Biografia DE LEONARDO DAVINC

VIDA DE LEONARDO DAVINCI
Considerado el paradigma del homo universalis, del sabio renacentista

versado en todos los ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci
(1452-1519) incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la
hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y la arquitectura,
entre otros. Sus investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas
y minusvaloradas por sus contemporáneos; su producción pictórica, en
cambio, fue de inmediato reconocida como la de un maestro capaz de
materializar el ideal de belleza en obras de turbadora sugestión y delicada
poesía.
Juventud y descubrimientos técnicos
Leonardo nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una
campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la
región), y de Ser Piero, un rico notario florentino. Italia era entonces un
mosaico de ciudades-estado como Florencia, pequeñas repúblicas como
Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. El Imperio romano
de Oriente cayó en 1453 ante los turcos y apenas sobrevivía aún, muy
reducido, el Sacro Imperio Romano Germánico; era una época violenta en la
que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.
A pesar de que su padre se casaría cuatro veces, sólo tuvo hijos (once en
total, con los que Leonardo entablaría pleitos por la herencia paterna) en sus
dos últimos matrimonios, por lo que el pequeño Leonardo se crió como hijo
único. Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente: ya en la infancia
dibujaba animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una
profunda observación del entorno natural en el que creció. Giorgio Vasari, su
primer biógrafo, relata cómo el genio de Leonardo, siendo aún un niño, creó
un escudo de Medusa con dragones que aterrorizó a su padre cuando se
topó con él por sorpresa.
Obras De Leonardo Davinci
1- La Belle Ferronière
Pintada entre 1490 y 1495, La Belle Ferronière es también un óleo
sobre madera. La figura representada es una mujer desconocida,
hija o esposa de un herrero.
2- La última cena
La última cena es una pintura mural ejecutada por Leonardo da
Vinci entre los años 1493 y 1498. Se encuentra en la pared del
comedor del Convento de Santa Maria Delle Grazie en Milán.
3- Salvator mundi
Salvator mundi es un óleo sobre tela, posiblemente pintado entre
los años 1490 y 1500, y supuestamente estaba destinado al Rey Luís
XII de Francia y a su consorte Ana, la duquesa de Bretaña.
4- La Mona Lisa
También conocida como La Gioconda, La Mona Lisa es un óleo
sobre madera pintado por Leonardo entre 1503 y 1506. La pintura
es un retrato de Mona Lisa, la joven esposa de Franceso de
Giocondo, según el testimonio de Giorgio Vasari (1511-1574),
pintor, arquitecto, y biógrafo de varios artistas del Renacimiento
italiano.
5- La Virgen y el niño con Santa Ana
Pintada en óleo sobre madera, La Virgen y el Niño con Santa Ana
fue ejecutada en 1510. En ella están representadas tres figuras
bíblicas: Santa Ana, madre de María, la Virgen y Jesús Niño. Jesús
sostiene en su mano un cordero.
Pablo Picasso
(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor
español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación
del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente
con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el
punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo
Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas
la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la
inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total
entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra
parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus
obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su
condición de artista comprometido.
A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una
composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte
del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre
confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como
principales el arte africano e ibérico y elementos tomados de El
Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en
compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se
adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica
vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la
representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas
eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como
dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del
cubismo.
Obras De Pablo Picasso
1. Primera comunión (1896)

La primera fase de Picasso es anterior a 1900. En esta fase se
encuentran las pinturas que expresan sus primeras
búsquedas, como este óleo sobre tela, pintado cuando
Picasso frecuentaba la Escuela de Artes La Lonja.
2. La vida (1903) - Etapa azul
La vida es uno de los cuadros más importantes de la llamada etapa
azul. Entre 1901 y 1904, Picasso dio énfasis a las obras con
tonalidades azules y temas como prostitutas y borrachos.
Esta fase estuvo inspirada por un viaje a España y por el suicidio de
su amigo Carlos Casagemas, que fue retratado póstumamente en
este cuadro.
3.Garçon à la pipe (1905) - Etapa rosada
garzon
La etapa rosada de Picado estuvo determinada por el uso de tonos
más claros, cálidos y leves, principalmente el rosado. En este
período, que abarcó de 1904 a 1906, Picasso residió en París, en en
barrio bohemio de Montmartre. La vida en la región también
influyó al pintor, que retrató muchos acróbatas, bailarinas y
arlequines. Fue también en esa época que Picasso conoció a la
escritora Gertrude Stein, quien se volvió una de sus grandes
clientes.
4. Gertrude Stein (1905) - Etapa rosada / primitivismo

gertrude
Gertrude Stein encargó su retrato a Picasso. Ella se había
convertido en amiga del pintor y una de las más importantes
financistas de sus obras. El retrato de Gertrudis corresponde a una
transición entre la etapa rosada y el primitivismo. En su rostro
podemos percibir la influencia de las máscaras africanas que lo
acompañarán en su siguiente etapa.
5. Las damiselas de Avignon (1907) - Etapa africana o primitivista
avignon
Este cuadro marca el comienzo de la etapa en que Picasso sufre una
gran influencia del arte africano, y duró entre 1907 y 1909. A pesar
de que en el cuadro el arte ibérico hace presencia, es posible ver
claramente las referencias de África. Principalmente, en la
composición del rostro de las dos mujeres al lado derecho del
cuadro. Sus caras son semejantes a máscaras africanas. Picasso solo
expuso este cuadro años después en 1916.
Vida De Raffaello Sanzio
(Raffaello Santi, también llamado Rafael Sanzio o Rafael de Urbino;

