podemos ver que desde la antigüedad, la humanidad ha recurrido a la creación de imágenes, esculturas, pinturas,

grabados, etc., para tratar de explicar de una manera sintética la realidad en la cual se vivía, sus pensamientos y
emociones, al grado que muchos de los primeros lenguajes fueron pictográficos, visión que fue cambiando en el
siglo XIX.
Ahora bien como pudimos ver en la Historia de la Fotografía el proceso, descubrimiento
y consolidación paulatina de la cámara fotográfica se inicia a partir del siglo IV a.C. con el estudio y control de
la luz y posteriormente con los primeros indicios para la fijación de la imagen proyectada en 1777 y en 1826
con la primera fotografía permanente, entonces podemos decir que la fotografía ha nacido de la ciencia y
posteriormente alimentada por el arte.

En resumen, la fotografía ha evolucionado desde sus inicios como una ciencia hacia una forma de arte que
combina habilidades técnicas con creatividad. Es un medio poderoso para expresar emociones, contar historias
y documentar el mundo que nos rodea.
Su invención fue uno de los elementos definitorios en este sentido: si una máquina en pocos segundos
conseguía resultados más reales, verídicos y perfectos que los que un hombre lograba tras enormes esfuerzos
con pinceles y mezclas de pigmentos...
Sin embargo hasta el día de hoy existe una pregunta que se mantiene latente como
el día en que se la hizo:
¿la fotografía es arte ?
La fotografía nace del deseo imperioso del ser humano por retratar el mundo que le rodea. Las intenciones
artísticas vinieron después, y fueron llegando a medida que la tecnología en la fotografía avanzaba.
Gracias a la fotografía se han podido desarrollar también otras artes como el cine que comparte con la fotografía
mecanismos muy similares.
Los avances fotográficos han servido para hacer evolucionar al cine, y viceversa., con la llegada de las Réflex
que graban vídeo digital en HD, podría decirse que han quedado aún más unidas.
Pero no solo el cine se ha beneficiado de la fotografía para evolucionar, sino también otras artes, movimientos
pictóricos como el abstracto...
Pintura abstracta Fotografía abstracta o el minimalismo también han tenido su reflejo en la fotografía.
Por ejemplo un cuadro pintado, resultado de un largo proceso aditivo y creativo, fue reemplazado por un rápido
proceso óptico, químico y mecánico de formato restringido por una lente, cuyo resultado eran imágenes blanco
y negro y a color dependientes de la iluminación.
Debido a esto se reconoció el peligro que la fotografía representaba para la pintura.
La cámara, como el pincel y el lienzo o el cincel y el mármol, se ha convertido en una herramienta
imprescindible para que muchos artistas expresen sus ideas, emociones y puntos de vista.
Y como en todo arte contemporáneo lo importante son los conceptos los cuales deben ser claros y únicos,
incluso muchas veces sobreponiéndose a la técnica.
Una vez que hemos podido conocer este proceso histórico y evolución del arte, se puede afirmar hoy en día, que
la fotografía está considerada un arte.
Ahora veremos algunos exponentes que nos ayudaran a tener conceptos más claros sobre la fotografía vista
como arte.
Fotógrafos Artista

Man Ray (1890 - 1976)

Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte
de su carrera en París. Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista.
Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también
fue un reconocido fotógrafo de retratos.

Henri Cartier-Bresson (1908 - 2004)

Henri Cartier Bresson, fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el
padre del foto reportaje.
Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de
sus «imágenes a hurtadillas».
“La fotografía es el arte de la luz, la pintura es el arte de la línea y el color. El fin es el mismo, pero el medio es
totalmente distinto.”

“...el dibujo y la fotografía parten de un mismo

punto: el acto de mirar; luego el dibujo es una
elaboración de la realidad, y la fotografía un
momento supremo capturado en un solo
instante.”

Don Hon-Oai (1929 - 2004)

Don Hong Oai fue un artista chino que nació en Cantón (China), aunque vivió la mayor parte de su vida en
Vietnam y en San Francisco. De niño en Saigón trabajó de aprendiz en un estudio de fotografía, siempre
dándose tiempo para viajar y aprovechar su enorme talento para retratar paisajes.
Sus planteamientos estéticos se encuentran próximos al Pictorialismo al utilizar tonos sepia y abordar temas
tradicionales chinos aunque ofrece una visión muy personal de los paisajes del extremo oriente.
“Cualquiera puede hacer una buena fotografía en China, pero quiero hacer las cosas de manera diferente.”
“No habría ningún valor si fueran todas iguales. Lo que le da valor a mis imágenes es que nadie más puede
hacerlo”.

