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1 al 25 AGOSTO 2018
67EDICION

Dossier
de Prensa
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 Ciclo
GRANDES
CONCIERTOS

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 Ciclo GRANDES CONCIERTOS

L
a Orquesta Sinfónica y
Coro Radiotelevisión Es-
Miércoles, 1 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. pañola es una formación
sinfónico-coral dedicada a
ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE la interpretación y difusión
de la cultura musical de ca-
Barry Douglas, piano lidad, dentro del marco de la Corporación
Miguel Ángel Gómez Martínez, director GOBIERNO MINISTERIO
RTVE. Es la única institución de su género
en España queDEcumple
DE ESPAÑA CULTURA, CULTURA
una función au-
Y DEPORTE
Programa diovisual intrínseca, pues casi todo cuan-
to interpreta se difunde a través de TVE,
I RNE y RTVE.es, al tiempo que desarrolla
Ludwig van Beethoven una intensa actividad en la grabación de
sintonías de radio y televisión, así como
• Obertura de Coriolano Op. 62
de bandas sonoras de series de TVE y de
• Concierto para piano y orquesta n. 3 en do menor Op. 37 películas.
II Actualmente la Orquesta celebra más de
85 conciertos cada año distribuidos en la
Piotr Ilich Tchaikovski
Temporada de conciertos, Ciclo de Jóve-
• Sinfonía n. 4 Op. 36 nes Músicos, OBISPADO
Ciclo Coral, DECiclo de “Los
Conciertos deSANTANDER
Radio Clásica” (Música de
Cámara), así como galas líricas y otros
conciertos extraordinarios y pedagógicos.
Su presencia es habitual en los principales festivales españoles (Festival Internacional de Música y Danza de
Jornada patrocinada por:
Granada, Festival Internacional de Santander, o Semana de Música Religiosa de Cuenca), y su dimensión
internacional se forja a través de los intercambios con la UER (Unión Europea de Radiotelevisión), y de sus
actuaciones en el extranjero, entre las que destacan Carnegie Hall de Nueva York (1971), Royal Festival Hall
de Londres (1975), Tonhalle de Zúrich (1986), Théâtre du Châtelet de París (1986), Suntory Hall de Tokio
(1988), L’Arsenal de Metz (1989), Estrasburgo (1998), Festival de Otoño en Varsovia (2008), entre otras.
En 2007, la Orquesta Sinfónica realizó una gira de conciertos en distintos auditorios de Japón. Próximamen-
te la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE, en su proyecto de internacionalización, impulsará más actividades en
el extranjero a propósito del convenio de colaboración con la Orquesta Metropolitana de Lisboa y con el
Coro Filarmónico Vaticano.
Entre los galardones recibidos figuran la ‘Medalla de Honor’ del Festival Internacional de Música y Danza de
Granada; ‘Antena de Oro Extraordinaria’ de la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión de España;
‘Premio Iris a la Mejor Banda Sonora’ por la serie de TVE ‘Isabel’; y ‘Premio Iris Especial’ de la Academia de
las Ciencias y las Artes de Televisión a la Orquesta Sinfónica RTVE por sus 50 años de brillante trayectoria
Orquesta de RTVE profesional y por su aportación a la cultura musical española. En 2016 el Coro RTVE recibía el premio Bravo
de la Conferencia Episcopal y en 2017 la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE recibía un premio honorífico de la
Semana de Música Religiosa de Cuenca por su trayectoria y aportación al mundo musical de nuestro país.

Barry Douglas disfruta de una excepcional carrera internacional desde que en 1986 ganó la Medalla de
Oro en el Tchaikovski International Piano Competition en Moscú. Es director artístico de Camerata Ireland y
del Clandeboye Festival, que se celebran en su Irlanda natal, y mantiene, a su vez, un ocupado calendario
de giras internacionales.
Barry Douglas abrió la temporada 2017/2018 interpretando a Tchaikovski con The Halle Orchestra, para
seguir con nuevas colaboraciones con Endellion String Quartet y Borodin Quartet. Ha realizado una gira de
recitales en Reino Unido y EE. UU. y ha tocado con orquestas en todo el mundo, desde Canadá a Europa,
pasando por China y Rusia, como BBC Scottish Symphony, London Symphony, Russian National, Cincinnati
Symphony, Singapore Symphony, Berlin Radio Symphony, Staatskapelle, The Halle, Orchestre National de
France, Seattle Symphony, Melbourne Symphony, Royal Liverpool Philharmonic y Hong Kong Philharmonic.
En la temporada 2016/2017, Douglas ha realizado dos ciclos con todos los conciertos para piano de Tchai-
kovski en Irlanda, con la RTÉ National Symphony Orchestra en Dublín y Ulster Orchestra en Belfast. También
ha interpretado el primer concierto para piano de Tchaikovski con la London Symphony Orchestra, y ha
inaugurado la temporada de conciertos de St. Petersburg Philharmonia, conmemorando el 30 aniversario
de su Medalla de Oro en el Concurso Internacional Tchaikovski de Moscú.
Entre sus próximos compromisos figuran actuaciones en BBC Proms in the Park con la Ulster Orchestra, una
Barry Douglas gira por el Reino Unido con la Russian State Symphony Orchestra y conciertos con las orquestas d’Auvergne,
(© Katya Kraynova) la Sinfónica de Barcelona, la Filarmónica de Bogotá y la Vancouver Symphony.
Ha estrenado el cuarto concierto para piano de Kevin Volans con el Birmingham Contemporary Music
Group.

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Barry Douglas es artista en exclusiva del sello Chandos. Ha concluido recientemente la grabación de la obra
completa para piano de Brahms: seis álbumes con los que ha recibido muchos elogios de la crítica. Cada
álbum se presenta como un recital independiente, proporcionando una variada y atractiva experiencia au-
ditiva.
Sus últimos proyectos discográficos incluyen la obra completa para piano solo de Schubert y Tchaikovski,
así como una vision de la música folk irlandesa con sus propios arreglos, en los que trabaja con melodías
antiguas a través de piezas de compositores contemporáneos. El primero de esta serie, Celtic Reflections, se
lanzó en septiembre de 2014.
Douglas fundó Camerata Ireland en 1999 para celebrar y cultivar lo mejor de los músicos jóvenes tanto de
Irlanda del Norte como de la República de Irlanda. Además de la búsqueda de la excelencia musical, uno de
los objetivos de la orquesta es promover el proceso de paz en Irlanda, favoreciendo el diálogo y la colabo-
ración a través de sus programas de educación musical.
Recibió la Orden del imperio Británico (OBE) en la 2002 New Year’s Honours List por sus servicios a la música.

Miguel Ángel Gómez Martínez nació en Granada. Hijo de músicos, dirigió su primer concierto público a
los siete años, al frente de la Banda Municipal de Música de la ciudad. Estudia piano, violín y composición
en Granada, Madrid y Estados Unidos, así como dirección de orquesta en Viena, siendo alumno destacado
de Hans Swarowsky. Se le otorgan las becas Manuel de Falla (1963) y Fundación March (1967). Obtiene el
título de profesor de piano a los 13 años, el de virtuosismo del piano y composición a los 17 con, premio
extraordinario del Conservatorio de Madrid, y de dirección de orquesta a los 21 años, con premio extraor-
dinario del Ministerio de Ciencia e Investigación de Austria, siendo el titulado más joven de la historia de la
Universidad de Música y Arte Dramático de Viena.
Gómez Martínez ha sido invitado por los teatros de ópera más famosos del mundo, entre los cuales se
podrían citar la Deutsche Oper de Berlín, los teatros de la Ópera de Viena, Múnich, Hamburgo, Convent
Garden de Londres, Grand Theatre de Ginebra, Opera de Zürich, Opera de Paris, Houston Grand Opera, Lyric
Opera de Chicago, el Teatro Comunale de Florencia, la Fenice de Venecia, Ópera de Roma, Teatro San Carlo
de Nápoles, Scala de Milán, Teatro Colón de Buenos Aires, Teatro Real de Madrid, Gran Teatro del Liceo de
Barcelona, Teatro Wielki de Varsovia, Opera de Budapest, Opera de Estocolmo y Opera de Copenhague. Ha
dirigido igualmente en los festivales de Berlín, Viena, Múnich, Macerata, Granada, Santander, San Sebastián,
Perelada, Savonlinna, Helsinki, Salzburgo, Festival Enescu Bucarest, Festival de Pascua de Bayreuth, Festival
Miguel Ángel Gómez Martínez Beethoven de Varsovia y otros muchos.
Sus numerosos conciertos, ofrecidos tanto en Europa como en los Estados Unidos y Extremo Oriente, le han
llevado a dirigir las más prestigiosas orquestas del mundo: tales como la Orquesta Filarmónica de Viena,
Orquesta Gewandhaus de Leipzig, la Staatskapelle de Dresde, Orquesta Sinfónica de Viena, Orquesta Royal
Philarmonic de Londres, y Orquesta Filarmónica de Londres, Orquesta de la Ópera de París, Orquesta de la
Radio de Baviera, Orquesta de la Radio de Colonia y Orquesta de la Radio de Berlín, Orquesta de la Suisse Ro-
mande, Orquesta Sinfónica de Bamberg, las orquestas Filarmónica de Hamburgo y Sinfónica de Hamburgo,
Orquesta de Mannheim, I Cameristi de La Scala de Milan, English Chamber Orchestra, Orquesta Sinfónica de
Berna, Orquesta Filarmónica de Helsinki, Orquesta Sinfónica de Houston, Orquesta de la Ópera de Varsovia
y Orquesta Filarmónica de Varsovia, Orquesta Sinfónica de Denver, Orquesta Sinfónica de Euskadi, Orquesta
Brückner de Linz, Orquesta Filarmónica del Teatro Colón de Buenos Aires, Orquesta Sinfónica y Orquesta Fi-
larmónica de Buenos Aires, Orquesta del Teatro La Fenice de Venecia, Orquesta Yomiuri Symphony, Orquesta
del Teatro San Carlo de Nápoles, Orquesta Sinfónica de Tokio, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orquesta Filar-
mónica Marchiggiana, Orquesta de Valencia, Orquesta Sinfónica de Berlín, Orquesta Filarmónica de Osaka,
Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Filarmónica de la Radio de Holanda, Orquesta Sinfónica de la Radio
de Copenhague, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Filarmónica de Oslo, Orquesta Filarmónica de
Budapest, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica RTVE, Orquesta Ciudad de Barcelona, Orquesta
Filarmónica de Tokio, Orquesta del Teatro Massimo de Palermo, Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino,
Gran Orquesta del Festival de Pascua de Bayreuth, Orquesta de la Ópera de Roma, y Real Orquesta Sinfónica
de Copenhague, entre otras.
Entre 1984 y 1987, Miguel Ángel Gómez Martínez fue Director Titular de la Orquesta Sinfónica RTVE y entre
1985 y 1991, fue director artístico del Teatro de la Zarzuela de Madrid. Desde 1989 a 1993 fue director
artístico y musical de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, y de la New Finnish Nacional Opera Helsinki de 1993
a 1996. Durante tres años, de 1990 a 1993, fue director general de música de la ciudad de Mannheim.
De 1992 a 2000, ocupa el cargo de director titular de la Orquesta Sinfónica de Hamburgo, de la que ha
sido nombrado director de honor a perpetuidad. Entre 1997 y 2005 es director musical de la Orquesta de
Valencia.
Afincado en Suiza, durante cuatro años asume el cargo de director general de música del Teatro de Berna
desde 2000 a 2004. En la actualidad y desde 2004 es director musical de la Orquesta del Festival de Pascua
de Bayreuth. Desde septiembre de 2016 es el director titular y asesor artístico de la Orquesta Sinfónica RTVE.

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 Ciclo GRANDES CONCIERTOS

Martes, 14 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales.

LONDON SYMPHONY ORCHESTRA

Simon Rattle, director
Programa
Gustav Mahler
• Sinfonia n. 9
Joaquín Achúcarro

L
Jornada patrocinada por: a London Symphony Orchestra traslada la mejor música al mayor número de personas.
Esta idea es el espíritu de todo lo que hace. Su compromiso de servir a la música y a las per-
sonas que aman la música se ha ido desarrollando desde hace más de cien años. Creada en
1904 por un grupo de los mejores músicos de Londres, la London Symphony Orchestra es un
colectivo musical autogestionado que se basa en la complicidad y la colaboración artística.
La orquesta sigue siendo propiedad de sus miembros y tiene un sonido característico que
emana del celo y el virtuosismo de estos noventa y cinco músicos brillantes provenientes de todo el mundo;
su música se mantiene firmemente en el centro de las actividades de la orquesta.
La London Symphony Orchestra es orquesta residente en el Barbican Centre, en la City de Londres, donde
El binomio ofrece setenta conciertos sinfónicos al año, y lleva a cabo otros setenta conciertos en gira por todo el mun-
do. La orquesta trabaja con una familia de artistas que incluye a los más grandes directores: Sir Simon Rattle
más esperado: como su director musical; Gianandrea Noseda y François-Xavier Roth como principales directores invitados;
Rattle y la London Michael Tilson Thomas como director laureado y André Previn como director emérito. LSO Discovery, el pro-
Symphony grama educativo y de la comunidad que lleva la orquesta desde su sede en LSO St Luke’s, acerca el trabajo
Orchestra de la orquesta a todos los sectores de la sociedad y llega a sesenta mil personas cada año.
La London Symphony Orchestra se extiende mucho más allá con su propio sello discográfico —LSO Live, el
primero de este tipo, desde 1999— y ahora transmite su música a millones de personas en todo el mundo.

clásica
London Symphony Orchestra
(© Ranald Mackechnie)

6 Asociación Española de Festivales de Música Clasica

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67EDICION
Miércoles, 15 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales.

LONDON SYMPHONY ORCHESTRA

Simon Rattle, director
Programa
I
Antonin Dvorák
• Danzas eslavas Op. 72
II
Maurice Ravel
• Ma mére l’oye ballet
Léos Janácek
• Sinfonietta

S
ir Simon Rattle ha sido director titular de la Berliner Philharmoniker y director artístico de
la Berliner Philharmonie, desde 2002. Su extenso repertorio, tanto en concierto como en
ópera, abarca desde el Barroco hasta la era contemporánea.
Es, asimismo, director principal invitado de la Orchestra of the Age of Enlightenment, y co-
labora con las principales orquestas a ambos lados del Atlántico. Antes de asumir su puesto
al frente de la Berliner Philharmoniker, había colaborado con la Orquesta durante quince
años. Varias de sus grabaciones conjuntas, realizadas en la Philharmonie, han recibido prestigiosos premios.
Nacido en Liverpool en 1955, estudió en la Royal Academy of Music de Londres. A los veinticinco años,
comenzó su estrecha colaboración con la City of Birmingham Symphony Orchestra (CBSO), inicialmente
como director y consejero artístico y, más tarde -hasta 1998- como director titular. Su incansable labor y
sus visionarios proyectos artísticos colocaron a la CBSO entre las más destacadas orquestas internacionales.
Con el fin de hacer llegar el trabajo de la Berliner Philharmoniker a los jóvenes de los más diversos medios
sociales y culturales, creó el programa educativo de la Orquesta, que le permite conseguir nuevos acerca-
mientos en la difusión de su música.
En reconocimiento a este compromiso, así como a su labor artística, Sir Simon Rattle ha recibido numerosos
premios y distinciones: en 1994 fue nombrado Caballero por la Reina Isabel II; en 2009, obtuvo el premio
Don Juan de Borbón de la música en España; la medalla de oro “Gloria Artis” del Ministerio de Cultura de
Polonia; la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania; en 2010 la Orden de Caballero de la Le-
gión de Honor en Francia; en 2013 el premio Léonie Sonning de la fundación homónima en Copenhague;
y en 2014 fue elegido miembro de la Orden del Mérito por la Reina Isabel II.
En 2013, anunció que no renovaría su contrato como director titular de la Berliner Philharmoniker, tras su fi-
nalización, en 2018. En 2015, dio a conocer su nombramiento como director titular de la London Symphony
Orchestra, cargo que ocupa desde septiembre de 2017.

Simon Rattle
(© Stephan Rabold)

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 Ciclo GRANDES CONCIERTOS

L
a NDR Elbphilharmonie
Orchester ha abierto un
Martes, 21 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. nuevo capítulo en su his-
toria y ha encontrado una
NDR ELBPHILHARMONIE ORCHESTRA
sede artística contempo-
Christian Gerhaher, barítono ránea con su traslado a la
Krzysztof Urbanski, director sala Elbphilharmonie.
El 11 de enero de 2017 tuvo lugar el
Programa fantástico concierto de apertura del es-
pectacular edificio nuevo, situado junto
I al río Elba, una cita que fue retransmitida
Gustav Mahler en directo por televisión, radio y canales
• Sinfonía n. 10 digitales y que despertó un notable inte-
rés en todo el mundo.
Adagio
El director principal, Thomas Hengel-
• Des Knaben Wunderhorn brock, y la NDR Elbphilharmonie Orches-
Lied des Verfolgten im Turm ter interpretaron un repertorio con obras
Wer hat dies Liedlein erdacht que abarcan desde el Renacimiento has-
Rheinlegendchen ta nuestros días, mostrando así todas las
Wo die Schonen Trompeten blasen posibilidades que ofrece la nueva sala.
Revelge Su actuación constituyó un nuevo cami-
Der Tambourg’sell no para el futuro.
Como orquesta residente, la NDR Elb-
Urlicht
philharmonie Orchester asumirá un
II papel importante a la hora de estable-
Johannes Brahms cer el perfil musical de la nueva sala de
conciertos de Hamburgo. Y el potencial
• Sinfonía n. 2
espacial y acústico de la sala tendrá una
influencia notable en el futuro desarrollo
del sonido de la orquesta.
Los sonidos y las imágenes de la Elbphilharmonie pueden verse y escucharse en todo el norte de Alemania
y mucho más allá gracias, en parte, a los propios programas de la NDR.
La NDR Elbphilharmonie Orchestra fue fundada en 1945 como la orquesta de la Radio Alemana del
Noroeste NWDR (Northwest German Radio). Su creación formó parte de un proceso de reconstrucción
cultural e intelectual tras la Segunda Guerra Mundial.
Su primer director principal fue Hans Schmidt-Isserstedt, quien moldeó el perfil artístico de la orquesta
durante más de un cuarto de siglo. Más tarde, el periodo de colaboración con Günter Wand durante
veinte años fue igualmente significativo.
NDR Elbphilarmonie Wand, que ejerció como director principal desde 1982 y que fue nombrado director honorario (de por
vida) en 1987, cimentó la reputación internacional de la orquesta. En concreto, sus interpretaciones de
las sinfonías de Brahms y Bruckner establecieron nuevos estándares y llegaron a ser reconocidas como la
tarjeta de presentación artística de la formación.
Christoph Eschenbach fue designado director principal en 1998 y en 2004, Christoph von Dohnányi con-
tinuo la línea de directores principales de renombre. Desde el principio, Dohnányi fue partidario del plan
para construir el Elbphilharmonie y, como director principal designado para la orquesta en residencia, tuvo
mucha influencia en la decisión del Parlamento de Hamburgo a favor de construir la sala.
En 2011 Thomas Hengelbrock se convirtió en el director principal y desde entonces se ha encargado
de continuar la historia de la orquesta. Su trabajo se ha caracterizado por la planificación de programas
nada convencionales y el placer de experimentar con sus interpretaciones. Ha dotado a la orquesta de un
espíritu musical fresco e inspirador.
Junto al joven y dinámico director Krzysztof Urbanski como principal director invitado, Hengelbrock está
posicionando a la NDR Elbphilharmonie Orchestra como una de las orquestas principales del siglo XXI.
La NDR Elbphilharmonie Orchester mantiene su propia serie de conciertos en Hamburgo, Lübeck and Kiel
y ocupa un papel principal en los grandes festivales del norte de Alemania.
Su prestigio internacional se ve subrayado por giras en toda Europa, Norteamérica y Suramérica, además
de giras regulares en Asia. La orquesta también trabaja en áreas de educación y desarrollo juvenil. En este
sentido, la visión de la orquesta va más allá de las fronteras nacionales. Por ejemplo, en 2015 estableció
una colaboración a largo plazo con la Shanghai Symphony Orchestra, centrada en un proyecto educativo
a gran escala en China.

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Durante sus estudios bajo la tutela de Paul Kuen y Raimon Grumbach, el barítono alemán Christian Ger-
haher asistió a la escuela de ópera de la Academia de la música en Munich, y junto a su pianista habitual
Gerold Huber, estudió lied con Freidermann Berger. A la vez que completaba sus estudios de medicina
perfeccionó su técnica vocal recibiendo clases de Dietrich Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarkopf e Inge
Borkh. En la actualidad Christian Gerhaher ofrece clases magistrales y es profesor honorario en la Univer-
sity of Music and Performing Arts Munich y pertenece a la Bavarian Maximilian Order for Science and Art.
Las grabaciones de lied de Gerhaher y Huber han ganado numerosos premios entre los que se encuentra
el Gramophone Classical Music Award. Han tocado juntos en los principales teatros de New York, Colo-
nia, Concertgebouw de Amsterdam y Berlin Philharmonie.
Es invitado regularmente en el Konzerthaus y Musikverein de Viena, asi como en el Wigmore Hall de Lon-
dres, donde es artista en residencia. Ha actuado en el Festival de música de Rheingau, los Proms de Lon-
dres, los festivales de Lucerna, Edimburgo y Salzburgo. La última temporada, 2016/2017 estuvo marcada
por cuatro actuaciones con Die Schöne Magelone de Brahms en Dinamarca, Heidelberg, Londres y Mu-
nich. Y en la primavera de 2018 junto a Ulrich Tukur y Gerold Huber volverán a repetir la obra de Brahms
en Bamberg, Frankfurt y Viena, a la vez que continúa grabando todas las canciones de Robert Schumann.
Gerhaher ha recibido numerosos premios como cantante de ópera como el premio Laurence Olivier y el
Christian Gerhaher
(© Gregor Hohenberg) premio de teatro Der Faust. Con Riccardo Muti ha ejecutado el rol de Papageno en La Flauta Mágica en
el Festival de Salzburgo en 2006 (grabado en DVD por Decca). En 2009 participó con el rol principal en
Henze’s Prinz von Homburg en el Teatro de Viena. Roles como Don Giovanni de Mozart en Frankfurt, Posa
en Don Carlo en Toulouse, o Olivier en los versiones en concierto de Capriccio en la Royal Opera House
Covent Garden, testimonian lo amplio del repertorio de Gerhaher. El rol de Wolfram en Tannhäuser está
siempre presente en su calendario en teatros como Berlin, Viena, Londres y Munich. Un hito en su carrera
lo constituyó la interpretación del rol principal en la ópera Wozzeck de Alban berg en la Zurich Opera Hou-
se, con la dirección de escena de Andreas Homoki y dirigido por Fabio Luisi. En esta temporada se podrá
escuchar al barítono en dos nuevas producciones de la Bavarian State Opera, como el Conde Almaviva en
Le nozze di Figaro de Mozart y en el Festival de ópera de Munich que inaugurará con el estreno de una
nueva ópera de Heinz Holliger llamada Lunea.
Christian Gerhaher ha actuado con directores como Simon Rattle, Daniel Harding, Herbert Blomstedt,
Bernard Haitink, Christian Thielemann, Kirill Petrenko, Nikolaus Harnoncourt, Pierre Boulez, Daniel Ba-
renboim, Andris Nelsons, Kent Nagano y Mariss Jansons en las principales salas de concierto del mundo.
Numerosas orquestas han invitado al barítono a aprticipar en sus conciertos, como London Symphony
Orchestra, Concertgebouw Orchestra, Filarmónica de Viena y Filarmónica de Berlín, donde fue el primer
cantante en residencia.
Junto a su excepcional Ensemble dirigido por Daniel Harding ha grabado su primer álbum de arias de la
ópera romántica alemana con el que ha recibido el International Opera Award en 2013.
Durante la temporada actual es artista en residencia de la Bamberg Symphony Orchestra con quien inter-
preta Don Giovanni, arias de Schubert y el estreno de la versión orquestal del ciclo de canciones de Jörg
Widmann titulado Das heiße Herz. Bajo la dirección de Simon Rattle ha interpetado la parte de barítono de
La canción de la tierra de Mahler junto a la London Symphony Orchestra en Londres, Luxemburgo y New
York, así como Paradies und die Peri de Schumann con la Filarmónica de Berlín.

En septiembre de 2017 Krzysztof Urbanski comenzó su séptima temporada como director musical de la
Indianapolis Symphony Orchestra. En 2015 se convirtió en el principal director invitado de la NDR Elbphil-
harmonie Orchestra con los que ha realizado giras en Japón y Europa además de sus conciertos habituales
en Hamburgo. Con la orquesta ha grabado para Alpha Classics Hero Song de Lutoslawski y la novena
sinfonía de Dvorak. Su discografía incluye las pequeñas piezas para piano y orquesta de Jan Lisiecki con la
NDR Elbphilharmonie para Deutsche Grammophon y el concierto para violonchelo número 1 de Martinu
grabado para Sony con Sol Gabetta y la Filarmónica de Berlín.
Krzysztof Urbański es director invitado de la Münchner Philharmoniker, Staatskapelle Dresden, London
Symphony Orchestra, Philharmonia Orchestra, Tonhalle Orchestra Zurich, Wiener Symphoniker, Rotter-
dam Philharmonic Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio France, New York Philharmonic, San
Francisco Symphony, Los Angeles Philharmonic, National Symphony Orchestra Washington y Toronto
Symphony Orchestra, entre otras.
En la próxima temporada realizará su debut con la Leipzig Gewandhaus Orchestra, Orquesta de la Acca-
demia Nazionale di Santa Cecilia y Orchestre de Paris. Urbánsky ha sido director principal y artístico de la
Trondheim Symphony Orchestra entre 2010 y 2017, momento en el que se convirtió en director honora-
rio. Ha sido director principal invitado de la Tokyo Symphony Orchestra.
Krzysztof Urbanski
(© Marco Borggreve) En junio de 2015 recibió el prestigioso premio Leonard Bernstein en el Schleswig-Holstein Musik Festival.
Ha sido el primer director en recibirlo.
Estudió en la Fryderyk Chopin Academy of Music en Varsovia con Antoni Wit. Entre 2007 y 2009 fue
director asistente de la Warsaw Philharmonic, y en 2007 ganó el primer premio de dirección en Prague
Spring Conducting Competition.

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 Ciclo GRANDES CONCIERTOS

L
a Rotterdams Philhar-
monisch Orkest se en-
Jueves, 23 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. cuentra entre las princi-
pales orquestas europeas
ROTTERDAMS PHILHARMONISCH ORKEST
y es conocida internacio-
Yefim Bronfman, piano nalmente por la intensa
Yannick Nézet-Seguin, director energía de sus actuaciones, sus aclama-
das grabaciones y su enfoque innovador
Programa hacia el público.
Con sus actuaciones en su ciudad y en
I salas de conciertos de todo el mundo,
Franz Liszt sus conciertos educativos y sus proyectos
• Concierto de piano n. 2 en La Mayor S. 125 comunitarios, la orquesta alcanza una
audiencia anual que se sitúa entre los
150.000 y 200.000 espectadores. Este
II año la formación celebra su centenario.
Anton Bruckner La Rotterdam Philharmonic Orchestra
fue fundada en 1918. Desde 1930, bajo
• Sinfonía n. 4 en Mi bemol Mayor (WAB 104) la dirección de Eduard Flipse, se convirtió
en unas de las orquestas más importan-
tes de Holanda. En los años 70, con Jean
Fournet y Edo de Waart, la formación
ganó reconocimiento internacional. El nombramiento de Valery Gergiev abrió una nueva etapa de flo-
recimiento, que continuo hasta 2008 con Yannick Nézet-Séguin, quien dejará su cargo como director
principal al término de la presente temporada 2017-2018 para convertirse después en director honorífico.
Lahav Shani comenzará su primera temporada como director principal en 2018-2019.
La sede de la Rotterdam Philharmonic es la sala De Doelen, pero sse puede escuchar a la orquesta en otros
lugares: desde escenarios locales hasta las más prestigiosas salas nacionales y extranjeras. Desde 2010, ha
sido la orquesta residente del Teatro de los Campos Elíseos de París.
Desde las innovadoras grabaciones de Mahler con Eduard Flipse en los años 50, la Rotterdam Philharmo-
Rotterdams Philharmonisch
nic ha realizado un gran número de grabaciones alabadas por la crítica. En la actualidad, la orquesta tiene
Orkest
contratos con Deutsche Grammophon y BIS Records. Desde hace unos años también ha grabado bajo los
sellos de EMI y Virgin Classics. Para la reedición de grabaciones históricas, la orquesta creó su propio sello
Rotterdam Philharmonic Vintage Recordings.

Reconocido como uno de los pianistas más aclamados y admirados del momento, Yefim Bronfman se
encuentra entre un puñado de artistas regularmente solicitados por festivales, orquestas, directores y ci-
clos de conciertos. Su dominio técnico, poder y excepcionales dotes líricas son nombradas continuamente
por la prensa y el público.
En reconocimiento a una relación de más de 30 años, Bronfman se unirá a la Filarmónica de Israel, dirigida
por Zubin Mehta, para la gira de conciertos por Estados Unidos esta primavera, incluido el Carnegie Hall, a
la que le seguirán conciertos en Munich, Londres y Viena con la Bayerischer Rundfunk Orchestra y Mariss
Jansons, con quien colabora habitualmente. Asi mismo tocará de nuevo con las orquestas de New York,
Cleveland, Los Angeles, Philadelphia, Pittsburgh, Washungton, Indianapolis y Toronto, y realizará una gira
con la Filarmónica de Viena y Andrés Orozco-Estrada en un programa especial con el que celebrará su
sesenta cumpleaños esta primavera.
En Europa también se le podrá escuchar en Berlín tanto con la Philharmonic como en recitales; en Francia,
Yefim Bronfman Bélgica, Alemania y Londres también ofreciendo recitales; y en una gira con la Leipzig Gewandhaus Or-
(© Dario Acosta)
chestra dirigida por Andris Nelsons. Y una gira por Asia con la London Symphony Orchestra y Gianandrea
Noseda cerrará la temporada en junio.
Bronfman también ha ofrecido numerosos conciertos en solitario en las principales salas de Norte Amé-
rica, Europa y el Lejano Oriente, entre los que se encuentran su aclamado debút en el Carnegie Hall, en
1989, y su actuación en la Avery Fisher Hall en 1993.
En 1991, ofreció una serie de recitales junto al famoso violinista Isaac Stern en Rusia, citas que significa-
ron su primera aparición pública en el país desde que emigró a Israel cuando tenía 15 años.
Nacido en Tashkent en la Unión Soviética, Yefim Bronfman emigró a Israel con su familia en 1973.

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67EDICION
Yannick Nézet-Séguin (Montreal, 1975) es director principal de la Rotterdam Philharmonic desde 2008.
Recibió sus primeras clases de piano a los cinco años. En el Conservatorio de Montreal estudió piano,
composición, música de cámara y dirección de orquesta. Al mismo tiempo, se formó en dirección coral en
el Westminster Choir College de Princeton, en Nueva Jersey. Después de graduarse, continuó sus estudios
con algunos de los directores más importantes, entre los que se encuentran Carlo Maria Giulini.
En el año 2000, Yannick Nézet-Séguin fue nombrado director artístico y director principal de la Orchestre
Métropolitain du Grand Montréal, un cargo que todavía ocupa. Ese mismo año dirigió su primera produc-
La energía
ción de ópera. En 2005 debutó con la Rotterdam Philharmonic, que lo nombró director principal. También
de Nézet-Seguin es director musical de la Orquesta de Filadelfia. Como director invitado ha trabajado con las mejores
junto a su orquesta orquestas de todo el mundo y ha dirigido ópera en los teatros más prestigiosos.
la Rotterdam Yannick Nézet-Séguin y la Rotterdam Philharmonic han llevado a cabo numerosas giras exitosas, con
Philharmonisch Orkest conciertos en Londres, París, Viena, Nueva York , Toronto, Tokio y Beijing. También han realizado una serie
abordan la sinfonía de aclamados discos, entre los que se encuentran una grabación de obras de Maurice Ravel premiada a
nivel internacional y discos para Deutsche Grammophon. Además, Yannick Nézet-Séguin y la Rotterdam
romántica de Bruckner Philharmonic Orchestra combinan su versatilidad en proyectos que van desde ópera hasta espectáculos
familiares y desde conciertos de abono a proyectos comunitarios.
Junto a los conciertos en Rotterdam, Yannick Nézet-Séguin tiene programadas con la Rotterdam Philhar-
monic citas en San Sebastián, Essen, Londres (BBC Proms), Lucerna, Rheingau Festival, Berlín (Musikfest) y
Dortmund, así como la ampliación como orquesta en residencia del Teatro de los Campos Elíseos de París.

Yannick Nézet-Seguin
(© Hans van der Woerd)

11
 Ciclo GRANDES CONCIERTOS

N
acida en Munich, Christi-
na Landshamer estudió
Sábado, 25 de agosto. 20:30 h. ala Argenta. Palacio de Festivale. en la Academia de Música
y Drama de Munich bajo la
BUDAPEST FESTIVAL ORCHESTRA
tutela de Angelica Vogel,
Christina Landshammer, soprano y posteriormente, recibió
Ivan Fischer, director clases de recital con el profesor Konrad
Richter y clases como solista con la mez-
Programa zosoprano Dunja Vejzovic en la Universi-
dad Estatal de Música y Artes Escénicas
I de Stuttgart.
George Enescu Actualmente, es una versátil cantante de
• Prélude à l’unisson de la Suite n. 1 para orquesta Op. 9 ópera, recitales y conciertos muy valora-
da internacionalmente.
GOBIERNO MINISTERIO Su trabajo con
Béla Bartók DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA
directores como Daniel Harding, Kent
Y DEPORTE
• Música para cuerdas, percusión y celesta Nagano, Sir Roger Norrington, Stéphane
Denève, Christian Thielemann y Ricar-
do Chailly le ha llevado a actuar con las
II orquestas más distinguidas de Europa,
Gustav Mahler incluida la Bavarian Radio Symphony
Orchestra, Munich Philharmonic, SWR
• Sinfonía n. 4
Symphony Orchestra, Royal Concert-
OBISPADO DE
gebouw Orchestra, Freiburg’s Baroque
SANTANDER
Joaquín Achúcarro

Orchestra, Zurich’s Tonhalle Orchestra y

Jornada patrocinada por: Orchestre de Paris, e incluso en Norte América con New York Philharmonic Orchestra, Pittsburgh Philhar-
monic y Montreal Symphony Orchestra.
En la temporada pasada, Christina Landshamer debutó en la Lyric Opera de Chicago como Sophie en
Der Rosenkavalier, y ofreció conciertos en Nueva York con Ensemble Midtvest en el Carnegie Hall’s Weill
Recital Hall.
Esta temporada, también estará invitada en diferentes actuaciones en los Estados Unidos. Por ejemplo,
con la Pittsburgh Symphony Orchestra, bajo la dirección de Manfred Honeck, interpretará la Sinfonía
Resurrección de Mahler, que también se grabará para su publicación en disco. Después, actuará dos veces
con la New York Philharmonic, bajo la batuta de Alan Gilbert, en el Mesías de Handel y en la Sinfonía
Nº 4 de Mahler, para la cual acompañada a la orquesta en una gira europea por ciudades como Essen,
Budapest, Viena, Londres, Hamburg y Copenhague.
También se pudo escuchar a Christina Landshamer con la Elbphilharmonie Orchestra, dirigida por Thomas
Hengelbrock, en La Creación de Haydn como parte del festival de apertura de la Elbphilharmonie; con
la Konzerthausorchester Berlin en el Requiem de Mozart, dirigido por Vladimir Jurowski; en la gira de la
Budapest Festival Orchestra Orchestre des Champs Elysées, bajo la dirección de Philippe Herreweghe, en la Novena Sinfonía de Bee-
thoven; en la sinfonía Lobgesang de Mendelssohn, con Pablo Heras- Casado, en su primera aparición en
la Accademia Nazionale di Santa Cecilia en Roma; y de nuevo con la Leipzig Gewandhausorchester, bajo
la batura de Herbert Blomstedt, en la Misa en si menor de Bach y en Las estaciones de Haydn, en esta
ocasión con el director Trevor Pinnock.
Christina Landshamer cantó por primera vez ópera en Stuttgart, Estrasburgo y Berlín. En el Theater an der
Wien, cantó la parte de Clarice en Il mondo della luna de Haydn, con la dirección de Nikolaus Harnon-
court, e interpretó el rol de Frasquita en Carmen en el Festival de Salzburgo con la Berlin Philharmonic,
dirigida por Sir Simon Rattle.
Al final de 2012, hizo su aclamado debut asumiendo el rol de Pamina en la célebre nueva producción de
La flauta mágica de Mozart a cargo de Simon McBurney, en el Amsterdam Opera y con la dirección de
clásica Marc Albrecht.
En 2015, fue la protagonista, bajo la dirección de Christian Thielemann, en el aniversario de la produc-
ón Española de Festivales de Música Clasica
ción Der Freischütz de Weber, en el rol de Ännchen en el Concierto de Año nuevo de Dresde. Christina
Landshamer debutó en Glyndebourne como Almirena en la obra Rinaldo y en 2015, como Pamina en la
Bavarian State Opera. Después de actuar en Chicago en la ópera Der Rosenkavalier, interpretó el rol de
Christina Landshamer Sussana en una nueva producción de Las noches de Fígaro de Mozart en el Theater St Gallen en Suiza.
(© Marco Borggreve)
Con su cálida y lírica voz, la soprano es una cantante de recitales ideal. Su primer disco, en el que está
acompañada por Gerold Huber, vio la luz en el verano de 2016 con el sello Oehms Classic. El dúo combina
en el trabajo canciones únicas de Robert Schumann and Viktor Ullmann. Han actuado juntos en recitales
como el de Friburgo o Ratisbona, en el Festival Schubertiade de Schwarzenberg, y en el Wigmore Hall
de Londres.

