4.

ARTE DEL SIGLO XIX: ROMANTICISMO, REALISMO Y OTROS

El Romanticismo pretende superar el Neoclasicismo. Es una corriente a la que se llega desde la
desilusión, desde la desesperanza en la sociedad y en el género humano. Esto va a hacer que el
motivo principal de representación sea la naturaleza, y no el hombre. Esta naturaleza representará
los verdaderos estados mentales, con escenarios reales, pero también contextos imaginarios. Va a
ser la responsable de generar un refugio de lo material para el espectador, lejos de la mediocridad y
la desilusión. Por tanto, el género fundamental es el paisaje, como imagen de la espiritualidad
humana.
Nos alejamos de la racionalidad de la Ilustración y pasamos a la irracionalidad. Surge un concepto
fundamental para el Romanticismo, que es lo sublime. Es muy complejo, con muchos puntos de
vista. Los artistas estarán siempre atormentados. Va a ser un estilo muy filosófico, influenciado por
Kant o Hegel.
En resumen, surge a finales del siglo XVIII y se desarrolla en Inglaterra y Alemania como
superación del racionalismo. Posee una visión romántica de la naturaleza, en la que priman los
sentimientos y la libertad creadora.

1. Pintura
EL ANCIANO DE LOS DÍAS (1794), WILLIAM BLAKE
Casa muy bien con la imagen de ese artista atormentado la figura de William Blake, que en su obra
experimenta lo sublime. Para él, también es muy importante la religión y busca un mundo superior,
la divinidad, una realidad suprarracional. Para él, el arte es una revelación, y toda su obra será
entendida en esos términos. En su producción artística siempre hay una lucha entre
el bien (la acción) y el mal (lo pasivo). Genera un nuevo infierno donde esas
fórmulas tienen sentido. Obras cargadas de un fuerte simbolismo. Esta es
conocidísima y es un grabado que muestra a este personaje mitológico desplegando
de sus manos unos rayos, encerrado en un círculo que podría ser el Sol, en un
escorzo. Esa creatividad, casi onírica, va a ser uno de los puntos de referencia
fundamentales de este artista. Nuevas iconografías y contextos, divinización de la
tierra.

EL MONJE FRENTE AL MAR (1808-1810), CASPAR DAVID FRIEDERICH (1774-1840)

Uno de los máximos exponentes de la corriente. Decía que un pintor no debía sólo pintar lo que
veía en el exterior, sino lo que tenía en su interior. Friederich era profundamente creyente, lo que
también se plasma en sus cuadros. Este concepto va a recalar también en mirar dentro de uno
mismo. Influido por la filosofía kantiana (uno ve lo que interpreta de alrededor, no directamente lo
que percibe). Vamos a ver cómo al principio su trabajo es sobrio, aunque luego se manifieste como
un conmovedor de espectadores. Una obra fundamental dentro de su producción es esta. Friederich
rompe con el concepto de paisaje tradicional, al poner la figura de ese monje capuchino frente a la
inmensidad de la naturaleza (poca importancia de la existencia
humana). Este choque de escalas es tan grande que nos habla de la
infinitud de la naturaleza. El Romanticismo omite la narración y da
paso a la contemplación, se quiere que el espectador se conmueva con
la imagen, no que la analice. Es una escena triste, de enorme melancolía
y soledad. Recuerda al perro semihundido de Goya.

EL CAMINANTE FRENTE AL MAR DE NIEBLA (1818)

Este caminante frente al mar de niebla o de nubes representa casi al hombre
elevándose sobre lo humano, yendo más allá de lo terrenal, casi anunciando al
Zaratrustra de Nietzsche. No se ve su rostro, por lo que el espectador no tiene por qué
fijar su atención en él. Le invita a ponerse en su posición. Composición que se
repetirá mucho en su obra. Naturaleza alejada, misteriosa, aislada, que representa
esas emociones y sentimientos, siendo la gran protagonista. Gama fría pero pincelada
que alude a lo afectivo.

EL MAR DE HIELO O EL NAUFRAGIO DE LA ESPERANZA (1823-24)

Calma que sigue a la tormenta. Los trozos de hielo parecen formar una
escalera como una entrada a un lugar sagrado, que sigue siendo la naturaleza.
No hay humanos, aunque sí cierta parte de una popa. Plasma la tragedia del
paisaje, del día a día, desde la quietud, sin una hiperromantización de la
tragedia, sino cierta tranquilidad. Nos recuerda a la muerte inevitable.

LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD, WILLIAM TURNER (1844)

Prepulsor del impresionismo y la abstracción. Es muy cercano a la irracionalidad romántica.
Persigue ese ideal romántico de lo sublimo, con el convencimiento del poder de la naturaleza sobre
el hombre, con una naturaleza emocional. Es una manera de representar algo más allá de lo que no
se ve, justificando los sentimientos en un paisaje que apenas es visible. Cumple a la perfección con
las premisas románticas: grandiosidad y protagonismo de la naturaleza, ruptura tajante con el arte
tradicional, pequeñez humana en relación con los fenómenos naturales. Es una de sus obras más
conocidas. Lo que le interesa es plasmar los efectos atmosféricos, porque son ellos los que traducen
la emoción. Vemos un barco que lucha con el oleaje, no hay apenas líneas definidas, pero se ve una
especie de acueducto al fondo. El paisaje se deshace pero aún no del todo.
Es en el fondo una obra pesimista, como cabía esperar, casi apocalíptica.
Muestra un tren para representar la velocidad, no como un homenaje a la
industrialización, sino como una parte física importante. Consigue el
movimiento y la representación del paso del tiempo y la desmaterialización
de la forma. A partir de la luz deshace los elementos figurativos como el
tren, el puente, etc. Predomina el color sobre el dibujo.

TORMENTA DE NIEVE (1842)

Aún somos capaces de reconocer lo que ocurre gracias al título, pero es
prácticamente una abstracción. Distancia, lejanía que se produce con el
paisaje tradicional para plasmar los efectos atmosféricos. Apenas
hallamos líneas que definan la composición. Nos da la sensación de caos,
angustia, miedo, inquietud, agobio. Parece casi el fin del mundo.

ODALISCA DE ESPALDAS, INGRES

En Francia, el desarrollo de la pintura tiene otra particularidad. Recordemos que había Academias
que controlaban las normas que se debían seguir para construir los discursos artísticos. EN Francia
se partía de la escuela de David, que era el paradigma perfecto del artista neoclásico, que de mejor
forma había contado todo acerca de la revolución y la época napoleónica. Ingres será el último
clásico académico, aunque en sus cuadros habrá ciertas propuestas que se recogerán luego en el
siglo XX. En este cuadro esto se muestra por la forma de los cuerpos, la temática relacionada con
las personas, la predominancia de la línea sobre el color. Hay cierta reacción hacia las normas de la
Academia.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO (1830), DELACROIX

Revolucionó el mundo del color y se aproximó al impresionismo. Delacroix, a diferencia de Turner,
no usaba la memoria sino la invención. Lo sublime aquí está en el instante
inaprensible, del momento que se escapa y no se puede reflejar. Esta es una de
sus oras más importantes, de gran formato. Muestra el pecho en un gesto
reivindicativo. No hay sólo un héroe, sino que lo es todo el pueblo. Plantea
diferentes clases sociales en la indumentaria (burguesía también representada).
La composición se corresponde con una forma piramidal, con un cielo
romántico, de luz irreal, de atmósfera, casi espiritual.

