El principio del "collage" ha experimentado una sorprendente reivindicación como categoría artística en los últimos años,

trascendiendo los límites históricos de sus orígenes cubistas y convirtiéndose en el punto de partida de un proceso continuo hasta
nuestros días. El concepto de "abstracción", que no imita la realidad ni crea ilusiones, sino que la establece, está a punto de ser
reemplazado por el "collage". Ni Picasso con su obra "Nature morte ti la chaise cannée" (1912) ni Braque con sus "Naturalezas
muertas con guitarra" (1912-13) podrían haber imaginado que la acentuación del aspecto material del cuadro, su infraestructura
tangible, sería más trascendental que un mero golpe a la pintura tradicional.

Esta innovación no era simplemente otro rasgo de la ruptura cubista, sino el principio de una serie de eventos en el arte del siglo
XX. M. Raynal no aprobaba esta innovación, pero ya en 1912 sugirió que su aparición se debía al descontento de los artistas con el
ilusionismo fotográfico, prefiriendo reemplazar una parte del objeto mismo con el "principio collage" y el arte objetual, logrando
así una identificación entre lo representado y la representación. A partir de entonces, el fragmento prefabricado, aceptado fuera del
contexto artístico, se declaraba obra de arte, sentando las bases para el arte objetual independiente. El "collage" insertaba materiales
reales en el ámbito del cuadro y los sometía a una transformación dentro de este contexto. El "collage" era una consecuencia lógica
de la concepción cubista de la obra como un objeto autónomo y estructurado. Si bien Braque aún enfatizaba su función referencial
como representación, Picasso le dio mayor importancia al fragmento como objeto, interesándose por sus posibles metamorfosis y
nuevas significaciones, como se observa en "Le Violon" (1913). Estos fragmentos introducidos, sin modificaciones, se conectan en
cierto sentido con los "ready-made".

Otro aspecto a destacar es el valor alcanzado por el material en cuanto sustancia, manteniéndose en su estado original. Esto se aplica
no solo a sus aspectos visuales, sino a todas sus cualidades sensoriales. El cubo-futurismo ruso, aún más preocupado por el valor
inherente del material, desarrolló el "principio collage" en algunas composiciones suprematistas de Malevich, Puni y, sobre todo,
en los "contrarrelieves" de Tatlin. Para ellos, el desarrollo de la creatividad estaba vinculado a las condiciones previas establecidas
por las propiedades del material a configurar.

Estas experiencias cubistas marcaron el comienzo del desarrollo del "principio collage", que se extendería a lo largo del siglo XX:
desde las manifestaciones pictóricas hasta las plásticas (ready-made, objet trouvé, surrealismo, construcciones y "assemblage"),
desde el "collage" hasta eventos como los "happenings" y los espaciales como los "ambientes" objetuales. El "collage" inauguró la
problemática de las relaciones entre la representación y lo reproducido, rest

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se refiere al arte objetual y al movimiento artístico que surgió a principios del siglo XX, principalmente asociado a los artistas
Marcel Duchamp y los dadaístas y surrealistas.

El texto destaca la importancia de Duchamp en la transformación de objetos comunes en obras de arte al presentarlos en un contexto
artístico. Duchamp desafió las convenciones tradicionales del arte al seleccionar objetos cotidianos y declararlos como obras propias,
denominadas "ready-made". Al presentar un objeto común como una obra de arte, Duchamp desafió la noción de lo que se
consideraba arte y cuestionó el papel del artista como creador.

Duchamp liberó a los objetos de su utilidad y consumo tradicionales al presentarlos en un contexto artístico, lo que permitió una
nueva forma de apreciar y entender los objetos de la realidad industrial. Al descontextualizar semánticamente los objetos y darles
un nuevo nombre y exposición museística, Duchamp eliminó la distinción entre objeto de arte y objeto de uso.

