Leyes de MENDEL

2.1. Primera Ley: Principio de uniformidad

«Al cruzar dos razas puras, la descendencia será heterocigótica y dominante».

Para descubrir este principio, Mendel cruzó guisantes de color amarillo (color
dominante) con una especie más escasa de guisantes verdes (recesivo). El resultado
de este cruce, generó una descendencia 100 % amarilla:

Figura 1. Primera ley de Mendel

Aunque observamos efectivamente que se ha producido una mezcla genética entre los
progenitores (Aa), la generación F1 ha salido amarilla. Esto es debido a la dominancia
del alelo “A” (amarillo) respecto al alelo “a” (verde). Cuando ambos están juntos, solo
se manifiesta el dominante.

2.2. Segunda Ley: Principio de distribución independiente

«Al cruzar dos razas híbridas, la descendencia será homocigótica e híbrida al 50 %».

Con una gran intuición científica, Mendel cogió los guisantes de la generación F1 (del
experimento anterior) y los cruzo entre sí.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

Figura 2. Segunda ley de Mendel
Para su sorpresa, el 25% de la descendencia de esos guisantes amarillos ¡fueron
verdes! Por esta razón, aunque dos miembros de una pareja tengan los ojos marrones,
si ambos guardan un gen recesivo para el color azul, existe un 25 % de posibilidades de
que sus hijos hereden ojos azules (como los de sus abuelos).

2.3. Tercera Ley: Principio de la independencia de los caracteres

«Al cruzar varios caracteres, cada uno de ellos se transmite de manera independiente».

Para comprobar este principio Mendel cruzó guisantes amarillos y lisos

(dominantes) con guisantes verdes y rugosos (recesivos):

Figura 3. Tercera ley de Mendel (I)

Esa descendencia “AaRr” a su vez se autofecundó para dar lugar a la siguiente

generación:

Figura 4. Tercera ley de Mendel (II)

De esta manera, comprobó que las características de los guisantes no interfieren entre
sí, y se distribuyen individualmente. De dos guisante amarillos y lisos crecieron:

 9 guisantes amarillos y lisos

 3 guisantes amarillos y rugosos

 3 guisantes verdes y lisos

 1 guisante verde y rugoso

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

Ley de la conservación de la masa

Llegó el momento de conocer a Antoine Laurent Lavoisier, un químico francés quien,

con base en los estudios que realizó, propuso la ley de la conservación de la masa.

Antoine Laurent Lavoisier (1743 - 1794)

Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea (s.f.). Antoine Laurent
Lavoisier [Imagen]. Tomada de https://goo.gl/V2ZwTL
Ley de Lavoisier o ley de la conservación de la masa
“La masa no se crea ni se destruye, sólo se transforma”. En una reacción química la
suma de la masa de los reactivos es igual a la suma de la masa de los productos.

Lavoisier demostró que al efectuarse una reacción química la masa no se crea ni se

destruye, sólo se transforma, es decir, las sustancias reaccionantes al interactuar entre
sí forman nuevos productos con propiedades físicas y químicas diferentes a las de los
reactivos, esto debido a que los átomos de las sustancias se ordenan de forma distinta.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

La máscara de la Muerte Roja

 La máscara de la muerte roja (título original: The Mask of the Red Death: A
Fantasy; conocido hoy en día en inglés como The Masque of the Red Death[1])
es un cuento fantástico de terror del escritor estadounidense Edgar Allan Poe.
Fue editado por primera vez en la edición de mayo de 1842 de la revista
Graham's Lady's and Gentleman's Magazine de Filadelfia, Pensilvania.

La máscara de la Muerte Roja. Cuento de La máscara de la Muerte Roja

terror, escrito en 1842por el poeta y novelista
estadounidense Edgar Allan Poe.

