Notas acerca de la

improvisacion en jazz
Escrito por Chenquintero el 16-07-2014 en Jazz. Comentarios (0)

Para mi, el proceso de tocar jazz ha sido un gran viaje lleno de altibajos, dudas, situaciones incomodas, frustración, alegrías,
pequeños y grandes pasos, a veces obscuridad y a veces luz.
Yo he sido autodidacta, nunca tuve la posibilidad de ir a Bercklee o nort Texas, entonces trabajo con lo que encuentro, discos,
master classes, libros (usualmente fotocopias), vídeos, con información que a veces parece chisme en lugar de conocimiento.

Tengo tocando instrumentos desde que recuerdo, y lo que mas me gusta es improvisar, lo hice siempre, sin saber qué es lo que era,
solo tocaba lo que mis dedos querían tocar y mi oído escuchaba, a veces bonito, a veces feo, pero siempre lo hacia, aun lo hago.

Hace años me invite solo a tocar a una banda de jazz, me invite solo porque tenía muchas ganas de tocar eso que escuchaba. Lo
que ellos tocaban era algo que yo tenía en la cabeza y no sabia como se llamaba ni que era pero era una urgencia interna, así que
me invite. Era la "Guanatos Brass Band". Una banda de metales al estilo Nueva Orleans dirigida por el saxofonista Klaus Mayer. Yo
iba todas las semanas a verlos y escucharlos, llevaba una grabadora y grababa todos los conciertos, que muchas veces eran para
mi y otras 3 personas, me guardaba lo grabado y lo ponía muchas veces en mi casa, lo tocaba y soñaba con poder llegar a tocar de
esa manera. Una vez me arme de valor y le dije a Klaus: "pues... Veo que no tienen Sax alto (era lo que tocaba en aquel entonces),
y... Yo toco el Sax alto... Crees que podría tocar con ustedes?" El me contesto con acento algo chistoso (Klaus es austriaco): "Ven a
un ensayo y vemos". Casi estallo de alegría y me fui a casa a repasar todas las rolas que tenía grabadas.
Llegue al ensayo y estudiamos "Cissy Strut", y Klaus me dijo: "caele mañana a la tocada". Yo estaba nervioso, ¡tuvimos un ensayo
de una rola y yo iba a tocar con ellos! En realidad ya me sabia las rolas, o eso creía yo, y las tocaba feo pero ahí estaba. Así
comenzó todo.

Durante estos años he conocido mucha gente maravillosa, he tomado muchas clases llenas de sabiduría y he tenido mucha suerte.
Así que me dispuse a escribir un poco de lo que he aprendido acerca de la improvisación en la música de jazz.

Comencemos por saber que es el jazz. Buscando definiciones encontré esta que me parece adecuada por lo histórico: "El jazz es
una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La
instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la
producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los
afroamericanos." Esto, desde lo teórico y académico, me parece adecuado pero no estoy enteramente satisfecho. Para mi el jazz es
solo una manera de hacer música. No puede ser un genero, no puede ser una cosa de cierta raza o cierto tiempo. Es solo una
manera de hacer, sentir, pensar, comunicar la música.

Lo que mas me apasiona es la improvisación. Es un proceso de creación al momento, donde a diferencia de las piezas escritas en
las que puede tomar meses crear un minuto de música, un minuto de música transcurre en un minuto de tiempo. Esto requiere
muchos procesos mentales, muchas horas, días, años de estudio, pero sucede en un instante.

Para hablar de esto quisiera separar los procesos, hablemos primero de lo abstracto para abordar lo técnico con objetivos claros.

La música como lenguaje.

La música en general es un proceso artístico, donde se transmiten sentimientos e impresiones a las personas que lo escuchan. La
transición de esos sentimientos e impresiones es un proceso de comunicación. La comunicación requiere un emisor (en este caso el
músico o la banda), un mensaje (la música) un receptor (el publico) y un espacio físico o virtual.

Imaginemos una banda de jazz tocando un tema, Tenor Madness de Sonny Rollins por ejemplo. Imaginemos ahora que todo esto
es una discusión en una mesa redonda. Cada uno de los músicos será un ponente y en la mesa se discutirá acerca de "las sillas"
(que es el tema, tenor madness en este caso). Todos dentro de un espacio físico, digamos un salón, esto representará la armonía
dada, la progresión armónica del tema.

