ARREGLOS 1 (Apunte) Nicolás Ocampo PDF

ARREGLOS 1
LA COLMENA ESCUELA DE MÚSICA
Prof. Nicolás Ocampo

Docente y Autor del Material
► UNIDAD 1
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Elementos Tecnicos del Arreglo - Variables Discursivas
El Arreglo y su Contexto
1.2 - MORFOLOGÍA MUSICAL _____________________________________ 05
Tipos de Forma y Componentes Formales
Forma de Composición y Forma de Arreglo - Discurso Lineal y Cíclico
Marcas de Ensayo - Análisis de Forma de Composición y Arreglo
1.3 - HERRAMIENTAS DE NOTACIÓN MUSICAL _______________________ 11
La PArtitura y Las Partes
Barras y Casillas de Repetición
Reexposición de Secciones y Finales
Técnica y Expresión
Matices y Reguladores de Intensidad
Articulaciones
► UNIDAD 2
2.1 - INSTRUMENTACIÓN Y ORQUESTACIÓN _________________________ 16
Clasificación de Sección Rítmica y Sección Melódica
La Sección Rítmica Como Conjunto
2.2 - LA SECCIÓN RÍTMICA _____________________________________ 17
Escritura para Sección Rítmica: Stop Time, Play Time, Top Note.
Patrones Rítmicos, Variaciones y Repeticiones.
2.3 - INSTRUMENTACIÓN DE SECCIÓN RÍTMICA _____________________ 20
Piano
Bajo (Contrabajo, Bajo Eléctrico)
Guitarra (Acústica, Electroacústica, Eléctrica)
Batería
► UNIDAD 3
3.1 - LA SECCIÓN MELÓDICA ____________________________________ 48
Instrumentos Transpositores
3.2 - INSTRUMENTACIÓN DE SECCIÓN MELÓDICA: VIENTOS ___________ 49
Flauta Traversa (Piccolo, Flauta Contralto en G, Flauta Bajo)
Clarinete (Clarinete Bajo)
Trompeta (Flugelhorn)
Trombón (Trombón Bajo)
Saxofones (Soprano, Alto, Tenor, Baritono)
BIBLIOGRAFÍA:
The Contemporary Arranger - Don Sebesky.
Composición y Arreglo de la Música Popular - Rodolfo Alchourron.
Modern Jazz Voicings, Arranging for Small Medium Ensembles - Ted Pease and Ken Pullig.
Orquestación - Walter Piston.
DESCARGA DE EJEMPLOS Y MATERIAL EXTRA

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Arreglos 1 · La Colmena · Escuela de Música / Prof. Nicolás Ocampo

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► UNIDAD 1
L ARREGLO & EL ARREGLADOR

1.2 - E
Un arreglo es una versión organizada y orquestada de una pieza. Puede resultar de una labor
colectiva (los integrantes de un grupo) o el trabajo de una sola persona.
El Arreglo puede estar escrito o no. En el primer caso, las ideas musicales (lo que el
arreglador elige que los músicos toquen) quedan escritos en la “Partitura” (Score, Full Score
o partitura gral.). De esta partitura, que contiene el total de los elementos que componen el
arreglo, se extraerán las llamadas “Partes” (Particellas) que contienen solo la información
que debe tocar cada instrumento musical que forma parte del arreglo, esta es la parte usada
por cada instrumentista a la hora de tocar el arreglo.
Si el Arreglo no está escrito las ideas deberán ser comunicadas de algún modo los ejecutantes,
como grabaciones o maquetas de audio (mockups) para que cada uno memorice su parte.
A pesar de todo esto, en un arreglo todo puede cambiarse, la armonía, la melodía, el ritmo,
etc… en forma total o parcial. La suma de transformaciones o variaciones pueden ser tan
influyentes a tal punto de que sea difícil el reconocimiento del tema original.
Para Enric Herrera,“Un buen arreglo será aquel que no solo es bueno técnicamente si no que
también es el adecuado para el “objetivo” se le destina. Por esa razón un arreglo se juzga por
lo bien que suena y no por lo difícil en la ejecución.”
Según Thomas Lorenzo: “Un arreglo es una interpretación personal de un tema previamente
compuesto. En dicha interpretación adaptas el tema, su melodía y armonía, a un estilo e
instrumentación, en función de tus propios gustos y conocimientos”.
¿Por donde se empieza? El tema o melodía principal es la materia prima de un arreglo. Por esa
razón hay que conocerlo bien, aprender su melodía, letra, armonía, etc. Una vez llegado a este
punto se tendrá que tomar decisiones antes de empezar a escribir la primera nota, como por
ejemplo: el tempo, el estilo, la instrumentación, tonalidad, la forma del arreglo. Si bien el
“arreglo” y la “versión” pueden considerarse sinónimos, el “arreglo” se refiere principalmente
al procedimiento y la “versión” al producto. De hecho, también es posible escuchar entre los
músicos populares, el verbo “versionar”.
El arreglo contiene procedimientos operativos y estratégicos vinculados al género y a las

búsquedas estéticas del arreglador. Quisiera resaltar que el término es utilizado aquí, en su
máxima extensión, involucrando tanto los procedimientos del rol específico (como
instrumentador-armador) como los propios de la performance del intérprete/ejecutante. En este
sentido, podemos encontrar:
● En el rol específico: procedimientos de instrumentación y desarrollo textual, así como

armonización - rearmonización y estructuración - reestructuración de la forma. En este
ítem la actividad se vincula con la propia del compositor. Si bien, el arreglo puede
interpretarse como la actividad que se realiza a partir de un original, propongo aquí,
incluir la primera versión como un arreglo. De hecho, en ciertos géneros, la
composición de un tema (en el sentido de pieza musical) parte de un boceto. Frente al
boceto se trabaja sobre el arreglo para la versión de nitiva.
● En el rol de la performance: el arreglo implica procedimientos que se encuentran
implícitos en la interpretación, tales como el fraseo, las dinámicas y una cantidad de
elementos que en la jerga habitual se denominan “jeites”, es decir aspectos
preformativos característicos de géneros particulares (sobre todo en música popular)
Como cualquier otra actividad creativa, la del arreglador no está sujeta a reglas.
Hay sin embargo algunos “elementos” que deberán tenerse en cuenta.

