DOMINA LA MEZCLA Y EL MASTERING

¡Empezamos!
Para mí la organización de un proyecto es esencial, porque al final, si no tenemos el
proyecto bien organizado y bien estructurado, te garantizo que es mucho más complicado
llevar a cabo un buen trabajo.

Sin embargo, antes de meternos de lleno en esto, quiero comentar una cosa.

Hay mucha gente que me pregunta si a la hora de terminar la fase de producción y empezar
la fase de mezcla en una plantilla de mezcla tienen que exportar todo sin efectos y a 0 dB.
Es decir, hay mucha confusión sobre cuándo acaba la fase de producción y empieza la fase
de mezcla. Recibo muchísimas preguntas al respecto y quiero aclarar esto.

Cuando estás en la fase de producción, a la hora de exportar los temas para meterlos en
una plantilla de mezcla, no es necesario exportarlo todo sin efectos y a 0 dB.

Por ejemplo, imagínate que estamos haciendo un tema de trap oscuro y nos encontramos
por ahí un bombo que es de una librería de rock y nos flipa. Pero el problema es que al ser
el de rock, el bombo quizá tiene demasiado brillo. No hay problema. Le metemos un filtro
para quitarle agudos y ya nos suena más a trap. Esa ecualización la voy a mantener cuando
exporte para la fase de mezcla.

Al final, ten en cuenta que debes mantener siempre todos esos efectos que le den el toque
que tú quieres a tu sonido como producción.

Además, tienes que tener en cuenta también que a la hora de exportar no es necesario
dejarlo todo a 0 dB. Podemos dejar los niveles como los tenemos en la etapa de producción
y exportar directamente a la plantilla de mezcla. Luego en la mezcla probablemente
volveremos a balancear todo, así que por esto no te preocupes.

Lo más importante cuando termines la fase de producción es que te asegures de que has
conseguido todo lo que quieres como producción, y entonces ahí exportas, como lo tengas.

No pasa nada que no tengas hecha la estructura de ganancia o que hay algún sonido un
poco alto o un poco bajo. Tranquilo. Luego en la mezcla lo solucionarás. Eso sí, asegúrate
de que tus sonidos ya suenan relativamente bien.

Por ejemplo, si en la fase de producción metemos un kick que no tiene nada de pegada ni
de peso en las frecuencias graves y queremos que nuestro track tenga un kick con mucha
pegada o mucho peso, pues no vamos a poder arreglar esto en la mezcla.

Ahora sí, pasemos a la organización. Yo organizo siempre mis mezclas por grupos. De esta
forma tengo todo el Playlist organizado, todo el Channel Rack organizado y todo el Mixer
organizado.
Por ejemplo, creo un grupo llamado ‘LOW END’ y allí meto todo lo que tenga que ver con
frecuencias graves dentro de mi track. También hago otros grupos como el de la
‘PERCUSIÓN PRINCIPAL’, o el de la ‘PERCUSIÓN SECUNDARIA’. También otro para
‘MELODÍAS’.

Al final el tema de la organización es algo muy personal y subjetivo. Si quieres organizarte

como yo está perfecto, y si quieres innovar y probar algo tú, también.

En resumen, podemos mezclar o bien en el proyecto de la fase de producción, empezar la

mezcla directamente, o como te he explicado al principio, exportas toda la fase de
producción a un nuevo proyecto que sería una plantilla de mezcla y allí mezclas. Las dos
formas son completamente válidas. Al final, para mí se me hace un poco más rápido el
hacerlo todo directamente en el mismo proyecto, en el proyecto donde también he
producido el tema, porque yo ya voy organizando a medida que voy produciendo.
Estructura de ganancia
Normalmente cuando la gente empieza a mezclar lo que hace es simplemente cargar el
sonido y, en el caso de que esté muy alto, baja el volumen un poco desde el fader y ya está.

El problema de esto es que si tienes un sonido que está distorsionado o está muy cerca de
hacerlo, bajar el fader no nos va a servir de nada.

