¿EQUIDAD DE GÉNERO EN EL MERCADO DEL ARTE?

GENDER EQUITY IN THE ART MARKET?

TANIA MARILÚ PÉREZ ZÚÑIGA

Artista independiente / tmarilu72@yahoo.com
Estudiante de la Maestría en Estudios del Arte de la Universidad de Cuenca

RESUMEN: El presente trabajo pretende manifestar la desigualdad de género en la esfera artística. El

objetivo es evidenciar que, por muchas causas, al trabajo de la mujer artista no se le otorga la importancia
merecida, lo cual trasciende a la institución del mercado del arte. Sobre la base de investigaciones realizadas
se busca reflexionar acerca de esta particularidad, así como relevar la labor de artistas mujeres como parte
de una lucha constante por la igualdad de género, en este caso desde el área del arte.
PALABRAS CLAVE: arte, género, mujer, mercado del arte
ABSTRACT: The present work aims to manifest gender inequality in the artistic sphere. The objective is
to show that, for many reasons, the work of the woman artist is not given the deserved importance, which
transcends the institution of the art market. On the basis of research carried out, we seek to reflect on this
particularity, as well as to relieve the work of female artists as part of a constant struggle for gender equality,
in this case from art.
RECIBIDO: 8 de octubre de 2019 / ACEPTADO: 15 de noviembre de 2019

1. INTRODUCCIÓN
A lo largo de la historia y en el campo del arte el trabajo de la mujer artista ha sido
desfavorecido en contraste con el trabajo del artista masculino, al que siempre se le ha
otorgado mayor protagonismo. Mayoritariamente, en los escenarios y pluralidad de
contextos culturales se evidencia una pugna tácita por el dominio y el poder en detrimento
de la equidad de género en el mundo artístico.
El devenir en este sentido ha estado marcado por una lucha constante en busca de
minimizar fronteras para que la mujer adquiera mayor relevancia en los procesos
culturales, pero faltan diversos elementos por mostrarse sobre la mesa en estos intentos.
En ese camino de posibles aportes se pretende responder en este artículo a la pregunta:

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¿por qué en el campo artístico, tan abierto a la diversidad que es parte de su riqueza, se
manifiesta aún la falta de equidad de género?
La mencionada desigualdad de género se puede visibilizar en museos, galerías, tiendas
de arte, donde la preferencia artística es de carácter masculino. De acuerdo con estudios
realizados en el ámbito del mercado artístico, la desigualdad se expresa en un escaso
registro de artistas femeninas. Así como Althusser abordaba “La cultura como ideología
de masa de una sociedad” (Poli, 1976: 35) es posible considerar que la tendencia de una
sociedad sea consecuencia de un contexto de prácticas generalizadas que condicione al
ser humano a pensar y actuar sin plena conciencia de cómo puede contribuir a una
marcada diferencia entre géneros.
En el presente artículo, desde una estrategia metodológica cualitativa, se pretende
exponer la desigualdad de género que se evidencia en la esfera artística. Esta reflexión
hace énfasis en el perímetro del mercado del arte, cuya labor es desarrollar un sinnúmero
de transacciones o acuerdos de negocios entre compradores y vendedores de objetos
artísticos.

2. DESARROLLO
Es importante señalar que las obras de arte son valoradas de acuerdo con el rubro
económico; su valor crece en el denominado mercado primario cuando los agentes y
artistas trabajan directamente; es decir, los objetos artísticos provienen directamente del
artista. A diferencia de un mercado secundario compuesto por agentes que se dedican a
la compra y reventa de un objeto artístico; en esta modalidad el valor económico tiende a
disminuir. Para ello se consideran algunos factores como la historia de la pieza de arte y
la tendencia artística cuando el objeto de intercambio es único o forma parte de una tirada
muy corta. Por su parte, otros criterios se instituyen desde el artista y su evolución, el
consumista y sus preferencias, los mediadores del arte como los críticos, historiadores,
coleccionistas, marchantes y asesores artísticos.
Dentro de este plexo de elementos que constituyen y legitiman el mercado del arte y
específicamente lo concerniente al papel del artista y su evolución, el espacio material y
simbólico de la mujer se encuentra disminuido con relación a los artistas masculinos y la
visibilidad de sus creaciones. Cabe destacar la constante lucha por parte de las mujeres
en busca de una relación equilibrada y de su derecho a formar parte del campo artístico.
Algunas mujeres creadoras vivieron menospreciadas por juicios erróneos y mitos

