INTRODUCCIÓN

Se realizará una revisión por la historia del cine con los hermanos Aguste y Louis Lumière,
quienes vivieron una época trascendental para el futuro de la sociedad, la cultura y el arte. Se
partirá desde los antecedentes históricos de los hermanos Lumière, el cine mudo y la
invención del Cinematógrafo, las primeras proyecciones públicas donde hubo una tendencia
a confundir estas imágenes con la realidad. Esa representación de la realidad en blanco y
negro, sin sonido y una duración de proyección muy corta.

Estos relatos de la vida cotidiana darían paso al cine mudo, con proyecciones más
elaboradas y una de sus características es contar con una ambientación de sonido en vivo y
los llamados intertítulos que son elementos gráficos en sí mismos que ofrecerían ilustraciones
y decoraciones abstractas con comendatarios sobre la acción. Posee actuaciones teatrales más
gestuales y enfáticas.

Los hermanos Lumière y el cine mudo.

Antecedentes

Louis Lumière y Auguste Lumière, hijo del dueño de un pequeño estudio fotográfico en
Bersancon, Francia, pasaron los primeros años de su vida en el estudio, fue hasta 1870, que
se mudarian a Lyon, donde sus padres establecieron una pequeña fábrica de placas
fotográficas llamada: “Société Antonie Lumiére et ses fils”.

Los hermanos Lumière estudiaron en profundidad los aspectos técnicos de la

fotografía, más concretamente en La Martiniere, fue una institución de educación privada
que sigue hasta el día de hoy. Cuando Auguste volvió del servicio militar, en 1884, los
hermanos Lumiére lograron desarrollar un nuevo tipo de placas fotográficas llamadas
“etiquettes bleue”.

Para los años 90, “Société Lumière” era una de las fábricas de placa fotográficas más
importantes de la industria, convertiendo a Antoine Lumière, como un conocido empresario.
Hasta 1892, Thomas A. Edison le invitó a la presentación en París de uno de sus inventos: el
Kinetoscopio (o Quinetoscopio), una compleja máquina capaz de reproducir imágenes en
movimiento a través de un visor a una velocidad de alrededor de 40 fotogramas por segundo.

A su regreso a París, Antonie padre de los hermanos Lumière llevó consigo una cinta
del Kinetoscopio. Los hermanos Lumiére buscaron una solución más práctica y con un
objetivo claro, el objetivo era crear un producto capaz de grabar y proyectar por sí sólo. Tres
años más tarde. Utilizando el concepto de Léon. Bouly, (inventor de la época francesa),
completaron y patentaron el “Cinématographe” (o Cinematógrafo), el día 12 de febrero de
1895.

Cine mudo

Los inicios del cine mudo comenzaron en el periodo de 1895 y 1930. Durante esta época el
cine se puede dividir en dos etapas, separadas por la Primera Guerra Mundial. Las películas
trataban prácticamente de cualquier cosa, desde ladrones que dañaban las cerraduras de una
casa, hasta historias de amor trágicas. Ha servido para crear un nuevo lenguaje, una forma
diferente de comunicar las cosas, utilizando diferentes técnicas, efectos especiales, trucos y
formas de expresion que lo convierten en un arte.

Durante los inicios del cine mudo, el plano predomintante es el plano general. Esto
se debe principalmente al peso del cinematógrafo, lo que motivaba que existiese poca edición
en estas producciones.

El cine mudo no posee sonido de ninguna clase, consiste simplemente en imágenes.

Desde los comienzos se buscó combinar imagen y sonido grabado. Una de las primeras
películas de cine mudo fue “El jardín de Roundhay”, de Louis Le Prince en 1888 su duración
era dos segundos y mostraba dos personas caminando alrededor del jardín Oakwood Grange.

El cine mudo utilizaba el sistema de subtítulos para complementar la falta de audio,

se ideó un sistema de subtítulos agregados, mediante los cuales se añadían los diálogos. En
ese momento surge el escritor de títulos como se le conocia en esa época. Las proyecciones
de películas mudas estaban acompañadas por música en vivo, por lo general, improvidasadas
por un pianisa o ejecutante de órgano. Cada tipo de música en las peliculas mudas tiene su
explicación. Por ejemplo, la música de ritmo rápido servía para percusiones, las melodías
románticas escenas de amor, mientras que la música de sonidos graves se empleaba para
momentos de suspenso y misterio.

Las películas mudas fueron filmadas en celuloide, el cual era un material inestable y
altamente inflamable, por lo que durante la proyeccion de la pelicula se requería de la
vigilancia de un encargado.