Urbino, actual Italia, 1483 - Roma, 1520) Pintor y arquitecto
italiano. Por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la
perfección de la luz, la armonía en la composición y el dominio de la
perspectiva, la obra de Rafael Sanzio constituye, junto con la de
Leonardo da Vinci y Miguel Ángel Buonarrotti, una de las más
excelsas realizaciones de los ideales estéticos del Renacimiento.
Detalle de un Autorretrato de Rafael (1506)

Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo
pronto en las ideas filosóficas de la época y en el arte de la pintura,
pero falleció cuando Rafael contaba once años; para ganarse la
vida, a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente.
No se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael
con Perugino, del que unos lo consideran discípulo y otros socio o
colaborador. Sea como fuere, lo cierto es que superó rápidamente
a Perugino, como se desprende de la comparación de sus
Desposorios de la Virgen con los de este último. Desde 1504 hasta
1508 trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la
influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.
Obras De Raffaello Sanzio
La Transfiguración (1560-20)
En el nivel más simple, la pintura puede interpretarse como
representación de una dicotomía: arriba, el poder redentor de
Cristo, abajo, las debilidades de los hombres. La zona celestial de
Cristo redentor se caracteriza por la pureza y la simetría, con figuras
menos táctiles y tratadas con colores más claros. En cambio, la zona
inferior es una escena oscura, caótica, en la que hay fuertes
contrastes cromáticos. Se conserva en la Pinacoteca Vaticana
(Museos Vaticanos), Ciudad del Vaticano.
La Fornarina (1518-20)
La modelo de esta obra es la amante y modelo predilecta del
artista, Margherita Luti (c. 1493-1522), hija del panadero (en
italiano, fornaio) Francesco Luti di Siena, quien ya aparece en otras
composiciones del autor, especialmente entre 1510 y 1517.
Actualmente se conserva en la Galería Nacional de Arte Antiguo en
Roma, Italia.
La Escuela de Atenas (1509-11)
Esta obra fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre
1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos
las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias
de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del
Vaticano.
Vida De Donatello Miguel Angel
(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386 - id., 1466) Escultor italiano.
Junto con los arquitectos Leon Battista Alberti y Filippo Brunelleschi
y el pintor Masaccio, Donatello fue uno de los creadores del estilo
renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su
formación junto a Lorenzo Ghiberti le dejó un importante legado
técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus
comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza
emocional, y en un singular sentido del movimiento.
Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en
las grandes estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la
catedral de Florencia. La gravedad y el realismo de estas
monumentales figuras de mármol contrastan vivamente con la
gracia y el decorativismo del gótico internacional, el estilo vigente
en Europa hasta entonces. Donatello comenzó esta serie en 1411
con el San Marcos y la concluyó en 1436 con el llamado Zuccone. A
esta serie pertenece también el San Jorge, su primera obra famosa,
de la que Giorgio Vasari afirmó: «Posee el maravilloso don de
moverse dentro de la piedra.
Obras De Donatello Miguel Angel
1. Cantoría, 1438
donatello
Donatello: Cantoría, 1498, mármol, 3.48 x 5.70 cm, Museo dell
´Opera del Duomo, Florencia.
La cantoría es un balcón o coro que estaba destinado a la catedral
de Santa Maria del Fiore, en Florencia. Es considerada una obra
maestra del Renacimiento.
2. María Magdalena penitente, 1455
donatello
Donatello: María Magdalena penitente, 1455, madera, 188 cm,
Museo dell'Opera del Duomo , Florencia.
María Magdalena penitente es una escultura en bulto redondo en
madera policromada. La escultura fue inspirada en la Leyenda
dorada de Jacopo della Vorágine, como era costumbre. No solo
contrasta con la imaginería de una Magdalena joven y sensualizada,
aunque mística, sino que desafía el ideal de la belleza clásica y
descubre la belleza oculta en lo que se consideraría "grotesco".
3. La Anunciación, 1435
donatello
Donatello: La Anunciación, 1435, piedra arenisca gris, 218 x 168 cm,
a basílica de Santa Cruz, Florencia.
La anunciación es un relieve en piedra arenisca, con secciones
policromadas y apliques en oro, destinado a la capilla Cavalcanti en
Santa Croce, Florencia.
4. Altar del Santo, 1446-1453
donatello
Donatello: Altar del Santo, 1446-1453, Iglesia San Antonio de
Padua,
El Altar del Santo es un conjunto para el altar de la basílica de Santo
Antonio en Padua. De su estructura original solo se conservan:
5. Crucifijo de la Santa Croce, 1406-1408
donatello
Donatello: Crucifijo, 1406-1408, madera policromada, 168 x 173
cm, Iglesia de la Santa Cruz, Florencia.
Esta es una de las primeras obras famosas de Donatello, realizada
por encargo para la orden franciscana. Se trata de una pieza en
madera policromada, cuyas medidas son 168 x 173 cm.
algunos estudios revelan muchos años de diferencia entre una
pieza y la otra.
Vida De Vicente Van Gogh
Vincent van Gogh

(Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890)
Pintor holandés. En las décadas finales del siglo XIX, el
impresionismo marcó el inicio de una profunda renovación de las
artes plásticas que tendría continuidad en la sucesión de ismos o
corrientes del arte contemporáneo. Algunos de los mejores
maestros de este periodo, sin embargo, no pueden encasillarse en
ninguna escuela, y abrieron por sí solos nuevos caminos; entre
ellos, el holandés Vincent van Gogh ocupa una posición señera.
Detalle de un Autorretrato de 1890
Encarnación del artista torturado e incomprendido, Van Gogh no
llegó a vender más que uno de aquellos centenares de cuadros
suyos que actualmente alcanzan desorbitadas cotizaciones en las
subastas. El reconocimiento de su obra no empezó hasta un año
después de su muerte, a raíz de una exposición retrospectiva
organizada por el Salón de los Independientes; en nuestros días,
Van Gogh es considerado unánimemente uno de los grandes genios
de la pintura moderna. Su producción ejerció una influencia
decisiva en todo el arte del siglo XX, especialmente en el fauvismo y
el expresionismo; y tras más de un siglo de experimentos artísticos,
la pincelada tosca y atormentada del artista holandés, alimentada
por el vigor de su pasión interior, conserva toda su fascinante
fuerza expresiva.
Obras De Vicente Van Gogh

1. Los Girasoles-1888-Neue Pinakothek, Múnich
Los Girasoles Van Gogh
Con motivo decorativo e impregnado de sus elementos favoritos: la
naturaleza, los girasoles, el amarillo, Van Gogh crea entre 1888 y
1889, su serie arlesiana relacionada con el tema. “Los Girasoles”
fueron un intento de impregnar y agregar a su casa aspectos
asociados a su visión de la vida. Por ello introdujo procesos audaces
en el manejo del color, el original tono amarillo que ostentan las
flores fue trabajado técnicamente para plasmar la esencia de éstas,
de manera que la creación de estos cuadros está cargada de
muchos simbolismos.
2. El Sembrador-1888-Museo Kroller Muller, Holanda
El Sembrador Van Gogh 10 Obras de Arte
El sol vangoghiano se esparce con fuerza en cada rincón de esta
pieza paisajística en la que un campesino de Arles ejerce su faena al
amanecer u atardecer, según convenga apreciarlo, el lugareño
descuella en medio de tonos terrosos y un vibrante amarillo que
apodera la obra en contraste a las pinceladas sueltas y azuladas que
cerraran el estilo neo-impresionista de la composición. La misma es
considerada una de las pinturas más famosas del artista dado la
historia tras ella.
3. Autorretrato-1889- Museo De Orsay, Paris
Autorretrato-1889- Museo De Orsay Paris
De los 27 autorretratos que Van Gogh, realizara entre 1886 y 1889,
este es uno de los que se le considera más bellos y significativos.
Fue pintado durante Septiembre de 1889 con un dinamismo
otorgado por las líneas onduladas que capturan toda la
composición. La genial paleta de análogos tonos azules en
complementariedad con vibrantes naranja, crean una atmósfera
fría y sosegada que encuadra con una personalidad delimitada con
fórmulas estilísticas. En los diferentes autorretratos la fisonomía del
artista varía.
4. Retrato Del Doctor Gachet-1890-Colección Privada en Tokio
Van Gogh Retrato Del Doctor Gachet
Un pensativo y receloso doctor Gachet es retratado en un
preludioso cromatismo que resaltan el primer plano en el que se
encuentra reposando sobre una mesa, completan la escena un libro
y una planta de digital como atributo de sus capacidades. El doctor,
vehemente de las artes, apoyaría y atendería a Van Gogh en los
reiterados episodios de angustia que le asediaron, su inmortalizada
pose melancólica es «la expresión desgarradora de nuestra época»,
tal como lo reseñaría el mismo artista.
5. Campo de Trigo con Cuervos-1890-Museo Van Gogh,
Amsterdam
Campo de Trigo con Cuervos
Considerada la última pintura de Vincent, antes de su muerte. Para
algunos, “Trigal con Cuervos o Trigal Bajo la Tormenta” como
también se le conoce, está impregnada de simbolismos.
Visualmente, en la obra se identifican un cielo nublado, un campo
de trigo plagado de cuervos volando aleatoriamente y un camino
que parece arribar a un punto ciego en medio del trigal.
Metafóricamente, resulta una alegoría del drama próximo a la
muerte del artista, como una anticipada premonición de su deceso.

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