Música instrumental en el barroco

● Los compositores atienden a dos fuentes de nuevos

idiomas y estructuras formales:
– Música para teclado: tocata (preludio,
fantasía) y fuga; arreglos de corales
luteranos u otros materiales sacros
(preludio coral, versículo, etc.); variaciones;
passacaglia y chacona; suite; sonata.
– Música para conjuntos: sonata (sonata da
chiesa) sinfonía y formas afines; suite
(sonata da camera) y formas
emnparentadas; concierto.
 Música para teclado

● El órgano barroco
– Principal constructor: Gottfried Silbermann
– Características: variedad de registros
(cañones de flauta, lengüetas).
– Principales compositores: Böhm, Buxtehude,
Zachow, Kuhnau, Johann Christoph Bach,
Pachelbel.
 La tocata

● Secciones no fugadas: ritmo irregular o libre, frases irregulares,

cambios bruscos de textura. El efecto de improvisación se mantenía
por medio de cambios bruscos de dirección, incertidumbre armónica.
Estas secciones daban lugar al despliegue técnico del intérprete tanto
en el teclado como en el manejo de la pedalera.
● Secciones de contrapunto imitativo: eran necesarias sobre todo en las
tocatas extensas. De estas secciones derivaría la fuga.
● Ejemplo formal: comienzo en estilo improvisatorio y termina en
cadencia; le sigue fuga; segunda parte de improvisación más breve
que la primera y que termina en cadencia. La obra podría terminar aquí
o se puede seguir agregando inclusive dos secciones más de fugas
con interludios improvisados.
● Denominación: tocata, preludio, praeludium, preambulum
indistintamente.
 La fuga

● Concebidas como piezas independientes, hacia fines del

XVII se independizó del ricercare.
● Elementos: sujeto o dux en tono principal, con la respuesta
o comes en el tono de la dominante, luego las demás voces
alternan en sujeto y respuesta. Otras exposiciones del tema
aparecen separadas por episodios (cuando el sujeto no se
escucha en ninguna de las voces) en los que se modula y
luego se regresa al tono principal. Hacia el final aparecen
recursos como notas pedales, stretto, etc.
 El temperamento igual
● Preludios y Fugas: al servicio de la iglesia, pero también como instrumento
pedagógico de composición e interpretación musical. Recopilaciones:
Ariadne musica de 1715 de J.K. Fischer, en 19 tonalidades mayores y
menores.
● Passamezzo-salterello: en 1517 recopilación de Giacomo Gorzanis, en 24
tonalidades mayores y menores
● Estilo: los instrumentistas de teclado no querían dejar de usar la afinación
pitagórica con las disonancias imperfectas más suaves y las consonancias
perfectas más reales, las terceras mayores eran muy grandes y las terceras
menores muy chicas. En el siglo XVI, al hacerse comunes simultaneidades
de quintas y terceras o quintas y sextas, se utilizó el método del
temperamento de tono medio: las terceras mayores eran más grandes y las
quintas más chicas. El inconveniente era el “lobo” o quinta que sonaba mal
como do sostenido y la bemol o sol sostenido y mi bemol. No se podían
conseguir todas las tonalidades posibles, ni modular por el círculo de quintas
con el mismo resultado.
● Temperamento igual: fue la solución, en la que los semitonos son iguales y
los intervalos no siempre son los reales, pero sí aceptables.
● El clave bien temperado de Bach, 24 preludios y fugas en las 24 tonalidades,
sugiere las posibilidades del nuevo método.
 Composiciones de corales

● Los corales y piezas relacionadas tenían vínculos con la música vocal.