Trama

Relata que hace mucho tiempo existía la

muerte roja, que había devastado todo el
país, había una peste fatal y espantosa, su
sangre producía primero dolores agudos y
mareos repentinos, luego un sangrar profuso
licuefacto, por los poros. La sangre era su
avatar, su sello el rojo y el horror de la sangre
cuando alguna víctima era atacada por esta
peste era causa de muerte. El príncipe
Autor(a)(es)(as) Edgar Allan Poe
mandó a hacer una muralla sólida y elevada
cuyos portones eran de hierro, una vez
adentro se celebró con vino, música y
bailarines, adentro había seguridad y afuera
la muerte roja. El príncipe Próspero ofreció a
sus amigos un baile de máscaras, para esto País Estados
su castillo consta de siete aposentos Unidos
pintados cada uno de diferente color y con
vitrales del mismo tono de las paredes, a excepción de una pieza, la habitación negra,
la cual tiene los vitrales pintados de rojo, creando un ambiente terrorífico y fantasmal.
Mientras que los miles de amigos del príncipe disfrutan de la fiesta miles de personas
mueren por la peste y sin ninguna ayuda. Todos en el castillo bailan y se pasean por los
aposentos excepto por el negro, además de haber un reloj de ébano que da su hora y
suena como campanas dando terror, espanto. Durante el transcurso de la fiesta
Próspero se fija en un extraño disfrazado con una manta negra y una máscara roja que
representa una víctima de la peste, el príncipe que se siente gravemente insultado por
ello requiere al desconocido que se identifique, para horror de todos los invitados no
solo se revela como víctima de la enfermedad, sino como la personificación de la misma
muerte. A partir de ese momento todos los ocupantes del castillo contraen la
enfermedad y mueren.

Personajes

 La máscara roja: el que trae la peste.

 Los amigos del príncipe.
 El príncipe: el encargado de mandar y gobernar.
 Duque: el encargado de elegir los efectos y colores.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

 Elegía a la muerte de Atahualpa
de Autor controvertido
Nota: Traducción del quichua por Juan León Mera. Existen desacuerdos sobre el autor
original del poema.

En un corpulento guabo y el sol entrando en ocaso

un viejo cárabo está reinaba la oscuridad.
con el lloro de los muertos
llorando en la soledad; Al mirar los sacerdotes
y la tierna tortolilla tan espantosa maldad,
en otro árbol más allá, con los hombres que aún vivían
lamentando tristemente se enterraron de pesar.
le acompaña en su pesar.
¿Y por qué no he de sentir?
Como niebla vi los blancos ¿Y por qué no he de llorar
en muchedumbre llegar, si solamente extranjeros
y oro y más oro queriendo, en mi tierra habitan ya?
se aumentaban más y más. ¡Ay!, venid hermanos míos,
juntemos nuestro pesar,
Al venerado padre Inca y en ese llano de sangre
con una astucia falaz lloremos nuestra orfandad,
cogiéronle, y ya rendido y vos, Inca, padre mío
le dieron muerte fatal. que el alto mundo habitáis
estas lágrimas de duelo
¡Corazón de león cruel, no olvidéis allá jamás.
manos de lobo voraz,
como a indefenso cordero ¡Ay! No muero recordando
le acabasteis sin piedad! tan funesta adversidad.
Reventaba el trueno entonces ¡Y vivo cuando desgarra
granizo caía asaz, mi corazón el pesar!

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

Pablo Picasso

Pablo Diego José Ruiz Picasso, nació en Málaga España, el 25 de octubre de 1881.
Primer hijo del matrimonio entre José Ruiz Blasco y María Picasso
López; no fueron sus habilidades como estudiante los que lo
hicieron destacar precisamente, fue su facilidad para el dibujo que
desde muy niño lo hizo resaltar.
El trabajo de su padre los llevó a trasladarse frecuentemente de
lugar, primero a la Coruña y luego a Barcelona. Inicia este
pequeño sus estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de
San Fernando en Madrid, en 1896, más adelante y tan solo con
15 años de edad, instala en la Ciudad Condal, su primer taller.
PICASSO COSECHANDO ÉXITOS DESDE MUY JOVEN

Los éxitos empezaron a brotar desde sus 17 años, le fue otorgada una mención
honorífica, gracias a su obra Ciencia y caridad, en la gran exposición de Madrid y
también presentó su primera galería individual en Barcelona.
Tuvo la oportunidad de visitar París en 1900, para observar la Exposición Universal,
un año más tarde dio inicio a lo que se le conoce como “período azul”, expone su primera
muestra al siguiente año y se traslada a Paris definitivamente en 1904.
En 1907 pintó, Las señoritas de Aviñón, una obra experimental de las líneas maestras
del cubismo. Al iniciar en 1914 la guerra mundial, abandonó el cubismo y fue en 1917
cuando se le asignó realizar los decorados del ballet Parade de Eric Satie, una gran
responsabilidad que asumió con orgullo.

