NOMBRE Y APELLIDOS: CURSO:

CRITERIOS DE CALIFICACIÓN
1. Pruebas teóricas, prácticas y trabajos: 8 puntos
Cuando el alumno falte a un examen deberá presentar un justificante adecuado y
encargarse de recordar a la profesora que tiene pendiente hacer el examen.

2. Otros aspectos a valorar: 2 puntos

Se tendrá en cuenta que el alumno traiga todos los días de clase el cuadernillo de
fotocopias, su atención durante el desarrollo de las clases y la realización de las tareas
propuestas por la profesora.

NOTA FINAL
Para calcular la nota final se hará la media ponderada de las tres evaluaciones. Si la
nota resultante es menor que 5 el alumno deberá realizar un examen de recuperación
en junio (teórico y práctico). Aquellos alumnos que copien de otros compañeros o
utilicen apuntes, chuletas, libro de texto, móviles, etc. en los exámenes suspenderán
automáticamente la evaluación, teniendo en el boletín de notas la calificación de un 1.

TEMA 1: LA MÚSICA POPULAR URBANA

INTRODUCCIÓN
La música popular urbana ha sido el fenómeno cultural que más trascendencia ha
tenido en el siglo XX. Después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945),
protagonizó un extraordinario proceso de crecimiento como resultado de la expansión
de la economía de consumo y el gran desarrollo de los medios de comunicación
de masas (radio y televisión) y de la industria del disco. La clave de su éxito es su
capacidad de renovación, adaptándose a todas las culturas.

1
Este proceso se inició con el rock and roll, que surgió en Estados Unidos en la
década de 1950. El extraordinario éxito del rock está relacionado con el aumento de la
capacidad adquisitiva de los adolescentes y su conversión en un grupo social con
características propias, que adoptó el rock como cauce de expresión de sus actitudes
y valores.

El rock and roll, en su evolución posterior, dio lugar a diversos estilos musicales. A
principios de la década de 1970 apareció una distinción importante entre el rock, que
aspiraba a la “autenticidad” ensanchando los límites de lo puramente comercial, y el
pop, orientado comercialmente hacia el consumo.

CARACTERÍSTICAS
INFLUENCIA DE LOS AVANCES TECNOLÓGICOS
• Desde sus orígenes es un tipo de música que ha estado ligado a la
amplificación electrónica: guitarras, micrófonos, amplificadores, etc.
• Cuando nació esta música la grabación sonora era ya algo habitual. Así, los
músicos ven como producto lógico de su trabajo el disco.
• La difusión está basada en medios de comunicación vinculados con las
tecnologías.

ELEMENTO DE IDENTIFICACIÓN JUVENIL

La música popular nació como identificador de las generaciones más jóvenes, ante los
adultos y ante otros grupos. De hecho, cada estilo musical se suele identificar con una
forma de actuar, vivir, pensar y vestir determinada.

FUNCIÓN COMERCIAL
La música popular es un bien de consumo y, como tal, un producto sometido a las
leyes de producción, demanda y comercialización. Esto genera una tensión entre la
industria (que busca rentabilidad) y el compositor (que defiende su libertad creativa).
La industria discográfica mantiene el interés del público mediante campañas de
publicidad, basadas en el culto a la personalidad y estilo de vida de los cantantes y
grupos musicales.

RELACIÓN CON LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN DE MASAS

Su estrecha vinculación con los medios de comunicación contribuye a su rapidísima
difusión, pero también al desgaste de fórmulas que han de ser inmediatamente
superadas.

2
 LAS RAICES DE LA MÚSICA POPULAR URBANA
La música popular urbana es producto de la evolución de las tradiciones musicales
aportadas por las comunidades de inmigrantes que formaron los Estados Unidos. De
la fusión de la música de los esclavos negros con la música de los colonos blancos
nace el gospel. De los inmigrantes irlandeses nacería el country. A su lado,
manifestaciones propias de EE.UU. como el blues y el jazz. Y de la fusión de todos
estos sonidos y su evolución surgirá el rock and roll.

EL BLUES
Procede de los cánticos de los esclavos en las plantaciones de algodón del sur de
EE.UU. El término “blues” se usa en inglés para referirse a algo triste. Nace como
respuesta de los negros oprimidos y segregados por su color. Es un canto salido de
las entrañas y busca el desahogo del intérprete.
• Se caracteriza por utilizar una estructura de 12 compases divididos en 3 frases
de 4 compases cada una.
• Utiliza un patrón armónico repetitivo sobre esos 12 compases con los
acordes de tónica I, de subdominante IV y de dominante V, sobre los que se
improvisa una melodía.
• Su sonoridad viene marcada por las llamadas notas de blues, que son notas
desafinadas un semitono más grave de lo que está escrito.
• Una banda de blues está formada por guitarra(+), banjo y violín. A veces
también batería, piano, armónica y tabla de lavar.
• Sus letras suelen hablar de cómo superar la adversidad. Son canciones en las
que las letras expresan sentimientos más que contar historias.
“St. Louis Blues” Bessie Smith.

“The thrill is gone” B.B. King.

3
EL GOSPEL
Durante el siglo XVII, mientras los europeos colonizaban América, escaseaba la mano
de obra. Los terratenientes necesitaban muchos trabajadores para producir tabaco,
arroz y azúcar, y superaron sus problemas comprando esclavos. Muchos de los
esclavos se convirtieron al cristianismo y empezaron a interpretar canciones
religiosas. La palabra gospel deriva de la palabra inglesa “godspel” que significa
“palabra de Dios”.
• Son canciones que interpreta un solista y un coro. El pastor canta la parte
solista y la congregación responde en homofonía (llamada y respuesta). A
menudo estos cantos se convertían en un evento a gran escala con todo el
mundo bailando y dando palmas al compás de la música.
• Temas que hablan de liberación y esperanza en una vida mejor. Son cantos de
esperanza que invitan al hombre a acercarse a Dios.
• Utiliza el órgano hamonnd.
“Oh, happy day” Edwin Hawkins.

EL JAZZ
Como resultado de la victoria de los estados del norte en la Guerra Civil Americana,
los esclavos fueron liberados (1865). Con el final de la guerra, algunas bandas de
desfile se deshicieron y sus instrumentos fueron vendidos a precio de ganga. Muchos
negros se quedaron con estos instrumentos y formaron sus propias bandas, que
empezaron a tocar en teatros, salas de música y bares. La ciudad de Nueva Orleans
será la cuna del jazz.
• Se basa en la improvisación instrumental.
• Juega con las notas de la melodía sobre un patrón de acordes que va
repitiendo para facilitar la incorporación de otros instrumentos.
• Las bandas de jazz suelen incluir trompeta, trombón, saxofón, contrabajo,
batería y piano.
“Take five” Dave Brubeck.

La declaración de la “Ley seca” y las consecuencias de la I Guerra Mundial demandan

una música de evasión, bailable y divertida. Se formaron bandas más numerosas
conocidas como “big bands” que sustituyeron la improvisación libre por otra más
controlada. Así nació el swing, un tipo de jazz que triunfó en las décadas de 1920 y
1930.
“Sing, sing, sing” Benny Goodman (swing).
“In the mod” Glen Miller (swing).

4
EL COUNTRY
Es la música tradicional folclórica de los EE.UU., cuyas raíces están en las baladas
inglesas adaptadas al nuevo continente. Es un estilo que surge en las zonas rurales de
los estados del Sur. The CARTER FAMILY fueron los primeros en grabar un disco.
• Es un género vocal con acompañamiento de instrumentos de cuerda como
guitarra, bajo, banjo, violín, contrabajo y guitarra con pedal de acero.
• Es una música sencilla que alterna estrofa/estribillo.
• Utiliza los tres acordes principales (I, IV y V).
“Hey good lookin” Hank Williams.

LOS AÑOS 50
El comienzo de todo

El término “rock and roll” surge en 1954 del pinchadiscos Allan Freed, pero el estilo
ya con anterioridad. El éxito de este tipo de música viene por el estreno de la película
“Semilla de maldad”, cuya banda sonora era “Rock around the clock” de BILL HALEY
AND THE COMETS. El motivo fue el argumento de la película que, basado en la
rebeldía de los jóvenes, sirvió de estandarte para ellos. De hecho, este tema se había
lanzado anteriormente y había pasado desapercibido.

Lo que hizo del rock and roll un fenómeno sociológico sin precedentes fue su llegada
en un momento en que los jóvenes buscaban unas señas de identidad propias. Los
“teenagers” contaban con gran poder adquisitivo y buscaban una oferta de ocio acorde
con sus necesidades y opuesta a la de sus mayores. A estas condiciones se unen el
rechazo de los adultos ante la nueva corriente musical, y el interés de la industria
discográfica por atender al nuevo mercado juvenil.
“Rock around the clock” Bill Haley and The Comets.

Las características del rock and roll son:

• Temáticas más alegres que el country o el blues.
• Los instrumentos que utiliza son guitarra, bajo y batería, más voz.
• Estructura de 12 compases heredara del blues con acordes I, IV y V.
• Estribillos muy pegadizos.
• Tempo rápido.
• Voces con mucha energía.

• Solos de guitarra (por ejemplo, en “Rock around the clock”).

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 Pero Bill Haley era demasiado correcto, le faltaba gancho. Quizás si no
hubieran aparecido nuevas estrellas más provocativas este estilo no
hubiera triunfado mucho más. La llegada de ELVIS PRESLEY
“ennegreció” el rock and roll. Aunaba una voz desgarrada, el gancho de
los cantantes de blues, un ritmo trepidante y un sentido del espectáculo
muy provocador. Convirtió el rock and roll en pura energía.

Elvis no era compositor, sino cantante y guitarrista con mucha garra, y con una imagen
“blanca” que los medios de comunicación pudieron llevar a los hogares. Interpretó
como actor 33 películas Su carrera imparable le valdría el sobrenombre de “Rey del
rock and roll” y le convertiría en una leyenda.
“Heartbreak hotel” Elvis Presley.

A la vez que Elvis, otra estrella en este caso de color hacía méritos
para brillar. A diferencia de Elvis, CHUCK BERRY no solo fue
intérprete sino que también compuso su propia música, captando
toda la esencia del rock and roll en un estilo más duro:
• Introducciones y solos de guitarra trepidantes.
• Melodías fáciles de retener.
• Una puesta en escena explosiva.
• Letras que narran con humor las inquietudes juveniles.
“Johnny B. Goode” Chuck Berry.

Así, desde el principio, se ve una distinción entre un sensual rock blanco y un incisivo
rock negro. Otras figuras imprescindibles fueron JERRY LEE LEWIS o LITTLE
RICHARD.

El auténtico rock and roll tuvo una vida muy corta, de 1954 a 1958, pues en el
espacio de dos años las principales figuras desaparecieron de escena. Little Richard
dejó la música para convertirse en predicador. Elvis Presley se alistó en el ejército y a
su vuelta se dedicó a las baladas. Jerry Lee Lewis fue acusado por corrupción de
menores. Y Chuck Berry fue encarcelado por saltarse las leyes de inmigración.

6
 LOS AÑOS 60

La era dorada
LA RESPUESTA EUROPEA
Los BEATLES son el grupo más influyente de la década de los 60.
Originarios de la ciudad inglesa de Liverpool, lanzaron su primer disco
en 1962 y, durante toda una década, batieron todos los records de
ventas. Cambiaron la historia de la música popular y se convirtieron en
un auténtico fenómeno social denominado “beatlemanía”.

Creaban e interpretaban su propia música. Y cantaban los cuatro componentes, con lo

cual ofrece una gran variedad de repertorio. También tenían una imagen nueva: los
cuatro miembros de la banda llevaban un corte de pelo extraño (largo), y todos
vestidos igual con traje, camisa y corbata. Después evolucionarían hacia un estilo más
hippie y alternativo, reflejo de su evolución personal y de un viaje a la India. Con los
Beatles, Gran Bretaña consigue arrebatar a EE.UU. la supremacía musical y deja atrás
el ambiente conservador. En 1971 se separan.