12
 ´
67EDICION
Christina Landshamer posee una extensa discografía: los oratorios de Haydn Las estaciones y La Creación
con la dirección de Philippe Herreweghe (PHI); Carmen de Bizet con Sir Simon Rattle (CD y DVD en EMI
Classics), y La pasión según San Mateo de Bach con la dirección de Riccardo Chailly (Decca). Además,
podemos disfrutar de su versatilidad musical en varios DVDs: Il mondo della luna de Haydn (Concentus
musicus/Nikolaus Harnoncourt, Unitel Classica); La pasión según San Mateo de Bach y la Sinfonía nº. 4 de
Mahler (ambas en Leipzig Gewandhausorchester/Riccardo Chailly, Accentus); y La flauta mágica de Mozart
(Nederlandse Opera – Opus Arte).

Cuando Iván Fischer fundó la Budapest Festival Orchestra en 1983 hizo realidad un sueño personal. La
filosofía central de la orquesta ha sido formar un equipo de creativos y arriesgados músicos que continúen
desarrollando su maestría en música orquestal y de cámara y en repertorios en solitario.
Fischer introdujo muchas reformas, que van desde un intensa e individual técnica de ensayo hasta el fo-
mento y la promoción de las actividades creativas de cada músico. El innovador enfoque hacia la música,
la completa dedicación de los músicos y su esfuerzo permanente por alcanzar la excelencia han colocado
a la Budapest Festival Orchestra en el grupo del top mundial de las orquestas.
Esta joven orquesta participa frecuentemente como invitada en la mayoría de los festivales internacio-
nales. Sus grabaciones (primero con Philips Classics y luego con Channel Classics) han ganado números
premios. En 2009, la encuesta internacional de Gramophone Magazine incluyó a la BFO entre las diez
mejores orquestas del mundo.
En Budapest, la BFO se ha convertido en la orquesta más popular del país, actuando generalmente ante
un numeroso público en la sala de conciertos Müpa Budapest y en la Academia Franz Liszt. Cada tempo-
Iván Fischer rada, dedica tres semanas a programas comunitarios, en los que los grupos de la orquesta llevan la música
(© Marco Borggreve)
a colegios, residencias de ancianos, iglesias y centros comunitarios.
El Maratón de la Música en Müpa Budapest presenta a un compositor a través de 11 conciertos durante
un solo día. El ciclo Midnight Music atrae al público joven que se sienta entre los músicos de la orquesta
en cómodos ‘puffs’. 500 niños húngaros (de origen romaní y no romaní) bailan juntos cada mes de junio
en la Plaza de los Héroes de Budapest. Cada mes de septiembre, el Festival Bridging Europe de la BFO se
centra en presentar la cultura de diferentes naciones europeas.
Las producciones de ópera de la BFO son normalmente dirigidas por Iván Fischer como conciertos de es-
cena diseñados para salas de música. En la lista de los mejores eventos de música clásica de la ciudad que
New York Magazine elaboró en 2013, Las bodas de Fígaro de la BFO fue votado como el mejor del año.
Otras producciones de éxito se han representado en los principales auditorios, incluido el Mostly Mozart
Festival, el Festival de Edimburgo y el de Abu Dhabi. A partir de 2018, la BFO estará presente en el Festival
de la Ópera Vicenza en el singular Teatro Olímpico.
Desde su fundación hace más de 30 años, el director musical de la BFO ha sido Iván Fischer. La Orquesta
es una fundación dirigida por una Junta Directiva de Directores y recibe subvenciones del Gobierno de
Hungría y del Ayuntamiento de Budapest. Se han formado Clubes de Amigos y Seguidores de la BFO en
Hungría, Estados Unidos, Reino Unido y Alemania. Müpa Budapest es socio estratégico de la Orquesta.

Ivan Fischer es el fundador y director musical de la Budapest Festival Orchestra. También es el director
musical de Berlin’s Konzerthaus y Konzerthausorchester. Desde 2018, ocupa el cargo de director artístico
del Vicenza Opera Festival. Últimamente ha conseguido reputación como compositor y sus trabajos se han
interpretado en Estados Unidos, Países Bajos, Bélgica, Hungría, Alemania y Austria.
La Budapest Festival Orchestra realiza frecuentemente giras en todo el mundo y una serie de discos
alabados por la crítica, grabados por Philips Classics y después por Channel Classics han contribuido al
reconocimiento de Ivan Ficher como uno de los directores de música más visionarios.
La Berlin Philharmonic ha actuado más de 10 veces bajo la batuta de Ficher y también pasa dos semanas
cada año con la Amsterdam’s Royal Concertgebouw Orchestra. Asimismo, es invitado frecuentemente
por las orquestas sinfónicas más importantes de Estados Unidos, incluida la New York Philharmonic y la
Orquesta de Cleveland.
Como director musical, ha dirigido la Ópera de Kent y la Ópera Nacional de Lyon y fue director principal de
la National Symphony Orchestra en Washington DC. Muchas de sus grabaciones han recibido prestigiosos
premios internacionales.
Ivan Fischer estudió piano, violín, violonchelo y composición en Budapest, antes de continuar su educa-
ción en Viena y Salzburgo, donde estudio dirección con Hans Swarowsky y Nikolaus Harnoncourt.
Es el fundador de la Hungarian Mahler Society y patrono de la British Kodály Academy. Ha recibido de la
Medalla de Oro de manos del presidente de la República de Hungría, y el Crystal Award del Foro Econó-
mico Mundial por su labor en la promoción de relacionados culturales internacionales.
En 2006 fue galardonado con el Premio Kossuth, el premio artístico más prestigioso de Hungría. En 2011,
recibió el premio de la Royal Philharmonic Society Music, el Primma Primissima de Hungría y el premio
Dutch Ovatie.

13
 Concurso Internacional de Piano de Santander PALOMA O’SHEA

Viernes, 3 de agosto. 19 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales.

FINAL I DEL XIX CONCURSO INTERNACIONAL DE PIANO

DE SANTANDER PALOMA O’SHEA
ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE
Miguel Ángel Gómez Martínez, director
Duración total aproximada: 2h 45’

Sábado, 4 de agosto. 19 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales

FINAL II DEL XIX CONCURSO INTERNACIONAL DE PIANO

DE SANTANDER PALOMA O’SHEA
ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE
Miguel Ángel Gómez Martínez, director
Duración total aproximada:
GOBIERNO MINISTERIO 2h 45’ INSTITUTO NACIONAL
DE LAS ARTES ESCÉNICAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA Y DE LA MÚSICA
Y DEPORTE

E
l Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea, creado en 1972, celebra
este verano su XIX edición. Del 25 al 27 de julio veinte jóvenes pianistas se presentarán
en recital. En la Semifinal, que se celebrará desde el 29 de julio hasta el 1 de agosto, los
doce participantes seleccionados tocarán en recital y en formación de cámara junto con
OBISPADO DE
el Cuarteto Quiroga.
SANTANDER
La prueba final, que se encuadra en el programa del 67 Festival Internacional de Santander,
tendrá como invitada a la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, dirigida por el Maestro Miguel
Ángel Gómez Martínez, y consistirá en dos grandes conciertos sinfónicos que tendrán lugar los días 3 y
4 de agosto en la Sala Argenta.
Los ganadores se conocerán el día 5 de agosto durante la Gala de Clausura y Ceremonia de Entrega de
Premios, en la misma sala.

14
CONCURSO
INTERNACIONAL DE
PIANO DE SANTANDER
PALOMA O’SHEA

15
16
Ciclo
DANZA

17
 Ciclo DANZA

D
esde su creación en 1987,
el Béjart Ballet Lausanne
Miércoles, 8 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. es referencia en el mundo
de la coreografía. Desig-
BÉJART BALLET LAUSANNE
nado sucesor por Maurice
I Béjart, Gil Roman dirige la
compañía y preserva su excelencia artís-
Syncope tica desde la desaparición del Maestro
en 2007.
Gil Roman, coreografía Maurice Béjart siempre deseó abrir el
Citypercusion, música mundo de la danza al gran público. Ani-
Henri Davila, vestuario mados del mismo espíritu, Gil Roman y
Dominique Roman, iluminación sus bailarines actúan en todo el mundo
en grandes eventos así como en galas en
Atelier Teatre-Auditori, Sant Cugat, decorado favor de organizaciones benéficas.
Estrenado en el Théâtre de Beaulieu en Lausanne el 18 de diciembre de 2010 El Béjart Ballet Lausanne es una de las
pocas compañías capaces de llenar gran-
des espacios, tales como el NHK Hall de
Un cygne d’autrefois se souvient que c’est lui Tokyo, el Palacio Estatal del Kremlin de
Moscú, el Odeón de Herodes Ático de
Maurice Béjart, coreografía Atenas, el Palacio de Congresos de París,
Richard Wagner: Lohengrin: Prélude de l’Acte I (Klemperer Conducts el Forest National de Bruselas o la Pati-
Wagner) O. Klemperer (chef d’orchestre), Philharmonia Orchestra; EMI, noire de Malley-Lausanne.
música Desde 2007, con su investigación y tra-
bajo de creación, Gil Roman conserva y
Henri Davila, vestuario aumenta el repertorio del Béjart Ballet
Dominique Roman, iluminación Lausanne. La obra de Maurice Béjart es
Estrenado en Métropole, Lausanne, 1993 (L’Art du Pas de Deux) el centro de este repertorio, con em-
Gil Roman, elenco original blemáticas coreografías tales como Le
Sacre du Printemps, Boléro, La IXe Sym-
phonie o Le Presbytère n’a rien perdu de
II son charme, ni le jardin de son éclat, así
Altenberg Lieder como otras obras que Gil Roman quie-
re también descubrir o redescubrir para
Maurice Béjart, coreografía el público, como por ejemplo Piaf o La
Alban Berg: Altenberg Lieder Op 4 (Berg: ”Lulu”- Suite Altenberg Flûte Enchantée. Además de su trabajo
Lieder) Dir. Claudio Abbado, London Symphony Orchestra, Margaret como coreógrafo durante 20 años, el
director artístico también ha enriquecido
Price (soprano); Deutsche Grammophon, música el repertorio con sus propias creaciones.
Henri Davila, vestuario Otros coreógrafos invitados como Alon-
Dominique Roman, iluminación zo King, Tony Fabre, Christophe Garcia,
Estreno en la Maison de la Danse, Lyon, en diciembre de 1995 Giorgio Madia o Julio Arozarena también
han contribuido igualmente al desarrollo
creativo del Béjart Ballet Lausanne.
Bolero La Compañía, fiel a su vocación, man-
tiene viva la obra de Maurice Béjart fa-
Maurice Béjart, coreografía cilitando al mismo tiempo un espacio de
creación.
Maurice Ravel, música Desde Les Ballets de l’Etoile en Paris, en
Estrenado en el Théâtre Royal de la Monnaie de Bruselas el 10 de enero de 1961 1955 hasta la creación del Béjart Ballet
Lausanne en 1987, el coreógrafo ha
dejado para siempre una huella en la
danza.

18
 ´
67EDICION
Syncope

¿Dónde estábamos nosotros cuando no estábamos allí?

En música, es un ritmo “a contratiempo”. Hablamos de música sincopada.
En términos médicos, es una parada o ralentización del corazón.
Entre 5 y 10 segundos de pérdida de consciencia durante la cual el cerebro puede
simplemente imaginar, inventar o revisar sin límites.
¿Recuerdos o imaginación?
¿Memoria o creación?
Gil Roman, diciembre de 2010

Un cygne d’autrefois se souvient que c’est lui

Maurice Béjart adaptó

esta coreografía hace veinticinco años para Gil Roman.
Ahora, el solo se ha transformado, y es interpretado, por dos bailarines de la com-
pañía.

Altenberg Lieder
Tres seres experimentarán un único momento en sus vidas bailando exactamente
delante de tus ojos.
¿Qué es? ¿Qué momento exacto será?
Cada uno de esos momentos que puedas imaginar y experimentar en el mismo es-
pacio y en el mismo tiempo, en el mismo tiempo como música, en el mismo tiempo
como tiempo, por un momento en el tiempo.
Maurice Béjart

Boléro
"Mi Boléro”, comentó Ravel, “debería tener un subtítulo: ¡que os entre profunda-
mente en la cabeza!”.
Y más en serio, explica:
“En 1928, a petición de Madame Rubinstein, (Ida Rubinstein, la famosa actriz y bai-
larina rusa), compuse un Boléro para orquesta. Este es un baile con movimiento muy
moderado y constantemente uniforme, tanto por la melodía como por la armonía y
el ritmo, este último marcado continuamente por el tambor. El único elemento que
Boléro
(© BBL-François Paolini) aporta diversidad es el crescendo de la orquesta”.
Maurice Béjart describe la obra de Ravel en estos términos: “Música demasiado co-
nocida y aun así fresca debido a su sencillez. Una melodía (originalmente oriental y
no española) gira sobre sí misma, aumentando su volumen e intensidad, devorando
el espacio sonoro y absorbiendo al final la melodía”.
Para no seguir describiendo un ballet que no necesita presentación, simplemente de-
bemos resaltar que Maurice Béjart vuelve al espíritu de Le Sacre du Printemps, en un
estilo muy diferente. En este sentido, a diferencia de otros artistas que anteriormente
han ilustrado el Boléro coreográficamente, él desdeña las opciones fáciles del exterior
pintoresco para simplemente, y ¡con qué fuerza!, expresar lo esencial.
Maurice Béjart da el papel central (La Mélodie) a veces a una bailarina y otras a un
bailarín. Le Rythme lo interpreta un grupo de hombres.

19
 Ciclo DANZA

Maurice Béjart nació en Marsella el 1 de enero de 1927. Comenzó su carrera en Vichy en 1946, continuó
con Janine Charrat, con Roland Petit y sobre todo en Londres formando parte del International Ballet.
Durante una gira en Suecia con el Cullberg Ballet en 1949, descubrió los recursos del expresionismo
coreográfico. Un proyecto cinematográfico sueco le hizo enfrentarse por primera vez con Stravinski y, a
su regreso a París, acumuló ya experiencia coreográfica con composiciones de Chopin, con el apoyo del
crítico Jean Laurent. Desde ese momento el bailarín fue conocido también como coreógrafo.
En 1955 sigue un camino innovador con la coreografía de Symphonie pour un homme seul, representada
por su compañía, Les Ballets de l’Etoile. Descubierto por Maurice Huisman, nuevo director del Théâtre
Royal de la Monnaie de Bruselas, crea con gran éxito su versión de Le Sacre du Printemps para Maurice
Huisman (1959).
En 1960 Maurice Béjart inicia en Bruselas Le Ballet du XXe Siècle, una compañía internacional que se
encuentra de gira mundial, y el número de sus creaciones va en aumento con Boléro (1961), Messe pour
le temps présent (1967) y L’Oiseau de Feu (1970).
En 1987, Le Ballet du XXe Siècle se convierte en el Béjart Ballet Lausanne y el gran coreógrafo se instala en
la Capital Olímpica. En 1992 decide reducir su compañía a unos 30 bailarines para “redescubrir la esencia
Maurice Béjart del intérprete” y funda la Ecole-Atelier Rudra Béjart. Entre los numerosos ballets para su compañía están
(© BBL-Philippe Pache) Le Mandarin merveilleux, King Lear - Prospero, À propos de Shéhérazade, Ballet for Life, MutationX, La
Route de la soie, Le Manteau, Enfant-Roi, La Lumière des eaux y Lumière.
Además de dirigir obras para el teatro (La Reine verte, Casta Diva, Cinq Nô modernes, A-6-Roc), óperas
(Salomé, La Traviata y Don Giovanni) y películas (Bhakti, Paradoxe sur le comédien...), Maurice Béjart ha
publicado también varios libros (novelas, comedias, un diario personal y una obra de teatro). En el año
2007, un día antes de su 80 cumpleaños, el coreógrafo crea La Vie du danseur racontée par Zig et Puce. Y
mientras trabajaba en la que sería su última creación, Le Tour du Monde en 80 minutes, murió en Lausana
el 22 de noviembre de 2007.

Durante más de treinta años, Gil Roman interpretó los ballets más famosos de Maurice Béjart antes de
convertirse también en director artístico del Ballet.
Después de una formación intensiva con Marika Besobrasova, Rosella Hightower y José Ferran, Gil Roman
entró a formar parte de Le Ballet du XXe Siècle de Béjart en 1979. Durante más de treinta años ha actuado
en los ballets más reputados de Béjart. En 2007 el mismo Maurice Béjart le nombró su sucesor y director
artístico y desde entonces ha creado nuevas coreografías conservando su legado.
Desde 1995 su trabajo coreográfico se enriquece con diversas creaciones: L’habit ne fait pas le moine,
Réflexion sur Béla, Echographie d’une baleine, Casino des Esprits, Aria, Syncope, Là où sont les oiseaux,
(presentado como estreno mundial en el China Shanghai International Arts Festival), y Anima blues. Desde
su creación en 2013, cinco nuevas obras han entrado a formar parte del repertorio del BBL: 3 Danses pour
Tony, Kyôdaï, Tombées de la dernière pluie, Impromptu... y t ‘M et variations…, que abrió el 16 de diciembre
de 2017 la conmemoración del trigésimo aniversario de la creación del ballet y el décimo aniversario de
la muerte de Maurice Béjart.
La carrera de danza de Gil Roman, que se extiende a lo largo de 40 años, fue distinguida en 2005 con el
prestigioso Danza & Danza Award al Mejor Bailarín por su representación de Brel en Brel et Barbara. En
2006 el Monaco Dance Forum le galardonó con el Nijinsky Award.
En 2014, la Vaud State Foundation for Culture premió a Gil Roman con el Prix for cultural awareness
Gil Roman y, en noviembre de ese mismo año obtuvo el Premio del Shanghai Arts Festival por su trabajo sobre la
(© BBL-Amelie Blanc) coreografía de La IXe Symphonie de Maurice Bejart. El 15 de mayo de 2015, en el Teatro KKL de Lucerna,
fue galardonado con el Maya Plissetskaya Award 2015 en una noche especial en memoria de la gran
bailarina, que había fallecido unas pocas semanas antes. El 29 de mayo de 2015, Gil Roman recibió la
insignia de Caballero de la Orden Nacional del Mérito (Chevalier dans l’Ordre national du Mérite) de ma-
nos del embajador de Francia en Suiza, René Roudaut. Esta prestigiosa condecoración premia la carrera,
la influencia cultural y el espíritu creativo de este director artístico.

20
 ´
67EDICION
U
na Oda al Tiempo es una
coreografía flamenca so-
Miércoles,
Viernes, 108de
deagosto.
agosto –20:30
20:30h.h.Sala
– Sala
Argenta.
Argenta
Palacio
– Palacio
de Festivales.
de Festivales bre lo efímero, la perma-
nencia y la eternidad…
Una oda al tiempo
Con la experiencia profe-
MARÍA PAGÉS COMPAÑÍA sional y vital acumulada, e
María Pagés, soprano incorporando reflexiones de Platón, Mar-
garet Yourcenar, Jorge Luis Borges, John
El Arbi El Harti, director
Cage, Octavio Paz, Heidegger, Marcel
Duchamp…
Rubén Levaniegos, Piotr Ilyich Tchaikovski, Antonio Vivaldi, María Pagés reflexiona sobre la impla-
Georg Friedrich Händel, Sergio Menem, David Moñiz, Isaac cable irreversibilidad del tiempo sobre el
Muñoz, Música Popular, músicas cuerpo, el deseo, el arte y la vida. En esta
El Arbi El Harti y Marifé Santiago, letras obra de madurez, la coreógrafa sevillana
Dominique You, diseño de luces continúa su diálogo permanente con la
María Pagés, diseño de vestuario memoria del baile flamenco, que consti-
María Pagés y El Arbi El Harti, diseño de escenografía tuye su propia memoria. Lo hace de ma-
Eduardo Moreno, realización de escenografía nera serena y sin tabúes para extraerle
Albert Cortada, diseño de sonido su mejor savia e interpretarla desde su
singularidad y su modo de ver y concebir
Octavio Romero, regiduría el baile, la coreografía y el espectáculo
Taller María Calderón, pintura de Telas y Confección flamencos.
María Pagés, Eva Varela, Virginia Muñoz, Marta Gálvez, Julia Para María Pagés la tradición ha sido
Gimeno, José Barrios, Rafael Ramírez, José Carlos Avecilla y desde siempre su fuente y su ágora.
Felipe Clivio, baile No concibe el arte fuera de la incesan-
te escucha y observación de la heren-
Ana Ramón (voz), Bernardo Miranda (voz), Rubén Levaniegos cia cultural, creada a fuerza de genio y
(guitarra), Isaac Muñoz (guitarra), Sergio Menem (cello), Cary Rosa perseverancia para todos los que se han
(cello), David Moñiz (violín) y Chema Uriarte (percusión), músicos dedicado a él.
Desde su personalidad poliédrica y la
María Pagés y El Arbi El Harti, dirección creatividad sincrética que le caracteriza y
Dominique You, coordinación general y técnica en un intercambio íntimo, acompañada
Nadia Benot, producción de 4 bailaoras, 4 bailaores y 7 músicos
José Barrios, asistente de coreografía en directo, María Pagés interactúa con
Dominique You y Pau Fullana, iluminación su memoria flamenca tanto a nivel dan-
Albert Cortada, Bernat Oliveras y Kike Cabañas, sonido cístico como musical para impregnarse
Octavio Romero y Lea Beguin, regiduría de su esencia y nutrirse de ella.

Bienal de Arte Flamenco de Sevilla, Festival Internacional de Música Principio Filosófico

y Danza de Granada,Festival Peralada (Barcelona),Festival Les Nuits La preocupación por la temporalidad
de Fourvière (Lyon), Teatros del Canal (Madrid), Fundación Baluarte atraviesa la vida humana, sus grandes y
(Pamplona), Teatro Tomás y Valiente (Fuenlabrada), Teatro Circo maravillosas paradojas. El tiempo lo hace
(Albacete) y Teatro Campoamor (Oviedo) todo y lo deshace. Gobierna implacable-
mente el devenir de la vida. Es puro mo-
vimiento. Es línea recta, poliedro y círcu-
Programa lo a la vez. No existe nada más subjetivo
que él cuando la emoción lo acelera y la
1. Origen: Trilla y Tonás. Letra: El Arbi El Harti
espera lo paraliza.
2. Descubrimiento: Seguiriyas. Letra: El Arbi El Harti Rige la individualidad y sus pliegues y
3. Bailando con Hebe. Soleá. Letra: El Arbi El Harti estructura las comunidades y las desinte-
4. Cuéntame el Tiempo: Bulería al golpe. Adaptación de “Oda a los números” gra. Es el todo y es la nada. Es una ficción
de Pablo Neruda a la que no cesamos de buscarle forma y
5. Tu Viento me Agita: Alboreá. Letra: Marifé Santiago sentido. ¿Para cernirlo, comprenderlo o
6. Horizontes de Agua: Alegrías Letra: El Arbi El Harti para entendernos?
7. Es Otoño. Vidalita y Milonga: Letra El Arbi El Harti El tiempo es puente y abismo. Estable-
8. Tengo Miedo: Instrumental ce los conflictos que hilan la existencia
9. Saturno Devorando a sus Hijos. Peteneras. Letra: El Arbi El Harti humana. Intenta regular, siempre en un
equilibrio frágil, el conflicto entre el pre-
10. Escuchando El Guernica. Levantica. Letra: El Arbi El Harti
sente y el futuro, origen y fundamento
11. Piedad: Instrumental
del choque entre el orden y la libertad, la
12. Somos el Árbol Memoria. Trilla y tonás. Letra: El Arbi El Harti seguridad y el sentido, el deseo, la reali-
dad y la ilusión de felicidad. Regula, por

21
 MINISTERIO INSTITUTO NACIONAL
GOBIERNO DE LAS ARTES ESCÉNICAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA Y DE LA MÚSICA
Y DEPORTE

Ciclo DANZA
OBISPADO DE
SANTANDER
Jornada patrocinada por: otra parte, el conflicto entre un futuro que promete y un pasado que obliga, entre la plenitud del instante
y el carácter líquido de lo que ha sido. El nacimiento y la muerte, como caso, no implican un comienzo
absoluto o un fin absoluto, sino que ayudan a descubrir la experiencia de la eternidad a través del trans-
curso del tiempo.
El tiempo es el enigma de la existencia, pero también la clave, la sustancia y el reto. Tiempo de nacer,
tiempo para el amor, tiempo de desamor, tiempo de la juventud, de la pasión y el entusiasmo, tiempo del
aprendizaje y la sabiduría, tiempo de la melancolía que anuncia las inminentes transformaciones, tiempo
de guerra, tiempo para la trascendencia y la esperanza.

Principio Poético
“El río me arrebata y soy ese río.
De una materia deleznable fui hecho,
de misterioso tiempo.
Acaso el manantial está en mí.
Acaso de mi sombra
surgen, fatales e ilusorios, los días ».
José Luis Borges

“Si nadie me lo pregunta, lo sé;

si me lo preguntan y quiero explicarlo, ya no lo sé”.
San Agustín

Idea
Una Oda al Tiempo es una obra flamenca construida en torno a una coreografía, una luminación, una
música, una escenografía, un vestuario y un relato dramatúrgico sobre la temporalidad, sus ritmos, sus
movimientos y ondulaciones. Sus componentes están hilvanados por una complicidad semántica orgáni-
ca, que a su vez entreteje a todos los principios estéticos y éticos que componen la obra y las simbologías
que le sirven de base y aspiran transmitir. Apoyándose en la sublime tradición dancística y musical flamen-
ca, María Pagés narra las estaciones de la alegría de estar en la vida, de la euforia, del amor, del deseo,
de la exaltación de los sentidos y del cuerpo, de la belleza, de las utopías; pero también el tiempo de la
melancolía, del repliegue sobre uno mismo, del miedo, de la guerra y de la memoria, como espacio ético
para elegir el camino.
Las coreografías de Una Oda al Tiempo recogen la esencia rítmica de cómo vivimos la experiencia temporal
concreta y emocionalmente, cómo repercute en nosotros, cómo afecta a nuestros sentimientos: el día, la
noche, las estaciones, nuestra obsesión de medir, dar forma al tiempo, sacralizar el instante, y buscar sin
respuesta el sentido de la eternidad… En este universo coreográfico pagesiano, inspirado en la ecuación
del tiempo, la cinemática y la teoría de la relatividad, cohabitan en armonía el movimiento, el ritmo, la
determinación colectiva del baile coral y la singularidad de cada uno de sus intérpretes. La puesta en esce-
na minimalista por convicción, recoge elementos concebidos para comportar una intensa carga simbólica
y dramática, como es el caso de un péndulo que se metamorfosea a la largo de la obra para adquirir la
formas del péndulo de un reloj, de una luna, un sol, un columpio… Las letras originales relatan el hilo dra-
matúrgico. Han sido concebidas para mantener la intensidad narrativa de la obra desde el primer quejío
de la primera escena hasta los últimos cantes de trilla y tonás, que cierran el círculo abriendo el invierno a
la promesa de una primavera redentora. Soleá de Triana y de la Serneta, Seguiriya de los Puertos, Cantes
de Trilla, Temporera, Toná, Alegrías de Córdoba, Peteneras, Levantica, Vidalita, Milonga, Alboreá… están
presentes con un vigor significativo.
La música original en su totalidad, emana del trabajo transversal de la dirección y los músicos – guitarra,
chelo, violín y percusión - y la escucha, interpretación e integración de los paradigmas musicales de Ígor
Stravinski, Pyotr Ilyich Tchaikovski, Bernard Hermann, Antonio Vivaldi y Georg Friedrich Härdel. Conside-
rada como un personaje estructural esencial de la obra, la música constituye un hilo dramatúrgico que
explora los nuevos lenguajes para alimentarse de ellos sin claudicaciones.

María Pagés, una creadora orgánica

Si hay algo que pueda definir la singularidad creativa poliédrica de María Pagés, es su arraigado sentido
ético de la cultura. Ella crea porque está convencida de que el arte lleva, en su esencia y en la emoción
que lo produce, un profundo compromiso con la vida y con la memoria, tomada en su sentido orgánico,
integradora de la singularidad del Yo y de la diversidad del Otro. Para esta artista sevillana, iconoclasta por
naturaleza, que ha hecho de la danza y del flamenco su patria poética, la modernidad es la tradición en
movimiento y el dinamismo de nuestros lenguajes e ideas.
Su aportación creativa y estética reside en su serenidad al hablar sin complejos con todos los lenguajes
Una oda al tiempo y hacer que acepten la hospitalidad mítica del flamenco. Utilizando los códigos fundamentales del len-
guaje flamenco e investigando dentro y fuera del mismo, Pagés ha demostrado ser una pionera en el

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 ´
67EDICION
entendimiento del flamenco como un arte en evolución, contemporáneo, vivo, generoso y hospitalario.
Ha superado en sus coreografías los estereotipos y diferencias culturales, porque está convencida de que
el diálogo entre los lenguajes artísticos favorece una mayor comprensión de la verdad orgánica del arte
y de la vida. La danza para ella es una permanente introspección creativa sobre el devenir. Desde la con-
templación crítica necesita ubicarse, pero no desollarse; verse con serenidad y valentía como lo que es,
una mujer, un ser humano bello por su humanidad imperfecta. Su labor ética y creativa es transformar las
asimetrías en una fuente de belleza y de emoción. ¿No es ésa la tarea fundamental del arte?
Desde su sensibilidad matemática, construye sus coreografías en torno a la poesía y a la música que englo-
ba desde los ritmos de John Lennon hasta Verdi y Paco de Lucía. Su creatividad está atravesada por poetas
como Sor Juana Inés de la Cruz, Machado, Baudelaire, Benedetti, Octavio Paz, Lorca, San Juan de la Cruz,
Fray Luis de León, Rumi... La poesía constituye el camino dramatúrgico del viaje del descubrimiento del
Yo enfrentado a su propia desnudez y a su propia naturaleza, llena de sombras y alguna que otra luz,
que hace posible que podamos vislumbrar una línea tenue de la felicidad para buscarla indefinidamente.

Biografía creativa
Desde 1990, fecha de creación de María Pagés Compañía, la bailaora y coreógrafa sevillana ha hecho de
su carrera nacional y, en particular, internacional un arraigado proyecto de investigación en el flamenco
y en la tradición dancística y musical española, abierto siempre al diálogo con la universalidad de los
diversos lenguajes culturales. En su ya dilatada carrera, María Pagés siempre ha buscado y reivindicado la
universalidad de los mejores valores del flamenco y de la cultura española.
Ha creado y producido las siguientes obras:
La nueva creación de Sol y sombra (1990), De la luna al viento (1994), El perro andaluz. Burlerías (1996), La Tirana (1998),
María Pagés en torno Flamenco Republic (2001), Canciones antes de una guerra (2004), Sevilla (2006), Autorretrato (2008),
a la euforía, el deseo, Flamenco y poesía (2008), Dunas (2009) y Mirada (2010).
la belleza, la melancolía Desde 2011, María Pagés ha integrado en su equipo al escritor marroquí El Arbi El Harti, que ha trabajado
junto a ella en la creación de: Utopía (2011), Casi divina, leve (2012), La alegría de los niños (2013), Siete
y la memoria
golpes y un camino (2014), Yo, Carmen (2014), Óyeme con los ojos (2014), No dejes que termine el día
(2015), Rostros (2016) y Una oda al tiempo (2017).
Obtuvo el Premio Nacional de Danza para la Creación en 2002, así como la Medalla de Oro al Mérito en
las Bellas Artes en 2014 ambos otorgados por el Ministerio de Cultura de España. Se le concede también
el Premio de Coreografía ADE en 1996, el Léonide Massine per l’Arte della Danza “Al Valore” en el 2004
y el Premio Cultura de la Comunidad de Madrid en 2007. En 2015, Santiago de Chile reconoce su es-
pectáculo Utopía como la Mejor obra de Danza Internacional y en 2016 es galardonada con el IV Premio
de Cultura de la Universidad de Sevilla. En 2017 se le conceden el Premio “El Público” a la Trayectoria de
Canal Sur Televisión y el Premio a las mejores voces del Festival de Jerez para su Óyeme con los Ojos, que
en el 2016 fue elegido por La Vanguardia como el mejor espectáculo de danza.
En el Festival de Jerez obtiene en dos ocasiones el Premio del Público. Los 10 Premios Giraldillo de la Bienal
de Arte Flamenco de Sevilla la confirman como una de las bailaoras y coreógrafas más imprescindibles
del flamenco.
María Pagés ha colaborado con Mikhail Baryshnikov, Sidi Larbi Cherkaoui, Tamara Rojo, Ángel Corella,
Plácido Domingo, José Saramago y Oscar Niemeyer, entre otros.