Primero todos se toman de los brazos y dicen "Hoy hablaremos acerca de las sillas", o sea, entre todos tocan el tema.

El primero en tomar la palabra es el saxofonista, el dice: "las sillas son un utensilio que tiene 4 patas y se usa para sentarse. Me
gustan las sillas." Todos acierten con la cabeza. Eso es todo lo que sabe y todo lo que siente acerca de las sillas.

Luego toma la palabra el pianista; "las sillas fueron inventadas durante la época de las cavernas por la necesidad del hombre de
descansar, fueron evolucionando como una verdadera obra de arte y una de las máximas expresiones del diseño... Hablando de
diseño, en Francia durante los 50's comienza una corriente de diseño con tales o cuales características (comienza a salirse del
tema) y esta incluía en sus productos finales la sillas de tal o cual forma (vuelve al tema)" y así sigue su discurso.

Luego el trompetista grita desde su lugar "¡PINCHES SILLAS LAS ODIO!" y el baterista le pregunta porqué es que las odia, "esque
una vez me senté en una de plastico y se rompió porque soy gordito y me caí" el baterista se ríe de el, "no te rías", dice el
trompetista, "les voy a contar de la vez que fuimos al mar y te andabas ahogando (comienza a salir del tema), te acuerdas que
estaba haciendo mucho calor (se sale del salón por la puerta, o sea se sale de la armonía) estábamos ahí en la playa y te aventé al
agua, casi te ahogas y cuando te saliste fuiste a sentarte en una de esas sillas (vuelve al tema).

Al final se vuelven todos a tomar de los brazos y dicen: "Nosotros hablamos acerca de las sillas".

Así el jazz es un discurso conjunto en donde participan todos los músicos para crear un mensaje dirigido a un publico.

El mensaje es muy subjetivo, como lo es todo en el arte, pero es muy importante tener la intensión de transmitir pensamientos,
sentimientos, etc, ayudar a que el publico tenga una impresión acerca de lo que estas comunicando.

El lenguaje del jazz.

Los músicos que improvisan utilizan para este proceso unas partes de la corteza cerebral ubicadas en el hemisferio dominante
(comúnmente el izquierdo) llamadas área de Broca y área de Wernicke. Estas zonas del cerebro están asociadas con la
comunicación humana, con la capacidad de responder de forma coherente a los estim auditivos, visuales y sensitivos del lenguaje.

El lenguaje musical de cada individuo, como en cualquier idioma, tiene que ver con su cultura, su nivel de conocimientos, las cosas
que conoce y escucha, los lugares donde se desarrolla y la gente con quien convive, entre muchas otras cosas.

Una vez me dijo Jonh Ellis, un saxofonista tenor "ahora enseñan el jazz con mucha teoría y los alumnos tienen demasiada prisa por
encontrar su propio lenguaje, no se dan cuenta que el lenguaje esta en la historia, en aquellos que crearon el lenguaje (...) el jazz se
debe aprender como los niños aprender a hablar".

Las necesidades primarias nos obligan a comunicar, los bebes lloran cuando tienen hambre, cuando tienen frío, calor, sed, pipí,
popo, se sienten solos, etc., pasa el tiempo y aprenden a imitar palabras que escuchan de sus padres y las comienzan a usar en
favor de satisfacer esas necesidades, mama, agua, papa, pipí, y conforme van creciendo conocen mas palabras, forman frases,
internalizan la gramática, se comunican de manera efectiva con el mundo que los rodea.

"No aprender vocabulario de la gente que toco antes que nosotros y creó el genero para conseguir nuestra propia voz, es tan
absurdo como no hablarle nunca a un niño para que aprenda hablar como a el se le ocurra..." concluía Jonh Ellis.

Para formar un discurso coherente debemos conocer primero las letras, luego formar palabras, luego frases, así después
llegaremos a un discurso solido.

Desde lo técnico esto significa conocer el instrumento, estudiar escalas, escuchar a los grandes improvisadores, imitarlos,
adentrarse en el análisis de sus discursos, es un gran proceso. Pero no debemos tener miedo a decir lo que tenemos dentro, día a
día, igual que un niño, debemos hablar con las palabras que conocemos y aprender cada día mas palabras nuevas para usar en
nuestro lenguaje.

