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CUADERNOS DE MÚSICA IBEROAMERICANA. Vol.
21
enero-junio 2011, 125-148
ISSN: 1136-5536
ALEJANDRO GONZÁLEZ VILLALIBRE

Universidad de Oviedo
La música de José Nieto para la ‘Trilogía

Histórica’ de Vicente Aranda
Las especiales características de la música escrita para el cine hacen que, desde su concepción,
el compositor se vea obligado a emplear una gran cantidad de estilos y recursos estilísticos que se
adapten a la producción en la que se va a inscribir la partitura. La ambientación histórica, el géne-
ro cinematográfico o el tono general de la película condicionan desde el principio una banda sono-
ra. En este artículo proponemos el estudio de tres de los últimos trabajos de José Nieto en colabo-
ración con Vicente Aranda (Juana la Loca, Carmen, y Tirant lo Blanc) buscando sus características
diferenciadoras, pero también las unitarias, las marcas de estilo que vertebran la carrera del compo-
sitor madrileño. De la misma forma, buscaremos la intención del autor a la hora de aportar su músi-
ca, así como las funciones que ésta cumple dentro de la película.
Palabras claves: José Nieto, Música de Cine, Carmen, Juana la Loca, Tirant lo Blanc,Vicente Aranda.
The special characteristics of film music mean that, from its very conception, composers are required to employ
a large number of styles and stylistic resources in order to adapt their scores to the a particular production. The
historical setting, cinematographic genre or the general tone of the film condition a soundtrack from the outset.
This article examines three of José Nieto’s latest soundtracks for films by Vicente Aranda (Juana la Loca,
Carmen, and Tirant lo Blanc), identifying both the characteristics that distinguish them, as well as those they
have in common, the traits forming the backbone of the Madrilenian composer’s career. Similarly, the composer’s
intention will also be discussed, as well as the functions his music carries out in these films.
Keywords: José Nieto, film music, Carmen, Juana la Loca, Tirant lo Blanc, Vicente Aranda.
Definir el estilo cinematográfico de José Nieto (Madrid, 1942) es cier-

tamente difícil. Son pocas las etiquetas que se pueden aplicar a este com-
positor a la luz de su extenso trabajo para la gran pantalla, y quizás la que
mejor se adapta a sus características es la de eclecticismo. Desde sus pri-
meros trabajos en 1969 para Jaime de Armiñán en La Lola dicen que no vive
sola1, donde se presenta como compositor de jazz, pasando por su encuen-
tro con Benito Lauret, con quien se inicia en ejercicios de armonía, seria-
lismo y técnicas contemporáneas alejándose de la música ligera, o por sus
investigaciones de músicas del mundo para películas como La Pasión Turca2
1 José Nieto habla de su trabajo en esta película como un trabajo de “intuición”, con influencias
en los arreglos de la música de Quincy Jones. (Rosa Álvares y Julio Arce: La armonía que rompe el
silencio: Conversaciones con José Nieto, Valladolid, SEMINCI-SGAE, 1996, p. 35).
2 Dirigida por Vicente Aranda en 1994 y ganadora del Premio Goya del cine español a la mejor
música original.
126 Cuadernos de Música Iberoamericana. VOLUMEN 21, 2011
o la serie documental Ciudades Perdidas3, o sus partituras para teatro y ballet,

se puede considerar a José Nieto un camaleón que sabe adaptarse a las
más variadas exigencias que se le puedan presentar en forma de imágenes.
Pese a trabajos fuera de la pantalla, en forma de estrenos en sala de con-
ciertos y donde destacan sus colaboraciones con el Ballet Nacional de Espa-
ña,4 aún hoy el nombre de José Nieto se sigue asociando a la pantalla cine-
matográfica, trabajo que se ha visto refrendado por cinco premios del Círculo
de Escritores Cinematográficos5, seis premios Goya6 y dos premios de la
Academia de las Artes y las Ciencias de la Música7, además de la Espiga de
Oro de la SEMINCI de Valladolid (1996). Por eso, en este artículo, propo-
nemos un recorrido por tres obras emblemáticas dentro de su última pro-
ducción –la referida a los años cero del siglo XXI–, cuya carencia de estu-
dios hemos tratado de paliar a través de un Trabajo de Investigación de fin
de doctorado más amplio, presentado en la Universidad de Oviedo8. Para
ello tomamos como referencia la relación del compositor con Vicente Aran-
da en este periodo, a través de tres películas que muestran acercamientos
estilísticos y formales claramente diferenciados, pero que, pese a sus parti-
cularidades, son ejemplos claros de la manera de trabajar del autor.
La carrera como director de Vicente Aranda a finales de los años 90 había
sufrido un fuerte revés de crítica y público con La mirada del otro (1998),
del que se recuperó parcialmente con Celos (1999), dos películas pequeñas,
de bajo presupuesto, que se sitúan como puente entre las llamadas ‘super-
producciones’ firmadas por el realizador catalán: Libertarias (1996) y Juana
la Loca (2001), primera película de la denominada por algunos críticos ‘Tri-
logía Histórica’ de Aranda, objeto de nuestro estudio en este texto, y que
se completa, como veremos, con Carmen (2003) y Tirant lo Blanc (2006).
3 Año 1984. Para el compositor esta experiencia fue “inolvidable”. Pese a que sólo pudo asistir
a la grabación del episodio piloto en Petra, donde se encargó de grabar por sí mismo materiales autóc-
tonos, Nieto apunta: “pedí al equipo que me trajera sonidos y músicas grabadas. En casi todos los
documentales incorporé algún elemento étnico, excepto en los dedicados a China, ya que uno de
ellos reproducía una ópera de ese país”. (R. Álvares y J. Arce: La armonía...., p.58).
4 La relación comienza en 1976 con Tres danzas españolas del siglo XVI. La unión llega hasta nues-
tros días, con los últimos estrenos del Corazón de Piedra Verde (2009), Dualia y Aires de Villa y Corte
(2007), sin olvidar reconocidas partituras como Ritmos (1984), Homenaje (1988), Don Juan Tenorio
(1989) o Romance de Luna (1990).
5 El amor del capitán Brando (Jaime de Armiñán, 1974), La luna negra (Imanol Uribe, 1989), El
rey pasmado (Imanol Uribe, 1991), El maestro de esgrima (Pedro Olea, 1991) y La pasión turca (Vicen-
te Aranda, 1994).
6 El bosque animado (José Luis Cuerda, 1987), Lo más natural (Josefina Molina, 1990), El rey pas-
mado (Imanol Uribe, 1991), El maestro de esgrima (Pedro Olea, 1991), La pasión turca (Vicente Aran-
da, 1994) y Sé quién eres (Patricia Ferreira, 2000).
7 Juana la Loca (Vicente Aranda, 2001) y Carmen (Vicente Aranda, 2003).
8 Alejandro González Villalibre: El corpus cinematográfico en la obra compositiva de José Nieto. Los
años cero (2000-2009). Trabajo de fin de Doctorado inédito presentado en Septiembre de 2010 bajo
la dirección de Mª Encina Cortizo. Universidad de Oviedo, Dpto. de Historia del Arte y Musicología.
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ALEJANDRO GONZÁLEZ VILLALIBRE: La música de José Nieto ... 127
Juana la Loca (2001)