El texto también menciona la influencia del movimiento dadaísta, que se caracterizaba por la provocación y la adopción del azar
como principio dominante en la vida y en el arte. El dadaísmo empleaba el collage como técnica y el uso de materiales no artísticos
para desafiar las convenciones establecidas.

Por otro lado, el surrealismo también se involucró en el arte objetual, utilizando el concepto de azar y objetos encontrados. Los
surrealistas veían el azar como una forma de explorar nuevas asociaciones y ampliar la conciencia. Los objetos encontrados,
llamados "objet trouvé", se presentaban en un contexto artístico, liberados de su función y contexto habitual.

En resumen, habla sobre el arte objetual, destacando la importancia de Duchamp, los dadaístas y los surrealistas en la transformación
de objetos comunes en obras de arte y la redefinición de los límites del arte tradicional. Estos movimientos artísticos desafiaron las
convenciones establecidas, cuestionando la naturaleza del arte y explorando nuevas formas de expresión.

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desde la década de 1960, el arte "objetual" ha sido una parte destacada de las experiencias creativas. Este tipo de arte se ha expandido
más allá de los límites del objeto para incluir eventos y ambientes, y ha evolucionado hacia el arte conceptual. Se hacen referencias
a exposiciones como "La cosa como objeto" y "Metamorfosis de los objetos", que demuestran el interés en este tipo de arte.

El "assemblage" es una forma de arte que utiliza materiales o fragmentos de objetos diferentes, despojados de su utilidad original y
agrupados de manera casual o aparentemente aleatoria. Este enfoque resalta la influencia de artistas como Duchamp, Schwitters y
el surrealismo. El uso de fragmentos de realidad puede tener un alto grado de asociatividad y puede estimular una significación
singular en el artista o el espectador.
El arte objetual va más allá de la pintura y la escultura tradicionales, liberándose del marco y el pedestal. Puede colgarse en el techo,
colocarse en la pared o yacer en el suelo, rompiendo con las convenciones establecidas. En la escena artística estadounidense,
durante la fase neodadaísta del pop art, se muestra un interés en la estética del desperdicio y la conexión entre el arte y la vida
cotidiana.

Las obras más conocidas del arte objetual americano son las "combine-painting" de R. Rauschenberg, que combinan pintura con
montajes materiales. Estas obras incluyen objetos de consumo que a veces generan efectos mágicos y fetichistas. Otros artistas como
J. Dine, G. Segal y Kienholz también se destacan en el ámbito del arte objetual.

El arte objetual americano tiene influencias de Duchamp y la "action painting", y se conecta con la realidad sociológica de la época.
Aunque comparte ciertos elementos con el neodadaísmo y el pop art, también se diferencia de ellos en términos de su enfoque
existencial y su relación con la mercancía y el consumo.

Además, se menciona la recuperación reciente de la categoría del "kitsch" en el arte objetual, tanto a nivel teórico como práctico.
Algunas obras utilizan elementos kitsch para subrayar la alienación del hombre frente a la mercancía y la autenticidad en las
relaciones humanas en la sociedad de consumo.

En resumen, el arte objetual ha sido una parte destacada de la escena artística desde la década de 1960. El "assemblage" y las obras
que utilizan fragmentos de objetos diferentes han desafiado las convenciones artísticas tradicionales, expandiéndose más allá de la
pintura y la escultura. El arte objetual americano, influenciado por Duchamp y la "action painting", se ha relacionado tanto con el
neodadaísmo como con el pop art, pero también ha desarrollado su propia identidad y enfoque existencial.

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la acumulación en los "nuevos realistas", un movimiento artístico francés de los años sesenta. La acumulación es una modalidad
artística en la que los objetos de uso cotidiano se amontonan o se coleccionan en composiciones en relieve o en cajones de plexiglás.
Este enfoque se inspiró en los métodos neodadaístas de confrontación y constelación de objetos.