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Ciclo
MÚSICA
BARROCA

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 Ciclo MÚSICA BARROCA

F
undada en Berlín en 1982,
Akademie Für Alte Mu-
Sábado, 11 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. sik Berlin (Akamus en su
versión corta) es hoy un
AKADEMIE FÜR ALTE MUSIK BERLIN
referente de las orquestas
Isabelle Faust, violín de cámara. Su importancia
internacional se refleja en la variedad de
Xenia Löffler, oboe sus actuaciones con artistas invitados en
su país y en el extranjero. Regularmente
Bernhard Forck, concertino actúa en los principales centros musica-
les de Europa, Asia y América del Norte y
Programa del Sur y en los últimos años ha llevado a
I cabo importantes giras en Buenos Aires,
Japón y Estados Unidos.
Johann Bernhard Bach Desde 1984 la orquesta tiene su propia
• Suite para orquesta (obertura) n. 3 en mi menor serie de conciertos en Konzerthaus de
Berlín, y desde 1994 es un invitado ha- NACIONAL
INSTITUTO
Johann Sebastian Bach GOBIERNO MINISTERIO DE LAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA bitual en la Ópera Estatal de Berlín. EnARTES ESCÉNICAS
Y DE LA MÚSICA
• Concierto para violín en sol menor BWV 1056R Y DEPORTE 2012 comenzó también una serie de
• Concierto para violín y oboe en do menor BWV 1060 conciertos en el Prince Regent Theatre
de Munich. Akamus presenta cerca de
100 actuaciones al año con diferentes
II plantillas que van desde conjunto de cá-
Johann Sebastian Bach mara a orquesta sinfónica.
Especialmente con René Jacobs, la or-
• Tríos Sonata en re menor BWV 527
questa mantiene una estrecha colabo-
• Concierto para violín n. 1 en re menor BWV 1052R ración artística, de la que han surgido
numerosas producciones de ópera y
OBISPADO DE
SANTANDER oratorio. Recientemente, el Rapto en el
Serrallo y La Flauta Mágica de Mozart, así
Jornada patrocinado por: como la Pasión de San Mateo y San Juan de J. Bach, fueron muy elogiadas por la crítica internacional.
La orquesta trabaja habitualmente con los directores Marcus Creed, Daniel Reuss y Hans-Christoph Ra-
demann. Además, colabora también con Emmanuelle Haïm, Bernard Labadie, Paul Agnew, Diego Fasolis
y Rinaldo Alessandrini.
De particular interés es la colaboración con el RIAS Kammerchor, cuya calidad se muestra en numerosas
grabaciones ganadoras de varios premios. Akamus trabaja regularmente con solistas de fama internacio-
nal como Isabelle Faust, Andreas Staier, Alexander Melnikov, Anna Prohaska, Werner Güra y Bejun Mehta.
Además, con la compañía de danza Sasha Waltz & Guests ha llevado a cabo producciones de gran éxito
como Dido & Aeneas y Medea.
Con más de un millón de discos vendidos producidos exclusivamente para el sello harmonia mundi France
las grabaciones han sido galardonadas con los principales premios, incluidos el Grammy Award, Diapason
d’Or, Cannes Classical Award, Gramophone Award, Edison Award, MIDEM Classical Award y el Choc de
l’année, así como el Premio Anual de la Crítica Alemana.
Más recientemente han grabado Georg Philipp Telemann Concerti per molti stromenti, las cantatas solis-
tas de Bach para Michael Volle, Missa solemnis de Bruckner con el RIAS kammerchor dirigido por Łukasz
Borowicz y el disco Cantata con Bejun Mehta.
En 2006, la orquesta recibió el Premio Telemann de la Ciudad de Magdeburgo y en 2014 la Medalla de
Akamus Bach de la Ciudad de Leipzig y el ECHO Klassik.
(© Uwe Arens)

Isabelle Faust fascina a sus oyentes con sus interpretaciones. Se sumerge en cada pieza teniendo en
cuenta el contexto histórico musical, los instrumentos históricamente apropiados y la autenticidad de
acuerdo con el conocimiento actual. Faust logra iluminar el repertorio que interpreta, desde Heinrich I. F.
Biber a Helmut Lachenmann.
Tras ganar el Concurso Leopold Mozart y el Paganini a muy temprana edad, pronto empieza a actuar
con las principales orquestas del mundo, como la Orquesta Filarmónica de Berlín, Orquesta Sinfónica de
Boston, Orquesta Sinfónica NHK de Tokio, Orquesta de Cámara de Europa y Orquesta Barroca de Fribur-
go. Faust ha tenido y tiene una excelente relación de colaboración con directores como Claudio Abbado,
Giovanni Antonini, Frans Brüggen, Sir John Eliot Gardiner, Bernard Haitink, Daniel Harding, Philippe He-
rreweghe, Andris Nelsons y Robin Ticciati.
Debido a su curiosidad artística y amplitud de miras, Isabelle Faust incluye en su repertorio todas las épo-
cas y formas de colaboración instrumental. Nunca considera la música como un fin en sí mismo, sino que
Isabelle Faust afronta la esencia de la obra de una manera devota, sutil y concienzuda. Además de grandes conciertos
(© Felix Broede)

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67EDICION
de violín sinfónico, interpreta por ejemplo el octeto de Schubert con instrumentos históricos, así como
los Fragmentos de Kafka de György Kurtág, L’Histoire du Soldat con Anna Prohaska o Igor Stravinsky con
Dominique Horwitz. Además, es una artista muy comprometida con la música contemporánea y en las
próximas temporadas estrenará obras de Péter Eötvös, Ondrej Adámek, Marco Stroppa, Oscar Strasnoy
y Beat Furrer.
Sus múltiples grabaciones han sido unánimemente elogiadas por la crítica y galardonadas con el Diapason
d’or, el ECHO Klassik, el Grammophone Award, el Choc de l’année y otros premios. Las más recientes
incluyen conciertos de violín de Mozart con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini
y la Orquesta Barroca bajo la dirección de Pablo Heras-Casado. Isabelle Faust cuenta además con otras
grabaciones populares (entre otras de sonatas y partituras para solo de violín de Johann Sebastian Bach),
así como conciertos de violín de Ludwig van Beethoven y Alban Berg bajo la dirección de Claudio Abbado.
En música de cámara, mantiene una larga colaboración con el pianista Alexander Melnikov, con el que
ha publicado grabaciones con todas las sonatas para piano y violín de Ludwig van Beethoven, así como
otras piezas.
Isabelle Faust es Artista en Residencia de Wigmore Hall durante la temporada 2017/2018.

Aclamada por su “virtuosismo sin esfuerzo” y su “tono elegante, rico en matices y matices”, Xenia
Löffler estudió en la Schola Cantorum Basiliensis y el Conservatorio Real de La Haya.
Desde 2001 ocupa el puesto de oboísta principal en la Akademie für Alte Musik Berlin, y actúa regular-
mente como solista con la orquesta en conciertos por toda Europa y en todo el mundo. También actúa re-
gularmente como solista con otros ensembles de renombre, como Batzdorfer Hofkapelle, Collegium 1704
en Praga y Händel-Festspielorchester en Halle. Ha actuado como solista en numerosas grabaciones con
Harmonia Mundi France, Soli Deo Gloria, Accent y Supraphon (Diapason d’or). En 1998 fundó Amphion
Wind Octet, con el que ha actuado en festivales internacionales y ha grabado nueve discos hasta la fecha.
Löffler enseña oboe en la Universität der Künste en Berlín y ofrece clases magistrales en Alemania y en
Xenia Löffler el extranjero.
(© Daniel Maria Deuter)

Bernhard Forck comenzó a tocar el violín a los cinco años, después de completar sus estudios en 1986,
en la Hochschule für Musik Hanns Eisler en Berlín con Eberhard Feliz, se convirtió en miembro de la Or-
questa Sinfónica de Berlín. Al mismo tiempo, se interesó por la interpretación histórica y estudió con varias
autoridades destacadas en este campo, incluido Nikolaus Harnoncourt en el Mozarteum de Salzburgo.
Forck es miembro de Akademie für Alte Musik Berlin desde el inicio del grupo en 1982. Su carrera pro-
fesional como violinista también ha crecido gracias a su trabajo con el Berlin Barock Solisten. Numerosas
producciones de discos y actuaciones en el extranjero dan fe de su destreza artística, que también se
muestra en su trabajo como profesor en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín. Además, como
violinista moderno fundó el Manon Quartet Berlin en 1995.
En 2007 se convirtió en el director musical de la Orquesta del Festival Handel en Halle y es el director
artístico de la serie de conciertos Händel zu Hause.
Bernhard Forck
(© Gudrun Senger)

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 Ciclo MÚSICA BARROCA

E
uropa Galante nace en
1990 del deseo de Fabio
Jueves, 16 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. Biondi de fundar un gru-
po instrumental italiano
EUROPA GALANTE GOBIERNO MINISTERIO
para DE
la ESPAÑA
interpretación con CULTURA
DE CULTURA,
Y DEPORTE
Fabio Biondi, director instrumentos de época
del gran repertorio barroco y clásico. La
agrupación obtiene un gran éxito desde
Baldasarre Galuppi la publicación de su primer disco, dedi-
• Obertura de Adriano in Siria (1740) cado a Vivaldi, acumulando en los años
Antonio Vivaldi siguientes una lista excepcional de reco-
nocimientos. Europa Galante toca en las
• Concierto para cuerdas Il Coro delle Muse salas y teatros más importantes OBISPADO
del mun- DE
SANTANDER
Antonio Vivaldi Joaquín Achúcarro do: la Scala, Aca- demia di Santa Ceci-
lia, Suntory Hall, Concertgebouw, Royal
• Concierto para violin RV222 para la “Signora Chiara”
Albert Hall, Lincoln Center, Théatre des
Johann Georg Reutter Champs Elyssées y la Ópera de Sydney.
• Sinfonía en Re Mayor La actividad de la orquesta se centra
tanto en la ejecución de repertorio ya
Ignaz Jakob Holzbauer
conocido como en la recuperación de
• Concierto para cuerdas Il Coro delle Muse obras olvi- dadas, a través de un intenso
Johan Georg Reinhardt trabajo musicológico. En Italia colabora
con la Accademia di Santa Cecilia en la
• Sonata para cuatro violines y bajo
recuperación de obras vocales del 700
Antonio Vivaldi italiano. Con gran éxito ha presentado
• Concierto para violín RV 189 para la Fondazione La Fenice de Vene-
cia las óperas Didone y Virtù degli strali
Antonio Vivaldi d’amori de Cavalli, así como Bajazet y
• Concierto RV367 Erco- le sul Termodonte de Vivaldi, en-
tre otras. En esta temporada, además de
una larga gira en Estados Unidos con la
mezzo- soprano Vivica Genaux y con Ian
Coproducido con: Bostridge en varios países asiáticos, Europa Galante presentará obras como Lo Frate ‘nnamorato (Festival
de Jesi), La Fenice sul rogo (Festival de Crakovia) y, participará de nuevo en el Festival Chopin de Varsovia
con la Pasión según San Mateo de Mendelssohn y los conciertos para piano y orquesta de Chopin.
Desde 1998 y tras una larga discografía publicada con Opus 111 Europa Galante colabora con Virgin Clas-
sics. En 2012 está prevista la grabación en vivo de una nueva ópera de Vivaldi, Oracolo in Messenia con un
reparto vocal excepcional. Europa Galante es la orquesta residente de la Fondazione Teatro Due de Parma.

clásica Nacido en Palermo, Fabio Biondi comenzó su carrera internacional a la edad de doce años cuando
interpretó su primer concierto como solista junto a la Orquesta Sinfónica de la RAI. Espoleado por una
curiosidad inagotable conoció a los pioneros de la nueva forma de abordar la música barroca, oportuni-
Asociación Española de Festivales de Música Clasica dad que amplió su campo de visión y cambiaría el rumbo de su carrera. A los dieciséis años fue invitado
a interpretar los conciertos para violín de Bach en el Musikverein de Viena. Desde entonces Biondi ha
tocado con agrupaciones como la Cappella Real, Musica Antiqua Wien, Seminario Musicale, La Chapelle
Royale y Les Musiciens du Louvre (de la que fue el concertino en el primer concierto de la misma), todas
ellas especializadas en la interpretación de la música barroca con instrumentos y técnica originales.
Fabio Biondi En 1990 fundó Europa Galante, que en pocos años y gracias a una agenda repleta de conciertos por todo
el mundo y al extraordinario éxito de sus grabaciones se convirtió en el más reconocido y premiado de los
conjuntos italianos especializados en el repertorio barroco. Biondi y su ensemble han sido invitados por los
más importantes festivales y salas de concierto, desde La Scala en Milán y la Accademia di Santa Cecilia
de Roma al Suntory Hall de Tokio, pasando por el Concertgebouw de Ámsterdam, el Théâtre des Champs
Elysées y el Théâtre de la Ville de París, el Royal Albert Hall de Londres, el Musikverein de Viena, el Lincoln
Center de Nueva York y la Ópera de Sydney.
Su primera grabación, los conciertos de Vivaldi, recibió el Premio Cini de Venecia y el Choc de la Musique,
a los que pronto siguió una serie de nuevos reconocimientos que comprende cinco Diapasons d’Or, el
Europa Galante
Diapason d’Or de l’Année en Francia, el RTL Prize, numerosas nominaciones al Disco del Año en diversos
países, el Prix du Disque y ‘ffff’ de Telerama. En 2006 la grabación de Europa Galante de la ópera Bajazet
de Vivaldi estuvo nominada al premio Grammy. El amplio abanico musical de Biondi, que engloba tanto
el repertorio universal como el surgido del redescubrimiento de compositores olvidados, abarca tres siglos
de música. Así se puede comprobar en su variada discografía: Las cuatro estaciones de Vivaldi, los Concer-
ti Grossi de Corelli, los oratorios (La Messa di Natale), serenatas (Clori, Dorino e Amore) y óperas (Massimo

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 ´
67EDICION
Puppieno e Il trionfo dell’onore) de Alessandro Scarlatti, óperas de Händel (Poro), el repertorio para violín
del XVIII italiano (Veracini, Vivaldi, Locatelli, Tartini) y las sonatas de Bach, Schubert y Schumann.
Biondi encarna la búsqueda permanente de un estilo libre de dogmatismo y siempre alerta en su explo-
ración del lenguaje primigenio. Es precisamente este enfoque el que le permite colaborar como solista
y director con múltiples orquestas, entre ellas la Santa Cecilia de Roma, la Orquesta del Mozarteum de
Salzburgo, la Orquesta Barroca Europea, la de la Ópera de Halle, las orquestas de cámara Mahler, de
Zúrich y de Noruega o la Orchestre Nationale de Montpellier. También se presenta a dúo con piano, clave
o fortepiano en prestigiosas salas de todo el mundo, como la Cité de la Musique de París, Hogi Hall de
Tokio, Auditorio Nacional de Madrid y Wigmore Hall de Londres.
En marzo de 2005 asumió el cargo de director artístico para la música barroca de la Orquesta Sinfónica de
Stavanger (SSO). Esta temporada dirigirá además la Orchestre National de Montpellier, la Orquesta Ciudad
de Granada, la Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, el Ensemble Orchestral de París, la Orquesta
Sinfónica Tivoli de Copenhague y la orquesta del Maggio Musicale Fiorentino. En la próxima temporada
se colocará al frente de la SSO para interpretar La Flauta Mágica en la inauguración del nuevo auditorio
de la ciudad, además de dirigir la Orquesta de Cámara de Stuttgart, el English Concert y la Accademia di
Santa Cecilia.
En la temporada 2013/14 Fabio Biondi ha dirigido a la Orquesta del Maggio Musicale, Finnish Radio Sym-
phony y nuevamente a la orquesta de la Academia Santa Cecilia de Roma y al English Concert. Además
ha realizado una extensa gira como solista de violín, acompañado del clavecinista Kenneth Weiss en los
Estados Unidos y Europa.
En la temporada 2014/15 dirigirá la Stuttgart Chamber orchestra, Orquesta de Valencia, Rai de Turín y la
Orquesta de Cámara de Zurich.
En 2015 presenta el programa “La Historia del violín italiano (1700-1750)” en España, Italia, Francia y
Hong Kong.
Desde 2015 es director artístico en el Palau de les Arts de Valencia
Desde 2011 Biondi es académico de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia (Roma).
Biondi toca un violín Andrea Guarneri (Cremona, 1686) y un Carlo Ferdinando Gagliano de 1766, este
último propiedad de su maestro, Salvatore Cicero, y amablemente cedido por la Fundación Salvatore
Cicero de Palermo.

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 Ciclo MÚSICA BARROCA

H
ace tres décadas, un in-
quisitivo grupo de músicos
Domingo, 19 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. londinenses echaron una
mirada atrás a esa curiosa
ORCHESTRA OF AGE OF ENLIGHTENMENT
institución que llamamos
Katherine Watson, soprano “orquesta”, y decidieron
Steven Devine, clave y director comenzar de nuevo desde lo más bási-
co. Comenzaron por arrojar fuera todos
los convencionalismos. ¿Poner a un solo
Programa
director al cargo?; de ninguna forma.
I ¿Especializarse en un repertorio de una
época en particular?; demasiado restric-
Georg Philipp Telemann
tivo. ¿Perfeccionarse en una obra y luego
• Selection de Ouverture en Fa Mayor, TWV 55: F3 continuar en esa línea?; demasiado vago.
Había nacido la Orchestra of the Age of
Georg Friedrich Haendel Enligthtenment.
Y así, este conjunto especializado en ins-
• “Angels ever bright and fair” de Theodora trumentos de época como punto de par-
• “Piangero” de Giulio Cesare tida, se hizo una promesa: Se compro-
• Concerto grosso en mi menor op. 6 no. 3 metieron a mantener el cuestionamiento,
la adaptación y la innovación a lo largo
• “Da Tempesta” de Giulio Cesare de toda su trayectoria. Estos instrumentos
originales se convirtieron sólo en un ele-
II mento en la búsqueda de autenticidad.
Música barroca y clásica se convirtieron
Georg Friedrich Haendel en una única hebra del amplio tejido de
• Música Acuática selección de la Suite no. 1 en Fa Mayor su repertorio. Cada vez que las institucio-
Overture nes musicales creían tener un dato con el
Adagio que encasillar y establecer a OAE; el con-
Allegro junto sorprendía con un nuevo y diferen-
Air te proyecto: Una Sinfonía Fantástica aquí,
un director -menos Bach- allí. Durante
Minuet
todo este tiempo, los intérpretes de la or-
Bourrée questa tuvieron la última palabra.
Hornpipe Al principio, se sentía como un pequeño
Allegro milagro. Ideas y talento abundaban, el
Alla Hornpipe en Fa Mayor HWV331 dinero no tanto. De alguna forma. OAE
• Silete venti sobrevivió durante un año, durante dos,
durante cinco… Comenzó a hacer graba-
ciones de referencia y a atraer a los mejo-
res directores. Comenzó a ser habitual en
los circuitos europeos. Se hizo con distinguidas residencias en Southbank Centre y Glyndebourne Festival
Opera. Comenzó, en poco tiempo, a prosperar…
Y luego vino el verdadero reto. Los músicos del conjunto fueron etiquetados de excéntricos idealistas. Y ellos
estaban decididos a mantenerse en este idealismo. De frente a las grandes armas de la industria musical,
OAE mantuvo la cabeza. Se organizaron pero manteniendo su experimentalismo. Se mantuvo su unidad
fundacional, pero dando la bienvenida a nuevos talentos; mantuvo la exploración en nuevos formatos in-
Orchestra of the Age
terpretativos, nuevos enfoques de ensayo y nuevas técnicas musicales; la búsqueda del repertorio correcto,
of Enligthtenment
instrumentos y enfoques con mayor determinación. En definitiva se mantuvo fiel a su voto fundacional.
De alguna manera, aún con una pequeña aportación, OAE cambió también el mundo de la música clásica.
Se opuso a esas organizaciones asociadas y también extrajo lo mejor de ellos. Las orquestas sinfónicas y de
óperas comenzaron a pedirle consejo. Conjuntos ya existentes de instrumentos de época comenzaron a
variar no sólo su repertorio, sino también a sus directores. Otros nuevos aparecieron de repente a lo largo
de toda Europa y América.
Y así, la historia continúa. Cada vez con más ímpetu y más visión. El ciclo de actuaciones nocturnas “Nigth
Shift” ha redefinido los parámetros de conciertos. Su sede en Kings Place de Londres ha fomentado aún
más la diversidad, el planteamiento y la creación musical. Grandes actuaciones que se convierten en las
grabaciones del sello de la Orquesta. El conjunto ha sentado las bases para algunas de las más recientes
e innovadoras producciones de Glyndebourne. Viajan tanto fuera como dentro de las fronteras de Reino
Unido: Nueva York, Ámsterdam, y son muy apreciados en Birmingham y Bristol.
Reconocidas figuras están detrás de todo esto: Simon Rattle, el joven director a quien la OAE se confió en
sus inicios, y aún en la actualidad muy unido al conjunto. Ivan Fischer, el visionario que impulsó algunas de

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67EDICION
sus más particulares ideas en la joven orquesta, y que continúa siendo un desafío. Mark Eder marca todavía
la línea de la luminosidad y de los matices. Vladimir Jurowski, el podio técnico con un insaciable apetito
por la renovación creativa, ha sacado de la orquesta algunos de los más reveladores sonidos de los últimos
años. Y el laboratorio de John Butt ha servido para los experimentos más excitantes sobre Bach. Todos ellos
comparten el título de “Artista Principal”.
De los instrumentalistas, aquellos valientes de los primeros días, muchos han llegado hasta hoy. Todos siguen
pareciendo tan ansiosos y hambrientos como siempre. Aunque son enormemente respetados, aún conti-
núan cuestionándose a ellos mismos. Porque, aún a día de hoy, se enorgullecen de estar ligeramente fuera
de la norma. Y no querrían que fuera de otro modo.

Artistas principales: John Butt, Sir Mark Elder, Iván Fischer, Vladimir Jurowski, Sir Simon Rattle
Directores eméritos: William Christie y Sir Roger Norrington

Katherine Watson estudió anglo-sajón, nórdico y céltico en el Trinity College, Cambridge, donde también
formó parte del grupo coral. Fue premiada con una plaza en el programa de jóvenes artistas de William
Christie y Les Arts Florissants, desde entonces actúa con ellos regularmente por Europa y otros lugares del
mundo. Ha trabajado con un importante número de directores incluyendo Paul Agnew, Harry Bickett, Harry
Christophers, Stephen Cleobury, Jonathan Cohen, Emmanuelle Haïm, Nicholas Kraemer, Stephen Layton, Sir
Roger Norrington y Christophe Rousset.
En 2012 recibió el codiciado Premio John Christie del Festival de Glyndebourne, por su interpretación como
Hada/Ninfa en “La Reina de las Hadas” bajo la dirección de Laurence Cummings; y regresó como Diana en
“Hipólito y Aricia”. Otros roles operísticos incluyen Italienne/Phantome en “Médée”; Virtù/Damigella en
“L’Incoronazione di Poppea” en el Teatro Real de Madrid; Cassandra en “La Didone” en Caen, Luxemburgo
y París; Phani en “Les Incas du Pérou”; “Dardanus” con Ensemble Pygmalion en la Ópera Nacional de Bur-
deos y en la Capilla del Palacio de Versalles; e Iphis en “Jephtha” en el Festival de Beaune.
Sus compromisos en concierto incluyen Iphis en “Jephtha” en París, Moscú y Viena; Diana en “Actéon” y
Katherine Watson segunda mujer en “Dido y Eneas” en Nueva York (Christie); un programa de Arias de Cleopatra de “Julio
(© Hugo Bernard) Cesar” en Lille; un programa de las arias de Rameau en Frankfurt; y una Gala de Monteverdi en el Fests-
pielhaus, Baden-Baden (Haïm). Otros compromisos notables en concierto incluyen “Jauchzet Gott” (Bach)
y arias de Handel con el English Concert y el trompetista Tine Thing Helseth en el Festival de Cheltenham,
así como una interpretación en concierto de “Apolo y Dafne” con Jonathan Cohen en el Carnegie Hall de
Nueva York, y más recientemente con Arcangelo en el Zanker Hall de Nueva York. Los trabajos de Katherine
en oratorio incluyen el “Mesías” en Sevilla con la Hallé Orchestre, y con Plyphony en St John’s Smith Square;
“Oratorio de Navidad” con la Orchestra of the Age of Enlightenment y la Academy of the Ancient Music
para la BBC Radio 3; “La Pasión según San Juan”, la “Misa Nelson” y el “Réquiem” de Mozart (Layton); la
“Misa en Si Menor” en la Catedral de Winchester; “Dixit Dominus” en la Catedral de Lincoln; y el “Exultate
Jubilate” en la Abadía de Westminster. También ha interpretado “Cantata de Navidad” de Scarlatti (Norrin-
gton), “Solomon” (McCreesh), “Misa Nelson” con la Britten Sinfonia en el Concertgebouw de Ámsterdam.
Además de su reconocido trabajo en el repertorio barroco, Katherine ha interpretado la “4ª Sinfonía” de
Mahler, “Chantesfleurs et Chantesfables” de Lutosławsky y “Knoxville: Summer of 1915” de Barber en St
John’s Smith Square junto a Kensington Symphony Orchestra, “Sinfonía Antártica” de Vaughan Williams
con Layton y la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Londres y “Les Illuminations” de Britten. En recitales, su
repertorio lieder/chanson incluye obras de Mozart, Schubert, Mahler, Strauss, Poulenc y Messiaen.
Su discografía incluye “Oratorio de Navidad” de Bach (Layton/OAE/Trinity College Choir), Caterina en “Ora-
torio di Santa Caterina” (Headley), y una grabación de Hyperion en 2014 de los madrigales de Monteverdi
con Cohen y Arcangelo. Como grabaciones en DVD incluyen Cassandra en “La Didone” (Opus Arte), Virtù/
Damigella en “Poppea” (EMI) y Un Songe/l’Amour/une Phrygienne en “Dardanus” (Harmonia Mundi).
Entre sus recientes compromisos se incluyen el papel principal en “Theodora” en París, Nueva York y Ámster-
dam; Telaire en “Cástor y Pólux” en el Wigmore Hall; Interpretaciones del “Mesías” con Le Concert Spirituel
y Polyphony; el papel principal de “Isbé” en el Palacio de las Artes de Budapest; Mérope en “Persée” en
Metz y París; Cleopatra en “Alexander Balus” en el Festival Handel de Londres; tres apariciones en el Festival
de Beaune como Nitocris en “Belshazzar”, Armelite en “Zoroastre” y Galatea en “Acis y Galatea”; una gira
de “Misa en Si Menor” (Bach) con Les Arts Florissants; actuaciones en la BBC Proms, con Arcangelo y con
Les Arts Florissants; Belinda en “Dido y Eneas” con la Opéra de Rouen; y recitales en la Ópera de Lille con
Simon Lepper y en el Festival Lieder de Oxford con Sholto Kynoch.
Sus más recientes y futuros compromisos incluyen su regreso al Théâtre des Champs Elysées como Giunone
en “Il Ritorno d’Ulisse in Patria” (Monteverdi); su debut en la Komische Oper de Berlín el rol de Amélite en
“Zoroastro”; “Miranda” en la Opéra Comique de París; “Mesías” en la Handel and Hydn Society; “Jephta”
en la Opéra National de Paris; e interpretaciones del papel de Dalila en “Samson” (Handel), como parte del
Festival d’Opéra Baroque et Romantic de Beaune.

31
32
Ciclo
ENSEMBLES
Y RECITALES

33
 Ciclo ENSEMBLES Y RECITALES

L
a revista francesa Dia-
pason, en su número de
Sábado, 18 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. octubre del año pasado,
incluyó una grabación de
Joaquín Achúcarro, piano Joaquín Achúcarro en-
tre “Les 100 plus beaux
Programa disques de piano de tout les temps”,
junto a pianistas como Rachmaninoff,
I Horowitz, Rubinstein, Cortot, Richter,
Frédéric Chopin Arrau, Gilels, Gould, Brendel, Argerich,
Pollini y Zimmerman. Igualmente, hace
• 24 preludios Op. 28
unos meses la International Astronomi-
Agitato, Do Mayor cal Union (IAU) acordó nombrar al mini-
Lento, la menor planet 22191 con el nombre “Joaquin
Vivace, Sol Mayor Achucarro” en homenaje a su trayec-
Largo, mi menor toria universal.
Allegro molto, Re Mayor La impecable y modélica carrera artística
Lento assai, si menor Achúcarro, descrito por el Chicago Sun
Andantino, La Mayor Times como “The Consummate Artist”,
Molto agitato, fa sostenido menor le ha valido la más alta reputación nacio-
Largo, Mi Mayor nal e internacional.
Nacido en Bilbao, durante sus tiempos
Allegro molto, do sostenido menor
de estudiante ganó premios internacio-
Vivace, Si Mayor
nales en España, Francia, Italia y Suiza,
Presto, sol sostenido menor pero fue su victoria en Inglaterra en el
Lento, Fa sostenido Mayor Concurso Internacional de Liverpool de
Allegro, mi bemol menor 1959 (ganado un año antes por Zubin
Sostenuto, Re bemol Mayor Mehta en la modalidad de director de
Presto con fuoco, si bemol menor orquesta) y las críticas entusiastas en los
Allegretto, La bemol Mayor periódicos londinenses tras su debut con
Allegretto molto, fa menor la London Symphony en el Royal Festival
Vivace, Mi bemol Mayor Hall, lo que marcó el inicio de su carrera
Largo, do menor internacional.
Desde entonces, Achúcarro mantiene
Cantabile, Si bemol Mayor
una ininterrumpida actividad concertisti-
Molto agitato, sol menor
ca internacional que le ha llevado a 61
Moderato, Fa Mayor< países, actuando en salas como Avery Fi-
Allegro appassionato, re menor sher Hall, Berlin Philharmonie, Carnegie
Hall, Concertgebouw, Kennedy Center,
Musikverein, Royal Albert Hall, Festival
II Hall, Barbican, Salle Gaveau, Salle Pleyel,
Claude Debussy Teatro alla Scala, Suntory Hall, Sydney
• La plus que lente (vals) Opera House…, tanto en recitales como
de solista con más de doscientas orques-
• La puerta del vino tas diferentes que incluyen la Berlin Phil-
• La soiree dans Grenade de Estampes harmonic, Chicago Symphony, New York
Manuel de Falla Philharmonic, Los Angeles Philharmonic,
La Scala di Milano, Sydney Symphony,
• Homenaje a Debussy Sta Cecilia di Roma, London Philharmo-
Maurice Ravel nic, London Symphony, Philharmonia,
BBC, Orchestre de Montreal, National
• Gaspard de la Nuit
de France, Yomiuri, Tokyo Philharmonic,
Ondine Tokyo Symphony, RIAS Berlin, Tonkünst-
INSTITUTO NACIONAL
CULTURA LeLASGibet
DE ARTES ESCÉNICAS ler Wien, Nacional de Chile, así como
Y DE LA MÚSICA
Scarbo con orquestas de Mexico, de Colombia,
de Venezuela y, por supuesto, todas las
orquestas de España. Lo ha hecho jun-
Jornada patrocinada por: to a más de 400 directores, tales como
Claudio Abbado, Sir Adrian Boult, Ric-
cardo Chailly, Sir Colin Davis, Zubin Me-
hta, Sir Yehudi Menuhin, Seiji Ozawa y
Sir Simon Rattle.

34
 ´
67EDICION
En el año 2000 fue nombrado Artist for Peace por la UNESCO, en París, en reconocimiento a su ”extraor-
dinaria labor artística”.
Es Accademico ad Honorem de la Accademia Chigiana de Siena (Italia) y en su país natal, Achúcarro ha
recibido los más altos honores en las Artes: Medalla de Oro a las Bellas Artes, Premio Nacional de Música,
y en 2003, el Rey Juan Carlos I le concedió la Gran Cruz del Mérito Civil. En 2004 fue nombrado Hijo
Predilecto de la Villa de Bilbao, su ciudad natal.
En mayo de 2014, Sony reeditó sus famosas Goyescas de Granados (Choc de Classica en Francia.) Igual-
mente su disco de Schumann publicado en Paris (La Dolce Volta) ha conquistado el Choc de Classica, el
Diapason, y el Maestro Pianiste.
El concierto n.2 de Brahms con la London Symphony Orchestra y Sir Colin Davis (Opus Arte), aclamado por
la crítica, recibió 5 stars en todas ellas y fue número uno en la lista de bestsellers de Amazon.
El dvd Falla and Friends (Euroarts), donde Achúcarro interpreta Noches en los Jardines de España de Falla
Joaquín Achúcarro junto con la Orquesta Filarmonica de Berlín y Sir Simon Rattle, grabadas en el Philharmonie Hall de Berlin,
(© Jean Baptiste Millot)
ha sido recibido también con entusiasmo por crítica y público.
Atendiendo la petición del compositor, Achúcarro reescribió y grabó para Sony su revisión del Concierto
para Piano de Joaquín Rodrigo. Ha recibido premios por sus grabaciones de Falla, Granados, Ravel y
Brahms para BMG-RCA, Claves y Ensayo. Otras grabaciones incluyen música de Schumann, Schubert,
Chopin, Beethoven, Debussy, Bartok, Rachmaninoff, Scriabin, Turina y Hermann.
Celebramos Desde Agosto de 1989 tiene la Cátedra J. E. Tate de la Southern Methodist University en Dallas (USA) y
con Joaquín Achúcarro combina sus períodos de enseñanza con su apretada agenda de conciertos.
los 85 años En 2008, un grupo de personas e instituciones de Dallas creó la JOAQUIN ACHUCARRO FOUNDATION
de este pianista “para perpetuar su legado artístico y docente” ayudando a jóvenes pianistas “alumnos suyos” en el
siempre joven comienzo de sus carreras.
En Febrero de 2018 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando como académico de
honor, y en mayo será investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Madrid.

35
 Ciclo ENSEMBLES Y RECITALES

Viernes, 24 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales.

Katia y Marielle Labèque, pianos

Raphael Seguinier, batería
Gonzalo Grau, percusión GOBIERNO MINISTERIO INSTITUTO NACIONA
DE LAS ARTES ESCÉNIC
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA Y DE LA MÚSICA
Centenario Leonard Bernstein Y DEPORTE

Programa
I
Bryce Dessner
• El Chan (Estreno en España)
George Gershwin
OBISPADO DE
• 3 Preludios para dos pianos SANTANDER
Philip Glass
• 4 movimientos para dos pianos Jornada patrocinada por:
II
Leonard Bernstein
• West Side Story (arreglo para dos pianos y percusión hecha
por Irwin Kostal, orquestador original)

K
atia y Marielle Labèque poseen un agudo contraste musical y forman un dúo con una
gran sincronización y energía. Su popularidad internacional llegó por su grabación de
Rhapsody in Blue de Gershwin, una de las primeras grabaciones de música clásica en
conseguir un Disco de Oro.
Han tocado con las más prestigiosas orquestas: Berliner Philharmoniker, SO des Baye-
rischen Rundfunks, las sinfónicas de Boston, Chicago, Londres, Cleveland Orchestra,
Gewandhausorchester Leipzig, las filarmónicas de Londres, Los Ángeles, la Scala, Philadelphia Orchestra,
Staatskapelle Dresden, Royal Concertgebouw Orchestra (RCO) y Wiener Philharmoniker. Y lo han hecho
Katia y Marielle Labèque bajo la batuta de Bychkov, Bringuier, Sir Colin Davis, Dudamel, Dutoit, Gardiner, Harth-Bedoya, Kristjan
(© Umberto Nicoletti)
y Paavo Järvi, Mehta, Ozawa, Pappano, Prêtre, Rattle, Salonen, Slatkin, Tilson Thomas y van Zweden.
Han aparecido con grupos barrocos, como English Baroque Soloists (Gardiner), Il Giardino Armonico (An-
tonini), Musica Antiqua Köln (Goebel) y Venice Baroque (Marcon), Il Pomo d’Oro y también estuvieron de
gira con la Orchestra of the Age of Enlightenment (Rattle).
Han trabajado con los compositores Adès, Andriessen, Berio, Boulez, Glass, Golijov, Ligeti y Messiaen.
En 2015, interpretaron el estreno mundial del Concierto de Philip Glass (compuesto para ellas) junto a
la Los Angeles Philharmonic y Dudamel. Obras de Dessner, y Muhly, también compuestos para ellas, se
estrenarán en 2018 y 2019.
Su biografía “Une vie à quatre mains” de Renaud Machart ha sido publicado por Buchet-Chastel.
En 2016 KML Recordings se unió a Deutsche Grammophon, así su nueva grabación La Consagración de la
Primavera de Stravinski y Epígrafes Antiguos de Debussy saldrá al mercado en 2018.
Más de 100.000 personas asistieron al Concierto de la Noche de Verano 2016 en Schönbrunn, disponible
en disco y DVD (Sony), donde tocaron con la Wiener Philharmoniker (Bychkov). Más de mil millones de
telespectadores siguieron el concierto.
Esta temporada actuarán con la Filarmónica de Nueva York (van Zweden), con Camerata Salzburg; en la
Elbphilharmonie interpretarán la obra de estreno de Bryce Dessner El Chan; darán una gira europea con
la RCO (Bychkov); en el Festival de Pascua de Salzburgo con Staatskapelle Dresden; e interpretarán la
obra de Dessner con London Philharmonic, Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic y San Francisco
Symphony, entre otras citas.