Algunas de las películas más importantes y destacadas del cine mudo fueron:

 El jardín de Roundhay de Louis Le Prince (1888), que fue la primera película en cine
mudo y duró tan solo dos segundos y mostraba a dos personas que caminaban
alrededor del jardín Oakwood Grange.
 Amanecer, primera película de cine mudo que ganó el Oscar al mejor film.
 Sunrise de F.W. Murnau, 1927
 Man with a Movie Camera de Dziga Vertov, 1929
 The Passion of Joan of Arc de Carl Theodor Dreyer, 1928
 Battleship Potemkin de Sergei Eisenstein, 1925
 The General de Buster Keaton, 1926
 Metropolis de Fritz Lang, 1927
 City Lights de Charlie Chaplin, 1931

De las primeras películas mudas que tenían color eran las de Geoges Meliés, y esto se debía
a que tenía un grupo de trabajadores que pintaban los fotogramas a mano, de modo que la
proyección podía disfrutarse a color.

Cinematógrafo

¿Qué es el cinematógrafo?
Un cinematógrafo es una máquina capaz de filmar y proyectar imágenes en movimiento.
Oficialmente su invención fue obra de los hermanos Lumière a finales del siglo XIX pues el
28 de diciembre de 1895 realizaron la primera exhibición con esta máquina.

El cinematógrafo antecedentes históricos

El inicio del cinematógrafo se ubica en 1895, cuando los Hermanos Lumière inventores del
cinematógrafo, basados en en el kinetoscopio de Edison. Ellos fueron los primeros en dar
propiamente la primera proyección pública hecha en París, se tituló “La salida de los obreros
de la Fábrica Lumière”, pero una de las proyecciones que más impresionó al público fue “La
llegada de un tren”, pues causó un gran pánico al hacer creer que el tren se abalanzaba sobre
los presentes en la sala.

Fue uno de los inventos del Segunda Revolución Industrial con mayor trascendencia,
al menos, en el mundo de la cultural. La función de esta máquina era proyectar imágenes en
movimiento y por consiguiente superaba la cámara fotográfica. El cinematógrafo no creaba
imágenes en movimiento, sino que creaba una ilución óptica para dar la impresión de que
existía imágenes en movimiento. Con una proyección de 16 fotogramas por segundo se
engañaba al ojo, que lo que estaba viendo eran imágenes en movimiento, una pelicula de 35
mm.

El cinematógrafo básicamente toma fotografias muy rápido, muchas veces por

segundo, registrando esto en una cinta especial para el film que se revelaba en la misma
máquina, y luego podría ser proyectada repitiendo la velocidad de pasada original, con una
luz de fondo

La llegada del cine a Barcelona

La presentación del cinematógrafo de los hermanos Lumiére en Barcelona se realizó en el

estudio Napoleón de los fotográfos Antonio y Emilio Fernández, situado en la Rambla de
Santa Mónica, el 10 de dicembre de 1896. En Barcelona se habían podido admira otros
aparatos: El cinetoscopio de Edison, el animatógrafo de Robert W. Paul, el cinetógrafo, de
George William de Bedt y un cinematógrafo no identificado que funcionó en el teatro
Novedade.

Primeras proyecciones

Las películas proyectadas fueron:

 La Salida de los Obreros de la Fábrica Lumière (La Sortie de l'usine Lumière à Lyon)
 Riña de Niños (Querelle de Bébés)
 La Fuente de la Tullerías (Le Bassin des Tuileries)
 La Llegada de Un Tren (L'arrivée d'un Train)
 El Regimiento (Le Régiment)
 El Herrero (Le Maréchal-Ferrant)
 La Partida de Naipes (Partie d'écarté)
 Destrucción de las Malas Hierbas (Mauvaises Herbes)
 Derribo de Un Muro (Le Mur)
 El Mar (La Mer)

En la primera proyección pública cobrando nada menos que un franco, tras una
presentación de August, el padre, y los hermanos Lumière proyectaron un total de doce
películas, entre ellas:

 La salida de los obreros de la fábrica

 El desembarco de los congresistas en Lyon
 El desayuno del bebé
 El regador regado
 La llegada del tren a la estación de Ciocat
 Lo los primeros “trucos o efectos especiales” en el Derribo del muro.
El cinematógrafo en México

Después de la creación del cinematógrafo, ocho meses después llegaría a México para
realizar la primera exhibición del cinematógrafo un aparto que pasaba 12 kilos. En México
se convertiría así, aún antes que los Estados Unidos, en el primer país de contiente americano
en recibir el nuevo invento.

El 6 de agosto en Castillo de Chapultepec se realizó la primera exhibición privada

teniendo como invitado de honor al presidente Porfirio Díaz, su familia y un reducido grupo
de amigos y funcionarios del gobierno. El interés en el pueblo mexicano, los agentes de la
empresa cinematográfica francesa hicieron algunas “tomas” del presidente Díaz y su familia
en Bosque de Chapultepec, Las cuales formaron parte de la selecta función.

Las proyecciones fueron:

 Grupo en movimiento del general Porfirio Díaz y miembros de su distiguida familia.