"La música está en la música" Alejandro Piaztro.

Dijo Bill Evans en una entrevista que no se trataba de ser virtuoso, sino de ser honesto. "Debes dejar que el espíritu de la música
universal hable a través de ti (...) conforme mejoren tus habilidades la música te usara más y mejor como mensajero."

A los que tocamos jazz nos entra una necesidad extraña de tocar cosas difíciles, de hacer jazz para los músicos, "tus compañeros
músicos muchas veces son el peor publico" dijo Gary Burton, "debes tocar para el publico, hacerlos que te sigan (...) cuando
mantienes su atención y logras que ellos creen una impresión de lo que tocaste, es una sensación realmente gratificante." Es
importante pensar que no se trata de decir cosas difíciles, se trata de comunicación.

Vocabulario

Es importante conocer los colores y los efectos sonoros de las escalas, las escalas tienen sonidos más brillantes o más obscuros,
que producen sensaciones diferentes sobre acordes diferentes.
Cada instrumentista utiliza las escalas que se adecuan a lo que el quiere decir, dentro de el estilo de música que tocan, por ejemplo;
Raúl Gutiérrez, gran saxofonista chileno, me alentaba a estudiar mucho las escalas de blues:
las escalas de be bop,
las pentatonicas en todos sus modos,
Esto me sirvió mucho a mi para moverme con comodidad en el uso de las blue notes, y desear ese efecto que provocan en mi
lenguaje.

Gary Burton sugirió en una clase que estudiáramos 10 escalas que para él eran las mas importantes en el jazz.
La disminuida dominante:
C C# D# E F# G A Bb C
La lidia b7:
C D E F# G A Bb C
Y todos los modos de la escala mayor por orden de brillante a obscura:
Lidyan
Ionian
Mixolidian
Dorian
Eólian
Frigyan
Locrian

Yo en lo personal creo que conforme mas escalas conoces y aprendes a utilizar en tu lenguaje mas rico será tu vocabulario.

Otro de los puntos importantes del vocabulario es la manera en que dices lo que dices. Hay un "qué" que son las escalas y las notas
y un "cómo" que es el fraseo, la intensidad, el volumen, la velocidad, etc.

Hay muchas cosas de las que podemos echar mano a la hora de pensar en el "cómo" comunicar tocando. Es importante pensar en
los efectos que las cosas técnicas producen.

El desarrollo del solo

"Un solo debe comenzar como comienza un buen libro." Gary Burton.

Cuando comencé a tocar leí en muchos textos y escuchaba a Bob Shepperd decir que "(...) un buen solo debe comenzar con una
frase, luego la repites, la desarrollas, haces variaciones, la nutres, la creces y cuando estas en lo mas alto la llevas hasta el suelo,
después la vuelves a subir y la llevas al éxtasis y listo(...)". Es una buena técnica para comenzar a aprender los desarrollos, pero
para mi y creo que para muchos, no ha sido necesariamente así.

Tienes a veces sólo una vuelta de solo, o sólo la parte b de una rola, entonces cuando comienzas a desarrollar tu frase inicial, se
termino tu solo. No tuviste tiempo de hacer el proceso, pues estas tocando con una cantante o con un gran ensamble, no siempre
tocamos en nuestros proyectos personales y muchas veces no tenemos 6 minutos de solo como en los festivales de jazz o
presentaciones así.

Gary Burton nos platicaba que debes comenzar como en los discursos, con un frase que impacte al publico, algo que lo haga voltear
a verte.

Yo creo que un solo debe tener, como todas las piezas o mejor dicho como todas las narrativas (ya dijimos que la música es un
proceso comunicativo), una introducción o prologo, un desarrollo, un nudo, y un desenlace.

Cada quien cuenta su propia historia, yo no les diré como cuenten las suyas, pero me gustaría que analizáramos los efectos
comunes que causan las cosas técnicas dentro de un solo.

En la música hay tensión y descanso, hay relajación y prisa, consonancias y disonancias, preguntas y respuestas. Estos efectos nos
son útiles al momento de redactar o planear lo que vamos a tocar y usualmente la gente los comprende de la misma manera.

Las cosas que causan tensión nos ayudan a que el cerebro secrete adrenalina y nos ponga en estado de alerta y las cosas que
causan relajación inducen la secreción de endorfinas.

