Seminario de Teorías de la Comunicación Audiovisual e Historia y Representación Social de la Imagen.

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UNIVERSIDAD NACIONAL DE QUILMES

MAESTRÍA Y ESPECIALIZACIÓN EN COMUNICACIÓN DIGITAL
AUDIOVISUAL – 2024
Asignatura: Teorías de la Comunicación Audiovisual / Historia y Representación Social
de la Imagen.
Docente: Alfredo Alfonso
Clase Nº 4

La era tecnológica

En este encuentro vamos a continuar con el tratamiento de las representaciones

sociales de la imagen en lo que podríamos denominar el principio de la era tecnológica 1.
Posteriormente a la concreción del logro fotográfico y los distintos intentos por
comprender la verosimilitud de la lectura humana de la imagen en movimiento (a partir
del estudio científico de la persistencia retiniana), en 1895, en Lyon, nació el cine. Los
hermanos Louis y Auguste Lumière, cuyo apellido significa luz, ópticos de la entonces
segunda ciudad francesa 2 , descubren una máquina que logra captar imágenes en
movimiento pero a su vez también permitía la proyección. Fue una adaptación de una
máquina de coser. Como primer intento, desarrollaron una serie de prácticas que
asemejan al modo de utilización de cualquier cámara hogareña actual. Es así que filman
las ya muy famosas imágenes de la llegada del tren a la estación de Lyon, la salida del
puerto de un pequeño barco, el juego de naipes, la salida del trabajo de los obreros de la
fábrica Lumière, el regador regado, que se constituye en el primer gag de la historia del
cine, y otros.

Estos cortos (se trata de films de 21 metros) son presentados en la feria de

navidades de París en el salón Indien del Grand café de París. Un contrato inicial por
diez días se extiende hasta seis meses continuos con distintos horarios de proyección
diarios. El cine se constituye así como la primera representación social de la imagen,
consumida por las masas, de la historia.

Naturalmente, este hecho genera un impacto social muy importante y se

multiplican los pedidos de tecnología y de copias de los films. Podemos decir entonces,
que el cine es el primer arte de la historia que nace como tal pero también lo hace como
industria y como espectáculo.

La decisión de los Lumière fue no vender su invento sino utilizarlo para

constituir la primera empresa de imágenes del continente europeo. Los reyes y la
nobleza de los distintos países solicitaban sus servicios para que quedaran registrados
distintos acontecimientos sociales. Los Lumière también decidieron hacer múltiples
copias de estos acontecimientos que filmaban, y los enviaban a países lejanos
constituyendo la primer difusión a distancia de imágenes de acontecimientos o hechos
con una estructura primaria que posteriormente desarrollarían las distintas empresas que
produjeron información para cine (Sucesos Argentinos, Pathé, UFA, etc.).

1
Julio Cortázar ya refería en Rayuela, novela escrita entre 1958 y 1962 y publicada en 1963, que con la
Segunda Guerra Mundial había finalizado un pensamiento de construcción simbólica del mundo poético
para pasar a ser una construcción simbólica del mundo tecnológico. El nacimiento del cine anticipó lo que
se impondría en la segunda mitad del siglo XX.
2
Desde el último censo, desarrollado en febrero de 2017, Marsella desplazó a Lyon como la segunda
ciudad en densidad demográfica de Francia.
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El conflicto por la patente

A éste rápido crecimiento de la empresa Lumière le surge un competidor en

EEUU, la Edison & Co., que denuncia la propiedad de los derechos de patentamiento de
la tecnología cinematográfica, aduciendo que el cine es tributario del Kinestoscopio
inventado por Thomas Alva Edison años antes. Lo cierto es que este artefacto era de uso
individual ya que no lograba captar imágenes que pudiesen ser reproducidas a posteriori
por un proyector, logro que si posibilitaron los Lumière y que representa al cine como
se conoce en todas la latitudes de la Tierra. A su vez, Edison creía que el beneficio
económico se reduciría al proyectar imágenes y prefería continuar con artefactos que
sólo funcionaran cuando un individuo colocara una moneda. Edison, sin duda, había
capturado la ilusión del movimiento que durante décadas se había intentado con éxito
relativo y para ello construyó primero la denominada Black María, una caja de las
dimensiones de una casa de madera que giraba sobre ruedas siguiendo al sol y cuyo
techo se abría para permitir ingresar la luz. Allí rodó films de corta duración pero para
poder verlos se necesitaba concentrar la visualización en una sola persona, como los
dispositivos ópticos que usan los niños y que les pemiten pasar una serie de fotos.