Su música se caracteriza sobre todo por el beat en el que la batería se encarga de

que todas las partes del compás (normalmente cuaternario) queden totalmente
marcadas. En su primera época sus canciones eran muy sencillas, con poca letra que
se repetía bastante y con la formación clásica del rock. Con el paso del tiempo
empiezan a incorporar todo tipo de influencias, utilizando nuevos timbres y nuevas
tecnologías: sintetizadores, orquesta sinfónica o instrumentos étnicos (como el sitar).
“She loves you” Beatles.
“Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band” Beatles.

Totalmente opuestos a los Beatles, los ROLLING STONES

comenzaron su carrera tocando viejos temas de rock negro
convencidos de que nadie los escucharía. Su música se
caracteriza por un sonido agresivo, con guitarras distorsionadas,
voz desgarrada, estilo negro, letras críticas e irónicas, y sobre
todo, una provocación constante en el escenario. Inician su carrera
en Londres y tienen una trayectoria que ha superado los cuarenta
años de música ininterrumpida.
“Satisfaction” Rolling Stones.
“Paint It, Black” Rolling Stones.

7
EL SOUL
Aunque parezca increíble en la década de los 60 todavía había problemas raciales en
EEUU. En este contexto surge un estilo de música negra, descendiente del gospel e
independiente de productores blancos. Hay dos sellos discográficos:
• Tamla-Motown en Detroit: es la primera compañía discográfica por y para
gente de color, centrándose en música de baile. En ella triunfan DIANA ROSS
Y LAS SUPREMES, los JACKSON 5, MARVIN GAYE o STEVE WONDER.
• Staxs en Menphis: música rica en sentimientos (“soul” significa alma). En ella
triunfaron OTIS READING o ARETHA FRANKLIN.

Esta música se caracteriza por tener ritmos pegadizos, llamada/respuesta entre solista
y coro y voz desgarrada, con “hook-lines” (líneas de gancho) muy repetitivas.
“Stop in the name of love” The Supremes.

CANCIÓN PROTESTA
La constante difusión de música ligera provocó el rechazo de un grupo de músicos,
que se lanzarán en busca de las verdaderas raíces de la música americana,
revalorizando la guitarra acústica. La canción protesta puso de manifiesto que la
música pop podía ir más allá de las canciones de amor y de los sonidos contundentes
del rock. Puso inteligencia en la música y la hizo madurar.

Su principal representante es BOB DYLAN. Su música se caracteriza por:

• Sus canciones se caracterizan por tener una estructura muy sencilla de
estribillo y estrofa, acompañando la voz solo con guitarra acústica y a veces
armónica. No importa la calidad de la voz.
• Aparentemente su música supone un retroceso por su sencillez, pero deja un
mensaje claro: si tienes algo importante que decir, simplemente dilo.
“The times they are a changing” Bob Dylan.

ROCK DURO
La búsqueda de un lenguaje revolucionario y provocador llevó a algunos grupos a
la creación de un tipo de música que rompía con los esquemas tradicionales. Para ello
utilizaban voces rugidas, solos de guitarra con punteos difíciles y rápidos, guitarras
saturadas y un sonido de la batería atronador. Es una música con mucha energía que
se basa en la imagen del héroe de la guitarra.

“Stairway to heaven” Led Zeppelin (1971).

“Smoke on the water” Deep Purple (1972).
“You shook me all night long” de AC/DC (1980).
8
 AUDICIONES
1. “Oh, happy day” Edwin Hawkins.
2. “St. Louis Blues” Bessie Smith.
3. “The thrill is gone” B. B. King.
4. “Take five” Dave Brubeck
5. “Sing, sing, sing” Benny Goodman.
6. “In the mod” Glen Miller.
7. “Rock around the clock” Bill Haley.
8. “Heartbreak hotel” Elvis Presley.
9. “Johnny B. Goode” Chuck Berry.
10. “Gran bola de fuego” Jerry Lee Lewis.
11. “Tutti Frutti” Little Richard.
12. “She loves you” Beatles.
13. “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” Beatles.
14. “Satisfaction” Rolling Stones.
15. “Paint It, Black” Rolling Stones.
16. “Stop in the name of love” The Supremes.
17. “The times they are a changing” Bob Dylan.
18. “Stairway to heaven” Led Zeppelin (1971).
19. “Smoke on the water” Deep Purple (1972).
20. “You shook me all night long” de AC/DC (1980).

ACTIVIDADES FINALES
1. Explica las diferencias entre la música popular urbana y la clásica. Coloca las
características de la música popular en el apartado correcto y después escribe
su correspondencia en la música clásica.

MÚSICA P. URBANA MÚSICA CLÁSICA

Influencia de los avances g) Uso de instrumentos Uso de instrumentos

tecnológicos electrónicos acústicos

Elemento de identificación
juvenil

Función comercial

Relación con los medios de

comunicación de masas

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 a) Conflicto entre rentabilidad y creatividad.
b) Identificada con una determinada generación.
c) La creación se refleja en la actuación, no en la partitura.
d) Provocación y conflicto generacional.
e) Rápida difusión y rápido desgaste.
f) Sometida a los intereses comerciales.
g) Uso de instrumentos electrónicos.

2. Raíces de la música popular urbana.

GOSPEL:
• ¿Para qué trajeron los colonos blancos esclavos de África?:

• ¿Qué significa la palabra gospel?:

• ¿Es una música religiosa o profana?:

• ¿En qué consiste la estructura llamada/respuesta?:

• ¿Qué instrumento suele utilizar?:

BLUES:
• ¿Qué significa el término blues?:

• ¿Qué relación tiene ese significado con la música?:

• ¿Qué dos características musicales tiene?:

• ¿Qué instrumentos suele utilizar?:

JAZZ:
• ¿Por qué el final de la guerra civil americana favorece su aparición?:

• ¿Cuál es la característica musical más importante que lo describe?:

• ¿Qué ciudad es la cuna del jazz?:

• ¿Qué favorece la aparición del swing?:

• ¿Cómo se llaman las bandas que lo tocaban?:

COUNTRY
• ¿Qué temas tratan sus canciones?:

10
 RAÍCES DEL POP
GOSPEL BLUES JAZZ COUNTRY
Origen

Más vocal o
instrumental
Música negra
o blanca
Con o sin
coro
Religiosa o
profana

Característica Religioso Tristeza Improvisación Folclore

musical americano
Instrumentos

Temática

3. El rock and roll.

• ¿Cuál es la 1ª canción de rock and roll?:

• ¿Qué tres condiciones propician que se convierta en un fenómeno

sociológico?:

• ¿Qué aportó Elvis para convertirse en el “Rey del rock and roll” ?:

• ¿Qué le diferenciaba de Chuck Berry?:

• El rock and roll solo duró desde _______ hasta _______.

CARACTERÍSTICAS DEL ROCK AND ROLL

Estructura

Acordes

Velocidad

Voces

Instrumentos

Temas

11
4. La década de los 60.
LA RESPUESTA EUROPEA:
• ¿De qué ciudad eran los Beatles?:

• ¿Cuántos integrantes tenía el grupo?:

• ¿En qué consistía el sonido beat?:

• ¿De qué ciudad eran los Rolling Stones?:

• ¿Cómo era su sonido?:

EE.UU.:
• ¿A qué público estaba orientado el soul y por qué?:

CIUDAD CARACTERÍSTICA INTÉRPRETES

Staxs

Tamla-Motown

• ¿Qué aportó la canción protesta a la música pop?:

• ¿Qué significa que el rock cultiva la imagen de héroe de la guitarra?:

5. Identifica los siguientes músicos y su estilo.

12
6. Haz un esquema de las décadas 50 y 60.

13
 LA DÉCADA DE LOS 70
El rock se hace mayor y se ramifica

GLAM
Es un estilo que devuelve al rock la alegría, la sorpresa y el sentido del espectáculo,
proponiendo una vuelta a la simplicidad y a la diversión. Su nombre se debió al
vestuario brillante que llevaban muchas de sus estrellas. Este estilo nace en 1971 con
el álbum Electric Warrior del grupo T-REX. Fue un movimiento corto pero que sirvió de
trampolín para músicos como DAVID BOWIE. Ofrece pocas novedades a la música.
“Starman” David Bowie.

HEAVY METAL
Es una evolución del rock duro. El primer grupo fue BLACK SABATH (“Paranoid”,
1971). Pero le siguieron otros como JUDAS PRIEST y MOTORHEAD.
• Batería muy potente.
• Riffs de guitarra muy repetitivos y acelerados.
• Solos virtuosos y vertiginosos que logran sonidos imposibles en la guitarra.
• Gusto por lo siniestro y lo satánico con una puesta en escena muy teatral.
• Las voces interpretan melodías muy agudas.
“Victim of changes” de Judas Priest.

MÚSICA DISCO
El soul de los 60 deja un vacío en los 70 que es llenado por la música disco. Los bailes
empiezan a ser tan acelerados que ya no se pueden realizar guateques en casa, por lo
que aparecen las discotecas. Sus características son:
• La parte rítmica cobra un especial protagonismo.
• Es una música pensada para su consumo en discotecas, por lo que debían
tener muy marcadas las frecuencias graves y agudas, ya que el ruido de fondo
anulaba las frecuencias medias.
• En oposición al sistema de compositores, la música disco está hecha por
productores y Dj encargados de crear un continuo sonoro mediante la
programación de discos en un determinado orden.
• Aparece la figura del DJ.

Las primeras figuras fueron voces negras como GLORIA

GAYNOR y DONNA SUMMER. Los BEE GEES fueron uno de
los grupos más influyentes, cuya música formó parte de la
película “Fiebre del sábado noche”.
“Fiebre del sábado noche” Bee Gees.

14
REGGAE
Es una música totalmente nueva, que nada tiene que ver con el rock, nacida en
Jamaica y ligada a los pandilleros de Kingston y a los rastafaris. Se caracteriza por un
ritmo lento, y por acentuar el 2º y 4º tiempo del compás. La figura más destacada ha
sido BOB MARLEY, responsable de su difusión por todo el mundo.
“Is this love?” Bob Marley.

ROCK ALEMÁN
Fue la primera corriente de rock surgida fuera del mundo anglosajón. Une la
experimentación con el interés por las nuevas tecnologías. Utiliza exclusivamente
instrumentos electrónicos. El grupo más representativo es KRAFTWERK.
“Radioactivity” Kraftwerk.

MAINSTREAM
Es la corriente protagonizada por los grandes grupos y estrellas del rock potenciados
por los medios de comunicación y las casas discográficas. Este estilo presenta un rock
de alta calidad orientado a vender muchos discos y gustar a un público muy amplio.
Destacan QUEEN, DIRE STRAITS, ELTON JOHN o BRUCE SPRINGSTEEN.
“Bohemian Rhapsody” Queen.

PUNK
Es un movimiento radical totalmente blanco y antisistema, en guerra con los estilos
comerciales, con una música violenta y acelerada. Protagonizado por jóvenes de
ambientes urbanos desarraigados que provocan a la sociedad a través de sus
vestimentas (crestas, camisetas de rejilla, botas militares, imperdibles, collares de
perro) y su comportamiento agresivo. Sus letras expresaban el disgusto con la
sociedad. Su mensaje era crudo y simple. Son los sucesores de la canción protesta
pero expresado de una forma nueva y directa. Tendrá una existencia muy breve.
Destacan SEX PISTOLS, RAMONES, THE CLASH o PATTY SMITH.

Sus características son:

• Formación instrumental muy simple: guitarras, bajo y batería.
• Guitarras muy distorsionadas con un efecto buzz saw.
• Ausencia de melodía. Estilo “semihablado” que utiliza un ámbito muy reducido.
• Batería con un tempo acelerado.
• No busca el lucimiento: no hay solos de guitarra y el bajo se limita a
movimientos mínimos repetitivos.