Algunos artistas destacados dentro de este movimiento incluyen a Daniel Spoerri, quien creó "tableaux piéges" (cuadros-trampa) al
separar objetos casuales de su contexto natural y alterar su disposición habitual. Jean Tinguely construyó "rnéta-mécaniques",
aparatos hechos de chatarra con formas extrañas y casuales. Arman se convirtió en uno de los principales exponentes de la
acumulación al multiplicar objetos idénticos y conservar sus peculiaridades individuales.

El "nuevo realismo" se vio influenciado por el dadaísmo y el surrealismo, pero se enfocó en los objetos encontrados con un valor
estético y formal significativo. Este enfoque también tuvo vínculos con el informalismo y la pintura matérica europea. Los artistas
buscaban transformar estéticamente los objetos, sacándolos de su contexto habitual y otorgándoles expresividad y elevación
artística.

Algunos artistas europeos más recientes han explorado la polivalencia asociativa del surrealismo de manera más explícita. Curt
Stenvert, por ejemplo, mezcla el objetualismo con técnicas asociativas surrealistas en sus "situaciones humanas" irónicas y
macabras. Hans Peter Alvermann, cercano a la contracultura alemana politizada, propuso un arte reproducible que transmitiera
mensajes políticos y sociales comprensibles para todos.

En resumen, la acumulación en los "nuevos realistas" consiste en amontonar o coleccionar objetos cotidianos de manera artística,
transformando su significado y otorgándoles una expresividad potencial. Este enfoque se basa en métodos neodadaístas y tiene
influencias del surrealismo, el informalismo y la pintura matérica. También se ha explorado la polivalencia asociativa del surrealismo
en trabajos más recientes.

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El arte objetual, desde el collage cubista hasta los movimientos contemporáneos, desafía los principios tradicionales de la
representación artística al borrar las diferencias establecidas entre los niveles de representación y lo representado. No se trata solo
de la inserción de objetos de la realidad en la obra de arte, sino de la creación de un género nuevo. El enfoque se desplaza hacia las
relaciones asociativas entre los objetos y su contexto interno y externo, más que hacia el objeto en sí mismo.

En el assemblage y otras manifestaciones recientes, se ha perdido parte de la virulencia original. Mientras que las vanguardias
primitivas buscaban ser una demostración antiarte y una provocación, las experiencias neodadaístas han estado más preocupadas
por provocar en el ámbito del arte y sus mecanismos. Aunque estas manifestaciones han incidido en otros ámbitos, como la sociedad
en general, su enfoque principal sigue siendo el arte.

El arte objetual requiere una mayor participación del espectador, ya que la actividad reducida del artista exige una mayor actividad
por parte de quienes interactúan con la obra. El cambio sugiere un principio de forma en el arte assemblage, que nunca está acabado
y cuyas partes son alterables.
El arte objetual también se contextualiza dentro de la sociedad consumista. Reconoce la importancia de los objetos en nuestra
civilización consumista, pero rechaza las connotaciones optimistas y conformistas asociadas a ellos. No se glorifica la estética de la
mercancía ni los nuevos iconos de la sociedad. Más bien, se propugna un juego lúdico con los objetos y fragmentos de la realidad,
sometiéndolos a un proceso de degradación semántica y social.

El arte objetual se sitúa en el polo "no afirmativo" de la ideología del consumo, negando la prioridad del valor utilitario de los
objetos y la función social del objeto como signo de diferenciación social o de clase. Se opone tanto a la consagración formal de la
estética de la mercancía como a la reducción semiótica de la "abstracción objetual" presente en el minimalismo. En cambio, busca
recuperar los significados antropológicos más amplios y reflejar los aspectos menos agradables de la realidad.

En resumen, el arte objetual es un género artístico que desafía las convenciones tradicionales de la representación y se centra en las
relaciones asociativas entre los objetos y su contexto. Rechaza las connotaciones optimistas y conformistas de la sociedad
consumista y busca recuperar significados más amplios y críticos.