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Elementos Tecnicos del Arreglo - Variables Discursivas
El arreglador manipula y administra diversos elementos Técnicos, Estéticos y Conceptuales:
● MELODÍA: Melodía Principal, contracantos o comentarios, interludios, etc.

● ARMONÍA: Armonía básica funcional, modulación, rearmonización, etc.
● RÍTMICA: Metro constante, cambios de compás, pausas en el pulso, etc.
● COLOR: Combinaciones tímbricas, cantidad de orquestación, solos, etc.
● FORMA: Longitud, secciones, repeticiones, transiciones, forma Lineal, etc.
● PLANOS: Foco del arreglo, que resalta al oyente (principal, secundario, etc.)
● DINÁMICA: Aprovechamiento de la intensidad disponible (pianissimo a fortissimo)
● LETRA: Detalles derivados de la letra.
● TIPO DE ARREGLO: Instrumental, para cantante, nivel de exigencia, etc.
También controla en qué medida estarán presentes las siguientes Variables Discursivas:
● Claridad
● Naturalidad
● Fluidez
● Sutileza
● Comunicación
● Expresión
● Densidad
● Equilibrio entre: Tensión ------ Relajación
Consonancia -- Disonancia
Simplicidad -- Complejidad
Austeridad --- Abundancia
Unidad ------- Variedad
La Curva discursiva de un arreglo debe equilibrarse entre el desarrollo y monotonía. El

“Contraste”, la “Sorpresa” y la “Novedad” son elementos que mediante un uso dosificado ayudan
a generar variedad.
CONTRASTE:
- Color: cambios en orquestación.
- Registro: agudo / medio / grave
- Ritmo: activo / poco activo
- intensidad: fuerte / suave
- Armonización: básica / muy desarrollada
SORPRESA:
- Ritmo: Acentos inesperados, frases fuera de tempo, entradas inesperadas.
- Melodía: desvíos de una escala, cortes abruptos
- Armonía: acordes sustitutos, modulación.
- Orquestación: Timbres Inesperados.
NOVEDAD:
- Suma de algún elemento nuevo cada tanto.
El Arreglo y Su Contexto
El arreglador antes de escribir su partitura tendrá que haber resuelto cosas que pertenecen al
contexto en donde se desarrollará el arreglo y la música que hay en él. El Arreglador debe:
● Conocer el objetivo de Arreglo: si es música para Cine, TV, jingle publicitario,

videojuegos, Teatro, Danza o una grabación para CD.
● Saber si está arreglando para un ensamble donde conoce a los instrumentistas (saber que
instrumentos tocan, si saben leer, si improvisan, que efectos usa el guitarrista, a que
nota aguda llega el 1º trompeta, etc.) o está arreglando música para un ensamble
“standard” ya que no conozco las posibilidades de los músicos.
● Familiarizarse con el tema, tocarlo y/o cantarlo, investigar sobre la obra y su
compositor.
● Determinar:
- El estilo y carácter de la música
- El tempo! (pulso)
- La tonalidad y modulaciones
- La Forma: puede ser útil escribir un diagrama que incluya las diferentes secciones
y sus características.
- La instrumentación.

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EJ ►
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= “The Dawn of Time” (Joe Lovano) / ♫ Link de Descarga
Aquí tenemos 3 versiones del mismo tema grabadas por su compositor y diferentes agrupaciones
donde podemos apreciar notables cambios discursivos y una gran resignificación y
transformación “Emocional y Estética” de la composición gracias a los cambios de enfoque y
abordaje que plantearon sus arreglos.
01.The Dawn of Time / por: Joe Lovano Quartet / CD: Universal Language / Año: 1993
02.The Dawn of Time / por: ScoLoHoFo / CD: Oh! / Año: 2003
03.The Dawn of Time / por: Joe Lovano & WDR Big Band / CD: Symphonica / Año: 2008
ORFOLOGÍA MUSICAL
1.2 - M
En las Artes y en especial “la música” la forma funciona como el molde que da estructura a los
elementos que componen una “Obra Musical”, su propósito es la “COMPRENSIÓN” de la misma. No
hay Arte sin FORMA. En la Música tiene mayor “subjetividad” que las artes plásticas y por
consecuencia una importancia fundamental para la comprensión de las ideas y temas tratados.
La Forma es la estructuración organizada de un material sonoro en un periodo determinado de
tiempo, una herramienta que el artista usa para transmitir de manera sensible y organizada en
secciones sus ideas obteniendo como resultando una “OBRA”.
TIPOS DE FORMA
● RÍGIDA: Generalmente de danzas populares con “Coreografías” fijas. (Zamba).
● FLEXIBLE: Conserva elementos pero con variantes (Tango, aire de Chacarera).
● LIBRE: No hay elementos preestablecidos.
Elementos Básicos:
- Repetición: Para que el oyente pueda retener y comprender una idea.
- Variación: para que el oyente sea testigo del desarrollo discursivo, la repetición
constante sería intolerable.
- Contraste: Para evitar la monotonía.
Teniendo en Cuenta las decisiones que tome el arreglador, La Forma puede percibirse:
sencilla/compleja, Larga/Corta, más Cíclica (predomina la repetición) o más Lineal (predomina
la novedad)
Componentes Formales
Cada versión tiene su propia forma, que expresa sus características particulares en cuanto al
desarrollo temático, estético y orquestal.
Podemos reconocer en el arreglo diferentes Componentes”, elementos discursivos que ayudan a
percibir la curva evolutiva de la obra.
A) TEMÁTICOS
● INCISO: Es la parte más pequeña de una composición musical, deriva del motivo y puede
estar construida desde una a mas notas. Si realizamos una analogía con la literatura,
este corresponderia a las sílabas de una palabra.
● MOTIVO: Elemento básico de una composición musical, diseñado con material melódico-
rítmico que se utiliza como base del desarrollo de una obra musical. Consta de dos o
más células musicales, y es el motor de una composición, ya que desde este la obra se
desarrolla sufriendo diversas variaciones y/o repeticiones en su transcurso.
● SEMIFRASE: Es la unión de dos o más motivos, donde el primero tiene un carácter
expectante (pregunta) y el otro un carácter resolutivo (respuesta).
● FRASE: Es la unión de dos o más semifrases, la cual por lo general termina en una
cadencia conclusiva (sensación de reposo). Se compone de dos secciones: ANTECEDENTE
(Pregunta) y CONSECUENTE (Respuesta).
● PERÍODO: Es la unión de todos los elementos musicales, está conformada de 2 o más
frases musicales, donde la primera generalmente termina en una cadencia no conclusiva y
la segunda termina en una cadencia conclusiva, provocando sensación de reposo.
● TEMA: Entidad Melódica o idea principal de la composición conocida como “Coro”, es el
resultado compositivo que involucra la suma de los Períodos existentes en la obra.

