los artistas expresionistas

abstractos Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Hans
Hofmann y otros (también conocidos como pintores de acción). La idea era que el
artista actuara físicamente lo que buscaba transmitir, y que el espectador leyera algo de
su emoción o estado de ánimo en las marcas de pintura resultantes. De Kooning
escribió: “Yo pinto de esta manera porque puedo seguir poniendo más y más cosas en él
(drama, enojo, dolor, amor)”.

 
Una forma de vivir (2017). Willem de Kooning. Óleo sobre lienzo

Este enfoque de la pintura tiene sus orígenes en el expresionismo y el automatismo

(especialmente la pintura de Joan Miró). En su Historia del Expresionismo abstracto,
(1970) Irvine Sandler distinguió dos ramas del movimiento, “la pintura gestual” y la
“pintura de campos de color”.

Orígenes e historia de la pintura gestual

Hasta mediados del siglo XIX, el mundo del arte estaba principalmente dominado por
un estilo de pintura conocido como arte académico. Esta forma altamente pulida y
estructurada de pintura al óleo fue promovida por las grandes Academias de Bellas
Artes de Europa por su apariencia clásica y de gran frente, en la que no se veía ningún
rastro del pincel del artista. Desde aproximadamente 1850 en adelante, a medida que
esta estética ultra-convencional comenzó a relajarse gradualmente, los pintores
adquirieron mayor libertad para pintar como se sentían. Comenzaron a surgir nuevos
temas (p. Ej., La vida cotidiana de la gente común, defendida por Barbizon y el realismo
francés), así como nuevos estilos de pinceladas y texturas de impasto. Poco a poco,
gracias a artistas como Turner y posteriormente los imprecionistas que la pintura fue
volviendose menos preciosista y adquiriendo una fuerte carga “gestual”.
 

Pintura de campo de color (c.1948-68)

El término “pintura de campo de color” se refiere a un estilo particular del

expresionismo abstracto estadounidense, asociado con la Escuela de Nueva York de arte
moderno. Iniciado por Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) y Mark
Rothko (1903-70), este arte abstracto se caracterizó por grandes campos de color plano
y sólido, que envolvían al espectador cuando se veía de cerca. Evitó deliberadamente
retratar formas destacándose contra un fondo. En su lugar, la forma, el fondo y el fondo
son uno, y la imagen, vista como un campo, en lugar de una ventana, dibuja el ojo más
allá de los bordes del lienzo. El estilo fue diseñado sobre todo para tener un impacto
emocional en el espectador.

No. 61 (óxido y azul), (1953). Mark Rothko. 115 cm × 92 cm (45 pulgadas × 36

pulgadas). Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles
 “Action Painting” o pintura de acción

En su artículo innovador “The American Action Painters”, publicado en diciembre de

1952, Harold Rosenberg (1906-78) definió un movimiento y un momento. Mientras
exploraba las ideas más innovadoras de su mente, siguió adelante y acuñó el término
“Pintura de acción” para describir un nuevo estilo de pintura floreciente durante esa
época en Estados Unidos.

Él vio que esta obra no constituye una escuela, sino que representa el acto creativo en sí
mismo como algo espontáneo, no premeditado, del artista. Simplemente para registrar el
“gesto en el lienzo”, escribió, “fue un gesto de liberación, desde el valor político,
estético, moral”. Para Rosenberg, los nuevos artistas utilizaron el lienzo como “un
escenario en el que actuar” en lugar de un lugar para producir un objeto. “Lo que estaba
en el lienzo”, escribió, “no fue una imagen sino un evento”.

Rosenberg también vio el acto de pintar como inseparable de la biografía del artista.
Como tal, la pintura rompe los límites entre el arte y la vida, haciendo que todo,
incluidos los eventos en la vida del artista, caigan en la obra. El artista no está
interesado en el arte per se; de hecho, utiliza el acto de pintar para alejarse del arte. Es a
través de la psicología, “la psicología de la creación”, no el material personal que
leemos, que el arte vuelve a la pintura. En este tipo de drama, con el pintor como actor
actuando en un “escenario de cuatro lados”, el público está centrado en la acción:
“creación, duración y dirección”.