Raphaël Séguinier, es uno de los baterías y percusionistas más activos de su generación, capaz de mo-
verse en estilos tan diferentes y variados como música electrónica, rock, pop, post-rock, improvisación,
música clásica o contemporánea.
Ha desarrollado a lo largo de su carrera internacional un estilo personal que le ha llevado a tocar con
Rufus Wainwright, Saul Williams, Micky Green, Chocolate Genius, Hindi Zahra, Matt Elliot, Emilie Simon
Raphael Seguinier o Katia y Marielle Labèque, en prestigiosos lugares tales como Musikverein de Viena, Disney Hall en Los

36
 ´
67EDICION
Ángeles, La Scala de Milán, Berliner Philharmonie, Lucerna, Théâtre des Champs Élysées y la Salle Pleyel.
Habitualmente toca con orquestas y directores de gran renombre como la Berliner Philharmoniker con
Sir Simon Rattle, Bruckner Orchester Linz con Dennis Russell Davies, MDR Sinfonie Orchester Leipzig y
la Sinfónica de Sydney con Miguel Harth-Bedoya. También participa en los principales festivales de rock
como Rock en Seine, Sziget, Glastonbury, Fuji Rock, etc.
Comenzó su carrera en el mundo de la música independiente y la improvisación creando su propia for-
mación Polagirl y formando parte del grupo, The Zazen con quien compaginó varios proyectos musicales
donde se mezclaban diferentes géneros musicales.
Colabora regularmente con Katia y Marielle Làbeque con grabaciones como: West Side Story para percu-
sión y pianos, Dream House Minimalist, Nazareno, Bernard Hermann Project…
En 2012 crea su propio proyecto “Ubunoir” con Davis Chalmin, con quien graba y produce composiciones
propias entre las que cabe destacar Red Velvet, B for Bang, Dream House Minimalist o Star cross’d Lovers.

Gonzalo Grau, inicia sus estudios musicales bajo la guía de sus padres, Alberto Grau e Isabel Palacios, a
los tres años de edad. Realiza estudios musicales (clásicos y populares) en el Colegio Emil Friedman. A los
trece años de edad ingresa en la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela como violonchelista y dos años
más tarde, en la Camerata Renacentista de Caracas como miembro titular.
Colabora como instrumentista con las más importantes agrupaciones corales de Venezuela y, paralela-
mente, a sus estudios musicales continúa su desarrollo como ejecutante en diversos estilos populares.
Con el tiempo Gonzalo Grau desarrolla habilidades como “multi-instrumentista” en instrumentos como
el piano, violonchelo, viola da gamba, cuatro, percusión y canto. En 1995 Gonzalo recibe una beca en
Berklee College of Music en la ciudad de Boston (USA) donde tres años más tarde culminaría estudios con
el honor “Summa Cum Laude” como pianista de jazz.
Desde entonces, ha sido parte de la vanguardia de la música latina, tocando y arreglando para una gran
diversidad de agrupaciones y artistas entre los cuales podemos resaltar a Maria Schneider Orchestra, Spa-
Gonzalo Grau nish Harlem Orchestra, Timbalaye, Mango Blue, las producciones La Pasión Según San Marcos y la ópera
Ainadamar de Osvaldo Golijov, Rolando Villazón, Katia y Marielle Labèque, asi como sus propios proyectos
“Plural” y “La Clave Secreta”, agrupación nominada a los premios Grammy de la Academia (2008) en la
categoría mejor álbum tropical latino, por su producción independiente “Frutero Moderno”.
Gonzalo Grau vive en la ciudad de Boston donde sigue su desempeño como multi-instrumentista, arreglis-
ta, compositor y productor dentro de géneros como la salsa, timba, latin jazz, flamenco y clásico-crossover.
Recientemente ha culminado dos producciones discográficas para el sello clásico alemán Deutsche Gram-
mophon: la grabación en estudio de La Pasión Según San Marcos de Golijov, y México del tenor de ópera
Rolando Villazón. También ha producido las grabaciones de Mango Blue, West Side Story con las herma-
Cien años nas Labèque, y Nazareno con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.
del nacimiento del Como compositor ha recibido encargos de la Orquesta Sinfónica de Atlanta como compositor para la
recordado Leonard temporada 2008, de la Orquesta Sinfónica de Chicago para la serie “MusicNow” 2008, y de la Orquesta
Bernstein Filarmónica de Brooklyn para el “Nuevo Latino Festival 2009”.
En 2010 escribe Nazareno, suite para dos pianos y orquesta inspirada en La Pasión Según San Marcos
de Golijov, encargada por las pianistas Katia y Marielle Labèque y estrenada en enero de 2010 por la
Orchestre de Paris.
En el mismo año, la International Bach Academy le encarga un oratorio para coro de voces mixtas y
orquesta sinfónica titulado Aqua, estrenado en agosto de 2011 en Berlín, Caracas y Stuttgart, con la
Orquesta Juvenil de Alemania y la Schola Cantorum de Caracas. Con dicha obra, Gonzalo Grau recibió
el premio “Compositor de Europa 2011” (Europäische Komponistenpreis 2011), otorgado por el Young
Euro Classic Festival, en Berlín.
En 2012 compone Viaje, obra encargada por la Boston Landmarks Orchestra para orquesta sinfónica y
ensamble de música latina, y en 2013 compone para Johnny Gandelsman y Community MusicWorks, un
concierto para violín y orquesta de cámara titulado Fantasía de Guayaba Habanera.

37
38
 CONCIERTO
EXTRAORDINARIO

39
 Ciclo CONCIERTO EXTRAORDINARIO

L
a Joven Orquesta Sin-
fónica de Cantabria
Domingo, 12 de agosto. 20:30 h. Sala Argenta. Palacio de Festivales. (JOSCAN), se creó en sep-
tiembre de 2016 como un
JOVEN ORQUESTA SINFÓNICA DE CANTABRIA
proyecto de innovación
Enrique García Asensio, director educativa de la Conse-
jería de Educación, Cultura y Deporte.
Programa Está formada por 94 jóvenes de 14 a 26
años a los que se les ofrece un marco
I GOBIERNO MINISTERIO de INSTITUTO
formación profesional de alta calidad
NACIONAL
DE LAS ARTES ESCÉNICAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA
Juan Crisóstomo Arriaga Y DEPORTE técnica y artística.
Y DE LA MÚSICA
La JOSCAN plantea
dos encuentros durante los periodos no
• Obertura de Los esclavos felices lectivos de primavera y verano donde sus
Antón García Abril componentes pueden trabajar con pro-
• Canciones y danzas para Dulcinea fesores de prestigio internacional, adqui-
riendo una experiencia inestimable en el
ámbito orquestal y de la música de cá-
II OBISPADO DE mara. Al final de cada encuentro la Joven
SANTANDER
Piotr Ilich Tchaikovski Orquesta planifica una serie de concier-
tos como muestra del trabajo realizado
• Sinfonía n. 2 en do menor Op. 17 Pequeña Rusia por los profesores invitados y el director
musical. La concreción de este proyecto
implica a toda la comunidad educativa
de Cantabria a través de la Comisión
Jornada patrocinada por: JOSCAN que incluye, además de las autoridades educativas y del coordinador JOSCAN, a los directores de
los conservatorios de la región en representación de profesores, alumnos y familias.
La JOSCAN pretende tender un puente entre las enseñanzas musicales de los conservatorios de música
de nuestra comunidad, las enseñanzas musicales superiores y el entorno profesional de la orquesta, am-
pliando y desarrollando los conocimientos musicales de sus miembros a fin de facilitar y preparar su futuro
acceso a las agrupaciones profesionales. La Joven Orquesta, además, busca la promoción y el apoyo de
sus miembros a través de clases magistrales, conciertos o líneas de apoyos económicos para la ampliación
y perfeccionamiento de sus estudios.
La JOSCAN se constituye en una herramienta para la formación personal al mismo tiempo que se pro-
yecta como un modelo social en el que se exploran y fortalecen valores, actitudes y experiencias de alto
contenido comunitario a través de la música. De este modo, la formación, a través de a sus actividades
de responsabilidad social, extiende sus objetivos a proyectos de inclusión social y de apoyo a colectivos
con necesidades especiales.

40
 ´
67EDICION
Enrique García Asensio, nace en Valencia (España). Cursa los estudios musicales en el Real Conservato-
rio Superior de Música de Madrid, diplomándose en Violín, Música de Cámara, Armonía, Contrapunto,
Fuga y Composición.
A los 11 años forma parte, como violín, en la Orquesta del Conservatorio de la que llegaría a ser Concer-
tino y más tarde Director.
Ha dirigido casi todas las Orquestas de España.
Su actividad profesional en el campo internacional se desarrolla en: Canadá, Estados Unidos, Méjico,
Puerto Rico, Argentina, Uruguay, República Dominicana, Brasil, Japón, Islandia, Bulgaria, Rumania, Grecia,
Israel, Rusia, África del Sur, Irlanda del Norte, Suiza, Inglaterra, Portugal, Italia, Francia, Bélgica, Alemania,
Austria, Holanda, Dinamarca, Chequia y Eslovaquia.
Posee una extensa discografía realizada en España e Inglaterra.
Ha sido asistente del Maestro Celibidache en los cursos internacionales que éste impartió en Bolonia (Ita-
Enrique García Asensio
lia) y Múnich (Alemania), así como en las clases de la Academia Chigiana de Siena (Italia) de 1960 al 63.
En el extranjero, ha dado cursos de Dirección de Orquesta en Santo Domingo (República Dominicana), Iasi
y Bucarest (Rumania) y Kerkrade (Holanda). En España han sido muchos los cursos impartidos: Toledo, Ma-
drid, Valencia, Chauchina (Granada), Minglanilla (Cuenca), Villafranca de los Barros (Badajoz), Brihuega
(Guadalajara) y Granada. Liria, Buñol, Cullera, L' Olleria, Villarreal, Nules, Segorbe, Benicasim, Vall d’Uixó,
Montroy, Algar de Palancia y Pinoso, en la Comunidad Valenciana.
Ha sido nombrado Director Honorario de muchas agrupaciones musicales de gran prestigio como: Unión
Musical de Liria (Valencia). Sociedad "La Artística" de Buñol (Valencia).
Es Académico, correspondiente, de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, Caballero
de la Orden del Santo Cáliz y Caballero de la Real Orden de Santa María del Puig.
Desde su creación en 1986, es miembro del Consejo Valenciano de Cultura de la Generalitat Valenciana.

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42
 Ciclo
CREACION
CONTEMPORÁNEA

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 Ciclo CREACIÓN CONTEMPORÁNEA
GOBIERNO MINISTERIO
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTU

E
Y DEPORTE
l grupo Sax-Ensemble
surge en 1987 con el ob-
Lunes, 6 de agosto. 20:30 h. Paraninfo de la Magdalena. jetivo de potenciar la crea-
ción y difusión de música
Grupo Sax Ensemble contemporánea. Se trata
de un grupo de cámara
Carmen Gurriarán, soprano flexible integrado como base por flauta,
Anthony Madigan, narrador clarinete, violín, violonchelo, cuarteto OBISPADO DE
Santiago Serrate, director de saxofones, piano, percusión y músicaSANTANDER
electroacústica, pero que cuenta en los
Joaquín Achúcarro

Programa casos necesarios, con la participación de

otros instrumentos de viento, cuerda y
I
voz, en muchas de sus actuaciones. En
Juan José Mier su amplio repertorio, junto a las obras
• Heidelberg, una puerta de luz para Gaia tradicionales, figuran principalmente
partituras de autores contemporáneos,
Luis de Pablo tanto españoles como extranjeros. Su
• Pocket Zarzuela. Con textos de José Miguel Ullán primera aparición pública tuvo lugar en
el Salón Azul del Ayuntamiento de Ali-
cante, en el concierto de presentación de
II los II Encuentros Europeos del Saxofón,
William Walton dentro del marco del III Festival de Mú-
• Façade, an entertainment (version de 1951).Sobre los poemas sica Contemporánea de Alicante. Desde
de Edith Sitwell (1887-1964) versión en inglés entonces, de sus actuaciones cabe des-
tacar las realizadas en el Centro de Arte
Reina Sofía, Círculo de Bellas Artes de
Madrid, Auditorio Nacional de Música,
Teatro Monumental de Madrid, Teatro
Coproducido con: de la Zarzuela, V Festival de Música Contemporánea de Alicante, Festival de Música del Siglo XX de Sala-
manca, Festival de Música Española de León, Jornadas de Música Contemporánea de Granada, Festival In-
ternacional de Música y Danza de Granada, Palau de la Música de Valencia, Festivales de Segovia, Málaga,
Ávila, Cádiz... En Francia ha aactuado en “Saxophonies de Angers”, Universidad de Gap, Conservatorio
de París, el Centro Georges Pompidou, y en el Centro Andre Malraux de Burdeos; en Bélgica, Jornadas
Europeas del Saxofón de Dinant; en Italia, Teatro la Fenice de Venecia, Pesaro, Ortona y Celano; en Ingla-
terra Instituto de Arte Contemporáneo de Londres y Universidad de Surrey; en Canadá en la Universidad
de Quebec en Montreal.
clásica La creación y promoción de la música de nuestro tiempo, tanto para la formación inicial del grupo, que era
una formación inexistente hasta entonces (cuarteto de saxofones, piano y percusión), como en múltiples
plantillas con otros instrumentos, (con música electroacústica, con grupos orquestales, y para la actual
Asociación Española de Festivales de Música Clasica plantilla con 14 intérpretes), ha sido el motor de la continuidad del grupo en estos veintidós años. En 1997
fue galardonado con el Premio Nacional de Música de Interpretación, principalmente por su aportación a
la música española, y sus diez años de existencia en aquel momento, siendo la única vez por el momento
que este premio es concedido a un grupo de cámara.
Son numerosos los autores que les han dedicado su música, e incluso algunos de ellos varias partituras, de
los cuales es imprescindible nombrar a Luis de Pablo, Franco Donatoni, Tomas Marco, Roman Alís, Zulema
de la Cruz, María Escribano, Carlos Cruz de Castro, Manuel Seco, Jose María García Laborda, Consuelo
Diez, Agustín González de Acílu, Luis Blanes, Roque Baños, Adolfo Núñez, Joseba Torre, Pilar Jurado, En-
rique Muñoz, Salomé Díaz, Francisco Villarrubia, Marisa Manchado, Pedro Iturralde, Rafael Díaz, Agustín
Charles, Jesús Mula, Alejandro Civilotti, Jose Manuel Berenguer, Javier Jacinto, Juan Medina, Jacobo Du-
rán-Loriga, Carmelo Bernaola, Jesús Rueda, José Susi, Cesar Camarero, Jesús Torres, Ramón Lazcano, José
M. Sánchez Verdú, Gabriel Fernández Alvez, José García Román, Manuel Angulo, Claudio Prieto, Gabriel
Erkoreka, Mercedes Zavala, Sergio Blardony y José Nieto etc... Cuenta con ciento treinta estrenos mundia-
les. Además también el Sax-Ensemble ha efectuado estrenos en España de obras de Karlheinz Stockhau-
sen, Edison Denisov, Sofía Gubaidulina, Georges Crumb, Henri Pousser, Luis de Pablo, Cristóbal Halfter,
Christian Lauba, Paul Mefano, Jean Claude Risset, Bruno Maderna, Franco Donatoni, Philip Glass...
El catálogo de discos del grupo tiene doce títulos en la actualidad, de autores españoles y europeos, entre
los cuales cabe destacar el primer monográfico de obras para saxofón de autores como Edison Denisov
o de Zulema de la Cruz, junto con otros monográficos de Tomás Marco, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo,
Carlos Cruz de Castro, y el último que se publicará a finales de este año dedicado a Claudio Prieto. En
1993 este grupo instituyó la FUNDACIÓN SAX-ENSEMBLE gracias al apoyo y decisión de un grupo de
compositores, músicos y melómanos, con el objetivo de incentivar los encargos a compositores españoles
y extranjeros y las actividades pedagógicas de alto nivel.

44
 ´
67EDICION
Santiago Serrate nace en 1975 y cursa sus estudios musicales entre Barcelona y Madrid, continuándolos
en la Cátedra de Contrabajo de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Ludwig Streicher, donde
en 1998 S.M. la Reina le entregó el diploma al alumno más destacado. Estudió dirección de orquesta
con Antoni Ros Marbà y recibió clases magistrales de Arturo Tamayo, Salvador Mas, George Hurst y
Otto-Werner Mueller.
Debutó como director a los dieciséis años con la Escolanía Coral de San Agustín, de la que formó parte y
fue pianista acompañante. En 1994 ganó el Primer Premio de Contrabajo del concurso Germans Claret,
habiendo tocado como solista los conciertos de Dragonetti y Bottesini con la ONCA. En 2001 ganó por
concurso la plaza de Director Asistente de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, que ocupó
durante dos temporadas.
Dirige las principales orquestas españolas como también lo hace en Italia, Portugal, Grecia, China y Mé-
xico. Su compromiso con la música actual se manifiesta a través de estrenos, conciertos y grabaciones
discográficas con el Grupo Modus Novus y el Sax Ensemble.
En su amplio repertorio operístico se encuentran más de 60 títulos; ha obtenido gran éxito de crítica y
público en el Gran Teatro del Liceo con el estreno en España de L’Ape Musicale, en el Auditorio de Galicia
con La Voix Humaine de Poulenc; en el Teatro de la Zarzuela con La Calesera y con el Estreno de una
Artista/Gloria y Peluca; con Turandot de Puccini en el Teatre Principal de Palma de Mallorca; con La Italiana
in Algeri de Rossini, La Serva Padrona de Pergolesi y il Segreto di Susanna de Wolf-Ferrari y Carmen de
Bizet para Ópera en Cataluña; en la Maestranza de Sevilla con Lo Speziale de Haydn, The Telephone de
Menotti, Der Schauspieldirektor de Mozart, Cavalleria Rusticana de Mascagni, y con los estrenos en Espa-
ña de il Prigioniero de Dallapiccola y Sarka de Janacek así como la recuperación del Cristoforo Colombo
de R. Carnicer. Recientemente ha estrenado la ópera de cámara Tenorio, de Tomás Marco en el Festival
de El Escorial.
Santiago Serrate es actualmente profesor asistente en el Curso Internacional de Dirección de Orquesta
Antoni Ros Marbà de Barcelona y Patrono de la Fundación Sax -Ensemble.
Entre sus próximos compromisos se encuentran los conciertos de celebración del 30 aniversario del Grupo
Sax-Ensemble, con el Grupo Modus Novus para el CNDM y dirigirá la Fille du Régiment de Donizetti en
Sevilla y Cavalleria Rusticana/Pagliacci para Ópera en Cataluña, asi mismo estrenará la ópera Fuenteove-
juna de Jorge Muñiz para la Ópera de Oviedo, entre otros proyectos.

Sax-Ensemble

45
 Ciclo CREACIÓN CONTEMPORÁNEA

T
RANSMUTARE se inserta
en una joven corriente de
Martes, 7 de agosto. 21 h. Casa de las Mareas. Soano. creación que propone la
creación sonora en cone-
LABORATORIO KLEM
xión con la investigación
Transmutare artística. Un espacio se
“resignifica” cuando interviene su so-
Iñigo Ibaibarriaga, saxofones, creación electrónica noridad, cuando se piensa críticamente
Ainara Zubizarreta, flautas, performance alejado de su mera funcionalidad.
Víctor Parra, violín, performance La palabra “transmutar” significa modi-
Mikel Arce, artista sonoro, creación escénica ficar, mover, cambiar.
Se trata de un proyecto de investigación
Jaime Oliver, compositor, procesamiento y difusión electrónica y un proceso creativo que incorpora mú-
Marina Hervás, filósofa, textos, dirección artística sica, proyecciones, textos, instrumentos
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO acústicos, sonidos electrónicos y vídeo,
DE LA HERMANDAD DE RASINES DE SUANCES DE MIERA
DE CAMPOO DE SUSO para modificar la experiencia cotidiana
de los marcos históricos del FIS.
Colabora: TRANSMUTARE será, por tanto, un espectáculo único y orgánico en el que el visitante redescubre “La
Casa de Mareas”, proponiendo una simbiosis perfecta entre la música y los espacios naturales del entor-
no. Para ello se han diseñado una serie de piezas específicas para el lugar a intervenir.
El hilo conductor teórico va a ser la reflexión sobre el concepto de “belleza” y su compleja definición a
partir de las vanguardias. A nivel práctico, se propone activar, a través de la intervención sonora de los
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE ARNUERO DE COMILLAS espacios,DEelRIBAMONTÁN
trasfondo
AL MAR
histórico y social de la percepción
DE MIENGO DE NOJA de la belleza, así como el diálogo entre estilos y
lenguajes artísticos.
Desde hace unos años, el arte y, por tanto, también la música han comenzado a repensar qué tipo de
relación se abre con el mundo mediante el arte.
La presentación de [TRANSMUTARE] será solo una parte de ese proceso al que te invitamos a acompa-
ñarnos.
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE COLINDRES DE SAN VICENTE DE CASTRO URDIALES DE SANTILLANA
DE LA BARQUERA DEL MAR

AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE ESCALANTE DE MAZCUERRAS

46
 ´
67EDICION
Laboratorio Klem es un proyecto internacional basado en la investigación visual, performance y creación
sonora basado en Ciencia&Arte.
El laboratorio está dedicado a la creación multidisciplinar a partir de la música, las artes visuales y el en-
cuentro entre todas las disciplinas artísticas (performance, videomapping, creación audiovisual, instalación
sonora, danza, etc).
Laboratorio Klem ha ido estableciendo convenios creativos con diversas instituciones internacionales;
participa y desarrolla actividades creativas en diferentes países, en colaboración con departamentos de
investigación de prestigiosas instituciones como:
- UPV-EHU (Euskadi)
- Huddersfield University (UK)
- Keele University (UK)
- New York University (EEUU)
- CMMAS (Mexico), etc.
Trabaja con un ensemble instrumental (Ensemble KLEM) y artistas de disciplinas tan diversas como el
videomapping, live electronics, danza, performance. KLEM tiene su sede en Bilbao, ZawpLab, espacio
para las artes, donde desarrolla su potencial creativo en un espacio industrial, formado por varios cubos
pensados para ofrecer alojamiento temporal y espacios de trabajo.
El trabajo de Laboratorio Klem se desarrolla en tres líneas básicas: Investigación, proceso, producción que
se materializan en diferentes realidades.
Laboratorio Klem ha presentado sus proyectos en:
Cambridge University (UK); XXX Biennale Arte Contemporaneo (Brasil); Kunitachi College (Japan); Anglia
Ruskin University (UK); Visiones Sonoras CMMAS (México); Nit Electrosonora (Spain); Electric Spring Hud-
dersfield (UK); USP – Music & Technology (Brasil); xCoAx Science Arts Bergamo (Italy); Punto de Encuentro
(Spain); Sonoimágenes (Argentina); Mantis festival (UK); Sheffield festival (UK); La Escucha Errante (Spain);
Keele Performing Arts (UK); Baldwin Gallery London (UK); Ai Maako Festival (Chile); Instituto Goethe
Roma (Italy); Sirga Festival (Spain); Universidad Paris VIII (France); Casa da Música (Portugal); La Trenza
Sonora Festival (Perú); Tretamatyka Festival (Ucrania); SARC Belfast (Irlanda); Museo Arte Contemporáneo
Guggenheim-Bilbao (España); Universidad de Valparaíso (Chile); Museo El Lugar de la Memoria Lima
(Perú); Museo de Arte Contemporáneo (México-D.F.).

47
48
Ciclo
EN FAMILIA

49
 Ciclo EN FAMILIA

L
a Maquiné presenta El
bosque de Grimm, un
Viernes, 17 de agosto. 19 h. Sala Pereda. Palacio de Festivales. espectáculo inspirado en
la atmósfera de los cuen-
EL BOSQUE DE GRIMM
tos de hadas recopilados
La Maquiné por Charles Perrault y los
hermanos Grimm, a través de la pie-
Joaquín Casanova y Elisa Ramos, creación za musical Ma mère l´oye del conocido
Joaquín Casanova, dirección compositor Maurice Ravel. La obra es in-
Maurice Ravel, música terpretada con piano en directo a través
José López-Montes, adaptación musical y otras composiciones de teatro gestual, títeres y vídeo escena
para un público infantil y familiar a partir
Elisa Ramos y Maite Campos, intérepretes de 5 años.
Joaquín Casanova, espacio escénico, iluminación y proyecciones La obra se articula a través de la suite
Elisa Ramos, títeres y vestuario para piano Ma Mère l´oye, compuesta
Joaquín Casanova, diseño gráfico y video por Maurice Ravel, como una recrea-
La Maquiné, producción ción estilizada de los cuentos infantiles.
Estas piezas actúan como un lenguaje
evocador que describe la atmósfera y
“Había una vez…”, Érase una vez…”, “Hace mucho, mucho tiempo…”,
los momentos estelares de alguno de
“En un país muy lejano…”
los cuentos tradicionales más conoci-
Así comienzan todos los cuentos y en todos los cuentos hay un bosque,
dos y que han pasado de generación en
pero este no es ni un cuento ni un bosque cualquiera. Aquí, en este bos-
generación: Caperucita Roja, Pulgarcito,
que imaginario, se encuentran los personajes de todos los cuentos.
Blancanieves o la Cenicienta. El espectá-
El hada de los cuentos con su varita mágica a todos despierta.
culo realizado por Joaquín Casanova y
Mira, mira… por allí va Caperucita a casa de su abuelita…
Elisa Ramos creadores de La Maquiné es
Pulgarcito… tan pequeñito… deja miguitas de pan para encontrar el cami-
una vuelta a la inocencia en una delicada
no de vuelta a casa huyendo del gigante…
obra que hará las delicias del espectador
Se hace de noche y Cenicienta perdió su zapato…
en una revisión contemporánea de los
La rana de un beso ahora es el príncipe…
cuentos populares que todos conocemos
Mientras… uno de los siete enanitos se encuentra a Blancanieves profun-
a través de la música.
damente dormida...
Desde su estreno en 2012 el espectáculo
Pero… Auuuuuu!!!!
ha pasado por los teatros más importan-
Un lobo con hambre feroz se los quiere comer a todos.
tes de España y las programaciones más
Shhhhhh!... Despierta.
exigentes como el Teatro Real de Ma-
drid. Ha obtenido el Premio Max 2014
de las Artes Escénicas en la categoría al
Maurice Ravel Mejor Espectáculo Infantil y el Premio
Mejor Espectáculo Infantil TEATRO AN-
• Ma mère l’oye (Mamá Oca, 1908) DALUZ-SGAE.
Pavane de la Belle au bois dormant
Petit Poucet El bosque de Grimm evoca un lugar de la
Laideronnette, Impératrice des pagodes imaginación en donde surgen todos los
Les entretiens de la Belle et de la Bête cuentos y donde conviven todos sus per-
sonajes. El argumento del espectáculo
Le jardin féerique
es muy sencillo: algunos de los persona-
• Gaspard de la nuit (Gaspard de la noche) jes de cuento más conocidos como Ca-
Ondine perucita Roja, Pulgarcito o Blancanieves
conviven en el bosque pero el lobo feroz
• Miroirs
se los quiere comer a todos. El lobo hace
Oiseaux tristes su aparición fugaz comiéndose a todos
Une barque sur l´océan los personajes pero Caperucita Roja con-
Alborada del gracioso sigue liberarlos a todos de la barriga del
La vallée des cloches lobo.
• Sonatina
Mouvement de menuet
Animé

50
 ´
67EDICION
El espectáculo se presenta como un calidoscopio en donde los personajes evolucionan a través de las
diferentes escenas con el nexo de unión entre ellas del personaje de Caperucita. El espectador percibe
las diferentes escenas como las piezas de un puzzle, se implica reconociendo sus personajes de cuento
favorito y se completa la imagen del espectáculo con la resolución del conflicto final.
La forma y la estructura se articulan a través de códigos fácilmente reconocibles que proporcionan al
niño imágenes sugerentes, que le servirán para estructurar su imaginación y completar su visión del es-
pectáculo. Símbolos como la casita del bosque, la caperuza roja de Caperucita, el zapato de Cenicienta,
la manzana de Blancanieves, el espejo de la malvada Madrastra o las migas de pan que arroja al suelo
Pulgarcito para no perderse en el bosque, producen en los niños un interés a través del reconocimiento
de lo que se está produciendo en la escena.
La dramaturgia se ha creado de forma muy estrecha con el compositor y adaptador musical sin utilizar la
palabra contada. La música es la palabra y donde se ha creado una dramaturgia del movimiento en base
a la partitura, donde todos los elementos forman una obra total que pretende captar el alma infantil de
esta obra esencial de Maurice Ravel.

Grandes compositores de la historia de la música han elegido como inspiración el tema de los cuentos
populares. En el apartado etiquetado como “música infantil” existen diferentes repertorios musicales
concebidos en un estilo sumamente sencillo o en cierto modo con un fin utilitario, que, desde un punto de
vista exclusivamente artístico, resulta por lo general demasiado pueril. También existe de piezas para los
niños con la intención de agradarlos o amenizar. Pero también encontramos un repertorio compuesto por
compositores con la intención y deseo llegar al alma infantil o evocarla. Esta situación estética garantiza
la comunicación con el oyente, y en particular, con el público infantil. De este último ejemplo destaca la
figura de Maurice Ravel por su gran delicadeza con el tema.
El bosque de Grimm
Ma Mère l’oye pertenece a este repertorio de obras donde la música sugiere, describe y capta ma-
gistralmente el alma infantil sin utilizar la palabra contada. Esta vez no se trata de evocar la poesía y
el candor del alma infantil, sino de buscar ese mundo de fantasía y de leyenda dentro del cual vive tan
espontáneamente el niño y su vínculo con el mundo de cuento. El origen de esta singular pieza resulta un
tanto curioso. Ravel era amigo del matrimonio Godebski, que tenía dos hijos, Mimie y Jean, de 6 y 7 años
Un espectáculo respectivamente. Ravel adoraba a aquellos niños y frecuentemente les contaba historias. El matrimonio
inspirado en los cuentos Godebski comenzó muy pronto la educación musical de los pequeños. Ravel les compuso una obra para
piano a cuatro manos y eligió cinco de sus cuentos favoritos. Así, el argumento de Ma Mère l’oye se centra
de Charles Perrault en los cuento de hadas, Caperucita Roja, La Bella Durmiente, Pulgarcito, La Bella y la Bestia.
y los hermanos Grimm Ravel, a diferencia de muchos otros compositores, no subestimó a los niños, y al escribir música para ellos
a través de Ma mére puso lo mejor de su técnica y su talento. Ma Mère l’Oye es considerada, junto con Pedro y el lobo de
l’oye de Maurice Ravel Sergei Prokofiev, como una de las mejores partituras que se han dedicado a los más pequeños.

51
 Ciclo EN FAMILIA

Miércoles, 22 de agosto. 19 h. Sala Pereda. Palacio de Festivales.

PEDRO Y EL LOBO
Compañía Etcétera
Serguei Prokofiev, autor
Enrique Lanz, dirección escénica, títeres y escenografía

Yanisbel Martínez, narradora

Murtra Ensemble, músicos
Enrique Lanz, Leo Lanz, Carlos Montes, titiriteros
Bernat Bofarull, coodinación musical
Etcétera, producción

N
otas del director de escena.
Serguei Prokofiev partió de un sencillo cuento para llevar hasta los niños toda la com-
plejidad de la orquesta, creando una pieza musical imprescindible para la iniciación de
los futuros aficionados. En Pedro y el lobo se suceden en muy poco tiempo diferentes
momentos dramáticos, que van desde el suspense al humor, representados por unos
personajes claramente reconocibles por su diferente color musical. La sencillez del cuen-
to, los marcados momentos dramáticos y los colores muy definidos, son el punto de partida para crear
Pedro y el Lobo una puesta en escena de la máxima ingenuidad, que subraya con eficacia y nitidez lo que el texto y la
música nos cuentan. Tras la orquesta, que ocupa el primer plano, y con un lenguaje visual claro y directo,
como dibujos de niños sobre una gran pizarra, donde no sobra nada, se recrea un ambiente mágico que
atrapa desde el principio al espectador, no permitiéndole otra cosa que soñar e imaginar, sumergido en
esa sustancia misteriosa compuesta de palabras, música y formas, en continuo movimiento, que es este
espectáculo.
¿Sabíais que en los teatros se mezclan casi todas las artes (la música, la pintura, la arquitectura, la literatu-
ra, la escultura, la danza) para conseguir que los cuentos parezcan de verdad? Pues esta vez le ha tocado
a Pedro y el lobo, un cuento musical que Serguei Prokofiev compuso para vosotros. Es muy sencillo, pero si
lo escucháis y observáis con mucha atención, descubriréis muchas cosas. Os voy a dar algunas pistas: hay
un animal que nada, otro al que no le gusta nada el agua y corre por el prado y otro que vuela; el lobo
representa el peligro; el abuelo, la experiencia; Pedro, podrías ser tú. Por cierto, ¿vosotros habríais hecho
lo mismo que él? Ya veréis que buen resultado da la colaboración entre amigos.
En la realidad hay cosas que nos hacen gracia y otras, por ejemplo, cuando un animal se tiene que comer
a otro para alimentarse, no nos hacen tanta gracia o nos dan pena. Pues en los cuentos pasa igual, y en
la música también; vais a oír los sonidos alegres de la flauta para el pájaro o el sonido misterioso de las
trompas para el lobo. Prokofiev realizó un trabajo meticuloso y lleno de metáforas, sencillo en apariencia
pero efectivo e imprescindible para presentar la orquesta a los niños. Yo creo que no puso música a unos
personajes, sino personajes a unos instrumentos. Las cualidades físicas de los instrumentos, su uso en
la orquesta clásica y no sólo su sonido, tienen mucho que ver con el personaje que interpretan. Pedro,
nuestro vibrante protagonista, como la cuerda en la orquesta, es también vibrante y protagonista. Las
retorcidas trompas que cuando suenan se tragan al suave oboe, como el lobo al pato. O el gran fagot de
madera muy seca como el abuelo.
Pedro y el lobo es una composición orquestal de enorme calidad musical, amable para el oído y una
extraordinaria herramienta, llena recursos educativos, que hemos completado añadiéndole colores y mo-
vimiento.
Durante el concierto cerrad la boca y abrid bien los ojos para no perderos nada. Cuando acabe, abrid la
boca para dar vuestra opinión y cerrad los ojos para soñar.
Enrique Lanz

52
 ´
67EDICION
El espectáculo:
Los espectáculos de Etcétera se caracterizan por un esmerado cuidado de los elementos plásticos que
componen la escena asociados con obras musicales emblemáticas del repertorio clásico. Obras para todos
los públicos, a mitad de camino entre el teatro y la música, cuyo principal recurso escénico son los objetos
animados: los títeres.
Pedro y el lobo fue la primera puesta en escena de una pieza clásica, y se estrenó en 1997, en el Auditorio
Manuel de Falla de Granada. Ya ha cumplido 20 años en el repertorio de la compañía, rondando las 2.500
funciones, en nueve países, para más de un millón de espectadores.
En el Gran Teatre del Liceu, en Barcelona, fue este montaje el que abrió la sala principal al público infantil
en el año 2002, y en este importante teatro se ha representado durante nueve temporadas. Ha formado
Un clásico parte de las programaciones del Teatro Real en dos temporadas (Madrid), la Ópera de Bilbao (ABAO-OL-
de todos los tiempos BE), el Teatro Campoamor (Oviedo), el Palacio de la Ópera (A Coruña), el Teatro Fernán Gómez (Madrid),
por primera entre muchos otros. Se ha representado en Andorra, Francia, Grecia, Chipre, República Dominicana,
Ecuador, Venezuela y Cuba.
vez en el Festival Pedro y el lobo obtuvo el Premio al Mejor Espectáculo Infantil nacional en Teatralia, 1999; el Premio Villa-
nueva de la Crítica Teatral y el Premio Chamaco, ambos en 2015 en Cuba, reconocimientos entregados a
los mejores espectáculos vistos durante el año en la isla.