“God save the Queen” Sex Pistols.

15
 LA DÉCADA DE LOS 80

Sellos independientes, videoclips y sonidos electrónicos

En 1981 fue cuando la MTV (canal televisivo con vídeos musicales las 24 horas)
comenzó a emitir y lo hizo con el legendario “Vídeo Killed the Radio Star” de los
BUGGLES. Es por ello que muchos afirman que éste es el primer videoclip de la
historia.

NEW WAVE
Tras los cortos pero intensos años del punk, vino el new wave a proponer otro camino.
Supuso la calma después de la tormenta del punk. Nace en Gran Bretaña y alcanza
gran popularidad gracias a las transmisiones en la MTV. Es un punk más sofisticado,
con letras y músicas más elaboradas y el uso de los sintetizadores. Tienen una
preocupación constante por el tema estético. Destacan JOY DIVISION, POLICE, THE
CURE, y en EE.UU., BLONDIE.
“Every breath you take” Police.

SYNTHPOP
Dentro de la new wave hay un número importante de
grupos que utiliza sintetizadores, samplers, teclados y
cajas de ritmos no de manera experimental, sino natural e
integrada. Destacan DEPECHE MODE y EURYTHMICS.
“Enjoy the silence” Depeche Mode.

MAINSTREAM
Siguen los nombres de la década anterior, pero aparecen con fuerza figuras femeninas
como MADONNA, WHITNEY HOUSTON o TINA TURNER.
“Like a virgin” Madonna.

ELECTROFUNK
Es música electrónica de baile, heredera del sonido Tamla Motown y del funk. Nace
gracias a las aportaciones de Steve Wonder, primer artista negro que asegura la
transición desde el soul al funk moderno usando sintetizadores y elementos de la
música disco. Llega a su cumbre con MICHAEL JACKSON y PRINCE. Ambos
comparten el genio musical, son compositores y poseen un gran sentido del
espectáculo que evidencian en sus videoclips.
“Thriller” Michael Jackson.

16
 LA DÉCADA DE LOS 90

Nuevos estilos que se difunden rápidamente

GRUNGE
Es la enésima reacción de protesta de músicos jóvenes e
inconformistas contra el rock. Se caracteriza por un sonido sucio
que mezcla rock duro con toques punkies. Utiliza guitarras muy
distorsionadas y enérgicas, melodías pegadizas y repetitivas, y
letras que reflejan apatía y desencanto. El grupo más importante es NIRVANA, pero
también están GREENDAY, PEARL JAM o los SMASHING PUMPKINS.
“Smell like teen spirit” Nirvana.

HIP HOP
Nace en las zonas marginales del Bronx (Nueva York), donde las fiestas en la calle se
convirtieron en la única alternativa de los jóvenes a las sofisticadas discotecas del
centro a las que no podían acceder. El primer disco de hip hop fue “Rappers delight”
de SUGARHILL GANG, publicado en 1979.

Es toda una cultura que se expresa en cuatro elementos básicos: las artes gráficas
(graffiti), el baile (breakdance), la música (DJ) y el mensaje (MC). El rap es la
improvisación de letras sobre la música, en un estilo semihablado y entrecortado de
gran complejidad rítmica. La melodía no existe, solo el mensaje que se rapea. Sus
protagonistas son el DJ que selecciona los ritmos y el MC que inventa las rimas sobre
el ritmo base. Utilizan el “schratch” que consiste en mover rítmicamente hacia delante
y hacia atrás el disco de vinilo contra la aguja. Y también hacen “remix” fusionando
distintos trozos de músicas y “sampledelia”, que es apropiarse de trozos de obras
ajenas.
“Don´t believe the hype” Public Enemy.

BRITPOP
Son grupos de pop británicos cuyo sonido está basado en la melodía de las
canciones y en la guitarra. Es un pop de calidad con canciones bien producidas y
melodías pegadizas. Alcanzaron un gran éxito en las listas de ventas.
“Wonderwall” Oasis.

17
HEAVY METAL
En la década de los 90, siguiendo la tendencia general de la música, el metal
multiplicará sus estilos y se inclinará por la fusión con distintos estilos:
• Metal clásico con voces agudas y virtuosismo del bajo. Destaca IRON
MAIDEN.
• Pop metal con una extraordinaria difusión comercial. Destaca BON JOVI,
EUROPE y GUNS N´ROSES.
• Trash metal con percusión rápida y riffs muy largos. Destaca METALLICA.
• Death metal donde la voz se vuelve gruñido y las canciones hablan de muerte
y odio. Destaca SEPULTURA.
“Wrathchild” Iron Maiden.
“Sweet child of mine” Guns n’Roses (1987).

EL POP MÁS COMERCIAL

Bandas como BACKSTREET BOYS o las SPICE GIRLS, cantantes como BRITNEY
SPEARS revolucionan el panorama y no abandonan las listas de superventas.
“Wannabe” Spice Girls.

MÚSICA ELECTRÓNICA
Aunque la tecnología ya ha sido utilizada con anterioridad primero en la música clásica
(vanguardias del siglo XX) y después en algunas corrientes musicales del pop, será en
los 90 cuando la música pop introducirá plenamente la electrónica, dando lugar a un
nuevo género.
• Incorpora el ruido a las creaciones musicales.
• El ritmo sustituye a la melodía como protagonista.
• La música no necesita intérpretes y se reproduce siempre igual.
• Escucha sin el aspecto visual propio del pop y más interesado en la calidad del
sonido.
“i9” Jeff Mills.

LA ACTUALIDAD
En la actualidad los músicos no se ciñen a un solo estilo, ya que habitualmente hacen
experimentos y mezclan distintos estilos. La influencia latina es enorme y eso se
refleja en el reguetón. El rap sigue con fuerza, aunque ha derivado en el trap. Y el
autotune se ha colado en todos los grandes éxitos.

18
REGUETÓN
Nació en Puerto Rico y está muy emparentado con el reggae. Ha sido un estilo muy
criticado por cómo representa el papel de la mujer en lo que dice y en cómo aparece la
figura femenina en los videoclips. Sus ritmos son muy pegadizos. Y se ha popularizado
tanto que en España ha desplazado a artistas pop latinos. La primera canción que
menciona al reguetón es “So’Persígueme” de Daddy Yankee. La canción “Gasolina”
fue el primer tema de reguetón en colarse en las listas de EE.UU.

TRAP
El término “trap” viene del inglés y hace referencia al lugar donde se vende droga.
Nación en EE.UU. a finales de los 90 y es un estilo dentro del rap que usa
sintetizadores, cajas de ritmos, autotune y modos menores para lograr una sonoridad
triste y oscura. Nació en el sur de EE.UU. y se diferencia del rap en que se salta sin
problema la rima de los versos. Sus letras hablan de drogas, violencia y queja.

AUDICIONES
1. “Starman” David Bowie.
2. “Victim of changes” de Judas Priest.
3. “Fiebre del sábado noche” de los Bee Gees.
4. “Is this love?” de Bob Marley.
5. “Radioactivity” de Krafwerk.
6. “Bohemian Rhapsody” de Queen.
7. “God save the Queen” de Sex Pistols.
8. “Every breath you take” de Police.
9. “Sweet dreams” de Eurythmics.
10. “Enjoy the silence” de Depeche Mode.
11. “Like a virgin” de Madonna.
12. “Thriller” de Michael Jackson.
13. “Smell like teen spirit” de Nirvana.
14. “Don´t believe the hype” de Public Enemy.
15. “Wonderwall” de Oasis.
16. “Wrathchild” de Iron Maiden.
17. “Sweet child of mine” de Guns n’Roses.
18. “Wannabe” Spice Girls.
19. “i9” Jeff Mills.

19
 ACTIVIDADES FINALES
1. La década de los 70.
GLAM:
• ¿Qué aporta al rock?:

• ¿De dónde procede su nombre?:

• ¿Presenta muchas novedades musicales?:

HEAVY:
Guitarra

Temática

Voces

Batería

MÚSICA DISCO:
• ¿A qué da más importancia para resultar más bailable?:

• ¿Cuál es su diferencia fundamental respecto a otros estilos?:

REGGAE:
• ¿Cuál es su país de origen?:

• ¿Qué característica musical tiene más llamativa?:

ROCK ALEMÁN:
• ¿Cómo se llama el primer rock que no surge de países de habla inglesa?:

• ¿Cuál es el principal objetivo de este tipo de música?:

PUNK:
Guitarra

Voces

Batería

Temática

2. La década de los 80.

NEW WAVE:
• ¿En qué país surge?:

• ¿Es música más sencilla o más complicada que el punk?:

20
SYNTHPOP ¿Qué instrumento será el rey?:

MAINSTREAM ¿Qué novedades aporta en esta década?:

ELECTROFUNK ¿Quién lo inventó?:

3. La década de los 90.

GRUNGE ¿Cómo es su sonido?:

HIP HOP:
• ¿Qué engloba?:

• ¿Dónde nace?:

• Define DJ:

• Define schratch:

• Define sampledelia:

HEAVY METAL ¿Qué le diferencia del de los 80?:

MÚSICA ELECTRÓNICA ¿Qué tipo de música es su precursora?:

4. Identifica los siguientes músicos y su estilo.

21
5. Haz un esquema de las décadas 70, 80, 90 y actualidad.

22
 TEMA 2: LA MÚSICA Y LOS MEDIOS DE
COMUNICACIÓN

INTRODUCCIÓN
En el siglo XXI es difícil imaginar la vida sin los medios de comunicación. El desarrollo
tecnológico ha convertido el mundo en una aldea global en la que la información llega
a todas partes a gran velocidad, uniendo culturas, difundiendo propaganda o
generando opiniones.

LA RADIO
Es un medio de comunicación que permite la emisión y recepción del sonido mediante
la transmisión de ondas electromagnéticas. En España, la primera emisión radiofónica
tuvo lugar en 1924 desde Barcelona. Al principio todas las emisiones se hacían en
directo, y la música solo se utilizaba para llenar los huecos que dejaba vacíos la
palabra. Con el paso del tiempo, las grandes emisoras encontraron en la música uno
de sus instrumentos más atractivos. Llegó a convertirse en un vehículo fundamental
para la difusión de la música, creando nuevos hábitos de escucha en una audiencia
que crecía de forma imparable.

Las canciones de éxito, la música clásica y las radiofórmulas definen a este medio
como uno de los protagonistas del panorama actual. Además, la música desempeña
también un papel importante en otro tipo de programas que incluyen actuaciones,
entrevistas o emisiones grabadas.

LAS RADIOFÓRMULAS
Es un formato de radio que tiene una programación monotemática. Hay una gran
variedad de propuestas, para todos los estilos. En España tenemos “Radio Clásica”,
“Radio 3”, “Los 40 Principales” o “Kiss FM”. En las cadenas de carácter comercial, los
locutores refuerzan el lanzamiento de temas musicales o presentan la música que se
va a escuchar. En las cadenas dedicadas a estilos menos comerciales realizan
también una labor de información y crítica.

FUNCIONES DE LA MÚSICA EN LA RADIO

Al ser un medio de comunicación exclusivamente sonoro la música es un recurso
imprescindible, utilizado tanto como con una función estructural, de ambientación y de
refuerzo sonoro.

23
 • Como elemento estructural hace las veces de puntuación, separando
diferentes programas, llamando nuestra atención o reforzando las palabras.
• Como ambientación sonora puede ilustrar el ambiente o el espacio temporal.
• Como refuerzo emocional permite reforzar sentimientos.

LA TELEVISIÓN
Es un medio de comunicación que permite la emisión y recepción de imágenes y
sonidos mediante la transmisión de ondas electromagnéticas. En España empezó a
emitirse televisión en 1956, y en 1963 apareció un segundo canal conocido
popularmente como UHF. En 1983 aparecieron las televisiones privadas (Antena 3,
Telecinco y Canal+). La televisión tiene gran poder de atracción, y normalmente, no
permite hacer otras actividades mientras se mira porque absorbe al espectador. La
música en la televisión reúne las características de la radio y el cine.

