Diay, mae, te encontraste un dinosaurio

Sanfer.

Abstract: La Nueva P, eslabón perdido en la rayazón. La pecera es una loquera, Esa cabeza, John Berryman, etcétera. En las compraventas no hay que buscar primero, pero hay que saber buscar. (No en ese orden)


Esos mercados persas que son las compraventas encierran un universo tentador y prohibido para mí. Prohibido por una sola razón: su olor me provoca espantosas alergias; entonces vivo envidiando a los que pueden pasar por ellas sin enfermarse y eso me hace envidiar a casi toda la población nacional.
Son tentadoras porque sé que esconden tesoros que no puedo buscar sin usar una ridícula mascarilla yeso me da vergüenza. Se lo comentaba con pesar a un compa que a propósito me dijo que tenía un disco de aquel grupo de nombre ya lejano y legendario que fue alguna vez La Nueva P (alternativus semianglus perosimprecedentus), que estaba incluso sin abrir y sobrevivió escondido con otros dos iguales, sabrá Chango cuánto tiempo, en un cucarachero de San José.
Mientras fingía no envidiar su suerte, le tuve que haber dicho: diay, mae, te encontraste un dinosaurio.

Cof, cof, ejem, ejem.

Un dinosaurio porque, paleontológicamente hablando, entre el ocaso del periodo chiquichiquilítico (cuyas especies más reconocidas, se presume, vendieron humo como nadie durante los 80) y el inicio de la era panaboricualica se perciben indicios de una evolución en el casco central que replantearía un entorno que en conjunto se visualiza como una dormilona ciudad.
Al lado de depredadores y de otros que imitaban para sobrevivir, entes unicelulares confluyeron para generar una especie que se jugó la existencia tratando de crear un nuevo paradigma de vida,aunque tuvieron que trabajar el doble por sobrevivir.
Desde los años 80 la fauna josefina (según testimonios de la época y estudios hechos) tenía un submundo donde poco a poco creció un hervidero como una gripe en la garganta: disqueras y gran variedad de tiendas de discos —lo demuestran los fósiles calcificados donde hoy tenemos butics y tiendas de llantas— creaban un ambiente propicio para un nuevo espécimen. También, aunque cíclicamente extintos y sucedidos, había lugares para tocar y, por último, los vientos cablísticos trajeron toda una influencia externa que terminó de fortalecer una especie que ya era demasiado pequeña como para poderse ocultar.
Era solamente la salida al sol de un germen marginal que había echado dos patas muy fuertes y caminaba: el punto cumbre del periodo rockalítico nacional, aunque se trató de una era más o menos fugaz.
Se toma como cumbre la gran invasión del 97, pocos años antes de la gran explosión (de las fiestas de espuma, por ejemplo), de cataclismos y cismas; lenta e implacable diáspora donde casi la totalidad de entes desaparecieron o involucionaron mientras especies menores tomaron su propio rumbo, florecieron híbridos y otras de características foráneas pero genética local. Bien hay que admitir que nunca la fauna fue tan diversa y rica como lo es hoy.
Los dinosaurios se quedaron como pieza de exhibición y hasta de prestigio. Es un lujo poseer uno pero hallarlo intacto es casi equivalente a fotografiar a Nessie, además da derecho de pertenencia retroactivo. La Nueva P es uno de esos tristemente extintos dinosaurios.
¿Cuánto polvo se pueden comer tres discos hermanos, un nido intacto, entre acetatos y casetes de Valentino, La sonora dinamita, Garibaldi, Gloria Stefan o Benjamín antes de que alguien los encuentre? ¿Cuántas veces pudo ser descartado en razón de no me atrevo a pensar qué? De los tres fósiles vivos, uno fue a un museo y dos a colección privada, cuya reproducción me fue facilitada como en las novelas de Pérez–Reverte, pero sin el incendio de rigor (espero).
En defensa del compa, valía la pena abrirlo, hay un romanticismo con un álbum cerrado que le gana a la especulación. Sí, los discos nacieron para ser reproducidos. Que otros no jueguen con los jugueticos que se compran.
Winamp y una grabación de 1995. No era nada fácil soltar un disco así, no se parecía en nada a lo que se hizo o se hacía en el momento pero se parece mucho a lo hecho años después, canciones en inglés incluidas. Hay dos o tres grupos de esos en nuestra historia y, aunque no hay conexión comprobada, me atrevo a pensar que no tendríamos grupos de rayazón sin ellos.
Este disco tuvo que ser una insolencia de novedad en su momento, cuando todavía la producción nacional se podía contar con los dedos. No sé si todos lo supieron entender pero de seguro que sus seguidores sí lo pudieron disfrutar. Sin contar lo innovador de sus presentaciones donde después de un apagón, la guitarra podía aparecer junto a usted.
Y Lita, aparte de su descollante carrera como actriz, nunca olvidaremos el legado que nos dejó en las voces y el concepto de La Nueva P; su trabajo la hace merecedora de un buen lugar en nuestra historia. Tres años ya de su lamentable partida.
Merecido para todos por la visión para crear un producto adelantado pese a las dificultades de grabar en ese tiempo. Les faltaba al menos una generación para que los pudieran celebrar del todo; aunque poco a poco se le ha hecho justicia.
Mientras tanto necesitamos encontrar más dinosaurios. Por eso, cazadores de tesoros, de recompensas y coleccionistas, no dejen de buscar bien en las compraventas, el único riesgo real es pescar una alergia y quizás no les suceda.