Si queremos crear tensión podemos hacer:

Intervalos grandes (6as, 7as, 8as y mas)
Disonancias.
Frases rápidas.
Notas cortas.
Apresurar el tiempo, tocar por delante del tiempo.
Mucha intensidad
Volumen alto
Stacatos

Si queremos crear relajación:

Intervalos pequeños (2as, 3as)
Consonancias.
Frases espaciadas.
Notas largas.
Atrasar el tiempo, tocar por detrás del tiempo.
Poca intensidad
Volumen bajo
Legatos

Hay mas cosas que nos ayudan pero estas son las que yo veo con mas claridad. El reto viene a la hora de mezclar todo para crear
un buen discurso.

Consiente y subconsciente

En realidad a la hora de improvisar hay demasiados procesos cerebrales que uno no controla. Igual que cuando estamos platicando
con otra persona las palabras salen solas, uno no piensa en la posición de la lengua para enunciar cada letra ni piensa que una
"eme" y una "a" forman "ma", uno solo habla. Puedes pensar en que vas a decir pero mas bien es un asunto de responder a lo que
te dice la otra persona dentro de un contexto. Así también en la música.

Lo que controla todos los procesos físicos asociados a la posición de tu cuerpo, el movimiento de los dedos, etc., es el
subconsciente.
El subconsciente trabaja con otro tipo de lenguaje que también exige su momento de estudio. Tu consiente estudia las escalas, las
pone en tus dedos, en tu memoria muscular, eso nutre a tu subconsciente de letras, cuando estudias líneas le da palabras y el
forma las frases como mejor le parece al momento de tocar. Pero, no solo de escalas vive la música, lo que queremos es transmitir
sentimientos y pensamientos, esas son cosas muy abstractas que esta parte del cerebro se encarga de adaptar a nuestra manera
de tocar.

Kenny Werner en su libro "Effortless mastery" cuenta que hay maneras de comunicarse con ese "inner player", meditaciones y
visualizaciones positivas que ayudan a que tu consiente no tenga que intervenir a la hora de tocar. En una clase en Xalapa,
Veracruz nos dijo: "Cuando llegas a tocar no es hora de estudiar, es hora de ver tus dedos como tocan (...)" y les juro que él lo hace.
Coloca su cuerpo un poco hacia atrás y mira sus dedos tocando mientras él se ríe o frunce el ceño, según lo estén haciendo sus
manos.

Él dice que imaginarse a si mismo tocando la melodía mas hermosa del mundo es suficiente para que tu cerebro se programe a
tocar de esa manera, claro que para esto debemos tener técnica suficiente y haber estudiado la parte técnica de la música, pero esa
es la manera de comunicarse con el subconsciente.

Un buen ejercicio son las notas largas, pero con intensión. Dar un do, pensando en que esa nota será el llanto mas triste que jamás
se escuche, o darle la intención mas feliz, o melancólica, o dramática, etc. y escucharlo como tal, decirlo de tal modo que tu cerebro
lo crea. Todo tocando el mismo do, con el mismo volumen. Visualizar ese sonido con un carácter emocional ayuda a conectar esos
canales de comunicación entre tus dedos y el subconsciente.

Le preguntamos a Kenny Werner en que pensaba a la hora de tocar y nos dijo que en cualquier cosa, "La lista del súper, la camisa
del hombre de la tercera fila, qué estará haciendo mi esposa... Cualquier cosa."

Otra manera de educar al subconsciente es por medio de las grabaciones, tocar, grabarte y pensar en que no te gusta y que si, "El
subconsciente hace los ajustes solo." dice Gary Burton.

El publico

Siempre fue un asunto grande pensar en que tanto debemos tocar para el publico y que tanto para uno mismo, la respuesta me la
dieron Brian Lynch y Gary Burton.
"No existe sensación mejor que tocar para tu publico y que ellos te escuchen" Gary Burton. Debemos crear un publico, mirar que es
lo que estamos tocando y ponerlo a su alcance.

Si tocamos rock, nos presentamos en un lugar de rock, si tocamos jazz debemos estar en un lugar de jazz, si tocamos
jazz/rock/funk/cumbia pues debemos buscar al publico que disfruta y consume nuestra música.