 Escena de los Baños de Pane.
 Escena del Colegio Militar.
 El general Porfirio Díaz paseando por Chapulepec

El 14 de agosto, en el número 17 de la CALLE DE JESÚS, ante los asombrados ojos de los

capitalinos se realizó la primera exhibcion pública del. Las funciones se hacen por tandas y
cada una de ellas tiene un costo de un peso.
BIBLIOGRAFÍA:

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hermanos-lumiere-y-nacimiento-cine_12264
https://sites.google.com/site/1473comunicacion/origenes-del-cine-en-el-mundo/los-
hermanos-lumiere
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/lechuga_a_be/capitulo3.pdf
http://lateinamerika.phil-fak.uni-
koeln.de/fileadmin/sites/aspla/bilder/ip_2013/CarlosGurpegui._Sevilla.__Melies_trabajo.pd
f
https://www.tierraadentro.cultura.gob.mx/los-hermanos-lumiere-y-la-invencion-del-cine/
http://biblio3.url.edu.gt/Libros/2009/Cine/01.pdf
http://lateinamerika.phil-fak.uni-
koeln.de/fileadmin/sites/aspla/bilder/ip_2013/CarlosGurpegui._Sevilla.__Melies_trabajo.pd
f
http://requenayaccion.com/los-freneticos-origenes-del-cine
http://biblio3.url.edu.gt/Libros/2009/Cine/04.pdf
https://www.abc.com.py/articulos/el-cine-mudo-929055.html
http://openaccess.uoc.edu/webapps/o2/bitstream/10609/112346/1/El%20cine%20mudo%20
CAST.pdf
https://www.2020v.org/la-historia-origen-del-cine-mudo/
https://eldisenodelsonido.wordpress.com/el-sonido-y-el-cine-mudo/
https://canalhistoria.es/hoy-en-la-historia/presentacion-del-cinematografo/
http://lumierecinematographe.blogspot.com/p/cinematografo.html
https://socialesoakhouse.wordpress.com/2013/01/06/el-cinematografo/
https://sites.google.com/site/1473comunicacion/origenes-del-cine-en-el-mundo/los-
hermanos-lumiere
http://carolinaberger.com.br/wp-content/arquivos/dissertacao_cberger.pdf
https://www.cineforever.com/2019/07/02/los-hermanos-lumiere-y-el-nacimiento-del-cine/
http://www.eluniversalqueretaro.mx/cultura/15-08-2017/121-anos-de-la-primera-funcion-
publica-de-cine-en-la-cdmx
GEORGE MÉLIÉS

Biografía

George Méliès nació el 8 de diciembre de 1861 en la ciudad París, Francia. Es el tercer hijo
de un matrimonio acaudalado, fabricantes de zapatos de cierto renombre. A la edad de siete
años comenzó su educación en el Escuela Michelet, sin embargo, durante la guerra franco
prusiana que tuvo lugar entre 1870 y 1871, la escuela fue bombardeada por las tropas de
Bismarck. La educación de Méliès cumple un papel verdaderamente importante en la figura
en la que se convertirá de adulto.

Georges Méliès dirigió durante su período como cineasta entre los años 1896 y 1913
cientos de películas, de hecho, superan por mucho el millar de piezas visuales que el gran
pionero del cine llevó a cabo. Lo distinguía su capacidad innata en el joven Méliès y desde
niño no podría evitar estar creando a todas horas, creaba paisajes, retratos de autores y
personajes históricos e incluso caricaturas.

Una vez finalizado el periodo de instrucción militar regresó a París, solo con la
intención de potenciar su talento artístico y estudiar en la Escuela de Bellas Artes, sin
embargo, su padre no permitió que su hijo dejara el negocio familiar para dedicarse a la
pintura y el arte.

Tiempo después Méliès trabajó como caricaturista para un periódico, La Griffe, bajo
el anagrama de Geo Smile. Durante esta etapa se jugaba el exilio puesto que criticaba al
general Boulanger que quería derrocar la República y establecer una dictadura.

Méliès y el cinematógrafo.

El cinematógrafo Méliès quedó automáticamente prendado del aparato y trató de adquirir

uno de ellos, ante las negativas de la familia Lumière tuvo que ingeniárselas para lograr su
sueño. Méliès adquiero un equipo casi similar a Robert William Paul, quien era un electricista
inglés que había creado una invención parecida a la de los hermanos Lumière, aunque
técnicamente inferior.
 Méliès decidió crear uno el mismo, aunque había logrado su objetivo, hacer
proyecciones, lo que verdaderamente buscaba Méliès era la posibilidad de proyectar sus
propias piezas. Al crear su propio aparato enfrentaba aún un inconveniente, las películas no
estaban perforadas y tampoco existía una máquina perforadora.

Los primeros meses como cineasta fueron complicados. Algunos meses después
diferentes fabricantes pusieron en marcha sus negocios a la venta de aparatos de toma de
vistas, durante este periodo de invención y de ensayo y error de Méliès ya estaba dedicado al
cine. El mismo Méliès en 1896 abrió una tienda de venta de sus piezas visuales y poco a poco
se fue haciendo con todos los locales para realizar su laboratorio, tienda y almacén.