Contrajo matrimonio con Olga Klochlova bailarina y quien trajo a este mundo su
primogénito. Una relación que terminó a causa de su romance con Teresa y quien lo
hizo padre, esta vez de una Maya, su pequeña hija. Posteriormente el amor volvió a
aparecer con Dora Maar.
En 1937 pintó el Guernica en París, luego se vio obligado a trabajar durante la mayor
parte del tiempo de la Segunda Guerra Mundial, en su refugio de Royan. Se afilió en
1944, al Partido Comunista francés y se hace nuevamente padre de dos pequeños, al
conocer la pintora Françoise Guillot.
Su vida amorosa siguió su curso, esta vez en 1957 con Jacqueline Roqué y con quien
compartió, hasta el día de su muerte en 1973.

PABLO PICASSO (1883-1973): LAS SEÑORITAS DE LA CALLE AVIÑÓN (1907)

La exposición Splendeurs et misères. Images de la

prostitution 1850-1910, que toma el título de una
novela de Balzac (Splendeurs et misères des
courtisanes), en el museo de Orsay en París, es un
duro retrato de la condición femenina en el segundo
imperio francés, principalmente, la cara oculta del
urbanismo de Haussmann, marcada por los
estragos de la sigilos y la doble moral. Muestra
también la influencia de la prostitución en el arte
pictórico y fotográfico, así como las inevitables

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

relaciones entre ambas prácticas, venales y artísticas, dedicadas al cuidado y la
exhibición de la imagen.
La exposición concluye con una posible respuesta a una pregunta, pero que no creo
nadie haya planteado pese a su obviedad. ¿Por qué Picasso pintó las prostitutas de la
barcelonesa calle de Aviñón con mascaras africanas? ¿Porque utilizó esta iconografía
precisamente para retratar prostitutas?
La yuxtaposición de un tema común en el arte finesecular y de principios del siglo XX,
la imagen de la casa de citas o del prostíbulo, con imágenes africanas, parece
incongruente. Pero quizá no lo fuera, sugiere la exposición. Las caras deformadas
(exaltadas, ocultadas, transformadas) por el maquillaje, que debía ser exagerado y con
trazos casi caricaturizados para poder soportar la hiriente luz eléctrica que se iba
imponiendo y que aplanaba los rostros y los convertía en lívidas faces, eran comunes.
El espacio del teatro y del cabaret en el que las prostitutas se exhibían también invitaba
al sobre empleo del maquillaje para llamar la atención en lugares ya cargados de
imágenes chillonas. Los rostros de las prostitutas eran máscaras, no porque
escondieran su rostro -aunque a veces la desfiguración sifilitica obligaba al recurso del
espeso maquillaje-, sino porque tenían que resaltarlo excesivamente.
Picasso utilizaría así las mascaras más extrañas o insólitas que acababa de conocer
para acentuar la condición patibularia de las prostitutas. Aquélla quedaba
definitivamente registrada por el porte de la mascara que deformaba violentamente el
rostro quizá sifilitico de las mujeres. El origen africano de las máscara, ajeno al mundo
clásico naturalista, acentuaba la condición marginal de esas mujeres, todo y llamando
la atención del espectador (masculino).
Quizá, pues, el retrato más descarnado y veraz de un prostíbulo lo ofreciera Picasso en
un cuadro, juzgado casi siempre como una ruptura formal con la tradición, que en efecto
la introduce, pero que en verdad profundiza en esta tradición considerada como el medio
más eficaz, aparte de la fotografía, para desvelar lo que las formas esconden, en este
caso la miseria humana. Las prostitutas de la calle Aviñón aparecería, así, como un
perfecto cuadro naturalista.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

La Noche Estrellada, Van Gogh
El cuadro La Noche Estrellada de Vincent Van Gogh es
una de las obras más famosas del mundo, apreciada por
décadas por sus formas sinuosas y azules profundos,
para decorar es un gran valor.