La figura de la Reina de Castilla ya había sido tratada en el cine espa-
ñol: en 1948 Juan de Orduña había dirigido para la productora CIFESA
Locura de Amor, basada en la obra teatral de Manuel Tamayo y Baus. La pelí-
cula fue un gran éxito, lanzando al estrellato a Aurora Bautista y descu-
briendo al mundo a una joven Sarita Montiel en el papel de meretriz del
Rey Felipe. Desde entonces, muchos fueron los intentos de volver a llevar
de nuevo a la pantalla la historia de Juana, despojada de la censura fran-
quista. Cincuenta y tres años después los esfuerzos fructifican, y, tomando
como partida el mismo texto, Aranda se asocia con el productor Enrique
Cerezo y firma su versión del guión junto a Antonio Larreta.
Tras su estreno, Aranda recuperó el favor de crítica y público, especial-
mente por la elección de su protagonista, Pilar López de Ayala, quien aca-
paró los mayores elogios, además de numerosos premios, entre los que des-
tacan la Concha de Plata en San Sebastián, el Premio del Círculo de
Escritores Cinematográficos y el Goya a la Mejor Actriz. En los Premios
de la Academia la película también se alzó con los galardones al mejor
vestuario (Javier Artiñano) y mejor peluquería y maquillaje (Miguel Sesé y
Mercedes Guillot). Todos estos reconocimientos llevaron a la cinta a ser la
encargada de representar a España en los Premios de la Academia de Esta-
dos Unidos, los ‘Oscar’.
La música, como es habitual desde los años 80 en cualquier película de
Aranda, la firma José Nieto, dando continuidad a la colaboración direc-
tor-compositor más longeva y fructífera del cine español, que comprende
quince películas y una serie (Los jinetes del alba, TVE), desde El Lute, cami-
na o revienta (1988) hasta su más reciente colaboración en Luna Caliente,
estrenada en 2010.
Dentro de su tono lóbrego, la banda sonora creada para Juana la Loca
permite a José Nieto un trabajo en una doble vertiente: por un lado recu-
pera armonías y músicas de la época para ilustrar la vida de la Reina; por
otro, el empleo de un Requiem que, como veremos más adelante, vertebra
toda la banda sonora. Dentro de la primera vertiente encontramos temas
a modo de fanfarria, secciones de contrapunto al órgano, o la utilización
de composiciones cronológicamente pertenecientes al tiempo en el que se
desarrolla la historia como música diegética9.
9 En la película suena una gallarda de Luis de Milán del siglo XV (el guión abarca desde 1496
hasta 1554) y una danza de autor anónimo titulada Propiñan de Melyor, además de una Danza del
Vientre original del propio José Nieto.
La figura de Juana como reina lleva asociada música acorde con su cargo,
fanfarrias de metales y timbales que aportan solemnidad al personaje. Se
trata de una música de intención histórica que toma como base el modo
dórico. Pese a la diversidad de temas que podemos encontrar para este aspec-
to de la vida de Juana, hasta tres diferentes, todos tienen como base el pri-
mero de ellos, y no son más que variaciones del generador (éste y todos los
ejemplos musicales posteriores pertenecen al archivo personal de José Nieto,
y son publicados bajo permiso expreso del autor):
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˙ ˙
Fiscorno
Ejemplo 1. Bloque 4, c.3
De éste surgen los otros dos temas, cada vez más elaborados, que am-
plían el espectro de acción de la música. Si el que acabamos de ver es noble
y pausado, con las variaciones se consigue mayor dinamismo e incluso
urgencia, para una reina alterada por amor.
A continuación reproducimos el momento de la banda sonora en el que
las tres variantes suenan conjuntamente, en fiscorno y trombones, confir-
mando lo antes expuesto. Se trata de un fragmento paradigmático, porque
se desarrolla en la formación de fanfarria que va a ser la habitual a lo largo
de la película (metales y timbales), donde además podemos observar los
dos acompañamientos más comunes para cualquiera de las tres variantes
antes expuestas: el primero de ellos, más melódico y contrapuntístico, lo
desarrolla la tuba; el segundo, percusivo, está a cargo de timbales afinados
en quinta (Ej. 2).
Flis. & œ œ œ œ œ œ œ œ œ
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Tuba
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Tim.
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Ejemplo 2. Bloque 17, c. 11
Por otro lado, Juana la Loca es una partitura totalmente diferente a la hora
de tratar el tema de la muerte a lo largo de la película: todos los bloques
musicales que hemos definido anteriormente como de vocación histórica
se encuentran vertebrados a través de un Requiem con un estilo ubicable
en pleno siglo XX. Los bloques que poseen estas características aportan un
nuevo elemento a la cinematografía de Nieto: el lenguaje musical más con-
temporáneo (sin llegar a abandonar la tonalidad) al servicio del cine, el cual
tampoco se pierde en el resto del film, sobre todo a la hora de afrontar los
conflictos psicológicos más intensos de la protagonista, donde hace gala
de un neorromanticismo lleno de fuerza, aunque contenido.
Como ya hemos dicho, el motor de todos los acontecimientos en la vida
de Juana es la muerte. Muerte de familiares que, además de incidir en el
plano personal de la protagonista, redundan en su posición política, acer-
cándola poco a poco al trono de Castilla. Musicalmente, el Requiem es la
estructura que sostiene toda la banda sonora de Juana la Loca, la encargada
de dar coherencia y direccionalidad a la partitura. Toda la película es un
gran flashback, por lo que la música comienza, al igual que el guión, por el
final de la historia, con la Reina Juana anciana, recordando. De este modo,
la banda sonora se abre con el final de la Misa de difuntos, la comunión
Luz eterna. En un sentido circular, tanto el guión como la música vuelven
a la misma situación de partida para cerrar la película.
Por supuesto, al tratarse de música cinematográfica, Nieto no desarro-
lla todas las partes de la misa, sino momentos puntuales de la misma. Ade-
más de ese Luz Eterna (única parte que se canta en castellano en toda la
banda sonora), encontramos referencias al Introito Requiem aeternam y a la
Secuencia Dies irae (ésta dividida en dos bloques diferentes: Dies Irae y Tuba
mirum).
El lenguaje más contemporáneo es el vehículo de expresión de estos
bloques musicales, desarrollando gran variedad de estilos. Desde el comien-
zo, Luz Eterna, encontramos una evolución coral pausada, con un fuerte
sentido horizontal, en busca siempre de la disonancia y el ambiente oscu-
ro, casi tétrico, aunque el ejemplo más claro de lenguaje actual es el cluster
coral formado sobre la frase Requiem aeternam dona eis Domine (Ej. 3)
Tuba mirum es una pieza de gran fuerza, casi violenta, asignada a coro
de hombres, en busca de ese registro grave del instrumento al que se refie-
re el texto. Los temas expuestos en este apartado no tienen continuación
a lo largo de la película (sólo Luz Eterna se recapitula al final), si exceptua-
mos el Dies Irae.
Nieto opta por un punto de vista subjetivo, amplificando al máximo
las emociones de los protagonistas, especialmente las de Juana, personaje
por el cual claramente toma partido, o por su relación con el personaje de
Álvaro de Estúñiga, amigo de la infancia y en quien se personalizan los sen-
F
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Sopranos
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3 3
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Contraltos Re quie mae ter nam do naeis Do mi ne
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Tenores
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Re quiemae ternam donaeis Do mi ne
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Requiemae ter nam do naeis Do mi ne
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Bajos
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Re quie mae ter namdo naeis
Ejemplo 3. Bloque 5, c.1
timientos de aquella niña Juanita, arrancada de brazos de sus padres, envia-

da a Flandes, y con una infancia truncada en nombre del deber. Es una
música más personal, tierna y dulce en su presentación (aunque, como ocu-
rre siempre con Nieto, evoluciona en la película presentándose de diver-
sas maneras según avanza la historia. Véase Ej. 4)
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dolce
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Celesta
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dolce
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Ejemplo 4. Bloque 2, c. 1
A Juana le turban los celos, la locura que todos creen ver en ella, y varias
son las maneras de conseguir una representación musical de esta sensación.
La más utilizada por Nieto es una melodía que funciona como una pro-
gresión al agudo y se mueve por impulsos, acumulando tensión, para resol-
ver de manera no conclusiva, siempre en el aire, siempre exaltada (Ej. 5):
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Ejemplo 5. Bloque 7b, c. 42
La música también puede actuar desde la sombra, oculta como un bajo

en ostinato, que turba todo y que, como un molesto zumbido, siembra la
sospecha y la intranquilidad en el espectador casi subliminalmente (Ej. 6)
Vc. I
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Ejemplo 6. Bloque 7a, c. 18
La carrera de Nieto ya se había topado con música para la Reina Juana,