Sinópsis
Pedro es un chico que vive con su abuelo en el campo, donde es feliz jugando entre árboles y animales.
Un lobo hambriento sale del bosque y devora al pato que vive en la charca del jardín de Pedro. Pero el
niño no se asusta y, ayudado por su pajarito, lo atrapa valientemente, con gran ingenio. Los cazadores
llegan buscando al lobo, pero este ya está atado por Pedro, y entre todos deciden llevarlo al zoológico.

La Compañía Etcétera, premio nacional de teatro para la infancia y la juventud, fue fundada en 1981 en
Granada, por Enrique Lanz y Fabiola Garrido. La excelencia y versatilidad de su trabajo la han convertido
en un referente de calidad dentro del teatro contemporáneo español. Su obra es sinónimo de rigor y
vanguardia.
Etcétera ha estrenado diferentes espectáculos entre los que destacan: Sypnosis (1985), Trans (1990), Pedro
y el lobo (1997), La serva padrona (1998), Historia de Babar el elefantito (2001), Soñando el carnaval de
los animales (2004), El retablo de maese Pedro (2009), La caja de los juguetes (2009), El alma del pueblo
(2013) o El sastrecillo valiente (2013).
Estas creaciones han conocido un significativo éxito por parte del público y la crítica, que les ha permitido
presentarse en los más importantes festivales de títeres y música a nivel internacional, viajando por una
treintena de países y actuando además en los teatros de mayor renombre de la escena española.
El trabajo de la compañía se podría identificar por la escenificación de obras musicales con títeres para
todos los públicos. Es líder en España en este género, y con su obra ha abierto la puerta de grandes teatros
y festivales que ahora acogen a los títeres en sus programaciones. Etcétera ha allanado así el camino a
muchas compañías que siguen sus pasos, siendo escuela y cantera de numerosos titiriteros en Granada.
Más allá de esta evidencia, lo que distingue su obra es la poesía de sus espectáculos, la concienzuda bús-
queda estética para crear los títeres, la innovación técnica y la investigación continua como motor y eje de
todos los proyectos. Esto permite que cada espectáculo sea voluntariamente diferente en estética y técni-
ca a los anteriores, y que la renovación sea permanente, por lo que el I+D+i deviene una práctica habitual.
Entre sus misiones se encuentra también la investigación, documentación y difusión del teatro de títeres
tradicional y contemporáneo. Entre junio de 2012 y agosto de 2014 la exposición Títeres. 30 años de
Etcétera, en el Parque de las Ciencias de Granada, mostró una antología de sus tres primeras décadas de
trabajo. La muestra fue visitada por cerca de 800.000 personas.
El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, le concedió en 2014 el Premio Nacional de Artes Escénicas
para la Infancia y la Juventud, por “la calidad y la innovación de sus creaciones a lo largo de una amplia
trayectoria en el ámbito del títere tradicional y contemporáneo”. El jurado reconoció igualmente la labor
de Títeres Etcétera “en su búsqueda de nuevos lenguajes escénicos y el mérito de haber introducido el
títere en teatros de gran formato, así como la importante labor pedagógica realizada con su exposición
Títeres. 30 años de Etcétera, en el Parque de las Ciencias de Granada”.
Con 37 años Etcétera sigue adelante, con un compromiso firme con los espectadores a los que se dirige,
consciente de la responsabilidad social y servicio público que brinda, y con la misma ilusión que el primer
día.

53
54
Ciclo
PROYECCIONES
Y COLOQUIOS

55
 Ciclo PROYECCIONES Y COLOQUIOS

Martes, 7 de agosto. 20: 30 h. Sala Pereda. Palacio de Festivales.

EL ESFUERZO Y EL ÁNIMO (2010) 80’

Documental dirigido por Arantxa Aguirre sobre el desafío de la com-
pañía en Lausana tras la muerte de su fundador Maurice Béjart.
“El esfuerzo y el ánimo me conmovió desde el primer fotograma y la primera nota
musical. Cuando acabó, pegada a la butaca, hubiera querido verlo otra vez desde
el principio para repasar los detalles de los cuerpos, deslizarme por un muslo
o perderme dentro de un ojo. Volver a espiar la mirada del nuevo director, Gil
Roman, una fiera, un pájaro, cuando le preguntan qué es lo más importante que
le ha enseñado Béjart y contesta sin palabras, arqueando las cejas hacia el infinito
de su propio asombro. (…)
Lo que quiero decir es que al salir del cine y aún hoy me importa mucho que los
bailarines del Béjart Ballet Lausanne logren salir adelante sin Béjart. Que el futuo
de esos hombres y mujeres ha entrado a formar parte del grupo de cosas que me
parecen importantes.”
Clara Sanchís Mira (La Vanguardia)

Proyección y coloquio con Arantxa Aguirre

Miércoles, 15 de agosto . 12 h. Sala Pereda. Palacio de Festivales.

RYTHM IS IT! (2004) 100’

Documental dirigido por Thomas Grube y Enrique Sánchez Lansch, que
recoge el primer gran proyecto pedagógico de la Filarmónica de Berlín
bajo la dirección de Simon Rattle. La orquesta se aventura a salir de la
torre de marfil de la alta cultura y se introduce en los distritos menos
favorecidos. 250 jóvenes, que inicialmente, se sienten extraños ante la
música clásica, pero que después del ardúo pero emocionante trabajo,
bailan La consagración de la primavera de Stravinsky. Grabado una
especial atención al sonido, el documental reproduce los estadios del
proyecto y se adentra en los ensayos de la Filarmónica de Berlín.
Proyección y coloquio con Enrique Sánchez Lansch
MINISTERIO INSTITUTO NACIONAL
GOBIERNO DE LAS ARTES ESCÉNICAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA Y DE LA MÚSICA
Y DEPORTE

Sábado, 18 de agosto. 12 h. Sala Pereda. Palacio de Festivales.

MAESTRO ACHÚCARRO (2012) 51’

OBISPADO DE
SANTANDER

Es una producción del programa "Imprescindibles" de La 2 de RTVE

quín Achúcarro

El documental, dirigido por Helena Pita de Aguinaga y realizado por

Arturo Morales, muestra la pasión de Joaquín Achúcarro por el piano,
Joaquín Achúcarro un instrumento al que ha dedicado toda su vida. Un recorrido por la
trayectoria del pianista bilbaíno que nos desvela los secretos de su
depurada técnica. GOBIERNO MINISTERIO INSTITUTO NACIONAL
DE LAS ARTES ESCÉNICAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA Y DE LA MÚSICA

Proyección y coloquio entre Joaquín Achúcarro y Jaime Martín

Y DEPORTE

Ciclo patrocinado por:

Patrocinado por: OBISPADO DE

SANTANDER
Joaquín Achúcarro

56
 Ciclo
MARCOS
HISTORICOS

57
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

L
a Orquesta Barroca de
Sevilla se sitúa, incuestio-
Jueves, 2 de agosto. 20:15 h. Santuario de La Bien Aparecida. Marrón. nablemente, en el primer
Viernes, 3 de agosto. 21:30 h. Iglesia de San Pedro. Noja. nivel de las agrupaciones
españolas que se dedican
ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA a la interpretación de la
música antigua con criterios historicistas.
Carlos Mena, contratenor Fue creada en 1995 por Barry Sargent y
Andoni Mercero, concertino-director Ventura Rico y, desde 2001, su director
artístico es Pedro Gandía Martín. Entre
Tutto Vivaldi las figuras internacionales que se han
puesto a su frente, algunas de talla míti-
Programa ca, podemos destacar a Gustav Leonhar-
dt, Christophe Coin, Sigiswald Kuijken,
I Jordi Savall, Christophe Rousset, Rinaldo
• Concierto para cuerdas en Sol menor RV 155 Alessandrini, Monica Huggett, Harry
Christophers, Andreas Spering, Diego
• Nisi Dominus RV 608 Fasolis, Juanjo Mena, Eduardo López
Banzo, Pablo Valetti o Enrico Onofri, en-
II tre otros. Además de la intensa actividad
que desarrolla en Sevilla y el resto de An-
• Sovvente il sole. Aria de Perseo, de ‘Andromeda liberata’ RV Anh. 117 dalucía, se presenta en los más impor-
• Mentre dormi. Aria de Licida, de ‘L’Olimpiade’ RV 725 tantes escenarios españoles y europeos
• Concierto para 2 violines, violoncello, cuerdas y cembalo en re menor RV 565 (Alemania, Francia, Italia, Suiza…). Tras
haber grabado para los sellos discográ-
• Qual serpe tortuosa. Aria de Osmino, de ‘La fida Ninfa’ RV 714 ficos Harmonia Mundi, Lindoro y Alma-
• Barbaro traditor. Aria de Tamerlano, de ‘Bajazet’ RV 703 viva, la Orquesta Barroca de Sevilla ha
creado el suyo propio: OBS-Prometeo.
Ha recibido distinciones como el Editor´s
Choice de la revista Gramophone, Ex-
cepcional de Scherzo, Ritmo Parade, Recomendable de Cd Compact y AudioClásica, 5 estrellas Goldberg,
Melómano de Oro… Las últimas referencias de este sello son: La música en la catedral de Sevilla, bajo la
dirección de Enrico Onofri, y Adonde infiel dragón, con Vanni Moretto y María Hinojosa. Recientemente
ha realizado la primera grabación íntegra en DVD de los conciertos para violonchelo y orquesta de C. Ph.
E. Bach, con Christophe Coin. En el año 2011 le fue concedido el Premio Nacional de Música otorgado
por el Ministerio de Cultura de España. Asimismo, ha obtenido el Premio Manuel de Falla 2010, Premio
FestClásica 2011 y una Distinción Honorífica del Ayuntamiento de Sevilla.
La OBS cuenta con la colaboración del Ministerio de Cultura, la Junta de Andalucía, el Ayuntamiento de
Sevilla y la Universidad de Sevilla.
‘Los instrumentistas, en absoluto estado de gracia, demostraron el porqué de su reconocimiento unáni-
me: tiempos vertiginosos acometidos con pasmosa transparencia en connivencia con delicadas texturas,
conjunción emocionante de una instrumentación riquísima…, deliciosas ornamentaciones, expresividad
en carne viva en los pasajes lentos… Sencillamente, un Bach extraordinario por su brillantez y hondura…
Buque insignia de su país, el público se puso en pie para aclamar con sus ovaciones a la OBS’. (Thüringis-
che Landeszeitung)
‘Pocos elogios se pueden verter sobre la Orquesta Barroca de Sevilla que no se hayan vertido ya… Estamos
ante una de las mejores orquestas historicistas del mundo’. (El Arte de la Fuga)
Orquesta Barroca de Sevilla ‘… Hay un trabajo tímbrico en esta orquesta que va mucho más allá del mero empaste: se trata de una
(© Nuria González)
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO planificación minuciosa sobre cómo magnificar los afectos, un manual del buen sonar…’ (Beckmesser)
DE SUANCES DE MIERA
‘A las sinfonías de Mendelssohn aportó la OBS toda su conocida flexibilidad en el despliegue de gamas
dinámicas muy matizadas y atacadas desde una conjunción milimétrica’. (Diario de Sevilla).
Colabora:
Andoni Mercero (concertino-director), Leo Rossi, José Manuel Villarreal
y Valentín Sánchez, violines primeros
Pedro Gandía Martín (concertino 2º), José Manuel Navarro, Antonio Almela, violines segundos
Kepa Artetxe y Pepo Ferrer, violas
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE MIENGO DE NOJA Mercedes Ruiz (concertino) y Miguel Ángel Aguiló, violonchelos
Ventura Rico, contrabajo
Carlos García-Bernalt y Patricia González, clave y órgano
Juan Carlos de Múlder, cuerda pulsada
MINISTERIO INSTITUTO NACIONAL
GOBIERNO DE LAS ARTES ESCÉNICAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA Y DE LA MÚSICA
Y DEPORTE

AYUNTAMIENTO
S DE SANTILLANA

58
DEL MAR

OBISPADO DE
SANTANDER
Joaquín Achúcarro
 ´
67EDICION
L
os 44 dúos para dos vio-
lines de Bartók es una
Sábado, 4 de agosto. 21 h. Iglesia de Santo Domingo. Herrera de Ibio. colección de músicas a la
que tengo especial cariño.
Lina Tur y Enrico Onofri, violines Mi primer encuentro con
Bartók tuvo lugar, de he-
Béla Bartók (1881 – 1945) cho, en mi juventud, durante los años en
que me dedicaba paralelamente tanto al
44 dúos para dos violines (interpretados originalmente con cuer- estudio del violín moderno como al del
das de tripa) barroco, y a la investigación de las prácti-
cas interpretativas prerrománticas. Quien
me diera a conocer al autor húngaro fue
Libro I mi maestro de violín moderno, Carlo de
• Parosito A pünkösdi rózsa kihajlott az útra (Canción burlona) Martini, uno de los más brillantes discí-
pulos del gran violinista húngaro Sandor
• Kalamajko (Danza del Mayo)
Végh, intérprete y cuartetista especial-
• Menuetto mente cercano a Bartók, lo que me per-
• Szentivánéji (Nocturno de verano) mitió cultivar una profunda veneración
por la música de cámara, en particular la
• Tót Nóta (Canción eslovaca)
de Mozart, Brahms y Bartók.
• Magyar Nóta (Canción húngara) Fue por tanto en aquellos años de for-
• Oláh Nóta (Canción valaca) mación cuando me familiaricé y estu-
dié los 44 dúos y desde entonces me
• Tót Nóta (Canción eslovaca) acompañaba el deseo de dedicarles un
• Játék (canción divertimento) proyecto que pusiera de relieve su pro-
• Rutén Nóta (Canción rutena) funda y refinada escritura. Durante años
había meditado sobre la posibilidad de
grabar la integral de estas pequeñas
Libro II obras maestras, sin llegar a dar con un
• Katonanóta (Canción de los soldados) estímulo que permitiera sacar adelante
el proyecto. El afortunado encuentro con
• Burleszk (Burlesca) Lina Tur Bonet ha resultado pues decisivo
• Menetelő Nóta (Marcha húngara) para su efectiva realización, no solo por
• Menetelő Nóta (Marcha húngara) sus extraordinarias dotes como violinista,
sino por su probada pasión por las sim-
• Mese (Cuento de hadas) bologías numéricas y filosóficas ocultas
• Dal (Canción rítmica) en numerosas obras de los siglos XVII y
XVIII y que son la base de la torturada
• Újévköszöntő (Felicitación de año nuevo)
arte compositiva de Bartók.
• Szunyogtánc (Danza del mosquito) La formación historicista de ambos in-
• Mennyasszonybúcsútató (Despedida de la novia) térpretes nos ha conducido además a
una forma de abordar los dúos basada
• Tréfás Nóta (Canción cómica)
en el respeto a las complejas y manía-
• Magyar Nóta (Canción húngara) cas indicaciones de tempo, articulación
y dinámica -con frecuencia ignoradas
en tanto en cuanto obras consideradas
Libro III
“educativas”-, que son por el contrario
• Parosito Ugyan Édes Komámasszony... (Canción burlona) indispensables para destacar las raíces
• Sánta-Tanc (Baile cojeando) populares de las melodías reelaboradas
por el compositor en forma extremada-
• Bánkódás (Aflicción) mente intelectual y compleja.
• Újévköszöntő (Felicitación de año nuevo) Enrico Onofri
• Újévköszöntő (Felicitación de año nuevo)
• Újévköszöntő (Felicitación de año nuevo)
• Máramarosi Tánc (Danza de Máramaros)
• Ara táskor (Canción de la cosecha)
• Számláló Nóta (Canción para contar)
• Rutén Kolomejka (Kolomejka rutena)
• Szól a Duda (Gaitas)

59
 AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE ARNUERO DE COMILLAS DE RIBAMONTÁN DE MIENGO
AL MAR

Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAM
DE COLINDRES DE SAN VICENTE DE CASTRO URDIALES DE SANTI
DE LA BARQUERA DEL M

Colabora:

Libro IV
• Preludium és Kanon (Preludio y canon)
• Forgatós (Danza torbellino rumana) AYUNTAMIENTO
DE ESCALANTE
AYUNTAMIENTO
DE MAZCUERRAS

• Szerb Tánc (Danza serbia)

• Oláh Tánc (Danza valaca)
• Scherzo
• Arab Dal (Danza árabe)
• Pizzicato
• Erdélyi" Tánc (Danza transilvana)

Nacido en Rávena, Enrico Onofri comienza su carrera con una invitación de Jordi Savall para ser concertino
de La Capella Reial. Desde entonces ha tocado con ensembles como el Concentus Musicus Wien, Ensemble
Mosaïques o Concerto Italiano, y desde 1987 a 2010 como concertino y solista de Il Giardino Armonico. En
2002 debuta como director con gran éxito y aplauso de la crítica, siendo desde entonces invitado a dirigir
ensembles y orquestas por toda Europa, Japón y América. Entre 2005 y 2013 es director principal de Divino
Sospiro, ensemble residente del Centro Cultural de Belém en Lisboa, momento en el que crea el ensemble
Imaginarium para interpretar el repertorio barroco italiano.
Actúa en los auditorios más importantes del mundo como Musikverein y Konzerthaus de Vienna, Mozar-
teum de Salzburgo, Philarmonie y Unter den Linden Operahouse en Berlín, Alte Oper en Frankfurt, Con-
certgebouw en Ámsterdam, Teatro San Carlo en Nápoles, Carnegie Hall y Lincoln Center en Nueva York,
Wigmore Hall y Barbican Hall en Londres, Tonhalle de Zurich, Théâtre des Champs-Élysées y Théâtre du
Enrico Onofri
(© Enzo Alessandra)
Châtelet en París, Auditorio Nacional en Madrid, Oji Hall en Tokio, Osaka Symphony Hall, Teatro Colón de
Buenos Aires y con artistas como Nikolaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt, Christophe Coin, Cecilia Bartoli
o Katia y Marielle Labèque.
En la temporada 2012/13 dirige la orquesta de la Ópera de Lyon e inmediatamente es invitado a dirigir
otro concierto en la temporada siguiente y Orfeo y Eurídice de Gluck en 2015. Es el director también una
serie de conciertos con la Kammerorchester Basel, que le vuelve a invitar para dirigir una gira y grabaciones
discográficas.
Actualmente Dirige la Orquesta Barroca de Sevilla, Camerata Bern, Festival Strings Lucerne, Orchestra En-
semble Kanazawa, Cipango Consort de Tokyo y orquestas como la Real Orquesta Sinfonica de Sevilla,
Orchestre d’Auvergne, Orchestre de l’Opéra de Lyon y Kammerorchester Basel. Fue artista residente del
Festival de Ambronay 2014.
Muchas de sus grabaciones con Teldec, Decca, Naïve, Astrée, Deutsche Harmonia Mundi/Sony, Passacaille,
Winter & Winter, Virgin, Opus111, Zig Zag Territoires y Nichion han recibido prestigiosos galardones interna-
cionales, como Gramophone Award, Grand Prix des discophiles, Echo Deutsche Schallplattenpreis, Premio
Caecilia, Premio Fondazione Cini di Venezia, La Nouvelle Académie du Disque y numerosos Diapason d’Or,
Choc de la Musique y 10 Répertoire.
Desde el año 2000 es profesor de violín barroco e interpretación de música barroca en el Conservatorio Be-
llini de Palermo, y es invitado regularmente a ofrecer master-classes en Italia, Japón y Europa. Recientemente
ha sido invitado por la Julliard School de Nueva York.

Considerada una de las violinistas más interesantes de su generación, Lina Tur Bonet es una artista solici-
tada en muchas ciudades y países, desde Nueva York, Tokio, Israel, Montreal, Sudamérica y en toda Europa,
para interpretar a compositores consagrados, estrenar nuevas composiciones y redescubrir obras olvidadas.
Trabajó desde muy joven junto a muchos de los artistas más reconocidos de la música barroca, romántica y
contemporánea del momento. Su repertorio, inusualmente extenso, abarca más de 400 años.
Se ha presentado como solista en el Musikverein de Viena, Wigmore Hall de Londres, Konzerthaus de Vie-
na, Konzertgebow de Ámsterdam, Festival Styriarte de Graz, Sala de la Radio de Viena, Residenzwoche de
Múnich, Filarmónica de San Petersburgo, Auditorio Nacional de Madrid, en Nueva York, la Universidad de
Yale, Japón, Israel y en toda Sudamérica. Su repertorio como solista con orquesta comprende música desde
Bach y Vivaldi hasta Beethoven, Ravel, Bartók o Piazzola.
Estrenó la obra Melancholia para violín solo que le dedicó el compositor José María Sánchez Verdú; fue
invitada al Festival de Montreal para interpretar la integral de la obra para violín solo de J. S. Bach y a Tokio
para interpretar la integral de las Sonatas del Rosario de Biber, que también ofreció en Viena y en varios
Lina Tur Bonet
(© Pablo Fernández Juárez Motera)
festivales españoles.

60
 ´
67EDICION
Sus discos con su grupo MUSIca ALcheMIca (Vivaldi inéditos, Jacquet de la Guerre, Corelli y Biber) han
tenido una gran acogida internacional, recibiendo el Melómano de Oro, los premios de las revistas Scher-
zo y Ritmo, el galardón de la revista alemana Toccata y el 5*DIAPASON francés en numerosas ocasiones,
así como las 5* de la BBC Music Magazine y menciones en Gramophone, que consideran al último de
sus trabajos como “referencial”. Posee el Premio GEMA al mejor disco 2015 y el El Cultural de El Mundo
consideró su trabajo como "lo mejor del 2015".
Lina Tur Bonet es requerida como concertino en orquestas barrocas y modernas como Il Complesso Ba-
rocco, Concerto Köln, Clemencic Consort, Orquesta de Cámara de Mannheim, Bach Consort de Viena,
Les Ambassadeurs, Hofkapelle Munich, Orquesta del Palau de les Arts de Valencia, Filarmónica de Las
Palmas, Orchestre d'Auvergne y numerosos ensembles españoles. Ha colaborado con orquestas como Les
Musiciens du Louvre, Les Arts Florissants, Mahler Chamber Orchestra o la Orquesta Mozart, y ha grabado
en varias ocasiones para Deutsche Grammophon, Naïve y Virgin, bajo la batuta de Claudio Abbado, Da-
niel Harding, John Eliot Gardiner, Marc Minkowski, William Christie, Fabio Biondi, Kent Nagano, Ottavio
Dantone, Alan Curtis, Giuliano Carmignola, Reinhard Goebel, Richard Egarr, Theodor Currentzis o Tugan
Sokhiev. Ha actuado en el Lincoln Center New York, Berliner Philarmonie, Scala de Milan, Concertge-
bouw Ámsterdam, Proms del Royal Albert Hall, Festival de Aix-en-Provence, Barbican Centre, Théâtre des
Champs Élysées, Théâtre Royal de la Monnaie, Bunkamura Hall, Ópera de Sydney o Filarmónica de San
Petersburgo.
Ha actuado en grupos de música de cámara con Mennahem Pressler, Jean Rondeau, Georg Faust, Patrick
Demenga, John Holloway, Thomas Brandis, Christian Zacharias, José Miguel Moreno, Josep María Colom,
Kenneth Weiss, Alexis Kossenko, Nicolau de Figueiredo, Marco Testori o miembros del Cuarteto Casals.
Como directora ha creado la agrupación MUSIca ALcheMIca con la que ha actuado por toda Europa,
América y Japón y grabando para el sello alemán Pan Classics y para la ORF austríaca. En su vertiente

L
multidisciplinar MUSIca ALcheMIca colabora con poetas (Antonio Colinas), videoartistas (Ángel Haro),
cineastas, actores, orfebres, fotógrafos, bailarines y marionetas.

61
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

M
bira duo presenta un es-
pectáculo lleno de música,
Domingo, 5 de agosto. 21 horas. Parque de la Cueva del Valle. Rasines. teatro y, sobre todo, percu-
Lunes, 6 de agosto. 21:30 horas. El Torco, fuerte antiguo. Suances. sión. Música en vivo, músi-
ca electrónica, obras origi-
MBIRA DÚO nales y arreglos, encargos
y obras de la literatura clásica conviven
Irene Rodríguez y Noé Rodrigo, percusión en un concierto donde instrumentos
como la marimba, el vibráfono, cajas,
Programa toms, bombos, kalimbas e, incluso, el
propio cuerpo de los intérpretes son los
Alexej Gerassimez protagonistas.
• Asventuras Asventuras es una pieza para caja sola
y arreglada para dúo de percusión, que
Minoru Miki muestra cómo, con algo pequeño, se
• Marimba Spiritual pueden conseguir grandes cosas y cómo,
Carmen Rodríguez con un instrumento de sonido indetermi-
nado, podemos explorar un mundo de
• Vagalumes posibilidades.
Johann Sebastian Bach Inspirado por el hambre y las muertes de
miles de niños en África en 1984, un año
• Preludio y fuga en do menor de El Clave bien temperado
de intensa hambruna en el continente,
Compagnie Kahlua Miki escribió Marimba Spiritual para ma-
• Ceci n’est pas une balle rimba solista y ensemble, en este caso in-
terpretada en versión de dúo. La primera
Anders Koppel
parte es un Requiem como un lamento
• Toccata por las muertes de los niños y, la segun-
Tomer Yariv da, alude a la resurrección y a la vida,
con una música energética, positiva y sin
• Gyro
descanso, como lo es la lucha contra la
hambruna en el continente africano.
Originalmente escrita para clave, en esta
Colaboran: ocasión podremos disfrutar del Preludio y fuga de Bach en do menor BWV 847, interpretado en la ma-
rimba.
Escrita para Mbira duo, Vagalumes (luciérnagas) es una obra para dúo de kalimbas, un instrumento afri-
cano que consiste en un grupo de lengüetas de metal o bambú adheridas a un resonador. Su carácter mi-
nimalista y el particular sonido de este instrumento nos recuerda a las pequeñas luces de las luciérnagas.
MIENTO
MANDAD
AYUNTAMIENTO
DE RASINES
AYUNTAMIENTO
DE SUANCES
En Ceci n’est pas une balle nos encontramos una obra para percusión corporal, teatro y mímica, donde
AYUNTAMIENTO
DE MIERA
O DE SUSO
los intérpretes interactúan con la electrónica creando una historia en la que el protagonista es un objeto
inexistente.
Toccata, de Anders Koppel, compuesta en 1990, se ha convertido en una de las obras más populares para
dúo de percusión de los últimos tiempos. Un caleidoscopio de diferentes estilos musicales entrelazados
conforman este dúo para marimba y vibráfono, donde los sonidos cálidos de la madera conviven con los
sonidos jazzísticos del metal, formando esta divertida pieza llena de sorpresas.
MIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
La palabra gyro es la abreviatura de gyroscope (giroscopio), un dispositivo de navegación montado en
AYUNTAMIENTO
ILLAS DE RIBAMONTÁN
AL MAR
DE MIENGO
una base para que su eje pueda girar libremente en diferentes direcciones, manteniendo su orientación.
DE NOJA

Al igual que el giroscopio, muchos elementos de las artes marciales se basan en el mismo concepto, ya
que los guerreros deben tener flexibilidad y estabilidad giroscópica que les permita moverse sin limita-
ciones corporales. Gyro está basada en la misma idea: su objetivo es combinar la física del giroscopio y
la fisiología de las artes marciales, que los intérpretes tengan estabilidad dinámica como un eje estable y
muevan la parte superior del cuerpo de forma libre, a través del conocimiento constante de completarse
MIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
ICENTE
RQUERA
DE CASTRO URDIALES DE SANTILLANA
DEL MAR
mutuamente.

Irene Rodríguez y Noè Rodrigo han realizado su formación académica y su carrera profesional de for-
ma paralela. Finalizaron el grado superior en el Conservatorio Superior de Música de Aragón en 2014 y
el Máster en el Conservatorium van Amsterdam en 2016. Desde el principio, mostraron un gran interés
para profundizar en el repertorio de dúo juntos. Mbira duo nace oficialmente en 2014 como el proyecto
MIENTO definitivo para convertir todo este trabajo en conciertos y experiencias para el público.
UERRAS
Mbira duo Han participado en el ciclo “Música al So de l’aigua” en Altea (Alicante), así como en el proyecto “Com-
(© Pilar Abades)
batir el fracaso escolar con la Música” (iniciativa del IES Altaia, Altea). Ofrecieron un concierto dentro
del ciclo “Músicas Posíbeis”, en Ribadeo, e impartieron varias clases magistrales para los alumnos de la
escuela de música ribadense. Participaron en el “Minimal Music Festival” en Ámsterdam en 2015, en los

62
 ´
67EDICION
conciertos didácticos “La música que no es música hasta que no se escucha”, organizados por el Con-
servatorio Superior de Música de Aragón, y en el Festival “FIP Zaragoza”. Impartieron una clase magistral
y ofrecieron un concierto en el Conservatorio Profesional de Música de Lugo, y también en el Teatro El
Albéitar de León. En verano de 2017 formaron parte del equipo docente del curso “Merza Percusión” y
ofrecieron un concierto dentro del Festival “FIP Galicia”.

Irene Rodríguez nació en Ribadeo (Lugo), donde comenzó sus estudios a los 6 años. Realizó el Grado
Profesional en el Conservatorio de Lugo, y continuó su formación en el Conservatorio Superior de Música
de Aragón (CSMA), donde se graduó en 2014. En 2016, finalizó un programa de Master en el Conserva-
torium van Amsterdam con algunos de los mejores percusionistas del panorama europeo e internacional:
Nick Woud, Mark Braafhart, Bence Major, Peter Prommel, Arnold Marinissen, Ramon Lormans y Richard
Jansen.
Colabora habitualmente con orquestas como la Royal Concertgebouw Orchestra, Het Ballet Orkest,
Nederlands Philharmonisch Orkest y Nederlands Kamerorkest en Ámsterdam; la Orquesta Sinfónica de
Galicia, la Orquesta Ciudad de Granada y la Bilbao Orkestra Sinfonikoa en España; la Royal Flemish
Philharmonic en Bélgica; la Frankfurt Radio Symphony Orchestra en Alemania; y la Orchestra del Teatro
Massimo di Palermo en Italia.
Ha sido miembro de algunas de las mejores orquestas jóvenes de Europa, como la SHMF (Schleswig-Hols-
tein Musik Festival), GMJO (Gustav Mahler Jugendorchester), NJO (Nederlands Jong Orkest), entre otras; y
la SOAP (Symphony Orchestra Academy of the Pacific) en América (Canadá). En España, ha sido miembro
de la Joven Orquesta de la Sinfónica de Galicia y de la Joven Orquesta de Euskadi (EGO). Formó parte
de la academia de la orquesta Nederlands Philharmonisch Orkest en el año 2015 y de la academia de la
Orquesta Ciudad de Granada en el año 2012.
En el ámbito de la música de cámara y ensemble, ha sido miembro de la Academia para la Nueva Música
en Zaragoza y el grupo Percusiones del CSMA y actualmente es miembro activo de Mbira duo y del grupo
de percusión #percu(fu)sión. Ha colaborado con Slagwerk Den Haag (grupo de percusión de La Haya),
Atlas Ensemble y Nieuw Ensemble de Ámsterdam.
Adermás ha impartido masterclasses en el Conservatorio Profesional de Música de Lugo, Escuela Muni-
cipal de Música de Ribadeo y ha formado parte de la plantilla de profesores del curso “Merza Percusión
2017”.

Noè Rodrigo nació en Altea (Alicante) y empezó sus estudios musicales a los 8 años en el Conservatori
Municipal Professional d’Altea. Continuó su formación en el Conservatorio Superior de Música de Aragón
(CSMA). En junio de 2016, finalizó un programa de master en el Conservatorium van Amsterdam con
algunos de los mejores percusionistas del panorama europeo e internacional: Peter Prommel, Arnold Ma-
rinissen, Mark Braafhart, Nick Woud, Ramon Lormans, Richard Jansen y Bence Major.
Como intérprete solista, obtuvo el primer premio en el “Concurso Permanente de Juventudes Musicales
de España 2015” y el premio especial de la “European Union of Music Competitions for Youth”. En
noviembre de 2016 debutó en la Sala de Concerts del Palau de la Música Catalana ofreciendo un recital
como solista y en enero de 2017 en el Storioni Festival en Eindhoven. Durante la temporada 16/17 reco-
rrió el territorio español ofreciendo recitales como solista a través del ciclo AiEnRuta-Clásicos y de las giras
del Primer Premio de JME. En julio de 2017 debuta en el Festival Internacional de Música y Danza de Gra-
nada y en noviembre de ese mismo año participa en los ciclos de conciertos de la Fundación Juan March.
Como percusionista de orquesta, es miembro de la Lucerne Festival Alumni Orchestra, EUYO (European
Union Youth Orchestra), Lucerne Festival Academy Orchestra, JONDE (Joven Orquesta Nacional de Es-
paña), NJO (Nederlands Jong Orkest), entre otras. Colabora con la Royal Concertgebouw Orchestra, la
Nederlands Philharmonisch Orkest, la Nederlands Kamerorkest de Ámsterdam y la Orquesta Sinfónica de
Galicia y BOS Bilbao Orkestra Sinfonikoa en España.
En el ámbito de la música de cámara y ensemble, ha sido miembro del Aldeburgh Contemporary Emsem-
ble, NJO Steve Reich Ensemble y colabora con el Asko|Schönberg ensemble, Nieuw Amsterdams Peil,
Slagwerk Den Haag, Nieuw Ensemble y New European Ensemble. Forma parte también de la producción
Young Performance Divamania, de Lucerne Festival y de los grupos Mbira duo y #percu(fu)sión.