Origen del Cuadro

Pintado en 1889, la obra trata de las vistas nocturnas que
tenía Van Gogh desde su habitación en el sanatorio mental
de Saint-Remy, donde pasó los últimos años de su vida.

En segundo plano el pueblo, cuya tranquilidad y colores

sombríos contrasta con la enérgica composición del cielo,
donde sus voluptuosas texturas y trazos en espiral transmiten vivacidad y dinamismo. Se
dice que Van Gogh expresaba así que la obra está centrada en el cielo y no en la tierra.

Autor: Vincent van Gogh Técnica: Óleo

Está en: Los más famosos y más Soporte: Lienzo

vendidos
Año: 1889
Estilo: Postimpresionismo
Género: Paisaje
Título original: La Nuit étoilée
Tema: Naturaleza, Vida en las afueras
Título (inglés): The Starry Night
Se encuentra en: Museo MoMA, Nueva
Tipo: Cuadro York

La Noche Estrellada en Cartas de Vincent

Según comentaba el artista en una de sus cartas a su hermano Theo, esta era la visión
del pueblo que él contemplaba por la madrugada desde su ventana. La gran estrella
iluminada de blanco, que el artista define en su carta como “la estrella de la mañana”, es
realmente el planeta Venus según los expertos.
También menciona su enorme deseo de pintar el cielo en una carta dirigida a Émile Bernard
(también pintora postimpresionista de la época) “¿Cuándo voy a conseguir hacer el cielo
estrellado, ese cuadro que siempre está en mi mente?” decía en junio de 1888.

Influencias de Van Gogh en el Arte

No sólo es uno de los cuadros más reproducidos y versionados de la historia, ha ido mucho
más allá, inspirando a artistas pictóricos y de otras disciplinas, uno de los famosos es Don
Mclean quien al leer la vida de Van Gogh se inspiró en el cuadro para escribir su canción
más famosa: “Vincent”. Mclean, declarado admirador de la obra y vida del pintor, escribe
emotivas palabras:

“Y cuando no quedaba esperanza en una noche estrellada, tomaste tu vida como suelen hacer
los amantes, pero podría haberte dicho: Vincent este mundo nunca fue para personas tan
bellas como tú”
Actualmente la obra se encuentra como exposición fija en el MOMA, The Museum of Modern
Art de Nueva York.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

 TERRAZA DE CAFÉ POR LA NOCHE

Datos principales Estilo

Autor Neo-Impresionismo
VAN GOGH VINCENT Dimensiones
Fecha 81 x 65´5 cm.
1888 Museo
Material Museo Kröller Müller
Oleo sobre lienzo Ver en Maps
Van Gogh presenta la terraza de un elegante café situado en la plaza del Forum,
en el centro de Arles. Las luces del gas y de las estrellas iluminan la composición
especialmente la zona del velador, donde contemplamos las pequeñas mesas y
las sillas con los clientes, así como a la camarera. Por la calle, más en penumbra,
varias figuras pasean. Vincent siente una fuerte atracción por la luz de la noche
bien sea artificial - Café nocturno - o natural - Noche estrellada sobre el Ródano -
. Esta escena que contemplamos une perfectamente ambas. El pintor se interesa
por mostrar con detalle la terraza empleando una pincelada suelta, sin dar
minuciosidad pero sin saltarse los detalles, estilo que había exhibido Goya unos
80 años antes. La zona de los adoquines está pintada empleando pequeños
toques de pincel en forma de oruga, que caracterizarán buena parte de su obra.
Las sombras de la luz de gas son moradas, recordando al Impresionismo en sus
conceptos lumínicos. Los colores que tanto gustan a Vincent, el azul y el amarillo,
llenan la composición mostrando la alegría que inunda el espíritu del artista,
quien espera impaciente la llegada de Gauguin para formar una sociedad de
artistas en la casa amarilla. Como se observará en las obras realizadas en Arles,
Vincent tomará como temática los elementos más cercanos, sin preocuparse por
la profundidad ni el simbolismo de esos asuntos. Su creación es totalmente libre
y crea lo que ve inspirándose en la naturaleza.