La producción de Méliès

Durante las primeras producciones tuvo que hacer vistas sencillas. A pesar de la desbordante
imaginación y la cantidad de ideas que aguardaban. En su interior, Méliès tuvo que esperar
hasta terminar sus inventos y asentar su tecnología antes de abordar las complicadas obras
que tuvo en mente. Un ejemplo: Une partie de cartes (Una partida de cartas). Fue hasta 1986
con Escamotage d´ue dame au théatre (Es escamoteo de una dama) que realizó por primera
vez uno de sus trucos más conocidos el stop – trick (truco de parar).

El primer efecto especial del repertorio de Méliès consistía e comenzar a grabar una
escena determinada, en el caso del cortometraje mencionado donde se aprecia que una mujer
se sienta en una silla y es tapada por un velo, acto seguido se deja grabar, sin mover de su
sitio el resto de los elementos la mujer es sustituida por un esqueleto, también tapado por un
velo. Para terminar el efecto Méliès realiza el nuevo truco y cambia el esqueleto de nuevo
por la mujer.

Esta versión cinematográfica de un conocido truco de prestidigitación de la época

supuso para Méliès un fuerte empujón en su carrera. El mago del cine había hecho su primera
aparición. Entre 1896 y 1913 Méliès llegó a dirigir una cantidad de 530 películas de autoría,
sin contar la que estaban en aquel entonces patrocinadas por Star Films en las que incluyen
vistas tomadas por su hermano al otro lado del océano. Méliès dedicó su vida al género
mágico de fantasía.
 Mélies trabajó incansablemente siempre en busca de una nueva forma de sorprender
a sus espectadores y comparadores para así mantener el ritmo de trabajo y el interés sobre su
obra. Sus películas iban dirigidas directamente al espectador para embelesarlo, su
preocupación era encontrar un gran efecto principal. Fue el primero en comprender que el
cine ofrece una gran forma cómoda de manipular a gusto propio el tiempo y espacio.

PELÍCULAS

VIAJE A LA LUNA – La obra maestra de Georges Méliès, son 14 minutos de acción y

aventuras fantásticas. Se concederá el primer largometraje de la historia. Nunca antes se había
rodado una película tan larga. Pese a las dudas iniciales, Méliès estaba convencido de que
sería un éxito y apostó fuerte por ese proyecto. Viaje a la luna significó su consagración como
director.

Le mélomane su obra más famosa e importante en cuanto a efectos especiales se

refiere. Decidió crear un cortometraje en el que dar forma humana a las notas musicales es
un pentagrama Utilizando un ingenioso sortilegio Mélìes logra crear un número de
asombroso virtuosismo. La escena siguiente: Sobre un fondo negro, cinco cables de telégrafo
atraviesan la pared superior de la escena, un profesor de canto lanza una enorme clave de sol
a los cables quedando ésta sujeta en ellos. Acto seguido dibuja una nota a la que coloca dos
ojos y termina dibujando su cabeza, lanza su batuta a los cables convirtiéndose así en un
compás.

Méliès ha sido el padre del cine moderno. El mago que permitió transformar un
invento eminente científico en la verdadera fábrica de los sueños. Su figura en el cine no
hubiera alcanzado la madurez que logró en tan poco tiempo ni la facilidad de narrar historias,
incluso ahora si miramos con retrospectiva su trabajo podremos encontrar una fascinación
por sus piezas. Todavía a más de cien años de su realización, las obras de Méliès nos permiten
viajar a tierras de fantasía
Bibliografía

https://www.academia.edu/39623564/La_magia_filmada_de_Georges_Méliès._Filmograf
%C3%ADa_comentada
http://oa.upm.es/48961/1/TFC_PATRICIA_LOPEZ_DE_ANDRES.pdf
https://elpais.com/cultura/2018/05/03/actualidad/1525328820_070614.html
https://educomunicacion.es/cineyeducacion/figuras_melies.htm
https://www.participamelies.com/wp-content/uploads/2016/03/Nota-de-
Prensa_Exposicion_Empieza-el-espectaculo_Melies-y-el-cine-de-1900_Malaga.pdf
https://historia-arte.com/artistas/georges-melies
https://sistemasmutantes.wordpress.com/2013/09/16/tema-1-antecedentes-e-historia-del-
cine-aportaciones-de-georges-melies/
https://silentology.wordpress.com/2017/03/02/georges-melies-pioneer-of-cinematic-
spectacle/
http://revistaiconica.com/5-filmes-fundamentales-de-georges-melies/

Fernández Cuenca, Carlos. Aparición de la fantasía en Georges Méliès. México: Filmoteca

UNAM, 1982.
Charles Chaplin

Charles Spencer Chaplin nació en Londres, Inglaterra, el 16 de abril de 1889. Se casó cuatro
veces y tuvo once hijos. Escribió dos libros titulados: “Mi autobiografía” de 1946 y “Mi vida
en imágenes” de 1974. Murió a los 88 años de causas naturales el 25 de diciembre de 1977
en su hogar en Suiza.

Conocido mundialmente como “Charles Chaplin”, es considerado una estrella central

de la época del surgimiento del cine en Hollywood. Es mayormente reconocido como un
ícono del cine mudo, generalmente asociado a su personaje más famoso llamado “Little
Tramp”. Este hombre con bigote en forma de cepillo de dientes, bombín, bastón y su
característico y chistoso caminar.