pero no como compositor, sino como recuperador y director de la parti-
tura firmada por Juan Quintero para Locura de amor, reestrenada en con-
cierto en 1995, y grabada en un CD monográfico sobre la figura del com-
positor en el año 2000, dentro de la colección Clásicos del cine español de
la Fundación Autor.
Para comprender mejor el carácter que Nieto quiso aplicar a su músi-
ca para Juana la Loca reproducimos a continuación las notas escritas por el
propio compositor y que se incluyen en la edición que Saimel hizo en
2001 de la banda sonora10:
A finales de Diciembre de 1995, interpretaba por primera vez con la Orques-
ta Sinfónica de Castilla y León la partitura que Juan Quintero compusiera en 1948
para Locura de amor de Juan de Orduña. Al que me hubiese dicho entonces que,
10 Textos incluidos en la carpeta del CD Juana la Loca. Banda sonora original compuesta por José
Nieto. Saimel 3993510
pocos años después, yo tendría que escribir una nueva partitura para una nueva
versión de la historia de Juana, reina de Castilla, llamada ‘La Loca’, le habría toma-
do a mi vez por bromista o por loco.
Sin embargo pronto tenía ante mí, por primera vez en mi carrera, el reto de
componer la música para el ‘remake’ de un mito.
Pero, como no podía ser de otra forma, lo que, en principio se planteaba como
réplica, en manos de Aranda se convertía, prácticamente, en la antítesis del mode-
lo: punto de vista distinto sobre la historia, distinto acercamiento a los personajes
y también una nueva toma de posición frente a la pretendida locura de Juana.
Por todo ello, también desde un punto de vista musical las referencias a la anti-
gua Locura de amor iban difuminándose hasta desaparecer. Es evidente en la pelí-
cula el esfuerzo por acercar los personajes al espectador de ahora. La locura, la luci-
dez, la traición, el engaño y la rebeldía no tienen época. Solo hacía falta bajar a
los personajes de su pedestal histórico y convertirlos en seres humanos de carne
y hueso.
La música, tiene dos vertientes muy claras, una la de la aventura personal de
Juana, otra, la de su entorno, la música de la Historia. Ambas son oscuras, compuestas
con una paleta sonora muy sobria que excluye los instrumentos agudos: Cuerda sin
violines, es decir solamente violas, violonchelos y contrabajos; metales graves, trom-
bones, tuba y como instrumento más agudo un flugelhorn. Percusión grave, laúd,
guitarra y el extraordinario órgano del auditorio de Radio Bratislava completan
junto al coro la formación orquestal de la partitura Juana la loca.
Tratamiento romántico para una historia romántica, en el sentido más pro-
fundo del término.
Para la ocasión, Nieto vuelve a contar con una de las formaciones más
habituales en sus grabaciones: la Orquesta Sinfónica de la Radio de Bra-
tislava, que, junto al Coro Luanica, todos bajo la dirección del composi-
tor, graban la música para Juana la Loca.
Pese a no obtener el reconocimiento de la Academia de las Artes y las
Ciencias Cinematográficas, la partitura de José Nieto sí se alza con el pre-
mio a Mejor Álbum de Banda Sonora, otorgado por la Academia de las
Artes y las Ciencias de la Música.
Carmen (2003)
En Carmen, José Nieto retoma las raíces andalucistas de las que ya había
hecho gala, por ejemplo, en su música para la Expo 92. El propio autor, en
un documental recogido en el DVD de la película11, habla de esta manera
sobre su trabajo:
11 “Pepe Nieto, el compositor”. Carmen, DVD. Suevia Films, 2003. Reedición en 2007 dentro
de la colección El cine de TVE.
[Vicente y yo] hablamos mucho de la película y poco de la música, porque

hablando de la película sale la música. El único criterio amplio que ha salido en
alguno de los visionados es el lirismo. Hay lirismo en la película, sobre todo al final,
pero ahora, trabajando ya sobre ella, me estoy dando cuenta de que la película es
más complicada de lo que a primera vista parece. Los personajes no son lineales,
esquemáticos, como ocurre en la versión de la ópera. Son personajes mucho más
profundos y por lo tanto mucho más complejos, que van a hacer que la música
de la película sea bastante complicada, como son realmente los personajes: mez-
cla de muchas cosas. […] El tratamiento musical no tiene nada que ver con la
ópera, porque, insisto, el tratamiento de los personajes en la película no tiene tam-
poco nada que ver con cómo están tratados en la ópera. […] La música tratará de
revelar el interior de los personajes, lo que pasa entre ellos.
Lo cierto es que estas declaraciones, realizadas durante el proceso de
composición de la banda sonora, marcan bastante bien las líneas maestras
a seguir a la hora de hablar de este trabajo de Nieto. Sin abandonar el anda-
lucismo al que hemos hecho referencia antes, y del que volveremos a hablar
más adelante, ese lirismo del que se habla en los contenidos adicionales
del DVD es un punto clave. El autor se vale de bellas melodías para des-
cribir los diferentes parajes y situaciones que observamos en pantalla, hacien-
do gala de un romanticismo quizá descontextualizado de la época en la que
se inscribe la historia. No debemos olvidar que la película comienza en
1830, año del estreno, por ejemplo, de la Sinfonía Fantástica de Héctor
Berlioz, o tiempos del apogeo del bel canto de Bellini o el pianismo de Cho-
pin. Sin embargo, la música parece querer adelantarse ochenta años a su
tiempo, y de este modo encontramos claros ecos de la música española de
principios del siglo XX. Nieto opta por esta vía fijándose en la rica pro-
ducción sinfónica que el periodo dio a nuestro país, y, sobre todo, a la fija-
ción por Andalucía que los compositores demostraban por aquella época.
Él mismo, en una de nuestras entrevistas personales afirmaba que “en deter-
minados fragmentos puede sonar a sinfonismo español de principios del s.
XX, porque aquellos compositores y yo trabajamos sobre las mismas fuen-
tes”. Sin embargo, este colorido es fruto de la necesidad de ilustrar el con-
texto en el que se desenvuelven los actores, que al comienzo de la pelícu-
la es un personaje más, pero que irá desapareciendo poco a poco, al igual
que esta exhuberancia musical, en favor de la relación entre los protago-
nistas. La mirada se va cerrando de una visión general a lo más íntimo mien-
tras la película evoluciona, y la partitura sigue este mismo camino.
José Nieto construye estampas musicales, momentos recogidos sonora-
mente para ambientar una historia atemporal, un mito español surgido de
los viajes de Prosper Merimée por el sur de la Península Ibérica y que irre-
mediablemente ha marcado a la mujer andaluza, y por extensión españo-
la, a los ojos del mundo. Efecto ampliado tras el abrumador éxito de su ver-
sión operística a cargo de Georges Bizet, estrenada en 1875, y los recu-

rrentes regresos por parte de los cineastas a lo largo de todo el siglo XX12
hasta llegar a la Carmen de Vicente Aranda en 2003.
Lo cierto es que, como ya hemos visto que reconocía el propio Nieto,
su trabajo se aleja estilísticamente del que realizase el compositor francés
en el s. XIX. En la partitura para la película no se renuncia al origen espa-
ñol de la protagonista ni a la ambientación de la historia. Es más, se remar-
ca la misma en numerosos momentos, con la típica cadencia andaluza y
giros que hacen que se asocien a esta música los términos de ‘pintores-
quismo’ y ‘andalucismo’.Y realmente sería justo aplicarlos, pero no de mane-
ra peyorativa, ya que, como veremos más adelante en el apartado dedicado
al análisis de temas y motivos, José Nieto hace diferentes usos de ellos depen-
diendo de los requerimientos de cada escena.
La música de Nieto se sostiene en dos temas principales, para cada pro-
tagonista. En el caso de Carmen se sirve de un acorde desplegado, sinuo-
so, reflejo de las voluptuosidades de la protagonista. Para este apartado toma-
remos como referencia la primera vez que aparece el tema completo, en
los títulos de crédito (Ej. 7):
œ œ œ b œ œ œ œ œ œ œ œ . œ œ . œ b3œ œ œ œ œ.
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Fg. œ !œ 4
F
Ejemplo 7. Carmen. Bloque 1.2, c. 5
En el primer compás aparece el motivo de Carmen: un motivo reple-