Jackson Pollock “Actionpainting”

Hiperrealismo

El hiperrealismo es un movimiento que surge después del expresionismo abstracto, y

que por extraño que parseca tiene un profundo vinculo con la composición “all over”.
Si bien el expresionismo abstracto, que dió origen “All over composition”, se trata de
abstracción y el hiperrealismo tiene que ver con figuración, estos dos generos no son en
todo opuestos como podría parecer.

De hecho la forma de componer del “All over composition”, se usa mucho en el

hiperrealismo. Esto es porque en la pintura hiperrealista el nivel de detalle es tan alto en
todos los elementos que componen el cuadro san actores principales, todo sobre el plano
esta enfocado y todo aparece detallado.

El producto finalizado tanto del hiperrealismo como de la composición “all over” a

menudo cuestiona nuestras percepciones de la realidad, explorando los límites de la
visión humana.

Frank, 1969. Chuck Close. Acrílico sobre lienzo

 
Artistas que han desarrollado el estilo de composición “all over painting”

Jackson Pollock, John M. Miller, Alma Thomas, Park Seo-bo, John Seery, Gloria
Petyarre, Richmond Burton, Taro Yamamoto, David Davidovich Burliuk, David
Mackenzie

Jackson Pollock

Es una de las principales figuras del expresionismo abstracto, dirección que se creó en
los años 40 y 50 del siglo XX en los Estados Unidos. El expresionismo abstracto
emocional evolucionó como una oposición al expresionismo geométrico racional y frío,
la conexión de la ausencia de objetivos, las marcas y las formas simples
(abstraccionismo) con la emocionalidad y el subconsciente (expresionismo).

Jackson Pollock, como el maestro de su género, rompió por completo con la imagen
tradicional del pintor y su obra. Pollock no utilizó las herramientas de pintura estándar:
pinceles, espátulas, caballetes. Puso la lona en el suelo. Como dijo: “trabajar en el suelo
es más cómodo. Me siento más cerca de la imagen, pertenezco a ella, porque puedo
caminar alrededor de ella, trabajar con todos los lados de la imagen y estar literalmente
en la imagen”.

Autumn Rhythm (1950). Jackson Pollock. Esmalte sobre lienzo. 105 x 207 pulg. (266.7
x 525.8 cm)

Estilo y técnica

Pollock deriva su inspiración del arte y la mitología de la India. Estaba interesado en los
símbolos de la vida, el sexo y la muerte, descritos por Freud y Jung. Típico de Pollock
(así como de todos los demás representantes del expresionismo abstracto) fue la técnica
de la caída libre, el goteo de pintura sobre un lienzo colocado horizontalmente o
salpicaduras de pintura con un pincel.
Pollock también utilizó la técnica de la “pintura de acción”. Se suponía que la pintura de
gestos daba al pintor una completa libertad creativa, para permitir transferir la
“naturaleza” latente oculta en el ser humano al lienzo. Pollock utiliza también pintura en
latas. Hizo un agujero en el recipiente y vertió el contenido en el suelo. Luego difuminó
la pintura con los dedos, palos, etc.

Pollock revolucionó no solo la técnica sino también la composición de la pintura. En sus

pinturas no solo hay líneas rectas y rastros de geometría, sino que también falta el centro
de gravedad (un punto focal de la composición). La pintura fluye libremente y salpica
por todo el plano de la pintura, sin crear una división clara en el espacio.

Taro Yamamoto

Taro Yamamoto fue parte del movimiento expresionista abstracto en la ciudad de Nueva
York durante los años cincuenta. Nació en Hollywood, California en 1919, pero fue
enviado a Japón a la edad de ocho años para recibir una educación tradicional japonesa.
Se graduó con una licenciatura en bellas artes en pintura japonesa de la Universidad de
Arte y Diseño de Kyoto, Kyoto, Japón.