En 1897, se unió a un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los
pueblos, y más tarde formó parte de otras compañías ambulantes profesionales, aunque muy
modestas. En 1898, ya era un experto actor infantil.

Con 20 años, Charles Chaplin viajó a los Estados Unidos, enrolándose en la compañía
de los estudios Keystone. Fue entonces, en el rodaje de la película “Aventuras Extraordinarias
de Mabel”, estrenada en 1914, cuando, de forma improvisada y apresurada, surgió el
personaje de “Little Tramp”. Éste se presentó al mundo del cine ataviado con la ropa que lo
haría famoso y lo convertiría en una estrella.

A partir de entonces, “Little Tramp” apareció en docenas de películas que

permitieron a Chaplin hacer una crítica a la desigualdad social de su tiempo, de una forma
muy sutil e inteligente. Algunos de sus filmes han destacado por su capacidad de reflejar con
ironía los acontecimientos históricos. Por ejemplo, en la película “Tiempos Modernos” de
1935, Chaplin trató de forma crítica las consecuencias de la industrialización y el capitalismo.
En esta película apareció por última vez, su icónico “Little Tramp”. Otra película famosa fue
“El Gran Dictador” de 1940. Un filme donde Chaplin parodiaba al dictador alemán Adolfo
Hitler.
 Seis de sus películas fueron seleccionadas para su preservación en el Registro
Filmográfico Nacional por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. Estas son: “El
Inmigrante” de 1917, “El Chico” de 1921, “La Quimera de Oro” de 1925, “Luces de la
Ciudad” de 1931, “Tiempos Modernos” de 1936 y “El Gran Dictador” de 1940.

Es reconocido como uno de los más grandes directores en la historia del cine
americano y sus películas siguen siendo populares. Sus filmes, a través de su personaje de
“Little Tramp”, muestran el lado positivo de la vida, dentro de un mundo donde se percibe el
desorden. En 1972 la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los Ángeles le
otorgó a Chaplin un Oscar Honorífico a toda su carrera. El auditorio lo ovacionó de pie por
doce minutos.

Hasta hoy en día, “Charles Chaplin” es considerado un precursor del sistema del cine
hollywoodense, así como un arquetipo del cineasta total, que es escritor, actor y director de
sus producciones.

Harold Lloyd

La risa no sólo es un lenguaje universal: es el sonido más hermoso del mundo, solía decir el
estadunidense Harold Lloyd, uno de los mejores y más queridos comediantes de la historia
del cine, “más simpático que Buster Keaton y más prolífico que Charles Chaplin”, de hecho,
produjo más cintas que estos dos astros juntos.1 Desde muy pequeño se sintió atraído por el
mundo del teatro y empezó a trabajar con doce años haciendo todo tipo de actividades, desde
acomodador, vendedor de caramelos, encargado de atrezo hasta ayudante del director de
escena.

Sus primeros trabajos en Hollywood fueron como extra pero enseguida, junto con su
amigo y luego socio Hal Roach, empezó a rodar sus propias películas.
 Al principio sus personajes eran meras copias de los que hacía Chaplin, pero
finalmente dio con su propio héroe: Un tipo con unas gafitas redondas y lleno de ingenuidad,
un hombre como muchos otros que había entonces por las calles; Harold Lloyd no viste ropas
raras, ni sombreros estrafalarios, ni anda de una forma chocante como Charlot, tampoco creó
un personaje serio y triste al estilo de Buster Keaton. "Él quería que el público le identificara
con su hermano, su tío, su vecino, su novio, pretendía hacer cosas que pudieran ocurrir
realmente y que fueran divertidas" 2 Lloyd reivindica en el cine al hombre del práctico,
optimista e ingenioso y su historia, dentro y fuera de las pantallas, es la de un triunfador, la
de un ser humano valiente que empezó de la nada y terminó en una cumbre disputada, pero
en la que tiene un sitio de honor que nadie va a quitarle jamás.

Su primer personaje fue Willie Work, una imitación poco lograda del personaje del
vagabundo que Chaplin estaba intentando, del cual se producirían unos siete cortometrajes
de un solo rollo. A pesar de su fugacidad, su actuación no pasó inadvertida para el legendario
productor Mack Sennett, “el rey de la comedia”, quien luego de verlo en el corto Just Nuts
(1915), terminaría contratándolo para la compañía Keystone, Tras un breve e improductivo
periodo allí, donde participó en cortos como Miss Fatty’s Seaside Lovers y Courthouse
Crooks, Harold volvería al lado de Roach,

Su segundo personaje fue más popular, Lonesome Luke, de cejas triangulares,

mostacho, un sombrero gracioso, ropas apretadas y zapatos enormes, tal como era la usanza
-nada original- a la hora de interpretar a un payaso en pantalla. Humor grueso tipo slapstick,
con persecuciones aceleradas y bromas (los llamados gags) violentas y burdas, fueron
característicos del nuevo personaje. Setenta y una comedias cortas con esa caracterización
fueron producidas entre 1915 y 1917, en las que su compañera como actriz protagónica fue
Virginia “Bebe” Daniels.