gado sobre sí mismo, amplio en su curva que incluso visualmente remite
al cuerpo femenino. El compositor construye un fragmento autosuficien-
te e independiente, en continua semejanza con las características de la gita-
na cigarrera. A todo esto se une el carácter llano, tanto del personaje como
de la música, que viene dado por una armonización muy sencilla. Este tema
de Carmen posee una parte B y un cierre, que aparecen inmediatamente
después de lo aquí señalado, los cuales poseen las mismas características, y
además pueden aparecer de manera independiente a lo largo de la banda
sonora.
El tema de Carmen vertebra todo el material temático de la película,
interactúa con todos los temas y motivos, llevándolos a su terreno, tanto
12 De las que destacan versiones de cine mudo como Carmen (1918, Ernst Lubitsch), otras en
versión cómica: (Carmen. 1943, Luis César Amadori), versiones estadounidenses como la de Otto
Preminger (1954), películas de la ópera como la dirigida por Francesco Rosi en 1984, o españolas
como la que realizó Carlos Saura en 1983 con Antonio Gades, Laura del Sol, Cristina Hoyos, Paco
de Lucía, y Pepa Flores, dentro de su trilogía dedicada al Flamenco (completada con Bodas de San-
gre y El Amor Brujo), y basada en la música de Bizet con aportes de Paco de Lucía.
armónico como rítmico, para lograr salir victorioso en todos los enfrenta-
mientos originados en la película. En el DVD de Carmen Nieto señala:
“Quizá Carmen es el personaje que más se parece al de la ópera, aunque
también aquí tiene matices que en la ópera no tiene. Es el personaje de la
vitalidad, el de la supervivencia, y su importancia, aparte de que es la pro-
tagonista que da nombre a la novela, es que es la que mueve los hilos y
maneja a todos los demás personajes que giran a su alrededor”13.
Una concepción distinta encontramos en el
& c ‰ bœ œ œ œ œ œ segundo tema principal de la película: el frag-
mento musical que se identifica con José. Es más
&c ‰ œ œ œ œ œ Œ corto, con un ritmo casi percusivo y armóni-
camente más complejo y disonante (Ej. 8).
B c ‰ œ œ bœ œ œ Œ Este motivo, que constituye un tema en
determinados momentos por desarrollo del
?c ‰ œ œ œ œ œ Œ mismo, alude más al trasfondo psicológico del
navarro y a sus sentimientos por Carmen. Está
?c ! formado, en este caso, por un acorde menor
seguido de otro con quinta disminuida y sépti-
Ejemplo 8. Carmen. ma menor, segundo grado del tono principal
Bloque 2.2, c. 1 (Do menor: I- II7). Es desgarrado, pasional, pun-
zante y obsesivo. Armónicamente es imperfec-
to y disonante, y, por lo tanto, es más agresivo, con movimientos paralelos
y un final que, en este caso, sí es dependiente: no puede funcionar solo,
necesita una resolución, un apoyo, algún elemento que lo complete.
De nuevo recuperamos las palabras de Nieto en el DVD de Carmen a
la hora de referirse al personaje de José: “José en la ópera es un personaje
muy esquemático. Aquí es complejísimo, y además es un personaje difícil
de encontrar en la literatura, no es un arquetipo. Creo que el proceso de
este personaje es de las cosas que más me interesan en la película14”.
Además, en la partitura de Carmen encontramos una serie de temas secun-
darios que ayudan a dar variedad y aportar nuevos matices a la película.
Presente solo durante la primera media hora de la película, el tema encar-
gado de ilustrar el viaje de Prosper Merimée por el sur de España recoge
todo el sabor andaluz y el pintoresquismo del que en muchos momentos
la partitura hace gala. Es un tema muy lírico, que comienza con una pro-
pulsión para posteriormente afrontar el característico descenso de caden-
cia andaluza desde la tónica hasta la dominante. El propio José Nieto habla
13 “Pepe Nieto, el compositor”. Carmen, DVD, disco 2. Suevia Films, 2003. Reedición en 2007
dentro de la colección El cine de TVE.
14 Ibídem.
del dilema de utilizar clichés o musicalizaciones obvias para referirse a loca-

lizaciones en una película: “En principio, ni la época histórica ni la locali-
zación geográfica de la acción tienen por qué condicionar la música de la
película si ésta tiene como fin la descripción de emociones.[...] Por lo tanto,
parece que su descripción musical puede ser perfectamente neutra desde
el punto de vista de la época y del lugar en el que ocurren”15. Sin embar-
go, en esta película sí se sirve de recursos que permiten vincular la música
con un lugar específico, como es el caso de este tema y de algún motivo
que comentaremos más adelante. Si nos ceñimos a sus palabras, ese “en prin-
cipio” con el que encabeza la frase ya nos indica que no nos encontramos
ante una verdad absoluta: las normas están para romperse y en un film que
revisa la mitología de la mujer fatal española por antonomasia, además de
constituirse en un homenaje a Andalucía, la referencia resulta casi obliga-
da. Además, permite una simbiosis estética con la música diegética que apa-
rece en forma de livianas, serranas y boleras cantadas por los bandoleros
en las tabernas y las montañas.
De nuevo encontramos un tema lírico, de amplia melodía, que, al igual
que el correspondiente a Carmen, posee un segunda parte, o parte B, que
puede aparecer independiente del resto a lo largo de la película:
En el momento en el que José decide dejar su vida anterior como ofi-
cial y seguir a Carmen a las montañas, Nieto aporta al mundo de los ban-
doleros una música grandiosa y espectacular, trasladando al pentagrama
los paisajes que Vicente Aranda filma para mostrar el espacio de montes,
cuevas y vegetación que servirá de escenario a la segunda parte de la pelí-
cula. De nuevo tenemos una línea melódica muy fluida y lírica, en este caso
de carácter heroico, construida sobre una base en ostinato propia del len-
guaje musical del compositor, y que proporciona un ritmo muy efectivo
en contraste con los valores largos de la voz principal. Lo más interesante
de este tema es su evolución paralela al descubrimiento del protagonista.
La visión idílica de la vida en las montañas se va desmoronando poco a
poco, y, subjetivamente, la música asociada a los bandoleros también se degra-
da progresivamente, añadiendo cada vez más disonancias y presentándose
de una manera más oscura en los graves.
Por último, merece la pena señalar la utilización de dos elementos pre-
sentes a lo largo de toda la película que no destacan tanto como los temas,
pero que, sin embargo, consiguen aportar coherencia y unidad al conjun-
to. La sucesión de acordes de la cadencia andaluza constituye un motivo en
sí mismo dentro de la película. José Nieto juega con ellos cambiando la
orquestación, textura y velocidad para utilizarlos de dos maneras diferen-
tes, dependiendo de las necesidades de cada escena:
15 José Nieto: Música para la imagen: la influencia secreta, Madrid, SGAE, 2003, p. 93.
- Pintoresquismo: los acordes de presentan en una sucesión VI-V repe-