Esto se debatía hasta que un empleado de la empresa Lumière proyectó en junio

de 1896, en un teatro neoyorquino, el sistema francés, produciendo una respuesta
extraordinaria en desmedro del kinetoscopio. Entonces, Edison y Co. empezó a llenar
las salas de cine con aparatos de proyección denominados a la usanza estadounidense:
biógrafo, bioscopio, vitascopio, veriscopio, bajo un cartel que justificaba su decisión:
“América para los americanos” y lo firmaba el presidente Monroe.

En un ambiente complejo, con la intervención de autoridades aduaneras y

confiscación de sus aparatos, el representante de Lumière, Félix Mesguich, tuvo que
renunciar al resto de la gira por Estados Unidos y marcharse al Canadá previa
intervención del embajador francés impidiendo que lo detuviesen 3.

Los primeros años del cine

En Europa se fueron desarrollando distintas escuelas que se proyectaron

rápidamente a partir del invento de Louis y Auguste Lumière. Entre aquellos que habían
visualizado esas primeras imágenes en el café de París estaba Georges Méliès 4, uno de
los mayores exploradores de las oportunidades de la imagen en movimiento de la
historia. Méliès era un ilusionista muy destacado de París que encuentra en el cine la
posibilidad de un fuerte desarrollo de la ilusión óptica. De allí que es muy conocido por
haber logrado imágenes en color, que pintaba cuadro por cuadro en su taller, o lograr
efectos conmovedores, los primeros denominados efectos especiales, como la
representación de viaje a la luna de Julio Verne en donde el cohete termina estrellándose
con el supuesto ojo derecho lunar. Méliès descubrió accidentalmente la capacidad del
montaje al trabársele su cámara en un registro y al lograr ponerla nuevamente en

3
En 1995 se conmemoraron en todo el mundo los cien años de la creación del cine con la excepción de un
país: Estados Unidos.
4
En el film La invención de Hugo Cabret, de Martin Scorsese, en donde por primera vez el realizador
estadounidense utiliza la tecnología 3D, las referencias a Méliès ocupan buena parte de lo mejor del film.
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movimiento percibió que lo que volvía a captar la cámara establecía una elipsis
temporal, que hacía “aparecer” o “desaparecer” cosas. Las experimentaciones de Méliès
permitieron iniciar estrategias narrativas diversas que inauguraron la ficción en el cine.
Entre sus films más recordados se encuentran “El hombre de la cabeza de goma”, “Viaje
a través de lo imposible”, “Retrato espiritual”, “El pozo fantástico”, “El antro de los
espíritus”, “Viaje a la luna”, etc.

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La escuela de Brighton

En Inglaterra también se impuso la pasión por el cine. George Albert Smith fue
uno de los primeros en filmar desde una locomotora en movimiento creando un tipo de
travelling conocido como phantom ride que genera una ilusión óptica como si un
fantasma estuviese suspendido en el aire. Smith también fue el primer cineasta que
utilizó el primer plano en la narración de una niña dándole de tomar cucharadas de leche
a su gato. Por su parte, Robert William Paul desarrolló contemporáneamente a los
Lumière una cámara de registro (una de las cuales fue adquirida por Méliès) y produjo
en 1903 un film muy significativo: “El venturoso viaje al Ártico”.

Este realizador fue el precursor de una escuela de realizadores, con formación en

la fotografía, que se desarrolló en la playa de Brighton. Entre ellos se destacan, además
de los mencionados, James Williamson, William Friese-Greene, Frank Mottershaw y
Alfred Collins. Entre las obras se destacan “El ataque a la estación Misión China” de
Williamson, “Competencia de motores”, de Collins y “La vida de Charles Peace”, de
Mottershaw.