SINTONÍAS
Son los fragmentos musicales que se utilizan para identificar los distintos
programas sirviendo de cabecera, intermedio y salida. Pueden ser músicas originales
o prestadas. Dependiendo del tipo de programa utilizarán música con un carácter u
otro.

TELESERIES
Su banda sonora está sujeta a mayores limitaciones que en el cine. Se caracteriza por
una sintonía inicial y final impactante y pegadiza, especialmente compuesta para la
serie.

DIBUJOS ANIMADOS
Aquí la música pierde la función de banda sonora. Más que música, son efectos de
sonido de todo tipo que describen el movimiento de los personajes. De esta función
deriva el concepto “mickeymousing” que se utiliza para referirse a la música que refleja
y describe con precisión los movimientos de la escena.

PROGRAMAS MUSICALES
Los primeros programas en introducir música fueron los de entrevistas (talk show) que
tenían actuaciones en directo pero utilizando playback. Se daba más importancia a
los aspectos visuales que al sonido.

24
VIDEOCLIP
Es un cortometraje destinado a la publicidad de una canción. Se han convertido en
parte imprescindible de los lanzamientos discográficos, convirtiéndose en el mejor spot
publicitario. El impacto social y comercial de este nuevo formato audiovisual provocó el
lanzamiento de nuevos temas y el nacimiento de la primera televisión dedicada en
exclusiva a la emisión de videoclips, la MTV, que consiguió competir con las cadenas
FM de radio en la difusión de la música popular.

Sus características son:

• Es una forma de publicidad que tiene como objetivo la venta de un disco.
• Es una manifestación artística que une música, fotografía, cine, dibujos
animados, etc.
• La sucesión de imágenes es muy rápida, según el tempo de la canción. Las
transacciones se pueden hacer de forma brusca (corte) o poco a poco
(fundido).
• Utiliza muchos efectos visuales.
• Puede tener tres tipos de narración:
✓ Dramática: Cuenta una historia.
✓ Musical: Recrea un concierto.
✓ Conceptual: Las imágenes apoyan la música de forma metafórica.

La década de los 80 estuvo marcada por la aparición del “Thriller” de Michael Jackson,
considerado por muchos el mejor videoclip de la historia. La coreografía, el vestuario y
la música le acercan más a un cortometraje que a un videoclip. En la década de los 90
dejan de ser dramáticos. Y en muchos se combina la monocromía y la policromía. Esta
utilización de colores suele utilizarse para distinguir el presente del pasado, o dos
partes dentro de la misma narración.

LA PUBLICIDAD
Se considera publicidad cualquier anuncio dirigido al público con el objetivo de
incrementar la venta de bienes y servicios. Su uso se remonta a la Antigüedad.

MÚSICA Y PUBLICIDAD
La publicidad ha adoptado la música como uno de los medios más atractivos para dar
a conocer los productos. El característico eslogan, esa frase corta y persuasiva que
invita a comprar o a consumir un determinado producto, se acompañará por una

25
música específica. En la publicidad radiofónica el impacto del anuncio depende
exclusivamente del uso de la voz y de la elección de una música adecuada. En la
publicidad televisiva se integra, junto con la importancia del sonido, la imagen. Es, por
tanto, el medio más completo e impactante.

FUNCIONES DE LA MÚSICA EN LA PUBLICIDAD

1. El principal objetivo de la música en la publicidad es reforzar los contenidos
anunciados.
2. Es un elemento fundamental para ayudar a la memorización, que es la base
de todas las campañas publicitarias. Con esta intención, la mayor parte de la
música destinada a la publicidad responde a estructuras sencillas y fáciles de
retener.
3. Sirve para captar la atención del consumidor y despertar su interés hacia el
mensaje.
4. Facilita la discriminación de objetivos comerciales atendiendo a grupos de
población y tipos de consumidores, usando diferentes estilos musicales.

PUBLICIDAD CON MÚSICA ORIGINAL

La publicidad ha dado lugar a composiciones musicales escritas especialmente para el
anuncio de un producto determinado. Las principales formas son:
• Jingle: Es una canción corta, de carácter alegre y pegadizo. Se trata de una
melodía original con letra escrita para transmitir un mensaje publicitario.
• Genérica: Es un tema instrumental compuesto para la identificación de una
determinada marca.

PUBLICIDAD CON MÚSICA PRESTADA

La utilización de una música preexistente puede ser:
• Cover: Versión que ofrece una grabación casi idéntica a la original utilizando
intérpretes especializados en imitar a determinados artistas.
• Adaptación: Versión modificada de un tema conocido realizando variaciones
en la música o en la letra.
• Original: Utilización de la música original.
• Música de librería: Música compuesta para acompañar anuncios y que entran
a formar parte de un fondo a disposición de las agencias publicitarias.

26
 ACTIVIDADES FINALES
1. La música en la radio.
• ¿Qué función tenía la música en los primeros programas de radio?:

• ¿Qué es una radiofórmula?:

• ¿Qué función cumple la música en cada situación?:

Una música oriental que sirve de fondo a un reportaje sobre China

La música de cabecera de un programa

Una música romántica sirve de fondo a un programa en San Valentín

Se sube la música de fondo entre dos partes de una narración

Tras anunciar la muerte de un personaje famoso, suena una música triste

2. La música en la televisión.
• ¿Por qué tiene gran fuerza de comunicación?:

• ¿Por qué ha cambiado los hábitos de comunicación?:

• ¿Qué consecuencias tiene que esté creado para gustos uniformes y poco
exigentes?:

• ¿Qué es una sintonía?:

• ¿En qué se diferencia la banda sonora de una película de la de una serie?:

3. La música en la publicidad.
• Une cada concepto con su definición:

1. Jingle A. Música incidental de un anuncio

2. Música genérica B. Variaciones en música o letra de un tema conocido

3. Banda sonora C. Versión imitando al original

4. Cover D. Músicas compuestas que son fondo de catálogo

5. Adaptación E. Grabación original

6. Música de librería F. Canción corta, alegre y pegadiza para promocionar un

producto
7. Original G. Tema instrumental para identificar una marca

27
4. Haz un esquema sobre la música en los medios de comunicación.

28
 TEMA 3: MÚSICA DE CINE

ELEMENTOS DE LA BANDA SONORA

El término “banda sonora” (BSO, del inglés OST “Original Soundtrack”) procede de la
franja del celuloide que contenía todos los sonidos de la película: diálogos y sonidos
grabados en directo, efectos de sala y música. Aunque normalmente, el término alude
solamente a la música de una película.

Por tanto, la banda sonora, que percibimos de forma paralela a las imágenes, está
compuesta por varios elementos sonoros:
• Los diálogos de los personajes, grabados por el técnico de sonido en directo
durante el rodaje.
• El doblaje, que permite reemplazar los elementos del diálogo que no se han
registrado correctamente y permite agregar también otras líneas de narración
como risas, gritos, etc.
• Los efectos de sala, utilizados para reforzar los sonidos originales provocados
por los movimientos de los personajes (pasos, puertas, etc.) y que resultan
poco perceptibles durante el rodaje.
• Los efectos especiales, que recrean todos los sonidos que no pueden
generarse en la sala de rodaje (sonidos de la naturaleza, disparos,
explosiones, etc.).
• La música de ambientación, que es lo que entendemos habitualmente como
banda sonora.

FUNCIONES DE LA MÚSICA
1. Ambientar una historia en tiempo y lugar.
2. Influye en el espectador creando un efecto sicológico determinado. La música
refuerza la acción de la pantalla cargando una escena de tensión, alegría o
tristeza para acercar la emoción de los personajes al espectador.
3. Servir como fondo neutro para los diálogos y dar unidad a escenas. Es el tipo
de música que pasa desapercibida para el espectador, porque no utiliza ni
melodías llamativas ni instrumentaciones espectaculares.
4. Caracterizar personajes: el compositor hace uso de la técnica del leitmotiv
(motivo conductor). Consiste en asignar determinada melodía a un personaje,
paisaje o ambiente, lo que ayuda a definirlo.

29
 TIPOS DE MÚSICA DE CINE
SEGÚN LA RELACIÓN DE LA MÚSICA CON LA IMAGEN
• Música diegética: es la música que acompaña una imagen en la que aparece
una fuente de sonido. Es aquella que escuchan los personajes.
• Música no diegética: cuando no aparece en pantalla una fuente directa de
sonido. En esta música se centra el verdadero trabajo del compositor
cinematográfico. Se conoce popularmente como música de fondo. Suele ser
mucho más frecuente que la diegética. La música solo es escuchada por el
espectador y no por los personajes.

SEGÚN EL COMPOSITOR DE LA MÚSICA

• Banda Sonora Original (BSO): la compuesta ex profeso para el filme. Está
sincronizada y subordinada a las imágenes. El espectador no la espera, no la
conoce y, por tanto, no distrae su atención.
• Banda Sonora Adaptada (BSA): la música ya existía con anterioridad, pero es
adecuada para la escena. Pero no hay sincronización con las imágenes. Se
puede incluir tal y como la había compuesto su autor o adaptarla a la película.

SEGÚN LA RELACIÓN DE LA MÚSICA CON EL MENSAJE VISUAL

• Música convergente: la música refleja de forma directa la emoción de la
escena.
• Música divergente: es la música que contrasta con el efecto sugerido por las
imágenes.

Parece que a las grandes productoras de cine les resultaría más interesante usar
música preexistente que tener que pagar sus propios compositores. Pero lo cierto es
que lo habitual son las BSO y la excepción las BSA, quizás por la mayor efectividad
dramática de la música compuesta expresamente para una película. Las BSA no son
frecuentes y exigen cuando se usan, una gran intuición musical por parte del director
de cine. Por su maestría, destacamos dos nombres de directores: Stanley Kubrick en
la música clásica (“2001 una odisea en el espacio”), y Quentin Tarantino en la música
popular moderna.

SEGÚN EL NIVEL DE VOLUMEN DE LOS ELEMENTOS SONOROS

• Primer plano: la música de ambientación destaca.
• Plano secundario: la música actúa como música de fondo.

30
 HISTORIA DE LA MÚSICA CINEMATOGRÁFICA
CINE MUDO, PERO CON MÚSICA
El 13 de febrero de 1895 los hermanos Lumière patentaron el cinematógrafo, artefacto
con el que lograron imágenes en movimiento que se podían ver en espacios públicos
espaciosos. Había nacido el cine. La primera película en la historia del cine fue “La
salida de los obreros de la fábrica”.

Las primeras músicas que se escucharon en el cine eran tocadas en el exterior de las
salas, y servían para atraer al público y hacerle entrar. La música se utilizaba en los
primeros años del siglo XX como un elemento de atracción y enganche.

Más adelante la música entró en las salas, en forma de pianista en las salas más
modestas, o de orquesta en las más grandes. En algunas salas americanas disponían
de un órgano Wurlitzer, de varios teclados, que tenía la posibilidad de realizar
multitud de efectos (sirenas, pájaros, disparos y varios instrumentos de percusión,
además del sonido del piano).

En las salas que sólo contaban con un pianista, éste tenía que tocar arreglos de
melodías conocidas (clásicas o de moda) que se adecuasen al carácter de las
escenas de la película que se estaba pasando, o bien utilizar alguno de los repertorios
de fragmentos musicales que circulaban, recopilados y catalogados como "música de
persecución", "temas de amor", "batalla", "naturaleza", según las escenas a las que se
podían aplicar. Pocas veces se interpretaban partituras originales.

La película “Viaje a la Luna” (1902) del director Georges Méliès

revolucionó el cine debido a su longitud, sus efectos especiales
y la historia de ficción que contaba. Tras su éxito se abandona
un tipo de cine más cercano al documental abriéndose la
puerta a un cine más comercial y de entretenimiento.