63
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

E
l 10 de noviembre de 1668
nació en París el compo-
Miércoles, 8 de agosto . 21 h. Iglesia de San Juan. Colindres. sitor, organista y claveci-
Jueves, 9 de agosto . 21 h. Iglesia de Santa María de los Ángeles. nista fran- cés del Barro-
San Vicente de la Barquera co, François Couperin,
siendo el más destacado
representante de una dinastía de músi-
ÍMPETUS cos galos cuyos orígenes se remontan al
Marta Mayoral, violín barroco siglo XVI. Es uno de los más importantes
Jordi Comellas, viola de gamba compositores, junto con Jean-Philippe
Rameau, de la música barroca francesa
Lobke Sprenkeling, flauta en general y de la música para clave en
Yago Mahúgo, clave y dirección particular. Se le llamaba “Couperin le
Grand” (Couperin el Grande) para distin-
François Couperin guirlo de otros miembros de su familia,
Los conciertos reales tam- bién músicos. Es el más destacado
de todos ellos, por su inmenso virtuosis-
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
mo al órgano y al clave.
• Primer concierto
DE CAMPOO
DEen
LAsol
DE LA HERMANDAD
DE DE
HERMANDAD
CAMPOO
SUSO DE SUSO
DE RASINES
DE RASINES
DE SUANCES
DE SUANCES DE MIERA DE MIERA En 1679 Delalande le prometió su puesto
• Segundo concierto en re de organista en San Gervasio, cargo que
finalmente le entregó en 1686. Cuatro
• Tercer concierto en la años más tarde, y gracias también a un
• Cuarto concierto en mi privilegio de Delalande, Couperin obtuvo
la licencia para publicar dos misas para
órgano — que finalmente no vieron la
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE ARNUERO
DE ARNUERO
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE COMILLAS
DE COMILLAS
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE RIBAMONTÁN
DE RIBAMONTÁN
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE MIENGO
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE MIENGODE NOJA DE NOJA luz — y por ello fue nombrado organista
AL MAR AL MAR
Colaboran: del rey, cargo en el que alternó su labor de compositor con el de docente para príncipes y princesas. Su
maestría en la interpretación facilitó en 1693 su entrada en la corte como organista de la capilla real de
Luis XIV, donde tuvo a su cargo, además, la educación musical del sucesor.
Sus méritos le hicieron ascender rápidamente en la escala social y así, en 1696, Couperin ya poseía escudo
de armas y poco más tarde fue nombrado Caballero de la Orden de Letrán. En 1717 Couperin sucedió a
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE COLINDRES
DE COLINDRES
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO D´Anglebert
AYUNTAMIENTO
DE SAN VICENTE DE CASTRO
DE SAN VICENTE
como ordinario
AYUNTAMIENTO
DEURDIALES
CASTRO URDIALES
de laDEmúsica para clavecín en Versalles. Allí tuvo la oportunidad de impartir
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE SANTILLANASANTILLANA
DE LA BARQUERA clases a lo más selecto de la
DE LA BARQUERA nobleza
DEL MAR DEL francesa,
MAR resumiendo sus enseñanzas en “Régles pour l´accompag-
nement” y en el tratado “L´Art de toucher le clavecin”. Debido a su frágil estado de salud, en 1730
Couperin se vio obligado a ceder su cargo de organista real a Guillau- me Marchand. Finalmente, el 11 de
septiembre de 1733 Couperin falleció en París.
Couperin fue el miembro más distinguido de una familia francesa de músicos que llegó incluso a rivalizar
con la dinastía de los Bach en Alemania. Aparte de una cierta música religiosa muy bien acabada, Cou-
AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE ESCALANTE
DE ESCALANTE DE MAZCUERRAS perin se dedicó principalmente a la música instrumental caracterizada por el estilo de la época aunque
DE MAZCUERRAS

mucho más ornamentada y florida que los estilos italiano y alemán, preferidos por compositores como
Bach, autor con quien mantuvo una interesante correspondencia epistolar. Sus obras para teclado, con-
sideradas como un tesoro nacional francés, aún hoy en día son básicas en el repertorio y personifican la
música instrumental barroca en Francia.

El conjunto Ímpetus nace en 2006 por iniciativa del clavecinista, fortepianista y director Yago Mahúgo
con el fin de dar difusión a la música de la época barroca y clásica/antigua siguiendo criterios historicistas.
Esto es posible gracias a un grupo de grandes músicos profesionales que, encabezados por Mahúgo,
cuenta con una brillante preparación en el ámbito de la interpretación de la música antigua, barroca, clá-
sica y prerromántica con instrumentos originales. De este modo, la fidelidad a las convenciones musicales
de la época, así como la ejecución con instrumentos históricos de exquisita factura, hacen que el sonido
de Ímpetus se aleje sustancialmente de lo habitual, acercándose a la idea del compositor y a la atmósfera
Ímpetus original de cada obra, situándola en su contexto histórico, artístico e interpretativo.
Ímpetus figura en la actualidad entre los grupos españoles de mayor proyección. Su trayectoria tanto en
concierto (Festival de Música Antigua de Aranjuez, Festival de Granada…) como en el estudio de graba-
ción ha sido ampliamente alabada y premiada por prestigiosos críticos dentro y fuera de España. Tras la
excelente acogida de su primer registro, Impetus live in Madrid (julio de 2013), su segundo disco, Pièces en
Clavecin en Concerts de Jean Philippe Rameau (septiembre de 2014) ha sido nominado a los ICMA 2015
(International Classical Music Awards) en la categoría de música instrumental barroca y ha sido galardo-
nado con los premios de las revistas especializadas más importantes de nuestro país: disco excepcional
del mes por la Revista Scherzo, disco recomendado por la revista Ritmo y Melómano de Oro y Disco del
Año 2014 por la revista Melómano. Su tercer lanzamiento, Geistliche Oden und Lieder mit Melodien de
Carl Philip Emanuel Bach (enero de 2015), interpretado por la soprano Mariví Blasco y Yago Mahúgo al

64
 ´
67EDICION
fortepiano, ha obtenido de nuevo el respaldo unánime de la crítica: risco excepcional del mes por la revista
Scherzo, recomendado por la revista Ritmo y Melómano de Oro por la revista Melómano.
Martes, 7 de agosto – 21 h. – Casa
ApartededelassuMareas – Soano.
labor como fundador y director de Ímpetus, Yago Mahúgo desarrolla una brillante carrera
como solista. Su registro de las obras completas para clave de Pancrace Royer (Brilliant Classics, enero de
LABORATORIO KLEM 2013) fue galardonado como disco excepcional del mes por la revista Scherzo entre otras menciones y
elegido por el diario El País como una de las mejores grabaciones de música antigua de 2013. Además su
nuevo álbum en colaboración con el sello Brilliant Classics (febrero 2016 ha sido premiado también por
las revistas Scherzo y Melómano (Disco Excepcional y Melómano de Oro).

Jordi Comellas nace en Manresa, pero pronto se traslada a Mataró donde se inicia en la música de la
mano de Lluís Carbó. Estudia viola da gamba en los Conservatorios de Madrid y Barcelona con Pere Ros.
Amplía estudios en Roma con Paolo Pandolfo y recibe clases de Guido Balestracci, Wieland Kuijken, Vit-
torio Ghielmi, Jakob Lindberg, Gabriel Garrido o Josep Pons.
Licenciado de grado en Historia Medieval y Paleografía, es miembro desde su fundación del Trío ‘Unda
Maris’ (galardonado en la Muestra Nacional de Música de Cámara de 1989), con quien ha grabado un
CD con música de Antonio de Cabezón. Miembro habitual de Capella de Ministrers, trabaja a dúo con los
laudistas Juan Carlos de Mulder y Andreas Martin. Ha colaborado con músicos y grupos como Magdalena
Kotzenâ, Mara Galassi, Ottavio Dantone, Fabio Biondi, Jaap Schröder, Paul Leenhouts, Lorenz Duftschmid,
José Miguel Moreno, Joan Enric Lluna, Edmon Colomer, Federico Maria Sardelli, Modo Antiquo, Armoni-
co Tributo Austria, Orphenica Lyra, Camerata Iberia, La Folía, etc.
Ha realizado conciertos por todo el mundo en espacios y auditorios importantes (Fenton House y Sta-
tioners Hall de Londres, Metropolitan Museum y catedral de San Patricio de Nueva York, Sala Enesco de
Bucarest, Museo Nacional de Belgrado, Auditorio Stravinsky de Montreux, Auditorium Olivier Messiaen de
Radio France de París, Chapelle de la Trinité de Lyon, Teatro Reggio de Turín, Academia de Santa Cecilia
de Roma, Gemäldegalerie y Radialsystem en Berlín, Fundación Calouste-Gulbenkian de Lisboa, Teatro Las
Condes de Santiago de Chile, Conde-Duque y Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música de Valèn-
cia y Barcelona, auditorios de Granada, Cuenca o León, Palazzo Ducale de Urbino, etc). Ha participado
en festivales internacionales como los de Granada, Santander, Quincena Donostiarra, Semana de Música
Religiosa de Cuenca, Festival de Música Sacra de Fez, festivales de música antigua de Barcelona, Berlín,
Utrecht, Lyon, Estocolmo, Festival de Música Sacra de Freiburg, Festivales de Morelia y Puebla en México,
Festival de Torroella de Montgrí, Festival Castell de Perelada, etc.
Ha grabado más de veinte discos compactos, algunos de ellos premiados con los más valorados galardo-
nes (Diapason D’Or, Choc de la Musique, 5 estrellas Goldberg, FF de Telerama, etc.). En 2003 compuso
e interpretó la música incidental de la obra El Café de la Marina dirigida por Rafael Durán en el Teatre
Nacional de Catalunya. Ha participado en el espectáculo dirigido por Bigas Luna Las Comedias Bárbaras
de Valle-Inclán en la Bienal de Valencia de 2003. Forma parte del consort de violas l’Amoroso, dirigido
por Guido Balestracci.
A parte de su actividad concertística y pedagógica, Jordi Comellas ha escrito artículos y realizado confe-
rencias sobre música antigua y viola da gamba, como por ejemplo en las jornadas dedicadas a la viola da
gamba en Sevilla en mayo de 2007. Es miembro fundador del grupo Hippocampus, con el cual ha graba-
do por primera vez la integral de sonatas a trío para violín, viola da gamba y continuo de Johann Philipp
Krieger para la discográfica Arsis, con quien también ha editado por primera vez las Sonatas Prusianas
para viola de Carl Friedrich Abel (4 estrellas Ritmo). En 2014 graba las Pièces de clavecin en concerts de
J.Ph. Rameau con el Ensemble Ímpetus, disco finalista en los premios ICMA 2015 (International Classical
Music Awards). Dicha grabación ha obtenido algunos de los más importantes galardones discográficos:
Excepcional de Scherzo, Melómano de oro (Best 2014 Recording) o Recomendado de Ritmo.
Ejerce la docencia como profesor de viola da gamba del CIM “Padre Antonio Soler” de San Lorenzo de
El Escorial.

Lobke Sprenkeling obtuvo su título de flauta de pico en el Real Conservatorio de La Haya en 2001
con los profesores Jeannette van Wingerden y Sébastien Marq. En 2003 obtuvo el Master of Music en el
Conservatorio de Utrecht con el profesor Heiko Terschegget. Simultáneamente acabó su Master of Music
de Teatro Musical Experimental en el Real Conservatorio, donde fue formada como actriz-músico. Aquel
mismo año recibió una beca nacional de la Fundación Prins Bernhard Cultuurfonds de Holanda para estu-
diar más a fondo la música medieval con Pedro Memels-dorff en la ESMUC en Barcelona.
Como flautista de pico ha colaborado con varias agrupaciones especializadas en la música antigua y
orquestas, como Les Talens Lyriques bajo la dirección de Christophe Rousset, la Orquesta Sinfónica de
Madrid en el Teatro Real bajo la dirección de Ivor Bolton, la Orquestra de la Comunitat Valenciana del
Palau de les Arts bajo la dirección de Eduardo López Banzo, Capella de Ministrers, La Academia de los
Nocturnos, Capella Saetabis, Musica Trobada, etc. Además ha colaborado en la grabación de varios dis-
cos. Fue profesora de flauta de pico en el Conservatorio Profesional de Valencia entre 2007 y 2015, y en
Lobke Sprenkeling 2017 en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

65
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

Como cantante ha estudiado con profesores como Ina Boonen, Lennaert Roos, Astrid Crone y Paul Phoe-
nix. Ha cantado en varios coros y ha colaborado con La Academia de los Nocturnos en Holanda y España.
Fue aceptada en la base de datos del Cirque du Soleil como flautista y cantante. También ha formado
parte de varios proyectos músico-teatrales.
En 2016 obtuvo su Doctorado en Música por la Universidad Politécnica de Valencia con la calificación de
sobresaliente cum laude, tras su investigación del punto de encuentro entre el teatro musical experimental
y la música antigua. Su obra músico-teatral Incipit, creada e interpretada en el marco de su investigación,
fue recibida con gran entusiasmo. Su interés por la creación músico- teatral y la dirección escénica le llevó
a perfeccionar su formación. En 2016 fue aceptada como una de los 12 directores en el curso intensivo
de dirección escénica en Yale University, EEUU, y posteriormente en el Master en Creación Teatral de la
Universidad Carlos III bajo la tutela de Juan Mayorga. Es la fundadora y directora de la compañía multidis-
ciplinar Suite Oblique, donde confluyen el teatro, la música y la danza.

Elegido por Rubén Amón, crítico del periódico El Mundo, como «artista español del año 2013» e intér-
prete de una de las mejores grabaciones del año 2013 según el rotativo El País, Yago Mahúgo nace en
Madrid y estudia piano con Ana Guijarro. Figura entre los músicos españoles de mayor proyección, dedi-
cándose a la interpretación según criterios históricos. Doctor cum laude en artes por la Universidad Rey
Juan Carlos, con premio extraordinario de doctorado, licenciado en instrumentos históricos de teclado
(clave, fortepiano y órgano) por la Universidad de Música de Freiburg (Alemania) con beca de la Fundación
Alexander von Humboldt bajo la dirección de Robert Hill, ha completado su formación con los maestros
Christophe Rousset, Kenneth Gilbert y Malcolm Bilson. Entre sus galardones destacan los obtenidos en
el 35º Concurso Internacional de clave de Budapest (Hungría) y en el 13º Concurso de Clave de Brujas
(Bélgica), considerado el certamen más importante de música antigua.
Sus actuaciones se reparten por las más prestigiosas salas de Europa y América. Entre la que se incluyen
el Carnegie Hall de Nueva York (EE.UU). Es invitado regularmente por orquestas profesionales para hacer
continuo. Ha tocado como solista en diversos escenarios como el Palacio de Festivales de Santander, el
Auditorio Nacional de Madrid -destacando sus interpretaciones de Manuel de Falla, siendo el clavecinista
elegido por el Teatro Real de Madrid para interpretar 12 veces El Retablo de Maese Pedro de Manuel de
Falla y el Concierto para Clave con motivo de la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel
Yago Mahúgo de Cervantes- , la fundación Juan March y el Real Coliseo Carlos III de El Escorial. El virtuoso madrileño
ha intervenido regularmente en diversos festivales, entre ellos, la Expo 98 de Lisboa, el Festival Bach-Fest
de Leipzig en 1999 y el 50º Festival internacional de Música y Danza de Granada, donde obtuvo un gran
éxito de crítica y público. Este año tiene previsto actuar en el FIS y en la Quincena Musical Donostiarra.
Ha grabado para las televisiones y radios estatales de España, Hungría y República Checa y ha publicado
el primer disco con la obra integral para piano de Domenico Cimarosa. Hasta ahora, todos sus discos de
clave (Obras completas de Royer, Pièces de clavecin en concert (J. P. Rameau), Marchand / Clerambault,
Armand Louis Couperin), han sido galardonados como «Disco Excepcional del mes» por la prestigiosa
revista Scherzo y ha sido premiado también por otras muchas revistas especializadas. Recientemente Ma-
húgo ha cerrado un contrato con Brilliant Classics para grabar 3 discos de música francesa del siglo XVIII.
Mahúgo concede una gran importancia a la música contemporánea y del siglo XX. Ha grabado obras de
Bartók. Ha actuado activamente en el Grupo Proyecto Gerhard y es dedicatario de las obras que varios
compositores han escrito para él.
Es fundador y director del conjunto historicista Ímpetus, formación con la que ha grabado tres discos –Ím-
petus live! In Madrid, Pièces de Clavecin en Concert de Jean-Philippe Rameau y Geistliche Oden und Lieder
mit Melodien de C. P. E. Bach. Estos dos últimos han sido acogidos con enorme entusiasmo por la crítica
nacional e internacional y galardonados por las revistas Ritmo, Melómano y Scherzo. El disco de Rameau
fue incluso nominado a los premios ICMA 2015 (International Classical Music Awards) en la categoría de
música barroca instrumental y elegido disco del año 2014 por la revista Melómano.
Además de su actividad como concertista en España y el extranjero, el músico madrileño ha sido profesor
de las asignaturas de clave e interpretación histórica e imparte regularmente conferencias en diversas
instituciones como la Universidad Federal de Rio de Janeiro o la Universidad de Michigan. En la actualidad,
como docente, es catedrático titular de música y artes escénicas trabajando en el Conservatorio Teresa
Berganza de Madrid. Desde hace más de diez años es clavecinista invitado de la Escuela Superior de Mú-
sica Reina Sofía e imparte clases magistrales en diferentes conservatorios y universidades (Universidad de
Michigan, USA; UNIRIO, Brasil; Conservatorio del Liceu, Barcelona…)

66
 ´
67EDICION
Martes, 97 de
Jueves, de Agosto.
agosto –21
21h.h.Iglesia
– Casadede
Santa
las Mareas
Lucia. Santander.
– Soano.
Centenario de la iglesia de Santa Lucia.
LABORATORIO
Loreto KLEM
Aramendi, órgano
En colaboración con:

Programa
Dietrich Buxtehude
• Toccata BUX WV 156
Serguei Rachmaninov
• Preludio en do sostenido menor (transcripción de L. Vierne)
Richard Wagner
• Coro de peregrinos de Tannhäuser (transcripción de Franz Liszt)
Gabriel Fauré
• Prélude de Pelléas and Mélisande (transcripción Louis Robilliard)
Jehan Alain
• Litanies
Maurice Ravel
• Pavana para una infant difunt
Olivier Messiaen
• Dieu parmi nous
Arvo Pärt
• Part interval
Maurice Duruflé
• Théme et variation sur le Veni Creator

Loreto Aramendi

67
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

S
i las Historias de la Mú-
sica reservan un lugar
Sábado, 11 de agosto. 22 h. Iglesia de Santa María. Castro Urdiales. destacado para hablar de
Domingo, 12 de agosto. 22 h. Claustro de la Colegiata de Santa Juliana. Nápoles, casi siempre tie-
Santillana del Mar ne que ver con el mun-
do de la ópera del XVIII,
relegando a un segundo término otros
CAPELLA DE MINISTRERS periodos de la historia de la música na-
Carles Magraner, vihuela de arco y dirección politana tal vez de menor impacto pero
Elia Casanova, voz no de menor interés, en lo que concierne
al devenir musical europeo. Uno de esos
David Antich, flautas periodos es el que se circunscribe entre
Robert Cases, guitarra y vihuela el reinado de Alfonso V de Aragón y el
Pau Ballester, percusiones virreinato napolitano en tiempos de los
Reyes Católicos y sus inmediatos suceso-
Mapamundo res, en pleno Renacimiento.
Entre los muchos aspectos a destacar,
Música en la corte aragonesa de Nápoles hay dos especialmente notables. Uno es
el hecho de que la corte napolitana, des-
de tiempos del rey Alfonso y a lo largo
Anónimo del siglo XV, se convirtiese en un punto
• La Spagna – Baixa Dansa de encuentro de dos tradiciones musi-
cales bien diferenciadas, la de los poli-
Heinrich Isaac fonistas del norte –los grandes maestros
• La Spagna franco-flamencos del contrapunto– y la
Bartolomeo Tromboncino de los “inventores” de melodías del sur.
Acaso uno de los mejores ejemplos de
• Cantava per sfogar fusión de ambas tradiciones sea la Misa
Tradicional [Diego Ortiz] Ayo visto lo mapamundo de Juan Cor-
nago, compositor aragonés al servicio
• Romanesques
de la corte napolitana y atento seguidor
Anónimo de Guillaume Dufay, que utiliza como
• El cervel mi fa Nocte i die del Cancionero de Palacio cantus firmus o motivo conductor de su
obra una cancioncilla siciliana, la barze-
Domenico da Piacenza
lletta que da título a la obra.
• Belfiore & Amoroso – Ballo El segundo aspecto tiene que ver con el
Anónimo mecenazgo musical ejercido por la corte
de Nápoles, que se diferencia de cual-
• Merce te chiamo – Montecassino
quier otro por haber atraído a allí afa-
Joan Ambrosi Dalça mados intérpretes, extranjeros y locales,
• Saltarello i piva junto a otros venidos de la Península ibé-
rica lo que contribuyó a internacionalizar
Magistro Rofino a estos últimos y su repertorio, a la vez
• Un cavalier di Spagna – Pasamezzo que a italianizar el repertorio hispano. Si
Joan Ambrosi Dalça el tema de La Spagna, el más popular de
una glamurosa danza del Renacimiento
• Calata a la spagnola cuya coreografía da por vez primera un
Bartolomeo Tromboncino manuscrito catalano-aragonés del año
• Vergine Bella (Petrarca) 1496, aparece versionado por los más
afamados compositores, otros de no me-
Joan Ambrosi Dalça nor nivel introducirán en España la moda
• Pavana alla ferrarese italiana. Ahí está el ejemplo de Luis del
Bartolomeo Tromboncino Milà, heredero de la saga de sonadores
de laudes que sirvieron en la corte ara-
• Queste non son piu lachryme (Ariosto) gonesa y a la cabeza de la Escuela de
Anónimo vihuelistas, parte de cuyo repertorio lleva
• Dindirindin – Balada – Montecassino letra en italiano o es italianizante, aun-
que no se sepa de su paso por Italia. Milà
M. Gulielmus sirvió por largos años a don Fernando de
• Falla con misuras (Perugia) Aragón, duque de Calabria e hijo de Fe-
derico I de Nápoles, en Valencia, ciudad
convertida en el principal puerto hispano

68
 ´
67EDICION
de entrada de música y músicos venidos
de Italia desde que el duque fijó en ella
Tradicional su residencia tras casar en 1526 con la
• Marta non faces plorar viuda de Fernando el Católico, doña
Germana de Foix.
Anónimo Amante de los festejos, la corte de Va-
• Alle Stamenge – Canto Carnacialesco. Montecassino lencia se convirtió en tiempos de doña
Alexander Agricola Germana en una réplica exquisita de la
corte napolitana que brillará especial-
• Amor che sospirar mi fai mente en tiempos de los directos ante-
Anónimo pasados de su esposo, donde el canto y
la danza fueron actividades que gozaron
• Mon fort souspirz – Montecassino 871
del máximo prestigio. Sirva de muestra
Anónimo de todo ello el repertorio seleccionado
• Signora, un che v’adora (Marco Cara) para este programa de Capella de Mi-
nistrers.
Luis del Milà
Maricarmen Gómez Muntané
• Pavana y gallarda
TAMIENTO
ENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTOAYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
ANDAD
ERMANDAD Tradicional
DE RASINES
DE RASINES DE SUANCES
DE SUANCES DE MIERA
DE MIERA Desde su creación el año 1987, Cape-
DE
OOSUSO
DE SUSO
lla de Minisitrers, bajo la dirección de
• La dama d’Aragó
Carles Magraner, ha desarrollado una
Anónimo importante tarea investigadora y musi-
• Folies (Joan Escrivá) cológica en favor del patrimonio musical
español, desde el medioevo hasta el siglo
XIX. El resultado, transformado en testi-
ENTO
TAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTOAYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO monio musical, conjuga a la perfección
LAS
OMILLAS DE RIBAMONTÁN
DE RIBAMONTÁN DE MIENGO
DE MIENGO DE NOJA
DE NOJA
AL MAR
AL MAR
Colaboran: tres factores clave: el rigor histórico, la sensibilidad musical y, muy especialmente, un incontenible deseo
de comunicarnos y hacernos partícipes de estas experiencias.
La actividad concertística de la formación ha sido muy intensa desde el inicio de su actividad, recorriendo
las mejores salas de música de España: Auditorio Nacional de España, Palau de la Música de Valencia, Pa-
lau de la Música Catalana, Auditorio de León, Teatro de La Maestranza, El Escorial, Centro Conde Duque,
TAMIENTO
ENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO Auditorio de Castellón, Teatro Cervantes... Asimismo, ha participado en numerosos festivales, de entre los
CENTE
N VICENTE DE CASTRO URDIALES
DE CASTRO URDIALES DE SANTILLANA
DE SANTILLANA
QUERA
BARQUERA DEL DEL
MARMAR que cabe destacar el Festival de Música Antiga de Barcelona, Madrid Cultural 1992 (con la recuperación
de la ópera Los elementos de Antonio Literes), Festival de Teatro Clásico de Almagro, Festival de Música
Antigua y Barroca de Peñíscola, Festival de Peralada, Quincena Musical Donostiarra, Los Veranos de la
Villa (Madrid), Festival Grec (Barcelona), Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival
de Música Religiosa de Cuenca, Serenates a la Universitat (Valencia), Festival Are More (Vigo), Festival
Medieval de Elche, entre otros.
TAMIENTO
ENTO
ERRAS
ZCUERRAS Su proyección es también internacional. Ha realizado giras de conciertos y participado en festivales en
países como Francia, Bélgica, Rumania, Portugal, Holanda, Egipto, Italia, Alemania, Marruecos, Inglaterra,
Polonia, Túnez, Chile, Portugal, Grecia, Argentina, Brasil, EE.UU., México, Finlandia, Austria, Cuba, Croa-
cia, China, Argelia, Suecia, Noruega, India, etc. y espacios como el Metropolitan Museum y la Hispanic
Society de Nueva York, el BachFestival de Leipzig, EuropaMusicale en Munich, el Festival de Fez, Festival
de Morelia, Early Music Festival Praga, Serviqc Brezice Ljibljana, Stockholm Early Music Festival, Banchetto
Mapamundo Musicale Early Music Festival Lituania, Forum Alte Musik Zürich, entre otros. En mayo de 2008 actuó en la
inauguración de la Casa de la Lengua Española en Rodas, presidida por S.M. La Reina Doña Sofía en viaje
oficial. Ese mismo año el grupo participó en el acto oficial de homenaje al rey Jaume I que tuvo lugar en
el Monasterio de Poblet, con motivo del 800 aniversario de su nacimiento.
Esta trayectoria de estudio y recuperación de la música antigua ha quedado recogida en los más de 55 dis-
cos que ha grabado para EGT, Blau, Auvidis y CDM, sello discográfico exclusivo de Capella de Ministrers,
obteniendo muy buenas críticas por parte de la prensa especializada, además de premios y distinciones
entre las que destacan Mejor Producción Discográfica otorgado por el Ministerio de Cultura, Premio Im-
portante de la editorial Prensa Valenciana, el Premio Cívico 2008 de Almussafes-Ribera Baixa, el distintivo
sello de calidad dela GVA Mediterranew Musix y el Premio Internacional de Música Clásica 2018 (ICMA)
en la categoría de Música Antigua por su disco Quattrocento
Su actividad ha ido más allá de lo estrictamente musical, realizando incursiones en las artes escénicas en
colaboración con reconocidos directores como Àlex Rigola, Juli Leal, Vicent Genovés, Jaume Martorell
y Bigas Luna; con coreógrafos como Santiago Sempere, con el Cor de la Generalitat Valenciana, con
músicos de otras disciplinas como Joan Enric Lluna o Miguel Marín, incluso con reconocidos artistas del
panorama contemporánero como Isabel Muñoz, Eva Lootz o Carmen Calvo. Ha recuperado la versión es-
cenificada de la zarzuela inédita La madrileña de Vicente Martín y Soler, el primer Oratorio Sacro español,
y una aproximación histórica a la interpretación del drama en dos partes para la Fiesta de la Asunción de

69
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

la Virgen María de Elche. Su música del Cant de la Sibil·la forma parte de la banda sonora de la película
Son de mar de Bigas Luna. Este trabajo supuso el inicio de una relación profesional con el director catalán,
quien en 2003, requirió la participación de Capella en la adaptación de las Comedias bárbaras de Valle-In-
clán, en la clausura de la II Bienal de Valencia.
Las ayudas institucionales por parte del Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana y del
INAEM del Ministerio de Cultura, permiten que hoy sea una realidad la difusión discográfica y concertís-
tica a nivel nacional e internacional. La Universitat de València, por su parte, patrocina las actividades de
investigación, recuperación y difusión del patrimonio musical realizadas por Capella de Ministrers.

Cuando alguien escucha la música de Carles Magraner lo que percibe no es sencillamente una sucesión
de notas producidas por los golpes de su arco sobre las cuerdas de la viola da gamba, sino sonidos trans-
formando una cadena de sentimientos y emociones. De la misma manera su extensa carrera profesional
no puede ser entendida como un gran número de conciertos y grabaciones, más bien es la historia de
mucho esfuerzo y el resultado de su amor por música.
Carles Magraner nace en Almussafes (La Ribera Baixa, Valencia) donde inicia sus estudios musicales, que
continúa después en el Conservatorio Profesional de Carcaixent y el Conservatorio Superior de Valencia,
obteniendo los títulos de Profesor de Violonchelo y el Superior de Musicología. Muy pronto, se siente
cautivado por la música antigua y se especializa en violonchelo barroco y viola da gamba, con estudios
en Barcelona, Madrid y el Departament de Musique Ancienne del Conservatoire National de Région de
Toulouse. Además, cursa varios seminarios sobre música medieval, renacentista y barroca impartidos por
Miquel Querol y Josep Bonastre, entre otros, completando su formación en música ibérica de los siglos
XI-XVIII. Obtiene el Premio a la Creatividad Musical de la Universidad de Valencia en los años 88 y 89 y del
Ministerio de Cultura de jóvenes intérpretes. Carles Magraner es Máster en Música en la especialidad de
música antigua y Doctor en Música por la Universidad Politécnica de Valencia.
Ha desarrollado una gran actividad concertística como solista y en diversas agrupaciones de cámara y tam-
Carles Magraner bién ha compartido sus conocimientos, por una parte como profesor en diversos conservatorios y escuelas
(© Evarist Caselles)
de música, y por otra con su intervención con ponencias y conferencias en la Universitat de València y Uni-
versitat d'Alacant, la Universitat Autònoma de Barcelona, la Universitat de Girona, en la Escuela Superior
de Música de Estocolmo, Conservatorio de Shangai, Escuela de Arte de la Habana, Congreso Internacio-
nal Els mons de Vicente Martín y Soler, participando además en los cursos de música antigua de Peñíscola y
Morella, como profesor del seminario sobre Francisco Guerrero impartido en la Universidad Internacional
de Andalucía, UIA Huelva y en el curso de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Barcelona,
Centro Ernest Lluch, Universidad Lyon2 y Sorbona de Francia, Conservatorio de Mina Gerais en Brasil,
además de otros congresos, y seminarios. En el año 2004 se le concede el premio cívico de su localidad
natal. Desde 2010 es profesor especialista en música antigua en el Conservatorio Superior de Castellón.
Su amplia formación y su conocimiento de la música antigua lo han llevado a ser director artístico de la
Orquestra Barroca de Xàtiva y colaborador de la Orquesta Barroca Española. Fue becado por la Universi-
dad de Salamanca para la formación de la Orquesta Barroca de dicha Universidad. Asimismo ha dirigido
a diversas agrupaciones instrumentales y vocales, entre las que cabe destacar el Cor de la Generalitat
Valenciana y el cuarteto de violas da gamba Millennium.
Comisario del Festival Mare Nostrum del Centro Cultural La Beneficencia de Valencia, director artístico del
Festival Internacional de música antigua Música, Història i Art de Valencia, del Festival de Música Antiga al
Palau de l'Abat (La Valldigna), así como de diversos ciclos de música antigua y barroca de la Comunidad
Valenciana.
En 2006 dirige y coordina el proyecto de construcción de los instrumentos en base a los doce ángeles
músicos de las pinturas al fresco del altar mayor de la Catedral de Valencia, con los cuales se ofrece un
concierto ese mismo año dentro de los actos de bienvenida de Su Santidad el Papa a Valencia.
Además de esta trayectoria profesional individual, su faceta más conocida es su trabajo como fundador y
director del grupo valenciano de música antigua y barroca Capella de Ministrers, con el que ha grabado
más de cuarenta discos reconocidos como Mejor Producción Discográfica otorgado por el Ministerio de
Cultura, Premio Importante de la editorial Prensa Valenciana, premios Gramophone, Goldberg, CDCom-
pact, entre otros.
Ha realizado numerosos conciertos en los más prestigiosos festivales estatales e internacionales, entre los
que cabe destacar el Auditorio Nacional de España, Palau de la Música de Valencia, Palau de la Música Ca-
talana, Auditorio de León, Teatro de La Maestranza, El Escorial, Centro Conde Duque, Auditorio de Caste-
llón, Teatro Cervantes, Festival de Música Antiga de Barcelona, Madrid Cultural 1992 (con la recuperación
de la ópera Los elementos de Antonio Literes), Festival de Teatro Clásico de Almagro, Festival de Música
Antigua y Barroca de Peñíscola, Festival de Peralada, Quincena Musical Donostiarra, Los Veranos de la Villa
(Madrid), Festival Grec (Barcelona), Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival de Mú-
sica Religiosa de Cuenca, Serenates a la Universitat (Valencia), Festival Are More (Vigo), Festival Medieval
de Elche, entre otros. Ha realizado giras de conciertos y participado en los más importantes festivales de
países como Francia, Bélgica, Rumania, Portugal, Holanda, Egipto, Italia, Alemania, Marruecos, Inglaterra,

70
 ´
67EDICION
Polonia, Túnez, Chile, Portugal, Grecia, Argentina, Brasil, EE.UU., México, Finlandia, Austria, Cuba, Croa-
cia, China, Argelia, Suecia, Noruega... de entre los que destacan el Oude Muziek de Utrecht, La Chapelle
de Lyon o el concierto con el Requiem de Victoria en la catedral de Saint Patrick de Nueva York. En mayo
de 2008 actuó en la inauguración de la Casa de la Lengua Española en Rodas (Grecia), presidida por S.M.
La Reina Doña Sofía en viaje oficial. Ese mismo año el grupo participó en el acto oficial de homenaje al
rey Jaume I que tuvo lugar en el Monasterio de Poblet, con motivo del 800 aniversario de su nacimiento.
Su actividad ha ido más allá de lo estrictamente musical, realizando incursiones en las artes escénicas en
colaboración con reconocidos directores como Àlex Rigola, Juli Leal, Vicent Genovés, Jaume Martorell y
Bigas Luna; con coreógrafos como Santiago Sempere y Toni Aparisi; con artistas como Manolo Boix y con
músicos de otras disciplinas como Joan Enric Lluna o Miguel Marín. Ha recuperado la versión escenificada
de la zarzuela inédita La madrileña de Vicente Martín y Soler, el primer Oratorio Sacro español, y una apro-
ximación histórica a la interpretación del drama en dos partes para la Fiesta de la Asunción de la Virgen
María de Elche.Su música del Cant de la Sibil·la forma parte de la banda sonora de la película Son de mar
de Bigas Luna. Este trabajo supuso el inicio de una relación profesional con el director catalán, quien en
2003, requirió su participación en la adaptación de las Comedias bárbaras de Valle-Inclán, en la clausura
de la II Bienal de Valencia.
Es habitual su colaboración con Maricarmen Gómez Muntané (UAB), Josemi Lorenzo y otros musicólogos
y medievalistas que han permitido indagar en el patrimonio musical español con ejemplos de recupera-
ción de música en tiempos de Jaume I, Ausiàs March, Llibre Vermell, dinastía de los Borgia, Cancionero
de Palacio y del Duc de Calàbria (Uppsala)... Sus estudios musicológicos sobre el barroco valenciano han
servido para la edición de discos sobre la música antigua valenciana: Matías Navarro, José Gil Pérez,
trovadores de la Corona de Aragón, Alfonso el Magnánimo, entre otros. Ha publicado, junto con David
Antich, la edición crítica de la zarzuela La Madrileña de Vicente Martín y Soler y junto a Gersón Padilla, la
suite medieval Els viatges de Tirant Lo Blanch para banda sinfónica. La actividad de Capella de Ministrers,
dirigida por Carles Magraner, se refleja en los más de 1500 conciertos ofrecidos desde su creación en
1987 y su amplia discografía, acogidos todos con muy buenas críticas de público y especialistas, además
de premios nacionales e internacionales de instituciones y revistas profesionales.

71
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

Lunes, 13 de agosto. 20:30 h. Iglesia de San Julián y Santa Basilisa. Isla.

Martes, 14 de agosto. 20 h. Iglesia de Santa María de la Asunción. Miera.