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EJ ►
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= “Sonata No.11 - W.A.Mozart” /
B) ESTRUCTURALES
● INTRO: (Introducción): Sección inicial de la pieza musical es la primera declaración de
material y funciona como abordaje al “Tema Principales” (Head). Puede o no tener
relación con la armonía y el centro tonal primario u con otros elementos importantes,
por lo general son ideas repetitivas (ostinatos) que presentan el “contexto” del Tema.
● HEAD: (Tema Principal, Coro): Es la “Exposición” de la Información temática primaria,
esta es la forma de composición o 1er Coro completo que se presenta, este se organiza
en sub-temas, algunos más relevantes y entre ellos generan algo de contraste, por lo
general son 2 o 3 ideas (como “Estrofa” y “Estribillo”).
● INTER: (puente, interludio): Pasaje que conecta 2 secciones diferentes de la obra,
puede ser utilizado para pausar y relajar momentáneamente la cantidad de información
y/o para preparar la entrada de nuevo material.
● SOLOS: (Solista): Desarrollo temático en donde un instrumento asume el rol de solista
improvisando o tocando una versión nueva de los temas generalmente en la forma del Head
usando su estructura formal y Armónica. La duración puede estar establecida por
cantidad de “Coros” o puede ser libre, hasta que el solista decida continuar con la
siguiente sección.
● VARIACIÓN: Método de desarrollo temático, similar a “solo” pero aquí se presentan ideas
escritas ampliando y rellenando las ideas melódicas y armónicas de la composición,
puede ser para un solista o estar destinada a varios instrumentos.
● SHOUT CHORUS: (Coro Gritado, Clímax): Conocido como “Coro del Arreglador”, sección
donde demuestra sus habilidades escribiendo. Suele ser un momento de gran intensidad y
mucho vigor informativo, es el “Clímax” de la curva discursiva y por lo general está
próximo al final.
● HEAD OUT: (Reexposición del Tema Principal): Luego del “Desarrollo” a lo largo del
arreglo usualmente regresamos para repasar el Tema Principal a modo de recuerdo. Este
puede ser una repetición del HEAD o puede contener algunas variantes.
● OUTRO: (Coda, Conclusión): Momento conclusivo de la obra, pasaje que lleva a la
conclusión, incluyen material de la “Intro”, de un “Inter” o algún elemento clave de la
composición. Esta puede generar la sensación de “Final Definitivo” mediante el corte
absoluto de sonido o de “Final Abierto” bajando la intensidad de manera progresiva
hasta el silencio (fade out) obteniéndose la sensación de “Continuará…”

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Forma de Composición y Forma de Arreglo - Discurso Lineal y Cíclico
Se dice a menudo que la Música es “El Arte del Tiempo”, los elementos que componen una obra
musical se manifiestan progresivamente dentro de una “curva discursiva” y está ligada
directamente al transcurso del tiempo. Cuando analizamos el tiempo podemos encontrar 2 maneras
de percibirlo, estas se relacionan directamente con las llamadas “Forma de Composición” y
“Forma de Arreglo”:
Tiempo CÍCLICO Forma de COMPOSICIÓN
Estructuras que se repiten en un lapso Estructura o molde “Prototipo/boceto” usado para

de tiempo: las 4 Estaciones, los generar y organizar el material melódico, armónico y
meses, el Calendario, las 24hs del rítmico de la obra: intros, estrofas, estribillos,
día, etc. interludios… Esta estructura recibe el nombre de
“CORO” (Chorus). Ej: Samba, Blues, Chacarera…
Tiempo LINEAL Forma de ARREGLO
Ningún evento vuelve a Estructura total del la obra de comienzo a fin. Aquí se
repetirse 2 veces de la misma observa el “desarrollo” del material generando una curva
manera, el tiempo solo va en discursiva lineal. Se escribe en las partes como “Marcas de
una dirección. Ensayo”, pueden usarse “Nº de compás” o “Letras” en orden
progresivo sin repetir ninguna (A,B,C,...)
EJ ►
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= “Algunas Formas de Composición Argentinas” /
CHACARERA SIMPLE: (La forma se toca 2 veces)

► “Chacarera de las Piedras” (Atahualpa Yupanqui)
INTRO A INTER A INTER A A (B)
8 compases 8 compases 6 compases 8 compases 6 compases 8 compases 8 compases
CHACARERA DOBLE: (La forma se toca 2 veces)

► “El Embrujo de mi Tierra” (Carlos & Peteco Carabajal)
INTRO A INTER A INTER A A (B)
6 c 12 c 6 c 12 c 6 c 12 c 12 c
GATO: (La forma se toca 2 veces)