LOS INICIOS DEL CINE SONORO

El cine sonoro nace en 1927 con la película “El cantante de jazz”. Esta película
alternaba elementos del cine mudo (diálogos resumidos en rótulos y música de fondo),
con algunos cantos religiosos y canciones sincronizadas integradas en la acción, y
presentaba una sola secuencia hablada. La partitura de LOUIS SILVERS mezclaba
elementos de música culta y popular. La música se grababa en un disco que se
sincronizaba luego con la imagen del proyector.

31
La transición del cine mudo (basado en la expresividad de la mímica) al cine sonoro
(basado en la expresividad de la voz), provocó enormes cambios. Muchos actores,
cuyas voces se consideraban poco adecuadas, fueron obligados a retirarse. Para otros
casos, actores de los que no se podía prescindir porque su imagen había alcanzado
gran popularidad, se ideó el recurso del playback, con el fin de sustituir sus
inapropiadas voces por las de actores ocultos.

El perfeccionamiento técnico que permitió grabar el sonido en la cinta junto con la

imagen (Vitaphone) provocó el nacimiento de la figura del “director musical”, que se
encargaba de la supervisión de la banda sonora. La música original se destinaba a los
títulos de crédito de inicio y final, mientras que el transcurso de la película seguía
acompañándose con pasajes clásicos prestados.

LOS AÑOS 30
La Warner Brothers es la primera productora que apuesta por el cine sonoro. A partir
de ahora el papel de la música en el cine cambia totalmente. Ya no se trata de música
en los títulos de créditos, o de ensalzar escenas de amor. La partitura es como una
sinfonía, que está presente durante todas las escenas, con un tema principal
destacado, y diferentes leitmotivs para cada uno de los protagonistas.

En esta década muchos compositores europeos han llegado a Estados Unidos

escapando del ascenso del régimen nazi. Surge ahora la figura del verdadero
compositor cinematográfico. Y uno de los pioneros será MAX STEINER, compositor de
más de 300 bandas sonoras entre las que destacan “Lo que el viento se llevó”,
“Casablanca” o “King Kong”.

LOS AÑOS 40 Y 50
Durante estas décadas Hollywood se convirtió en la meca
del cine. Los grandes estudios cinematográficos contrataron
a su servicio a las orquestas y compositores más
prestigiosos.

La pista de sonido tiene ahora tres bandas: una para el ruido ambiental, otra para la
música y una tercera para los diálogos en versión original. Los compositores crean la
partitura una vez ha terminado el rodaje, y dirigen a la orquesta mientras la película es
proyectada en una pantalla tras ella. Después son los montadores musicales quienes
se encargan de los ajustes.

32
La invención del Cinemascope (1953) con su característica proyección en pantalla
alargada permite la grabación estereofónica. Al mismo tiempo, el nuevo diseño de los
títulos de crédito exigió más tiempo de música.

Entre los compositores más importantes destacan ALFRED NEWMAN, maestro en

potenciar con su música las escenas más destacadas. El tema Cathy de la película
“Cumbres borrascosas” se hizo muy popular. Tiene casi tantas nominaciones al Óscar
como J. Williams. Con MIKLOS ROZSA apareció la moda de grabar en disco las BSO
de las películas, y BERNARD HERRMANN, que colaboró con Hitchkock.

LOS AÑOS 60
HENRY MANCINI es la estrella indiscutible de la década, con
partituras como “Desayuno con diamantes” o “La Pantera
Rosa”. Con la primera de ellas impone la moda de que una
canción, sin relación con la trama argumental, se repita varias
veces a lo largo de la película a modo de leitmotiv,
acompañando a imágenes con las que nada tiene que ver.

Esto se convertirá en una constante, hasta que en los años finales de la década la
banda sonora entra en decadencia, sustituida por un conjunto de canciones que, sin
guardar ninguna relación con las imágenes, acaban adueñándose de las escenas.
Mancini fue también el primer compositor que presenta al público las bandas sonoras
en forma de disco, como objeto independiente de la película, modificando los temas
para hacerlos más atractivos.

En el cine europeo de la época destaca Italia, con el compositor ENNIO MORRICONE.

Sus trabajos más conocidos son sus bandas sonoras para el spaghetti western de
Sergio Leone. “El bueno, el feo y el malo” es quizá la colaboración más importante. En
la banda sonora de esta película se combinan instrumentos tradicionales (guitarra,
flauta, trompeta y percusión) con silbidos y voces, de una forma muy original. La
película lanzó al estrellato a un actor de televisión casi desconocido: Clint Eastwood.

Destaca también MAURICE JARRE, compositor francés de películas como “Lawrence

de Arabia” y “Doctor Zhivago”, por las que consiguió sendos Óscar.

33
 AUDICIONES
1. “Lo que el viento se llevó” (tema de Tara) Max Steiner.
2. “Casablanca” (tema “As time goes by”) Max Steiner.
3. “Cumbres borrascosas” (tema de Cathy) Alfred Newman.
4. “El ladrón de Bagdad” Miklos Rozsa.
5. “Ben Hur” Miklos Rozsa.
6. “Ciudadano Kane” Bernard Hermann.
7. “Con la muerte en los talones” Bernard Hermann.
8. “El puente sobre el río Kwai” Malcom Arnorld.
9. “Quo Vadis” Miklos Rozsa.
10. “Desayuno con diamantes” (tema “Moonriver”) Henry Mancini.
11. “Charade” Henry Mancini.
12. “El bueno, el feo y el malo” Ennio Morricone.
13. “Por un puñado de dólares” Ennio Morricone.
14. “Lawrence de Arabia” Maurice Jarre.
15. “Doctor Zhivago” Maurice Jarre.
16. “El agente 007 contra el Dr. No” John Barry.
17. “Los siete magníficos” Elmer Bernstein.

LOS AÑOS 70
La recuperación del concepto clásico de banda sonora llegó de la mano del
compositor estadounidense JOHN WILLIAMS, considerado el principal representante
del “nuevo sinfonismo”, alejado de las modas pop y de las influencias electrónicas.
Williams no muestra ningún interés por los avances tecnológicos y sus posibilidades
de conseguir nuevos efectos y sonidos gracias a los sintetizadores. Sus partituras son
plenamente sinfónicas. Entre sus trabajos destacan “La guerra de las galaxias”,
“Superman”, “Indiana Jones”, “La lista de Schindler” o “Harry Potter”.

JERRY GOLDSMITH ha sido el único compositor que ha podido rivalizar con John
Williams, y para algunos críticos es mejor que él, sobre todo por la regularidad y
calidad del conjunto de su obra. Su versatilidad se adapta a cualquier género, y a los
estilos más diversos, desde el sinfonismo tradicional a la vanguardia pero sin renunciar
a las grandes melodías. Destacan sus trabajos en películas de acción y ciencia ficción
como “Star Treck”, “Alien” o “Desafío total”.

34
LOS AÑOS 80
La cara opuesta al sinfonismo tiene como principal representante a VANGELIS, que ha
introducido en la música de cine el uso de la electrónica y los sintetizadores. Su uso
abarata los costes de producción, y son capaces de reproducir cualquier sonido, lo que
los hace especialmente útiles cuando se trata de ambientar películas exóticas.
Destaca su trabajo en “Carros de fuego”. A este compositor griego componer con
instrumentos electrónicos le permite ser el responsable total de su música, pues él
crea los temas, los arregla, y los interpreta. En esta película cada uno de los atletas
rivales está caracterizado por un tema, y se ha convertido en un clásico.

Desde el punto de vista técnico, la llegada del sistema Dolby estéreo a la gran pantalla
permitirá envolver al espectador en un espacio sonoro nunca visto.

AUDICIONES
1. “Rocky” Bill Conti.
2. “Fiebre del sábado noche” Bee Gees.
3. “El padrino” Nino Rota.
4. “Star Wars” John Williams.
5. “Superman” John Williams.
6. “Star Treck” Jerry Goldsmith.
7. “Carros de fuego” Vangelis.
8. “Blade Runner” Vangelis.
9. “ET, el extraterrestre” John Williams.
10. “Cinema Paradiso” Ennio Morricone.
11. “La misión” Ennio Morricone.
12. “Desafío total” Jerry Goldsmith.
13. “Memorias de África” John Barry.
14. “Regreso al futuro” Alan Silvestri.
15. “Parque Jurásico” John Williams.
16. “La vida es bella” Nicola Piovani.
17. “Pulp Fiction” Dick Dale.
18. “El piano” Michael Nyman.
19. “Eduardo Manostijeras” Danny Elfman.
20. “El señor de los anillos” Howard Shore.
21. “Amelie” Yan Tiersen.
22. “Los odiosos ocho” Ennio Morricone.
23. “La la land” Justin Hurwitz.

35
 ACTIVIDADES FINALES
1. Elementos de una banda sonora.
• ___________________: es la banda sonora.
• ___________________: reemplaza elementos del diálogo.
• ___________________: se graban en directo durante el rodaje.
• __________________: sonidos que no pueden generarse en la sala de rodaje.
• __________________: son los movimientos provocados por los personajes.

2. Funciones de la música de cine.

• Unifica el montaje de las distintas escenas porque…
• Nos permite reconocer que es una película de romanos o futurista porque…
• Nos permite reconocer si es una escena romántica o de tensión porque…
• Sabemos que va a aparecer un personaje porque…

3. Tipos de música de cine.

El protagonista toca el piano
En una película de terror suena música infantil
La música suena por encima de los diálogos
Es la música que une una secuencia con otra
Suena una música de fondo en una escena romántica

4. Cine mudo, pero con música.

• ¿Qué instrumento solía acompañar las proyecciones?:

• ¿Qué función tenía esa música?:

• ¿Qué más sonidos la acompañaban?:

5. Los inicios del cine sonoro.

• ¿Cuál fue la primera película sonora?:

• ¿Cuánto tenía de sonoro?:

• ¿Qué consecuencia trajo el cine sonoro en los actores del cine mudo?:

6. Los años 30.

• ¿Cuál es la primera productora que hace cine sonoro?:

36
7. Los años 40 y 50.
• ¿Cuál es la meca del cine?:

• ¿Cómo cambia el papel de la música?:

• ¿Quién es el principal compositor?:

• ¿En qué tres bandas se divide la pista de sonido?:

• ¿Qué tres compositores destacan?:

8. Los años 60.

• ¿Quién es el compositor que lanza los primeros discos de bandas sonoras?:

9. Los años 70.

• ¿Qué corriente sigue la música de cine de esta década?:

• ¿Quién es el principal compositor?:

• Jerry Goldsmith es un compositor con un solo éxito / con una carrera llena de
éxitos. También es un compositor que se ha especializado en un tipo de
películas /se adapta con facilidad a cualquier género.

10. Los años 80.

• ¿Qué compositor es el principal representante de la música de cine

electrónica?:

• ¿Qué ventajas tiene utilizar sintetizadores?:

11. Haz un esquema sobre los elementos, las funciones, los tipos y la historia de
la música de cine.

37
38
 TEMA 4:
MÚSICA Y TECNOLOGÍA

APARATOS DE REPRODUCCIÓN
Y GRABACIÓN DEL SONIDO

La música forma parte imprescindible de nuestra vida. Pero solo hace unos 140 años
que somos capaces de grabar y reproducir el sonido. Antes, los melómanos debían
conformarse con los conciertos en directo.

1ª etapa: REPRODUCCIÓN MECÁNICA DEL SONIDO

La posibilidad de grabar y reproducir los sonidos ha sido uno de los sueños más
ansiados por el ser humano desde la Antigüedad. El desarrollo en las técnicas de
relojería permitirá la construcción de cajas de música. Un cilindro de púas (colocadas
según las notas de la música) se hace girar sobre unas láminas metálicas que serán
levantadas y vibrarán.