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desfavorecedores por parte de la sociedad; algunas trabajaron en el anonimato e incluso
con seudónimos. Robert Fleck manifiesta que “antes de 1950, ninguna artista plástica
alcanzaba el rango de un artista masculino de gran consideración internacional […] hasta
el principio de los años ochenta era posible escuchar las historias de vida de artistas
mayores, contando sobre la sumisión forzada que habían experimentado en el ambiente
artístico masculino” (2014: 123-124).
Sonia Delaunay (Rusia 1885-París1979), esposa de Robert Delaunay y madre del
Pintor Yves Klein fue considerada como representante del arte abstracto donde aplicó los
principios de orfismo; tendencia del cubismo que exalta el color y la luz. Así sus obras
vibran en armonía-tono y simultaneidad gracias al empleo del color para crear espacio,
volumen y formas en un cuadro. De igual manera elaboró desde colgantes, pinturas, telas,
tapas de libros, hasta objetos del hogar y experimentó con una amplia gama de materiales.
Durante mucho tiempo Sonia Delaunay fue ignorada por artistas, por la sociedad, y a
pesar del tiempo transcurrido la artista se convirtió en sinónimo de estilo moderno al
elaborar diseños para vestuarios, los que ampliaron el concepto de modernidad al trasladar
los mismos a la cotidianidad.
Una de sus primeras obras, Jeune Fille Endormie (1907) representa en primer plano
a una chica durmiendo, con colores verde y azul; las gamas de tonalidades son frías y
cálidas, las formas abstractas de color las convierte en sombras que proyectan luz y
movimiento a la misma, elementos característicos de los artistas fauvistas. Delanuay en
la década del siglo XX diseñó un proyecto original y dinámico a través del
lenguaje artístico y mediante sus obras Prismes electriques (1914) denominó al
proyecto como caleidoscopio. En este hizo uso del simultaneismo, utilizó los
colores primarios y el negro con el propósito de facilitar la enseñanza del alfabeto
a los niños.
En 1964 fue la primera mujer a quien se le honraba con una exposición en el Musée
du Louvre. El valor artístico y estético de una creación elaborada por una mujer cobra
importancia como resultado de la perseverancia. Este ejemplo de notoriedad de la obra
realizada por una artista es el inicio de un cambio; de manera que, es incomprensible que
en la contemporaneidad predomine la característica ambigua del “canon establecido en
los que la calidad y el valor de la obra de arte estaban asociados al género masculino.
(Pérez, 2018).