Fue invitado a participar en la exposición “KamisakkaSekka: Dawn of Modern Japanese

Design” en la Galería de Arte de NSW en 2012 y tuvo una exposición individual en Art
Atrium en el mismo año. También fue nominado en el 5º Premio Gran Premio Kaii
Higashiyama Nikkei en Pintura Japonesa y exhibido en el Museo Real de Ueno en
Tokio. Taro Yamamoto recibió numerosos premios, entre ellos el Premio VOCA, el
Premio de Arte Philip Morris y el 4º Premio de Arte Shell.

Taro Yamamoto (1919-1994). Untitled, 1964. Oil on canvas, 40 x 50 inches. Signed and
dated lower right.

 
John M. Miller

A principios de la década de 1970, John M. Miller, un artista retirado, se redujo a su

esencia, que, para él, tomó la forma de barras angulosas y de colores. Él ha estado
pintando estas barras en tonos de blanco, negro, azul, púrpura, rojo, amarillo y verde en
lienzos sin imprimación, durante más de 40 años.

Meticuloso y meditativo, sus composiciones han sido categorizadas diversamente como

Op Art y Geometric Abstraction, y comparadas con las obras de Agnes Martin y Brice
Marden. Los trabajos de Miller requieren y recompensan la atención lenta de los
espectadores, que permite que el ojo perciba una sensación de movimiento rítmico en la
interacción de las barras, y que la mente se abra a sus diversas asociaciones: tejer, coser
o un jardín Zen de piedra recién rastrillado.

Sin título (95-1) [Azul / Naranja]. John M. Miller

Alma Woodsey Thomas

Alma Woodsey Thomas fue una pintora estadounidense conocida por sus
composiciones coloridas y abstractas. Ha publicado referencias históricas históricas,
fenómenos naturales y estética personal a través de composiciones simples de forma
circular y lineal.

El legado de Thomas se define por la aclamación crítica y los logros, incluida una
Exposición individual en el Whitney Museum of American Art. Su trabajo fue
particularmente exhibido en la Casa Blanca durante el mandato de la administración
Obama. “El arte creativo es para todos los tiempos y, por lo tanto, es independiente del
tiempo”, dijo una vez la artista: “Es de todas las edades, de todas las tierras, y si con eso
nos referimos al espíritu creativo en el que una imagen es común a todo el mundo,
independientemente de la edad, raza y nacionalidad; la declaración puede quedar sin
oposición.

White Daisies Rhapsody (1973). Alma Thomas. Acrílico sobre lienzo. Fuente:
Smithsonian American Art Museum

David Mackenzie

David Mackenzie considera que su trabajo es parte de la tradición no objetiva de la

pintura y toca las nociones de arquitectura deconstructiva, historia modernista,
geometría y perspectiva. Sus superficies cuidadosamente consideradas y formuladas son
parte de su proceso.

Su trabajo ha sido incluido en la Bienal de Whitney y se ha mostrado en Italia, Francia,

Alemania y Rusia. Ha recibido subvenciones de la Fundación Pollack-Krasner y la
Fundación Nacional para las Artes. Ha trabajado en la Colección Phillips, el Museo
Metropolitano de Arte Americano, Arte en Embajadas, Departamento de Estado de los
Estados Unidos, Museo de Arte de Oakland, Fundación René Di Rosa, entre otros.

Acrílico sobre lienzos de ingeniería. David Mackenzie. 24”x 32”

LOS DOS ELEMENTOS MÁS IMPORTANTES PARA DOMINAR LA

COMPOSICIÓN EN DIBUJO Y PINTURA

La composición es un elemento de suma importancia para la pintura y el dibujo.