Link de descarga

https://mega.co.nz/#!wERWWT6T!cE4zLWbqmwykmT8ql8PU0T3ezUJb3i5n-R1-7K0s7gU

La Castañeda - El Globo Negro

Primero que todo, quiero saludarlos y agradecer a todas las personas que han seguido este blog que ha estado muy abandonado. Vamos, a partir de ahora, a compartir más música y a reponer los enlaces caídos. Gracias por visitar Todo el Rock.

Atte. darera

La Castañeda fue uno de los grupos surgidos en el auge del Rock Mexicano de los años 90's. Se formaron en 1989 y este album fue su tercera producción, de 1994.Verdaderamente, fue una propuesta muy original para su época, en la que presentaban no solo su música si no, también, una propuesta escénica muy interesante que incluía escenografía, actores y actrices, disfraces y toda una conceptualización de sus temas. Esta propuesta sigue siendo aún una distinción de la banda. Creo que se tomaron un receso varios años y luego retornaron a los escenarios. Para mi gusto y parecer, es una de las bandas más buenas de todo ese movimiento Rockero. Por algo aún continúan trabajando. Creo que es un trabajo tan interesante como el de La Barranca. bandas que no han gozado de una gran popularidad ni de tanta difusión mediática y que tampoco han suavisado o "popisado" su propuesta para entrar en un mercado masivo. Este Globo Negro, me pareció un album increíble la primera vez que lo escuché. Arreglos muy interesantes y esa voz particular de Salvador Moreno. Espero le echen un trompazo de Eustaquio y lo disfruten.

01.Introducción

02.La Cabeza

03.Gris Normal

04.Sueños

05.El Pescado

06.La Ventana

07.El Loco

08.Tu Culto

09.El Gusano

10.Tloque Nahuaque

11.Confusión

12.El Cuerpo

"... no dejes que te lleven, no. No, no, no dejes que te lleven..."

30 Años de "La grasa de las capitales" [de Serú Girán]

Hace 30 años se editó uno de los albumes más importantes en la historia del Rock Argentino; "Grasa de las Capitales", que fue el segundo disco de Seru Girán, banda legendaria como sus cuatro miembros: García, Aznar, Lebón y Moro. De el sitio Descargas Rock hemos tomado la siguiente entrevista que se publicó en la revista La Mano.