Los compositores de música para órgano usaron melodías de coral
armónica y contrapuntísticamente, como tema con variaciones, etc.
● Corales sencillos: armonizaciones con contrapunto entre las partes,
podían usarse en la interpretación vocal de corales, con el órgano
alternando estrofas con los fieles (estos cantaban al unísono y sin
acompañamiento.
● Variación coral o partita coral: la melodía del coral servía de tema para
una serie de variaciones. Una técnica era hacer aparecer la melodía
del coral como cantus firmus con valores largos.
● Fantasía coral: la melodía del coral se ponía por fragmentos y estos
eran ornamentados y tratados contrapuntísticamente
 El preludio coral

● Piezas breves, donde la melodía del coral se expone entera

y reconocible: el organista tocaba la melodía entera con
acompañamiento y ornamentación libre como preludio al
canto coral de la grey o del coro. Luego llegó a apartarse de
esta funcionalidad original.
 Tipología de los preludios corales

● Cada frase del tema podía servir como tema para un desarrollo
fugado, apareciendo la obra como una cadena de pequeñas fugas. Es
parecida a la fantasía coral pero más breve y organizada.
● La primera frase aparece bajo tratamiento de fuga, luego aparecen las
demás frases en la voz superior con notas prolongadas y poca
ornamentación. A cada fragmento le precede un desarrollo imitativo
con su motivo tratado por disminución en otras voces. Autor principal:
Pachelbel.
● La melodía y el acompañamiento son más libres. Si bien éste último
toma motivos de la melodía del coral, la trata libremente. La melodía
de coral está ornamentada pero no tratada contrapuntísticamente.
Autores principales Buxtehude y Böhm.
● La melodía libre de ornamentación está acompañada por una figura
rítmica continua sin relación. Autor principal: Bach.
 Música organística en los países católicos

● No fueron atraídos por las toccatas y fugas del norte.

● Preferencia: ricercare, canzona de variaciones, piezas de
cantus firmus basadas en melodías católicas (se
corresponden con los corales protestantes) y tocata de
principios de siglo XVII, con pocos episodios
contrapuntísticos.
● Francia: se basaron sobre aires populares y piezas tipo
oberturas y recitativos de la ópera. El compositor principal
fue Couperin (misas para órgano).
 Música para clavecín y clavicémbalo

● En el Barroco y especialmente en Alemania no siempre se

puede decir cuándo se componía para clavecín o para
clavicémbalo e inclusive si es uno de ellos o para órgano.
 Tema y variaciones

● El origen se remonta a fines de la Edad Media y comienzos

del Renacimiento.
● Después de 1650 los compositores abandonaron el escribir
sobre cantus firmus para pasar a elaborar melodías
originales
 La Suite
● Existen dos tipos: las antologías de los clavecinistas franceses y el tipo
alemán de danzas agrupadas alrededor de las cuatro clásicas.
● Francia: “ordres” de Couperin, eran la suma de 20 piezas o más, la
mayor parte en ritmo de danza (courante, sarabande, gigue)
estilizados y ornamentadas, llevando títulos generalmente descriptivo
respecto al contenido musical. La ornamentación con que debían
tocarse las obras, se encuentra en uno de los tratados teórico-
prácticos más importante del siglo XVIII: L’Art de toucher le clavecin de
1716.
● Alemania: “suite o partita” tuvo el orden definitivo de cuatro danzas
principales: allemande, courante, sarabande y gigue. Se podían
agregar otras danzas tanto sea de introducción como luego de la gigue
o antes o después de la sarabande. Los compositores más
importantes fueron: Froberger, Pachelbel, Alessandro Poglietti, Johann
Krieger, J.F.K. Fischer, Johann Kuhnau, Georg Böhm.
● Inglaterra: único representante Henry Purcell.
 Movimientos de la Suite
● Allemande: compás cuaternario simple, moderada, comienzo
anacrúsico y movimiento continuo de corcheas y semicorcheas.
● Courante: compás binario compuesto, tiempo de moderado a rápido,
figuración básica de negra con punto corchea y negra en el primer
tiempo, y negra negra con punto y corchea en el segundo. En las
cadencias suele presentar desplazamiento de acentos hacia tres
medios.
● Sarabande: compás ternario simple, movimiento lento, estilo homófono
en comparación con las dos anteriores.
● Gigue: compás variado, movimiento rápido, con base ininterrumpida
de tresillos, suele estar en estilo fugado.
● Estilo internacional de la suite: allemanda origen alemán; courante
origen francés, sarabanda origen español y gigue anglo-irlandesa.
● Principales compositores en Alemania: Esajas Reusner y Silvius
Weiss.
 La Sonata para teclado

● Originalmente eran para conjunto instrumental.