4:

El texto hace referencia a la recuperación del principio del collage y la ampliación de la sensibilidad en el arte contemporáneo. Se
mencionan las reivindicaciones de ámbitos descuidados en términos de posibilidades creativas. Se destaca la práctica de la
declaración artística de realidades extraartísticas y la recuperación de factores antropológicos como elementos que rompen con la
estructura tradicional del arte.

Se menciona que la inclusión de manifestaciones artísticas como el "kitsch", el arte de los enfermos mentales y el arte infantil
despierta un interés particular. Estas manifestaciones amplían el concepto de arte y plantean problemas antropológicos e históricos
en relación con los límites del análisis de fenómenos artísticos.

Se menciona la importancia de los "assemblages" del funk art y del schocker pop, que asumen elementos del "kitsch" de manera
crítica, satírica o existencial. También se destaca el interés en el arte infantil, donde la vivencia lúdica de los objetos y sus
combinaciones generan contenidos emocionales. Además, se hace referencia al arte de los enfermos mentales, centrado en la
apropiación de la realidad y la identidad de la vivencia del mundo.

En cuanto al arte objetual, se destaca la relación triádica entre la actitud interior, la obra y su interpretación, así como el carácter
procesual y el hecho de que el resultado final no sea lo decisivo. Estas formas expresivas se presentan como una reacción a la
racionalidad instrumental y se perciben como liberadoras frente a las normativas sociales y los convencionalismos.

En resumen, el interés por estas formas expresivas se atribuye a razones sociológicas e históricas, y se consideran como ejemplos
de liberación y defensa frente a normativas y convencionalismos. Sin embargo, no se profundiza en las causas socioeconómicas y
sociopolíticas que fundamentan las experiencias psicológicas individuales relacionadas con estas manifestaciones artísticas.

PRINCIPIO COLLAGE:

el "principio collage" se refiere a una tendencia en el arte que involucra la incorporación y combinación de diversos
elementos y enfoques en la creación artística. Esta práctica rompe con la estructura artística tradicional y busca
ampliar las fronteras del arte al incluir realidades extraartísticas y elementos de naturaleza antropológica.

menciona que la práctica del principio collage ha despertado un interés particular en áreas como el "kitsch", el arte
de los enfermos mentales y el arte infantil. Estas manifestaciones artísticas se caracterizan por su desinterés en los
aspectos decorativos y formales, y en su lugar enfatizan la transformación significativa de los objetos y la
recuperación de rituales. El "principio collage" también implica una inversión de las notas alienantes asociadas a lo
vulgar, asumiendo el "kitsch" como una expresión crítica, satírica o existencial.

En el arte infantil, se destaca el interés por la vivencia lúdica de los objetos y las combinaciones basadas en los
contenidos emocionales provocados por las formas y los colores, más allá de su valor de uso funcional. Por otro lado,
el arte de los enfermos mentales ha despertado atención debido a los problemas de apropiación de la realidad y la
identidad de la vivencia del mundo con la conciencia del yo. Esto lleva a una identidad entre lo representado y la
representación misma, donde realidades extraartísticas, acciones, conceptos y situaciones pueden convertirse en
material artístico.

En resumen, el "principio collage" implica la combinación de elementos diversos en la creación artística, rompiendo
con las normas tradicionales del arte. Esta práctica permite la incorporación de realidades extraartísticas, elementos
antropológicos y la exploración de nuevas formas de expresión artística.

¿A qué llama “apropiación consciente de la realidad”?

se hace referencia a la apropiación de la realidad en relación con el arte de los enfermos mentales.

En este contexto, se destaca el interés por el arte de los enfermos mentales debido a los problemas de apropiación
de la realidad y la identidad de la vivencia del mundo con la conciencia del yo. Esto implica que los artistas enfermos
mentales pueden crear obras que reflejan su propia percepción y experiencia del mundo, estableciendo una
conexión íntima entre lo que representan y su propia realidad interna.