Treinta años de La Grasa de las Capitales Un rayo en la oscuridad

Hace tres décadas salió el segundo disco de Serú Girán, el que terminó de convencer al público y a la prensa del valor de la unión de Charly García, David Lebón, Pedro Aznar y Oscar Moro. Hoy, Sergio Marchi reconstruye la historia. Bisagra: dos veces grasa. Un viejo chiste del inolvidable Minguito Tinguitella, entrañable personaje del actor Juan Carlos Altavista, que encarnó al primer cartonero de la Argentina o al último linyera. En el rock se habla mucho de los discos “bisagra” que configuran un punto de cambio en la carrera de una banda; álbums decisivos no sólo en una trayectoria sino también en una escena musical. En ese sentido, La grasa de las capitales, segundo LP de Seru Girán, es un caso de manual: sin él, el rock nacional hubiera sido muy diferente, ya que fue la piedra basal sobre la cual Seru Girán fundó su mito de cuarteto imbatible, colaborando de manera importante con la recuperación del rock argentino, que en 1978 había visto caer su nivel de actividad de manera alarmante. Claro que ellos estaban muy lejos de saber cuál iba a ser su destino. Lo único seguro para la banda de Charly, David, Pedro y Moro era que las cosas no habían salido como esperaban. Ayer, tal como hoy, el villano de turno era la prensa. En un reportaje del Expreso Imaginario realizado por Pipo Lernoud y Raúl B. Ichi titulado “Desmenuzamos a Seru Girán”, Charly García ya despotricaba contra la corresponsal de Córdoba, Patricia Perea, quien después obtendrá del bicolor un apelativo imborrable: Peperina. “Para mí es alguien que no entiende nada de nada –arrancaba García en aquella nota– y sin embargo manda una carta al Expreso y se la publican. No sé; yo creo que ustedes no piensan que Seru Girán es un desastre, que tocamos mal y engañamos a la gente. Eso es mentira, más allá de las cuestiones éticas, filosóficas o lo que le quieras meter (...) Me parece que hay tocos contra nosotros. (...) Tocamos en Córdoba y la gente se volvió loca. Después salen con que somos una porquería… yo ya no entiendo nada”. Las críticas que Seru Girán había recibido por su accidentado debut en el Festival de la Genética Humana a mediados de 1978 fueron feroces, pero justificadas: la gente había llenado el Luna Park para ver a la banda y, tuvo que bancarse varios otros artistas, entre ellos a un engendro brasileño llamado Casa Das Máquinas que metía ruido a dos baterías, y para colmo, ya al final, Seru tocó solo tres temas. Poco después, se presentan en Obras con una orquesta y todos los chiches, pero el público parece no disfrutar. El hoy valorado primer álbum de Seru Girán es recibido con frialdad, y una serie de conciertos en el teatro Premier no termina de convencer a nadie. 1979 pintaba fulero. “Como grupo humano –recuerda hoy David Lebón– estábamos al mango. Porque el grupo era bueno, pero capaz que vinimos muy creídos de Brasil. Lo que sí sé es que no creímos en lo que pasaba afuera, sino en nosotros mismos y seguimos a muerte. Vendíamos los shows con Charly en moto. Vos sabés lo que es el flaco: no puede conducir ni un triciclo, entonces yo manejaba una moto que nos habíamos comprado en Buzios. Y nos íbamos a vender shows con una valijita: ¡ni teníamos manager! Melgarejo nos vendió unos shows, Badía nos ayudó a hacer el Obras y después cayó Grinbank por casualidad, porque a Raúl Porchetto se le cortó la luz en el lugar donde tocaba, cruzó al lugar de enfrente y nosotros estábamos ahí y quedamos en hablarnos”. “Creo que se trató de volver a arrancar desde cero –reflexiona ahora Pedro Aznar vía mail–. Habíamos aparecido como un supergrupo, como se llamaba por entonces a una banda que juntara a dos o más músicos célebres. Eso creó un nivel de expectativas y exigencias inhumanas. Había que volver a las divisiones inferiores y empezar a construir desde abajo. Y resultó”. “El primer disco había sido medio hermético –reconoce Charly García hoy, en exclusiva desde su nueva morada en Luján y demostrando que la memoria la tiene intacta–; debutamos en lo de Genética Humana y fue un fracaso, después Obras fue otro fracaso. Cuando volvemos a tocar a Buenos Aires, nos encontramos con una respuesta muy negativa, sobre todo de parte de la prensa, pero eso sirvió para acercarnos, y a la vez fue un incentivo como para que saliéramos a conquistar a la gente”. El resultado de ese proceso fue La grasa de las capitales, donde Seru cambia de andén y utiliza sobre todo las letras de Charly como eje para una crítica descarnada hacia la sociedad, hecho que convirtió a la obra en uno de los discos conceptuales más exitosos del rock argentino. Claudio Kleiman, presente en la grabación del disco, se acuerda de ese momento tan particular en la vida del grupo. “Las críticas fueron determinantes para la onda del disco, que fue una gran revancha para Seru. Volvieron a vivir en la Argentina y se dieron un baño de realidad. La Grasa tiene mucho de Charly con su antena percibiendo el momento”. Pero había otro ingrediente: las relaciones con Music Hall eran insostenibles y por eso el grupo no graba en el estudio de la compañía en la calle J.E. Uriburu 40, sino en Ion con la operación técnica de Amílcar Gilabert. “La grabación se inicia durante las gestiones que estaban haciendo los chicos para desengancharse de esa empresa que no los ayudaba ni los difundía. Y ese disco fue el precio para poder salir del sello”, confirma el ingeniero de sonido. Alfredo Rosso, empleado de Music Hall en aquellos años, agrega que “había habido alguna goma de cuando se grabó el disco de Porsuigieco. Charly no se iba a quedar en un lugar en el que controlaban las horas, si se fumaba o si se llevaba comida al estudio. Tampoco quería firmar para Pamsco, la editorial de la compañía. Y se llevaba mal con la mujer de Celasco, el dueño de Music Hall”. Lado A: el cielo siempre estuvo más allá “En La grasa yo estaba con bronca –afirma Charly– contra todo. El tema lo debo haber hecho inconscientemente y potenciado por el rechazo a la banda. La grasa es un candombe, pero la parte