LA GUIRLANDE
Luis Martínez Pueyo, Traverso
Carlos Leal, violonchelo barroco
Laura Fernández Granero, fortepiano

Haydn en Londres
Trios para flauta, violonchelo y fortepiano de Joseph Haydn
• Trio n. 29 en Sol Mayor Hob. XV: 15
• Trio n. 30 en Fa Mayor Hob. XV: 17
• Trio n. 28 en Re Mayor Hob. XV: 16
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE LA HERMANDAD DE RASINES DE SUANCES DE MIERA
DE CAMPOO DE SUSO

L
Colaboran: ondres, la ciudad bañada por el Támesis, fue uno de los centros musicales más importantes
de Europa. A lo largo del siglo XVIII, la ciudad experimentó un gran crecimiento. El hecho
de que muchas personas se trasladaran a Londres para comerciar, trabajar, o hacer nego-
cios, hizo que la ciudad se volviera cada vez más grande y adoptara un ritmo frenético.
Además, la victoria de Gran Bretaña en la Guerra de los Siete Años abrió nuevos y grandes
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE RASINES DEARNUERO
DE SUANCES DE MIERADE COMILLAS mercados al comercio
DE RIBAMONTÁN DE MIENGObritánico,DE
incrementando
NOJA aún más la prosperidad de la metrópoli.
AL MAR
En este contexto, Londres atrajo a muchos músicos de toda Europa que buscaban hacerse un hueco en
la intensa vida musical de la capital. Dicha vida musical se ve bien reflejada en la gran cantidad de música
impresa por editores con sede en Londres, solo comparable a aquella publicada en ciudades como París,
Amsterdam o Viena. Dicha música pone de manifiesto el gran mercado que había para la venta de estas
partituras, adquiridas en su mayor parte por músicos amateurs pertenecientes a clases sociales pudientes
AYUNTAMIENTO
DE COLINDRES
AYUNTAMIENTO
DE SAN VICENTE y acomodadas, desde
AYUNTAMIENTO
DE CASTRO mercaderesDE
URDIALES ySANTILLANA
hombres de negocios, a miembros de la nobleza.
AYUNTAMIENTO
DE LA BARQUERA
AYUNTAMIENTO
DE RIBAMONTÁN
AYUNTAMIENTO
DE MIENGO
AYUNTAMIENTO
DE NOJA
Fue en noviembre de 1789 cuando DEL JohnMAR
Bland -uno de los tres principales editores de música de Londres
AL MAR junto con William Forster y Longman & Broderip, los cuales luchaban por hacerse con el mercado de las
partituras impresas-, viajó a Esterhaza, en donde se encontró con Joseph Haydn.
En este encuentro, Haydn se comprometió a escribir para Bland las tres obras que se podrán escuchar en
el programa que hoy les presentamos, dos de las cuales –los tríos Hob. XV, 16 en Re Mayor y Hob. XV,
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO 15 en Sol Mayor- serían publicadas durante el verano de 1790, dejando el tercero –Hob. XV, 17- para
DE ESCALANTE DE MAZCUERRAS
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO publicarlo poco después.
E CASTRO URDIALES DE SANTILLANA
DEL MAR La particularidad de estas obras proviene de que de los cuarenta y cinco tríos para piano compuestos
por Haydn, tan solo los tres presentados aquí están escritos para piano, flauta y violonchelo, siendo los
cuarenta y dos restantes para piano, violín y violonchelo. De hecho, en una carta escrita por el propio
Haydn con fecha del 11 de enero de 1790, este habla de que Bland le había encargado unas sonatas para
piano con acompañamiento de violín (que no de flauta) y violonchelo. Las razones por las cuales Haydn
decidió cambiar el violín por la flauta nos son desconocidas. No obstante, podemos especular con que la
fama que la flauta travesera tenía entre los músicos amateurs de toda Europa pudo jugar a favor de esa
decisión final, ya que en efecto esta música iba dirigida principalmente a dicho mercado. Un mercado
que, a pesar de su carácter amateur, nos ha aportado verdaderas joyas musicales como las que podremos
escuchar a continuación.
Luis Martínez Pueyo

Fundado por Luis Martínez Pueyo durante su estancia en la Schola Cantorum Basiliensis, La Guirlande es
uno de los ensembles especializados en la interpretación historicista de la música de los siglos XVIII y XIX
más versátiles del panorama actual.
Ganadores de varios concursos internacionales como el XVIII Biagio-Marini Wettbewerb y el V Concurso
La Guirlande Internacional de Música Antigua de Gijón, el repertorio de La Guirlande se centra en aquella música del
siglo XVIII y XIX donde la flauta desempeña un papel fundamental: desde la sonata para flauta -con clave
o pianoforte obligado, así como con bajo continuo- hasta el concierto solista, pasando por todo tipo de
combinaciones de música de cámara. Además, el uso de instrumentos originales o réplicas de los mis-
mos, así como un riguroso estudio histórico de la práctica interpretativa a través de diferentes tratados y
fuentes, marcan el principal objetivo de La Guirlande: conseguir una interpretación del repertorio lo más

72
 ´
67EDICION
cercana posible a la idea original de cada uno de los compositores.
La Guirlande cuenta con músicos de reconocido prestigio, tanto nacional como internacional, en el campo
de la interpretación historicista. Formados en algunas de la escuelas más importantes de Europa en el
ámbito de la música antigua (Schola Cantorum Basiliensis, Conservatoire National Supérieur de París, Ko-
ninklijk Conservatorium den Haag), algunos de ellos colaboran con ensembles y orquestas de renombre,
como Les Arts Florissants, Orchestra of the Age of Enlightenment, Orchestra of the 18th Century, Le Con-
cert des Nations, Freiburg Baroque Orchestra, La Capella Mediterranea, La Cetra Barockorchester Basel,
Concerto Köln, Accademia Bizantina, Montis Regalis Orchestra, Bach Collektiv, Elbipolis Barockorchester
Hamburg, Bach Akademie Luzern, Musica Fiorita, European Union Baroque Orchestra, Al Ayre Español,
Los Músicos de su Alteza, La Tempestad, Insula Orchestra, u Orchestre Français des Jeunes, entre otros.
La Guirlande toma su nombre de uno de los principales símbolos del Dios Apolo, signo de gloria y reco-
nocimiento en las artes, la sabiduría, y los juegos.

Luis Martínez Pueyo nace en Zaragoza en 1988, y tras realizar sus estudios superiores de flauta trave-
sera en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, comienza sus estudios de traverso en la Escola
Superior de Música de Catalunya (ESMUC) bajo la tutela del flautista Marc Hantaï, con quien continúa
estudiando posteriormente en la Schola Cantorum Basiliensis. Además, al mismo tiempo recibe regular-
mente clases de flauta clásica y romántica en París de la flautista Amélie Michel (Orchestre des Champs
Elysées). Luis Martínez ha ampliado sus conocimientos (tanto en traverso como en música de cámara) re-
cibiendo clase de grandes personalidades de la música antigua como Barthold Kuijken, Wilbert Hazelzet,
Kate Clark, Rachel Brown, Lisa Beznosiuk, Ashley Salomon, Valérie Balssa, Agostino Cirillo, Hopkinson
Smith, Jesper Christensen, Olivier Baumont, Kristian Bezuidenhout, Manfredo Kraemer, François Fernan-
dez, Amandine Beyer, Leila Schayegh, o Emmanuel Balssa, entre otros.
Miembro fundador y director artístico de La Guirlande, - grupo dedicado a la interpretación de música
de los siglos XVIII y XIX en la que la flauta tiene un papel destacado -. Luis Martínez ha colaborado con
orquestas y grupos como Orchestra of the Age of Enlightenment, The Bach Collektiv, Wunderkammer
Berlin, Elbipolis Barockorchester Hamburg, Bach Akademie Luzern, Ensemble Cristofori, Ensemble Ripie-
no, Svapinga Consort, Orchester Le Phénix, Orchestre Français des Jeunes, Jeune Orchestre de l’Abbaye,
Orquesta de la Schola Cantorum Basiliensis, Memento Mori, Orquesta de Cadaqués y Orquesta de Valen-
cia, tocando en importantes salas de España, Francia, Alemania, Suiza, Austria, Holanda y Escocia.

Nacido en Madrid en 1989, Carlos Leal ha terminado recientemente sus estudios con Lucia Swarts en el
departamento de música antigua del Real Conservatorio de La Haya. En España estudió en Guadalajara
y Salamanca con Aldo Mata, Suzana Stefanovic y Ángel Luis Quintana. En los últimos años Carlos ha en-
trado en contacto con algunos de los más destacados músicos del panorama de la música antigua como
Albert Brüggen, Jaap ter Linden, Roel Dieltiens, Catherine Jones, Hidemi Suzuki, Malcolm Bilson, Kristian
Bezuidenhout, Amandine Beyer y Anner Bylsma, para quien tocó la sonata op.102/2 de Beethoven en
su 80 cumpleaños. Ha participado en proyectos académicos de la Orquesta del Siglo XVIII y colaborado
con la Nederlandse Bachvereniging (Jos van Veldhoven). También ha grabado con el conjunto vocal Vox
Luminis (Lionel Meunier).
Carlos mantiene una creciente actividad como músico de cámara. Ha recibido clases de Ferenc Rados,
Valentin Erben (Alban Berg Quartet), Johannes Meissl, Cuarteto Quiroga, Alexander Pavlovsky (Jerusalem
Quartet), Emerson String Quartet o Danel Quartet como miembro del Metis String Quartet y otras agru-
paciones, con las que ha tocado en España, Países Bajos, Bélgica, Alemania y Austria en salas como el
Auditorio Nacional de Música, Concertgebouw (Amsterdam), De Doelen (Rotterdam), Tivoli Vredenburg
(Utrecht) o el Arnold Schoenberg Center (Vienna).
Como músico de orquesta ha colaborado con la Orquesta Nacional de España (academista entre 2014-
2016) y la Residentie Orkest/Filarmónica de La Haya y ha sido primer violoncello de las orquestas jóvenes
de la Comunidad de Madrid (Jorcam) y la nacional de España (Jonde), trabajando con directores como
Semyon Bychkov, Juanjo Mena, Lutz Köhler, George Pehlivanian o Günter Pichler en festivales y salas
como Santander, Granada, Concertgebouw de Amsterdam, Aix-en-Provence, Young Euro Classic (Berlin),
Guanajuato (Mexico), Bucharest, etc. Además de su experiencia como intérprete, Carlos da clases en la
Young Talent School del Real Conservatorio de La Haya y ha sido invitado para dar clases magistrales en
Portugal (EPABI, Covilhã).
Carlos toca un violonchelo barroco alemán cedido por un benefactor privado y un arco barroco de Kees
van Hemert perteneciente a la colección de la Nationaal Muziekinstrumenten Fonds.

73
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

Nacida en Madrid en 1991, Laura Fernández Granero estudió piano con Claudio Martínez Mehner,
cursando el Grado Superior en el Conservatorio Superior de Música de Aragón (Zaragoza) y en el Centro
Superior de Música Katarina Gurska (Madrid).
Muy interesada en la interpretación histórica, estudió clave en el Conservatorio Superior de Música de
Castilla y León (CoSCyL), con los profesores Pilar Montoya y Jorge García Martín. Más tarde, y tras obtener
en 2016 su Bachelor en fortepiano con matrícula de honor en la Schola Cantorum Basiliensis, estudia un
Máster de fortepiano en la misma escuela con el profesor Edoardo Torbianelli, siendo también alumna
de clave de Andrea Marcon. Además, Laura Fernández ha recibido los consejos de músicos de talla inter-
nacional como Bertrand Cuiller, Jesper Christensen, Amandine Beyer, Ulrich Messthaler, Anton Kernjak o
Ferenc Rados.
Ha ofrecido recitales a solo y de música de cámara en salas de España y del extranjero, tocando en países
como Austria, Alemania, Italia, Portugal, Francia, Suiza y Holanda, participando en importantes festivales
como el Festival de Royaumont, Festival Mozart Maximum (La Seine Musicale), Geelvinck Festival o Festival
Noites de Queluz. Miembro del ensemble La Guirlande, grupo de cuya dirección artística es responsable
el flautista Luis Martínez Pueyo. Laura Granero toca regularmente con el violinista Ajay Ranganathan,
con quien interpreta sonatas del siglo XVIII para fortepiano con acompañamiento de violín, así como con
David Aijón en dúo de fortepiano cuatro manos. Además, ha grabado en 2017 su primer disco, con obras
del compositor portugués João Domingos Bomtempo.
Laura Granero es la directora artística del Proyecto Notre Temps, que pretende impulsar la presencia del
fortepiano en España, mediante la organización de actividades tales como conciertos, conferencias y
cursos en diversas salas y centros de enseñanza.

74
 ´
67EDICION
C
on tan solo trece años,
María Luisa Gabriela de
Martes, 7 de
Miércoles, 15agosto
de agosto.
– 21 21
h. –h.Casa
Iglesia
dede
laslaMareas
Santa Cruz.
– Soano.
Escalante. Saboya se convertía en
Jueves, 16 de agosto. 20:15 h. Santuario de la Bien Aparecida. Marrón. una de las reinas más jó-
LABORATORIO KLEM venes de la historia de
L’APOTHÉOSE España. Si bien su reinado
fue breve debido a su prematura muer-
Olena Sloia, soprano te, logró obtener rápidamente el aprecio
Laura Quesada, traverso, de los que la rodeaban, dado su buen
juicio y su talento a la hora de gobernar
Víctor Martínez, violín barroco
en una época convulsa, marcada por la
Carla Sanfélix, violonchelo barroco guerra internacional que enfrentó a los
Asís Márquez, clave Borbones y los Habsburgos en la llamada
«Guerra de Sucesión». Dadas las largas
Música para una joven reina. Programa conmemorativo del 330 ausencias de su esposo, el rey Felipe V,
aniversario del nacimiento de María Luisa Gabriela de Saboya y más tarde debido a la extraña «melan-
(1688 – 1714) colía» que aquejaba al monarca, María
Luisa se vio obligada desde muy pronto
a llevar las riendas del Estado.
Anuncio del compromiso entre Felipe V y María Luisa Gabriela de Saboya
En el presente programa vamos a repa-
Sebastián Durón sar la vida de esta joven reina a través
de las músicas que pudo haber escucha-
• Extractos de la «Introducción» de La guerra de los gigantes (1701?) do. Damos comienzo al concierto con el
Sinumen y voz (La Fama) – Aunque más vuele, Fama (El Tiempo) anuncio en Madrid del compromiso nup-
cial entre Felipe V y la joven princesa de
Boda por poderes en Turín y viaje por Francia Saboya, María Luisa Gabriela, en mayo
de 1701, cuando aún era una niña de
Ángelo Maria Fioré apenas doce años de edad. Este matri-
• Trattenimento para violonchelo Op. 1, nº 12 en re menor monio tuvo un claro propósito político,
dado que el territorio que controlaba
Charles Desmazures el padre de la futura reina, Víctor Ama-
deo II, Duque de Saboya, era la puerta
• Deuxième suite en re menor/re mayor * de Pièces de simphonies (1702) a través de la cual los ejércitos podían
penetrar en el interior de la Península Itá-
Boda en Figueras, estancia en Barcelona y llegada a Madrid lica. Para este anuncio el recientemente
nombrado maestro de la Real Capilla,
Francisco Valls Sebastián Durón, compuso la Ópera
• Surrexit bonus. Motete a solo escénica deducida de la guerra de los gi-
gantes, un encargo del joven y ambicioso
Antonio Martín y Coll Conde de Salvatierra. La «introducción»
de esta ópera consiste en una loa en la
• Las Folías de Flores de Música (1706)
que cuatro personajes alegóricos (Fama,
Tiempo, Inmortalidad y Silencio) pugnan
Recreos y fiestas cortesanas en tiempo de guerra entre sí para demostrar quién es el más
digno de celebrar a la novia que se va
Antonio Líteres a casar, a la que se le da el nombre de
• Déjame, tirano dios. Cantada humana «Melisa», acróstico que alude a María
Luisa. La boda por poderes se llevó a
Diego Xaraba y Bruna
cabo en Turín en septiembre de 1701,
• Ydea buena por Alamire y Fuga y para esta ocasión hemos seleccionado
Henry Desmarest una obra de Angelo Maria Fiorè, famoso
violonchelista y compositor que trabajó
• «Chaconne» de Les festes galantes (París, 1698) *
en la corte de Saboya.
Tomasso Albinoni El viaje que la reina emprendió para en-
• Aria «Adiós, feliz prisión» de Dido y Eneas (Madrid, ca. 1710) * contrarse con su consorte nos lo narra el
embajador español en Turín, el Marqués
de Castel-Rodrigo. La salida de Turín
Muerte de la reina se inició el lunes día 12 de septiembre
José de Torres de 1701. Desde Niza la reina embarcó
• Parce mihi * hacia Marsella, ciudad en la que pudo
escuchar las obras de Charles Desma-
* Estreno en tiempos modernos zures, organista de la catedral, quien le

75
 AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE LA HERMANDAD DE RASINES DE SUANCES DE MIERA
DE CAMPOO DE SUSO

Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE ARNUERO DE COMILLAS DE RIBAMONTÁN DE MIENGO DE NOJA
AL MAR
dedicaría más tarde, en 1702, un impreso titulado Pièces de simphonie à quatre parties. La comitiva real
clásica prosiguió por diversas ciudades francesas, como Arlés, Nimes, Montpellier, Narbona y Perpiñán, hasta
llegar a Figueras, donde se celebró la boda con la presencia de Felipe V el 2 de noviembre de 1701. Al
rey le acompañaron un grupo de músicos franceses, liderados por el compositor Henry Desmarest, que
Asociación Española de Festivales de Música Clasica
sería nombrado «maestro de la música francesa» de la corte madrileña. Los monarcas se quedaron largo
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE COLINDRES DE SAN VICENTE tiempoDE enCASTRO
Cataluña y durante laDEestancia
URDIALES de Felipe V en Barcelona, el maestro de capilla de la catedral,
SANTILLANA
DE LA BARQUERA DEL MAR
Colabora: Francisco Valls, compuso su famosa Missa Scala Aretina.
Mientras que Felipe V se embarcó a Italia para consolidar las posesiones de la Monarquía en ese territorio,
María Luisa viajó a Madrid, donde fue recibida en junio de 1702. A pesar de los tiempos convulsos que se
vivían, no dejaron de celebrarse en Madrid los festejos, tanto privados como públicos, que proyectaban
una imagen de fortaleza. Como entretenimiento privado se escucharía la cantada profana (o «humana»,
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO como se llamaba en la época) Déjame, tirano dios de Antonio Literes, violón de la Real Capilla y uno de
DE ESCALANTE DE MAZCUERRAS
los compositores más importantes de la España de la época. La obra es un buen ejemplo también de la
difusión de la Academia de la Arcadia en los primeros años del siglo XVIII en Madrid, un movimiento que
abandonaba las metáforas extravagantes y los difíciles juegos de palabras característicos de los tonos
humanos del siglo XVII para tratar, con un lenguaje sencillo, las cuitas amorosas entre ninfas y pastores.
La mano derecha de la reina en Madrid fue la Princesa de los Ursinos, su Camarera Mayor, un peculiar
personaje enviado por Luis XIV para dirigir la actividad de la joven reina. La Ursinos admiraba profunda-
mente a Alessandro Scarlatti y a ella posiblemente le debemos el hecho de que varias óperas al estilo
italiano se interpretaran en Madrid a finales de la primera década del siglo XVIII. Entre ellas sobresale la
Ópera armónica al estilo italiano intitulada Dido y Eneas, un «pasticcio» formado en su mayoría a partir de
arias de óperas representadas en Milán y Nápoles antes de 1706 y que posiblemente fue compilado por
el entonces organista José de Torres.
Se sabe que la reina cultivó la música con dedicación, como muchos otros miembros de la nobleza de la
época. Tuvo como maestros al guitarrista Santiago de Murcia y al organista Diego Xaraba y Bruna, sobrino
de Pablo Bruna, «el ciego de Daroca». Como ejemplo de la música que pudo escuchar la reina de las
manos de su maestro Xaraba, hemos seleccionado una curiosa «Ydea buena por Alamire y Fuga» que
aparece recogida en el manuscrito Flores de música de Martín y Coll. María Luisa murió de tuberculosis en
1714, con solo 25 años, después de haber dado cuatro hijos a Felipe V, dos de los cuales (Luis I y Fernando
VI) llegarían a ser reyes de España. Sus restos descansan en la Cripta Real del Monasterio de El Escorial,
lejos de la tumba de su esposo, que prefirió enterrarse, junto a su segunda mujer, Isabel de Farnesio, en
La Granja de San Ildefonso de Segovia.

L'Apothéose nace en diciembre de 2015 como espacio de celebración, reflexión y experimentación para
sus componentes.
Desde sus orígenes, han querido llevar la interpretación histórica al nivel más alto, manteniendo unas
ideas claras y aunando todos sus conocimientos para hacer llegar al oyente el contenido emocional y
retórico propio de cada compositor. Reciben el reconocimiento del público en cada concierto por su
vigorosidad y expresión.
Han sido 2º premio en el “Förderpreis Alte Musik Saarland” de Saarbrücken, grupo seleccionado para
la “Van Wassenaer International Competition”, 2º premio en el “Concours International de Musique
L'Apothéose Ancienne de Val de Loire” y 1º premio, premio Bärenreiter y premio Eeemerging en la competición inter-
nacional “Göttingen Händel Competition” 2017.
Sus intérpretes cuentan con una sólida formación tanto clásica como historicista y han sido parte de
formaciones como la Capilla Real de Madrid, La Madrileña, Bachorkester Mainz, Insula Orchestra y la
Orquesta Nacional de España entre otras.
Como grupo, han recibido consejo de maestros como Jana Semerádová, Jaap ter Linden, Wilbert Hazel-
zet, Kristin von der Goltz, Richard Egarr, Jesper Christensen, Alberto Martínez o Guillermo Peñalver.
Su repertorio camerístico abarca desde el barroco temprano hasta el final del clasicismo, viajando por
todas las grandes naciones europeas y sus diferentes estilos.

76
 ´
67EDICION
N
INSTITUTO NACIONAL atural de la Vall d’Uixó
DE LAS ARTES ESCÉNICAS
Y DE LA MÚSICA (Castellón), Juan de la Ru-
Martes, 16
Jueves, 7 dedeagosto
agosto.– 20:30
21 h. –h.Casa
Iglesia
dedelasNuestra
Mareas Señora
– Soano.de la Asunción. bia es el organista titular
Torrelavega. de la Basílica de la Sagrada
LABORATORIO KLEM Familia de Barcelona y pro-
Juan de la Rubia, órgano fesor en la Esmuc (Escuela
Superior de Música de Catalunya).
Ha actuado en los principales escenarios
Programa de Europa, así como en América latina y
Johann Sebastian Bach Asia, con una acogida excelente del pú-
blico y la crítica. En los últimos años, su
• Fantasía y fuga en sol menor, BWV 542 actividad concertística ha sido incesante,
• Contrapunctus I –del Arte de la Fuga, BWV 1080- actuando en más de veinte paises y en
escenarios como el Auditorio Nacional
de Música de Madrid, el Palau de la Mú-
Felix Mendelssohn sica Catalana, la Konzerthaus de Berlín,
• Sonata op. 65 núm. 4 en si bemol mayor la Basílica de Saint Sulpice de París, la
Gewandhaus de Leipzig, las catedrales

de Colonia y Westminster (Londres), y
Philip Glass el teatro Mariinsky y la Philharmonia de
• Mad Rush San Petersburgo.
Ha tocado como solista con la Freiburger
Barockorchester, interpretando los con-
Charles- Marie Widor ciertos para órgano de Händel y cantatas
• Allegro cantábile y toccata de la sinfonía op. 42 núm. 5 de Bach, y como continuista y/o director
de diferentes formaciones instrumenta-
les y vocales de música antigua.
Juan de la Rubia Su disco dedicado a Johann Sebastian
• Improvisación Bach ha obtenido la distinción Meló-
mano de Oro, como “un trabajo que es
toda una revelación” (Alejo Palau, julio
2016). El diario ABC considera que se
En colaboración con: trata de “uno de los discos más bellos y sorprendentes del año” (Stefano Russomano, septiembre 2016).
Recientemente ha grabado su último disco dedicado a la música de Antonio de Cabezón en el claviórgano
Hauslaib del Museo de la Música de Barcelona, calificado por la revista Scherzo como “una experiencia
fascinante en todos los sentidos”.
Tras empezar los estudios musicales con su padre y Ricardo Pitarch, se forma como organista y pianista
en Valencia, Barcelona, Berlín y Toulouse, consiguiendo hasta cinco Premios Extraordinarios en diferentes
especialidades. Entre sus maestros se encuentran Óscar Candendo, Wolfgang Seifen, Michel Bouvard y
Montserrat Torrent, quien supuso un gran apoyo durante su formación. Igualmente ha recibido clases
magistrales, entre otros, de Olivier Latry y Ton Koopman.
Su repertorio abarca obras desde la Música Antigua hasta la actualidad. El máximo reconocimiento le
ha llegado en cuatro ámbitos: la música para teclado del Renacimiento y Barroco españoles, las grandes
obras del Romanticismo (incluyendo transcripciones de obras de Wagner y Brahms, de quien él mismo ha
transcrito íntegramente la Sinfonía nº1 en do menor, Op. 68).
Desde su primera grabación discográfica en 2003, ha publicado diez discos como solista. Abierto a otras
disciplinas artísticas, De la Rubia ha colaborado con personalidades de las artes escénicas como Lluís
Pasqual y Nacho Duato.
Juan de la Rubia Juan de la Rubia es uno de los intérpretes más galardonados de su generación. Entre los premios obteni-
dos destacan el del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España, que marcó un punto de
inflexión decisivo para su carrera musical, y el premio El Primer Palau, concedido por el Palau de la Música
Catalana. En 2012 fue nombrado miembro de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi.

77
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

L
as músicas de raíz como el
flamenco son un permanen-
Martes, 717dedeagosto
Viernes, agosto.– 21
22 h.h. –Jardines
Casa dedel lasPalacio
Mareasdel
– Soano.
Marqués de Albaicín. Noja. te crecimiento de nuevas ra-
Sábado, 18 de agosto. 21:30 h. Jardines del Palacio de Peñas Blancas. Miengo. mas a partir del tronco de las
LABORATORIO KLEM tradiciones, una constante
interacción entre lo nuevo y
Rocío Márquez, cante lo antiguo. Fahmi Alqhai y Rocío Márquez,
cada uno desde su punto en ese tronco
Accademia del Piacere eterno, entrelazan sus hojas musicales bus-
cando los puntos de unión de los cantes
Fahmi Alqhai, viola da gamba y dirección hoy vivos con sus orígenes, unos llegados a
Rami Alqhai, viola da gamba nosotros por la tradición oral y otros leídos
Agustín Diassera, percusión en viejos manuscritos: cantes flamencos
idos y venidos desde Andalucía al folklore
americano y de nuevo a Andalucía, pero
también chaconas y canarios que cruzaron
Diálogos de viejos y nuevos sones el Atlántico para quedar escritos en los pri-
• Mi son que trajo la mar. Cantes de ida y vuelta meros libros de guitarra española, allá por
el siglo XVII; cantos en ostinato del gran
• Bambera de Santa Teresa
Monteverdi junto a ancestrales seguiriyas,
• Nana. Sobre El cant dels ocells con su rueda de acordes –siempre idéntica
• La mañana de San Juan. Cante de Alosno a sí misma– venida de esa misma Italia del
Seicento; cantes de Alosno junto a cants
• Si dolce è'l tormento. Claudio Monteverdi (1567-1643)
del ocells...
• Canarios No es casual la confluencia de ambas tra-
• Aires de peteneras diciones: fue en la España del Barroco, tan
cerrada a Europa como abierta a América,
• Seguiriya
donde se amalgamó un estilo de peculiares
ritmos y armonías, comunes a la música
popular y la culta, que aún hoy reconoce-
mos en los más viejos cantes flamencos.
Pero para encender esas antiguas melodías ha de surgir una chispa entre unos artistas bien vivos, que hagan
suya esa música, como hacen hoy Márquez y Alqhai.

Rocío Márquez nació en Huelva en 1985. Aficionada al cante desde muy pequeña, a los nueve años comenzó
a asistir a clases de flamenco en la Peña Flamenca de su ciudad. Alrededor de esa misma edad se subió por
primera vez a un escenario y ganó varios concursos cantando fandangos de su tierra; al mismo tiempo empezó
a estudiar piano y canto.
Se trasladó a Sevilla a la edad de 15 años y allí combinó sus estudios regulares con una educación más específica
en el campo del flamenco. En 2005 se le concedió una beca en la prestigiosa Fundación Cristina Heeren donde
estudió junto a maestros de la talla de Paco Taranto o José de la Tomasa, entre otros. Se graduó en Educación
Musical por la Universidad de Sevilla en 2008, y en la misma Universidad realizó el master en Estudios avanzados
de flamenco: un análisis interdisciplinar. En la actualidad está trabajando en su tesis doctoral sobre la técnica
vocal en la historia del flamenco.
En el campo de la docencia ha sido además profesora en la Fundación Cristina Heeren, en el centro de Arte
y Flamenco de Sevilla (dirigido por Esperanza Fernández) y en Flamenco Abierto (dirigido por Andrés Marín).
Rocío Márquez Márquez también ha participado en multitud de conferencias y ponencias sobre flamenco en lugares como la
(© Martín Guerrero) Universidad de Verano de El Escorial.
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
En 2007 su carrera profesional despega definitivamente, haciéndose con los prestigiosos concursos de flamenco
DE RASINES DE SUANCES DE MIERA
de Alhaurín de la Torre, Calasparra, Marchena, Mijas o Jumilla. En 2008 Márquez gana el famoso concurso del
Cante de las Minas, consiguiendo el primer puesto en la categoría absoluta (Lámpara Minera) y en otras cuatro
Colaboran: categorías. Este palmarés sólo había sido igualado con anterioridad por el hoy consagrado cantaor y compositor
Miguel Poveda.
Desde este momento Márquez es requerida en festivales y teatros de todo el mundo. Entre otros, es invitada a
la Bienal de Flamenco de Sevilla, repite en el Festival de La Unión, viaja a Francia al Festival Les Suds (Arles) y el
mítico Olympia (París), actúa en la Ópera de Dusseldorf (Alemania), el Festival de Música Sacra de Fez (Marrue-
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE RIBAMONTÁN DE MIENGO DE NOJA cos) y participa en numerosos conciertos en Institutos Cervantes de los cinco continentes. En España ha actuado
AL MAR
con regularidad en lugares como El Teatro de La Zarzuela, Teatro Circo Price o Auditorio Nacional (todos ellos en
Madrid), Palau de la Música de Valencia o Teatro Isabel la Católica en Granada.
En 2009 publicaba su primer trabajo discográfico, Aquí y ahora (El séptimo sello, cd/dvd), seguido en 2012 de
Claridad (Universal Music Spain, junto al guitarrista Alfredo Lagos). Con este último disco Márquez recibe algu-
nos galardones de gran importancia, como el que reconoce a la Artista joven más destacada en la modalidad de
AYUNTAMIENTO
CASTRO URDIALES
AYUNTAMIENTO
DE SANTILLANA
cante, otorgado por la Confederación Andaluza de Peñas Flamencas (2012), o el Coups de coeur de l’Académie
DEL MAR
de Charles Cros (Francia, 2013). El año 2013 se cierra con el honor de inaugurar el ciclo Andalucía Flamenca en

78
 ´
67EDICION
el Auditorio Nacional de Madrid, en el que comparte protagonismo con Carmen Linares y Mayte Martín en el
espectáculo Tres generaciones flamencas.
En 2014 Rocío Márquez edita su trabajo más personal hasta la fecha, El Niño. En él rinde homenaje a uno de
sus espejos en el arte flamenco, el Maestro Pepe Marchena. Con una parte dedicada al cante clásico y otra en
la que Márquez da rienda suelta a su faceta como creadora inquieta en pleno siglo XXI (acordándose del gran
creador que fue el propio Marchena), El Niño combina un complejo entramado de referencias e investigaciones
musicológicas con una escucha absolutamente abierta y accesible a todos los públicos. Producido por Faustino
Núñez y Raül Fernandez Refree, en él han colaborado, entre otros, los guitarristas Pepe Habichuela, Manolo
Franco y Manuel Herrera; Raúl Rodríguez al tres, Niño de Elche al cante y segundas voces o el artista plástico
Pedro G. Romero.
Preguntada por sus referentes, Márquez cita a Don Antonio Chacón, La Niña de los Peines, Manuel Vallejo, El
Carbonerillo, Pepe Marchena, Juan el Africano, Gabriel Moreno, José de la Tomasa y Enrique Morente. En su
amplio espectro de intereses conviven pasión y conocimiento profundo de las formas más clásicas del arte jondo
con una inquietud por explorar y descubrir nuevas músicas y expresiones artísticas. Es una cantaora que domina
con soltura un rango extenso de palos flamencos pero que puede al mismo tiempo enfrentar repertorio clásico
español con probada solvencia. También se ha acercado al mundo de la improvisación libre con resultados
muy sólidos. Rocío Márquez es una artista en búsqueda constante y una capacidad de conexión con el público
extraordinaria.
Otros proyectos de la artista onubense incluyen su colaboración en la grabación de La vida breve (Manuel de
Falla) de la Orquesta Nacional de España bajo la dirección del Maestro Josep Pons (Deutsche Grammophon,
2014) y recitales de flamenco clásico junto a Pepe Habichuela, Manuel Herrera o Miguel Ángel Cortés. En 2015
Márquez giró en Francia como solista de El amor brujo (Manuel de Falla) junto a l’ l’Orchestre national d’îlle-de-
france dirigida por el maestro Enrique Mazzola (esta gira terminó con un recital en la recién inaugurada Philhar-
monie parisina); presentó también, con entradas agotadas, su proyecto Ritos y geografías para Federico García
Lorca en el Teatro Real de Madrid en torno a la figura de Federico García Lorca (parte de las actividades paralelas
al estreno mundial de la ópera de Mauricio Sotelo El público, basada en la obra homónima del propio Lorca): se
dijo de ella en el diario El País que “está empezando a marcar otra época”. Debutó en Londres como solista en
el prestigioso Shakespeare’s Globe Theatre con gran éxito de crítica y público, y en mayo de 2015 se subió al es-
cenario del prestigioso Festival Primavera Sound barcelonés para presentar El Niño, disco que también presentó
en el marco de la Suma Flamenca de Madrid. Clausuró con este mismo espectáculo el Festival Mas i Mas en el
histórico Palau de la Música de Barcelona. En 2016 obtuvo el Giraldillo a la innovación de la Bienal de Flamenco
de Sevilla por su nuevo espectáculo junto al violagambista Fahmi Alqhai Diálogos de viejos y nuevos sones. Ya
en 2017 Márquez ha sido distinguida con la Medalla de su Huelva natal, finaliza los detalles de su nuevo trabajo
discográfico para Universal Music, prepara la entrega de su tesis doctoral sobre técnica vocal en el flamenco y
colabora en directo en el nuevo proyecto del guitarrista Dani de Morón (con el que pisará las tablas del histórico
Teatro Maestranza sevillano). Rocío sigue además vinculada a múltiples proyectos solidarios y educacionales.