► “Gatito del Dulce Amor” (Oscar Valles & Cuti Carabajal)
INTRO A A A INTER A INTER A
8 c 4 c 4 c 4 c 8 C 4 c 8 C 4 c
ZAMBA: (la forma se toca 2 veces)

► “Criollita Santiagueña” (Atahualpa Yupanqui & Andrés Chazarreta)
INTRO A A A’ (B)
X Compases 12 Compases 12 Compases 12 Compases
Marcas de Ensayo
Al organizar escribir la información del Arreglo y para hacer eficaz la dirección, ensamble y
lectura de los intérpretes es necesario generar en las Partituras y Partes “Marcas” que ayudan
a comprender la morfología de la obra, estas se conocen como “Marcas de Ensayo” y por lo
general están relacionadas con la Forma de Arreglo, se colocan en lugares estratégicos como
comienzo de frases, inter, solos, etc..

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Estas Marcas se presentan dentro de un cuadro y las Simbologías más utilizadas son:
● NÚMEROS DE COMPÁS: La Marcación se realiza teniendo en cuenta el Número de Compás en

donde comienza la nueva sección. Está sibología es muy usada actualmente en música que
será grabada ya que permite articular la partitura con la “regla de eventos” del
programa de grabación haciendo más eficaz el trabajo en el estudio durante la sesiones
de grabación y mezcla.
● LETRAS: Cada sección tiene una letra en orden alfabético y de manera progresiva hasta
el final del arreglo.
● NÚMEROS: Es igual que la anterior solo que se utilizan Números, estos deben ser
progresivos sin ser repetidos hasta el final del arreglo.
EJ ►
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= Marcas de Ensayo con “Letras”. Extracto de Parte “G uitarra” / ♫ Link de Descarga
Fragmento de: Billy (Christian Andrada)

“Córdoba Jazz Orchestra”.
Nota: obsérvese que los cambios de secciones además de tener su respectiva “Marca de
Ensayo”en la parte superior del pentagrama, usualmente son acompañados de una “doble
barra de compás”

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Análisis de Forma de COMPOSICIÓN
EJ ► 5 = “WAVE” (Tom Jobim) / ♫ Link de Descarga

Observaremos la “forma de composición” de este clásico de la Bossa-nova y también la “forma de
arreglo” grabada en el álbum: “WAVE” de Antonio Carlos Jobim (1967)
Forma de Composición Tipo Canción Standard “AABA” / “1 CORO” = 44 compases

A A B A
12 Compases 12 Compases 8 Compases 12 Compases

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Análisis de Forma de ARREGLO
► Para analizar arreglos podemos utilizar la siguiente Plantilla: Descargar

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1.3 - HERRAMIENTAS DE NOTACIÓN MUSICAL
La Partitura (Score) & Las Partes (Parts)

Al momento de confeccionar la “partitura” debemos tener en cuenta su función comunicacional,
esta debe contener la información necesaria para que el conjunto pueda tocar la obra de una
manera eficaz. En la actualidad es muy utilizada la “Notación Musical Digital” y
frecuentemente el arreglador hace la labor de “copista” produciendo la “Partitura” y las
“Partes”. Estos documentos deben tener equilibrio en la información brindada, no debe ser
demasiado escasa y proporcionar lo necesario sobre la obra que tendrá que tocar; tampoco
debemos cargarlo con demasiados elementos ya que podrán distraer al músico.
Definir los objetivos y el tipo de intérpretes que ejecutarán nuestra versión es la

información preliminar indispensable que usamos para seleccionar entre diferentes tipos de
escritura. Podemos distinguir 2 estilos diferentes de confección de Arreglos y Partituras:
ESCRITURA STANDARD: Se realiza pensando en la “instrumentación” y la posibilidades que

poseen los instrumentos musicales que conforman la orquestación elegida utilizando siempre los
códigos y herramientas de Notación Musical Tradicional. Este manera de escribir genera
arreglos “Universales”, dando la posibilidad de ser interpretados por músicos de diferentes
nacionalidades. Según la complejidad y dificultad técnica que utilizamos al escribir lo
podremos clasificar como: “Básico”, “Intermedio” o “Avanzado”.
ESCRITURA PERSONALIZADA (Custom): Se realiza pensando en los “intérpretes”. Cuando el

arreglador conoce en detalle las posibilidades técnicas y características particulares de los
músicos que interpretarán el arreglo como: afinidades estilísticas, que instrumentos tocan, si
pueden doblar a otros instrumentos, el nivel de lectura e improvisación disponen, que
efectos/pedaleras utilizan, y todos los elementos que definen al intérprete como un artista
“único” teniendo la posibilidad de profundizar y ampliar en cada instrumento escrito. De esta
manera generamos arreglos “Personalizados” los cuales son difíciles de interpretar por otros
músicos ya que se trata de música “hecha a Medida”.
Aquí algunas herramientas que ayudan a lograr una “parte” eficaz en cuestiones estructurales,
si se trata de repetir pasajes, y en simbología necesaria para la Interpretación como la
“dinámica” y “expresión musical”.
Barras y Casillas de Repetición

● BARRAS DE REPETICIÓN: son utilizadas para repetir de manera exacta un pasaje. Las ideas
que están dentro de las barras deben tocarse 2 Veces, si no se ha indicado la cantidad
de repeticiones. (ej.: X4)
● CASILLAS DE REPETICIÓN: Se utilizan para indicar un final diferente dentro de las
barras de repetición. el intérprete debe repetir las veces que se ha indicado y en la
última dirigirse y continuar leyendo en la siguiente casilla.