En ese año Harold insiste en un cambio radical, insatisfecho con su interpretación y

frustrado de ser otro émulo de Chaplin, amenazando con retirarse y buscar a otro productor
que le hiciera caso, crea a “el personaje de las gafas”, un tipo absolutamente normal, un
sonriente hijo de vecino, vestido de traje formal, corbatín de lazo o corbata, sombrero plano
de paja y un par de gafas plásticas de aro redondo, que cuando las circunstancias lo obligaban
parecía sacar una fuerza, un valor y una agilidad inusitadas.

En agosto de 1919, Harold posó para un fotógrafo, donde la instalación le pidió que
encendiera un cigarrillo con una bomba de apoyo, pero no era un accesorio en absoluto y
explotó en su mano, se abrió el techo de seis pies y dejó a Harold ciego y con la mayor parte
de su mano derecha desaparecida, los médicos le dijeron que nunca volvería a ver, sin
embargo, su vista volvió, las cicatrices se curaron y se creó un guante para ocultar su
discapacidad al público. El comediante, conocido por hacer todas sus acrobacias temerarias,
sintió que su audiencia estaría preocupada por su seguridad y no se reiría de la película si
supieran de su lesión, así que usó el guante en cada película que hizo después del accidente.

En 1922 inaugura su periodo de largometrajes mudos con Grandma´s Boy y Dr.

Jack y contando con toda una unidad de filmación exclusiva para sus filmes: doce escritores,
dos directores (Fred Newmeyer y Sam Taylor), un asistente de director y varios operadores
de cámara, que progresivamente se harán todos autónomos del estudio de Roach, hasta casi
volverse el propio Harold un productor independiente. En estos largometrajes y en los
subsecuentes se evidenció que “el personaje de las gafas” era un intento de adaptar el
personaje aristocrático que interpretó Douglas Fairbanks en sus películas de la segunda
década del siglo XX, a un modelo cercano a los personajes de clase media de las novelas de
Horatio Alger.

Fue protagonista de las escenas más atrevidas del cine mudo, como la del hombre de
gafas redondas y sombrero de paja que cuelga desesperado del minutero de un enorme reloj
situado en el piso alto de un edificio, a punto de caer desde las alturas. en El Hombre Mosca.
Harold realizó el espeluznante truco cómico solo con una mano completa, no había fondos
falsos ni gráficos por computadora en 1923 y los ángulos estratégicos de la cámara crearon
las mareantes gotas. La imagen es un ícono del cine y está tatuada para siempre en la
conciencia colectiva de la cinefilia.

El 26 de junio de 1925 Charles Chaplin sorprende al mundo con La quimera del oro
(The Gold Rush), una obra maestra sin precedentes que agotó adjetivos y boletería, La
respuesta de Harold, que resultó en uno de sus más grandes éxitos de taquilla fue The
Freshman, una cinta que representa con gran claridad uno de los motivos principales de su
personaje y por ende de su cine, cuál es la búsqueda de reconocimiento, de éxito social y
económico.

Cuando aparecieron las imágenes, Lloyd fue uno de los primeros cineastas en adoptar
el nuevo medio. "Welcome Danger" se estrenó en 1929 y fue la película más taquillera de
Lloyd. Doce días después, el mercado de valores se derrumbó y el país cambió. El
emprendedor totalmente estadounidense de Lloyd ya no parecía estar de moda para una
audiencia que luchaba por sobrevivir a la Gran Depresión y sus películas sonoras en la década
de 1930 carecían del éxito de su trabajo silencioso anterior. En 1938 se retiró del cine y solo
regresó una vez más, en 1947, de la mano de Preston Sturges en un largometraje titulado El
pecado de Harold que fue un gran fracaso.

En la ceremonia de entrega de los premios Óscar de 1952 recibió una estatuilla

honoraria como “maestro de la comedia y buen ciudadano”. A principios de los años sesenta
decide hacer dos compilaciones de sus filmes, Harold Lloyd´s World of Comedy (1962) y
Harold Lloyd´s Funny Side of Life (1963), la primera fue presentada en Cannes para delirio
de un público que en su mayoría nunca había visto su cine, pues recordemos que el actor
conservaba los derechos de todas sus películas y no permitía que se exhibieran en televisión.
En sus últimos años recorrió universidades y escuelas de cine dando conferencias sobre su
obra y su manera de ver el cine.

El American Film Institute creó en 1969, en su honor, el Harold Lloyd Master

Seminars, donde más de doscientos actores, directores y productores han disertado sobre sus
respectivas trayectorias. También Harold apadrinó las carreras de Jack Lemmon, Debbie
Reynolds, Tab Hunter y Robert Wagner.