LA BALSA DE LA MEDUSA, GERICAULT (1819)

Intenta también alejarse de la Academia. Hay mucho más movimiento y dramatismo, casi barroco.
Plantea la desestabilización de la composición clásica. Su mirada trascenderá hacia el realismo. Esta
es una de sus obras más conocidas. Adopta también el tema del naufragio, muy propio de esta
corriente. Gericault viajó mar adentro para ver el mar convulso y poder
pintar esta obra. Icono del Romanticismo francés, de gran formato, cuenta
la historia de una fragata que naufragó en la costa de Mauritania.
Corresponde a la posición piramidal propia del Romanticismo francés.
Pincelada suelta y contornos menos definidos, aunque los cuerpos son
reconocibles. Obra totalmente apasionada.

LOCA, GERICAULT (1822)

Representa mucho a gente con problemas mentales, más cercanos a una realidad
que no es la que se puede ver, pero que está presente.

2. Arquitectura
PARLAMENTO DE LONDRES, C. BARRY Y A. PUGIN
Edificio muy horizontal, con torees que imitan las agujas de las
catedrales. Hay una gran restauración del gótico (neogótico)
por toda Europa y América, presente en esta etapa del
Romanticismo.

IGLESIA DE SANTA CLOTILDE, JF. CH. GAU Y T. BALLU

En París, con recursos del Gótico (rosetón, agujas…).

CATEDRAL DE SAN PATRICIO, JAMES RENWICH

Queda asociado el edificio religioso al Gótico. En NY.

Eclecticismo (segunda mitad del siglo XIX)

Tanta cantidad de estilos durante la primera mitad del siglo XIX; hace que al final se llegue a un
eclecticismo en la segunda mitad, incorporando neobarrocos, neorenacentistas, etc., pero siempre
volviendo hacia atrás (historicismo).

TEATRO DE LA ÓPERA DE PARIS, CHARLES GARNIER, 1861-1875

París se renovará en esta época, haciendo grandes boulevards y
edificios como este, reflejo del poder de la burguesía del momento. Se
recupera el lenguaje barroco (como Versalles) al ser un teatro, pero
como es ecléctico, fusiona elementos del clasicismo y el renacimiento
francés e italianos, el rococó, del mundo egipcio… Este edificio,
según Garnier, es de un estilo nuevo, “napoleónico”.

BASÍLICA DEL SAGRADO CORAZÓN DE PARÍS, PAUL ABADIE,

INICIADA EN 1875
Recuerda al arte románico y bizantino, creando un producto nuevo.

PALACIO DE COMUNICACIONES, ANTONIO PALACIOS, 1904-1917

En Madrid. Este es uno de los grandes arquitectos españoles. Reproduce un castillo
medieval con las torres y pináculos. Si nos fijamos en la decoración, nos recuerda al
renacimiento, al barroco, etc.

PALACIO DE FOMENTO, RICARDO VELÁZQUEZ BOSCO, 1884-1893

Recuerda a los franceses la forma de las cúpulas de las torres de los lados. Es
enorme, como todos los edificios de esta época. Recupera el clasicismo
francés, con pabellones y la estética del palacio. Se usa ladrillo, azulejos,
cerámica (materiales de la cultura españoles combinado con el estilo de
Francia).

Arquitectura del hierro y cristal

Además del gusto por lo clásico y medieval, se usan nuevos materiales que no van a estar basados
en el pasado, sino que serán producto de la Revolución Industrial.

BIBLIOTECA GENOVEVA DE PARÍS, HENRI LABROUSTE, 1840-1850

Se usa el hierro y el cristal, cuyas características ayudan a la estructura, pues
las columnas pueden ser finas y hay más espacio. Bóvedas de cañón
metálicas.

BIBLIOTECA NACIONAL DE PARÍS, HENRI LABROUSTE, 1857-1868

Bóvedas como si fueran romanas o árabes, permitiendo entrar a la luz.
PALACIO DE CRISTAL DE LONDRES, J. PAXTON, 1851
Se realiza para la primera exposición universal de Londres, punto de
arranque para que otras estructuras se hagan todas cubiertas de cristal y
con algo de hierro. Cubre el doble de superficie que el parlamento de
Londres y cuatro que la basílica del Vaticano. Edificios rápidos de
construir porque los elementos construidos para la arquitectura son
seriadas gracias a los avances de la tecnología. Este edificio tardó seis
meses en construirse. Se destruyó. Imita el invernadero, hacía calor pero
permitía una gran iluminación.

LA TORRE EIFFEL, GUSTAVE EIFFEL, 1887-1889

Criticado por Garnier, consiguió lo nunca hecho antes: alcanzar 300 metros de altura, solamente con
un esqueleto de hierro. Fue símbolo de la Revolución Industrial.

GALERÍA VITTORIO EMANUELE II, GIUSEPPE MENGONI, 1865-1877

En Milán. Se combinan estos materiales con otros. La ventana es del
Quattrocento, que se combina con fachadas del barroco y la techumbre de
cristal y hierro, combinando estilos y materiales.

PALACIO DE CRISTAL, RICARDO VELÁZQUEZ BOSCO, 1887

En Madrid, estructura combinada con un soporte de piedra que hace de
entrada.

ESTACIÓN DE ATOCHA, ALBERTO DEL PALACIO, 1888-1892

Estas estructuras se usan mucho para las estaciones del ferrocarril,
también surgido en esta era. Se combinan materiales, también con
ladrillo (neomudéjar). Esto se reproduce en prácticamente toda Europa.

Escuela de Chicago (1880-1900)

Surge un grupo de arquitectos nada homogéneo que van a usar otros materiales como el acero, junto
con el hormigón armado y el cemento.
En el caso de EEUU, tuvo un desarrollo importante, siendo Chicago la ciudad más industrializada
en el siglo XIX. Va a haber un momento clave en esta ciudad que será el incendio de 1871, pues las
casas eran de madera. Entonces se realiza su reconstrucción con materiales no inflamables, gracias a
los avances.
Una de las cuestiones importantes será el poco espacio que habrá, por lo que se empiezan a hacer
edificios de forma vertical, con ascensores para acceder a los lugares en alto (origen de los
rascacielos). De ahí la importancia de esta escuela.