En algún momento de la historia de la pintura europea, la composición llegó a ser uno

de los conocimientos más valiosos que un pintor debía poseer. Por ejemplo, durante la
Edad Media la composición estaba íntimamente vinculada con el simbolismo religioso,
por lo que ciertas composiciones implicaban connotaciones muy específicas que debían
respetarse.

Hoy en día nuestra aproximación a la composición es mucho más libre que en aquella
época. Sin embargo -y lamentablemente-, la libertad del presente a veces implica el
desconocimiento de muchas de las posibilidades que la composición posee como eficaz
herramienta pictórica.

La composición es en sí misma todo un instrumento discursivo, del cual pintores y

dibujantes pueden valerse para comunicar. No sólo es útil para acomodar objetos sobre
un plano de forma “armónica”, sino que también puede tener la función de transmitir y
expresar ideas, sensaciones y emociones.

En este texto exploraremos brevemente dos importantes elementos compositivos

esenciales para utilizar asertivamente la composición: la forma y el color o, en caso del
dibujo o pintura monocromática, el contraste.
 

Agnes Martin.

Pensar en composición más allá de los cánones griegos

Cuando hablamos de composición, a muchos pintores les viene a la mente la proporción

áurea y los cánones griegos. Quizá por esta misma relación la composición muchas
veces es pensada como algo que limita, más que como una herramienta discursiva. Pero
la composición no es únicamente proporción áurea y cánones griegos.

Al pensar en composición, generalmente pensamos en líneas sobre un plano que dictan

el acomodo de las figuras y formas. La realidad es que la composición en la pintura esta
dividida en dos partes:

Por un lado, tenemos la más conocida composición “por forma” que, en efecto, tiene
que ver con geometría, proporción, balance, orientación, línea y ritmo.

Por otra parte tenemos la composición por color, la cual implica el uso del claroscuro,
valores tonales, colores complementarios y armonías, a partir de las cuales el pintor o
dibujante puede guiar la mirada del espectador dentro del plano pictórico.
Lo muy interesante, en cuanto a ambas formas de composición, es que el gran valor que
las mismas pueden aportar a nuestra pintura no sólo depende de conocer sus reglas. Si
bien no está de más conocer algunas lineamientos importantes, lo mejor es -desde mi
punto de vista- aprender a sentir los efectos que producen distintas formas de
composición. De esta forma más intuitiva, la composición se vuelve un verdadera
herramienta de expresión, más allá de ser una simple estructura para “acomodar”
figuras.

Carmen Herrera, Two Yellows, acrílico sobre lienzo, 157.5 x 106.7 cm, 1992.

 
Los dos tipos de composición

Ya hablamos sobre que existen dos tipos de composición: una por forma y la otra por
color. Ambos tipos de composición trabajan juntas, como una red que entrelaza
espacialmente los diferentes elementos del cuadro, generando interacciones particulares
entre los objetos y el plano pictórico.

Al trabajar de manera conjunta, las dos formas de composición dan dirección a los
elementos del plano pictórico, a la vez que sensación de movimiento, ritmo, simetría o
asimetría, compensación del espacio, tensión, expansión, contrapunto y otras múltiples
posibilidades de lectura.

Lo interesante es que esto ocurre independientemente de si aquello que componemos

sobre el lienzo es abstracto, figurativo, bidimensional o tridimensional. Por dicha razón,
el uso consciente de la composición en un dibujo o pintura es determinante para el
resultado de la obra y una de las herramientas más útiles para quién pinta o dibuja.

Lo importante para utilizar asertivamente ambas formas de composición es conocer sus

posibilidades y el funcionamiento de cada una y, por supuesto, cómo trabajan ambas en
conjunto.

Agnes Martin, Homenaje a la vida, acrílico y grafito sobre lienzo, 2003.

 

La composición por forma

La composición por forma se construye a partir del uso consciente de la geometría

dentro del plano pictórico.