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Reexposición de Secciones y Finales
Cuando decidimos “repetir” y re-exponer algunas de las secciones del arreglo como el “Tema
principal” u otra parte existen herramientas que nos permiten escribir partituras más
sintéticas sin tener que reescribir partes que ya están escritas, estas son las más usuales:
● D.C. A FINE (Da Capo a fine): Cuando encontramos esto al final de la parte debemos
repetir la música desde el Comienzo hasta el compás en donde encontremos la palabra
“fine” indicando el final de la Pieza.
● Del (Segno) A FINE: Cuando encontramos esto al final de la parte debemos repetir
la música desde el compás en donde se ubicó el símbolo “Segno” hasta el compás “fine”
indicando el final de la Pieza.
● D.C. Al (Da Capo al Coda): Cuando llegamos al compás en donde está escrito esto
debemos repetir la música desde el Comienzo hasta el compás en donde encontremos la
“Coda” y desde ahí saltar a la sección escrita como coda al Final de la parte.
● Del Al (Del Segno al Coda): Cuando llegamos al compás en donde está

escrito esto debemos repetir la música desde el compás en donde se ubicó el
símbolo “Segno” hasta el compás en donde encontremos la “Coda” y desde ahí
saltar a la sección escrita como coda al Final de la parte.
Técnica y Expresión
La información específica que usa el arreglador para comunicar las características expresivas
y la utilización de las técnicas de ejecución que disponen los instrumentos musicales:
- “TÉCNICAS” específicas de un instrumento: cambio de efectos, técnicas de ejecución,

cambio de instrumentos, digitación, cifrado armónico, cambios de tempo. etc.
- “EXPRESIVAS” de la pieza musical: reguladores, matices, articulaciones, etc.
Estas se escribe en diferentes lugares en una parte, la “Técnica” se coloca arriba del
pentagrama, en cambio la “Expresión” se ubica por debajo. Aquí un ejemplo:

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Matices y Reguladores de Intensidad
Simbología que se utiliza para informar con qué intensidad se deben tocar los
diferentes pasajes. Gracias a ellos el arreglador puede hacer “foco” y definir los
Planos del Discurso y definir que se encuentra en los planos “Principal”,
“Secundario” y “Terciario” y el intérprete tendrá una noción de la jerarquía de su
parte.
Planos Básicos:
- PRINCIPAL: Melodía, voz principal, Solista… o sección principal.
- SECUNDARIO: Armonización, Backgrounds, Contracantos y comentarios, etc.
- TERCIARIO: Sección rítmica, accesorio tímbricos, etc.
Matices:
Nombre ESCRITO Significado
Pianissimo pp Muy Suave.
Piano p Suave.
Mezzopiano mp Medianamente débil. Literalmente, es la mitad de suave que

piano.
Mezzoforte mf Medianamente fuerte. Literalmente, es la mitad de forte. Si no

aparece algún indicador de dinámica, mezzoforte sería la
dinámica “natural” del instrumento.
Forte f Fuerte.
Fortissimo ff Muy fuerte.
REGULADORES: Incremento de la intensidad

Nombre Abreviatura Signo Significado
Crescendo cresc. Incremento progresivo de la intensidad.
<
Decrescendo decresc. Disminución progresiva de la intensidad.
>
Articulaciones
La articulación es la forma en que se produce la transición de un sonido a otro o
bien sobre la misma nota. Se trata de las diferentes posibilidades en las que se
pueden conectar entre sí las notas que conforman una melodía y otros elementos como
los rítmicos. Estas posibilidades se diferencian básicamente en función de tres
elementos.
● El ataque de cada nota.
● El cierre de cada nota.
● El grado de interrupción o de continuidad del sonido existente entre las
distintas notas.
En su conjunto la articulación tiene uno de los efectos más importantes sobre la

“expresión” de la música.
Hay 5 articulaciones principales.

Staccatissimo, staccato, tenuto, accento, marcato.
La influencia de las articulaciones en una nota o acorde depende del contexto. No se
toca de igual manera un staccato en un tempo lento que en uno rápido.

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1 - Articulaciones de Duración
Staccatissimo (▼), staccato (•) y tenuto ( ‾ )
Corto--------------------------------largo
Sin marca
Staccatissimo: La figura varía poco entre grabaciones, pero es siempre una porción de
figura. Esta indica que la nota o el acorde deben ser lo más corto posible.
staccatissimo
● Un cuarto de figura o menos
El Staccatissimo (▼) se coloca sobre el centro del óvalo en el espacio siguiente.
El staccato (•) es el punto sobre o debajo de nota o acorde, indica que debe ser
tocada corta la nota o acorde.
Staccato
● La ubicación es la misma que la del s taccatissimo
Tenuto (‾) Una pequeña línea sobre o debajo de cada nota (alejándose de las líneas de
pentagrama) indica que debe durar lo máximo de su valor o la intención puede ser:
aplicarle una pequeña presión (articulación de fuerza)
Tenuto
El tenuto significa asegurar esa nota o acorde con atención.

El énfasis permite al tenuto ser flexible en esta aplicación, especialmente cuando se
combina con otra aplicación.

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2 - Articulaciones de Fuerza
Hay 2 articulaciones que afectan la fuerza del ataque: acento (>) y marcato (^).
Nivel dinámico >>---------------------------------> más fuerza
Sin marca
(Tenuto) acento marcato
Acento (>)
Cuando el (>) se ubica sobre o debajo de la nota o acorde debe tocarse con más marca
o marca.
Acento
● La ubicación es la misma que la del s taccatissimo.
Marcato (^). Cuando el marcato se ubica por debajo o encima de una nota o acorde, la
nota o acorde debe ejecutarse con algo más de ataque y más marca que el acento.
Marcato
Es preferible ubicar el marcato por encima del pentagrama pero es también aceptable
por debajo.
3 - Combinación de Articulaciones.
Las articulaciones de duración pueden ser combinadas con las articulaciones de fuerza
y crear variaciones con las básicas articulaciones.
El siguiente ejemplo son las más usadas:

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► UNIDAD 2
2.1 - INSTRUMENTACIÓN Y ORQUESTACIÓN