tida varias veces. Posee un carácter ligero, casi de danza y es orquesta-
do con registros agudos como las flautas, acompañadas por las cuerdas
y la guitarra. Un ejemplo lo podemos encontrar en la música que acom-
paña a Merimée mientras pasea por el puente romano de Córdoba lleno
de vida y observa la cotidianidad andaluza.
- Amenaza: el carácter es totalmente diferente. Los instrumentos ya no
son agudos, sino graves; el ritmo no es danzable, sino pesado, y su apa-
rición es mucho más frecuente. De hecho, se encuentra presente a lo
largo de toda la película como un mal presagio, un elemento que apor-
ta información complementaria y que anuncia al espectador la tragedia
hacia la que se encaminan los personajes.
Nieto se sirve aquí de concepciones clásicas, asociaciones instrumen-
tales que se encuentran dentro de la cultura musical colectiva para anun-
ciar esta tragedia por venir. De este modo, asocia la muerte con los meta-
les, sobre todo con trompas y trombones, y, pese a no ser ni mucho menos
el primer compositor en servirse de este recurso, sí consigue una efectivi-
dad notable a la hora de poner sobre aviso al espectador.
Por último existe lo que llamamos motivo base: formado por tres notas
a distancia de tono entre la primera y segunda y semitono entre la segun-
da y tercera, a modo de doble bordadura de la nota central. Su disposi-
ción rítmica puede variar, aunque siempre se encarga de proporcionar una
densidad a la textura orquestal y modificar el acento, proporcionando una
sensación de inestabilidad.
En una de nuestras entrevistas personales el propio compositor nos indi-
có que su función es similar a la de un bloque aleatorio de tres notas que
cada intérprete debe ejecutar a voluntad, pero de una manera más con-
trolada, la cual facilita el efecto y minimiza el tiempo de grabación.
El motivo, que no es fácilmente reconocible para el espectador de la
película, sin embargo, otorga una unidad y coherencia al total musical, ade-
más de cumplir esa función narrativa de inseguridad y deriva ya explica-
da. De él surgirán determinados apuntes de un par de compases de dura-
ción, en flautas y guitarra sobre todo, que, generalmente adornados con
arabescos, veremos que aparecen a lo largo de toda la partitura.
La grabación de la banda sonora de Carmen contó como intérpretes con
la Orquesta de Cámara Andrés Segovia bajo la dirección del compositor y
la voz de Fernando Terremoto para la seguiriya “Cuando me maten”, nomi-
nada al Goya a la mejor canción en 2003. Además, la música para la pelí-
cula de Vicente Aranda es ganadora del Premio de la Academia de las Artes
y las Ciencias de la Música al “Mejor álbum de banda sonora de Obra Cine-
matográfica”, el segundo que consigue el compositor tras Juana la Loca, y
fue nominada al premio del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC).
De la banda sonora de Carmen José Nieto extrajo una suite de con-

cierto, estrenada el 13 de mayo de 2006 en Alcira16 (Valencia) por la Orques-
ta del Mediterráneo, dirigida por el compositor durante un concierto home-
naje a Vicente Aranda con música de sus películas.
Tirant lo Blanc (2006)

“El éxito de Juana la Loca me llevó a hacer Carmen, y el de ésta hasta
aquí cuando yo pensaba hacer sólo un díptico”. Estas declaraciones de
Vicente Aranda en el diario ABC17 muestran el momento dulce en el que
se encontraba el director en el momento de estrenar su versión de la nove-
la de caballerías de Joanot Martorell en su versión castellana, publicada en
1511 (la original, en valenciano, data de 1490). Pero también demuestran
que la llamada ‘Trilogía Histórica’ no fue algo premeditado, sino fruto de
los parabienes de la crítica y la bonanza económica conseguida con las
taquillas de sus anteriores trabajos, aunque es cierto que Aranda ya había
dejado entrever su interés por la novela al introducir un fragmento de la
misma en Juana la Loca (2001), leído por una de las damas de compañía
de la Reina.
Con un presupuesto de 14 millones de euros18, esta coproducción entre
España, Reino Unido e Italia, rodada en su versión original en inglés, causó
una gran controversia debido a su carga erótica y su desconcertante tono.
A continuación reproducimos parte de la noticia del estreno en El País19,
donde el realizador defiende su obra:
Para Aranda, Joanot Martorell “lo sabía todo” en su época, disfrutó de una “cul-
tura inmensa” y llegó a ser “un plagista genial” de todo lo que conoció, fruto de
lo cual existe Tirant lo Blanch al igual que El Quijote, ejemplos ambos de la paro-
dia del género caballeresco y precursores de la novela moderna donde con sen-
cillez se cuentan historias “muy complejas”.“Parece que conocía a Borges, a Stend-
hal”, ha señalado el cineasta, quien ha alabado especialmente el “juego de
vanguardia” que el escritor valenciano utilizó en un diálogo entre Hipólito y la
Emperatriz, encarnados por Sid Mitchel y Jane Asher, respectivamente, donde
“hablan sobre sus pensamientos.Yo busco el pensamiento de un actor para saber
dónde pongo la cámara”.
16 Dentro de la “I Setmana de cinema i literatura d’Alzira: ALZINEMA”. Gran Teatre, Alcira (Valen-
cia).
17 Diario ABC-Córdoba, 07/04/2006. URL de la noticia: http://hemeroteca.abc.es/nav/Navigate.
exe/hemeroteca/cordoba/abc.cordoba/2006/04/07/064.html (Consultada por última vez el 20 de agos-
to de 2010)
18 Íbid.
19 Diario El País, 30/03/2006. URL de la noticia: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Aran-
da/estrena/Tirante/Blanco/elpporcul/20060330elpepucul_3/Tes (Consultada por última vez el 22 de
agosto de 2010)
Sobre el tono humorístico de su nuevo “proyecto colectivo”, ha defendido el

carácter “humano, no épico-heroico” de los personajes, donde Tirante es “un enfer-
mo emocional” y los protagonistas están siempre en un primer término, delante
de la situación política o guerrera: las escenas de batalla, dos en toda la cinta, son
a cámara lenta y sin grandes alardes de producción, muy cuidada en cambio en
toda la parafernalia palaciega de la época.
La banda sonora de Tirant lo Blanc es clara heredera de las investigacio-
nes del compositor sobre músicas del mundo para películas como La Pasión
Turca (Vicente Aranda, 1994), donde aportaba la doble vertiente de la músi-
ca de aquel país: la mediterránea y la árabe.
También Tirant lo Blanc posee esa vertiente más árabe para la ciudad
de Constantinopla o los ejércitos turcos, pero aporta elementos de noble-
za y heroísmo para el protagonista a través de fanfarrias y potentes meta-
les. Nieto separa musicalmente los mundos de Tirante y Carmesina, la rea-
lidad del héroe y lo inalcanzable de amor de la hija del Emperador, codiciado
premio por ser la heredera del Imperio, para construir sobre el telón de
fondo de la música turca la historia que propone Aranda.
Tirante es un personaje con dos caras en la película de Aranda, y esa
dualidad la refrenda la música, a través de dos materiales temáticos.
El primero de ellos hace referencia a
& c œ œ œ #œ œ œ ˙ . Tirante el héroe. El motivo del protagonista
f
Tp. I
marca el carácter del héroe, llegado a Cons-

c
& œ œ œ #œ œ œ ˙ . tantinopla para vencer el asedio turco. Es el
f
Tp. II
Caballero Blanco, seguro y poderoso, inven-
Tp. III-IV & c
cible y aterrador para sus enemigos, y eso
w ˙
ßw ˙ lo establece claramente Nieto con podero-
?c sos acordes abiertos, normalmente en los
w ˙
Tuba
metales, llenos de fuerza y seguridad.
ß Este motivo, siguiendo con la manera de
Ejemplo 9. Tirant lo Blanc. trabajar de José Nieto, puede ser desarro-
Bloque 1-M1, c. 25 llado para alcanzar el grado de tema.
La segunda propuesta musical para el protagonista se centra en el Tiran-
te enamorado. Rescatando las palabras de Aranda en El País antes citadas,
Tirante es “un enfermo emocional”, una persona obsesionada con Car-
mesina, motivo real de su viaje a Constantinopla. En este caso la música es
inestable y más disonante, moviéndose en un estrecho ámbito de violas y
cellos que la convierte en densa, y con inusuales saltos interválicos. Pone
su foco en la turbación carnal que siente el pío Tirante, ejemplo para los
suyos de buen cristiano, que, como se ve en la película, soporta toda la Litur-
gia de rodillas en el suelo. Tirante pierde la seguridad, no es una situación
que él pueda controlar y, de este modo, la música también pierde su clari-
dad (Ej. 10).
j
& c œ œ #œ œ œ Œ œ œ œ œ œ œ w œ œ œœ Œ
Vla I œ
f f
& c œ œ #œ Œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ Œ
œ œ œ œ #œ œ œ œ œ f
Vla II
f œ œ œ œ œ œ
?c œ Œ ˙ œ œ œ œ œ œ œ
Œ
f f
Vc. I
Vc. II
?c ˙ œ Œ œ œ ˙ ˙. œ. œœ œ œ œ Œ
f
Cb.
?c ˙ œ Œ œ œ ˙ ˙. œ. œœ œ œ œ Œ
f
Ejemplo 10. Tirant lo Blanc. Bloque 1-M1, c.37
Nieto se sirve de instrumentos muy variados para constituir una orques-