Lo ideal es que los valores pico de nuestras pistas estén alrededor de entre menos diez o
menos ocho. Si tenemos un sonido picando, por ejemplo, en seis o siete, yo lo suelo dejar
siempre en menos 10 o en menos 11, porque al final esto es una forma de despreocuparse,
porque si lo dejas en menos seis o en menos siete, luego tienes que acordarte que en esas
pistas tienes un poco menos headroom, es decir, de espacio, que en las demás.

Y al final, para mí la mente está siempre para construir, no para retener información.

Además, ten en cuenta que si un sonido ya viene picando por encima de 0 decibelios, está
roto, no hay forma de arreglarlo. Ahora bien, si es solo un sonido y pica en 0 y medio, puede
pasar, tampoco pasa nada, pero si tienes en la mezcla 4 o 5 sonidos sonando a la vez y
picando por encima de cero de vez sí que puede llegarse a notar mucho más.

Aquí lo principal que quiero que entiendas al cien por cien es la diferencia entre el volumen
y la ganancia.

La ganancia es el flujo de señal eléctrica que entra al mezclador, y el volumen es lo que

escuchamos.El volumen es el volumen aparente, es lo que realmente estamos escuchando.

Entonces, si por ejemplo bajamos por completo en el mixer el fader de un sonido, lo

estaremos escuchando bajito a nivel de volumen aparente, pero eso no significa que la
estructura de ganancia esté controlado, quizá ese sonido que se está escuchando super
bajito a nivel de volumen aparente está sonando super alto a nivel de ganancia. Esto es
muy importante que lo entendamos.

La única duda que puedes tener aquí es, vale, ¿cómo sé que es lo que controla el volumen
y qué es lo que controla la ganancia de mis sonidos en la mezcla?

Todo lo que cambie la intensidad de la señal sin que tú toques el fader, es ganancia, es
decir, si yo puedo hacer que la intensidad de mi señal que está picando a - 20 db la pueda
subir a - 10 db y mi fader del mezclador sigue a 0 sin haberlo tocado, eso es ganancia. En el
momento en el que tú tocas el fader del mixer para cambiar esa intensidad, es volumen, no
ganancia.
Ecualización
Yo cuando me pongo a ecualizar siempre pongo un ecualizador primero para limpiar y dejar
el sonido como yo quiero que suene, ¿pero qué es lo que hago exactamente con el
ecualizador para limpiar y dejar el sonido como yo quiero que suene?

Dos cosa: una, cortar frecuencias innecesarias, y dos, cortar resonancias molestas. Así de
sencillo.

No hago nada más con este ecualizador. No voy a ponerme a hacer hueco con otros
sonidos ni a enfatizar frecuencias. ¿Por qué? Pues básicamente porque no sé qué cadena
de procesamiento tendrá ese sonido, en este punto todavía no sé si voy a comprimir, a
limitar, a saturar o lo que sea.

Entonces, lo más sencillo es simplemente utilizar este ecualizador para quitar lo que el
sonido no necesita y dejarlo perfecto.

Aclaración: esto yo lo hago de esta forma porque he hecho el trabajo adecuado en la fase
de preproducción, es decir, he seleccionado únicamente sonidos que sé que me funcionan.
Y con ‘me funcionan’, me refiero a:

● Me suenan super bien, es decir, son muy buenos sonidos.

● Encajan con mi identidad sonora.

Luego, cuando terminemos toda la cadena de procesamiento del sonido, volveremos a

insertar un ecualizador al final de la cadena y aquí sí que nos pondremos a enfatizar las
frecuencias que necesitemos y a ecualizar en conjunto respecto a los demás sonidos de la
mezcla para hacer hueco si hay frecuencias que chocan.

Al final, las principales preguntas y dudas respecto a la ecualización suelen ser las
siguientes: ¿cuánto quito? ¿cuánto pongo? ¿dónde quito? ¿dónde pongo?

Y, lo siento, pero nadie va a hacer el trabajo por ti.

Cada sonido es un mundo, así que cada ecualización también. Lo importante aquí es
darnos cuenta de que nuestras primeras ecualizaciones no vamos a hacerlas bien. Es decir,
no vas a hacer la ecualización igual que un ingeniero de mezcla que lleva 40 años en el
mundillo. ¿Por qué? Pues por esos 40 años precisamente.