del medio –la silba– es influencia directa de Chick Corea, al que yo escuchaba mucho. Sí, ese arreglo es un moño, pero es el tipo de cosas que vos se las silbabas una vez a Pedro y él ya las tocaba. El coro del comienzo no tiene nada que ver con Queen, yo no los escuchaba, y el ruido de fritura se hizo con aceite, sartén y un micrófono para grabarlo”. Amílcar confirma esto: “Para ser más precisos, es fritura de papas fritas. Lo grabé en casa; por lo general en los discos no se usan efectos pregrabados que tienen derechos de reproducción y lo que uno fabrica no”. Y es Charly el dueño de la voz del proto-rap del medio, efecto conseguido “con un tratamiento que usa principios de lo que hoy llamamos delay”, informa Gilabert. “Yo tenía en mente algo así como una transmisión de radio”, concluye Charly. En la misma canción aparece un adelanto de la época: los rototoms de Oscar Moro; unos cascos de batería chatos y afinables rotando el cuerpo de la batería. “Para la mezcla de ese sonido –completa Amílcar– usábamos la sala vacía de Ion como cámara natural. Y en vivo hacía lo mismo, pero con el semiremolque vacío donde llevábamos los equipos”. Los rototoms son como una plaga dentro del disco y a la vez parte indisociable del mismo. “En un momento se puso un poco insistente ese sonido, por cierto –reconoce ahora Pedro–, pero cada época tiene sus vicios sonoros”. San Francisco y el lobo soprendía porque era un tema acústico dentro de un grupo eléctrico y compuesto por un guitarrista eléctrico como Lebón. “El tema –revela David– está inspirado en Blackbird, y la letra es la historia de San Francisco de Asís, pero desde la perspectiva del lobo. El bicho se comía las ovejas, entonces San Francisco lo invita al pueblo y le ofrece que lo traten como un perro, a cambio que no mate más ovejas. Claro, el lobo baja y lo tratan como a un perro: le dan patadas en el orto, lo tratan como el culo, y se rebela. Por eso dice: ‘Volveré a ser feroz’. ‘Yo soy un lobo, déjenme de romper los huevos, ustedes son unos pelotudos’”. Pedro Aznar agrega que “David había viajado recientemente a Estados Unidos a un encuentro del Gurú Maharah Ji, y trajo dos guitarras Ovation electroacústicas, una para él y la otra para mí, y varios pedales de efectos. Hicimos abundante uso de esos nuevos recursos”. Perro andaluz termina siendo una canción de lo más engañosa. Para comenzar, Charly hoy confiesa entre risas que “jamás ví la película. Simplemente me gustó el título. Y la canción no tiene destinataria tampoco: es un tema sobre la hipocresía. La parte del medio que hace el bajo de Pedro es de una canción que hice cuando era chico”. ¿Y se nota la influencia de Steely Dan, que Charly escuchaba mucho? “No –desmiente García–, porque los acordes son clásicos y no tienen las alteraciones de los que usaba Donald Fagen”. ¿Y ese arreglo difícil del medio? “Simplemente, ensayo –simplifica Charly–; sabíamos de la capacidad instrumental de la banda entonces nos exigíamos mucho, pero para bien, sabiendo que lo podíamos hacer, además, porque estábamos bien entre nosotros”. Todos los entrevistados coinciden: la armonía interna era muy sólida. “Llevó un cierto tiempo para que el sonido se consolidase, sí –explica Pedro–. Eramos una banda con una enormidad de recursos, dadas las múltiples habilidades de cada uno de nosotros. Compatibilizar todo eso y encontrarle un lenguaje común requirió un tiempo de experimentación, pero en este disco eso empezó a dar frutos”. Amílcar Gilabert se contiene: “No me quiero mostrar como fanático, pero era muy placentero trabajar con ellos. Podía haber pequeñas desinteligencias, pero nunca graves: eran producciones con mucha sonrisa, muy felices”. “Si en la música que escuchas ya no hay vida/ si la letra ya no tiene inspiración/ si aunque aumentes el volúmen ya no hay fuerza/ son los tiempos que están huecos de emoción”, dice uno de los mejores versos del disco, perteneciente al tema Frecuencia modulada, cuya música es de David y la letra es de Charly. “Es la primera vez que hacía un solo con una guitarra acústica”, confiesa hoy David. “Me asombró que David hiciera un tema de disco music –ríe Kleiman, testigo de la grabación–. Un tema disco que se burlaba de la disco, con ese humor tan particular de Charly, que lo contagió a David. El formato de FM era medio novedoso en 1979, pero ya empezaba a estandarzarse como receptáculo de la música concheta que sería la característica de las FM”. Paranoia y soledad marca el debut como compositor de Pedro Aznar en el seno de la banda; una canción que sonaba completamente diferente a las demás. “Cuando le mostré el demo a Charly –cuenta Pedro–, le dije que no sabía si era adecuado al sonido y estilo del grupo, y él comentó que sería bueno que yo aportara compositivamente al disco, y que si era necesario, tocara todo yo mismo. Así fue que se estableció que yo sumara algo de lo mío en cada álbum de Seru, por distinto que fuera al resto del material. Fue un gesto muy generoso y abierto de su parte, por el que siempre le voy a estar agradecido” . Ni lerdo ni manco, Pedro tocó todos los instrumentos de su canción, incluyendo las campanas tubulares que popularizara Mike Oldfield en 1973. Paranoia y soledad parece hoy una angustiante postal envíada desde el fondo de una época difícil como lo fue 1979, en plena dictadura militar. “Sí, habla de eso –confirma Aznar– y del paisaje interior también: habla del lugar intolerante, chato, reprimido, atrasado, sangriento y brutal que era nuestro país en esos tiempos. Yo tenía diecinueve, estaba despertando a la vida lleno de esperanzas, ilusiones, sueños, anhelos y la incongruencia entre el adentro y el afuera eran causa de una angustia muy grande”. Lado B: El cielo es tan azul pintado. Igual de denso que Paranoia y soledad era Noche de perros, aunque sonaba como una canción más rockera, con alguna deuda a Pink Floyd y un claro parecido a Hey you, de The wall, por lo que es necesario aclarar que la obra de Waters se editó seis meses después que La grasa de las capitales. “Esa canción –revela Lebón– la compuse