La orquestación es el estudio o la práctica de escribir música para “Orquesta” (o de manera
más amplia, para cualquier conjunto instrumental); o bien la “Adaptación” para orquesta de
música compuesta para otro instrumento o conjunto musical.
Se denomina instrumentación cuando la adaptación se realiza para cualquier otro conjunto
musical.
En el desarrollo de los estilos Folclóricos Populares, y sobre todo aquellos originarios de
zonas Urbanas, esta terminología suele aplicarse a diferente tipo de formaciones y ensambles
de distintos tipos de envergadura, de carácter “instrumental” (sin poesia, letra) y otros de
carácter “Vocal” (con poesía, letra) y en casos generando una mixtura entre instrumentos
musicales clásicos e instrumentos “autóctonos” propios de diferentes regiones, estos responden
y caracterizan la música de las diferentes culturas a lo largo del planeta.
El Origen de la Música Popular/Folclórica es el Canto: la imagen de un Cantante acompañado con
una Guitarra u otro instrumento armónico se da en cualquier parte del Mundo. Un Cantante con
Orquesta es la ampliación de eso con mayor disposición de recursos y herramientas para su
acompañamiento; a su vez un “Grupo Instrumental” tiene su similitud: La sección de
instrumentos melódicos ofician de cantante y la sección rítmica el contexto que la acompaña.
La definiciones que se aplican con frecuencia en la música popular son:
● Orquestación: Es el procedimiento mediante el cual se decide y designa qué instrumentos

serán utilizados para las diversas partes, temas y material del arreglo. Es una
disciplina de gran potencial artístico.
● Instrumentación: Es el estudio de las posibilidades técnicas, características sonoras y
también las limitaciones de cada uno de los Instrumentos. La profundidad que el
arreglador tenga en este campo se verá reflejado en el desarrollo de su orquestación.
Clasificación de Sección Rítmica y Sección Melódica

Si en la actualidad observamos una agrupación de música popular podremos encontrar 2 grupos o
secciones de instrumentos que responden a diferentes propósitos dentro del arreglo y su
discurso:
1. Sección Melódica: conjunto de instrumentos “melódicos”, donde se encuentran,

generalmente, las melodías principales y su desarrollo. Instrumentos: voces, vientos,
cuerdas frotadas, etc
2. Sección Rítmica: Conjunto encargado de proveer el contexto “armónico” y “rítmico” para

la ejecución de melodías, brindando información que nos permite reconocer o no “estilos
o musicales” (ej. zamba, rock, hip-hop, bossa-nova, etc.) Ensamble compuesto por
instrumentos “armónicos”, “melódico-rítmicos” y de “Percusión”. Instrumentos: piano,
guitarra, bajo, teclados, batería y accesorios de percusión, etc.

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2.2 - LA SECCIÓN RÍTMICA
En la música popular el concepto de “conjunto de instrumentos” capaces de construir el
trasfondo “Rítmico-Armónico” de un tema comienza a partir del siglo XX y está, hasta nuestros
días, directamente relacionada con los estilos populares, los avances en la confección de
instrumentos y las técnicas de amplificación que llegaron posteriormente.
Según los estilos musicales, una sección rítmica puede estar conformada por diferentes tipos
de instrumentos pero siempre se mantiene su propósito: La Base.
Algunos opinan que en la “Sección Rítmica” y sobre todo en América, la parte “rítmica” está
íntimamente conectada con los orígenes africanos (trasmisión oral), mientras que el desarrollo
“Melódico” y “Armónico” proceden de la música clásica europea (trasmisión escrita)
Las Secciones Rítmicas más utilizadas por su eficacia son el “Trío” o “Cuarteto” conocidas
como S.R. “Estándar”. Está compuesta por:
● Piano y/o Guitarra -------------- instrumento Armónico.

● Contrabajo o Bajo --------------- instrumento Melódico-Rítmico.
● Batería o Set de Percusión ------ instrumento de Percusión.
Este pequeño organismo se convirtió en estándar a mediados de 1950, puede sacar adelante una
base muy completa y caracterizar el contexto estilístico y estético para el desarrollo del
discurso melódico. Esta “unidad” era adecuada y se utilizó para la mayoría de las sesiones de
grabación.
A finales de los 50’s, con la llegada de rock n’ roll el sonido estándar fue afectado con la
nueva tecnología:
• Las Guitarras eléctricas con una amplificación más sofisticada!
• El Bajo eléctrico reemplazó, en algunos estilos, al Contrabajo.
• El bombo comenzó a ajustarse más y los “toms” a usarse más flojos.
• Los teclados eléctricos suman una nueva paleta de sonidos y recursos.
En 1960 la tendencia al Bossa-Nova y otros estilos latinos añadió:

• Mayor uso de la guitarra clásica.
• Accesorios de percusión (shakers, bongo, congas, cajón peruano. etc.)
El renacimiento de estilos populares trajo un sonido simple y acústico al entorno del estudio
de grabación.
Durante el 1970 la constante aparición de estilos musicales de fusión o híbridos como el
jazz-rock, folk-rock, etc. desencadenaron una gran evolución en la “Sección Rítmica” según las
necesidades de estos estilos.
Actualmente cada género músical va confeccionando su propio ensamble y trabajando diferentes
variantes según las elecciones “tímbricas” y la cantidad de instrumentos que conforman esta
sección.
Conceptos Básicos:
Es muy importante que los músicos de la sección rítmica se escuchen detenidamente y que
constantemente comprendan el plano jerárquico que debe ocupar su material, expresar el mismo
sentimiento, sentir el pulso y el ritmo de la misma forma compartiendo juntos el escenario
musical.
No es labor de un arreglador enseñar al músico cómo tocar, pero sí es importante que pueda
convertirse en el conductor de su arreglo y transmitir a los músicos lo que quiere, y poder
solucionar lo que no desea.
Tener en cuenta:
● El balance de los volúmenes entre la sección rítmica y sección melódica, tener en
cuenta con claridad a que, quien y como se acompaña. Conseguir un balance natural con
la instrumentación amplificada.
● Acoplarse a la expresión del solista o de la melodía principal, que es la que dicta la
expresión a la que la sección refuerza.
● Todo estilo rítmico necesita una interpretación precisa de sus valores. Tener en claro:
el pulso, el patrón. La sección rítmica de un arreglo es una especie de plataforma, la
cual varía según el estilo, dinámica, carácter, etc.
● Escribir la sección rítmica con claridad.
● Simplicidad de ideas en el acompañamiento.
● La sección rítmica en la música popular es el motor del arreglo sobre el que se apoya
el resto de los componentes de la textura.