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“La última cena” de Leonardo Da Vinci

“La última cena” es una de las pinturas más conocidas y famosas de Leonardo
Da Vinci, el humanista por excelencia del Renacimiento. Muchos expertos la
consideran una de las mejores obras de la pintura de todos los tiempos.
Pero, ¿sabes qué tamaño tiene o dónde está el original? ¿Sabes por qué pintó
Da Vinci esta escena o en cuál de los cuatro evangelios de inspira? ¿Te has
preguntado alguna vez quién es quién en la pintura? Estas y otras preguntas
más las responderemos ahora mismo.
¿Por qué pintó Leonardo da Vinci “La última cena”?
“La última cena” fue un encargo que le hizo el duque de Milán, Ludovico Sforza,
en el año 1482. Pero no fue hasta el año 1495 cuando Leonardo empezó el
encargo, tardó algunos años en terminar.
¿Qué tamaño tiene?
“La última cena” mide 460 x 880 cm, y ocupa una gran pared. Nada que ver con
las reproducciones que suelen verse habitualmente.
¿Dónde se encuentra?
Da Vinci pintó “La última cena” en el refectorio del convento de Santa Maria delle
Grazie en Milán, Italia.
¿Cuánto tiempo tardó a Leonardo pintar “La última cena”?
Comenzó a trabajar en ella en el año 1495. Unas fuentes dicen que acabó en
1497, otras que no finalizó su trabajo hasta 1498.
¿Por qué se trata de una composición tan destacada?
En primer lugar, porque los discípulos muestran emociones muy humanas e
identificables. Escenas como esta ya se habían pintado antes, pero Leonardo
fue el primero en representar a personas reales que actúan como tal.
En segundo lugar, destaca la perspectiva, que es increíble. Se puede ver que
cada elementos de la pintura dirige la atención directamente a la cabeza de
Cristo, en el centro de la misma.
¿Qué describe la escena?
“La última cena” de Leonardo da Vinci representa su propia interpretación visual
de los que se narra en los cuatro evangelios. En concreto, “La última cena”
muestra los instantes siguientes al momento en el que Cristo dijo que sabía que

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

uno de los discípulos lo traicionaría antes de la salida del sol, cuando cada uno
de los doce reacciona la noticia con diferentes grados de horror, ira y conmoción.
¿Quiénes están representados?
Mirando de izquierda a derecha, en primer lugar aparecen Bartolomé, Santiago
y Andrés forma un grupo de tres. Todos están horrorizados.
A continuación aparece otro grupo de tres formado por Judas, Pedro y Juan.
Judas, agarrando una bolsa, se da cuenta y tiene el rostro en sombra. Pedro está
visiblemente enojado. Juan, con aspecto afeminado, parece estar a punto de
desmayarse.
Después aparece la figura de Cristo, en el centro, manteniendo la calma.
Después aparece otro grupo formado por Tomás, Santiago el Mayor y Felipe.
Tomás está claramente agitado, Santiago se muestra aturdido y Felipe parece
que está pidiendo explicaciones.
En el último grupo aparecen Mateo, Judas Tadeo y Simón.
¿Por qué “La última cena” se cae a pedazos?
En esta obra, Leonardo utilizó una técnica nueva en vez de la que se empleaba
habitulamente para hacer los frescos. En vez de utilizar yeso húmedo usó una
técnica de su propia invención a base de yeso seco. Obtuvo una gama de colores
más amplia de lo habitual, pero poco después empezó desprenderse. Desde
entonces se está buscando una solución.
¿Por qué Jesús no tiene pies?
Leonardo sí pintó los pies. Pero hacia 1650 a algún listo se le ocurrió la idea de
que en esa pared debería haber una puerta y se llevó los pies de Cristo por
delante. En algunos lugares comentan este hecho con humor dando gracias
porque a este individuo no se le ocurriera abrir una ventana.
¿Se autorretrata Leonardo en “La última cena”?
Se dice que Leonardo se pintó a sí mismo en la figura de Judas Tadeo. De hecho,
la figura de Judas Tadea tiene algunos rasgos que recuerdan al propio Leonardo.
Muchos son los misterios que envuelven “La última cena” de da Vinci y muchos
los estudios que se han hecho sobre esta obra.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