mucho antes del disco, tal vez en Buzios, pero fue reformulada entre todos. Tenía la suerte de tener al lado dos tipos superdespiertos como Charly y Pedro. Esa sección de los acordes del final es muy linda, y cuando la toco siempre estoy esperando esa parte para meter el solo”. Una de las características del álbum es que Pedro pareció haber alcanzado un status de par frente a David, Charly y Moro, que tenían una trayectoria mucho más amplia. “Eso era un poco frustrante al principio, pero lo resolví escudándome en una arrogancia a toda prueba”, asegura Pedro entre risas. “Hay algunas participaciones mías que están más cerca de lo compositivo que del terreno específico de los arreglos, como por ejemplo en Noche de perros, donde la melodía de la introducción que toco en el bajo (que se convirtió en carta de presentación de la canción) es mía, como así también el riff del final que le da marco al solo de guitarra. Mi instinto de arreglador encontró en Seru Girán el mejor vehículo”. “Viernes 3 AM la hice en quince minutos –confiesa Charly–; la escribí en un departamento en el que vivía en San Telmo, y lo primero que hice fue la letra. Y cuando comencé a buscarle la poesía, inmediatamente vino la música. Puede ser similar a lo que hace Bob Dylan, que cuenta una historia de comienzo a fin y que no tiene estribillo”. Bueno, un estribillo para una canción que habla tan claramente del suicidio no parece lo más apropiado, pero García mete el freno. “No sé si la canción habla de suicidio, porque un ‘bang’ también puede ser un despertar, una explosión, o una forma contemplativa de la angustia”. “Las melodías a dos voces que se escuchan en la coda –completa Aznar– las tocó Charly improvisando en un mini-Moog modificado para que pudiese tocar dos notas simultáneas en vez de una. Mi solo de bajo del final lo improvisé, después lo memoricé y lo grabé de nuevo en otra pista para darle un efecto de doblaje. Mucha gente me pregunta hasta hoy como logré ese timbre. No es un pedal, no es un efecto. ¡Es trabajar el doble!”. García finaliza diciendo: “Dejé de tocarla durante un tiempo porque algunas madres me dijeron que sus hijos se suicidaron escuchando la canción”. Los sobrevivientes es otra de las canciones que parecen “fuera” del disco, pero que sin embargo es una de las que otorga ese gusto tan especial que tiene La grasa de las capitales; un sabor exquisitamente porteño. “La grabé toda menos la parte de batería que es de Moro, que hace las campanas con el rototom –clarifica Charly. Habla del exilio, sí, pero es más una autocrítica de nuestros defectos. Y también habla de las virtudes, de lo raro que podemos ser, y del ser de acá”. Es un tema que Charly decidió resucitar cuando grabó su CD con Mercedes Sosa, Alta fidelidad, que estuvo por llamarse de otra manera al recordar Charly la letra. “Quería llamarlo Somos de acá, pero después me convencieron de que le pusiera algo que pudiera entenderse fuera del país”. Canción de Hollywood es probablemente una de las canciones más perfectas desde lo conceptual, y una de las menos valoradas dentro del repertorio de Charly. David Lebón coincide con esta apreciación: “Es uno de sus mejores temas; cuando lo escuché grabado no podía creer que fuéramos nosotros. Seru era increíble. Charly era como la pimienta, Pedro la sal, yo el tuco y Moro el queso: se armaba una comida que no podía ser. Había mucho equilibrio dentro de la banda”. “Ese tema lo compuse en Los Angeles –asegura García– y lo hice onda ‘¿y esto es Hollywood?’ Fui para mezclar el primer disco de Serú, y la impresión que tuve es que Hollywood existe solamente en las películas”. Pedro recuerda que el demo de la canción, una de las primeras que se compusieron para el disco, se grabó en su casa paterna. “Nosotros ensayábamos en la casa de mis viejos en Liniers –cuenta Aznar–, y yo tenía un piano vertical y un pequeño estudio casero. Ahí armamos el demo de Canción de Hollywood. Eso fue antes de que tuviera mi primer grabador de cinta abierta de cuatro canales, así que lo hicimos regrabando entre dos grabadores a cassette. ¡El soplido que se iba sumando con cada nueva toma terminó siendo un huracán!”. La tapa La proverbial frutilla sobre el postre del álbum, la constituyó la tapa: una sátira a la revista Gente en la que los cuatro miembros de Seru Girán aparecían caracterizados respondiendo a distintos estereotipos. Pese a lo ingenioso y logrado de la idea, las posteriores reediciones en CD, literalmente masacraron el arte de la portada. Era el último disco de Seru Girán para Music Hall (después se harían independientes), pero no el último crímen del sello: Pic Nic de Charly García, una espantosa compilación que incluía Música del alma y El fantasma de Canterville, que no pertenecen a Serú, fue editada como modo de obtener algún dinero aprovechando que el grupo estaba en un irrevocable ascenso. Alfredo Rosso todavía se ríe por el arte de tapa de Pic Nic. “La foto –explica– era una muy chota, donde están sentados en el piso con unas plantas. Y a David se le ve un bulto que para la época del proceso era pornográfico, entonces le hicieron un air brushing (sin que la técnica estuviera inventada) y literalmente le achicaron las bolas. Imaginate lo desopilante del asunto, con los empleados de la compañía corriendo de aquí para allá, pensando que podían perder su puesto por un bulto”. Treinta años más tarde, La grasa de las capitales continúa siendo no solo una gran obra, sino que su temática permanece decididamente actual. “Lo recuerdo como un disco muy trabajado –reflexiona Charly–, con algo de furia y mucho ensayo. Y como dice Pedro, tal vez adelantado a su tiempo. Pero eso es porque las cosas no parecen haber cambiado demasiado”. Pedro Aznar, simplemente, recita: “No transes más/ Con la cantina, con la cantora/ con la televisión gastadora/ Con esas chicas bien decoradas, con esas viejas todas quemadas/ Gente re-vista, gente careta: la grasa inunda cual fugazetta/ ¡No se banca más!”. Y pone el punto final con una pregunta que se contesta sola: “¿Cómo no va a estar vigente?”.

