TEMA 1.

EL ROMANTICISMO

1. DEFINICIÓN:

El Romanticismo es un movimiento cultural originado en Alemania y en el Reino Unido a

finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración
y el Neoclasicismo (dando prioridad a los sentimientos).

Su característica fundamental es la ruptura con la tradición Clasicista.

2. EL SENTIMIENTO ROMÁNTICO. CARACTERÍSTICAS GENERALES.

El Romanticismo favorecía:

 La conciencia del Yo como entidad autónoma.

 La primacía del Genio creador de un Universo propio.
 La valoración de lo diferente frente a lo común.
 El liberalismo frente al despotismo.
 La originalidad frente a la tradición Clasicista.
 La creatividad frente a la imitación.
 La nostalgia de paraísos perdidos.
 La obra imperfecta, inacabada y abierta.

El Romanticismo lucha contra lo establecido (sus modelos son personajes marginales como
mendigos, piratas…).

Al rechazar la sociedad de su época, los románticos ponían sus ojos en épocas pasadas
(especialmente la Edad Media) e idealizaban personajes como los caballeros, las damas, los
reyes, los nobles…

Los románticos sentían fascinación por los lugares exóticos, en especial el mundo árabe (como
Andalucía).

La importancia de lo misterioso y lo sobrenatural se rompe con el racionalismo Ilustrado

(apareces con frecuencias imágenes de cementerios, ruinas, fantasmas…).

El Romanticismo se interesa por las manifestaciones genuinas del alma de los pueblos
(nacionalismo), por ello, se recogen formas populares de la literatura y se recopilan leyendas y
tradiciones de cada región. También se toman usos y costumbres sociales (el folklore) como
tema artístico.
 3. LA PINTURA ROMÁNTICA EUROPEA: ALEMANIA, INGLATERRA Y FRANCIA.

En Alemania surge un movimiento literario llamado “Sturm und Drang” (tormenta e ímpetu)
que defiende la sensibilidad individual sobre las ideas del Siglo de las luces.

Los nazarenos rechazaban el Neoclasicismo, el esteticismo y el realismo pictórico.

Los pintores alemanes más importantes son:

 Caspar David Friedrich (1774-1840) fue un pintor de carácter atormentado, y es

considerado como el más genuino y singular del romanticismo alemán. Sus obras se
basan en paisajes con ruinas góticas, noches, cementerios, árboles nudosos y espacios
helados que transmiten melancolía y angustia.
 Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) fue un arquitecto y pintor alemán. Fue el más
destacado arquitecto del Neoclasicismo en Alemania. Sus temas son la Edad Media y el
sentimiento religioso.

En Inglaterra, el Romanticismo es una corriente literaria cuyas obras influyeron en los pintores
que contribuyeron a extender esta corriente a otras artes, así surgiendo el Prerromanticismo
(1770-1820). Esta influencia proviene sobre todo de una obra de James Macpherson, Poemas
de Ossian (1760).

El ossianismo inspiró composiciones irracionales e imaginarias, bañadas por una luz difusa, con
contornos desdibujados y figuras en forma de racimo. Los pintores y dibujantes ingleses se
caracterizan por una búsqueda en lo inconsciente y lo irracional.

Los pintores más conocidos de esta época son:

 Johann Heinrich Füssli (1741-1825) abandonó sus estudios religiosos para dedicarse a
la pintura. Le interesa el Neoclasicismo, pero le influye el Romanticismo. Pinta visiones
híbridas y lascivas, producto de su imaginación delirante.
 William Blake (1757-1827) fue un poeta y grabador. Su pintura está influida por el
manierismo, Miguel Ángel y el arte gótico. Sus temas son literarios: la Biblia, las obras
de Shakespeare, la divina comedia y sus propios poemas. Se le considera el predecesor
del surrealismo.

En Inglaterra, hay un periodo en la pintura que se caracterizaba por el descubrimiento de la

naturaleza, con sus paisajes, la luz y los colores. Este periodo se le conoce como apogeo
romántico (1820-1850).

Los pintores ingleses más representativos son:

 John Constable (1776-1837) se preocupó por el estudio de la luz, captada en sus

paisajes pintados al natural, principalmente vistas de Suffolk y estudios de nubes.
Tiene un estilo muy libre que influyó en los pintores románticos franceses.
 William Turner (1775-1851) da a sus obras una dimensión onírica, recurriendo a
composiciones en espiral y elaborados empastes. Prevalece el color sobre el dibujo y
sus obras están hechas a base de pincelada suelta.
Alemania e Inglaterra ocuparon el primer plano del romanticismo, pero Francia no se quedó
quieta y se inspiró en la obra de autores como Rousseau.

 Antoine-Jean Gros (1771-1835) se le considera el padre del romanticismo francés. Fue

protegido de la emperatriz Josefina y acompañó a Napoleón en su campaña italiana.
 Eugène Delacroix (1798-1863) fue un pintor apasionado que tenía un estilo resuelto y
vigoroso. Trató con libertad el color, la pasta y la textura superficial del lienzo.
 Théodore Géricault (1791-1824) tiene un estilo recargado, de empaste grueso, muy
influido por la obra de Rubens.