● Kuhnau: fue el primero en trasladarlas al clave en 1692.
Posteriormente realizó experimentalmente seis sonatas
descriptivas sobre historias del Antiguo Testamento,
llamadas sonatas bíblicas fueron ejemplo de música
programática temprana.
 Música para conjunto

● Comienzos del XVIII: predominio italiano se ve en

competencia con los clavecinistas francesas y los
organistas alemanes.
● Predominio en: música instrumental de cámara, ópera y
cantata, así como la música para cuerdas (grandes
constructores de violines de Cremona como Niccolo Amati,
Antonio Stradivari y Giuseppe Bartolomeo Guarneri).
 La sonata para conjunto

● Sonata: al comienzo del siglo XVII indicaba (igual que la

palabra sinfonía) los interludios instrumentales de obras
predominantemente vocales. Luego de 1630, el término
designó obras instrumentales independientes.
● Sonata barroca: composición para grupo de pocos
instrumentos (2 a 4) con bajo continuo, varias secciones o
movimiento de tempo y textura distintas y contrastantes.
● Tipos:
– Sonata da chiesa: sonata de iglesia o
simplemente sonata, con movimientos
independientes de todo nexo con la danza
– Sonata da camara: sonata de cámara o suite
de danzas estilizadas.
● En la práctica se entremezclaban y la primera podía tener algún
movimiento de danza, y las segundas movimientos ajenos a la misma.
● Instrumentación común a ambas: dos instrumentos agudos (violines) y
uno bajo, con el continuo ocupándose de completar las armonías. Se
le llama sonata en trío aunque pueden intervenir cuatro ejecutantes (la
línea del bajo puede estar duplicada en un violoncello, mientras el
clavecinista u organista dan las armonías implícitas).
● Otras instrumentaciones: sonatas para violín, flauta o viola da gamba
sola con continuo, llamada sonata solística.
● Nomenclatura: una serie de nombre de danzas con el agregado de la
palabra “da camara”, o bien trattamento, divertimento, concertino,
concerto, ballo, balletto, etc.
● Temas: a comienzos del siglo XVII similitud temática entre los
movimientos, se ven en obras de Giovanni Battista Vitali y Tommaso
Antonio Vitali; con el tiempo tendieron a hacerse cada vez más
independientes entre sí, por ejemplo las obras de Giovanni Legrenzi.
 Música de cámara italiana

● Escuela más importante: iglesia de San Petronio, Bolonia.

● Compositor más importante: Mauricio Cazzati.
● Ejemplo de sonata para violín y continuo de cuatro
movimientos: primero Allegro (12/8) en estilo imitativo,
segundo grave (4/4) en imitación canónica a la quinta y a la
cuarta; tercero presto (4/4) tema rítmico tratado por
imitación y cuarto prestísimo (3/8), también en imitativo.
● Estilo: enfoque serio y contenido, ajeno al lucimiento del
virtuosismo del intérprete.
 Arcangelo Corelli
● Formado en Bolonia, su obra se realiza en Roma. Extensa obra tanto
en sonatas da camara como da chiesa.
● Características:
– Violín: limita la ejecución en no pasar de la tercera
posición, no usar notas en el extremo grave, se
evitan las escalas rápidas y las dobles cuerdas
difíciles.
– Secuencia, progresión o marcha armónica: recurso
utilizado por Corelli tanto diatónicamente dentro de
la tonalidad o modulante descendente en el círculo
de 5tas. Su procedimiento estableció las bases para
generaciones siguientes con músicos como Andel,
Vivaldi, Bach y los demás contemporáneos.
– Música diatónica: cromatismo limitado a 7mas.
Disminuidas, o 6tas. rebajadas sobre el IV grado de
la cadencia.
– Movimientos: cuatro en orden de lento-rápido-lento-
rápido. El esquema a pesar de las excepciones es
casi el modelo de la época. Suele comenzarse por
preludio y luego estar seguido por danzas
convencionales de la suite.
– Movimientos y tonalidad: en la mayoría de las
sonatas en trío, los movimientos están en la misma
tonalidad. En las solísticas hay movimientos
contrastantes en los relativos menores.
– Movimientos y temas: suelen ser independientes.
Cada movimiento tiene un único tema tratado por
progresiones y modulaciones constantes hacia
tonalidades vecinas: es el “tramado continuo”.
 Tipos de movimiento:

● 1.- Única sección sin repeticiones, contrapuntístico, frases

irregulares. Lento, suele ser el primer tiempo de las sonatas
da chiesa y da camara; rápido, es el primer allegro de la
primera y la allemande de las segundas. La textura es del
tipo de fuga libre, el bajo trabaja como tercera voz.
● 2.- Secciones repetidas, tendencia a la homofonía, danzas
en dos secciones repetidas con fraseología regular,
utilizándose en las sonatas da camara.
 Las sonatas para solista de Corelli

● Igual orden y características de estilo que las sonatas en

trío, aunque con mayor proporción de movimientos
homófonos.
● Violín: innovación en el tratamiento, aunque no sobrepasa
la tercera posición, hay dobles y triples cuerdas, escalas,
arpegios, cadenzas u movimientos en moto perpetuo
parecidos a estudios.
● La técnica exigida por Corelli fue la base de las escuelas
posteriores violinísticas
● Los ejecutantes debían añadir notas a las líneas melódicas
a través de la ornamentación. Dicha práctica variaba de
lugar en lugar y de época en época.
 La improvisación en la ejecución musical barroca

● Ornamentación tiene tradición desde la Edad Media.

● Ornamentar: no es como actualmente puede pensarse algo
añadido optativamente a la melodía, sino que eran el medio
de transmitir las emociones.
– Método 1: mediante fórmulas melódicas
(trinos, gruppetos, apoyaturas, mordentes)
unidas a una o dos de las notas escritas.
Podía o no estar indicado por signos
especiales.
– Método 2: ornamentos más largos como
escalas, saltos, arpegios. Era llamada
división, disminución, figuración, adornos.
Se utilizaba sobre todo en tempos lentos.
● Cadenza: más común en la ópera, pero también usada en
obras instrumentales, es la elaborada extensión sobre el
acorde de cuarta-sexta de la cadencia final.
● Por tanto, los ejecutantes podían y debían hacer añadidos y
también sacarles partes a las obras o sustituirlas por otras
partes. Esto era sabido de antemano por los compositores.
 Las sonatas para conjunto fuera de Italia

● Inglaterra: se imitaron o adaptaron las composiciones

italianas. Compositores como Jenkins, Purcell, John
Ravenscroft y Händel trabajaron la forma al estilo de Corelli.
● Alemania: también al estilo italiano, pero con insistencia en
el contrapunto al gusto alemán. Compositores como George
Muffat, Reinken, Buxtehude, Fux, Caldara, Christoph
Graupner entre otros.
● Francia: influencia italiana junto a ornamentación diferencial
francesa y refinamiento melódico. Principal compositor:
Couperin. Este mantuvo posición neutral entre los méritos
de la música francesa e italiana y afirmaba que la
perfección del género estaba en la unión de los dos estilos.
 La sonata solística

● Los compositores posteriores a Corelli tanto italianos como

de otras nacionalidades prefirieron componer sonatas para
solistas.
● Alemania: compositores como Johann Jacob Walter,
Heinrich Ignaz Biber escribieron sonatas para violín que a
su vez compendiaron las dificultades técnicas del
instrumento: golpes de arco especiales, cuerdas múltiples,
pasajes dificultosos. Incorporaron movimientos de tipo
improvisatorio y le dieron mayor extensión inclusive
agregando tema con variaciones.
● Italia: Francesco Geminiani, Francesco Maria Veracini,
Pietro Locatelli, Giuseppe Tartini. En su mayoría discípulos
de Corelli.
● Francia: Jean-Marie Leclair.
 Obras para conjuntos mayores