AUDITORIUM BUILDING, L.H. SULLIVAN (1887-1889)

Autores de esta escuela con formaciones muy diferentes empiezan a
construir con los mismos materiales y hacia arriba con los avances de la
tecnología. Paralalepípedos ornamentados. Este edificio no es tan alto
como los posteriores. El arquitecto que va a destacar más será Sullivan.
Las partes quedan muy bien reflejadas: una baja (de gris) con un almohadillado, destinado a
comercios; una segunda (lo perfecto según Sullivan) para unas oficinas; y finalmente un ático.
Aparece estos edificios desornamentados, cúbicos, que son un esqueleto que se perforarán con
ventanas de cierta tipología (ventana chicago), apaisada, que consistía en tres hojas, una central fija
y dos movibles.

GUARANTY BUILDING, SULLIVAN (1894-1895)

En Buffalo, con las mismas características, muy geométrico, con un remate
o cornisa en la parte superior y vanos de tipo ovalado que lo diferente del
resto de ventanas verticales. Cuatro pilotes, que son características de Le
Corbusier. Edificio mucho más alto pero decoración normal.

ALMACENES CARSON, SULLIVAN (1889-1904)

Último que hizo Sullivan.

Art Nouveau
Encadena con principios del siglo XX. En cada país recibe un nombre diferente:
- Secession Vienesa (Austria) - Modern Style (inglaterra)
- Jugendstil (Alemania) Modernismo (España)
- Art Nouveau (Francia y Bélgica) - Liberty (Italia)
Arts and craft es otro movimiento vinculado solamente al diseño y a las artes decorativas del que
beberá el Art Nouveau. Está apoyado por la burguesía, sofisticada, culta y adinerada, que fomentará
la implantación de originalidades, buscando la fantasía que no se había localizado en otros
momentos para alejarse del sistema de historicismo anterior, intentando dejar a un lado el pasado.
Distintos profesionales trabajarán conjuntamente en el mismo edificio. Se va a querer dar un énfasis
a la experimentación. El hecho de que haya diversos nombres ya nos indica diferencias entre los
países, no es homogéneo.
Vamos a ver cómo las raíces de este arte estará en el Arts and Crafts, surgido en Inglaterra con
William Morris, que trata de luchar por las consecuencias de la industrialización, ya que todos los
objetos con los que se construyen son ahora industrializados, no artesanales.
También el Art Nouveau se relaciona con lo “femenino”, lo delicado, con aire de romanticismo
inglés. El Modernismo tiene como principal campo de acción la arquitectura, aunque también
aparece en pintura y, menos frecuentemente, en escultura. Vamos a ver un gran uso de la línea
curva, que da gran movilidad. Esto hace que la arquitectura sea prácticamente una escultura
monumental.
Finalmente, veremos la imitación de las formas de la naturaleza, especialmente en el mundo
vegetal, y un poco menos el animal o el humano.

SEDE DE LA SECESSION VIENESA, JOSEPH M. OLBRICH,

(1897-1898)
En Viena. Este grupo mantiene las líneas constructivas rectas, aunque
combinándola con la curva. Tiene una especie de esfera en la parte
superior, que actúa de cúpula. En la decoración sí se usa un poco más la
curva. Uno de los arquitectos que más van a destacar será Olbrich, fundador de la Secession
Vienesa, junto a otros como Hoffman. Esta es precisamente la sede de este grupo de artistas,
incluyendo también a escultores, pintores, músicos, literatos… Actúa también como sala de
exposiciones de lo que hacen (como las obras de Klimt). Aparece un frente apaisado, casi sin
ningún tipo de vano, con un basamento cúbico que tiene cuatro torrecillas, que es donde se encaja la
cúpula, calada completamente, de un material diferente (hierro). Algunos expertos indican que
recuerda a la arquitectura egipcia. Decoración en la puerta de la imitación de la naturaleza vegetal,
en dorado, así como la cúpula, con hojas de laurel.

CASA TASSEL, VICTOR HORTA (1893)

Gran riqueza ornamental, líneas curvas, aunque usadas de
forma suave. Corte mucho más decorativo. Destaca este
arquitecto en Bélgica (el edificio está en Bruselas), que influirá
en otros países de Europa. Se usa el hierro para las columnillas
y las barandillas de los balcones. Predomina una línea suave
combinada con el aspecto estructural de la fachada, que en
España será completamente diferente. El interior está completamente diseñado en todas sus partes.
Curvas en los mosaicos del suelo, recreando lo vegetal, en las columnillas, en las barandillas, en los
mosaicos de las ventanas… No es simétrica, es como un látigo.

ENTRADAS DEL METRO DE PARÍS, HECTOR GUIMARD (1900)

Muy influenciado por Bélgica. En el caso de Guimard, se recogen las líneas
curvas, la decoración de la naturaleza especialmente la vegetal, como si las
columnas tuvieran raíces. Lo combina con paneles cerámicos.

CASTEL BÈRANGER, HECTOR GUIMARD, 1897-1898

Antepechos con cabezas de figuras humanas, con toques
vegetales, sinuosos. Entrada con una cancela decorada. En
el vestíbulo, parece que estamos dentro de un árbol.

LA SAGRADA FAMILIA, ANTONIO GAUDÍ, (1883-1926)

Se da en todo el territorio español, aunque sobre todo en Barcelona. Modernismo
algo diferente, aún con la línea curva, la naturaleza, la estética femenina.
Muchísimo dinamismo, el modernismo más exuberante, llevado a sus límites. Se
deforman las propias fachadas y grupos escultóricos. Destaca por ser el más
fantasioso, gracias a Gaudí, que murió precisamente en 1926, producto de un
accidente de tranvía. Nos recuerda un poco a lo gotico. 3 grandes portales, la
principal (gloria de Cristo) y dos laterales (pasión de Cristo), cuatro grandes torres
de tipo cónico caladas, de 60 metros de altura, aunque iban a ser de 100, hay en
total 12 torres caladas más pequeñas, como los apóstoles. “Estilo chorreante”, al
incorporar el color, la cerámica vidriada en los remates de las torres, dando mayor
vitalidad. Es una iglesia de cruz latina y utiliza arcos parabólicos, donde coloca
formas que nos recuerdan a la naturaleza. En la fachada hay un grupo escultórico
del Nacimiento de Cristo con estilo chorreante, porque parece que cae hacia abajo.
 PARQUE GÜEL, ANTONIO GAUDÍ (1900-1914)
Utiliza en este parque, fruto de su imaginación, escalinatas,
explanadas, diferentes terrazas, todo con muchas curvas y colores,
pequeños pabellones. Coloca chimeneas en dichos pabellones, así
como bancos, etc. Hay una escalinata que lleva a un salón de
columnas bajo una terraza superior con asientos, con cerámicas de
diversas formas y colores. Formas de salamandras en la terraza,
desde la que se ve Barcelona, texturas que recuerdan a la tierra.