4. FRANCISCO DE GOYA: EVOLUCIÓN DE SU OBRA HACIA EL ROMANTICISMO:

Francisco de Goya (1746 – 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura
de caballete y mural, el grabado y el dibujo. Desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo.
El arte goyesco supone el comiendo de la pintura contemporánea y se considera precursor de
las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito del Barroco tardío y las estampas
devotas, viaja a Italia en 1770 donde tiene contacto con el Neoclasicismo, que adopta cuando
marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un estilo Rococó por su nuevo trabajo
como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara.

Una grave enfermedad en 1793 le lleva a hacer una pintura más creativa y original, que
expresa temáticas menos amables que lo que había pintado en los palacios reales. Una serie
de cuadritos en hojalata inician la fase madura del artista y la transición hacia el Romanticismo.

Su obra refleja el periodo histórico en el que vivía (la Guerra de la Independencia) y se puede
ver en una serie de 82 grabados realizados entre 1810 – 1815.

Un cuadro popular de Goya es “La maja desnuda”, en parte favorecida por la polémica
generada en torno a la identidad de la mujer.

Al final del conflicto hispano-francés, pinta dos grandes cuadros reflejando los sucesos del
levantamiento del dos de mayo de 1808 que sientan un precedente tanto estético como
temático para el cuadro de historia, que no solo cuenta los sucesos próximos a la realidad que
vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.

- El dos de mayo de 1808 en Madrid (o La lucha con los mamelucos).

- El tres de mayo de 1808 en Madrid (o Los fusilamientos).
 4.1.LAS “PINTURAS NEGRAS”:

Las “Pinturas negras” (1819 – 1823) es una serie de catorce obras murales pintadas con la
técnica de óleo al seco (sobre paredes recubiertas de yeso). Las creó como decoración de los
muros de su casa (la Quinta del Sordo), adquirida en 1819.

La serie, a la que no puso títulos, fue catalogada en 1828 por un amigo suyo (Antonio de
Brugada). La casa de Goya pasó a ser propiedad de su nieto (Mariano Goya) en 1823. A partir
de 1874, fueron trasladadas de revoco de lienzos por un banquero francés.

La composición de estos murales es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas,
siendo un caso extremo “Cabezas en un paisaje” donde cinco cabezas aparecen en la esquina
inferior derecha del cuadro apareciendo como cortadas. Otro ejemplo sería “La romería de
San Isidro” donde el grupo principal aparece a la izquierda. En “El Santo Oficio” aparece a la
derecha. En “El perro” el espacio vacío ocupa la mayor parte del formato vertical del cuadro,
dejando una pequeña parte abajo para el campo y la cabeza del perro. Desplazas en un lado de
la composición están también “Las Parcas”, “Asmodea” y “El aquelarre” aunque ese
desequilibrio se perdió en el año 1875 tras arrancarse esa pintura por completo.

Muchas de las escenas son nocturnas, destacando el negro como fondo en relación con esta
muerte de la luz. Esto genera una sensación de pesimismo, de visión tremenda, de enigma y
de espacio irreal. La gama cromática se reduce a ocres, dorados, tierras, grises y negros,
apareciendo a veces el blanco para dar contraste.
 5. LOS ORÍGENES DE LA FOTOGRAFÍA. EL PICTORIALISMO.

En el año 1824, el francés Joseph Nicéphore Niépce obtuvo las primeras imágenes
fotográficas. La fotografía más antigua que se conserva, llamada “Vista desde la ventana en Le
Gras”, fue obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y una placa de peltre
recubierta de betún

Cuando Niépce comenzó sus investigaciones necesitaba más de ocho horas de exposición, a
plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niépce entra en contacto con Daguerre,
quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su
procedimiento, el cual logra firmar con Niépce poco antes de su muerte en 1833.

Desde entonces, Daguerre continúa sus experimentos regresando al uso de las ales de plata
que habían sido desestimadas por Niépce. En 1839 hace público su proceso para la obtención
de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la que denominó daguerrotipo (que
reducía el tiempo de exposición).

William Fox Talbot inventó en Inglaterra otro método: obtenía negativos sobre un soporte de
papel para luego reproducir copias en positivo, también en papel. Este procedimiento
negativo-positivo se llamó “calotipo” o “talbotipo”. Pero el daguerrotipo era más popular ya
que era muy útil para obtener retratos y su calidad de imagen era superior.

A partir de 1855 triunfó el sistema de los negativos de colodión húmedo, que permitían
positivar muchas copias en papel a la albúmina, con gran nitidez y amplia gama de tonos.

Después de 1880 se desarrollaron las nuevas placas secas al gelatino-bromuro que podían ser
producidas de modo industrial y comercializadas sin limitaciones.