Como primer factor determinante de la composición por forma, hay que considerar el
elemento dentro del cual se acomodarán nuestros demás elementos: el plano pictórico.
Su forma es el primer determinante geométrico a considerar como parte de nuestra
composición. Dependiendo de cómo se acomodan nuestro “objetos” dentro del plano
pictórico es que ocurren todas las sensaciones que podremos producir mediante la
composición.

Distintos formatos de planos pictórico producirán diversas sensaciones, aún utilizando

composiciones similares. Esto se debe a que, en cierto sentido, hay formatos que ya son
en sí mismos “composiciones” predeterminadas.

El siguiente factor determinante en cuanto a composición por forma son los siguientes
recursos:

 Forma y proporción
 Posicionamiento y orientación
 Balance y armonía
 Campo visual
 La trayectoria que sigue la mirada del espectador sobre el lienzo
 Espacio negativo
 Proporción (por ejemplo: regla de tercios, proporción áurea, geometría
dinámica)
 Líneas
 Ritmo
 Iluminación
 Repetición
 Perspectiva
 Asimetría

Todos ellos tienen usos e implicaciones diversas, las cuales afectan, tanto al interior del
plano pictórico, como al plano pictórico mismo. Todo esto lo analizaremos con mayor
profundidad más adelante; primero mencionaremos los elementos esenciales de la
composición por color y cómo se intersecan ambos sistemas.

 
 

Carmen Herrera

La composición por color

Por otra parte, la composición por color es un fenómeno complejo que depende de la
luminosidad, el color y el contraste para volverse tangible. Este tipo de composición
determina la trayectoria que dibujará la mirada del espectador sobre el lienzo. Así, este
tipo de composición es capaz de transformar composiciones “por forma” específicas en
otros tipos de composiciones.

Con esto último quiero decir que, debido a que la composición por color es el elemento
compositivo más importante a la hora de determinar dónde se posa la mirada del
espectador, ésta es capaz de transformar los valores compositivos de una imagen, dando
como resultado una composición diferente. Esto ocurre al utilizarla para acentuar puntos
específicos de la composición por forma en el momento combinarla con la composición
por color.

Como ejemplo pueden observar el contraste entre las dos imágenes que vienen a
continuación. En la imagen siguiente tenemos una composición simétrica en la cual se
emplea el color para generar acentos en distintos puntos. De esa manera, esta
composición que al ser leída sólo por forma es más bien estática, adquiere dinamismo y,
en cierta forma, una composición distinta debido a los acentos.

La imagen que pueden observar justo debajo de los cuadrados de colores muestra un
carácter compositivo muy diferente al hacer un uso del contraste por color de una forma
menos contrastante. En este ejemplo, en la segunda imagen falta el dinamismo que tiene
la primera.
 

Colores que avanzan y retroceden.

 
Agnes Martin, Buds (Botones), óleo y grafito sobre lienzo, 127 x 127 cm, hacia 1959.

Los elementos de la composición por color y su uso

Para lograr sus juegos, la composición por color se vale de los siguientes elementos:

 Color
 Contraste (pueden leer más sobre valores tonales en esta publicación)
 Espacio negativo
 Iluminación

La forma en que estos elementos pueden ser empleados en un lienzo siempre dependerá
de para qué fin se quiere utilizarlos. En general, la trayectoria que sigue la mirada del
espectador sobre el lienzo siempre está determinada por el contraste y el uso de valores
tonales de gris o del uso del color como valores tonales.

Carmen Herrera, Amarillo “Dos”, acrílico sobre madera, 101.6 × 177.8 cm, 1971. 

Color, valor tonal, contraste y cómo funciona la composición por color

Debido al contraste y a los valores tonales, siempre habrá unos elementos que adquieran
más atención que otros sobre el plano pictórico. Estas diferencias pueden dar
movimiento incluso a una imagen estática, como la de los cuadrados de colores sobre
qris que se mostró anteriormente.