CASA BATLLÓ, GAUDÍ (1904-1906)

Lo diseña absolutamente todo, con muchísimas curvas, cinluidas en las columnas,
las ventanas, etc. Las columnas nos recuerdan a esqueletos. Todo queda rematado
con un techo irregular, aplicación de cerámica en la fachada con la línea sinuosa
que va cambiando.

CASA MILÀ (LA PEDRARA), GAUDÍ

Moldea la propia fachada con curvas asimétricas, combinando y
transformando la planta, e incluyéndola también en la decoración, con
ramificaciones que se parecen a hojas.

3. Escultura
A finales del siglo, destaca la figura de Rodin.

LAS PUERTAS DEL INFIERNO, RODIN (1880-1890

Se encuentra en el Museo Rodin. Será importante para su obra el viaje que realiza a
Italia, donde entra en contacto con la escultura de Miguel Ángel y queda
completamente impactado. Es a partir de entonces, cuando esa fuerza expresiva de
Miguel Ángel la toma en su obra. Trata de captar el movimiento, crear acción en los
personajes. Rodin tiene un estilo imponente, sigue prácticamente esa huella del
Renacimiento italiano, aunque lo transforma con su visión. Va a ser un enamorado de
la figura humana, siendo protagonista en toda su obra, así como de la corporeidad, de
la potencia del cuerpo, fundamentalmente masculino. Figuras llenas de erotismo,
también femeninas. En esta puerta aparecen los cuerpos con esa fuerza expresiva que trasciende de
dentro hacia fuera, con un sentimiento anímico, agitados. Los torsos tienen tensiones, se notan los
músculos. Trata de ocultar el rostro de las figuras femeninas, con los cuerpos muy girados. Sus
personajes quedan envueltos por simbologías mitológicas, religiosas, literatas (Dante)… O bien usa
esa calidad pulida y fina (más neoclásica) o una superficie mucho más rugosa con una textura más
abrupta. Usa el mármol, el bronce, la arcilla… También introduce, lo que tendrá un gran desarrollo
en las vanguardias, las oquedades, los huecos entre el cuerpo (como en el pensador). Muy
expresionista. Hay tres figuras representadas en estas puertas (las tres sombras que estaban a las
puertas del infierno en la novela de Dante, el propio autor sentado justo encima de las puertas, y la
escena de Paolo y Francesca abajo a la derecha, cuando el marido ve a Francesca se besa con su
amante). De esta útlima escena saldrá luego El beso.
 EL PENSADOR, RODIN
Muestra a Dante pensativo (la misma figura que se veía en las Puertas del Infierno),
aunque habla más del propio pensamiento, un tema universal. Aparecen oquedades, por
donde entra la luz que combina con la sombra. Los músculos y la tensión de los brazos
son producto de la influencia de Miguel Ángel.

LAS TRES SOMBRAS, RODIN

Las figuras que se veían también en Las puertas del infierno. Podría recordar a las
Tres Gracias o a las obras de Miguel Ángel (Médici). Se utiliza más la superficie
pulida, muy masculados.

EL BESO, RODIN
Se reproduce esa escena entre Paolo y Francesca.

MONUMENTO A BALZAC, RODIN (1898)

Uno de los grandes autores franceses. Hace la cabeza más grande lo normal,
representando la grandeza del genio como tema universal (simbolista).

Pintura del siglo XIX

Contraposición al Romanticismo de la primera mitad del siglo XIX en la segunda mitad. En el
Romanticismo predomina el dibujo, es el mayor representante Louis David. Ahora no hay dibujo ni
rigor, sino que predomina la libertad, el movimiento, sin equilibrio ni orden. Mucho color, pasión y
sentimiento.

LA BALSA DE MEDUSA, GERICAULT (1819)

Gran influencia de Miguel Ángel. Representa un naufragio cuyos
supervivientes tuvieron que estar trece días en una balsa de madera, en
que murió Marat. El que dirigía el barco se salvó y dejó que la mayoría
muriera, lo que fue un escándalo. Drama de la muerte con un episodio
real, nada heroico, con connotaciones barrocas, movimiento, asimetría,
una línea diagonal que atraviesa el cuadro, muerte que impacta. Una de
las figuras nos recuerda al Moisés de Miguel Ángel.

LA MATANZA DE QUÍOS, EUGÉNE DELACROIX, 1824

Se ocupa de temas relacionados con las independencias nacionales o de
revolución, para plasmar una serie de sentimientos. En este caso, el color es
parecido al de Gericault, con un claroscuro casi barroco, la vitalidad de Rubens,
colores potentes a lo veneciano. Se recoge un tema relacionado con la
independencia de Grecia del poder otomano. Muestra que vale la pena luchar
por la libertad. En primer plano aparecen los caídos, moribundos, así como un
personaje turco de gran vitalidad sobre un caballo, mostrando al vencedor.
LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO, DELACROIX
Revolución de 1830. Aparece una de las barricadas de París. Hay dos
niveles, pero la mirada se dirige sobre todo a la alegoría de la libertad, con
una mujer semidesnuda que porta la bandera tricolor, iluminada. La parte
inferior es la de la opresión, la realidad (los muertos que se ocasionan con
el conflicto), y en la superior esa idealización con la alegoría. Si es
necesario luchar y sufrir por la libertad vale la pena. De formato grande.

EL CAMINANTE FRENTE AL MAR DE NIEBLA, FRIEDRICH, 1818

Romanticismo muy diferente en Alemania. Se ejemplifica muy bien con Friederich.
El hombre puede constatar la presencia de Dios, prácticamente. Es un sentimiento
reflexivo que se provoca al colocarlo ante un mar de nubes, una naturaleza abismal
que permite meditar sobre la existencia de Dios. Sus personajes los coloca de
espaldas, en este aso en medio de esa fuerza de la naturaleza, observando el
horizonte, de forma que el espectador pueda identificarse con él.

AMANECER EN RIESENGEBIRGE, FRIEDRICH

Provoca también esa reflexión, esa presencia de Dios.

EL TEMERARIO CAMINO DEL DESGUACE, TURNER, 1838

Romanticismo inglés. Se redescubre el género del paisaje, Turner lo usa
mucho. Con él se eleva a categoría de pintura noble, a la altura de una
histórico o mitológica, ya que antes estaba ligado a otro tema principal.
Precursor del impresionismo. Se distingue aún la línea entre el agua y el
cielo pero esto irá evolucionando.

TORMENTA DE NIEVE Y VAPOR A LA ENTRADA DE UN PUERTO, TURNER

Va a eliminar la figura humana y la sustituye por los elementos de la naturaleza,
el agua, el viento, la tierra, la lluvia… Su tema favorito serán las tormentas,
estudiando cómo la luz incide en estos casos. Mezcla la locomoción, el vapor,
para integrar cómo se difuminan los colores en la agitación de la tormenta. Su
forma de expresar no es tan reflexiva, sino con una forma agresiva de mover los
trazos de pintura, siendo difícil diferenciar sus elementos.

LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD

No quedan claras las formas, lo que impactará a los futuros
impresionistas.

LA CATEDRAL DE SALISBURY DESDE LOS TERRENOS DEL

OBISPO, CONSTABLE
Muy diferente a lo anterior. Esta catedral será retratada muchas veces por
el mismo autor desde diferentes puntos de vista y a diferentes horas del
día, con lluvia, sin lluvia, etc. para ver cómo todo esto quedaba reflejado
en la imagen. Esto se llama “pintura al aire libre”, porque el autor completa la obra al aire libre, no
como Turner, que tomaba apuntes y en casa terminaba la obra. Esto lo pondrán en práctica los
impresonistas. Interesado en los claroscuros.

Realismo (1850-1870 aprox)

Influencia de las corrientes que se estaban dando, como el positivismo y el socialismo utópico. El
positivismo buscaba métodos verificables científicamente. Es contrario al neoclasicismo para
reflejar una belleza absoluta. Plasmar la realidad sin ningún juicio de valor. El artista estaba
preocupado por seguir una función social al reflejar el mundo tal cual. Surge en reacción al
irrealismo e idealización del neoclasicismo y del romanticismo. En la iconografía hay una
preocupación por representar la desigualdad social, el trabajo, los campesinos. Casi se sacraliza el
trabajo.

EL ESTUDIO DEL PINTOR, COURBERT, 1854-1855

Representante de este movimiento, de una personalidad muy arrolladora. Él pintará años antes otras
pinturas, pero es ahora cuando empieza el realismo. Le rechazan las pinturas en una exposición
universal, por lo que monta una con sus obras justo al lado y le coloca un cartel en el que pone “Del
realismo”, con un panfleto en que explica que él quiere ser individual como artista, reflejando las
ideas de su época de esta forma. Busca que el arte sea algo vivo, sin buscar nada en lo anterior. Es
en verdad una alegoría (“alegoría real de 7 años de mi vida
artística”), con un ambiente de cómo surge esta pintura. Aparece
Coulbert sentado pintando un paisaje, vemos cómo si el arte fuera
el resultado de esa observación natural. A la derecha están los
amigos de Coulbert, artistas, literatos, poetas. A la izquierda, el
mundo que está fuera del artista pero que es el real, el de los
opresores y oprimidos.

ENTIERRO EN ORNANS, COURBET 1849-1850

Entierro de una persona anónima. Refleja un tema real que sucede en
cualquier parte del mundo, un aspecto más de la vida cotidiana. Refleja
de forma fiel los retratos. No se busca la trascendencia de un momento
histórico.
LOS BAÑISTAS, COURBERT
Esta obra obtuvo una gran polémica. Baudelert estaba en contra de la burguesía
falsa llena de prejucicios. Courbert aquí toma una fotografía para copiar un
desnudo real, sin ningún tipo de idealización (por eso fue un escándalo).
Además, sale delante de otra mujer, lo que dio que pensar una relación íntima
entre dos mujeres. La idea que tenía el autor era provocar. Hay un biinomio
entre la naturaleza y el cuerpo de la mujer para mostrar la realidad.

EL ÁNGELUS, MILLET 1859

Pintor por excelencia de los campesinos. Dos personas de condición
humilde que cultivan la tierra y deciden pararse cuando suenan las
campanas de la iglesia para el ángelus. Nada subjetivo. El pintor le da gran
protagonismo a las figuras también con el sol resplandeciente y el
horizonte bajo, que los engrandece.
 LAS ESPIGADORAS, MILLET 1857
Se sacraliza ese trabajo, sin dolor, sin sentimiento, es un trabajo que tienen
asumido y que hacen diariamente sin quejarse.

EL VAGÓN DE TERCERA CLASE, DAUMIER

Quizá el más comprometido con las clases más bajas. Los potencia,
asociándolo al progreso, al ferrocarril. La cara del hombre con el cesto
parece indicar que tiene asumido su rol social.

LA LAVANDERA, DAUMIER 1863

Queda reflejado un poco más el esfuerzo. Factura un poco más avanzada. Aparece
una madre y una hija subiendo unas escaleras fatigadas tras lavar la ropa en un
arroyo. Busca el anonimato de las figuras con las caras distorsionadas, sin ningún
drama.

Los prerrafaelistas
El nombre viene porque creen que la espiritualidad de los autores anteriores a Rafael es donde se
encuentra la verdadera esencia de la belleza, que se empieza a dañar después de surgir esta figura.
Surgirán líneas diferentes dentro del mismo grupo, por un lado habrá una evolución hacia un
esteticismo que intentará valorar la belleza por sí misma, por encima de lo natural, más allá de lo
existente.
Se incluyen Thomas Walner, William Michael Rosetti, Gabriel Rosetti, etc. Este grupo quiere dar a
conocer sus ideas e inician una publicación en una revista de arte y poesía que fracasa por la falta de
venta, aunque consiguió que se conociesen sus propuestas vanguardistas. Gracias a los
prerrafaelistas, en el siglo XIX se favorece la vinculación de la pintura y la poesía (aesthetic),
aunque no son los primeros que hacen esto.

EL PRADO ARBOLADO, ROSETTI

Se buscan las ideas medievales de antes, con la búsqueda del naturalismo, que
se estaba perdiendo con la industrialización. Aprovechan el arte para hacer
crítica del arte oficial. Aprovechan las ventajas de la cámara fotográfica, ya
que buscan un realismo. Por un lado, encontramos a los artistas que se centran
en el realismo y en el detalle, y por otro, a autores mucho más líricos, con una
idea de poesía plasmada en el arte (Rosetti, entre otros). La sociedad
industrial en esta época lo es todo, y ellos quieren volver a lo medieval, con
un romanticismo moralista.

ECCE ANCILLA DOMINI, 1850, ROSETTI

El modelo de Virgen fue su hermana. Parece asustada o desconcertada, como si
estuviera enferma o preocupada por el anuncio del ángel.
LA DIVINA INFLAMA, SERIE DE PIGMALIÓN, EDWARD BURN JONES Y LA ESCALA DE
ORO
Busca la idea de lo lírico. La Divina Inflama pertenece a la serie de Pigmalión. La Escala de Oro la
realiza en su última etapa.

LA JOVEN CIEGA, MILLAIS

Vive en 1829-1896. Minuciosidad, realismo, detallismo. La joven ciega nos aporta
sensibilidad, pero con maestría, a través de la joven que no ve, con los brazos caídos,
manteniendo un acordeón sobre su regazo.

OFELIA, 1852, MILLAIS

Basado en la historia de Hamlet. Ofelia estaba recogiendo flores en un árbol, cayó y murió en un
lago. Esta es la interpretación de Millais de la escena. Plasma la literatura con cierto romanticismo.