Que importan ya tus ideales, que importa tu canción? La grasa de las capitales, cubre tu corazón...

Invisible - Invisible

Voy a atreverme a comentar éste album, porque simplemente es Grandioso. Cuando se escucha ésta música, uno se da cuenta inmediatamente de que en la Argentina existe un verdadero genio, y ese es Luis Alberto Spinetta. Uno de los más grandes sin duda. No vamos a hablar de los demás, en éste caso hablaremos del Flaco, ya habrá espacios para los otros(que son varios). La música de los Viejos Rocanroleros Argentinos, transporta, ya sea que te ubiqués en 1974 cuando apareció éste disco o en el 2009, te das cuenta que Spinetta ha sido un vanguardista y su música no tiene tiempo. Mi gran amigo Walden Guevara Rus(loco, desposeído, poeta, socialista, mezcla de John y Paul; sobre todo en las tardes de bohemia exclusiva, aderezada con vino, cerveza, whiskey o algo más si lo hay) me decía: "Mirá, ésta loquera no parece que sea del 74, (refiréndose a Invisible), es como el Dark Side de Floyd que no parece que es del 72..." y bueno en definitiva Walden tiene razón, hay música que te llega al punto exacto del cerebro, cómo un ácido, y te transforma las emociones completamente, al menos a mí me sucede eso con éste album, y lógicamente se debe a alguien que estaba detrás de todo ésto: Luis Alberto. Hay una gran carga "adrenalínica" a base de Guitarras, bajo y batuca, nada más, puro Rocanrol pero con esa dosis mágica que impregna Spinetta en toda su música. Si Pescado Rabioso fue una volazón, Invisible fue la consecuencia lógica de esa volazón. Este disco fue grabado en 1974, e Invisible estuvo formado por Luis Alberto Spinetta (voz y guitarra), Héctor "Pomo" Lorenzo (batería) y Carlos Alberto "Machi" Rufino (voz y bajo). Elementos del Blues, del Jazz y del Rock más vanguardista de la época están presentes en el disco. Riffs poderosos de Guitarra en algunos temas y sutiles melodías en otros, hacen de éste como apuntaba al inicio un grandioso album. Espero que lo tomen en cuenta y deberían comentarlo (si lo desean). En ésta edición, no están incluídos los temas: "La llave de Mandala" y "Lo que nos ocupa es la conciencia, esa abuela que regula el mundo" que fueron el tercer disco sencillo del grupo que sí venían en la edición original del disco.

1. Jugo de Lúcuma
2. El Diluvio y La Pasajera
3. Suspensión
4. Tema de Elmo Lesto
5. Azafata del tren fantasma
6. Irregular

"El rey come su carne, bebe de más, sirven mesas en llamas y agria la sal. El Señor del Castillo va a la reunión con la escena muriente de un bufón y en la escalera está la Azafata del tren fantasma..."

Nito Mestre - Años

Hablar de Nito Mestre es hablar de un tipo con una gran historia e importancia dentro del Rock de Argentina. Algunos dicen que fue opacado desde Sui Generis por la inmensa figura de Charly. Yo digo que no, el trabajo de Sui cómo dúo o banda fue muy integral e indiscutiblemente ambos fueron importantes en sus roles. Y, luego de la separación, continúo con su trabajo creativo con Los Desconocidos de Siempre y luego como solista. Este album lo conseguí hace poco tiempo en uno de mis viajes a la zona Sur del país y cómo siempre ando buscando cosas, pués allí apareció en una tienda de discos, como oferta y a un precio ridículo. Lo importante es que es una recopilación hecha por el mismo Nito y éstas son sus palabras de presentación: "No lo quise hacer en orden cronológico sino armarlo en base a los climas, para que fuera como un show en vivo. No me puse a escuchar todos los discos, porque hay muchos temas que los recuerdo bien y que son como los clásicos que tenían que ir. Creo que están todos los favoritos que de alguna manera marcaron época... Quise rescatar los temas que aunque tuvieran diferencias de grabación y de época, se pudieran escuchar después de un montón de tiempo decir qué buena canción, o que marcaron una época y te hagan acordar de algo en particular. Supongo que alguno se va a preguntar por qué no puse tal o cuál tema, pero es como los shows, donde no se puede cantar todo. Pero creo que está lo más representativo y son todas las canciones que toqué en vivo o que puedo tocar en vivo usualmente". A mí en lo personal me pareció una excelente recopilación y verdaderamente la he disfrutado mucho. Espero que ustedes lo hagan también y bueno, si tienen algún comentario no duden en dejarlo por acá. Son dos discos. Espero los disfruten. Parte 1. "...aunque tenga un hilo de voz, me pondré a recordar, qué hermoso fue sentarse y cantar con amor para vos." Parte 2. "... Hoy tiré viejas hojas de esas que hablaban del pasado, terminé de escribir con el último aliento a las tres..."

Mod-Ska - Hermanos

Durante los años 1995 y 1996, empezaron a surgir en San José de Costa Rica, agrupaciones que tocaban una "nueva" rama del Rock, logicamente en un ambiente completamente Underground. Éstas bandas luego se catalogaron como grupos de Ska, y obviamente estaban influenciadas por bandas que, más que Ska, fusionaban ritmos y estilos con el Rock, como los Fabulosos Cadillacs, Auténticos Decadentes y Maldita Vecindad. Recuerdo que habían unas pocas personas que escuchaban música de la onda del Ska Inglés como The Specials, pero muy pocas. La relación de las bandas con este estilo musical se empezó a dar cuando a algunos grupos que querían tocar Rock, empezaron a incluír el Saxofón en su instrumentación. Uno de los primeros grupos (o el primero?) en hacer esto, fue una banda llamada El Bosque, y luego, fueron brotando los demás. Mod-Ska fue una agrupación formada por aquellos años. Yo los conocí en 1998 cuando estaban grabando éste material en el estudio de Radio U. Lo primero que me llamó la atención fue; que todos sus integrantes eran muy jóvenes, casi todos adolescentes. Mi gran amigo Carlos Piedra empezó a trabajar con ellos como Manager, así, que aunque nunca fui muy fanático de este estilo musical(sólo tenía a Maldita Vecindad y a los Cadillacs), me empecé a enterar de todo lo que pasaba en esa "nueva" tendencia del Rock Tico Subterráneo. La primera vez que escuché a Mod-Ska en vivo, quedé impresionado por la calidad interpretativa que tenían. De hecho, de todos los grupos que salieron en Costa Rica de ésta nota, fue el único que musicalmente me convenció. En realidad tenían mucho que dar. Desgraciadamente como ha sucedido muchas veces aquí, y quizás debido a la juventud de sus integrantes, el grupo se murió cuando empezaba a hacerse notar en el pequeño medio musical de Costa Rica, y fue así, como quedó hecho añicos un proyecto que pudo ser más productivo, pero; ni modo, no lo fue. Al menos quedó ésta grabación que rescaté de una copia que me vendió Carlos en esa época. Escúchenlo sobre todo aquellos que aún conservan su gusto por este estilo en particular ya que hoy día muy pocos saben algo de este viejo grupo.