Margaret Bourke-White (1904- 1971)

Margaret Bourke fue una mujer con un carácter firme y emprendedor. Nacida el 14 de junio de 1904 en el
Bronx, Nueva York.
Heredó de su padre, ingeniero y fotógrafo amateur, la pasión por la fotografía y la admiración a las grandes
construcciones de la ingeniería.
“...ver el mundo, la vida, presenciar los grandes acontecimientos, mirar los rostros de los pobres y los gestos de
los orgullosos..., ver y tener el placer de ver; ver y ser
sorprendido; ver y ser instruidos”.

Sebastião Salgado (1944)

Sebastião Salgado es un fotógrafo socio documental y foto reportero brasileño nacido en Aymorés (Minas
Gerais).
Es considerado como uno de los mejores fotógrafos de los comienzos del siglo XXI. Ha recibido numerosos
premios internacionales, entre otros en1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
“Hice todo tipo de fotografías y un día, sin saber por qué, estaba involucrado en la fotografía social”.
“No vas y tomas una foto. Vas a construir una historia. Al final de cuentas creo que los fotógrafos
documentalistas somos gente a la que nos gusta contar historias.”
“La fotografía está acabando porque lo que usted ve en Instagram o en el teléfono
móvil no es fotografía”.
“La fotografía es un objeto materializado que usted imprime, usted tiene, usted mira”.
“Más que nunca, siento que solo hay una raza humana, más allá de las diferencia de color, de lenguaje, de
cultura y posibilidades de cada individuo, son idénticos”.

Ansel Adams (1902 - 1984)

Ansel Adams fue uno de los mejores fotógrafos paisajísticos del S.XX. Conocido, sobre todo, por sus
espectaculares fotografías de Yosemite, lugar al que le dedicó toda su carrera y que luchó por proteger durante
toda su vida.
Adams también es célebre por idear lo que se conoce como el sistema de zonas, un proceso de exposición y
revelado que le permitía obtener unas fotografías de
una riqueza tonal realmente impresionante.
Ansel Adams siempre será conocido por ser uno de los grandes maestros de fotografía de paisaje. Experto en el
control de la exposición fotográfica y revolucionario en el revelado de las fotografías, fue además un gran
profesor y autor de los libros de divulgación de técnica fotográfica más importantes del siglo.
En 1979 fue portada de la revista Time y el MoMA (Museum of Modern Art) acogió una exposición
retrospectiva. En 1980 obtiene la medalla presidencial a la libertad en la Casa Blanca, el honor más importante a
un civil.

Chema Madoz(1958)
Sus fotografías están hechas con cámaras analógicas, en blanco y negro y en su mayoría usa el formato
cuadrado.
El color no le aporta nada, por lo que decidió prescindir de él. Su estilo es minimalista y la ausencia de color
ayuda a conseguir esta sencillez.
Sus creaciones son imágenes simples. Con la sencillez y
perfección de la técnica transmite mensajes impactantes, que invitan al espectador a echar una segunda mirada,
y una tercera..

Fan Ho (1931 – 2016)

Fan Ho nació en Shanghai en 1931 y emigró con su familia a Hong Kong
en 1949.
Ho comenzó a fotografiar desde muy joven con una Brownie que su
padre había dejado en casa, y más tarde con una cámara réflex Rolleiflex de doble lente que su padre le regaló
cuando tenía 14 años.
... Siempre he creído que cualquier obra de arte debe surgir de sentimientos y
comprensiones genuinas... No trabajé con ningún propósito.
Como artista, sólo buscaba expresarme. Lo hice para compartir mis sentimientos con el público...
"Sombra que se acerca", 1954 fue una de las obras más famosas de Ho. Simboliza que "su juventud se
desvanecerá" ya que "todos tienen el mismo destino". Una copia de "Approaching Shadow" se vendió por una
cifra récord de 375.000 dólares.
"“Siento que la técnica no es demasiado importante. Es más importante usar los ojos, la mente y el corazón...”