La gran diferencia entre TÚ ecualización y SU ecualización, es que a ti te faltan esos 40

años de experiencia y de ERRORES.

Así que el mejor consejo que te puedo dar respecto a la ecualización es PACIENCIA, no
tengas miedo a equivocarte y enfócate en desarrollar tu oído y tu criterio.
Compresión sidechain
Esto de la compresión sidechain nos va a servir para decirle al bajo que cada vez que
suene el bombo, su señal se comprima y deje pasar al bombo para que así no se chocan
entre ellos. Bastante fácil de entender.

Para hacer esto puedes hacerlo de mil formas diferentes.

Una herramienta que utilizo yo y que recomiendo por su sencillez es el ‘Fruity Limiter’.
Insertas este plugin en el bajo y le enlazas el bombo para que le entre su señal. De esta
forma, cuando suene el bombo el plugin sabrá que está sonando y comprimirá el bajo en
base a los parámetros que le hayamos ajustado.

Ahora bien, por si no sabes muy bien cómo funciona el compresor, voy a explicártelo a
continuación.

Dentro de un compresor tenemos cuatro parámetros importantes:

● Attack: es el tiempo que va a tardar el compresor en empezar a actuar. En este

caso, cuando el compresor pase el umbral que le hayamos marcado (threshold), el
attack son los milisegundos que va a tardar en empezar a actuar.
● Release: es el tiempo que va a tardar el compresor en dejar de actuar. Igual que el
ataque pero al revés, es decir, cuando la sñal caeiga por debajo del umbral, el
release determinará cuánto va a tardar el compresor en dejar de actuar.
● Ratio: es la cantidad de compresión que queremos. A mayor ratio, mayor
agresividad en la compresión.
● Threshrold: Este es el umbral a partir del cual va a empezar a actuar el compresor.
Es la parte más importante porque si lo fijamos mal puede que estemos
sobrecomprimiendo nuestra señal o puede que no estemos haciendo nada. Lo ideal
y lo que te recomiendo que hagas es que, en el caso del bombo y el bajo, baja el
threshold todo lo que puedas hasta que notes que el bajo no se choca nada con el
bombo. A partir de ahí, súbele al threshold hasta que notes que están a punto de
chocarse. Ese es el punto perfecto.
Limitación
Al final, nosotros utilizaremos siempre la limitación para controlar la dinámica de nuestro
sonido. El ganar volumen siempre es la consecuencia de controlar los picos de nuestra
señal.

Lo que nosotros buscamos realmente con la limitación es controlar los picos de nuestras
pistas para que luego esos picos no nos den problemas con otros.

El problema de mucha gente es que no utilizan la limitación y luego en el mastering se

quejan de que tienen ‘poco espacio’ para masterizar porque se han sumado un montón de
picos que no han controlado. Normal, si no has controlado la dinámica de ningún sonido de
tu mezcla, ¿cómo esperas luego tener espacio?

La cuestión aquí es que la gente le tiene miedo a la limitación porque piensan que esto les
va a arruinar sus mezclas, y esto realmente solo ocurre si lo haces mal, como todo.

Un limitador solo tiene dos parámetros importantes:

● Ceiling: es el techo que vamos a establecer para nuestra señal. Lo que te

recomiendo aquí es que te fijes a qué decibelios está picando tu sonido y ajustes
esta perilla a ese nivel.
● Gain: aquí decidiremos cuánto vamos a limitar. Es la parte más importante y también
la más complicada. Lo que te recomiendo para que aprendas y desarrolles tu oído
es que pruebes a darle aquí al gain al máximo. En muchos sonidos apreciarás como
pierdes toda la pegada del sonido. Esto es super importante que lo interiorices
porque es importantisimo que enseñes a tu oído cuando estas sonando mal. Una
vez sabes que estas sonando mal es cuando puedes corregir y sonar bien.
Entonces, dale a tope al gain y una vez tengas claro cómo está sonando mal tu
sonido, ves reduciendo hasta que sientas que mantienes completamente la pegada
y simplemente suenas un poco más alto. Ya está, este es el punto perfecto.