Fahmi Alqhai es hoy considerado uno de los más importantes intérpretes de viola da gamba del mundo, y
uno de los mayores renovadores de la interpretación de la música antigua, gracias a su concepción arriesgada,
personal y comunicativa del acercamiento a los repertorios históricos.
Nacido en Sevilla en 1976 de padre sirio y madre palestina, se formó en Sevilla y Suiza (Schola Cantorum Basi-
liensis y Conservatorio della Svizzera Italiana de Lugano) con los profesores Ventura Rico, Paolo Pandolfo y Vitto-
rio Ghielmi. Trabajó para conjuntos y directores de primer nivel (Jordi Savall, Ton Koopman, Pedro Memelsdorff,
Uri Caine...), mientras obtenía la licenciatura de Odontología por la Universidad de Sevilla.
Focalizada ya su carrera hacia su vertiente solista y su conjunto, Accademia del Piacere, Fahmi Alqhai ha dirigido
innovadoras grabaciones para Glossa (Rediscovering Spain, Cantar de Amor...) que han recibido importantes
reconocimientos a nivel mundial, incluso fuera del ámbito de las músicas históricas, como el Giraldillo a la Mejor
Música de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 por Las idas y las vueltas —su cuarto CD—, junto al cantaor
Arcángel, y el Giraldillo 2016 a la Innovación por Diálogos, junto a Rocío Márquez.
En 2014 Alqhai presenta su primer CD a solo, A piacere, cuya renovadora concepción de la viola da gamba
recibe una excelente acogida en toda Europa. Para la revista británica Gramophone es un disco "extraordinario"
que "lleva la viola da gamba a un nuevo terreno de gozoso potencial", y "un feliz tributo a todo lo que la viola
pudo haber sido, y puede aún ser". Con él gira por Japón y EEUU, tras haber dirigido a Accademia del Piacere en
las salas de concierto más importantes del mundo, como el Konzerthaus de Viena y el de Berlín, la nueva Elbphil-
Fahmi Alqhai
(© Javier Diaz de Luna) harmonie de Hamburgo, la Philharmonie de Colonia (Alemania), la Fundación Gulbenkian de Lisboa (Portugal),
el Auditorio Nacional de Madrid (España) y muchos otros escenarios de Holanda, México, Colombia, Suiza, Fran-
cia, Italia... En 2016 presenta su trabajo más personal como solista, The Bach Album para el sello Glossa, Premio INSTITUTO NACIONAL
GOBIERNO MINISTERIO
del Público al Mejor Disco 2016 para GEMA, Disco Excepcional para Scherzo y Melómano de Oro.
DE LAS ARTES ESCÉNICAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA Y DE LA MÚSICA
Y DEPORTE

Desde 2009 es director artístico del FeMÀS, Festival de Música Antigua de Sevilla.

MINISTERIO INSTITUTO NACIONAL

GOBIERNO DE LAS ARTES ESCÉNICAS
DE ESPAÑA DE CULTURA, CULTURA
Y DEPORTE
Y DE LA MÚSICA OBISPADO DE
SANTANDER
Joaquín Achúcarro

Joaquín Achúcarro
OBISPADO DE
SANTANDER

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 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

L
luís Casanova Martínez,
clarinetista becado por Ya-
Martes, 7 de
Domingo, 19 agosto
de agosto.
– 2120:30
h. – Casa
h. Iglesia
de lasde Mareas
San Julián
– Soano.
y Santa Basilisa. Isla. maha, acabó sus estudios
de grado superior en la
LABORATORIO
AIR DÚO KLEM ESMUC en el año 2016, en
el ámbito de interpretación
Lluis Casanova, clarinete clásica y contemporánea, siendo Josep
Marina Sierra, piano Fuster Martínez su profesor de instrumen-
to. Actualmente está cursando un máster
Grupo finalista del Concurso de Música de Cámara Ecoparque en interpretación en el conservatorio de
de Trasmiera Maastricht (Holanda) con Roeland Hen-
drikx. Paralelamente también realiza cla-
ses en Frankfurt con el clarinetista Jaan
Programa Bossier.
El verano de 2016 ha comenzado su ac-
Robert Schumann
tividad concertista como solista interpre-
• Drei Romanzen op.94 tando el concierto de Mozart con la Jo-
Francis Poulenc ven Orquesta de las Comarcas de Girona
(JOCG). Ha formado parte de diferentes
• Sonata para clarinete y piano
jóvenes orquestas a nivel de Cataluña
Witold Lutoslawski como la Joven Orquesta Nacional de Ca-
• Dance preludes taluña (JONC). En 2015 y 2016 ha for-
mado parte de la academia de la Mahler
Johannes Brahms
Chamber Orchestra (MCO), con la que
• Sonata para clarinete y piano op.120 n. 1 hizo una gira de conciertos por Alemania,
actuando en los auditorios de Colonia,
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE LA HERMANDAD DE RASINES DE SUANCES DE MIERA Essen y Dortmund, bajo la dirección de
DE CAMPOO DE SUSO
Daniel Harding. Actualmente colabora de
Colabora: forma habitual con la Orquesta Sinfónica Camera Musicae. También ha ganado la plaza de la academia de
la orquesta Phiharmonie Zuidnederland (Holanda) durante la temporada 2017/2018.Desde que comenzó
el grado superior en la ESMUC, ha colaborado en varias ocasiones con diferentes orquestas como Spira Mi-
rabilis (Italia), la Orquesta Nacional de Cataluña y Sinfónica de Barcelona (OBC), la Banda Municipal de Bar-
celona, con el Murtra Ensemble, con la Orquesta de Cámara del Penedès y con la Camerata Eduard Toldrà.
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO Actualmente trabaja en dosAYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO formaciones de AYUNTAMIENTO
música de cámara: el Metropolitan Clarinet Quartet y Air Duo.
DE ARNUERO DE COMILLAS DE RIBAMONTÁN DE MIENGO DE NOJA
Este último loALforma
MAR con la pianista Marina Sierra y ha sido recientemente galardonado con el segundo
premio en el XVI Concurso de Música de Cámara Ecoparque de Trasmiera.

Marina Sierra Ramos finalizó sus estudios de piano en Musikene bajo la dirección de Emmanuel Ferrer-La-
loë. Durante ese periodo – recibiendo los consejos de Ricardo Descalzo, Benedicte Palko o Maciej Pikulski,
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
entre otros – descubrió el gran interés
AYUNTAMIENTO
hacia la música de cámara. Asimismo, a lo largo de los años ha ido
AYUNTAMIENTO
DE COLINDRES DE SAN VICENTE
DE LA BARQUERA expandiendo su formación participando
DE CASTRO URDIALES
en numerosas masterclass con pianistas tales como Claudio Martí-
DE SANTILLANA
DEL MAR
nez-Mehner, Eldar Nebolsin, Solomon Mikowsky o Piotr Paleczny.
Su actividad concertística la ha llevado a diversas salas de los Países Bajos, Inglaterra, Francia, Italia y España,
presentándose como solista y en distintas agrupaciones: duo 2M –especializado en música contemporánea-
en el teatro Heerlen (Países Bajos), piano solo dentro del Festival “Mujeres en la música” (Getxo), trio Les Arts
Air Dúo en la Capilla La Nau (Valencia), etc. Por otro lado, ha sido pianista acompañante de tres músicos premiados
AYUNTAMIENTO
DE ESCALANTE
AYUNTAMIENTO
DE MAZCUERRAS en el concurso “Prinses Christina” celebrado en el año 2017.
Desde el año 2017 forma un dúo estable con el clarinetista Lluís Casanova Martínez, el cual ha sido re-
cientemente galardonado con el segundo premio en el XVI Concurso de Música de Cámara Ecoparque de
Trasmiera (2018).
Actualmente está terminando sus estudios de Master en la especialidad de piano acompañamiento en el
Conservatorio de Maastricht con Jeroen Riemsdijk y Henk Guittart. Es en el mismo centro en el que ejerce
como pianista repertorista dentro de la clase de los “Young Talent”.

80
 ´
67EDICION
E
n el presente documento
presentamos nuestro pro-
Martes,20
Lunes, 7 de agosto
agosto.–21
21h.h.Santuario
– Casa dede
lasNuestra
MareasSeñora
– Soano.
de Latas. Somo-Loredo. grama La Mvsica de los
Martes, 21 de agosto. 20 h. Castillo de San Vicente. Argüeso. Días, centrado en nues-
LABORATORIO KLEM tras músicas históricas y
ARS POLIPHONICA con particular empeño
en destacar nuestra mejor música, que
no es otra que la polifonía del Siglo de
Oro. En Ars Poliphonica nos planteamos
La música de los días este programa con la experiencia de más
de 25 años cantando polifonía con el
Escuela inglesa: máximo rigor estético y en su más pura
John Dunstable concepción estilística, mediante la más
auténtica propuesta que siempre supone
• Quam pulchra es el canto absolutamente a cappella y sola-
John Sheppard mente a uno o dos cantantes por voz. Es
• In pace in idipsum importante resaltar que Ars Poliphonica
mantiene en circulación otros programas
Thomas Tallis que recogen música de todas las épocas
• If ye love me y estilos, con una apuesta decidida por
la contemporánea e incluso el jazz/pop
Escuela franco-flamenca: vocal.
Alexander Agricola Nada hay más actual que la Música An-
tigua. La presente propuesta es un viaje
• Dulces exuviae en el que suenan músicas vocales que
Antoine Brumel tienen su epicentro en el contexto an-
• Sicut lilium cho y profundo de la música renacentis-
ta, en ese contexto que acoge tanto las
Noel Bauldeweyn manifestaciones de la música amatoria,
• Quam pulchra es madrigalística, como las expresiones de-
Pierre de la Rue sarrolladas, místicas, de una religiosidad
intensa y auténtica.
• Absalon, fili mi Ponemos el foco principal en la escuela
de polifonistas españoles desde el primer
Escuela española: momento hasta el de su consolidación
Francisco de Peñalosa como una nueva forma de hacer música,
• Versa est in luctum polifonía religiosa en su vertiente más
profunda, pero también profana, de una
Cristóbal de Morales riqueza desconocida hasta entonces, a
• Circumdederunt me través de la articulación de un corpus
Cristóbal de Morales compositivo que se ve entreverado de
las circunstancias biográficas que con-
• Parce mihi templan la consolidación del llamado Si-
Bartolomé de Escobedo glo de Oro español. Siglo de Oro, siglos
• Exsurge, quare obdormis, Domine? de oro, en todas las facetas artísticas.
Es en ese marco, donde la, increíble-
Tomás Luis de Victoria mente brillante, armada de polifonistas
• Taedet animam meam españoles tiene su despegue definitivo,
Tomás Luis de Victoria consolidándose muchos de ellos como
los más grandes del mundo en su época
• Gaude Maria virgo y posiblemente como los mayores expo-
nentes de la música española de todos
Escuela italiana: los tiempos.
Giovanni Pierluigi da Palestrina La memoria de nuestro Siglo de Oro en
• Veni, dilecte mi las otras facetas artísticas, no presenta
grandes fisuras, pero no ocurre lo mis-
Philippe Verdelot mo con la que es nuestra mejor música,
• O dolce nocte tradición sobre la cual se apoyan muchas
Carlo Gesualdo otras que crecieron a su sombra. La Mv-
sica de los Días es el resultado de muchos
• Ave, dulcissima Maria años de trabajo al servicio de la puesta
en valor de nuestro mayor patrimonio

81
 MIENTO
Ciclo MARCOS HISTÓRICOS
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
RMANDAD DE RASINES DE SUANCES DE MIERA
O DE SUSO

Colaboran: musical y de hacerlo llegar con el máximo rigor a todos los públicos. En particular, es la polifonía espa-
ñola, un conjunto tan monumental, tan deslumbrante, inserto en un sistema de producción tan bien
articulado, es tan variada y tan hermosa…, que le lleva a ser considerada como el mayor patrimonio de
nuestra historia musical, a pesar de que es la gran olvidada de las artes de la época en las tradicionales
revisiones históricas en nuestro país.
MIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTOAYUNTAMIENTO
MILLAS DE RIBAMONTÁN MIENGO
DE LA Si bien
HERMANDAD DE NOJA DEelRASINES
programa destaca
AYUNTAMIENTO
sobre todo
AYUNTAMIENTO
DE SUANCES nuestra
MIERA polifonía española, su puesta en contexto viene dada
AYUNTAMIENTO
DE
AL MAR DE CAMPOO DE SUSO
por la evolución de las principales escuelas polifónicas, algunas bastante alejadas en sus formas como
la polifonía inglesa (también en su siglo de oro). Así, se presentan también obras y autores claves de
las escuelas franco-flamenca, italiana e inglesa, que junto con la española (o quizás deberíamos decir la
ibérica) representan el culmen de la creación musical renacentista durante dos siglos. El legado de estas
nuevas formas es insuperable y se puede apreciar perfectamente a lo largo de toda la creación musical
MIENTO
VICENTE
AYUNTAMIENTO
DE CASTRO URDIALES
AYUNTAMIENTO
DE SANTILLANA
occidental hasta el día de hoy.
RQUERA DEL MAR
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE ARNUERO DE COMILLAS DE RIBAMONTÁN DE MIENGO DE NOJA
Ars Poliphonica
AL MAR es un conjunto vocal constituido en Santander en 1989, originalmente como grupo de
voces masculinas, cuyos componentes habían sido integrantes destacados de la mítica Escolanía Santo
Domingo Savio de Santander.
Desde un primer momento se ocupan de la interpretación de polifonía renacentista. Más tarde, profundi-
MIENTO
zan en otras vías de la interpretación histórica y en las ricas posibilidades de la contemporaneidad. Hoy, y
UERRAS
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
tras una constante renovación,
AYUNTAMIENTO
Ars Poliphonica mantiene un grupo de músicos con una gran experiencia
AYUNTAMIENTO
DE COLINDRES DE SAN VICENTE
DE LA BARQUERA enDEelCASTRO
campoURDIALES
vocal, y que evoluciona continuamente para poder ofrecer los mejores niveles interpretativos
DE SANTILLANA
DEL MAR
desde la más absoluta independencia y con la máxima exigencia artística.
Ars Poliphonica Han actuado en importantes escenarios de España y Europa; (Chiesa Nuova, Colegio Español, Capilla de
Monserrat, Universidad Pontificia Salesiana y Plaza de España) en Ciudad del Vaticano y Roma, en Dublín
(The Point), Munich (Philharmonie), Frankfurt (Alte Oper), Stuttgart (Liederhalle), Hamburgo (Musikhalle),
Colonia (Philharmonie), Viena (Austria Center), Friburgo (Iglesia de Sta. Bárbara y Catedral), París (Palais
AYUNTAMIENTO
DE ESCALANTE
AYUNTAMIENTO
DE MAZCUERRAS de Congres), Riva del Garda (Santa Maria Assumpta), Oviedo (Teatro Campoamor), Bilbao (Teatro Arriaga),
San Sebastián (Teatro Victoria Eugenia), Santander (Plaza porticada, Palacio de Festivales y otros muchos
escenarios, dentro de la programación del Festival Internacional de Santander), etc.
Han cantado como grupo, o individualmente o junto a otras formaciones, con ensambles y orquestas
de reconocido prestigio y con grandes directores, como por ejemplo en estos últimos años: The Hilliard
Ensemble, Peter Phillips (Tallis Scholars), David Skinner, Alamire, Paolo da Col (Odecathon), New York
Polyphony, Gothic Voices, Stile Antico, David Martin (Ensemble Plus Ultra). También con otras grandes
voces del panorama nacional e internacional, como José Carreras, Carlos Álvarez, José Bros, Simón Estes,
Cristina Gallardo-Domas, David Azurza, Luis Lima, Aquiles Machado, María José Moreno, Ruggiero Rai-
mondi, Isabel Rey, Leontina Vaduva, o James Valenti por citar algunos. A lo largo de todos estos años han
recibido numerosos reconocimientos nacionales e internacionales.
Recientemente recuperan de forma prácticamente absoluta, incluso estrenan, las obras que escribió José
Ignacio Prieto (1900–1980) para voces graves. Un importante número de obras decisivas para entender
con una adecuada perspectiva el valor de su música. La figura de José I. Prieto es clave para entender
la evolución estilística de la modernidad musical española en el siglo XX. Se inició el proyecto con la
búsqueda y recuperación de partituras y la edición de libreto y grabación del disco Novissima (en 2012)
por parte del grupo, que se constituye ya en sí mismo como un importante documento sonoro de gran
interés patrimonial y musicológico. Se continuó en una segunda fase con una gira nacional de cerca de
20 conciertos (2013), afianzando una seña de identidad propia, de Cantabria y de España, siempre con-
siderada la recuperación de este patrimonio musical moderno español como un acercamiento estético
exigente y profundo.
Posteriormente llevaron a cabo la grabación y edición de su anteúltimo trabajo discográfico, Perpetuum
mobile, un conjunto de diálogos estéticos entre la tradición y la contemporaneidad musical, mediante la
búsqueda de las afinidades estéticas en la interpretación de esta música, lo que constituye un ejercicio
de refinamiento cultural, pero a la vez supone la puesta en evidencia de las razones más auténticas por
las que podemos guiarnos a la hora de abordar la tarea de defensa de las obras musicales atendiendo a
perspectivas culturales y simbólicas rigurosas. Es en sí mismo también un viaje permanente por la música
desde el renacimiento hasta el más actual jazz/pop vocal.
En los últimos años han tenido el privilegio de ser seleccionados para trabajar, en extensas sesiones de
clases magistrales y conciertos, con algunas de las más grandes personalidades mundiales en la música
vocal, como son Peter Phillips (The Tallis Scholars), The Hilliard Ensemble, David Skinner (Alamire), New York
Polyphony, Alamire, Paolo da Col (Odecathon), Gothic Voices, Stile Antico y David Martin (Ensemble Plus
Ultra), recibiendo importantes elogios tanto del público como de los propios maestros.
Entre 2015 y 2017 han llevado programas de polifonía renacentista y músicas de evolución en la tradición
occidental sobre el nombre genérico de “La Mvsica de los Días”, por toda España, recogiendo toda esta
música en dos trabajos discográficos, al tiempo que las vivencias de un grupo tan especial preparando e
interpretando esta música en un interesante documental de una hora de duración.

82
 OBISPADO DE
SANTANDER

´
67EDICION
Durante su ya dilatada trayectoria, los comentarios de la crítica especializada han sido unánimes al valorar
su música, con expresiones tales como: “…verdadero amor al canto”, “una sofisticada magia vocal en inter-
pretaciones maestras”, “...deliciosa musicatessen a cappella...”, “...a través de un esforzado elitismo vocal”,
“...música infinita y eterna, Novissima, está más allá de las modas”, "Ars Poliphonica llega siempre directo
al corazón, sin atajos; es una música sincera, pura, desnuda, sin artificios; alimento del alma sin colorantes
ni edulcorantes,...”, “...diríamos (en palabras de Fray Luis) el aire se serena y viste de hermosura y luz no
usada…”, “...amazing sensual sound and vowel colour...”, “...perfect breath and shared complicity with a
superb and very elegant singing,” etc.
Con todo, seguramente lo que más caracteriza la labor musical de Ars Poliphonica es su atención a los
latidos de la música viva.

Martes, 21
7 dedeagosto
agosto.
– 21
20:30
h. –h.Casa
Iglesia
de de
las Santa
MareasMaria
– Soano.
de la Asunción. Laredo. En colaboración con:

LABORATORIO KLEM
Esteban Elizondo, órgano

Programa
Domenico Zipoli
• Tres piezas
Francisco Correa de Arauxo
• Quinto tiento de tiple de séptimo tono
Juan Bautista Cabanilles
• Corrente italiana
Giovanni Morandi
• Tema con variazioni
Jesús Guridi
• Ofertorio en la menor
Tomás de Elduayen
• Tres Saetas
Eduardo Torres
• Berceuse
Eduardo Torres
• Impresión teresiana
Tomás Garbizu
• Toccata con diapente

83
 Ciclo MARCOS HISTÓRICOS

L
Las tres sonatas con clave
obligado que han llegado
Martes, 7 de
Miércoles, 22agosto
de agosto.
– 21 21
h. –h.Casa
Palaciode de
las Sobrellano.
Mareas – Soano. Comillas. hasta nosotros atestiguan
el interés de Bach por la
LABORATORIO
Ventura Rico, viola
KLEM da gamba viola da gamba, entre la
Alfonso Sebastián, clave «multitud de obras instru-
mentales de todo tipo y para todo tipo
de instrumentos», –como se menciona
Johann Sebastian Bach en su obituario–. Es ese un vasto corpus
Las sonatas para viola da gamba y clave manuscrito, en gran parte desaparecido
en la actualidad.
• Sonata I en sol mayor, BWV 1027 La ausencia de fuentes hace imposi-
• Sonata II en re mayor, BWV 1028 ble conocer con exactitud las fechas de
• Suite francesa III en si menor, BWV 814 composición de estas sonatas. Las obras
están repartidas en manuscritos diversos:
• Sonata III en sol menor, BWV 1029 autógrafos de partichelas en el caso de la
AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO
DE LA HERMANDAD
DE CAMPOO DE SUSO
DE RASINES DE SUANCES DE MIERA Sonata en sol mayor (BWV 1027), copia
póstuma en el de la Sonata en re mayor
Colabora: (BWV 1028), partes separadas probablemente autógrafas, pero desaparecidas en el siglo XIX, en el caso
de la Sonata en sol menor (BWV 1029). Todo ello apunta a que estas tres sonatas nunca constituyeron un
conjunto ordenado, a diferencia de otros ciclos para clave, violín o violonchelo.
¿Compuso Bach alguna de las sonatas en Cöthen, un período (1717-1723) particularmente fértil para la
música instrumental (Conciertos de Brandeburgo, sonatas y partitas para violín, suites para violonchelo solo,
MIENTO
UERO
AYUNTAMIENTO
DE COMILLAS
AYUNTAMIENTO
DE RIBAMONTÁN
suites francesas e AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO
DE MIENGO
inglesas
DE NOJA
para clave)? En ese momento trabajó codo con codo con el famoso violagam-
AL MAR
bista Christian Ferdinand Abel, con quien le unían vínculos de amistad, y su patrono y protector, el príncipe
Leopoldo, era también un gran amante de la viola. Ambos podrían haber sido los afortunados destinatarios
de estas sonatas. ¿O acaso datan estas tres obras de la década de 1730, cuando Bach estaba en Leipzig al
frente del Collegium musicum (1729-1741)? Algunos rasgos estilísticos, como la escritura casi galante del
tema cantabile del tercer movimiento de la Sonata en sol menor, o la necesidad de una viola de siete cuerdas
MIENTO AYUNTAMIENTO AYUNTAMIENTO en la Sonata en re mayor, apuntan a esta segunda hipótesis. De hecho, y al margen de su actividad como
AYUNTAMIENTO
NDRES DE SAN VICENTE DE CASTRO URDIALES DE SANTILLANA
DE LA BARQUERA cantor enDELla iglesia
MAR de Santo Tomás, Bach consagra muchas energías a la música instrumental, encargado de

Ventura Rico / Alfonso Sebastián dirigir el Collegium musicum, que congrega a músicos aficionados y profesionales, así como estudiantes uni-
versitarios: un concierto semanal en el Café Zimmerman los viernes por la tarde-noche, a los que se añaden
otros conciertos los martes y viernes con ocasión de los mercados de primavera y otoño. Allí se puede escu-
char una amplia gama de instrumentos, desde música instrumental solista hasta repertorio orquestal, música
de cámara, cantatas profanas (de Bach y otros compositores como Handel, Locatelli, Porpora o Telemann,
MIENTO AYUNTAMIENTO
LANTE DE MAZCUERRAS fundador del Collegium en 1701). Gran parte de la obra instrumental de Bach data de ese período: diversas
sonatas para violín o flauta y bajo continuo, conciertos para uno o dos violines, para uno, dos, tres o cuatro
claves, suites para orquesta… Las sonatas de viola y el magnífico solo «Komm süsses Kreuz» de la Pasión
según San Mateo quizá pudieron haber sido escritas para Carl Friedrich Abel, hijo de Christian Ferdinand,
también virtuoso gambista y alumno de Bach en Leipzig.
Las sonatas para viola da gamba de Bach se inscriben en una larga tradición camerística germánica, zona en
la que este instrumento gozaba de cierto favor. En la segunda mitad del siglo XVII se compusieron muchas
sonatas en trío o cuarteto con partes expresas para viola da gamba: desde luego, Bach estaba familiarizado
con las obras de los hamburgueses Dietrich Becker y Johann Adam Reincken, con las colecciones de Dietrich
Buxtehude (publicadas en 1694 y 1696), cuya música admiraba, o con las muchas piezas de Georg Philip
Telemann, que incluyó la viola en su repertorio.
Las tres sonatas de Bach se cuentan también entre los modelos de un género en pleno desarrollo, el de la
sonata para instrumento solista y clave «obligado», que confiere al teclado un verdadero papel de solista
(el título que figura en el autógrafo del BWV 1027, Sonata a Cembalo è Viola da Gamba, subraya la impor-
tancia del clave, emancipado de su habitual función de acompañamiento, como posteriormente sucederá
también en algunas sonatas de la órbita berlinesa (Christoph Schaffrath o Carl Philipp Emanuel Bach): la
parte del clavicémbalo está escrita en su totalidad, a diferencia de una línea de bajo continuo, en la que solo
se proporciona al clavecinista la línea de bajo y el cifrado de algunos acordes.
Las sonatas BWV 1027 y 1028 adoptan la forma de sonatas da chiesa, en cuatro movimientos, alternando
secciones lentas con amplios movimientos en tempo allegro. Adaptación de un trío para dos flautas y bajo
continuo (BWV 1039), la primera de ellas es un diálogo entre la viola y el clave que reúne las partes de la
flauta I (mano derecha) y el bajo continuo (mano izquierda) en una escritura eminentemente imitativa; el
último movimiento es una auténtica fuga, en la que el «sujeto», expuesto por el clave en los primeros com-
pases, es inmediatamente retomado por la viola y luego por la parte grave del clave, para reaparecer luego
varias veces en uno u otro instrumento. En la sonata BWV 1028, el clavicémbalo abandona puntualmente su
papel concertante, en momentos en que una línea de bajo cifrado reemplaza la escritura a dos voces, para
sostener mejor el tema expresivo expuesto a la viola, en un Andante particularmente conmovedor, en si me-
nor, tonalidad «extravagante, morosa y melancólica» (según Mattheson) que Bach reserva para la expresión

84
 GOBIERNO
DE ESPAÑA
MINISTERIO
DE CULTURA, CULTURA
´
67EDICION INSTITUTO NACIONAL
DE LAS ARTES ESCÉNICAS
Y DE LA MÚSICA
Y DEPORTE

de la melancolía, el sufrimiento y la aflicción. Esta «deploración intensa y contenida que parece transcrita
de alguna aria de pasión» va seguida de un Allegro desenfrenado, cuya gran cadencia final, en un estilo
improvisado de escritura, nos recuerda poderosamente las secciones libres de las toccatas de clavicémbalo o
las cadencias de un concierto para solista.
La construcción de la Sonata en sol menor (BWV 1029) es bien diferente: su estructura en tres movimientos
se asemeja a la de una sonata auf Concertenart, en estilo concertante. Se abre con un Vivace cuyo material
OBISPADO DE
temático, de corte vivaldiano, recuerda al del tercer Concierto de Brandeburgo. El Adagio central despliega
SANTANDER
amplias líneas melódicas en la viola, adornadas a la manera italiana, sobre una parte de clave que evoca
una sarabande a la francesa, ingenioso modo de reunir ambos caracteres nacionales, que Bach aprecia
desde hace tiempo. De igual modo, el Allegro final combina la escritura de una vivaz fuga a la italiana con
momentos cantabile de estilo galante, que pronto se dejan arrastrar por la energía inherente al movimiento.

Martes, 710dey agosto

Viernes, sábado,– 11
21 de
h. –Agosto.
Casa de21,30
las Mareas
h. Palacio
– Soano.
de Hualle. Treceño. Colaboran:

LABORATORIO
X Noches LíricasKLEM
del Palacio de Hualle
IL SEGRETO DI SUSSANA
De Ermanno Wolf-Ferrari y libreto de Enrico Golisciani

Se estrenó en el Hoftheater de Múnich el 4 de diciembre

Madrid
de 1909

Rita Cosentino, dirección de escena

Miguel Huertas, dirección musical

clásica
85
86
 PROGRAMA
CRONOLOGICO

87
 PROGRAMA CRONOLÓGICO

Miércoles, 1 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

ORQUESTA SINFÓNICA DE RADIOTELEVISIÓN ESPAÑOLA
MIGUEL ÁNGEL GÓMEZ MARTÍNEZ, director
BARRY DOUGLAS, piano...............................................................................................................pág 4

Jueves, 2 Santuario de La Bien Aparecida, 20:15 h

ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA
Carlos Mena, contratenor
Andoni Mercero, concertino-director..........................................................................................pág 58

Viernes, 3 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 19 h

XVIII Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea
ORQUESTA SINFONICA DE RADIOTELEVISIÓN ESPAÑOLA
MIGUEL ÁNGEL GÓMEZ MARTÍNEZ, director
FINAL I..........................................................................................................................................pág 14

Viernes, 3 Noja. Iglesia de San Pedro, 21:30 h

ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA
Carlos Mena, contratenor
Andoni Mercero, concertino-director..........................................................................................pág 58

Sábado, 4 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 19 h

XVIII Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea
ORQUESTA SINFONICA DE RADIOTELEVISIÓN ESPAÑOLA
MIGUEL ÁNGEL GÓMEZ MARTÍNEZ, director
FINAL II.........................................................................................................................................pág 14

Sábado, 4 Herrera de Ibio. Iglesia de Santo Domingo, 21 h

LINA TUR y ENRICO ONOFRI, violínes.........................................................................................pág 59

Domingo, 5 Rasines. Parque de la cueva del Valle, 21 h

MBIRA DÚO, percusión................................................................................................................pág 62

Lunes, 6 Palacio de la Magdalena. Paraninfo de caballerizas, 20:30 h

SAX ENSEMBLE...........................................................................................................................pág 44


Lunes, 6 Suances. El Torco, fuerte antiguo 21:30 h
MBIRA DÚO, percusión................................................................................................................pág 62

Martes, 7 Palacio de Festivales. Sala Pereda, 20:30 h

Proyección de El esfuerzo y el ánimo ........................................................................................pág 56

Martes, 7 Soano. Casa de las Mareas, 21 h

LABORATORIO KLEM
Trasmutare....................................................................................................................................pág 46

Miércoles, 8 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

BÉJART BALLET LAUSANNE
Syncope / Un cygne d’autrefois se souvient que c’est lu / Altenberg Lieder / Bolero........................pág 18

Miércoles, 8 Colindres. Iglesia de San Juan, 21 h

Jueves, 9 San Vicente de la Barquera. Iglesia de Santa María de los Ángeles, 21 h
ÍMPETUS, conjunto barroco..........................................................................................................pág 64

Jueves, 9 Santander. Iglesia Santa Lucía , 21 h

LORETO ARAMENDI, órgano......................................................................................................pág 67

88
 ´
67EDICION
Viernes, 10 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h
MARÍA PAGÉS COMPAÑÍA
Una oda al tiempo .......................................................................................................................pág 21

Viernes, 10
Sábado, 11 Treceño. Palacio de Hualle 21h
IL SEGRETO DI SUSANNA, de Ermanno Wolf-Ferrari....................................................................pág 85

Sábado, 11 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

AKADEMIE FÜR ALTE MUSIK BERLIN
Isabelle Faust, violín....................................................................................................................pág 20

Sábado, 11 Castro Urdiales. Iglesia de Santa María, 22 h

CAPELLA DE MINISTRERS
Mapamundo ................................................................................................................................pág 68

Domingo, 12 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

JOVEN ORQUESTA SINFÓNICA DE CANTABRIA
ENRIQUE GARCIA ASENSIO, director..........................................................................................pág 40

Domingo, 12 Santillana del Mar. Claustro de la Colegiata de Santa Juliana, 22 h
CAPELLA DE MINISTRERS
Mapamundo.................................................................................................................................pág 68

Lunes, 13 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

EUROPA GALANTE
FABIO BIONDI, director................................................................................................................pág 28

Lunes, 13 Isla. Iglesia de San Julián y Santa Basilisa, 20:30 h

LA GUIRLANDE...........................................................................................................................pág 72

Martes, 14 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

LONDON SYMPHONY ORCHESTRA
SIMON RATTLE, director................................................................................................................pág 6

Martes, 14 Miera. Iglesia de Santa María de la Asunción, 20 h

LA GUIRLANDE...........................................................................................................................pág 72

Miércoles, 15 Palacio de Festivales. Sala Pereda, 12 h

Proyección Rythm is it!................................................................................................................pág 56

Miércoles, 15 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

LONDON SYMPHONY ORCHESTRA
SIMON RATTLE, director................................................................................................................pág 7

Miércoles, 15 Escalante. Iglesia de la Santa Cruz, 21 h

L’APOTHÉOSE..............................................................................................................................pág 75

Jueves, 16 Santuario de La Bien Aparecida. 20:15 h

L’APOTHÉOSE..............................................................................................................................pág 75

Jueves, 16 Torrelavega. Iglesia Nuestra Señora de La Asunción, 20:30 h

JUAN DE LA RUBIA, organista.....................................................................................................pág 77

Viernes, 17 Palacio de Festivales. Sala Pereda, 19 h

Compañía La Maquiné EL BOSQUE DE GRIMM (familiar).........................................................pág 50

89
 PROGRAMA CRONOLÓGICO

Viernes, 17 Noja. Jardines del Marqués de Albaicín, 22 h

ROCIO MARQUEZ, cantaora
ACCADEMIA DEL PIACERE.........................................................................................................pág 78

Sábado, 18 Palacio de Festivales. Sala Pereda, 12 h
Proyección de Maestro Achúcarro...............................................................................................pág 56

Sábado, 18 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

JOAQUIN ACHÚCARRO, piano...................................................................................................pág 34

Sábado, 18 Miengo. Jardines del Palacio Peñas Blancas, 21:30 h

ROCÍO MÁRQUEZ, cantaora
ACCADEMIA DEL PIACERE.........................................................................................................pág 78

Domingo, 19 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

ORCHESTRA OF THE AGE OF ENLIGHTENMENT
KATHERINE WATSON, soprano...................................................................................................pág 30

Domingo, 19 Isla. Iglesia de San Julián y Santa Basilisa, 20:30 h

AIR DÚO, piano y clarinete...........................................................................................................pág 80


Lunes, 20 Somo-Loredo, Santuario de Ntra Señora de Latas, 21 h
ARS POLIPHONICA
La Mvsica de los Días..................................................................................................................pág 81

Martes, 21 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

NDR ELBPHILHARMONIE ORCHESTRA
KRZYSTOF URBANSKI, director
CHRISTIAN GERHAHER, barítono..................................................................................................pág 8

Martes, 21 Argüeso, Castillo de San Vicente, 20 h

ARS POLIPHONICA
La Mvsica de los Días.................................................................................................................... pág 81

Martes, 21 Laredo. Iglesia de Santa María de la Asunción, 20:30 h

ESTEBAN ELIZONDO, órgano .....................................................................................................pág 83

Miércoles, 22 Palacio de Festivales. Sala Pereda, 19 h

Compañía Etcétera PEDRO Y EL LOBO (familiar).......................................................................pág 52

Miércoles, 22 Comillas. Palacio de Sobrellano, 21 h

VENTURA RICO, viola da gamba
ALFONSO SEBASTIÁN, clave.......................................................................................................pág 84

Jueves, 23 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

ROTTERDAMS PHILHARMONISCH ORKEST
YANNICK NÉZET-SÉGUIN, director
YEFIM BRONFMAN, piano..........................................................................................................pág 10

Viernes, 24 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

KATIA Y MARIELLE LABÈQUE, pianos
Centenario Leonard Bernstein.......................................................................................................pág 36

Sábado, 25 Palacio de Festivales. Sala Argenta, 20:30 h

BUDAPEST FESTIVAL ORCHESTRA
IVAN FISCHER, director................................................................................................................pág 12

90
 ´
67EDICION
INSTITUCIONES

PATROCINADORES

COLABORADORES

OBISPADO DE
SANTANDER

ASOCIACIÓN LÍRICA
PALACIO DE HUALLE

AYUNTAMIENTOS DE: Arnuero / Hermandad de Campoo de Suso / Castro Urdiales / Colindres / Comillas / Escalante / Miengo / Miera / Noja
Rasines / Ribamontán al Mar / Santillana del Mar / San Vicente de la Barquera / Suances y el Santuario de La Bien Aparecida

91
Calle Gamazo, s/n. 39004 SANTANDER
Tel. 942 210 508
prensa@festivalsantander.com
www.festivalsantander.com

Festivalinternacionalsantander

@FestSantander

@Festsantander

FestivaldeSantander