El inicio del cine en los EEUU.

El primer Hollywood

Para entender la importancia de la industria cinematográfica estadounidense

actual debemos comprender la estrategia inicial como una política de Estado
consecuente que no se repitió en ningún otro país del mundo.

Estados Unidos había declarado su independencia unas décadas atrás al inicio

del cine. Por otra parte, se había constituido a fines del siglo XIX en el país más
importante del mundo en cuanto a su desarrollo industrial, lo que le significaba
desarrollar una política migratoria sin precedentes reuniendo a obreros calificados de
distintos países del norte europeo. Alemanes, holandeses, galeses, escoceses, irlandeses,
fundamentalmente, que iban poblando las ciudades más fecundas de la costa Este
norteamericana reunían, además de su alta calificación laboral por tener una vasta
experiencia en la industrialización, una importante experiencia sindical debido al
desarrollo de los movimientos comunistas y socialistas en el viejo continente. EEUU
necesitaba anticipar el encuentro de las distintas lenguas de origen de estos obreros (y la
transmisión de su experiencia de vida en el movimiento obrero) con una estrategia que
“conectara” y tematizara sus vínculos.
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Esta estrategia, que luego fue aplicando con los distintos medios de
comunicación electrónicos como la radio y la televisión, la comenzó a instalar con el
cine y para ello decidió una política de Estado clave: conquistar simbólicamente el
Oeste.
De esta manera, los primeros años del cine en EEUU están ligados a la
multiplicación de films con temáticas de la conquista, y la instalación de la meca de cine
en Los Ángeles (a fines del siglo XIX) era como construir un barco en el desierto. Esta
iniciativa, que contaba con grandes subsidios para las empresas cinematográficas que se
iniciaran en Hollywood y castigos tributarios para aquellas que quisieran hacerlo en la
costa este, también incluía el desarrollo del primer Star System, con repartos de miles de
fotografías de los actores protagónicos en las salas de proyección y la difusión de
primeras revistas de género vinculadas a las anécdotas de las estrellas en la vida real (es
así que, por ejemplo, Buffalo Bill, un delincuente especializado en la matanza de
animales que se jactaba de cubrirse todas la noches con la piel de un animal diferente - y
que hoy sería seriamente repudiado por los movimientos ecologistas- se convirtió de la
noche a la mañana, junto a otros cow boys, en estrellas que contaban historias y
firmaban autógrafos). Hollywood se desarrolló también porque las mujeres, inmigrantes
y judíos, que eran rechazados en otras profesiones, empezaron a impulsarlo.

La primera experiencia del cine en Estados Unidos permitió desarrollar la

exploración que llevó a la ruptura con la lógica del cine teatral en la que predomina un
plano fijo, frontal y a distancia.

De estas primeras experiencias se destacan las obras de Edwin S. Porter, director

artístico de Edison & Co., quien utilizó con maestría el corte de continudad, por ejemplo,
en “Vida de un bombero americano” (1903) y rodó el primer western de la historia del
cine, “Asalto y robo de un tren”. Posteriormente a esta innovación de Porter en la faceta
narrativa, produjo en 1907 la primera experiencia de montaje paralelo a lo que le
siguieron, posteriormente, el plano y contraplano, que demuestra la incorporación de los
ángulos en la narrativa cinematográfica. El lugar del director pasa de observador a
incorporarse a la narración.

También se valora la obra de Thomas Ince, quien era hijos de actores de teatro, y
se destacó como actor, productor, guionista y director, llegando a filmar más de setenta
films, entre los que está “La batalla de Gettysburg” (1913) en la que participaron más de
ochocientos actores, pero indudablemente el cineasta más importante de estos primeros
años fue David Griffith.

Griffith es un director clave en la historia del cine porque sus innovaciones

técnicas, como el flash back, el plano corto y plano largo, el montaje paralelo y la
continuidad dramática, se incorporaron en sus films de modo paulatino. Ya en su
primera película, “Las aventuras de Dorotea” (1908) propone una de las facetas
narrativas que serían marca de su cine: el last minute rescue en donde el director crea
suspenso a partir de la utilización acelerada del montaje alterno.