17
Escritura para Sección Rítmica
Las “partes” de sección rítmica pueden escribirse de diferentes maneras según el grado de
exactitud y especificidad que busque el arreglo, pudiendo dar mayor o menor liberdad en el
interprete. Aquí pondremos en práctica elementos: Escritos, Parcialmente Escritos y No
Escritos de un arreglo.
● Escrito: Parte, frase o periodo basado en la interpretación específica del material

mediante la escritura detallada de rítmos, melodías, notas que forman el acorde, etc.
El intérprete debe ajustarse a las ideas escritas.
Ej.:
● Parcialmente Escrito: Parte, frase o periodo donde la interpretación de rítmos,

melodías y armonía es aproximada dejando elementos a elección del intéprete. Este tipo
de escritura requiere conocimientos previos de los músicos en estilos musicales y las
formas características de su acompañamiento.
Ej.:
“Stop Time” = Ritmo de la frase sin alturas determinadas, estas serán elegidas por el intérprete.
“Top Notes” = Indica la nota más aguda que debe usarse para confeccionar un acorde,
el mismo se completará desde ese sonido hacia abajo siguiendo el cifrado.
● No Escrito: Parte, frase o periodo donde la escritura se convierte solo en una guía
“Formal” del arreglo con una mínima cantidad de elementos, es muy poco específica y
ofrece mayor libertad en el intérprete. Aquí el músico debe tener un amplio
conocimiento sobre estilos musicales y trabajo de ensamble.
Ej.:
“Play Time” = Stop time pero sin plicas, marca cada tiempo del compás, se utiliza para acompañamientos
rítmicos, es muy usado en estilos populares que tienen rasgos o patrones rítmicos característicos.

18
Patrones Rítmicos, Variaciones y Repeticiones
Cuando trabajamos patrones rítmicos en ostinato en donde diferentes frases se repiten igual o
con algunas variaciones podemos simplificar la escritura de la siguientes maneras:
● Patrón de 1 Compás: Usamos el símbolo “·/·” en los compases donde se repetirá la frase
previamente escrita. Esto también se utiliza para repetir acordes del cifrado.
● Patrón de 2 Compases: Usamos el símbolo “2·//·” en los compases donde se repetirá la

frase. Aquí además agregamos “simile” para que el intérprete pueda hacer pequeñas
variaciones basándose en la primer idea.
● Patrón de 4 Compases: Usamos el símbolo “4·////·”
Conclusión de S.Rítmica
A la hora de ensamblar los instrumentos de la sección rítmica, es muy importante ver como se
complementan, acompañan y como “llevan” o “conducen” los demás elementos como: m elodía,
background, contramelodia, etc.). Por esa razón es importante que esta sección suene con
solidez y claridad.
En muchos géneros hay términos que definen esta relación y particularidad de cómo “debe”
operar la sección rítmica:
● El “Groove” en el Funk y otros estilos: Todos los instrumentos crean patrones
interrelacionados para crear otro mucho más complejo, “Hacer un groove”. Cada
estructura rítmica-armónica-melódica se superponen como engranajes de un sistema.
● El “Riff” en el Rock y Jazz: Frase melódica-rítmica-armónica, relativamente breve, que
se repite sobre una sucesión de acordes y que se utiliza originalmente como recurso de
segundo plano para sostener la obra. Aunque en ocasiones alcanzan el 1er plano, como
material principal. Aquí todos los elementos texturales están en función al Riff.
● La “Clave” para toda la música latinoamericana, sobre todo la afro-latina: La clave,
patrón rítmico o “concepto rítmico” que es la “columna vertebral” donde se apoya toda
la música, que junto con los patrones de otros instrumentos formarían el “esqueleto”.
Estos patrones son extensiones de la clave, se generan en base a ella. Así mismo, se
relaciona de forma paralela con el resto de patrones de los demás instrumentos.

19
2.3 - INSTRUMENTACIÓN DE SECCIÓN RÍTMICA
PIANO ♫ Adjuntos: PARTES

► YouTube Link: PIANO
El Piano es un instrumento musical “armónico” clasificado como

“instrumento de teclado” y de “cuerdas percutidas” por el sistema
de clasificación tradicional, el teclado es derivado del
“Clavicémbalo”, los martillos y cuerdas derivados del Dulcémele
(“dulcimer“).
Difiere de sus predecesores, sobre todo, en la utilización del
sistema del martillo impulsado hacia las cuerdas por la tecla,
que permite al intérprete modificar el volumen mediante la
pulsación fuerte o débil de los dedos. Por esta razón el primer
modelo (1709) se denominó gravicembalo col piano e forte(“clavicémbalo con suave y fuerte”).
Su creador fue Bartolomeo Cristofori (1655-1731), fabricante de clavicémbalos florentino, al
que se considera inventor del instrumento en 1698.
Historia
El instrumento musical de cuerda más antiguo que inicia la línea evolutiva del piano es la
cítara, un instrumento originario de África y del sudeste de Asia que se remonta a la Edad del
Bronce (alrededor del año 3000 a.C.). La cítara era un conjunto de cuerdas tensas dispuestas
sobre una tabla que se hacían vibrar mediante los dedos, las uñas o algún otro objeto
punzante.
El monocordio fue un instrumento posterior a la cítara, pero tenía leves variaciones respecto
a ésta. Estaba construido con una única cuerda mucho más larga que las cuerdas que se
empleaban en la cítara, que vibraba sobre una pequeña caja de resonancia de madera.
Más tarde se inventó el salterio, un instrumento construido sobre los principios de la cítara
pero con una forma trapezoidal en función de las distintas longitudes de sus cuerdas. La tabla
trapezoidal del salterio, mucho más tarde, dio paso al diseño de los primeros clavecines. Se
pretendía encontrar algún tipo de mecanismo que hiciera que las cuerdas no estuvieran en
contacto con los dedos.
Se hicieron bastantes experimentos, y uno de ellos fue el clavicordio, un instrumento que
vibraba mediante un pequeño clavo o una aguja metálica que era accionada a través de unas
teclas que hacían mover la aguja o clavo para que vibrara la cuerda. Después de la creación
del clavicordio nació el clave, diferenciado del clavicordio porque para hacer vibrar las
cuerdas utilizaba un plectro o la punta de las plumas de las aves.
Teclado y Registro
x Do Central = “C4” (4º Do contando desde los