ta que, al igual que sucedía en Juana la Loca, vuelve a prescindir de los vio-
lines, y que incorpora, además de dos pianos y dos arpas, nai20, duduk21, cor-
netto, yargul, percusión, mandolina y guitarra de doce cuerdas. Los dos
coros, uno de niños y otro de mujeres, representan la segunda vía de la músi-
ca para la película: son, sobre todo, elementos de pureza enmarcados en tex-
turas etéreas e irreales para la inmaculada Carmesina.
La música para la hija del Emperador, objeto de deseo de Tirante, tam-
bién presenta dos vías. La primera de ellas, la inalcanzable y pura: la trama
principal se centra en la virginidad de la princesa, llave para gobernar el Impe-
rio. Es presentada en el agudo, casi etérea, en muchas ocasiones en voces agu-
das: se trata de un descenso de octava adornado con arabescos, una clara refe-
rencia al Misteri d’Elx, en un paralelismo que el compositor propone por el
#œ . œ œ œ. œ œ œ. œ œ œ. œœ
S. & œ. œ œ œ. œ œ œ. œ œ #œ œ
F
#œ . œ œ œ. œœ œ. œ œ œ. œ œ œ.
legato
& Ó œ œ œ œ
F
S.
legato
& ! #œ . œ œ œ. œ œ œ. œ œ œ œ
C.
F legato
C. & ! Ó #œ . œ œ œ w
F
Ejemplo 11. Tirant lo Blanc. Bloque 1-M6, c. 12
20 Instrumento árabe, flauta de caña similar a la quena.

21 Instrumento de viento-madera originario de Armenia.
origen levantino de ambas obras, así como el objeto virginal para el que se
dedica la música en ambos casos. Su aparición más común es en canon, con
sucesivas entradas de las voces formando una armonía por terceras (Ej. 11).
Partiendo del mismo descenso de octava encontramos el segundo mate-
rial temático, para el que no se usan arabescos, sino amplios arpegios. Ésta
es la Carmesina terrenal, mucho más carnal, representada por las amplias
curvas del dibujo melódico. En la versión que presentamos a continua-
ción se precede de una propulsión para después comenzar ese descenso,
germen de toda la música para la princesa (Ej. 12):
& 44 œ œ œ œ 43 œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ 44
6
6
œ œ œ œ œ ˙
A. flt
Ejemplo 12. Tirant lo Blanc. Bloque 1-M3, c. 6
Pese a que se pueda reducir la música de Tirant lo Blanc a dos vertien-

tes, lo cierto es que el compositor trabaja con una gran cantidad de mate-
riales temáticos diferentes para construir un tapiz musical acorde con todos
los elementos de una película ambiciosa y ampulosa en todos sus aspectos:
amor, sexo, poder, ambición, guerra, intrigas palaciegas, magia, comedia…
Las intrigas palaciegas son el principal foco de atención de la película,
y el tratar de influir sobre la decisión de la princesa, una constante. Apare-
ce de manera sibilina, como la forma de actuar del entorno de Carmesi-
na, sobre todo de Estefanía y Placerdemivida [sic.], y, al igual que en la pelí-
cula, se introduce casi sin que el espectador se dé cuenta, y va haciendo
mella a través de un obsesivo perpetuum mobile. Su dibujo parte de las pri-
meras notas del motivo de Tirante, repetidas obsesivamente, que toman un
camino para su desarrollo diferente al tema del capitán, por lo que las con-
sideraremos por separado.
El tema que abre la película es el encargado de representar musical-
mente a la ciudad de Constantinopla, y por extensión a todo el Imperio.
Se trata de una melodía llena de arabescos y giros que remiten a la ver-
tiente más oriental de la ciudad (Ej. 13):
jj
.j
& c œ œ b œ œ Jœ œ œ œ . œ œ ‰ Œ œœœ œ œ ‰ j œ œ œ 42 œj œ œ. œ œ œ c œ
3
bœœœ
3
Duduk
œ
Ejemplo 13. Tirant lo Blanc. Bloque 1-M1 c.3
Partiendo de esta melodía, Nieto extrae la cabeza para modificarla y

crear con ella el motivo identificador de los ejércitos turcos: modifica el
material melódicamente, haciendo que el floreo no vuelva a la nota de par-
tida, sino medio tono más agudo. Este cromatismo más acuciado, junto a la
novedad del yargul, convierte al motivo en una referencia a la llamada de
los muecines a la oración islámica (Ej. 14 y 15):
jj
.j
Duduk & c œ œ b œ œ œJ œ œ œ . œ œ b œ œ œ ‰
Ejemplo 14. Tirant lo Blanc. Bloque1-M1, c. 3
j
œ œ bœ . 2 ˙ œ œ ˙. œ
Argoul & 43 œ 4 ˙ 44
˙. œ ‰
‰
ƒ J
Ejemplo 15. Tirant lo Blanc. Variación: Muecín (Bloque 2-M5, c.6)
Las escasas apariciones de los turcos traen con ellos llamadas a la ora-
ción y arabescos cromáticos más acusados que entroncan directamente con
uno de los trabajos para las salas de conciertos que por aquella época aca-
baba de estrenar Nieto: La muerte del héroe (2004), compuesta para cinco
saxos (soprano, alto, tenor, tenor y bajo), contrabajo, un percusionista, piano
y mezzosoprano. Basada en tres poemas árabes clásicos traducidos por Pedro
Martínez Montálvez, fue estrenada el 13 de Diciembre de 2004 en el Cír-
culo de Bellas Artes de Madrid con la voz de Linda Mirabal, y repuesta el
13 de Octubre de 2007 dentro del ciclo Música para el tercer milenio con
el que el Sax Ensemble celebraba su XX Aniversario.
Es conveniente indicar en este punto que el lenguaje de José Nieto para
la sala de conciertos difiere en gran medida de su música para la imagen,
buscando soluciones estéticas plenamente actuales que, si bien no aban-
dona en el cine, este medio no permite llevarlas tan lejos. Su ideario de
comunión con el público alejándose de las vanguardias más intelectuales
y cerradas lo resume él mismo en el prólogo al libro Música y cine: géneros
para una generación22:
Junto a los grandes movimientos musicales del siglo XX, Impresionismo, Expre-
sionismo, Dodecafonismo, Serialismo, Minimalismo, etc. dentro de los cuales se
han movido grandes maestros que han producido magníficas obras, hay un ismo
más, que es, quizás, al que más compositores se han adscrito y aún se siguen ads-
cribiendo. Lo podríamos llamar el Onanismo ya que dentro de él se han produci-
do cientos de obras “boomerang” que salen de su autor para, sin tocar a nadie, vol-
ver limpiamente a él. Obras, en las que no se advierte la menor intención de
22 Alejandro Pachón Ramírez: Música y cine: géneros para una generación, Badajoz, Diputación de
Badajoz, 2007, p. 15.
comunicarse con alguien y cuyo fin no parece que sea producir emociones ni sen-
saciones de ningún tipo. En estas obras aparece claramente una peligrosa subver-
sión del fin y del medio.
Como indicamos antes, sólo hay dos secuencias de batalla propiamen-
te dicha en Tirant lo Blac, y de muy corta duración. Sin embargo, la pre-
sencia de lo militar es más continua a través de desfiles, marchas o viajes,
en los que es frecuente escuchar esta música, de la que sólo presentamos
en el ejemplo el apartado rítmico-armónico en pianos, pero que también
da mucha importancia a metales y percusión (con indicaciones de “inside
piano”). Es una música marcial y violenta, siempre en fortissimo, y siempre
conviviendo con una gran cantidad de masa sonora dentro de la película.
Existen también referencias musicales a personajes como la Viuda Repo-
sada, uno de los personajes más complejos: su afán de casar a Carmesina
con el Gran Turco no responde sino al amor que siente por Tirante, y a la
necesidad de ser amada. Su tema se aleja de su papel de ‘mala’ de la pelí-
cula, para subrayar la melancolía, tristeza y soledad que sufre desde la muer-
te de su esposo. Lo forman pequeños fragmentos sin una línea musical flui-
da, como evocaciones de suspiros. También la lujuria que impregna todo
el metraje es refrendada mediante choques armónicos, fuertes disonancias
y pasos cromáticos en la melodía, buscando crear un ambiente incómodo
para el espectador, por vicioso e inmoral.
Por último, existe una melodía de arpa, utilizada en un principio como
música diegética que más adelante aparecerá para subrayar la historia de
amor entre la Emperatriz e Hipólito. Conlleva una música luminosa y lim-
pia, que se aleja por completo del tono general de la película, igual que esta
trama secundaria se desvía de la historia principal.
La banda sonora se grabó en Inglaterra, en los estudios Angels y en Abbey
Road, con una orquesta formada por músicos contratados para la ocasión
dirigida por Nick Ingman. Por el momento, no existe una edición disco-
gráfica de la misma.
Conclusiones
Con este breve acercamiento a las tres partituras escritas por Nieto para
la Trilogía Histórica de Aranda salta a la vista que el compositor -como
todos- posee una marca de estilo, un catálogo de recursos construido duran-
te estos cuarenta años de profesión, que el autor revisita con cada nueva
película, de los que toma lo que necesita, y cuya eficacia está suficiente-
mente probada por su amplia filmografía y los reconocimientos que jalo-
nan su catálogo.
“Si la música produce en los espectadores emociones, y una serie de
reacciones elementales como agrado o desagrado, estás tomando partido.
La música nunca es neutra”, sentencia Nieto en una entrevista para la tele-