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 De esta manera se entiende que el arte elaborado por artistas del género masculino es
único y se distingue gracias a los valores culturales y sociales del contexto donde tiene
lugar que legitima estas representaciones excluyentes entre el artista y la artista. Por lo
tanto, dichas particularidades benefician a unos y provocan desventaja según el
argumento mencionado para la mujer artista, quien se resiste a la consecuencia utópica
de la teoría de desvalorización. O tal vez es la institución que tiene potestad sobre la
palestra artística, como indica Marx:
Las ideas dominantes no son otra cosa que la expresión ideal de las relaciones
materiales dominantes, consideradas como ideas. Los individuos que componen
la clase dominante, entre otras cosas, también dominan como pensadores, como
productores de ideas que regulan la producción y la distribución de las ideas de su
tiempo. (Poli, 1976: 34).
Es admisible pensar que los prejuicios que se construyen socialmente subordinen al
ser humano a pesar de los cambios y de la nueva era de la diversidad cultural, y este pueda
proceder de forma inconsciente bajo ciertos paradigmas y contextos sociales. En el
mercado del arte se debe cumplir con determinados requisitos de acuerdo a la estructura
institucional con respecto a la clasificación de la obra arte tales como: el valor artístico y
económico del objeto de arte, la figura social y categoría artística concierne al papel y la
posición del artista en el acontecer artístico del presente. De esta manera, y como un
supuesto imaginario se confunden conceptos, requerimientos, normas y el mercado deja
en un segundo plano la funcionalidad y se vuelve autoridad que pondera los rubros
económicos. En tal sentido Isabel Graw en ¿Cuánto vale el arte? Manifiesta “la frontera
entre el arte y mercado comienza a desmoronarse, en tanto arte es un término evaluativo
porque lo tanto posee una dimensión económica” (2013: 64).
Sobre el pódium institucional existen diferentes argumentos, por ejemplo, depende
del curador a la hora de negociar la obra de arte o del discurso artístico, de la tendencia,
de la cédula o del montaje, o de aspectos complementarios como carteles, afiches,
catálogos, el lugar de exposición, publicidad, marca, marketing, sitios web. En última
instancia, y como punto principal, depende de la era de la globalización la posibilidad de
ingresar en el codiciado mundo del Mercado de Arte. Fleck en su texto El sistema del arte
del S.XXI manifiesta:
La industria del arte globalizado muestra estrechos lazos con el mundo financiero,
con las marcas y los medios globalizados y con el capital reciente de los países

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 emergentes que ha causado la explosión de precios en el segmento más alto del
mercado del arte (2014: 64).
De forma hipotética, el valor económico de cierta manera puede jerarquizar al arte y
su interpretación. Ello incluso por encima del hecho de considerar al arte como el medio
comunicacional más sublime del ser humano y lo más importante, ya que a través de él
se puede modificar el pensamiento de por qué existe una desigualdad de género.
Durante años se ha buscado la equidad de género sobre todo en el contexto artístico,
por lo que en los años noventa y dos mil grupos neofeministas. Con el apoyo de los
Gender Studies, lograron equilibrar espacios con participaciones femeninas en
exposiciones. Es importante destacar que los resultandos reflejan en términos de
facturación de subastas el reconocimiento a las mujeres artistas en el arduo trabajo por
lograr esa notable transformación simbólica.
A pesar de muchos condicionantes en los tiempos actuales, en el perímetro artístico
se puede apreciar que las mujeres han logrado traspasar las barreras de ser objeto cotizado
a la mujer viva que analiza el contexto sociocultural. Así lo manifiesta Thierr Erhmann,
fundador y CEO de Artprice, e indica que: “La generación que se está imponiendo en el
mercado de arte secundario -la de artistas por debajo de 40 años- están afortunadamente
reduciendo la brecha de género” (Artprice.com, 2019).
Es importante manifestar que algunas mujeres artistas han sido reconocidas de forma
póstuma; a inicios del siglo XXI Eva Hesse (1936-1970), representante del arte Anti-
Form, y Louise Bourgeois (1911-2010), trabajaron por la igualdad de derechos en el
campo artístico.
Entre las obras de Hesse se encuentra Contingente (1968-1969), instalación formada
por ocho elementos rectangulares que cuelgan de forma paralela del techo y sutilmente
suspendidas. Un conjunto de luz, color y gravedad que crea una sensación que inspira una
atmósfera espiritual. Los materiales utilizados fueron látex, tela, gasa, fibra de vidrio que
se fusionan con la pintura y escultura con características de temporal y efímero. El
objetivo fue reflejar el envejecimiento conforme transcurre el tiempo, aspecto muy
significativo para la artista.
Por su parte Bourgeois es considerada como una de las creadoras más influyentes,
poderosas y profundas de los siglos XX y XX. Sus obras son el resultado de las
experiencias vitales de su infancia y su entorno familiar. Estos elementos vivenciales los
expone haciendo al espectador partícipe; incursiona y experimenta con diferentes