● Además de las sonatas, en la primera mitad del siglo XVII

se compusieron canzonas, suites de danzas, sontas y
sinfonías para grupos de tres y más instrumentos melódicos
con bajo continuo.
● Alemania: sonata y suite para conjunto instrumental, con
autores como Johann Rosenmüller.
● Instrumentación: cinco instrumentos de cuerda (“u otros”) y
bajo continuo.
● Música en Alemania: cortes y nobleza, clase media,
Collegium musicum (asociación de ciudadanos que se
reunían para cantar y tocar en conciertos casi públicos),
bandas de pueblos, música en las iglesias.
 Música orquestal

● Fines del siglo XVII: diferencia entre música de cámara y

música orquestal como música en la que una voz es
ejecutada por un instrumento en el primer caso y música en
la que una voz es ejecutada por varios instrumentos en el
segundo.
● En el XVII no estaba claro cuántos instrumentos debían
tocar en obras con nombre de sonata da chiesa en trío o en
obras llamadas sinfonías o conciertos. No había reglas de
cuántos instrumentos debían tocar por partes ni cuántos
intervenir en el continuo.
● Se estilaba colocar orquestas en obras del género de la
ópera. La orquesta más famosa de Europa era la Opera de
París.
 La suite orquestal

● Seguidores de Lully en Alemania agregaron reglas al estilo

francés.
● Suite orquestal: resultado de lo anterior donde tomaban las
danzas desordenadas de los ballets y óperas de Lully.
Como iban precedidas de dos danzas en forma de obertura
francesa, recibieron el nombre de ouverture.
● Compositores: Georg Muffat, J.K.F. Fischer, Fux, Telemann,
J.S. Bach entre otros.
 El concierto

● Concerto o concierto: aparece luego de 1680 y se convierte

en la forma más importante luego del 1700.
● stilo: combinación de medio concertato y contrastes, textura
de bajo firme y soprano como voz principal, organización en
el sistema tonal mayor-menor y elaboración de obra
extensa organizada en movimientos independientes.
 Tipología de conciertos

● Concierto orquestal (llamado también concerto-sinfonía,

concerto-ripieno, o concerto a quattro): obra en varios
movimientos, con parte principal en el primer violín y el bajo,
evitando escritura contrapuntística.
● Concerto grosso (conjunto grande, orquesta en oposición a
concertino o pequeño conjunto, el grupo de instrumentos
solistas): contraste de sonoridades de un grupo chico de
instrumentos solistas contra el conjunto grande
● Concerto solístico: contraste de sonoridades de un único
instrumento solista contra la orquesta
● Orquesta (en ambos se denominaba tutti o ripieno): generalmente de
cuerdas (primeros y segundos violines, viola, violoncello, violone, con
bajo continuo
● Solista o instrumentos solistas: podían también ser cuerdas (violín y
dos violines respectivamente), pero podían agregarse otras cuerdas o
vientos.
● Antecedentes de la oposición de solistas y orquesta se encuentran en
todo el siglo XVII, tanto sea en episodios de tríos de instrumentos en
danzas de la ópera francesa de Lully, como en las oberturas
operísticas italianas.
● Ocasionalidad: en la iglesia como oberturas antes de la misa, eran
obras de tipo pastoral: obras de Corelli, Händel y Bach.
● Compositores además de Torelli: Tomaso Albinoni, Evaristo Felice
dall’Abaco, Geminiani, Locatelli y Antonio Vivald
 Giuseppe Torelli

● Fue el compositor más importante para el desarrollo de la

forma concierto. Perteneciente a la escuela boloñesa,
presenta las siguientes características estilísticas:
● Tres movimientos: rápido-lento-rápido
● Allegros: estilo fugado. Comienzan por un ritornello
(estribillo) de uno o dos motivos a cargo del tutti y luego
viene un episodio independiente del solista. Después el tutti
hace parte del ritornello en otra tonalidad. La alternancia se
repite varias veces y acaban con un tutti en tonalidad
principal igual al primero (ABACADA similar al rondeau)
● Adagio: dos adagios similares con un breve allegro central
(A episodio A)