LA LUZ DEL MUNDO (1854), 1827-1910, WILLIAM HOLMAN HUNT

Recuerda a los pantocrátor, del período providencialista. Hunt estuvo en Siria,
Palestina, conoció sus paisajes, costumbres, vestidos, etc. y lo plasma en sus obras
(Jesús era de ahí supuestamente).

CHIVO EXPIATORIO, WILLIAM HOLMAN HUNT

Nos al protagonista en pone un plano principal pero el paisaje da
mucha profundidad, casi nos invita a ver qué hay en las montañas.

HALLAZGO DE JESÚS EN EL TEMPLO, HUNT

EL TRABAJO, 1852, MADOX

Tiende un puente entre los pintores continentales y la religiosidad de los
prerrafaelistas. En El trabajo, hace un cántico al poder que tiene el hombre
para transformar la realidad.
EL ÚLTIMO DE INGLATERRA, 1855
Alegato contra el drama de la inmigración.

El simbolismo
Período de crisis estética, intelectual, moral… Arte denominado Art Nouveau, en el que destacarán
en la literatura Oscar Wilde o Rubén Darío. Forman parte también del simbolismo. En Francia,
destaca Puvis de Chavannes.

EL SUEÑO, PUVIS DE CHAVANNES

Nos recuerda a los murales del Renacimiento italiano. Aportan un
simbolismo melancólico.

SALOMÉ, GUSTAVE MOREAU

Gran diferencia con Chavannes, temas más sangrientos, enigmáticos. Se aprecian con
un fondo de claroscuros. Influyó mucho al surrealismo.

SALOMÉ, GUSTAV KLIMT

En Viena. Temas apasionados, eróticos. Se presentan sus obras sobre fondos dorados.
Utiliza el efecto de las teselas (mosaico de terracota). Genera incurvaciones de los
cuervos.
 5. EL IMPRESIONISMO (1874-1886)
Tiene lugar en Francia un gran cambio de paradigma. Hacia 1874, un grupo de pintores empiezan a
reunirse en un café muy conocido de París (Gervois), será allí donde compartirán inquietudes, todas
ellas encaminadas hacia la búsqueda de una nueva forma de crear, especialmente en pintura. Su
objetivo era organizar exposiciones privadas, ya que su estilo no era aceptado en los salones
oficiales. Crean por tanto, una sociedad anónima de artistas para organizarlas.

El Impresionismo se basa en algunas aportaciones científicas del siglo XIX:

1. Teorías de los Colores Complementarios y Ley del Contraste Simultáneo del físico
francés Chevreul. Crean el método de división del color. → Los pintores, hasta ahora,
mezclaban los colores en la paleta antes de llevarlos al cuadro. Ahora no se mezclan en la
paleta, sino que se utilizan el amarillo, el rojo y el azul en el lienso para que sea con la
propia visión con la que se mezclen los colores (p.e. desde cerca se ven líneas de amarillo y
rojo, pero de lejos, se ve naranja). Para ello, las pinceladas eran cortas y ágiles, de tal forma
que se fusionaran los colores en la retina del ojo. También se usan los colores secundarios
(naranja, verde y violeta), así como la mezcla de complementarios.
2. Teorías de la luz → Buscarán plasmar el efecto que la luz provoca en un entorno a
diferentes horas del día, variando la tonalidad, los reflejos y las sombras que crea.
3. Los descubrimientos de la fotografía. → Tendrá influencia del realismo de las cámaras, así
como de los grabados japoneses.

IMPRESIÓN SOL NACIENTE, MONET, 1872

El grupo nace con una exposición concreta en el estudio de un fotógrafo. Es
allí donde se presenta el famoso cuadro de Monet, “Impresión, sol naciente”,
que pese a recibir un aluvión de críticas, fue paradigmático para el arte de
esta época, que recibió, por ello, el nombre de Impresionismo (al principio,
de forma despectiva). El naranja del surge de lo explicado anteriormente, al
aplicar rojo y amarillo en el lienzo. Se usa su complementario, el azul, dando
contraste. Veremos cómo se revaloriza también el tema vanal, sin ningún tipo de trascendencia: no
se pinta sobre historia, mitología, sino sobre temas que no son importantes. Se cultiva mucho el
paisaje, rural o urbano. Se hace “arte por el arte”, sin buscar ningún objetivo con él. Los
impresionistas no marcan el contorno, que se desdibuja, como trazos sin terminar. Se entiende lo
que se ve, pero no lo perfilan. Pintura “plein air”, al aire libre, como hacía Turner. Influirá mucho
en Renoir.

REGATAS EN ARGENTEUIL, MONET, 1872

En Monet será muy frecuente pintar el agua, por los reflejos de la luz que
crea. Aparecen todas las características mencionadas.

LAS AMAPOLAS, MONET, 1873

Se desmaterializa totalmente el contorno, de forma que si nos acercamos
sólo vemos manchas de color, pero si nos alejamos vemos perfectamente
los contornos. Tema sin trascendencia. Lo importante es el paisaje, siendo
la figura humana secundaria.
LA ESTACIÓN DE SAINT-LAZARE, MONET
Influencia de Turner. Esta serie sirve de pretexto para hacer una instantánea y destacar el momento,
cómo se fusionaba todo en aquel clima, muy diferente al francés.

SERIE LA CATEDRAL DE ROUEN, MONET

Obsesionado por captar los cambios de la luz en la catedral. Todas están realizadas desde el mismo
lugar.

SERIE LOS NENÚFARES, MONET

Inicia a pintar ninfeas y nenúfares a partir de 1895, en el estanque
cercano a donde pasó los últimos días de su vida. Realizó más de 200
cuadros sobre el tema.

ALMUERZO EN LA HIERBA, MANET, 1863

Manet suele considerarse preimpresionista. Tuvo contactos con Renoir
y fue muy avanzado para su época, aunque no fue impresionista hasta
el final. Sigue unas características que no se corresponden con este
movimiento. Más precisa. Practica más el impresionismo en el paisaje,
mientras que las figuras o el bodegón son propiamente realistas. Los
hombres mantienen una conversación, vestidos, mientras que la mujer
está desnuda (podría ser una prostituta), mira al espectador, “separándose” de los hombres.

OLYMPIA, MANET, 1863

Contraste en la pintura, con el blanco de la figura femenina y el negro
del fondo, la doncella y el gato sobre las sábanas. Vamos a ver cómo
habrá referencias a los grandes pintores, como a la Venus de Tiziano.
Esta mujer era realmente una prostituta conocida, a la que pinta como
una Venus, lo que causó mucha repercusión, buscaba la provocación.
 EL FUSILAMIENTO DEL EMPERADOR MAXIMILIANO, MANET,
1868-1869
Influencia de los fusilamientos del 2 de mayo de Goya, a quien admiraba
mucho. Contraste. Se utiliza una pintura muy plana en las ropas de los
soldados (característica propia suya).

