Arte abstracto

Pintura realizada en el estilo neoplasticista de Piet Mondrian.

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y
estructurales, acentuándo formas naturales. El arte abstracto deja de considerar
justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un
lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa
un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir
con independencia de referencias visuales del mundo real. El arte occidental había
estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la
perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de
culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de
describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas
sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios
fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las
fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran
diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la
cultura occidental de aquella época.

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte.

Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o
completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende
verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la
representación perfecta es extremadamente improbable. La obra Ć arte que se toma
libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede
decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de
referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi
mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a
menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos
artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en
el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo,
que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.

Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales,

surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la
fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más
significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias
de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el
color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del
cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo
que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y
constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo
totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido
hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro,
inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.

El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y

artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la
conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda
figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas
geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva);
según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la
obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

Historia
Siglo XIX

Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el
Romanticismo, el impresionismo y el expresionismo. A lo largo del siglo XIX se
consiguió la independencia de los artistas. El mecenazgo de la iglesia disminuyó y el
privado del público fue más capaz de proporcionar una forma de vida para los artistas.

Las primeras insinuaciones de un nuevo arte fueron obra de James McNeill Whistler
quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket, («Nocturno en
negro y oro: el cohete que cae», 1872), dio gran énfasis a la sensación visual que a la
representación de los objetos. Un interés objetivo en lo que se ve, puede distinguirse de
otras pinturas de John Constable, J M W Turner, Camille Corot y de ellos los
impresionistas que continuaron la pintura al aire libre de la escuela de Barbizon.

Siglo XX

Cuadrado Negro, de Kazimir Malevich (1913).

Paul Cézanne había comenzado como impresionista pero lo que pretendía, una
construcción lógica de la realidad basada en una vista desde un simple punto de vista, 5
con color modulado en áreas planas, se convirtió en la base de un nuevo arte visual, para
ser más tarde desarrollado hacia el cubismo por George Braque y Pablo Picasso.

Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica,

dibujando distorsiones y exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron
pinturas cargadas emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la experiencia
contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras
de la pintura de finales del XIX. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor se
vieron influidos principalmente por la obra de los posimpresionistas fueron decisivos
para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX.

El postimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent

van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al
advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh,
Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A
comienzos del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los
precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck
revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras «salvajes»,
de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fauvismo. El crudo lenguaje
de color tal como lo desarrollaron los fauves directamente influyeron a otro pionero de
la abstracción Vasili Kandinski.

Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fauvismo el
movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX.
Pablo Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que
toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono.
Con la pintura Las señoritas de Aviñón 1907, Picasso creo dramáticamente un cuadro
nuevo y radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas,
mujeres violentamente pintadas, que recordaban máscaras tribales africanas y sus
nuevas creaciones cubistas. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por
Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El cubismo
analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo
sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes,
Marcel Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se
caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage,
papier collé y gran variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de collage com
Kurt Schwitters y Man Ray y otros influidos por el cubismo fueron decisivos para el
desarrollo del movimiento llamado dadá.

Desde principios de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales
ciudades europeas y norteamericanas se habían vuelto extremadamente activos
conforme se esforzaron por crear una forma de arte que igualara las altas aspiraciones
del modernismo. Las ideas fueron capaces de influirse mutuamente a través de libros de
artistas, exposiciones y manifiestos de manera que muchas fuentes estaban abiertas a la
experimentación y formaron la base de la diversidad de modos de abstracción. El
siguiente extracto, de The World Backwards, proporciona alguna impresión de las
interconexiones de la cultura de la época:
«El conocimiento de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debió ser
extremadamente actualizados, pues la segunda exposición Knave of Diamonds,
celebrada en enero en de 1912 (en Moscú) incluó no sólo pinturas enviadas desde
Múnich, sino algunos miembros del grupo alemán Die Brücke, mientras que de París
vinieron obras de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, así como de
Picasso. Durante la primavera David Burliuk impartió dos conferencias sobre el
cubismo y planeó una publicación polémica, que el Knave of Diamonds iba a financiar.
Fue al extranjero en mayo y regresó determinado a rivalizar con el almanaque Der
Blaue Reiter que había emergido de los impresores mientras el estaba en Alemania».

Música

Algunos acercamientos al arte abstracta tenía conexiones con la música. La música

proporciona un ejemplo de una forma de arte que usa los elmentos abstractos del sonido
y las divisiones del tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue
inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma. La idea
había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a
diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético más hondo.

Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión
espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La
Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India,
China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili
Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el «estado sin objeto» se
vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto «interior». Las
formas universales e intemporales que se encuentran en geometría: el círculo, el
cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto;
eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad
visible.

Abstracción Lírica
Cronológicamente, el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por
sus composiciones no figurativas fechadas en 1904, como el primer pintor abstracto.
Pero la abstracción como un estilo moderno internacional, coherente, vio sus verdaderas
bases establecidas por Vasili Kandinski. Su obra ilustra la llamada abstracción lírica.
Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente
representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der
Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. A partir de 1912, casi todos los artistas
europeos hicieron experimentos en esta línea.