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materiales, de manera que se expresa así: “El arte es garantía de cordura. Es lo más
importante que puedo decir” (Argos, 2019).
La instalación Celdas (2008), compuesta de aproximadamente sesenta obras contiene
muchos aspectos que se relacionan con la vida personal de la artista, en la que manifiesta
la separación entre el mundo interior y exterior desde una perspectiva psico-analista. En
ella utiliza materiales como acero, vidrio, goma, hilo y madera, todas de su entorno
vivencial y de su trabajo cotidiano. Manifiesta así la artista que “con diversas
connotaciones se refiere tanto a la célula biológica de un organismo vivo como la celda
individual de una cárcel o de un monasterio” (hoyesarte.com, 2016). Celdas es parte de
Estructuras de existencia, planteado por la artista por medio de instalaciones donde busca
la forma de materializar el feminismo desde una perspectiva subjetiva.
En 2013 por la obra Aprés la Déjeuner (1881) de Berthe Morisot (1841-1895),
–pintora impresionista francesa– se pagó ocho millones de euros. Esto resulta revelador
si se compara con pago de ciento veinte millones de dólares por El grito (1893) de Eduard
Munch (1863-1944), pintor noruego. Es importante señalar que si bien esta diferencia
está signada, desde los lugares del sentido común, por el valor simbólico y cultural que
contiene El grito, asimismo este valor puede plantearse en términos de diferencia y
equidad de género, lo que puede influir en que esta obra se considere una mercancía de
arte por el rubro monetario.
Las obras de la artista anteriormente mencionada reflejan la cotidianidad de la mujer;
pintó escenas de su vida y de personas que la rodeaban, en las que se observa el abanico
como elemento principal y característico atributo de la feminidad. Se destaca la
sensibilidad y elegancia como aspecto primordial. Elabora composiciones con una
pincelada suelta de óleos como si fueran acuarelas, matices en los colores pasteles que
otorgan claridad en los tonos.
Por otro lado El grito (1893) es considerada como ícono cultural y antecedente del
movimiento expresionista. La obra muestra a la figura andrógina de rostro expresivo y
con las manos en la cabeza que parece emitir un grito, lleno de angustia y desesperación.
Esta sensación también se refleja en los colores cálidos y fríos que se fusionan con las
formas sinuosas del paisaje.
Si bien, como se ha expresado con anterioridad, los estilos y las técnicas difieren es
necesario plantearse si son estos elementos estrictamente artísticos los que intervienen en
la valoración simbólica y material de la obra de la pintora y el pintor antes mencionados.

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En este análisis eludir aspectos contextuales de una sociedad occidental marcadamente
heteropatriarcal además de que puede influir en la comprensión de la obra de arte, puede
ser de relevancia si se analiza la trascendencia e importancia de los artistas masculinos
con respecto a sus pares femeninas en un momento histórico dado, así como en la
posterior valoración de su creación dentro del mercado del arte.
Sin embargo, también en el espacio comprendido entre los siglos XIX al XX se
observa otro ambiente donde el artista puede ser hombre o mujer, la obra se legitima por
el mercado y no por los museos como lo indica Graw: “Lo que alguna vez se llamó el
negocio del arte se ha transformado en una industria enfocada en la producción de
visualidad y significado” (2013: 98).
Como se puede observar, el trabajo y el objeto de arte elaborado por el género
masculino adquiere mayor importancia en comparación al arte realizado por mujeres
artistas como sucedió con la obra titulada Propped (1992), de Jenny Saville (Gran
Bretaña.1970), la cual fue subastada en Sotheby’s, Londres, en 2018. La obra de esta
artista figurativa fue comprada por un coleccionista anónimo que pagó 12.4 millones de
dólares, el precio más alto jamás pagado en subasta y muy extraño para una artista viva.
La obra es un autorretrato que lleva la cita del ensayo de la feminista Lucy Irigaray donde
reza: “Si seguimos hablando en esta igualdad, hablamos como los hombres han hablado
durante siglos, nos fallaremos” (Peio, 2018).
Saville a través del desnudo femenino refleja a la mujer real con identidad subjetiva,
sin ningún tipo de idealización, sin importar la belleza. Aborda temas relacionados con la
cultura contemporánea en diferentes contextos como género e identidad. El cuerpo como
elemento principal es el medio de lenguaje, es el hilo conductor en el discurso teórico. En
su obra se visualiza el valor técnico y matérico de la pintura; es una reinterpretación del
cuerpo humano en la contemporaneidad. Estas son obras a las que denomina “paisajes
del cuerpo” en las que busca fusionar y representar lo bello en lo grotesco, ciertas
particularidades que aprendió al observar con las innumerables mudanzas que
experimento. Así: “Era un instinto y una tácita de supervivencia. Observar formas,
lenguaje corporal, observar a los niños comer, reír, aún dentro de las escenas cotidianas
encontrar eso violento en la gestualidad” (Mackenzie, 2003).
El precio de sus obras guarda mucha relación con la escasez de la oferta y en los
últimos veinte años se han subastado 41 pinturas. Saville participó en el movimiento