2ª etapa: GRABACIÓN Y REPRODUCCIÓN MECÁNICA

Los primeros experimentos para conseguir la grabación del sonido y su posterior
reproducción se basan en la grabación mecánica del sonido, es decir, las ondas
sonoras son grabadas por su propio impulso en un material de registro (papel de
estaño, cera o cinc) que permite después, invirtiendo el proceso, su reproducción.

1877 - EL FONÓGRAFO
En 1877, el norteamericano TOMAS A. EDISON fue el hombre que
construyó y patentó por primera vez un medio para poder grabar el
sonido y luego reproducirlo a voluntad. Lo llamó fonógrafo. El nombre
viene de las palabras griegas “fono” (sonido) y “grafo” (que escribe).

Consistía en un cilindro de cera recubierto por una hoja de estaño que se hacía
girar mediante una manivela. La primera pieza que se grabó y reprodujo fue “Mary had
a litlle lamb”. Las ondas sonoras se transforman en vibraciones mecánicas que, a su
vez, mueven una guja que dibuja un surco sobre un cilindro. Y para reproducir el
sonido se invierte el proceso.

39
Para lograr varias copias se colocaban unos cuantos aparatos delante del intérprete
para obtener así tantas copias como aparatos. No se podían poner más de diez en
cada sesión, ya que la calidad del sonido era peor en los que estaban más lejos. El
intérprete debía repetir la grabación tantas veces como hiciera falta hasta obtener el
número de cilindros deseado. Podía grabar un máximo de 2 minutos y reproducirlos
unas 50 veces, hasta que las hendiduras se desgastaban y se volvían ilegibles.

1888 - EL GRAMÓFONO
Diez años más tarde, en 1888 el alemán EMILIO BERLINER registra la
patente del gramófono, una máquina bastante parecida al fonógrafo de
Edison pero que sustituye el cilindro por un disco plano (podía contener
música por ambas caras) fabricado en pizarra. El primer disco plano que
se grabó en la historia fue en el año 1902 y fue el aria “Vesti la giubba” de la ópera
“Los payasos”, interpretada por el tenor Enrico Caruso.

A comienzos del siglo XX tuvo lugar la primera guerra de formatos de la historia de la

música: entre cilindros y discos. Una batalla que Edison perdió, aunque el fonógrafo
tenía un método de grabado superior y reproducía el sonido con mayor fidelidad que el
gramófono. Y esto se debe a que Edison eligió lanzar su invento en el ámbito
profesional, en las oficinas para acelerar el dictado de cartas, mientras que Berliner
eligió el campo de la música

Además, el gramófono permitía una mejor forma de duplicación a partir del disco
maestro y, al tratarse de discos planos, era más fácil de transportar y almacenar. El
disco giraba a 78 revoluciones por minuto y podía almacenar hasta 5 minutos de
música en cada cara. Fue el primer formato musical que se vendió masivamente y
llegó a los hogares.

3ª etapa: GRABACIÓN Y REPRODUCCIÓN ELÉCTRICA

Con la introducción del uso de la electricidad en la grabación y reproducción de
sonidos, aparecerán tres elementos nuevos:
• El micrófono: que recoge las ondas sonoras y las convierte en señales eléctricas.
• El amplificador: que aumenta la potencia de la señal eléctrica procedente del
micrófono.
• El altavoz: que recibe la señal eléctrica del amplificador y la transforma de nuevo
en ondas sonoras.

40
 1925 - EL TOCADISCOS
El tocadiscos permitía la reproducción de discos en forma eléctrica y
no mecánica. Se compone de un plato (que incluye el soporte del
disco, el motor y el brazo con la aguja), un amplificador y un altavoz.

Hacia 1950 se impone el disco de vinilo, un material plástico ligero y resistente.

Permitió grabar surcos más finos, y por tanto almacenar mucha más música y de
mejor calidad. Se comercializan dos tipos:
• El long play (LP): un disco de vinilo de 30 cm de diámetro que gira a una
velocidad de 33 r.p.m. y que tiene una duración de 30 minutos por cada cara.
• El single: un disco de vinilo de 18 cm de diámetro que gira a una velocidad de
45 r.p.m. y que tiene una duración de 5 minutos por cada cara. En el single
cabían 2 o 3 canciones y servía de promoción de los cantantes o grupos antes
de la aparición de un álbum completo en LP. En la actualidad, el término
“single” se sigue utilizando para hacer referencia al lanzamiento comercial de
una canción, aunque ya no se realiza en soporte de vinilo.

Para el público el tocadiscos era una manera más asequible y cómoda de escuchar
música. Y para los músicos supuso una nueva manera de componer, aprovechando la
duración para grabar temas más extensos. El tocadiscos es el sistema de
reproducción del sonido que se ha mantenido más tiempo (con importante mejoras con
la aparición del hip hop), hasta que desapareció bruscamente a finales del siglo XX
para volver a aparecer en el XXI.

1935 - EL MAGNETÓFONO
De forma simultánea a la evolución del disco, se desarrollará un
nuevo sistema de grabación y reproducción basado en un soporte
diferente: la cinta magnética. Es una cinta de plástico revestida de
polvo ferromagnético.

El magnetófono contiene el soporte para la cinta, los controles de encendido, apagado,

retroceso, etc. y las cabezas de borrado y grabación. Puede grabar hasta 45 minutos
de sonido.

La cinta aportaba una mayor calidad de registro, un tiempo mayor de reproducción y,

sobre todo, una fácil manipulación ya que permite grabar varias tomas que después se
juntan para presentar una interpretación perfecta.

41
1960 - EL CASETE
La compañía Philips lanza un nuevo formato para la cinta magnética: la casete, que
consistirá en un pequeño estuche de plástico que albergará en su interior una cinta
magnética más pequeña que la del magnetófono. Se extendió debido a su pequeño
tamaño, a su aceptable calidad de sonido y a que en él se podía grabar música
procedente de discos rápidamente.

Mientras que el soporte cerrado de la casete se convertirá en el medio ideal para la

difusión masiva de música, el carrete abierto de cintas más anchas del magnetófono
se destinará a aplicaciones profesionales con mayores exigencias de calidad.

1979 - EL WALKMAN
La aparición de los walkman hizo que las cintas de casete
superasen en ventas a los LP. Reproducía una cinta de casete y
era portátil. Se hizo muy popular en los años 80 y fue creado por
el ingeniero japonés Akiro Moita para Sony. Posteriormente se le
añadiría un sintonizador de radio.

4ª etapa: GRABACIÓN Y REPRODUCCIÓN DIGITAL

1983-EL DISCO COMPACTO (CD)
Paralelamente a la creación del Walkman, la era digital se inicia de la mano del disco
compacto (CD). La grabación digital se obtiene tras un proceso de conversión de
analógico a digital (la información se transforma a código binario de ceros y unos), que
después se registra en un soporte.

El CD es un disco de policarbonato (plástico) con un diámetro de 12 cm. La grabación

se realiza en una sola cara, en una pista en espiral que va del centro hacia fuera.
Después son leídos por un rayo láser infrarrojo.

Fue desarrollado por la compañía Philips. Su duración se estableció en 74 minutos

como homenaje a la “9ª sinfonía” de Beethoven. El CD no solo puede guardar música,
sino vídeos, imágenes, documentos. Y ocupa menos espacio que el casete, el sonido
que reproduce es de mejor calidad, facilita el acceso a la información de forma
instantánea y permite la copia y reproducción sin ningún tipo de desgaste (no hay roce
entre el lector y el disco como ocurría en los vinilos o en las cintas).

42
1997 - EL MP3
El MPEG-1 Audio Layer III, conocido como MP3, es un formato de compresión de
audio digital. Internet favoreció que este formato se popularizara porque compartir
música en MP3 es mucho más fácil y rápido.

Es un formato que usa un algoritmo (con cierta pérdida de información, y por tanto, de
calidad con respecto al CD), para reducir el tamaño del archivo de audio. Para reducir
el tamaño de un archivo se debe comprimir. Esto significa descartar la parte de la
información que no se considera imprescindible. El MP3·analiza la música y elimina
las partes que el oído humano no puede percibir. Por ejemplo, si aparece un sonido
suave y a continuación uno fuerte, el oído humano no es capaz de percibir el sonido
suave, así que se puede eliminar.

Cuando se popularizó el MP3 provocó muchas discrepancias entre los especialistas

sobre si la calidad quedaba o no mermada, pero hoy en día nadie cuestiona que la
calidad es muy parecida a la de un CD.

2001 - EL iPOD
Y como sucedió con el walkman tras el surgimiento
del casete, los reproductores de MP3 comenzaron a
fabricarse e inundar el mercado. Tal vez el dispositivo
más famoso fue el iPod de la empresa Apple. Los
primeros reproductores portátiles de MP3 tenían una
capacidad de 10 canciones, mientras que el iPod era
capaz de almacenar hasta 50 álbumes de música,
vídeos e imágenes. Paralelamente la compañía lanzó
al mercado la aplicación iTunes, la tienda de música
digital por Internet para comprar canciones.

2008-MÚSICA A LA CARTA
Funciona a través de aplicaciones web que alojan su material en la nube, como
Spotify, en donde los usuarios se crean un perfil y pueden escuchar la música que
deseen. En este caso el smartphone e Internet son los elementos fundamentales para
escuchar música.

43
 ACTIVIDADES FINALES
1. Reproducción mecánica del sonido.
• ¿Cómo funciona una caja de música?:

2. Grabación y reproducción mecánica del sonido.

• ¿Quién inventó el fonógrafo?:

• ¿Cuántos fonógrafos podían grabar a la vez?:

• ¿Qué novedad aporta el gramófono?:

• ¿Qué aparato se impone al final: el fonógrafo o el gramófono?:

3. Grabación y reproducción eléctrica del sonido.

• ¿Qué tres elementos básicos intervienen en la grabación eléctrica?:

• ¿Qué ventajas tiene el vinilo respecto a la pizarra?:

• ¿Qué dos tipos de vinilo hay?:

• ¿Cuáles son las partes de un tocadiscos?:

• ¿Qué diferencia hay entre un magnetófono y un casete?:

4. Grabación y reproducción digital del sonido.

• En el CD, ¿se graba por una o por las dos caras?:

• ¿Por qué los primeros CD duraban 74 minutos?:

• ¿En qué consiste la técnica de compresión del MP3?:

5. Comparando VINILO, CASETE y CD.

• ¿Cuál dura más?:

• ¿Cuál es más manejable?:

• ¿Cuál ocupa menos para transportarlo?:

• ¿En cuál la selección de las canciones se hace más rápido?:

• ¿En cuál se puede grabar?:

• ¿Cuál almacena más minutos de música?:

• ¿Cuál se ha revalorizado más en los últimos años?:

44
6. Realiza una línea del tiempo con los aparatos que graban y reproducen el sonido.

FONÓGRAFO

1877

GRAMÓFONO
RAFO

45
 INSTRUMENTOS ELECTRÓNICOS

Cada época de la historia se ha servido de unos determinados instrumentos musicales

que le han sido característicos y que, con el paso del tiempo, han ido evolucionando
para perfeccionarse o para dejar espacio a otros. En la actualidad se conservan y se
siguen utilizando la mayoría de esos instrumentos convencionales, incluso se trabaja
en la reproducción de antiguos instrumentos desaparecidos de la práctica habitual.
Pero son, sin duda, los instrumentos electrónicos los que protagonizan el panorama
musical actual.

Se denominan instrumentos electrónicos aquellos en los que el modo de producción

sonora es enteramente electrónico. El sonido se produce por medio de osciladores
que generan corrientes eléctricas, y se amplifica mediante dispositivos también
electrónicos.