CONCIERTO EN EL JARDÍN DE LAS TULLERÍAS, MANET, 1862

Refleja a toda la sociedad.

UN BAR DEL FOLIES BERGÈRE, MANET, 1881-1882

Camarera ensimismada. Ya se ven ciertas notas de impresionismo, en los
elementos decorativos del vestido, pero también en el fondo, que es el reflejo
de un espejo.

LE TUB O LA BAÑERA, EDGARD DEGAS, 1886

Destaca la figura humana. Gusto por pintar interiores (diferente al
impresionismo). Pincelada rápida. Cultiva la línea, alejándose así también
del impresionismo, aunque expuso sus obras con los impresionistas.
Veremos cómo en este caso, la característica más diferenciadora es que no
tiene en cuenta la luz natural, y el hecho de practicar tanto el dibujo. Buscará
captar el movimiento (se acerca al impresionismo). Encuadres muy
atrevidos, uso del picado (influencia de la fotografía). Interés por captar
momentos íntimos de la figura femenina.

EL DESFILE, EDGARD DEGAS, 1866-1868

Movimiento conseguido en dos grandes temas: carreras de caballos y
bailes. Aquí la figura tiene cierto contorno, aunque hay otras en
movimiento (caballo del fondo).

MÚSICOS EN LA ORQUESTA, DEGAS

Influencia de la fotografía en el hecho de que deja “cortada” a las figuras, que no
caben en el encuadre. El ballet será para él un tema que le sirva para plasmar
movimiento, con figuras sutiles, con la levedad de la danza para mostrar una dulce
feminidad, ligereza de los ropajes.

LA CLASE DE DANZA, EDGARD DEGAS, 1871-1874

Aquí no hay tanto movimiento, pero muestra las figuras elegantes de la
feminidad.
L’ETOIL O LA ESTRELLA, DEGAS
Aquí si refleja todas esas características, con el movimiento, con el picado, en un
exterior, creando con los tules de la falda la figura, desapareciendo el contorno.

BAILARINA BASCULANDO (BAILARINA VERDE), DEGAS 1877-1879

Consigue difuminar la pintura. A pesar de eso, no divide los colores, utiliza los colores
ya mezclados en la paleta.

EL COLUMPIO, PIERRE-AUGUSTE RENOIR

Aunque también pinta figuras humanas, le importan más los paisajes, la luz, los
escenarios al aire libre. Capta la filtración de la luz por las hojas de los árboles. Hace
referencia al rococó en el tema del columpio. Será el pintor de los temas
intrascendentes. Tiene algunos interiores. Tiene mucho gusto por los temas alegres,
trata la figura femenina con mucho encanto, con sonrisas amables, mejillas
sonrojadas…

LE MOULIN DE LA GALETTE, RENOIR

Escena cotidiana, apacible, en la que los personajes charlan, toman copas
de vino, bailan, momentos muy banales. Utiliza este pretexto para
entrenar y plasmar los efectos de la luz, que en este caso también se filtra
de los árboles.

EL ALMUERZO DE LOS REMEROS, RENOIR

El pretexto es una comida con los amigos, alegría. Color de carne
rojizos, sonrojados,e especialmente en las mujeres.

NADADORES, JOAQUÍN SOROLLA, 1905

Pintura que bebe del impresionismo, aunque se diferencia de él por aspectos como el clima. En
España, Sorolla será la gran figura de esto. Aquí no hay tanta gradación
de cuatro estaciones, sino que pasamos más de un verano a un invierno
que no permite practicar un impresionismo tan puro, con un estudio tan
concreto de la luz. Esta corriente surge en la parte del Levante, donde el
Sol no tiene variaciones durante el día. Se tratará del movimiento del
luminismo. Trazos más largos, línea más continua. Pintor de la vida
cotidiana, al aire libre, en las costas.

EL BAÑO DEL CABALLO, JOAQUÍN SOROLLA, 1909

Agua clara, muchos contrastes en la luz. Largos continuos, prolongados
y curvos.
 PASE A ORILLAS DEL MAR, SOROLLA
La luz, muy potente, hace que una parte de las caras estén muy iluminadas y otras
muy oscuras, así como la sombra que provoca el paraguas. Sombras muy
contrastadas.

NIÑOS EN LA PLAYA, SOROLLA

Aparece esa línea movida que define la arena y el agua, así como sus
cambios. Parece que hay un contorno, pero en realidad está hecho con
las tonalidades aplicadas. Se consigue gracias a los cambios de sol.

NEO-IMPRESIONISMO (TAMBIÉN LLAMADO DIVISIONISMO Y PUNTILLISMO,

HACIA 1884)
Este grupo de artistas serán amigos de los impresionistas, aunque se dan cuenta de que este
movimiento no llega a más. Deciden crear otra sociedad, la de artistas independientes, que
expondrán en el salón de los independientes (influencia del salón de los rechazados). Crearán algo
un poco diferente. No se separa completamente del impresionismo, aunque se le intenta dar una
base más estricta y marcada.

EL BAÑO EN ASNIÈRES, GEORGE SEURAT

En vez de trazos cortos, ahora se realizan pequeñas manchas (puntos).
Esto hace que se llegue a una mayor geometricidad.

UNA TARDE DE DOMINGO EN LA GRAND JATTE, SEURAT

Nada de movimiento, mucho más equilibrio. Se sigue pintando al aire
libre. Se podría considerar que es más intelectual, por el control de cada
punto. El que inaugurará este estilo será Seurat.

RETRATO DE FÉLIX FÉNEON, PAUL SIGNAC

Usa colores mezclados en la paleta, los puntos son más largos, más
rectangulares, menos minuciosos que en Seurat.

EL PUERTO DE MARSELLA, PAUL SIGNAC

Le preocupará las pinturas de los puertos, donde reproduce sus
características (pintura minuciosa pero alejada de Seurat).

POSTIMPRESIONISMO (HACIA 1886)

Este nombre se inventa después de que sus artistas fallecieran. Surge al mismo tiempo que el
Neoimpresionismo y del mismo estilo, el impresionismo. Cada pintor tomará un camino diferente,
serán heterogéneos. Lo que va a unir a este grupo será el interés por recuperar la forma, el dibujo y
el volumen que se había perdido en el impresionismo. Antecedentes del cubismo, expresionismo,
fauvismo… Toda una serie de vanguardias históricas del siglo XX.
Sirve de enlace y avance hacia el siglo XX.