También hubo aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que permiten concluir el
camino hacia la instantánea fotográfica. A partir de 1888, Kodak sacó al mercado una cámara
que utilizaba carretes de película enrollable.
 6. LA MÚSICA ROMÁNTICA:

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista
alemán. Su legado musical abarca desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo
musical. Consiguió hacer trascender la música del Romanticismo, influyendo en diversidad de
obras musicales del siglo XIX.

Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sintonías fueron la fuente principal de
su popularidad, su impacto resultó significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianísticos (32 sonatas), de cámara (incluyendo numerosas
obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros), concertante (concierto
para piano, para violín y triple) sacra (dos misas y un oratorio), lieder, música incidental (la
ópera Fidelio, un ballet y músicas par obras teatrales) y orquestal (Nueve sinfonías).

6.1.PERIODOS DE BEETHOVEN:

En su periodo temprano, estuvo fuertemente influido por sus predecesores Joseph Haydn y
Wolfgang Amadeus Mozart.

En su periodo medio, también llamado heroico, comienza después de la crisis personal

provocada por la creciente sordera del músico. Este periodo es destacado por sus obras que
denotan el heroísmo y la lucha.

En su periodo tardío (1815), sus obras destacan por su profunda carga intelectual, sus
innovaciones formales y su intensidad, expresión sumamente personal.

6.2.OPERA:

En Giuseppe Verdi (1813 – 1901) no sólo reconocemos la apoteosis musical del superdotado
sino el carisma de un hombre que supo encarnar las aspiraciones de libertad en su patria
italiana. Sus óperas más conocidas son:

- Nabucco (sobre la cautividad de los judíos en Babilonia).

- Trilogía romántica que le haría célebre (Rigoletto, II Trovatore y La Traviata).
- Aida (1871), Otello (1887) y Falstaff (1893).

Richard Wagner (1813 – 1883) anuncia un tiempo nuevo para la patri germana. Wagner
encarna el sueño utópico y la solemnidad del mito. Sus óperas más conocidas son:

- El Holandés errante.
- El anillo de los nibelungos.
- El Oro del Rhin.
- Tristán e Isolda.

“La Libertad guiando al pueblo” de Eugène

Delacroix (1830)
Perteneciente al estilo del romanticismo (definición). El tema de la obra es la insurrección
burguesa. Delacroix se representa a sí mismo como el hombre que lleva el sombrero de copa
negro y que se encuentra entre los combatientes y la primera fila.

Se ve una estructura en posición de pirámide con los muertos en la base y La Libertad en la

cima sosteniendo en la mano derecha una bandera tricolor y en la otra mano un fusil.

El ligero pincel y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para
aumentar la tensión y el movimiento, añadió contrastes complementarios junto a la oposición
de los claroscuros.

El color para Delacroix no tenía un valor representativo, sino uno emocional propio. Con los
colores intentaba plasmar el sentimiento y el ánimo de las personas. Se utilizan colores pálidos
con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera.

De fondo, el cielo de París se ve tormentoso (otra característica romántica).

“La muerte de Sardanápalo” de Delacroix (1827)

Pertenece al estilo del romanticismo (definición).

Sardanápalo es el rey de Nínive en Asiria (661 a.C. –

631 a.C.). La escena representada muestra la
muerte del soberano, cuya capital es asediada y
decide suicidarse.

Es un cuadro en el que hace gala de una de sus más

espléndidas combinaciones del color.

Con un trazado lleno de vigor, tras un esbozo al temple hizo una serie de estudios parciales al
pastel y, después, al natural.

La pintura es un buen ejemplo de lo que era importante para los románticos franceses: el
superhombre desbocado en calidad de héroe, la combinación de erotismo y muerte, el
decorado oriental, los grandes movimientos en lugar de una composición equilibrada y el
predominio del color sobre la línea.

“La matanza de Quíos” de Delacroix (1824)

Pertenece al estilo del romanticismo (definición). Este

cuadro representa un episodio de la guerra de
independencia de los griegos contra los otomanos ocurrido
ese mismo año (la matanza de 20.000 habitantes de las islas
griegas y el sometimiento a la esclavitud de las mujeres y los
niños supervivientes.
Las pinceladas borrosas fortalecen la impresión de desolación que el cuadro transmite, es
prácticamente monocromo, con unas tonalidades cobrizas que unifican el espacio y
proporcionan al cuadro una luz infernal.

El cuadro se compone de tres pirámides humanas. Se ven expresiones de miedo y

desesperación.

“La balsa de la Medusa” de Théodore Géricault (1819)

Representa una escena del naufragio de la fragata de la

marina francesa Méduse, encallada frente a la costa de
Mauritania (2 de julio de 1816).

Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una

balsa construida, y todas ellas murieron (salvo 15)
durante los 13 días que se tardó en rescatarlos.

El sentido ascendente de la línea marca la sucesión de sentimientos experimentados por los

náufragos, desde la desesperación a la esperanza. La luz refuerza esta idea de final de la odisea
con las nubes más negras a la izquierda, y el cielo más luminoso en la lejanía.

La paleta es muy reducida, va del ocre al negro pasando por tonos pardos claros y oscuros. La
pincelada es suelta y unos contornos imprecisos.