visión autonómica andaluza23.Y realmente, habiendo analizado seis de sus
últimas películas, nos damos cuenta de que en ninguna de ellas existe una
falta de intención: toda la música cinematográfica de Nieto posee una fuer-
te carga de subjetividad, y un afán de influir en el espectador –aludiendo
al título del libro escrito por el compositor– de manera ‘secreta’. Precisa-
mente, en su libro, Nieto habla del concepto de ‘Inaudibilidad’, converti-
do en un pilar de su producción:
Uno de los principios de la utilización clásica de la música de cine, lo que en
Estados Unidos se conoce como el modelo Max Steiner, es el de ‘inaudibilidad’,
imposible traducción del inglés inaudibility que, naturalmente, no significa en
este caso que la música no deba ser oída en absoluto, sino que debe ser percibi-
da por el espectador de manera inconsciente. Este principio, necesario para que
la música actúe de manera ‘secreta’, puede en muchas ocasiones ser prácticamen-
te imposible de cumplir si partimos de un material temático inadecuado, y muy
especialmente cuando éste responde a la fórmula “tema-pegadizo-repetido-hasta-
la-saciedad.
Es necesario, pues, aclarar que al decir material temático no nos estamos refi-
riendo necesariamente a una melodía más o menos definida, sino también a ele-
mentos más simples y más abstractos, como patrones rítmicos, grupos de notas o
de acordes, conducciones armónicas y colores instrumentales. La combinación y
el desarrollo de estos elementos nos permitirán cumplir los fines de la música,
dándole, si así lo deseamos, lo que hemos denominado condición de ‘inaudibili-
dad’24.
Con esta manera de trabajar, Nieto entabla un diálogo con el especta-
dor haciéndole partícipe de la historia a través de su música, situándole
donde le interesa al director y, sobre todo, dirigiendo su atención hacia
aquello que considera importante. Con un instrumento tan poderoso como
la música, el compositor manipula a la audiencia y dirige su empatía, hacién-
doles que tomen partido, como su partitura, a favor o en contra de cier-
tos personajes o situaciones. Así lo vimos en Juana la Loca (Vicente Aran-
da, 2001), en la escena en la que Juana, a punto de ser desposeída de su
título como Reina, pierde la batalla política en las Cortes y, sin embargo,
la música la ensalza como vencedora moral de la escena, alineándose a favor
de la ‘Reina Loca’, y sumándose a los vítores del pueblo25.
23 Declaraciones realizadas por José Nieto en un reportaje realizado para la televisión autonó-
mica andaluza sobre su figura, y que se enmarcan dentro de la participación del compositor en el
curso de verano “Música y lenguaje audiovisual: una aproximación interdisciplinar”. UNIA, Baeza
(Agosto de 2009). Programa Tesis, Cedecom Prod. Emitido el sábado, 5 de septiembre de 2009, 10
horas.
24 José Nieto: Música para la imagen: la influencia secreta, Madrid, Autor, 2003, p. 117.
25 Juana la Loca, Bloque 18.
Mediante esta manera de apelar al subconsciente del espectador, activa

códigos culturales comunes a toda la audiencia para aportar una informa-
ción complementaria que no se encuentra en la imagen o el diálogo, lo
que implica que muchas veces la música adelante acontecimientos. Baste
un ejemplo para ilustrar este hecho: la cadencia frigia que aparece conti-
nuamente en Carmen (Vicente Aranda, 2003) en metales con una doble
intención: presentar una amenaza y anunciar la tragedia por llegar. Para
ello, se sirve de un elemento español (la progresión armónica de la caden-
cia) que ubica territorialmente la historia, el registro grave como amena-
za palpable, y el timbre de instrumentos de viento-metal, tradicionalmen-
te asociados a la muerte, como estimulador de unos códigos musicales
comunes a toda la música occidental.
La música cinematográfica funciona muy a menudo a la manera de un
coro griego, para comentar una escena, facilitando su comprensión para
el espectador y, de nuevo, dirigiendo su mirada hacia lo importante de la
misma. Si de nuevo recurrimos a Carmen y nos situamos en su escena final,
en la iglesia, la entrada de la música coincide con el momento en el que
José se arrodilla suplicándole a Carmen que deje su vida y se vaya con
él26. El personaje llega a la humillación por el amor de esta femme fatale, y
la música, a través de la lastimera melodía de un cello solista, recalca este
momento, comentando la pérdida total de dignidad del protagonista, y
compadeciéndose de aquel prestigioso soldado reconvertido en bandole-
ro por seguir a la cigarrera. Buscan el mismo efecto informativo, aunque
a otro nivel, los coros de voces blancas que acompañan a la princesa Car-
mesina en Tirant lo Blanc (Vicente Aranda, 2006), mostrándola al especta-
dor como un ser puro e inalcanzable.
Pero no siempre el papel de las bandas sonoras escritas por Nieto es tan
poético. Muchas veces es necesario que la música se convierta en un ele-
mento más que ayude técnicamente a la película, suavizando cortes, cubrien-
do saltos temporales, situando al espectador cronológica o territorial-
mente, imprimiendo ritmo a una escena o, simplemente, supliendo carencias.
Este último es el caso de las dos batallas de Tirant lo Blanc, cuya flagrante
insuficiencia de efectivos en pantalla se suple mediante el montaje y el soni-
do, y donde la música tiene un papel prioritario a la hora de crear la mul-
titud y el caos bélico que no se ve en pantalla27.
Pese a la gran cantidad de funciones que a lo largo de nuestro estudio
hemos visto que desempeña la banda sonora, el compositor siempre se ha
preocupado de establecer una estructura coherente que vertebre la totali-
dad de la música (ahí está el Requiem como hilo conductor de Juana la Loca),
26 Carmen, Bloque 6.3.