Steve McCurry (1950)

Nacido en Pensilvania (EEUU), es un fotoperiodista, mundialmente conocido
por ser el autor de la fotografía “La niña afgana”, aparecida en la revista
National Geographic en 1985.
Su carrera de fotógrafo comenzó con la Guerra de Afganistán (1978-1992).
También ha cubierto otros conflictos internacionales como la guerra entre
Iraq e Irán o la Guerra del Golfo.
“En el retrato espero el momento en el que la persona se encuentre desprevenida,
cuando afloran en su cara la esencia de su alma y de sus experiencias...disparo”.
“Para mí, los retratos transmiten un deseo de relación humana, un deseo tan fuerte que gente que sabe que no
me volverá a ver nunca más se abre a la cámara, esperando que alguien lo observe al otro lado, alguien que ría o
sufra con ella”.
“Si encuentro a la persona o el tema oportuno, en ocasiones regreso una, dos, o hasta media docena de veces,
siempre esperando el instante justo”.
“Yo diría que soy un fotógrafo de la calle haciendo situaciones encontradas”.
“A diferencia del escritor, en mi trabajo, una vez que tengo hechas las maletas, ya no existe otra oportunidad
para un nuevo esbozo. O tengo la foto o no. Esto es lo que guía y obsesiona al fotógrafo profesional, el ahora o
nunca”.

Ara Güler (1928 - 2018)

“Ara Güler nacido en Estambul fue un fotógrafo armenio-turco, llamado también "el Ojode Estambul" o "el
Fotógrafo de Estambul". Está considerado uno de los pocos Fotógrafos de Turquía que se conocen a nivel
internacional.
“Güler ejerció de reportero fotográfico para Oriente Próximo de las revistas Time Life en 1956, Paris Match y
Der Stern en 1958. En 1961, la revista “Photography Annual Anthology”, publicada en el Reino Unido lo
definió como uno de los siete mejores fotógrafos del mundo.
El mismo año, Güler se incorporó como único miembro turco a la Asociación Estadounidense de Fotógrafos de
Revistas, y en 1962 recibió el título“Master of Leica”, concedido por Alemania a muy pocos fotógrafos.
“Güler destaca la importancia de la presencia humana en sus fotografías y se autodescribe como "historiador
visual".
En este sentido afirma:
"Cuándo estoy tomando un cuadro de Aya Sofia, lo que cuenta es la persona que pasa y que estará de por vida
en la foto"

Isabel Muñoz (1951)

Isabel Muñoz Villalonga, conocida como Isabel Muñoz, es una fotógrafa española
reconocida con algunos de los más prestigiosos premios nacionales e internacionales:
dos World Press Photo, en 1999 y en 2004; el Premio PHotoEspaña y Medalla al Mérito de las Bellas Artes en
2009, y el Premio Nacional de Fotografía de España 2016.
Su obra se caracteriza por una búsqueda constante de la belleza y el lenguaje de los cuerpos, por lo que algunos
la han llamado"retratista del cuerpo"
Busca, fotografías que transmitan un mensaje más allá de lo estético porque, según dice, «no puedo fotografiar
nada que no pase antes por mis sentimientos».
«mi interés ha sido el ser humano. Aunque en las personas haya zonas oscuras,
siempre hay una parte de luz, el ser humano no puede vivir sin esperanza».
«“La naturaleza no deja de hablarnos de amor, mira esos dos icebergs abrazándose.
Parece que estuvieran diciéndonos: ‘Ámame un poco más”.

Harry Gruyaert (1941)

Harry Gruyaert es un fotógrafo belga conocido por sus imágenes de la India, Marruecos
y Egipto, así como del oeste de Irlanda y por su uso del color. Es miembro de Magnum Photos . Su trabajo ha
sido publicado en varios libros, ha sido exhibido ampliamente y ganó el Premio Kodak.
La adopción de la fotografía en color por parte de Harry Gruyaert lo colocó por delante de muchos
contemporáneos en Europa en un momento en que el medio se consideraba más aplicable al ámbito de la
fotografía comercial y publicitaria.
No hay ninguna historia. Es sólo una cuestión de formas y luz, dice sobre su trabajo.
Gruyaert optó por el revelado digital para reproducir mejor la riqueza de las sombras de sus películas y para
acercarse a su principal objetivo, que es permitir que el color afirme su propia existencia.