La lógica detrás de esto es la siguiente: así como en teatro se utilizan focos de mayor o
menor intensidad para dirigir la mirada a actores específicos en momentos específicos,
la pintura y el dibujo pueden emplear el mismo recurso para dar mayor o menor
atención a unos u otros elementos en ciertas areas del lienzo.

La forma en que esto se logra depende del contraste y de los valores tonales. Los altos
contrastes ocurren entre blancos y negros, o entre colores de valor tonal muy ligero y
valores tonales intensos, como amarillo en contraposición con azul. Si pintamos un
lienzo de color negro y ponemos un punto blanco en el espacio, obtendremos una
composición específica dependiendo del tamaño del punto y de dónde se le coloque con
relación al lienzo. A esto se le llama composición de espacio negativo.

Sin embargo, si ponemos muchos puntos blancos de idénticos tamaños en distintos

puntos de este mismo plano pictórico negro, todos ellos llamaran la atención de la
misma manera, especialmente si esos puntos son colocados de manera equidistante y
uniforme en el plano. Para dar mayor atención a unos o a otros puntos, sin cambiar la
composición, deberíamos jugar con los valores tonales de sus valores de blancos. Esto
quire decir que les restaríamos blancura a algunos puntos en distintas proporciones.

Al hacer eso los puntos que tuvieran el valor tonal más “luminoso” destacarían más en
relación a los que tuvieran un valor tonal más obscuro. Entre más contrastantes fueran
los puntos en relación al fondo, más llamarían la atención y, por tanto, más destacarían
dentro de la composición por forma, produciendo efectos dentro de la misma.

Carmen Herrera

La interrelación de ambas formas de composición

Como habrán notado con esta breve explicación, emplear la composición por color
conlleva siempre la composición por forma. La composición por color, al acentuar
ciertos elementos mediante contrastes y valores tonales, genera una retícula de énfasis
respecto a los elementos del lienzo. Esta retícula debe considerarse también como una
manera de composición por forma en sí misma, debido a que aquello que acentúa
siempre tendrá un lugar específico dentro del plano. Ésta puede trabajar en relación a
una distribución predeterminada de los elementos sobre el lienzo (la composición por
forma), o con una distribución independiente.

Ahora bien, para entender cómo emplear la composición por color para acentuar el
acomodo de una composición por forma, o bien para contrapuntearla, es importante
conocer distintas modalidades de composición por forma con las que se puede
experimentar.
En el siguiente texto abordaremos detenidamente las distintas modalidades de la
composición por forma.

Carmen Herrera, A City (Una ciudad), acrílico sobre estopa, 121.9 x 96.5 cm, 1948.

 
 CEZANNE, EL COLOR Y LA PROFUNDIDAD (COLORES FRÍOS Y
CÁLIDOS)

En este artículo haremos un repaso sobre algunos aspectos de la composición

relacionados con el color y la profundidad y cómo emplear estos recursos en relación
a la interpretación de nuestro entorno.

A Cézanne le fascinaba el hecho de que al pintar haya colores que parecen alejarse de
nosotros e irse al fondo del cuadro y a su vez hay otros colores que parecen muy
cercanos a nosotros y que por ello aparentan avanzar hacia el frente del cuadro. A este
fenómeno se le llama colores que avanzan y colores que retroceden. La teoría dice
que los colores cálidos aparentan avanzar y los colores fríos aparentan retroceder.

Colores cálidos que aparentan avanzar y colores fríos que aparentan retroceder.

El color, la espacialidad y la profundidad en un lienzo

La cualidad de los colores (cálido o frío) permite producir la sensación de

espacialidad en un lienzo. Es recomendable recordar esto aún cuando pintemos en
abstracto y no haya un espacio físico reconocible. El siguiente cuadro de Hans
Hofmann, pintor conocido por su técnica de “empujar y jalar” basada en el uso de los
colores que avanzan y retroceden, es un muy buen ejemplo de esto.