Para el año 1911 se habían creado muchas obras experimentales que buscaban el «arte
puro». En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de
Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras
Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón
de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y
rojos. En 1913 el poeta Guillaume Appollinaire llamó orfismo a la obra de Robert y
Sonia Delaunay. Lo definió como el arte de pintar nuevas estructuras a partir de
elementos que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que habían sido
creados totalmente por el artista... es arte puro.
Vanguardia rusa

En la misma época, en Rusia, Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova llevaron hasta la

abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que
denominaron rayonismo (Luchizm). Sus dibujos usaban líneas como rayos de luz para
hacer una construcción. Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convirtieron en
constructivistas creyendo que el arte no era ya nunca más algo remoto, sino la vida
misma. El artista debía convertirse en un técnico, aprendiendo a usar las herramientas y
materiales de producción moderna. ¡El arte a la vida! era el eslógan de Vladímir Tatlin,
y de todos los futuros constructivistas. Varvara Stepánova y Alexandre Exter y otros
abandonaron la pintura de caballete y pusieron sus energías en el diseño para teatros y la
obra gráfica.

Kasimir Malevich completó su primera obra enteramente abstracta, la suprematista,

Cuadrado negro en 1915. Otro miembro del grupo suprematista, Liubov Popova, creó
las Construcciones Arquitectónicas y Construcciones de Fuerza Espacial entre 1916 y
1921. Malévich, Anton Pevsner y Naum Gabo argumentaban que el arte era
esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no
para organizar la vida en un sentido materialista y práctico. Muchos de aquellos que
eran hostiles a la idea de producción materialista del arte abandonaron Rusia. Anton
Pevsner fue a Francia, Gabo marchó primero a Berlín, luego a Inglaterra y al final a los
Estados Unidos. Kandinski estudió en Moscú luego se marchó a la Bauhaus. A
mediados de los años veinte el período revolucionario (de 1917 a 1921) cuando artistas
habían sido libres de experimentar, estaba acabado; y para los años treinta sólo estaba
permitido el arte del realismo social.

Otras Abstracciones
Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y
verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el neoplasticismo fue la estética
que Mondrian, Theo van Doesburg y otros del grupo De Stijl pretendían reformar el
medio del futuro. En Italia el futurismo, mezclado con la influencia Bauhaus, guió el
camino hacia un arte abstracto con una paleta de color distintivamente cálida como en
las obras de Manlio Rho y Mario Radice.

En el período de entreguerras (1918-1939), Theo van Doesburg, después de haber sido

uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte
abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas
controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad.

El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia
del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul
Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático
nacidas después de la guerra. Estas tendencias entraron entonces en competencia con las
diversas corrientes tachistas y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre
Soulages y Georges Mathieu, entre otros) que el crítico Michel Tapié reagrupó bajo la
denominación de arte informal.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de

finales de la década de 1940 con la Action Painting (Jackson Pollock, Willem de
Kooning, Franz Kline) y con la Colour-Field Painting (Barnett Newman, Mark Rothko,
Clyfford Still).

Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte
minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura
mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas
de gloria (Yaacov Agam, Jesús Soto, Carlos Cruz-Díez, Víctor Vasarely, Nicolas
Schöfer y Bridget Riley, entre otros).

El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el

análisis de sus propios componentes, con los grupos BMPT y Support(s)-Surface(s) en
Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de la
imagen con Sigmar Polke y Gerhard Richter en Alemania. Las tendencias a la vez
neoexpresionistas y neogeométricas que se pusieron de manifiesto durante la década de
1980 mostraron un nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando
numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.

Pintores y artistas abstractos

 Paul Klee, (1879-1940).
 Armando Barrios, (1920).
 Hugo Baptista, (1935).
 Manuel Fernández G, (1936).
 Francisco Hung, (1937).
 Enrique Ferrer, (1934).
 Piet Mondrian, (1872-1944).
 Theo Van Doesburg, (1883-1931)
 Mercedes Pardo, (1922).
 Pedro Briceño, (1931).
 ´René Nungaray (978)
 Vladímir Tatlin, (1885.1953)
 Aleksandr Ródchenko, (1891-1956)
 Kazimir Malévich, (1878-1935)
 Frank Stella, (1936).
 Esteban Castillo, (1941).
 Oswaldo Subero, (1943).
 Domenico Cassasanta, (1935)
 Edgar Guinand, (1943)
 Georg Baselitz, (1938).
 Sigmar Polke, (1941).
 Anselm Kiefer, (1945).
 Pedro Sandoval, (1966).
 Hans Hartung, (1904-1989).
 Jean Fautrier, (1897-1964).
 Georges Mathieu, (1922).
 Alberto Burri, (1915).
 Antonio Saura, (1930).
 Pablo Serrano, (1908-1985).
 Luigi Veronesi, (1908-1998).
 Arschile Gorky, (1904-1948).
 Franz Kline, (1910-1962).
 Jackson Pollock, (1912-1956).
 Mark Rothko, (1903-1970).
 Jorge Gori, (1910).
 Héctor Poleo, (1918).
 Rolando Maruja, (1923).
 Humberto Jaime Sánchez, (1930).
 Alirio Oramas, (1924).
 Ramón Vásquez Brito, (1927).
 Bram Van Velde, (1892-1981).
 Humberto Boccioni, (1882-1916).
 Marizú Terza, (1953).
 Adham Dalloul, (1962).