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Young British Artists; artistas reconocidos por sus formas diferentes de interpretar y
exponer el arte contemporáneo.
Propped, como se había indicado, fue subastada en Sotheby’s, elaborada por una
artista mujer contemporánea, batió récord; una obra de arte que alcanza la cúspide del
espacio artístico. Sin embargo, pasó a un segundo plano, fue opacada de alguna manera
por Bansky (Brístol, Inglaterra), considerado como artista urbano y el más afamado
exponente de esta corriente.
Bansky exterioriza de forma artística el vínculo entre arte y sociedad, entre obra y
espectador. Así en la obra Girl With Balloon (2002), la niña representa la inocencia; está
en posición de alcanzar o dejar ir el globo rojo con forma de corazón. La audiencia en
Sotheby’s se inmovilizó cuando al ser subastada por 1,18 millones de euros, y con el
ultimato de venta al golpe del martillo, la obra fue triturada hasta la mitad por una
máquina instalada en el interior del marco por el mismo artista, hecho que desconcertó y
sorprendió no solo al mundo del arte sino a la sociedad en general.
Esta acción del proceso de autodestrucción da origen al nacimiento de una nueva obra
de arte según declaró la casa de subastas. La nueva obra fue renombrada por el autor como
Love is in the bin; el amor está en la papelera. (Bansky, 2018). Muestra su rebeldía e
inconformidad por lo absurdo que hay a la hora de valorar el arte; se valora más el
concepto que la obra en sí y se pone en duda sobre a dónde vamos y cuál es el camino
correcto. Tal como lo indica en "Exit Trough The Git Shop" (2010).
El verdadero matiz de este hecho es la barbaridad a la que está mutando el arte, lo
irracional que representa el hecho de que una obra destruida incremente su precio por
suponer una revolución que vuelve a poner de manifiesto la estupidez humana. Quizás
ahí resida el mérito de Bansky, en mostrar a la humanidad la idiotez que reina en nuestros
días y vender, a pesar de ello, humo a precio de oro (Cultura inquieta, 2018).
Es permisible manifestar que valor económico prima sobre el arte y puede cambiar
radicalmente los valores artísticos. Tal vez se coloca a la función estética en un segundo
plano, condicionado por la pluralidad sociocultural, y de acuerdo con Poli en el texto
Producción artística y de mercado, Jan Mukarovsky expone así:
La obra de arte no es un medio para comunicar algo, sino una entidad que
experimenta un determinado planteamiento en relación con las cosas, con toda la
realidad: la obra de arte no comunica este planteamiento, sino que lo hace brotar
directamente del contemplador (1976: 31).