El cómico más exitoso de su generación, que en su momento ganó más dinero e hizo
más películas que Chaplin, es para muchos, sin embargo, un desconocido. Cuando en los
años sesenta los críticos europeos, claramente orientados por la interpretación política,
redescubrieron la obra de Chaplin, de Keaton y de Mack Sennett, encontraron allí elementos
anárquicos y de lucha liberadora contra lo establecido que les produjeron instantánea
simpatía, generando todo un culto alrededor de sus nombres. Las películas de Lloyd no
estaban disponibles como para analizarlas de primera mano y su imagen optimista,
demasiado acomodada al medio social en que vivía, les daba desconfianza y por eso
ignoraron su obra.

Chaplin era un genio brillante, más allá de cualquier comparación, cuya obra cómica
parecía a punto de lanzarse siempre hacia la tragedia; Keaton desde la profundidad de su
rostro impasible era un espectador asombrado, un surrealista accidental; mientras que Harold
Lloyd era sólo un hombre normal, no un superdotado pleno de inspiración que lograra hacer
reír con sólo verlo. Su humor era entonces el del esfuerzo, el de la elaboración fatigosa de
gags que a punta de ensayo y error lograron calar en el gusto de unos espectadores exigentes
que estaban acostumbrados a ver titanes del humor y que fueron seducidos lentamente por
un hombre que se parecía mucho a ellos, que reflejaba su estilo de vida, sus anhelos, sus
frustraciones y sus ansias de triunfo social.

Lloyd no sólo fue un gran comediante, sino también un cineasta innovador, un

inquieto fotógrafo que se pasaba haciendo fotografías todo el día y un filántropo al que no le
importaba seguir haciendo reír a los niños en un hospital después de dejar las gafas y el
sombrero en el camerino. No es de extrañarse que hoy se estén redescubriendo las películas
de Harold Lloyd, como Harold declaró varios años antes de morir: “Me ha sorprendido que
estas comedias aún puedan dar una nota de risa receptiva con audiencias de todas las edades
y en todas partes del mundo. La risa es el lenguaje universal. Establece una identidad común
entre las personas, independientemente de otras diferencias. Es el sonido más dulce del
mundo entero”
Links de consulta:
 https://www.jornada.com.mx/2008/06/20/index.php?section=espectaculos&article=
a08n1esp
 https://elpais.com/cultura/2013/06/20/videos/1371736992_172929.html

 https://www.tiempodecine.co/web/harold-lloyd-el-tercero-de-la-
fila/?fbclid=IwAR1BEB8k9TcLvYfPAiZ_BWDhHZf_ZLjyV6dyxYsbtPkpJeKuQ7
VhmW7RRy8.
 https://www.haroldlloyd.com/bio/biography
Buster Keaton

Fue un actor y director cinematógrafo estadounidense, quien desde su niñez participo en un

espectáculo de sus padres en el cual se mezclaban mímica y acrobacia. Atraído por el cine
decidió abandonar el musical y en 1917 rodo su primera película “The Butcher Boy”, tras la
cual dirigió varios cortometrajes protagonizados por el actor Fatty Arbuckle. Buster Keaton
arrancó su carrera con el cómico más exitoso de estos primeros pasos de la comedia
americana. Secundario de las comedias de Arbuckle, a Keaton le costó algo más de tiempo
alcanzar la fama y la categoría de estrella que ya había obtenido Chaplin. Pero a partir de la
década de los 20, ambos comediantes alcanzaron la fama internacional.

El objetivo principal de Buster Keaton era alcanzar a Chaplin, al que consideraba su

mayor competidor. Un rival que amplió distancia con Keaton en el momento que, junto a
D.W.Griffith, Mary Pickford y Douglas Fairbanks, es decir, el director/productor más
poderoso y exitoso y las estrellas masculina y femenina más importantes del cine mudo
estadounidense, decidieron fundar su propio estudio, United Artists, lo que le permitiría a
Chaplin una independencia creativa inédita hasta el momento. Keaton inmediatamente
convenció a su cuñado para que comprara los antiguos estudios pertenecientes a Charles
Chaplin, renombrándolos inmediatamente como Buster Keaton Studios. A su vez, abandona
el abrigo de Fatty Arbuckle y comienza a dirigir películas sin él. Su primera película en
solitario, Una semana (1920), es considerada el Ciudadano Kane de las películas de dos
bobinas.

Chaplin de nuevo vuelve a adelantar a Keaton en 1921 con El chico, su primer

largometraje de cinco bobinas, una perfecta mezcla de comedia y melodrama. Dos años más
tarde, en 1923, Buster Keaton estrena su primer largometraje, Las tres edades, también de
cinco bobinas, donde realiza un recorrido humorístico a través de la historia de la humanidad,
dividido en tres momentos históricos: la prehistoria, la roma antigua y la época
contemporánea. Ambos trabajos y el salto del cortometraje al largometraje, sirvieron para
que estos autores y comediantes se dieran cuenta que el formato de gags llamados de “dibujos
animados” eran imposibles de mantener por si solos trabajos de cinco bobinas, ya que la
historia no se sostenía y se resentía.
 Es a partir de aquí cuando las diferencias entre ambos creadores son más evidentes,
tanto en forma como en fondo. El cine de Keaton es una montaña rusa en perpetuo
movimiento, donde el individuo -el personaje que protagoniza Keaton en toda su obra- está
atrapado y oprimido en los engranajes sociales. Un protagonista que en manos de Keaton es
un acróbata, un loco, un proyectil que se mueve por la pantalla sin orden ni concierto. Un
baile entre dos, entre el hombre y la máquina, entre el individuo y los elementos que tiran y
pugnan de él. Una mecanización keatoniana que se basa en su capacidad para enlazar la
mecánica del cuerpo, a través de sus diferencias sensoriales y motrices, junto a la mecánica
de los gags que estructuran el desarrollo del filme y que a su vez conforman la mecánica
general de la película.