EL THEREMIN
Fue inventado en 1920 por el físico soviético LEON THEREMIN. Produce un solo
sonido cuya altura se controla en función de la proximidad de las manos del intérprete
respecto de una antena recta. Con la mano derecha se controla la frecuencia (más
cerca de la antena sonido más agudo), y con la mano izquierda se controla el volumen
(más cerca de la antena sonido más suave). No hay contacto entre el instrumentista y
el instrumento.

ONDAS MARTENOT
Fueron presentadas en 1928 por el francés MAURICE MARTENOT. El sonido se
produce por un anillo metálico que el intérprete coloca en su mano derecha enfrente
de un teclado para calcular la nota. Realiza glisandos y vibratos muy fácilmente.

ÓRGANO HAMMOND
Fue inventado por el norteamericano LAURENS HAMMOND en 1934 intentando
emular la variedad de timbres y amplitud de registro del órgano convencional. Su
aspecto exterior es muy similar al de una consola de órgano, con uno o dos teclados
manuales y un pedalero de registro grave. Posee también un pedal de volumen que
regula el funcionamiento de los altavoces. Tuvo un gran apogeo en la década de los
60 y 70.

46
 SINTETIZADOR
Es el más complejo y completo de los instrumentos electrónicos, cuya denominación
responde a su capacidad de realizar “síntesis” de sonidos, es decir, crear y modificar
los sonidos. En realidad, no se puede considerar como un instrumento propiamente
dicho, sino como un conjunto de elementos electrónicos que permiten la elaboración,
manipulación y proyección del sonido. Conectado a un ordenador se puede grabar,
mezclar, transformar y crear orquestas virtuales. Diseñado por el ingeniero Robert
Moog, en 1965 apareció en el mercado el primer sintetizador comercial “el sintetizador
Moog” y en 1970, el primero portátil: “el Minimoog”. Este instrumento se introdujo en el
mundo del pop, convirtiéndose en protagonista y dando lugar a la aparición de nuevos
estilos musicales.

BATERÍA ELECTRÓNICA
Es una variante del sintetizador que produce el sonido al golpear con una baqueta
determinados sensores. Está constituida por piezas planas, de escaso grosor y con
diversas formas, que producen una gran variedad de sonidos. Frente a las
tradicionales y voluminosas baterías acústicas, integradas por muchos elementos que
requieren de muchos micrófonos para su amplificación, la batería electrónica posee un
reducido tamaño, con pocos elementos, y no necesita micrófonos para su
amplificación.

CAJA DE RITMOS
Es una evolución de la batería electrónica. Apareció inicialmente como un
complemento de los órganos electrónicos que facilitaba, accionando distintos
controles, diversos tipos de ritmos a modo de acompañamiento. En la actualidad, las
cajas de ritmos son unas cajas de reducido tamaño y capaces de reproducir sin
necesidad de intérprete todo tipo de ritmos (por ejemplo, palmadas).

SECUENCIADOR
Es un programa informático con varias pistas, y cada pista responde a un sonido o
una fuente sonora. De esta forma, es capaz de controlar diversos instrumentos
electrónicos para hacerles tocar de forma simultánea, según las instrucciones que se
hayan registrado. Podemos grabar la música como si estuviésemos en un estudio de
grabación: introduciendo los instrumentos pista por pista (todos los instrumentos desde
el mismo teclado MIDI), y después manipular el sonido.

47
7. Haz un esquema de los distintos instrumentos electrónicos.

48
 TEMA 5:
MÚSICAS DEL MUNDO

INTRODUCCIÓN
A lo largo de la historia, la expresión musical ha acompañado diferentes y variadas
manifestaciones culturales en todos los rincones del planeta. No existe un único
sistema musical, ni tampoco un procedimiento compositivo igual para todos, ni tan
siquiera se usan los mismos instrumentos. Precisamente, aquí radica la riqueza de la
diversidad musical que, gracias a los medios de comunicación actuales, podemos
conocer, analizar, escuchar e interpretar.

Llamamos música étnica a la música de otros pueblos que geográficamente nos

resultan lejanos. En cambio, la música folclórica son las manifestaciones musicales de
cada comunidad autónoma y de países cercanos. La palabra folclore procede del
inglés y significa, literalmente, “conocimiento del pueblo” (folk=pueblo y
lore=conocimiento).

MÚSICA FOLCLÓRICA MÚSICA CLÁSICA MÚSICA POP

No está escrita, sino que
perdura porque se aprende de
SÍ / NO SÍ/NO
oído y se memoriza. Se transmite
por transmisión oral.
Aunque ha sido creada por un
individuo (del que desconocemos
el nombre) después muchas otras SÍ / NO SÍ / NO
personas han introducido
cambios en la composición
original. Es, por tanto, anónima y
colectiva.
Es sencilla ya que es
interpretada por cualquier SÍ / NO SÍ / NO
miembro de la comunidad,
aunque no sepa música.
Es funcional, puesto que
acompaña toda clase de tareas. SÍ / NO SÍ / NO

Surge preferentemente en el
medio rural. SÍ / NO SÍ / NO

49
 EUROPA
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
• Su música popular está muy relacionada con la música clásica.
• Canciones estróficas (igual música para todas las estrofas).
• Escalas diatónicas (con 5 tonos y 2 semitonos).
• Canciones relacionadas con el ciclo de la vida, canciones de amor, música
para bailar, etc.

AUSTRIA Y SUIZA
El yodler es una forma de canto muy original que se caracteriza por los rápidos
cambios de notas en un registro muy agudo, que se puede oír desde muy lejos. Servía
a los ganaderos para comunicarse a través de las montañas. En realidad, es una
canción sin texto que utiliza sílabas sin sentido.

La trompa alpina es una trompa gigante que se utilizaba para dar señales y
comunicarse a larga distancia. Después se empezó a utilizar como instrumento de
viento.
Música alpina: jodler tirolés.
• ¿Cuántas voces hay y de qué tipo?:

• ¿Qué instrumentos acompañan?:

Trompa alpina
• ¿En qué consiste la técnica del jodler?:

ITALIA
La canción napolitana, que suele ser interpretada por una voz masculina con
acompañamiento instrumental y trata temas amorosos. Se utiliza en ocasiones para
acompañar la voz la mandolina.

La tarantela es un baile popular propio del Sur. Se baila en parejas y su

ritmo se va acelerando. Su nombre viene de que se baila muy rápido
para expulsar el veneno de la picadura de una tarántula.
Música italiana: tarantela napolitana.
• ¿Quién lleva la melodía?: Acordeón o mandolina.

Mandolina

50
TURQUÍA
La música islámica concede mucha importancia al canto, y las piezas son siempre
poesías con música. Destaca el adhan que es la plegaria cantada por el muecín en
honor a Alá. Se interpreta a capella cinco veces al día desde lo alto del minarete de la
mezquita.

La danza derviche es una ceremonia ritual en la que los danzarines giran alrededor
de un centro como los planetas alrededor del Sol.
Música turca: danza de los derviches.
• ¿Qué instrumentos acompañan?:

MÚSICA CELTA
La música celta está presente en una serie de regiones europeas, todas bañadas por
el océano Atlántico, que comparten unas tradiciones y unos signos de identidad de
siglos de antigüedad. Irlanda, Gales, partes de Escocia y de Inglaterra, Bretaña,
Asturias y Galicia, aunque pertenecen a estados diferentes, tienen unas mismas raíces
célticas. Es difícil saber cómo sonaría exactamente la música de los antiguos celtas.

Lo que conocemos ahora como “música celta” es la música tradicional de estas zonas,
que ha sido transmitida de generación en generación y que a partir de los años 70 se
ha recuperado de una forma importante gracias a diversos cantautores y grupos
(Gwendal, Carlos Núñez, Celtas Cortos, Enya...) que han mezclado esta música
tradicional con otros estilos como el rock o el jazz.

Uno de los rasgos de la música celta es la combinación de instrumentos que

aparentemente son heterogéneos y difíciles de conjuntar, pero que le dan un aire
propio y diferente. Estos instrumentos son el arpa céltica (más pequeña
y sin pedales) el banjo, el acordeón, la guitarra, el whistle (flauta de
pico metálica), la gaita y el violín.
Música celta: “Belles of Tipperary”.
• ¿Cuál es el instrumento que lleva la
melodía?: Gaita

• ¿Cómo es el tempo?: Arpa

• ¿Abundan las notas de valores largos o cortos?:

Banjo 51
HUNGRÍA
Entre sus instrumentos populares destaca el cimbalón, cítara sostenida con cuatro
patas con cuerdas tensadas que se percuten con macillos.

PORTUGAL
El fado es un tipo de canción que nace en los barrios pobres de Lisboa. El texto y
melodía están supeditados a la emoción. La palabra “fado” hace referencia a ese
sentimiento de melancolía nostálgica que estas canciones transmiten. Amalia
Rodrigues ha sido la cantante de fado más importante del siglo XX. El fado
generalmente es cantado por una sola persona, acompañado de la guitarra
portuguesa (de 10 o 12 cuerdas).

Música portuguesa: fado.

Contesta verdadero o falso:
• Está interpretado por dos voces masculinas:
• Hay una breve introducción instrumental antes de la entrada de la voz:
• En la primera parte de la canción, los instrumentos hacen la misma melodía
que la voz:
• La voz del solista principal es muy grave:
• Los instrumentos que acompañan son de cuerda frotada:

ASIA
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Íntima relación entre la música y la religión y gran importancia de la melodía, ya que
todo queda supeditado a ella. Predominio de la improvisación.

EL TÍBET
Es muy característico el canto de los monjes budistas tibetanos. Cantan con un timbre
de voz muy grave y gutural. Utilizan instrumentos como las trompas tibetanas,
especie de trompetas que pueden llegar a medir 4 m de longitud.
Música tibetana: canto de oración de los monjes budistas (mantra).
• ¿De qué familia son los instrumentos que se oyen al principio?:
• ¿Cómo describirías las voces?:
• ¿Cómo es la melodía? (Elige una opción de cada línea):
➢ Ascendente / descendente / horizontal. Trompa tibetana
➢ Intervalos amplios / intervalos pequeños.
➢ Notas largas / notas breves. 52
CHINA
Hoy en día en nuestra cultura se asocia el hecho de escuchar música con el
entretenimiento y la diversión. En países como China, bajo la influencia de las
enseñanzas del filósofo Confucio, se otorga a la música un papel muy especial: como
es moldear la personalidad del oyente, más que deleitar sus sentidos.

La música china da mucha importancia a la melodía. La escala más utilizada es la

escala pentatónica (escala de cinco sonidos) que se relaciona con los elementos de
los que se pensaba estaba formado el universo: tierra, metal, madera, fuego y agua. Y
suele utilizar ritmos binarios (de dos pulsos) como reflejo de los dos extremos entre los
que se mueve el universo (el yin y el yang).

Los instrumentos no se clasifican en familias sino por el material de construcción:

arcilla, cuero, metal, calabaza. La pipa (laúd) y el erhu (violín de 2 cuerdas con caja de
piel de serpiente) son los instrumentos que más se utilizan.

Música china: pipa, erhu y zheng.

• ¿Cuál es el instrumento que lleva la melodía?:
• ¿De qué familia son los tres instrumentos?:
• ¿Cuál se toca frotado y cuál pellizcado?:

Zheng

Pipa Erhu

MÚSICA HINDÚ
Para los hindúes el sonido es la manifestación de Dios, por lo que la música es
considerada el arte supremo. Su escala musical está formada por 22 intervalos más
pequeños que el semitono que se llaman sruti (para nuestros oídos suena como si
estuviera desafinada).

También en la India la música popular se utiliza en las bandas sonoras de las películas
y se puede notar claramente la influencia del pop. Se llama Bollywood.

53
Los instrumentos que suelen acompañar al canto son:
• El sitar es un instrumento de cuerda punteada, con 22 trastes móviles y 26
cuerdas. El cuerpo es de calabaza y la primera canción occidental que lo utiliza
es “Norwegian Wood” de los Beatles. La mezcla de la cultura hindú y el pop se
conoce como “raga rock”. RAVI SHANKAR es un músico indio conocido
mundialmente como virtuoso del sitar.