Ahora si necesitas bajar un poco de volumen a tus sonidos después de limitar porque los
notas un poco más altos y fuera del plano que los habías situado, es el momento.

Luego al final de la mezcla volveremos a la limitación pero la haremos en serie, es decir,

limitaremos los grupos.

¿Te acuerdas que yo me organizaba por grupos? El del low end, el de las percusiones, el de
las melodías…

Pues con la técnica de la limitación en serie lo que haremos será irnos a cada grupo e
insertar un limitador allí. A la hora de configurarlo lo haremos igual que si estuviéramos
limitando cualquier otro sonido.

Recuerda, esto de la limitación lo hacemos para controlar la dinámica de nuestros sonidos.

¿Te has dado cuenta que no he hablado en ningún momento de la compresión normal?
Esto es porque, a mi opinión, el problema nº 1 por el cual no consigues un sonido potente y
definido en tus mezclas es la COMPRESIÓN.

Sí, has leído bien, la COMPRESIÓN. Déjame explicarte más a fondo el porqué.

La mayoría de productores piensan que un compresor y un limitador es casi lo mismo. Ya te

digo yo que no.

¿Crees que si cogemos un trozo de papel y lo pintamos como un ladrillo se hundiría al

tirarlo al agua? Lógicamente que no.

Aunque el papel se parezca a un ladrillo, sigue siendo un papel y no un ladrillo.

Lo mismo pasa con la compresión. Los compresores están diseñados para controlar las
señales de audio, y los limitadores están diseñados para controlar los picos

Y el problema es que siempre nos han metido en la cabeza el miedo de que si limitamos
vamos a romper nuestro audio y vamos a perder pegada y nuestra música sonará sin vida.

Créeme, si utilizas bien la limitación, es imposible que te ocurra esto, como hemos visto
antes.

Si no te fías mucho de lo que te cuento y crees que el limitador es igual que el compresor y
que no es necesario, compruébalo tú mismo.

Carga un loop con mucha dinámica, métele un compresor y ajusta el ratio a infinito, el attack
a 0, y el release a 30, después baja el threshold hasta reducir 6 o 7 db de ganancia.

Ahora carga el mismo loop pero en lugar de un compresor métele un limitador, ajusta el
ceiling en el valor del pico máximo de la señal y después baja el threshold 6 o 7 db.

Ahora simplemente compara ambos ejemplos.

En resumen, la compresión está diseñada para reducir la dinámica de tus sonidos si es muy
exagerada como por ejemplo en el caso de unas vocales y para añadir o quitar pegada. En
cambio, la limitación está diseñada para controlar los picos, y por consiguiente disponer de
más headroom en el mastering.
Imagen estéreo
Lo único que hay que tener en cuenta aquí es que necesitamos tratar la imagen estéreo de
nuestros temas para que los oyentes ‘mono’ y los oyentes ‘estéreo’ estén satisfechos con
nuestro trabajo.

Si nosotros nos ponemos a mezclar sin tener en cuenta a los usuarios que utilizan
dispositivos que funcionan en mono, quizá nos llevamos una sorpresa al escuchar allí
nuestro tema.

Entonces, antes de ponernos con esto, tenemos que preguntarnos: ¿mis oyentes son
únicamente usuarios de dispositivos estéreo?

Probablemente no, así que vas a tener el problema de tener que conseguir que se escuche
bien tu tema tanto en dispositivos mono como en dispositivos estéreo.

El plugin gratis que te recomiendo yo para revisar si tus sonidos tienen demasiada
información estéreo respecto al mono es el ‘MStereoScope’

Lo que tienes que fijarte principalmente de este plugin es en la barra verde, lo ideal es que
te quedes en la zona verde o en la zona azul. ¿Por qué? Porque si estás en la zona roja
significa que probablemente en mono se escucha un poco diferente al estéreo.

Si en nuestra canción hay muchos elementos con más información estéreo que mono,
cuando escuchemos esa canción en un equipo mono va a sonar súper diferente a cuando la
escuchamos en un equipo estéreo, porque la información estéreo en un equipo mono
desaparece. Si no tratamos bien esto de la imagen estéreo lo que ocurrirá es que nuestro
sonido se escuchará con un carácter diferente, en otros planos, etc.