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 Las obras de Saville y Bansky van de la mano; la temática gira en relación a la
sociedad actual, exponen un discurso conceptual, transitan en el espacio del arte
contemporáneo, entonces por qué buscar diferencias entre los artistas.
Un sinnúmero de preguntas llueven en busca de respuestas sobre qué duplicó el precio
en el mercado de arte; de forma automática e inconsciente se pretende construir un
proceso, un litigio en busca de a quién demandar y a quién declarar culpable. Acaso fue
el happening de autodestrucción como parte del discurso teórico, o la forma en que utilizó
la imagen con distintas variantes: uno, como apoyo a la campaña de los refugiados sirios
(2014) y dos, para las elecciones generales del Reino Unido (2017). La imagen circuló en
el campo político y social y al generar controversia fue retirada; la imagen tiene su
historia, una memoria, trasladándose a la vista del mundo a través del marketing.
La obra de Saville también fue subastada a un precio alto, cumple las normas y reglas
establecidas por la casa de subastas, fue comprada por un coleccionista anónimo y
subastada en Sotheby’s. La intención no es buscar, tampoco encontrar similitudes, lo que
se pretende es considerar el arte sin preferencias de género.
En tal sentido Frederico Seve, galerista, comenta que las negociaciones en arte
prefieren hacerlas con artistas menores a 35 años; y pesar de opiniones diferentes y
predisposiciones adquiridas, es importante presentar de cuán alto ha llegado la mujer
artista.
Carmen Herrera (1915) es la artista cubana contemporánea de más longeva que aún
trabaja. Durante décadas ha trabajado de manera invisible, incursiona en la pintura hard
Edge, pinta formas geométricas planas, son composiciones de líneas rectas, ángulos y
orden en unión de colores simples que proyectan cierta perspectiva. Al momento de crear
piensa en la línea, en formas, también en el papel y luego aparecen imágenes, aspectos
que se perciben en la obra Sin título (1952). El uso y la diferencia de colores opuestos:
blanco y negro, dan origen a otro elemento, a la ilusión óptica. En el artículo “El
descubrimiento de la década” se comenta:
Carmen piensa, dibuja, piensa, cambia y cambia, y vuelve a pensar. Lo destila todo
de una forma casi oriental, en la cual ella dialoga con conceptos abstractos,
reduciendo todo a dos colores, con formas geométricas muy sencillas (Acosta,
2009).
Sus obras manifiestan mucha intensidad, transmiten energía, de cierta manera
espiritualidad; trabaja en base a un cálculo riguroso y matemático. Con un estilo

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mesurado, frugal de estética mínima, se considera como precursora de lo que más tarde
ocurría en el arte, en la pintura. Un claro ejemplo es la obra Blanco y Verde (1966-67) la
que alcanzó los 3,9 millones de dólares en una subasta en Sotheby’s.
Herrera indica que esperó mucho tiempo, pero valió la pena. Las composiciones
salieron a la luz por casualidad, Daniel Palmer, del Fondo de Artes Públicas de Nueva
York, comentó: “Me encanta que por fin se la esté reconociendo y que se la esté viendo
como una figura artística histórica” (2019).
En los últimos diez años el ascenso de Carmen ha sido extraordinario, muchas veces
se le asocia a artistas jóvenes, muchos curadores manifiestan que es el eslabón perdido en
la historia del arte. Nicholas Logsoail, fundador de la galería Lusson, manifiesta como lo
más transcendental escrito con mayúsculas y subrayado; también Katherine Windsor,
directora del centro Miss Porter's manifiesta: “el éxito de la venta de hoy permitirá a
mujeres líderes emergentes formarse en el colegio Miss Porter's y avanzar para contribuir
a dar forma al mundo cambiante” (2019).
La obra de la artista cubana Herrera Blanco y verde se subastó en Sotheby’s por
3.900.000 dólares (EFE/Sotheby's 1-mar.2019), el mayor precio pagado por la obra de la
artista centenaria. Tuvo que pasar mucho tiempo para convencer de que su forma de
expresión artística tiene un valor estético, cosa que no sucedió con artistas reconocidos
como Ellsworth Kelly, León Polk Smith, Frank Stella; a pesar de trabajar en la misma
época con el mismo tema y concepto artístico.