En este sentido, la apropiación consciente de la realidad podría interpretarse como la capacidad de los artistas
enfermos mentales para expresar su propia visión del mundo a través de su arte, utilizando su experiencia subjetiva y
sus vivencias como materia prima para sus creaciones. Es un proceso en el cual el artista se apropia de su propia
realidad y la plasma en su obra de manera consciente.

¿De qué modo recupera Duchamp la apariencia formal del objeto?

se hace referencia a su obra y su enfoque artístico en relación con la ampliación de las fronteras del arte y la
incorporación de objetos cotidianos.

Duchamp es conocido por su concepto de "ready-made", que consiste en tomar objetos comunes y corrientes, como
un urinario o una rueda de bicicleta, y presentarlos como obras de arte sin modificar su apariencia formal. Esta
estrategia desafía las convenciones tradicionales del arte, que se centraban en la habilidad técnica y la creación de
objetos estéticamente agradables.

Al presentar objetos cotidianos como obras de arte, Duchamp cuestiona la noción de lo que puede considerarse arte
y desafía las ideas preconcebidas sobre la belleza y la estética. Su enfoque se relaciona con la apropiación consciente
de la realidad y la ampliación del concepto de arte más allá de los límites convencionales.

En resumen, Duchamp recupera la apariencia formal del objeto al presentarlo tal como es, sin modificarlo, y al
desafiar las expectativas convencionales sobre la estética y el valor artístico.

¿De qué modo “assamblage” y “acumulación” son herederos del arte objetual?

los términos "assemblage" (ensamblaje) y "acumulación" son considerados herederos del arte objetual en ciertos
aspectos. Estas prácticas artísticas comparten una serie de características y enfoques que reflejan la influencia del
arte objetual.

El arte objetual se caracteriza por utilizar objetos encontrados y cotidianos como materiales artísticos, desafiando así
las nociones tradicionales de lo que se considera arte. El enfoque se centra en la incorporación de estos objetos en la
obra de arte, ya sea ensamblándolos, acumulándolos o modificándolos mínimamente.

El término "assemblage" se refiere a la técnica de ensamblar diferentes objetos o fragmentos para crear una
composición artística. Esta práctica hereda la idea de utilizar objetos encontrados y su recontextualización dentro de
la obra de arte, tal como lo hace el arte objetual. El assemblage a menudo implica combinar elementos dispares en
una nueva configuración, creando así una nueva realidad y significado a partir de la acumulación de objetos.

Por otro lado, la "acumulación" se refiere a la práctica de recolectar y acumular objetos en una obra de arte. Esta
acumulación puede tener una carga simbólica o conceptual, y los objetos acumulados pueden representar diversos
significados y asociaciones. Al igual que el arte objetual, la acumulación resalta la importancia de los objetos
cotidianos y su capacidad para transmitir mensajes y provocar reflexiones sobre la sociedad y la cultura.

En resumen, el "assemblage" y la "acumulación" son considerados herederos del arte objetual debido a su enfoque
en la incorporación de objetos encontrados, la recontextualización de los mismos y la creación de nuevas realidades
y significados a partir de la utilización de estos objetos en la obra de arte.

¿cuáles son los dos momentos que determinan la transformación estética del

objeto?

Según los textos proporcionados, los dos momentos que determinan la transformación estética del objeto son los
siguientes

Apropiación consciente de la realidad: Este primer momento implica tomar conciencia de la realidad que nos rodea y
reconocer el potencial estético de los objetos cotidianos. Se trata de una mirada atenta y selectiva hacia el entorno,
donde el artista elige objetos específicos y los considera como material artístico. Esta apropiación consciente implica
un cambio de perspectiva, donde los objetos se descontextualizan de su uso cotidiano y se transforman en
elementos cargados de significado y potencial estético.