Básicamente con el mono lo que vas a perder es todo ese volumen y todo eso, todo ese
carácter que tienes en el estéreo. Así que es súper importante que aprendamos a controlar
bien este aspecto. Eso sí, si ves que a lo mejor el sonido sube el rojo unos pocos
milisegundos y baja enseguida, no pasa nada. El problema es que se quede ahí estable en
la zona roja.

Cuando tenemos un sonido en la barra roja lo que nos está diciendo el plugin es, “oye, hay
momentos en los que el estéreo es más grande que el mono y cuando lo pongas en mono
vas a perder tanta información que no vas a escuchar lo mismo”.

Por cierto, quizá no te lo he comentado, pero cuando hablamos de “controlar” la imagen

estéreo, principalmente de lo que hablamos es de abrir o cerrar el sonido. Con abrir me
refiero a darle más estéreo, y con cerrar me refiero a quitarle estéreo y potenciar el mono.

Entonces, para solucionar el problema de los sonidos que tengan demasiada información
estéreo respecto a su información mono, tan solo tendremos que “cerrarlos” un poco, es
decir, quitarle un poco de información estéreo.
Al final, si todos los sonidos de nuestra mezcla los tenemos súper amplios, nos va a sonar
todo sin contraste. Ahora sí sé, por ejemplo, que el piano va a ser enorme y tengo unas
guitarras que también son enormes, lo más inteligente que puedo hacer aquí es cerrar un
poco las guitarras para que contrasten con el piano y que éste me suene tres veces más
grande de lo que era antes, sin yo tener que añadirle realmente nada de información
estéreo.

¿Por qué? Pues porque tú le estás diciendo a tu cerebro que hay algo más pequeño y que
hay algo más grande. Y él lo puede comparar.

También es importante que entiendas que las frecuencias medias altas no tienen tanto
peligro de desfasar como las frecuencias graves. Principalmente porque las frecuencias
más altas son más cortas que las potencias más bajas. Es decir, su longitud de onda es
más corta que la de las frecuencias bajas.

Ahora bien, quizás te estás preguntando, ¿cuando sé que he conseguido un buen trabajo
con la información mono?

Hay varias cosas en las que tenemos que fijarnos. Cuando escuches tu mezcla en mono,
concéntrate mucho en el contenido frecuencial, no en el cambio que te hace de ancho a
estrecho. Te tiene que sonar casi igual. Si notas que algo se te va mucho, que te suena muy
flojo, es que has perdido un montón. Puedes perder un poquito de agudos, medios o
graves, no hay ningún problema. Puede que algunos planos te cambien un poco también,
eso es normal. Pero si haces el cambio de escuchar tu mezcla en mono después de haberla
escuchado en estéreo y dices “lo noto diferente”, significa que seguramente hay algo que te
está dando problemas.

Lo importante de verdad es que no te fíes del cambio de ancho a estrecho, porque cuando
tú escuchas todo ancho en estéreo, lo vas a notar todo mucho más nítido que cuando lo
escuches en mono.

Aclaración: al final el utilizar plugins para ver el tema de la imagen estéreo está bien y es
recomendable, pero siempre hay que hacer caso al oído. Si el plugin nos dice una cosa y el
oído nos dice otra, siempre haremos caso al oído.
Reverb y delay
Respecto a este tema siempre hay mucha controversia de opiniones y creo sinceramente
que es mucho más sencillo de lo que parece.

En cuanto al delay, yo lo utilizo personalmente como efecto creativo en la fase de

producción.

En cuanto a la reverb, yo la utilizo con dos objetivos diferentes: para empujar, y para crear
espacios.

Para empujar lo que hago es utilizar la reverb por inserción, y para crear espacios lo que
hago es utilizar la reverb por envío.

La reverb por inserción simplemente es cargarla en el slot de la cadena de procesamiento

como cualquier otro plugin más, y por envío me refiero a enviar nuestros canales a otra
pista donde hayamos creado un ambiente con una reverb.