27 Tirant lo Blanc, Bloque 2-M8 y Bloque 7-M1.
buscando una evolución y un desarrollo musical parejos a la historia para

la que fue escrita. Así, hemos visto a través de los ojos del José de Carmen
cómo el tema de los Bandoleros aparece en un principio heroico y triun-
fal, cuando el personaje se suma a esa aparente vida idílica, pero que se va
pervirtiendo a medida que se desmorona el mito y descubre las miserias
de su situación.
Pese a todos los lenguajes explorados por la música de José Nieto en
estas películas, con los que el autor se adapta a las necesidades de cada pelí-
cula, nunca pierde su sonido característico, ese ‘sonido Nieto’ que a con-
tinuación trataremos de desgranar en una serie de puntos que se convier-
ten en auténticas marcas de estilo:
- Predilección por la melodía en cuerdas.
- Parte de motivos cortos, cuya maleabilidad permite su adaptación al
timing de cada escena, desarrollándolos en forma de temas si es nece-
sario. Ambos -motivos y temas- beben directamente de los leitmoti-
ven wagnerianos, ya que se relacionan a una determinada situación o
personaje, y evolucionan con él a través de variaciones melódicas,
armónicas, rítmicas o tímbricas.
- Uso de ostinati como un elemento indispensable, bien sea para impri-
mir ritmo a la escena, para crear un bucle obsesivo, o como simple
acompañamiento, que de nuevo se revela como muy maleable.
- Cuidada utilización de la percusión, siempre muy presente en el metra-
je (no hay que olvidar los orígenes como batería de jazz de Nieto).
- Construcción de estructuras o bloques musicales que buscan un punto
de clímax hacia el que dirigen la escena, bien sea a través de la acu-
mulación de tensión (trémolos, aumento progresivo de la densidad
orquestal, crescendi…), o a través de progresiones melódicas.
- Recurrentes giros melódicos y armónicos que se reflejan en la simi-
litud entre los materiales (es frecuente el ascenso de semitono más
descenso de tercera, y sus variantes en inversión, retrogradación, etc.).
- Marcada sincronía con las imágenes, conseguida a través de constan-
tes cambios de compás que adaptan la estructura musical al montaje.
- Respeto de los diálogos: la música pasa a un segundo plano y limita
sus evoluciones para dejar escuchar el texto informativo al especta-
dor. Haciendo alusión al punto anterior, esa sincronía funciona tam-
bién en estas situaciones, ya que la música emerge en forma de bre-
ves intervenciones en primer plano para cubrir los silencios entre las
intervenciones de los personajes, cuando el ritmo de la escena así lo
requiere.
La música escrita por José Nieto se adapta al espacio que posee, para
regular la cantidad de material temático diferente con el que el composi-
tor va a trabajar. De este modo, encontramos que Tirant lo Blanc es la par-
titura con mayor cantidad de elementos temáticos diferentes, ya que es la
que posee más metraje para su desarrollo. A continuación incluimos un
gráfico comparativo de las tres películas, donde se incluye el metraje total
de cada película y la cantidad de música compuesta por Nieto, en un minu-
taje aproximado:
Nieto siempre ha sido muy consciente del espacio del que dispone y
ha sabido adaptarse a cada situación. Por eso, fue una figura clave en la tele-
visión española de los años 80, con los documentales El arca de Noé (1981),
Esta es mi tierra (1982) o Ciudades pedidas (1984-1989); y las series Teresa de
Jesús (Josefina Molina, 1983) y Los jinetes del Alba (Vicente Aranda, 1990).
Los últimos trabajos televisivos los realiza para la BBC en colaboración con
el director Alan Ereira: The Heart of the World (1990) y Crusades (1994). Pese
a que en los últimos quince años no se ha vuelto a acercar a la música para
televisión, el medio aportaba a Nieto una libertad y riqueza temática que
no tiene en los largometrajes:
Si, en el cine actual, aceptamos que una película puede llevar entre veinticin-
co y cuarenta y cinco minutos de música […] no parece fácil que el espectador
sea capaz de percibir cinco o seis temas distintos, sobre todo si no hay tiempo
material para desarrollarlos. Sin embargo, si la duración de la película es entre cua-

tro y ocho horas, no sólo se puede aplicar este sistema, sino que además resultará
de gran utilidad, al proporcionarnos una gran variedad de temas, para desarro-
llarlos y combinarlos a lo largo de las varias horas de narración28.
Entendida como un elemento más dentro de la película –como la foto-
grafía o el guión–, las bandas sonoras escritas por José Nieto buscan, ante
todo, realizar un servicio a favor del largometraje para el que han sido escri-
tas. Sin embargo, escarbando esa superficie de aparente servilismo, encon-
tramos todo un trabajo de artesanía que, perfeccionado a lo largo de cua-
renta años, muestra un rechazo absoluto hacia la música vacía. Siempre
existe una intención, siempre hay un porqué, y, sobre todo, siempre hay
una búsqueda de coherencia, de formar una supraestructura más allá de los
bloques individuales que aúne todos los elementos y constituya un todo
musical.
28 José Nieto: “La música en las series de ficción” Ficción televisiva: Series. Joseba Lopezortega
(ed.) Madrid, SGAE, 1995, p. 100.

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CUADERNOS DE MÚSICA IBEROAMERICANA. Vol.

ALEJANDRO GONZÁLEZ VILLALIBRE

La música de José Nieto para la ‘Trilogía

Definir el estilo cinematográfico de José Nieto (Madrid, 1942) es cier-

o la serie documental Ciudades Perdidas3, o sus partituras para teatro y ballet,

Juana la Loca (2001)

Ejemplo 1. Bloque 4, c.3

Ejemplo 3. Bloque 5, c.1

timientos de aquella niña Juanita, arrancada de brazos de sus padres, envia-

œ ggg œœœœ .... # œœ œœ œœ œœ œœ œœ ˙ œ ggg ˙˙˙

La música también puede actuar desde la sombra, oculta como un bajo

Ejemplo 6. Bloque 7a, c. 18

La carrera de Nieto ya se había topado con música para la Reina Juana,

[Vicente y yo] hablamos mucho de la película y poco de la música, porque

sión operística a cargo de Georges Bizet, estrenada en 1875, y los recu-

En el primer compás aparece el motivo de Carmen: un motivo reple-

del dilema de utilizar clichés o musicalizaciones obvias para referirse a loca-

- Pintoresquismo: los acordes de presentan en una sucesión VI-V repe-

De la banda sonora de Carmen José Nieto extrajo una suite de con-

Tirant lo Blanc (2006)

Sobre el tono humorístico de su nuevo “proyecto colectivo”, ha defendido el

marca el carácter del héroe, llegado a Cons-

Nieto se sirve de instrumentos muy variados para constituir una orques-

Ejemplo 11. Tirant lo Blanc. Bloque 1-M6, c. 12

20 Instrumento árabe, flauta de caña similar a la quena.

Ejemplo 12. Tirant lo Blanc. Bloque 1-M3, c. 6

Pese a que se pueda reducir la música de Tirant lo Blanc a dos vertien-

Ejemplo 13. Tirant lo Blanc. Bloque 1-M1 c.3

Partiendo de esta melodía, Nieto extrae la cabeza para modificarla y

La música nunca es neutra”, sentencia Nieto en una entrevista para la tele-

Mediante esta manera de apelar al subconsciente del espectador, activa

26 Carmen, Bloque 6.3.

buscando una evolución y un desarrollo musical parejos a la historia para

material para desarrollarlos. Sin embargo, si la duración de la película es entre cua-

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