Recontextualización y reconfiguración: El segundo momento se refiere a la forma en que los objetos son
recontextualizados y reconfigurados en el ámbito artístico. Aquí, los objetos adquieren nuevos significados y se
convierten en parte de una obra de arte, ya sea a través de ensamblajes, acumulaciones u otras técnicas creativas. La
reconfiguración implica la manipulación de los objetos, su disposición espacial y su relación con otros elementos, lo
que genera una transformación estética y conceptual. El objeto deja de ser un simple objeto utilitario para
convertirse en un elemento cargado de valor artístico y simbólico.

Estos dos momentos son fundamentales en la transformación estética del objeto, ya que implican un cambio en la
percepción y en el estatus del objeto, pasando de su función utilitaria a convertirse en una expresión artística. La
apropiación consciente y la recontextualización/reconfiguración son procesos creativos que permiten explorar
nuevos significados y posibilidades estéticas a través de la transformación del objeto.

¿Qué ocurre con la actividad del artista y la actividad del espectador a partir del ready–made y del arte objetual?

la actividad del artista y la actividad del espectador experimentan cambios significativos a partir del ready-made y el
arte objetual. A continuación se describen dichos cambios:

Ready-made: Con la introducción del ready-made, el artista desplaza su enfoque de la creación de objetos artísticos
originales hacia la selección y presentación de objetos cotidianos como obras de arte. El artista actúa como un
observador y un curador, eligiendo objetos comunes y otorgándoles un nuevo contexto artístico. Esta actividad del
artista implica una redefinición de la labor creativa, cuestionando la autoría tradicional y el proceso de fabricación
artística.

Arte objetual: Con el arte objetual, la actividad del artista se expande aún más. El artista no solo selecciona y
presenta objetos, sino que también los transforma, los ensambla o los acumula para crear nuevas obras de arte. El
proceso de creación artística se vuelve más abierto e interactivo, involucrando la manipulación y recontextualización
de objetos existentes. El artista se convierte en un creador de situaciones artísticas y en un generador de significados
a través de la elección y manipulación de objetos.

En cuanto a la actividad del espectador, también se producen cambios significativos:

Participación activa: Tanto con el ready-made como con el arte objetual, el espectador es desafiado a participar de
manera activa en la interpretación y apreciación de las obras de arte. Ya no se trata simplemente de contemplar un
objeto estéticamente agradable, sino de involucrarse en el proceso de decodificación y asignación de significados a
los objetos presentados. El espectador se convierte en un agente activo en la construcción de la experiencia artística.

Reevaluación de la estética y la autoría: El ready-made y el arte objetual cuestionan las nociones tradicionales de
estética y autoría en el arte. El espectador se enfrenta a objetos cotidianos y a la manipulación de los mismos como
obras de arte, lo que provoca una reevaluación de los criterios estéticos y de la importancia de la habilidad técnica
del artista. La participación del espectador se centra en la interpretación y la reflexión sobre los objetos presentados,
desafiando las expectativas convencionales de la experiencia estética.

En resumen, a partir del ready-made y el arte objetual, tanto la actividad del artista como la del espectador se
expanden y se vuelven más interactivas. El artista selecciona, transforma y presenta objetos cotidianos como obras
de arte, cuestionando la autoría tradicional, mientras que el espectador participa activamente en la interpretación y
la asignación de significados a estas obras, reevaluando los criterios estéticos y la experiencia artística.

¿Cuál es la posición del arte objetual respecto al fetichismo de la mercancía?

dado que el arte objetual se caracteriza por utilizar objetos cotidianos y materiales encontrados como base para la
creación artística, es posible inferir que existe una relación crítica con el fetichismo de la mercancía.

El fetichismo de la mercancía es un concepto marxista que se refiere a la atribución de un valor abstracto e

Dado que el arte objetual suele trabajar con objetos de consumo y materiales cotidianos, puede interpretarse como
una crítica al fetichismo de la mercancía al descontextualizar y recontextualizar esos objetos, cuestionando su valor
de cambio y explorando su significado simbólico o cultural. Sin embargo, es importante tener en cuenta que esta
interpretación puede variar según los artistas y las obras específicas dentro del movimiento del arte objetual.