RETRATO DEL ARTISTA, VAN GOGH

Van Gogh centrará su obra pictórica en los últimos años de su vida, tras un
cúmulo de circunstancias personales. Fue una persona profundamente religiosa.
En los últimos 10 años de su vida sufrió una enfermedad, y fue entonces
cuando lleva a cabo su obra, especialmente entre 1887 y 1890, en su estancia
en Arles. Pinta a los campesinos, plasmando la condición social más baja. Se
influye mucho de la vitalidad, movimiento y exhuberancia cromática de
Rubens. Se traslada a París con su hermano Theo, donde descubre la pintura
impresionista. Más tarde, se aleja a un sitio más tranquilo por el bien de su salud mental, hacia
Arlés, en la Provenza, donde pasará los últimos tres años de su vida. Características generales (y
muy bien reflejadas en esta obra): pincelada larga y movida, enérgica y muy nerviosa y tortuosa
(por sus problemas mentales); color exaltado, muy llamativo, destacando el amarillo; uso del color
como vehículo para transmitir sentimientos humanos de su propio mundo interno (soledad, tristeza,
desesperación…), carácter expresionista; pintura muy empastada, restregada por la superficie del
lienzo.

LA HABITACIÓN DE ARLÉS, VAN GOGH

Etapa de mayor cantidad de producción. Encuentros y desencuentros
con Gaugin (se pelea con él, y luego arrepentido, se corta la oreja).

LOS GIRASOLES, VAN GOGH

Pinta 5 girasoles. El amarillo como color llamativo que plasma en su pintura.

LA NOCHE ESTRELLADA, VAN GOGH

Colores potentes oscuros, tristeza, mundo interior convulso, por las frustraciones que finalmente le
llevaron al suicidio.

LA IGLESIA DE AUVERS-SUR-OISE, VAN GOGH

Línea nerviosa, movida que define el trazo largo y color oscuro, triste.

SERIE “LOS JUGADORES DE CARTAS” CÉZANNE

Su pintura es la síntesis y el resumen de la forma geométrica. Cézanne busca
la pintura como experimentación, sin sentimiento ni transmitir algo social,
sino para avanzar técnicamente. Construye la realidad con tres recursos: la
geometría, el color y el dibujo. Serán importantes el cono, la esfera y el
cilindro, aplicando el color para conseguir volumen. Es precursor del
cubismo. Sencillez compositiva. Pintura de un gran constructivismo
geométrico (precursor también del movimiento constructivista). Sus cuadros
son como una unidad estructural, con un orden garantizado.
MANZANAS Y NARANJAS
Busca el volumen con el color. Practica la geometría.

LOS GRANDES BAÑISTAS, CEZANNE

Composición equilibrada, las líneas horizontales se rompen con las verticales.
Colores planos. De su última etapa. Síntesis y esencia de las formas geométricas.

CRISTO AMARILLO, PAUL GAUGUIN

Si Van Gogh utiliza el color como gran protagonista y Cézanne la geometría,
Gauguin usará la esencia del color para recuperar la forma que se había perdido
con los impresionistas. Gauguin tuvo también una vida turbulenta. Dejó un trabajo
estable para dedicarse a la pintura. Predomina la línea curva. Es un pintor que
también utiliza el símbolo y la alegoría, aunque busca lo más simple. Es muy
religioso y se traslada en 1886 a la Bretaña, porque es allí donde ve que la fe forma
parte de los campesinos. Entiende el arte como una actividad religiosa que le
impulsa a buscar la sinceridad en el ser humano, que se había perdido con el
progreso material de las ciudades. Utiliza en muchas ocasiones el color arbitrario,
como el amarillo para la piel.

MUJERES DE TAHITÍ, GAUGUIN

Viaja a la polinesia francesa, donde los nativos tienen una vida
completamente diferente y bsuca esa sinceridad que se había perdido en
el mundo occidental. Reproduce continuamente este mundo en su
pintura, con los nativos descansando. Pintura estática, muy pasiva,
donde los nativos conversan, comen, llevando a cabo una vida apacible,
que es la que buscaba él.

AREAREA, GAUGUIN
El color reconstruye la forma y el volumen. Colores arbitrarios, muy vivos
(rojo para el camino). Personajes estáticos.

¿DE DÓNDE VENIMOS? ¿QUIÉNES SOMOS? ¿ADÓNDE VAMOS? GAUGUIN

Los nativos viven de forma apacible, pasiva, no contaminada del progreso material. Color
arbitrario, con pieles amarillas.
BAILE EN EL MOULIN ROUGE, TOULOUSE-LAUTREC
Síntesis y esencia del dibujo y la línea, siendo un gran dibujante, lo que
caracterizará su obra. Nace de una familia acomodada. De pequeño sufre
dos grandes caídas de un caballo, que le producen una cojera
permanente. Tenía una enfermedad ósea. Esto hace que sea una persona
de reducida movilidad, si bien su pintura reflejará todo lo contrario: gran
movimiento. Se siente muy influenciado por Degas. Sobre todo
representa bailes nocturno, cabarets, teatros, etc. Pinta de forma digna a
toda esa gente con la que él se relacionaba constantemente, de forma humanizada, sin prejuicios.

SALÓN DE LA RUE DES MOULINS, TOULOUSE-LATUREC

Colores vivos.

LA INSPECCIÓN MÉDICA, LAUTREC

Sería muy criticado en la época por representar de manera normal este tipo de escenas. El
médico tenía que inspeccionar rutinariamente a estas mujeres. Lautrec murió de Sífilis.

CARTELES, LAUTREC
Será muy importante por hacer carteles, gracias a su habilidad por el dibujo, que será rápido,
mostrando el movimiento. Con los avances del mundo publicitario, hace esto. Se inspira en los
gráficos, en las estampas japonesas. Refleja a una cabaretera muy famosa del París nocturno, a
quien representó muchísimas veces.
 MODERNISMO
JUDITH, KLIMT
Se dedicó fundamentalmente a la decoración, gran influencia simbólica
(simbolismo). Utiliza a los personajes bíblicos y les da un carácter provocador, de
“mujeres fatales”. Connotaciones eróticas, con carácter orientalista a través de
influencias bizantinas. Visita la Iglesia de San Vitale, quedando fascinado por los
mosaicos que aplican el dorado constantemente. Representa de forma muy realista a
las personas, pero el resto lo hace con formas geométricas y sobre todo con dorado,
lo que aplana la obra.

JUDIT II, KLIMT

Muy realista el cuerpo y la cabeza, pero el resto muy aplanado. Utiliza para los trajes
formas geométricas. Rellenados con diversos colores.

MURALES DEL PALACIO STOCKET, “EL ÁRBOL DE LA VIDA”,

KLIMT
También realiza pintura mural. A la izquierda mujer oriental que representa a
la expectación, a la curiosidad. Al otro lado, la satisfacción, con un hombre y
una mujer que se abrazan (después se hará El Beso, muy similar). Aplica en
los ropajes esas formas geométricas.

RETRATO DE ADELE BLOCH-BAUER, KLIMT

No hay perspectiva ni profundidad. Rostro muy realista. Riqueza ornamental.

EL BESO, KLIMT
Recoge las características mencionadas.