"Debes hacer música para quien te escucha". Brian Lynch. Producir, grabar, usar las redes sociales para poner la música al alcance
de los oídos de quien te escucha.

Mis problemas

Yo no crecí en Nueva Orleans, crecí en Guadalajara. Y en vez de escuchar jazz toda la niñez escuche música clásica y folklore
latino americano. Tocaba trova y covers. Comencé a tocar jazz hasta que tenía como 18 años, y fue también cuando comencé a
escucharlo.

Cada persona tiene un pasado musical distinto, y esto nos forma como los músicos que somos ahora. Pero debemos hacer
consciente que "uno es lo que come", uno es lo que escucha. Es importante cuidar la alimentación auditiva, nutrirnos con la música
que queremos expresar. A mi me gusta decirle a mis alumnos que "lo que comen, cagan", o sea, lo que escuchan es lo que va a
salir mientras improvisan, procesado (igual que la comida), pero es lo que tienen dentro.

Escuchar a los grandes, transcribir sus solos (o partes de ellos), nos hará internalizar el vocabulario. Escuchar no solo las notas,
sino todo lo demás que esta alrededor. El fraseo, o sea, su manera de decir las cosas, donde ponen los acentos, como hacen para
mantener nuestra atención. Aprendamos a realmente escuchar.

Yo tengo muchos puntos a mejorar a la hora de improvisar. Uno de ellos es que soy un atascado, toco de más. Le he preguntado a
mucha gente como puedo trabajarlo, y todos me han dicho que se identifican con el problema, si alguien mas se identifica les dejo
las recomendaciones que me han hecho.

"Cuando tengas la primera idea, deséchala, respira y espera por la que sigue." Chris Chick. Me platicaba Chris que para el había
funcionado bien el proceso de la expectativa, de no saber por completo que ibas a tocar, trataba de inhibir el primer impulso, y
entonces se sentía listo para tocar.

"Juega con el tema, la gente quiere recordar que pieza estabas tocando antes de la locura de los solos, explota el tema" Helen
Sung. Ella me dijo que Es bueno hacer una pausa dentro de la impro para recordar el tema que estábamos tocando, sugerirlo dentro
del solo.

"Imagínate a ti mismo tocando melodías bellísimas, mírate, haz una imagen de ti." Gary Burton. Comunicándose así con tu
subconsciente tendrá un norte de como tocar lo que quieres.

Debemos ser completamente conscientes de que lo que estamos haciendo tiene valor cuando aterriza en un oído. Para hacer esto
imaginemos que le estamos tratando de platicar a alguien un problema, si nos soltamos en llanto desde el principio la otra persona
no podrá comprender lo que estamos diciendo. En cambio, si primero describimos los hechos, después como nos afectan y lo que
nos hacen sentir será mas fácil que nuestro interlocutor logre recibir el mensaje. Dosificar inteligentemente nuestras emociones nos
ayuda a tener paz.

Otro de mis problemas es a la hora de tocar los cambios.

"Trata de tocar los cambios sin ser obvio". Miguel Zenon. Para no terminar sonando a "walking bass", es bueno aprender a no
moverte tan claro en la armonía, tocarla si, pero buscar notas que sean extensiones o moverte por segundas o terceras para dar
mas pie a lo melódico de la música, mas horizontal que vertical.

Conclusiones

Mi recomendación general, mi consejo de amigos es que sean felices con lo que están haciendo. Dice Chris Punis en su libro
"Monster Jazz Manifiesto": "The prosses is the thing, the thing is the prosses..." disfruten el camino, no hay una meta, toda la vida es
un camino, una eterna búsqueda.

Perdonense a si mismos por como tocan, así comenzaran a disfrutar lo que hacen.

Toquen lo que quieran, compongan. Hagan música con sus amigos y alejense de quienes los estancan. No juzguen, sean pacientes
con los que tocan menos o llevan menos tiempo y pregunten a los que tocan más, los músicos con experiencia saben mucho de la
vida.

Y por ultimo sepan que "Hay vida después de la música" Werther Ellerbrock, tengan un hobby, hagan amigos, vivan las demás
cosas de la vida, esto hará que cuando improvisen tengan una historia que contar, no hay nada mas aburrido para las personas que
escuchar a un músico hablar de armonía. No lo hagan mientras toquen.

La música es un medio, no un fin.

Chen Quintero.