Alex Webb (1952)

Alex Webb es uno de los fotógrafos que con más maestría combina en sus fotografías el documentalismo y el
juego visual, el uso del color y la contraposición de planos, creando imágenes documentales que aúnan realidad
y arte a todo color.
Durante los últimos 45 años, Webb ha trabajado en lugares tan variados como la frontera entre Estados Unidos y
México, Haití, Estambul y, más recientemente, varias ciudades de Estados Unidos.
Conocido por sus fotografías en colores complejas y vibrantes de momentos fortuitos o enigmáticos, a menudo
en lugares con tensiones sociopolíticas.
"Mi trabajo es cuestionador y exploratorio", dice. “Creo en las fotografías que
transmiten un cierto nivel de ambigüedad, que plantean preguntas en lugar de dar
respuestas”.

Willy Kenning (1958)

}Fotógrafo autodidacta, piloto civil, editor, nacido en Santa Cruz de la Sierra.
Ha colaborado en mas de veinte periódicos y revistas de Bolivia.
Kenning muestra al mundo todas las maravillas naturales de Bolivia a través de fotografías en numerosas
publicaciones además de la reconocida revista National Geographic.
Este aventurero boliviano ha fotografiado los rincones más fascinantes de Bolivia desde el cielo, lugares a los
que probablemente nadie ha llegado todavía.
Sobre su estilo de vida y su trabajo, cuenta que la fotografía la ejerce como una herramienta para la aventura,
“es el camino, un medio para practicarla.”
“Hoy se hacen demasiados clicks sin valor para ver qué sale. La increíble tecnología de la fotografía digital nos
ha llevado en la mayoría de los casos a una fotografía masiva, barata y casi perfecta, pero carente de emoción,
peor aún de pasión”.
“Para mí la clave es ser persistente en lo que se está haciendo, insistir en una y otra toma, como el pintor que
hace un boceto, lo pinta y vuelve a pintarlo hasta conseguir los colores deseados”.

Rolly Arauco Arteaga (1957)

Su trabajo fotográfico ha sido expuesto en varias ciudades de Bolivia, Brasil,
Argentina, Paraguay, Perú, Ecuador, España y Estados Unidos. Ha recibido más de
treinta premios nacionales en diseño y fotografía y varias distinciones de gobiernos
municipales e instituciones de Bolivia.
Es difícil hablar de la vida sólo con palabras...

Franco Fontana (1933)

Franco Fontana es un fotógrafo y escritor italiano, nacido en Módena (Italia) célebre por sus fotos con intensos
colores saturados sobre desnudos y paisajes que tienden hacia formas abstractas (abstracción fotográfica).
El arte de la abstracción del paisaje y la saturación de los colores ha sido la gran huella que ha marcado este
gran fotógrafo italiano.
Para Fontana, “la creatividad en fotografía no debe reproducir sino interpretar: debe hacer visible lo invisible”.
A través del color y la cuidada composición, Fontana trata de despertar en el espectador emociones y
sentimientos exaltando “al objeto tal cual es pero, por encima de todo, lo transforma en un sujeto que puede
vivir con su propia luz”.
FERNANDOZERAÍNABECIA (1959)
Como hemos podido ver, la fotografía como ciencia, arte y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo
durante este tiempo...hasta nuestros días.
En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir
en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque.
Así de exacta es la fotografía y por ello se requieren de dos cosas:

1 Paciencia para captar ese momento tan anhelado, ese rostro o paisaje que deseamos recordar para siempre
2 Ganas de divertirse y experimentar
La fotografía es un 80 % de inspiración un 10 % de técnica un 5 % de paciencia y un 5 % suerte...
Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás.
Estos aspectos permiten trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además que permiten la
construcción de diferentes tipos o géneros fotográficos los cuales los estudiaremos y veremos como se
enmarcan en diferentes lenguajes artísticos.
“Siempre hay dos personas en cada foto: el fotógrafo y el espectador”. (Ansel Adams)