 El cuadro que dio nombre al Impresionismo

 Título original: Impression, soleil levant

 Museo: Museo Marmottan-Monet, París (Francia)
 Técnica: Óleo (47 cm × 64 cm.)
 Escrito por: Miguel Calvo Santos
Lo pintó Monet y con él revolucionó la historia del arte. Había nacido
el impresionismo. Teniendo en cuenta que si eras pintor en la Francia, sólo
podías exponer en el Salón de París, es normal que se creara el Salón de los
rechazados, donde el arte podía seguir su curso lejos de los acartonamientos
de la academia. En 1874, unas 3500 personas acudieron a la primera
exposición impresionista y se quedaron con la boca abierta… Todo era
demasiado moderno. Las burlas fueron generalizadas y el crítico Louis
Leroy escribió:

Al contemplar la obra pensé que mis gafas estaban sucias. ¿Qué representa esta
tela?…, el cuadro no tenía derecho ni revés…, ¡Impresión!, desde luego produce
impresión…, el papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta
marina…
Los autores, rápidamente tomaron prestada esta crítica para bautizar al
nuevo movimiento, que como sabemos, acabaría por convertirse él mismo con
el tiempo en academicista. Monet se convertiría en líder de la nueva
pintura. Las pinceladas aquí son inauditas: libres, rápidas y directas.
La composición aparentemente espontánea permite a las formas
desaparecer casi por completo. Fue tan moderno que los jóvenes artistas
empezaron a pintar así. Se dejaron largas barbas, salieron al exterior a pintar y
convirtieron la luz en el tema principal del cuadro. La pintura fue robada del
museo en 1985 y recuperada en 1990.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

Juan Montalvo
(1832/04/13 - 1889/01/17)
Escritor y filósofo ecuatoriano

 Obras: Siete tratados, Las Catilinarias,

Geometría moral...
 Género: Ensayo, periodismo
 Nombre: Juan María Montalvo Fiallos
 Cónyuge: María Manuela Guzmán

Nació el 13 de abril de 1832 en Ambato, Tungurahua.

Fue uno de los ocho hijos de Josefa Fiallos y José
Santos Montalvo.
Se crió en la cercana quinta de Ficoa. Tuvo el rostro
marcado a causa de las viruelas que padeció en
1836.
Su hermano Francisco fue encarcelado y posteriormente desterrado por
enfrentarse a la dictadura de Juan José Flores.
Entre 1846 y 1848 estudió gramática latina en el colegio San Fernando, después
cursó estudios de filosofía en el seminario San Luis, donde recibió el grado de
maestro. Posteriormente ingresó a la Universidad de Quito para estudiar
Derecho.
Su obra se desarrolla en varios campos, sobre todo en el periodismo político de
corte liberal, dirigido contra los dirigentes conservadores de su país: El
Cosmopolita y Las Catilinarias(1866-1882).
En junio de 1876 aparecen los opúsculos que constituirían "El Regenerador",
serie que se publicará hasta 1878. El más importante de estos escritos es
"Lecciones al Pueblo. En su libro Siete tratados (1882) trata temas filosóficos,
episodios de la historia hispanoamericana, personalidades del continente.
Su interés por la obra de Cervantes le hace escribir Capítulos que se le olvidaron
a Cervantes (1895). Además destaca Geometría moral (1917), donde hace
consideraciones sobre la ética. Otros títulos suyos son Mercurial
eclesiástica (1884), El Regenerador (1878) y El Espectador (1888).

Tuvo con María Manuela Guzmán, ambateña, a la que conoció cuando contaba
28 años, su primera relación. Él tenía 31. Con ella tuvo a su hijo Juan Carlos
Alfonso, que fue bautizado el 29 de julio de 1866. Después fueron padres de
María del Carmen, nacida en Ambato el 8 de mayo de 1869.
Juan Montalvo falleció de tuberculosis en París el 17 de enero de 1889.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA

Obras de Juan Montalvo

 El Cosmopolita: revista política y literaria publicada entre 1866 y 1869.

 El Regenerador: doce entregas publicadas entre 1876 y 1878
 Las Catilinarias: doce ensayos publicados entre 1880 y 1882
 Siete tratados: dos tomos de ensayos publicados entre 1882 y 1883.
 Capítulos que se olvidaron de Cervantes: obra póstuma que se
conoció en 1895. Es una continuación de la famosa obra Don Quijote de
la Mancha.

NOMBRE: WILSON PATRICIO LANDA