3. CONCLUSIONES
En el Mercado de Arte los acontecimientos pueden resultar caprichosos a la hora de
subastar y consagrar a un artista, como también permitir la destrucción de una pieza de
arte para cotizarla a un mejor precio. En este punto se indaga y como suposición, puede
la obra legitimarse en base a un rubro económico como manifiesta Graw.
Las coordenadas conceptuales sobre la posición del artista en la sociedad
contemporánea, la tendencia, la autoridad institucional, los coleccionistas, la interacción
con el espacio, son parte de la esfera pública del arte que se aplica a los artistas de género
masculino. Es de esta manera que se deja en un segundo plano al artista femenino; antes
de 1950 la mujer artista no podía estar a la altura del artista masculino, soportando una
sumisión forzada, como lo expone Fleck.

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 El valor de la obra posiblemente depende de la percepción estética o del discurso
poético. Es importante considerar como válido la intermediación y la tendencia
consumista. Posiblemente las dinámicas de publicidad funcionan como punto clave en el
Mercado del Arte, aspecto que transforma a la obra de arte en una especie de moneda de
cambio con valor subjetivo y permeada a su vez por imaginarios socialmente compartidos
como la inequidad de género.
El género femenino en el campo artístico ha demostrado que puede expresarse a través
del lenguaje artístico, exterioriza desde otra perspectiva a la sociedad, analiza la relación
con el otro en el cotidiano vivir y lo plantea desde el punto de vista femenino.
Son muchas variantes y conjeturas que se pueden considerar como hipótesis en
relación al papel que desempeña la mujer artista. Así por ejemplo tal vez no encajan en
paradigmas establecidos desde lo heteronormativo, no se ajustan a la corriente imperante
de una época; o es de suponer que, el hecho de ser mujer la condiciona de forma
inconsciente y le impide participar en el perímetro artístico y a su vez esta exclusión se
extiende a otros ámbitos. No se puede dejar de mencionar que a pesar de la evolución de
la diversidad cultural, social, laboral, el género femenino se limita a desarrollarse y
expresarse dentro un mundo utópico dominado por hombres.
Se puede sospechar como una posibilidad interpretativa el hecho que en el espacio
artístico trasciende un pensamiento embebido por las discrepancias de género. O
subiendo de tono las suposiciones, se puede presumir que la competitividad también es
un elemento que genera convenientes prejuicios.
Es importante aclarar que no se trata de una posición feminista, al igual que no
pretendo opacar el arte producido por el género masculino; más bien se intenta reflexionar
sobre la apertura y la posibilidad de abrir espacios donde la participación sea equitativa
para el artista ya sea hombre o mujer. El arte representa a la sociedad pero a la vez la
interpela, la cuestiona y desde sus atributos simbólicos puede contribuir con la subversión
de paradigmas excluyentes.

4. BIBLIOGRAFÍA
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Graw, Isabel. (2013) ¿Cuánto vale el arte? Buenos Aires. Mardulce.

11
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La última peripecia de Banksy ensombrece el... - Cultura Inquieta 10.10.2018
https://www.abc.es/cultura/arte/abci-banksy-retitula-obra-triturada-como-amor-esta-
papelera-201810112022_noticia.html
https://www.lavanguardia.com/cultura/20181011/452302967779/sothebys-confirma-
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https://www.cibercuba.com/.../2019-03-01-u1-e186450-s27061-pintora-cubana-
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3,9 millones de... Publicado el viernes, 1 marzo, 2019 - 14:47 (GMT-5) ...
Las Celdas de Louise Bourgeois - hoyesarte.com Obtenido de
https://www.hoyesarte.com/evento/las-celdas-de-louise-bourgeois/
Louise Bourgeois - Alejandra de Argos
www.alejandradeargos.com › index.php › completas › 32-artistas › 41711...
El canto al dolor de las ‘Celdas’ de Louise Bourgeois toma el Guggenheim Obtenido de
http://www.rtve.es/noticias/20160323/canto-dolor-celdas-louise-bourgeois-toma-
guggenheim/1323400.shtml

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