Griffith se destacó por ser un guionista con mucha profusión en sus primeros
años, llegando a producir hasta tres guiones por semana (y un total de cuatrocientos en
su carrera) y un director que comenzó con uno o dos films semanales de 100 a 300
metros y generó las primeras producciones que han quedado en la historia del cine. De
estas producciones se destacan los films El nacimiento de una nación (165 minutos, de
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1915), que tuvo también su territorio polémico porque en el film el director se burló de
los negros e incluso en una escena un Senador negro saca una botella de alcohol y la
ingiere en plena sesión parlamentaria. Esto consolidó actitudes racistas y en diversos
casos los ciudadanos negros fueron apaleados luego de la proyección de la película e
incluso colaboró simbólicamente en el retorno del Ku Klux Klan, ya que en un pasaje
una familia blanca es secuestrada por soldados negros, interpretados por actores blancos
con sus rostros tiznados) y es rescatada por miembros del Ku Klux Klan. Esta
organización había desaparecido en 1869 y a mediados de la segunda década del siglo
XX volvieron a contar con 4 millones de adherentes5.

Otro film fundamental de Griffith fue Intolerance (220 minutos, de 1916), que
tuvo un costo de 2 millones de dólares produciendo un despliegue en actores, extras,
escenario e iluminación, como nunca se había visto. Esta obra estuvo inspirada en el
film Cabiria (1914), de Giovanni Pastrone y en las novelas de Charles Dickens.
Buscaba establecer un paralelo en cuatro momentos de la historia para indicar el
comportamiento humano (Babilonia, la vida de Jesús, la matanza de San Bartolomé en
el medioevo y, por último, disputas entre gánsters contemporáneos al film). En la
narración estos cuatro momentos son intercalados y se presentan con tintes amarillos,
sepias, azules y con el blanco y negro habitual de la época. Estos hechos de distinta
época evocan el mismo razgo humano: la intolerancia. El film fue rodado con grúas y
hasta en un globo aerostático para poder tomar las enormes estructuras escenográficas.

Grandes cineastas como Serguéi Eisenstein, que veremos en el próximo

encuentro, reconocieron la impronta que ejerció Intolerance de Griffith con estas
palabras: "No hay ningún cineasta en el mundo que no le deba algo. Lo mejor del cine
soviético ha salido de Intolerance. En lo que a mí concierne, se lo debo todo".

Otro hecho destacado es la participación femenina en las primeras décadas del

cine de Estados Unidos. La mitad de las producciones del cine de Hollywood hasta
1925 fueron escritas por mujeres, que lo hacían narrando historias de cualquier género
del cine. Alice Guy Blaché fue la primera directora sin distinción de género que creó
tramas dramáticos como lo expresa en la obra Falling Leaves (1912). Otra directora
muy innovadora fue Lois Weber que en su film Suspense (1913) ya propone la pantalla
partida. Este film fue atribuido durante años a un hombre... David Griffith. Entre las
guionistas, la más destacada fue Francis Marion, quien recibía el mejor salario entre
1915 y 1935, incluso más que los guionistas hombres. Marion fue la única mujer en
ganar dos Oscars como guionista en la historia.

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inglés)

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Es necesario precisar que la mayoría de la población de Estados Unidos no viaja

a más de 30 km en toda su vida. El cine ocupó el lugar del desplazamiento en una
sociedad con recursos para consumirlo. Lo simbólico reemplazó a lo físico. En 1920
había más de 15 mil salas y muchas de ellas, pensadas para obreros y consumidores de

5
Cousins, Mark (2015), Historia del Cine, Editorial Blume, Barcelona. 512 p.
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bajos recursos, llamados Nickelodeon, costaban 5 centavos de dólar. En otras, que eran
construídas como palacios, la entrada llegaba a 25 centavos de dólar 6.

CLASE SIN ACTIVIDAD

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En la actualidad, las salas en Estados Unidos ascienden a más de 40 mil con un promedio de 3 pantallas
por sala.