Ver todo el tema de la reverb de esta forma tan sencilla te aclara mucho la mente, porque
dejas de intentar poner por ahí la reverb para “sonar mejor” y empiezas a utilizarla para lo
que de verdad está hecha.

Así que, cuando tengo que tratar el tema de la reverb, primero empiezo empujando los
sonidos a diferentes planos con la reverb por inserción. De esta forma consigo una mezcla
mucho más profunda e interesante.

Y ojo, también le meto reverb al bombo y al bajo, porque son dos sonidos mas y quiero
empujarlos aunque sea un poco para que no me suenen en la cara. Al final, lo importante
aquí es no pasarse y hacerlo con cuidado para no aportarles demasiado información
estereo y perder toda la pegada y la definición que venimos trabajando durante toda la
mezcla.

Una vez he empujado cada cosa a su sitio, me pongo a crear un ambiente en otra pista a
parte con el ‘Fruity Convolver’. Suelo tirar de preset con este plugin porque es mucho más
sencillo, y es lo que te recomiendo.

Una vez tengo este ambiente creado, envío cada grupo del mezclador a esta pista donde h
generado este ambiente con un porcentaje que vea conveniente. Al final yo hago esto para
que mis sonidos suenen en algún sitio. Todo lo que no esté sonando en ningún sitio, a tu
cerebro le parecerá completamente irreal, y eso jugará en nuestra contra.
Mastering
Llegamos a la última fase, la fase de mastering, la que se supone que va a hacer que
nuestro tema suene como queremos.

Permíteme decirte que te han mentido. Si no estás sonando bien al terminar la mezcla,
tengo malas noticias.

La fase de mastering no sirve para “sonar bien”, como siempre nos han vendido.

La fase de mastering sirve para pulir detalles, para solucionar los pequeños problemas que
hayamos tenido en la mezcla.

¿Cómo hacemos esto?

Yo utilizo el ejercicio de escucha activa, un ejercicio que me permite saber qué está
pasando en mi track y qué tengo que solucionar.

Este ejercicio es tan sencillo como coger una hoja y un lápiz y darle al play a nuestro tema.

El objetivo de este ejercicio es simplemente ir apuntando todo lo que veamos que le falla.
Igual que cuando tu colega te manda su nuevo tema y te pide que le des “feedback”, pues lo
mismo pero apuntando en un papel.

Luego cuando termino de apuntar simplemente lo que hago es corregir eso que he
apuntado, ya sea en un proyecto a parte con el track exportado o en el mismo proyecto de
la mezcla.

Yo suelo hacer este ejercicio en un proyecto a parte. Es decir, exporto toda la mezcla en una
única pista y la cargo dentro de otro proyecto. Así lo que tengo que cambiar que no necesite
de volver a la mezcla lo cambio directamente allí.

Una vez he hecho los cambios que he apuntado, simplemente vuelvo a darle al play y hago
el mismo ejercicio hasta que tenga la libreta en blanco.

Me encanta hacer este ejercicio y recomendarlo porque te permite desarrollar muchísimo el

oído. El primer mastering que hagas de esta forma no va a tener nada que ver con el que
hagas dentro de unos años. Esa es la magia.

Si he hecho el ejercicio y no he apuntado nada, doy por terminada la fase de mastering.

Simplemente lo que me faltará es poner un limitador en el canal del Master y ajustar el tema
a 0 db para dejarlo a un nivel profesional.

Aquí cuando ajustamos el limitador en el mastering es donde se nota la limitación que

hemos hecho en la mezcla.
La gente que no limita no puede conseguir tanto espacio como la gente que limita. De aquí
viene la pregunta de “a cuantos db dejo mi mezcla para el mastering”. Mi respuesta siempre
es “a los db que consigas”.

El problema es que la gente no utiliza el limitador, y así es imposible conseguir mucho

espacio aquí en mastering.

Haz la prueba, produce toda tu mezcla con limitadores y sin limitadores, verás que la
mezcla con limitadores consigue mucho más espacio en el mastering que la mezcla sin
limitadores.

Esto es el mastering para mi. Quizá te esperabas algo mágico.

Al final, lo único que va a hacer magia en nuestros temas es nuestro oído y nuestros
conocimientos, punto.