• Y la tabla que es una especie de tambor doble que va marcando el ritmo.

Música hindú: sitar y tabla.

• ¿Cuál de los dos instrumentos empieza?:

• ¿Cuál realiza la melodía?:

Sitar

• ¿La melodía es repetitiva o variada?:

• El instrumento que acompaña, ¿hace el mismo

ritmo todo el tiempo o varía alguna vez?:
Tabla

INDONESIA
Se utiliza un tipo de agrupación musical muy particular: el gamelán, que es un
conjunto de instrumentos de percusión, en su mayoría de metal. Puede haber desde 4
hasta 40 instrumentos. Normalmente interpretan su música en ceremonias y fiestas de
todo tipo, en espectáculos donde se unen danza, teatro y música. Un gamelán es
considerado como un gran instrumento tocado por varios intérpretes. Un solo artesano
es el encargado de fabricar todo el conjunto. Cada gamelán es distinto a los demás.
Los instrumentos más habituales son los gongs, campanas y todo tipo de metalófonos,
lo que le confiere un timbre metálico.

Música de Indonesia: el gamelán.

• ¿Qué instrumentos son los más abundantes en esta agrupación?:
▪ Los de viento (flautas de bambú).
▪ Los idiófonos (metalófonos y gongs).
▪ Los membranófonos.
• ¿Todos los instrumentos tocan durante todo el tiempo?:

54
 AMÉRICA
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
En América se mezcla la música indígena (superviviente tras la conquista), la música
africana (traída por los esclavos africanos que vienen a trabajar) y la música europea
(es la que aportan los colonos tras la conquista). Estas tres culturas se han mezclado
de diferente manera en las distintas partes del continente dando lugar a diferentes
músicas tradicionales.

EE.UU.
Las tribus indígenas habitantes del territorio que actualmente ocupan Estados Unidos
y Canadá cuentan con un amplio repertorio musical. Para los indios la música
constituía una necesidad social y espiritual. Su música consiste fundamentalmente en
danzas guerreras, cantos de invocación a la naturaleza, cantos y danzas de
celebración y cantos sagrados. Es música vocal acompañada por instrumentos de
percusión. Puede estar interpretada por un solista o por todo el grupo.

Pero en Norteamérica también hay una música tradicional con raíces africanas: los
cantos de trabajo de los esclavos negros, que posteriormente darán lugar al blues, al
gospel y al jazz. Y una música popular de raíces europeas, basada sobre todo en los
cantos traídos por los ingleses, escoceses e irlandeses. Está música evolucionará
dando lugar al country, con el sonido característico del banjo.
Banjo

CUBA
Hay ritmos bailables y rítmicos como el son y estilos mucho más lentos y
sentimentales como el bolero. En cuanto a los instrumentos usados destaca el uso de
muchos instrumentos de percusión como las congas, los bongós o las maracas.

Música cubana: son “La dicha mía”.

El son es uno de los ritmos cubanos que están dentro de lo que genéricamente se
denomina “salsa”. La intérprete de esta canción es CELIA CRUZ. En ella hace una
especie de homenaje a los artistas con los que ha convivido musicalmente a lo largo
de su carrera
Contesta verdadero o falso a las siguientes afirmaciones:
• El grupo con el que se dio a conocer fue “La sonora”:
• No hay introducción y la solista canta desde el inicio:
• El coro dialoga con la solista bastante a menudo:
• Intervienen violines:
55
MÉXICO
Destaca la ranchera, que es un tipo de canción popular acompañada por una
pequeña orquesta de mariachis. Estas orquestas están compuestas de 3 a 12
instrumentos, guitarras y violines de cuerda, y trompetas y clarinetes de viento. Suelen
vestir de forma vistosa con el típico sombrero mexicano. El corrido cuenta sucesos de
la vida de algún personaje que se hace popular.

Música mexicana: ranchera “Ay, Jalisco, no te rajes”.

El intérprete de esta ranchera es el popular cantante y actor mexicano Jorge Negrete,
que protagonizó más de cuarenta películas.
• ¿Cómo se llama el conjunto instrumental que acompaña a este cantante?:
• ¿Qué instrumentos reconoces?:
• En algunos momentos interviene un coro, ¿cuándo ocurre esto?:

Música mexicana: corrido “Juan Charrasqueado”.

• ¿Por qué era famoso Juan Charrasqueado?:
• ¿Cómo murió? ¿Qué decía cuando iba a morir?:

• ¿Quién lloraba su muerte?:

REGIÓN ANDINA
En la música de países como Bolivia, Perú, Ecuador y Chile está muy presente la
influencia de los incas. Instrumentos típicos son la flauta de Pan (varios tubos de
distintos largos), la quena (flauta vertical con bisel) o la ocarina (de cerámica sin
llaves); o instrumentos de cuerda como el charango.

Música andina: quena y charango.

• ¿Qué instrumentos intervienen?:
• ¿Cómo suena la quena más pequeña y más grande?:

Quena
Ocarina
Charango
Flauta de Pan
56
TRINIDAD
En esta isla nace el calipso. Su origen se remonta a la llegada de los primeros
esclavos africanos para trabajar en las plantaciones de azúcar. Como les estaba
prohibido hablar entre sí mientras trabajaban, comenzaron a crear canciones como
medio para comunicarse y entretenerse. En ellas desahogaban sus penas burlándose
de sus amos. Son interpretados por las steelbands, conjuntos de percusión formados
fundamentalmente por bidones de acero de distintos tamaños.

Música de Trinidad: calipso.

• ¿Qué instrumentos hacen la melodía?:

• ¿Qué instrumentos hacen el

acompañamiento?:

Steelband
ARGENTINA
Los géneros musicales que más proyección internacional han tenido es el tango.
Surge como baile de pareja en los arrabales de Buenos Aires, a mediados del siglo
XIX. Al principio este género, por su baile sensual y sus letras, fue rechazado por la
alta sociedad, pero a principios del siglo XX con el cantante CARLOS GARDEL logró
imponerse en todas las capas sociales y alcanzó fama internacional.

Música argentina: tango “Mi Buenos Aires querido”.

La voz del cantante es ______________________ y los instrumentos son una
pequeña orquesta de _____________________y un piano.

BRASIL
La samba es el símbolo de Brasil. Tiene su origen en las favelas de Río de Janeiro y
surge a partir de las fiestas del carnaval. Posee pasos coreográficos específicos, como
los movimientos marcados de cadera y hombros y la umbigada, invitación a bailar que
se manifiesta cuando se tocan los ombligos de la pareja. La samba carioca es la que
ha triunfado siendo protagonista del Carnaval de Río de Janeiro. CARLINHOS
BROWN es compositor, percusionista y cantante que ha contribuido a la
internacionalización de la samba.

57
Música brasileña: samba “Magalenha”.
• ¿Qué tipo de voces hay y cómo intervienen?:

• ¿De qué familia son los instrumentos que acompañan?:

Música brasileña: bossa nova “La chica de Ipanema”.

Es una música más tranquila e intimista, con gran influencia del jazz.
• ¿Qué tipo de voces aparecen?:
• ¿Qué instrumentos acompañan?: Violín, trompeta y flauta / batería, saxofón,
piano y guitarra.
• ¿En qué idioma está escrita?:

ÁFRICA
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
En África la música es una práctica colectiva y espontánea. La vida social está
marcada por ritos musicales (bodas, nacimientos, trabajos domésticos, estaciones del
año) en los que participa toda la comunidad. Se diferencian dos zonas musicales: el
norte, que tiene sus raíces en la cultura árabe y que se extiende desde Marruecos
hasta Egipto, y el resto del continente que denominamos África subsahariana o África
negra.

58
ARGELIA
La música árabe está muy ligada a la religión islámica, donde a veces se cantan
capítulos enteros del Corán. Tienen más sonidos, ya que el semitono (o medio tono)
lo dividen a su vez en cuartos de tono, por lo que a nosotros nos suena desafinado
porque nuestros oídos no están acostumbrados.

Suelen utilizar para acompañar el canto:

• La darbuka, que es un tambor con forma de reloj de arena con un solo parche.
Sus golpes se denominan dum cuando son en el centro del parche, y tek
cuando son en el extremo del parche.

• Y el rabel que tiene una o dos cuerdas que se frotan con un pequeño arco.

Darbuka Rabel

A la música raï, originaria de Argelia, se la considera como el rock árabe, en el que se

mezclan instrumentos tradicionales con sintetizadores, guitarras eléctricas o baterías.
En Francia este tipo de música está reconocida como un género musical de pleno
derecho. Ched Khaled es uno de los nombres más importantes.

Música argelina: rai “Didi” Cheb Khaled.

• ¿Qué instrumentos propios de la música pop-rock escuchas en esta canción?:

ZONA SUBSAHARIANA
En la cultura africana la música forma parte de la propia vida, de tal forma que en
muchas lenguas no existe una palabra para definir “música” como una actividad
independiente de la vida. En la música africana subsahariana el elemento más
importante es el ritmo, que alcanza una gran complejidad (lo que se llama polirritmia).

59
Para acompañar el canto se utiliza un instrumento que consiste en varias placas
metálicas que se pulsan con los pulgares, y que se llama piano de pulgares, y el
balafón, que es un xilófono que utiliza como caja de resonancia calabazas huecas.

Balafón
Piano de pulgares

Música subsahariana: música de Ghana.

• El ritmo de los instrumentos es un buen ejemplo de polisemia / polirritmia /
polifonía / poligamia.
• ¿De qué familia son los instrumentos?:

OCEANÍA
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
• Es una actividad comunitaria, participando en ella todos los miembros del
grupo o tribu.
• Tiene un marcado carácter funcional, ligada a la religión y a la vida social.
• El canto es marcadamente rítmico.
• Utilizan mucho la danza al mismo tiempo que el canto, acompañándose con
palmas o sonajeros en los pies, y con sencillos instrumentos de percusión.

AUSTRALIA
El principal instrumento es el didjeridoo, que es un instrumento de viento que consiste
en una rama de eucalipto de 2 metros de longitud, hueca por dentro. Para tocarlo el
intérprete debe inhalar aire a través de la nariz a la vez que sopla en el instrumento,
para conseguir un sonido ininterrumpido. Esto es conocido como respiración circular.
El resultado es un sonido muy hipnótico, y puede ser muy relajante o muy rítmico.

Música de Australia: didjeridoo.

• ¿A qué familia pertenece el instrumento que suena?: Didjeridoo

60
NUEVA ZELANDA
Los maoríes tienen una danza llamada haka que es un baile de ademanes enérgicos,
en la que se alternan cantando un solista y un coro, sobre un ritmo de sonidos vocales
y percusiones corporales. Ha sido popularizado por los jugadores de rugby del equipo
nacional neozelandés (los All Blacks).

HAWAI
Se nota la influencia occidental en instrumentos como el ukelele. También utilizan la
guitarra de pedal de acero.

Música de Hawai: ukelele.

• ¿Cómo se llama el instrumento que acompaña junto al ukelele?:
• ¿Cómo es la voz solista?:

AUDICIONES
1. Austria y Suiza: yodler.
2. Italia: tarantela napolitana.
3. Turquía: danza de los derviches.
4. Música celta.
5. Portugal: fado.
6. China: pipa, erhu y zheng.
7. India: raga.
8. El Tíbet: mantra.
9. Indonesia: gamelán.
10. Cuba: son.
11. México: ranchera.
12. México: corrido.
13. Región andina: quena y charango.
14. Trinidad: calipso.
15. Argentina: tango.
16. Brasil: samba.
17. Brasil: bossa nova
18. Argelia: rai.
19. Zona subsahariana: polirritmia.
20. Australia: didgeridoo.
21. Hawai: ukelele.

61
1. Haz un esquema de la música étnica.

62