Intentó adaptarse sin éxito a las nuevas exigencias del cine sonoro, y su carrera entró
en franco declive a partir de su actuación en De frente..., marchen (1931). Desde 1939 se
dedicó a parodiar los éxitos de su época dorada, y los únicos papeles interesantes que
interpretó fueron el payaso musical de Candilejas (1952), la última película de Charles
Chaplin, y el simbólico panadero suicida de L'incantevole nemica (1953), de Claudio Gora.
A partir de los años cincuenta, cuando sus viejos filmes volvieron a proyectarse, recobró su
popularidad y pudo intervenir en nuevas producciones, tales como El mundo están loco, loco,
loco (1963). Su última aparición en la pantalla fue en un episódico y breve papel en Golfus
de Roma (1966), muy poco antes de su fallecimiento.

Porque la influencia de Keaton y sus maneras de entender la cinética del lenguaje

cinematográfico ha sido inversamente proporcional al éxito de su carrera en contraposición
con Chaplin, tanto cinematográfica como icónicamente. Rastros del movimiento perpetuo
del cine de Keaton puede encontrarse a lo largo y ancho del cine de acción posmoderno,
desde el prólogo con el que se inicia Indiana Jones y la última cruzada (1989) de Steven
Spielberg, hasta las acrobacias pirotécnicas de El llanero solitario (2013) de Gore Verbinski,
pasando por ese hito del cine de acción que es Mad Max Fury Road (2015) de George Miller.
Quizá este último sea la quintaesencia depurada de la obra de Buster Keaton. Un homenaje
póstumo a un cineasta que nunca tuvo la aprobación de la crítica en el momento de su estreno
y que no consiguió alcanzar las cotas de éxito y fama que a día de hoy sigue teniendo Chaplin,
aunque es posible que el legado de este sea menor en cuanto a la influencia de su trabajo en
generaciones posteriores.

En 1959 le conceden un Oscar especial en reconocimiento a sus aportaciones al Arte

Cinematográfico. Buster Keaton falleció el 1 de febrero de 1966 en Woodland Hills, en
Hollywood.

Filmografía Seleccionada:
 Pasión y boda de Pamplinas (The saphead) (1920)
 Una semana (One Week) (1920)
 Convicto 13 (Convict 13) (1920)
 El espantapájaros (Scarecrow) (1920)
 La vecina de Pamplinas (Neighbors) (1920)
 El gran espectáculo (The Playhouse) (1921)
 La barca (The Boat) (1921)
 La casa encantada (The haunted house) (1921)
 Pamplinas nació en día 13 (Hard luck) (1921)
 El guardaespaldas (The high sign) (1921)
 El chivo (The Goat) (1921)
 La mudanza (Cops) (1922)
 Las relaciones con mi mujer (My wife's relations) (1922)
 El herrero (The Blacksmith) (1922)
 El polo norte (The frozen north) (1922)
 El rostro pálido (The paleface) (1922)
 Sueños imposibles (Day dreams) (1922)
 La casa eléctrica (The Electric House) (1922)
 El aeronauta (The Balloonatic) (1923)
 Nido de amor (The love nest) (1923)
 Las tres edades (The Three Ages) (1923)
 La ley de la hospitalidad (Our Hospitality) (1923)
  El navegante (The Navigator) (1924)
 El moderno Sherlock Holmes (Sherlock Jr.) (1924)
 El rey de los cowboys (Go West) (1925)
 Siete ocasiones (Seven Chances) (1925)
 El maquinista de la General (The General) (1926)
 El boxeador, El último round (Battling Butler) (1926)
 El colegial (College) (1927)
 El héroe del río (Steamboat Bill Jr.) (1928)
 El cameraman (The Cameraman) (1928)
 El comparsa (Spite marriage) (1929)
 El moderno Barba Azul (A Modern Bluebeard and Boom in the Moon) (1946)
 Candilejas (Limelight) (1952)
 La vuelta al mundo en ochenta días (1956)
 It's a Mad Mad Mad Mad World (1963)
 Golfus de Roma (1966)
 The Scribe (1966)

Fuentes
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/keaton.htm
http://requenayaccion.com/historia-del-cine-mudo-v-keaton-y-chaplin-pioneros-del-
movimiento-perpetuo
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/4786/Buster%20Keaton