1. Respuesta 2. Vueltas 3. Pretendes 4. Ska de Corazón 5. Ahora y Siempre 6. Factura 7. Sólo por vos 8. Cambio Ajeno 9. Un buen recuerdo 10. Txus 11. Cielo Bonito "...Es la unión que nos mantiene, siempre con vida y con ganas de luchar, mi corazón es lo que tiene siempre lo mismo, yo no te voy a fallar..."

Rodrigo Gonzalez - Hurbanistorias

Rodrigo Gonzalez, "el Rockdrigo", nació en Tampico, México. Desde pequeño la música lo acompañó, hasta que ya estando grande decidió irse a probar suerte al Distrito Federal, esto ocurrió en los últimos años de la década de los 70's. Yo descubrí su figura en el año 98 cuando pasaban por MTV un Documental de la historia del Rock Mexicano y allí se le mencionaba, si acaso 20 segundos en todo el documental. Recuerdo que esa figura "Bobdilaniana", pero en una acera de la ciudad de México, me impresionó mucho y traté de buscar más información de él, sin ningún resultado. Era un completo desconocido para mis amigos, nadie sabía nada de él en Costa Rica, al menos las personas allegadas a mí. En el año 2003 visité el D.F. y uno de mis objetivos era averiguar más sobre Rockdrigo, fui a tiendas de discos y oh! sorpresa!, no habían discos de Rockdrigo, incluso había gente que no sabía quién era. Mi buen amigo Johnny, joven dinosaurio de la jungla de concreto, cómo llama a la gran ciudad, sí me habló del Rockdrigo:"...claro, Rockdrigo, el que cantaba Metro Balderas..." y yo aún más picado con sus comentarios de aquel cantante Rocanrolero de la calle, ansioso de encontrar algún documento de aquel enigmático personaje. Fuimos a buscar su música y nada que encontrábamos, hasta que he de admitir que pasando por un puesto pirata, pregunté por el Rockdrigo y ..."bendita piratería", allí estaba el documento musical que tanto buscábamos. Así que de esa forma hallé al Rockdrigo, gracias a la no pequeña industria de la Piratería Musical de la ciudad de México. Bueno, ahora pués ya 5 años después, con más acceso a la información y estando la obra y figura de Rockdrigo más difundida, ya he conseguido su material original, que publica Ediciones Pentagrama. Es curioso que justo ahora y luego de más de 20 años de su partida, la figura del Rockdrigo esté presente en el ambiente musical urbano de la ciudad de México, en donde jóvenes y viejos cantan sus canciones y si ves un tipo en la calle con una guitarra, de seguro se sabe una o varias canciones del Rockdrigo. Me alegra que sea ediciones Pentagrama quiénes tengan el derecho de su obra, ya que fue un sello que nació para difundir el arte y la cultura, ojalá que no veamos la obra de Rockdrigo en manos de las grandes industrias vampiro de la música actual. Rockdrigo es un claro exponente del canto urbano, Rocanrolero y Trovero, Bohemio pero repleto de una poesía tan real como la vida, pero no la vida de la ficción, ni la vida de las telenovelas, sino la vida de la gente que día a día lucha por sobrevivir en esa "vieja ciudad de hierro", cómo dice su canción. Esto es una especie de resumen de mis memorias acerca del Rockdrigo, si desean conocer más a fondo a éste mítico personaje, visiten http://www.rockdrigo.com.mx Acá les dejo ésta su única grabación de "estudio" que se auto produjo Rockdrigo en el año 1984. Rocanrol Rupestre, Historias Urbanas, sin duda, grandes canciones. El resto de su discografía ha sido armada con demos, grabaciones caseras y grabaciones de conciertos. Cómo anécdota les cuento que el año pasado encontré en una compra y venta de San José, un viejo LP de Rockdrigo que ahora atesoro en mi colección.

1. El Campeón 2. Perro en el Periférico 3. Balada del asalariado 4. Distante Instante 5. Oh, yo no sé 6. Rock en vivo 7. Ratas 8. Estación del Metro Balderas 9. Vieja ciudad de hierro 10. Canicas 11. No tengo tiempo (de cambiar mi vida) 12. Rock del Ete "Si alguna vez has estado al revés, sabrás ya bien a qué huelen tus pies..."

Matemático descubre acorde misterioso de Los Beatles.

Esta noticia también me llamó la atención y mi curiosidad... ------------------------------------------------------- MADRID, nov. 16 (UPI) -- Un profesor de matemáticas de la Universidad Dalhousie develó el misterioso acorde al comienzo del tema A Hard Day´s Night de Los Beatles.

Según informó el portal español ADN.es, el académico James Brown descubrió que el controvertido acorde, imposible de conseguir en una única toma con tan solo dos guitarras y un bajo, es un Fa con piano.

Brown descifró la incógnita utilizando un cálculo matemático llamado la Transformada de Fourier, lo que le permitió descomponer el sonido en sus frecuencias originales utilizando un programa de software, averiguando así qué notas se habían tocado en la grabación.

Los Beatles fueron consultados en varias ocasiones al respecto, pero sólo se limitaban a decir del acorde, que era un sonido de otro mundo , fruto de la inspiración del momento.

LATAM: Reporte

McCartney especula sobre divulgación de tema inédito de The Beatles

Esta noticia aparece hoy en diversos diarios alrededor del mundo...

------------------------------------------------------- LONDRES (Reuters) - Una pista inédita y experimental realizada por la banda británica The Beatles podría hacerse pública 41 años después de ser grabada en los estudios Abbey Road de Londres, reveló Paul McCartney.

McCartney, uno de los dos miembros con vida del probablemente más exitoso grupo musical de la historia, le dijo a BBC Radio que "Carnival of light", era el temas más libre de The Beatles.

"Me parece grandioso enseñar esto porque mostraría que trabajábamos con material de vanguardia", explicó McCartney en el programa cultural Front row de Radio 4 en una entrevista a ser emitida el jueves.

El músico confirmó que posee una grabación master del tema que muchos admiradores de The Beatles creían que era un mito musical, a lo que agregó: "llegó el momento para que (el tema) tenga su tiempo".

La pista de 14 minutos fue realizada para un festival de música electrónica, la única ocasión en la que fue tocada en público.

"Lo que me gustaría que hicieran es que recorran esto, lo escuchen, lo griten, lo toquen, no tiene por qué tener algún sentido", comentó McCartney en el programa.

"Golpea un tambor y luego toca el piano, toca unas cuantas notas, tan sólo recorre. Eso es lo que hicimos y luego le agregamos un poco de eco. Es muy libre", afirmó el bajista.

Para que "Carnival of light sea publicada", McCartney deberá llegar a un acuerdo con Ringo Starr y los herederos de John Lennon y George Harrison.

De acuerdo a la BBC, McCartney quiso incluir el tema en las recopilaciones antológicas de The Beatles a mediados de la década de 1990, pero el resto de la banda se habría negado a la idea.

(Por Mike Collett-White, editado en español por Guido Nejamkis)

El Parque - Hombre Azul

La década de los 90's fue muy fructífera en cuanto a la salida de nuevas bandas Costarricenses, sin duda influenciadas por todo aquel "nuevo sonido" que venía de una ciudad de un país reconocido por todos; la ciudad era Seattle, el "nuevo sonido"; el Grunge. Obviamente al ser un fenómeno mundial pues también su sonido llegó a Tiquicia donde empezaron a aparecer agrupaciones que reflejaban toda esa onda. Muchos grupos salieron, pocos trabajaron y más pocos todavía son los que aún permanecen en el escenario nacional. El Parque fue uno de los grupos surgidos en ese entonces que presentaron desde su comienzo una propuesta de música original y que empezó a calar en las expectativas del público en aquella época y siguió aumentando hasta ser el primer grupo nacional en poner un video en la cadena MTV, por ejemplo. Fruto del trabajo, de la dedicación y la organización fueron sus tres primeros albumes grabados entre 1994 y 1996. Luego se separaron y en el 99 fugazmente editan otro album y ahora presentaron otro nuevo cd en el 2007. Este regreso marca otra etapa para la banda. Aquí queremos dejar este primer album de El Parque que fue sin duda el más representativo del grupo por el momento histórico en que fue hecho y lo que representó para el Rock de Costa Rica.

1. Grietas 2. La clave de tu olvido 3. Tres 4. Hombre Azul 5. Déjalo ir 6. Fuego 7. Vivir o morir 8. Laura 9. ¿Quiénes vendrán, quiénes se irán? 10. Criaturas 11. Nada 12. El Parque

"Transparente vas, viviendo el dolor, siendo sombra de tus pasos más allá..."

Café con Leche - Nada como el Pop-Oigo Risas (Sencillo)

Este Sencillo salió en 1989 y contenía "Nada como el pop" en el lado A y "Oigo Risas" en el B. Estos temas nunca salieron en ningún album de Café con Leche de los editados estando José Capmany en vida.

"...conociste el amor entre las luces de neón y un hit de radio..."

50 al Norte - Religiones

Luego de la separación de Modelo para Armar, Bernal Villegas, aliado con Gonzalo de Trejo en el bajo y Gerardo Mora en la Batería iniciaron trabajo con la banda 50 al Norte. Grabaron en 1992 este album en Guatemala en los Estudios Primera Generación, quiénes tenían también un sello discográfico que trabajo con músicos Costarricenses y Guatemaltecos inicialmente. Este CD fue uno de los primeros trabajos (o el primero?) que editaron grupos costarricenses en ese formato. En dicha grabación también participó como parte del grupo Ronny Ugarte en los Saxofones. Fue el único material de la banda que luego de unos años se disolvió.

1. Paz

2. Dime que puedo hacer sin tí

3. Extraño (Inevitablemente bailarás con él)

4.Dame otra oportunidad

5. Oración

6. Basta ya de ocultar mi corazón

7. Un cuento para mil años

8. Guerra Fría

9. Si estás cansada

10. Desnuda tu alma

11. No importa

12. Eres parte de mi (Religión)

13. Entre la luna y el sol

"Está apenada, no sabe si entrar a la discotheque del piso 6. Está apenada apenas sabe quién es. Está asustada, no sabe lo que puede ocurrir..."