graves)

20
Escritura y Registro de Piano.
Para evitar la cantidad de líneas adicionales en los extremos grave y agudo escribimos sobre
la frase:
● 8va ---- =
La frase sonará 1 octava más arriba de la escrita.
● 15va --- = La frase sonará 2 octavas más arriba de la escrita.
● 8vb ---- = La frase sonará 1 octava más abajo de la escrita.
Posibilidades Discursivas y Trabajo en Conjunto:
El piano es uno de los instrumentos más amplios en registro que existen, la escritura se
realiza en un sistema “Doble”, uno para cada mano. La Mano Izquierda (MI): sistema inferior,
cercana al registro grave y para La Mano Derecha (MD): sistema superior, cercana al registro
agudo. Teniendo en cuenta la independencia de las manos del intérprete podemos desarrollar
diferentes variables en cuanto la escritura de “Líneas de Bajo”, “Acordes y Comping Armónico”
y “Desarrollo Melódico”. La Cantidad de información y las regiones del registro que usará el
piano estarán siempre relacionadas con las características del “Conjunto Musical” en donde se
lo aplique siempre buscando como resultado el balance y el foco en las ideas. Por ejemplo: si
el grupo tiene “bajo”, el pianista puede dejar de utilizar el registro grave y así no
sobrecargar innecesariamente el espacio que utilizará ése instrumento, generando más claridad
en las líneas del bajista.
Algunas Situaciones Comunes:
Ejemplos MANO IZQ. MANO DER. UTILIZACIÓN
1 Acordes Melodía La melodía está en el piano, el mismo se acompaña

armónicamente, es ideal cuando tenemos un bajista.
2 Línea Bajo Melodía La melodía está en el piano, él mismo toca la línea de

bajo, es ideal cuando tenemos otro instrumento armónico.
3 Melodía Melodía Ambas manos tocan la melodía a distancia de una octava o 2

octavas, usada para reforzar líneas o en “tuttis”
4 Melodía Acordes La melodía se encuentra por debajo de los acordes,

funcionan muy bien a unísono u octava con el bajo.
5 Línea Bajo Acordes Esta combinación genera un acompañamiento general o

“Camping” ideal para apoyar a un ins. Melódico.
6 Parte Acorde Parte Acorde Se utilizan ambas manos para generar un acorde,
generalmente voicings “Abiertos”

21
EJEMPLOS: Blue Bossa (Kenny Dorham) - Bossa Nova
Ej.1
Ej.2
Ej.3
Ej.4
Ej.5
Ej.6

22
Función de Acompañamiento:
Cuando usamos el piano para acompañamiento rítmico/armónico” parcial usando Cifrado, dejando
la disposición del acorde a criterio del instrumentista. En este caso se usa más
frecuentemente un solo pentagrama en clave de Sol (o también ambos), por encima se indican los
cifrados y en el interior las barras de “Stop Time” cuando hay rítmica establecida y “Play
Time” que indican el pulso.
Ej.:
Otra manera es escribir la rítmica deseada en la clave de sol. Mientras que en la clave de Fa
se puede escribir la línea que toca el bajo a la tesitura real. Este pentagrama con la línea
de bajo se puede incluir también como orientación para el pianista y no para que la toque.
Ej.:
Cuando por alguna razón no se desea la usual escritura con cifrados debemos escribir
distribuyendo normalmente el bajo en la mano izquierda y los acordes en la mano derecha.
Importante: Mantener las voces de la mano derecha en el ámbito de una octava, dentro de lo
posible tratando de mantener continuidad armónica entre las notas de la mano derecha,
conduciendo las voces de un acorde a la nota más cercana del acorde siguiente.
Ej.:
Función Melódica:
El piano es un instrumento adecuado como solista en cualquier tipo de frase, puede emplear
además diversas técnicas, como tocar una frase en octavas con una mano o a cuatro octavas con
las dos. Terceras o sextas son usuales tocando una melodía en piano, aunque cualquier
23
intervalo es posible teniendo presente que con una mano, un instrumentista estándar alcanza
con seguridad de una octava a una 10ma. Aquí algunos ejemplos:
Ej.: (pág. sig.)
TÉCNICAS BÁSICAS DE ACOMPAÑAMIENTO: [PLAQUÉ / QUEBRADO / ARPEGGIO]

Estas son las técnicas más utilizadas para acompañar Cantantes o Instrumentistas Solistas,
estas se pueden utilizar para variados estilos musicales.
● PLAQUÉ: Confección de acordes en donde las notas se ejecutan simultáneamente.

24
25
● QUEBRADO: Confección de acordes en donde las notas se ejecutan desglosadas en grupos.

26
● ARPEGGIO: Las notas del acorde se ejecutan melódicamente, es decir “nota a nota”.

27
RECURSOS PARA LA MANO IZQUIERDA

28
Stride: El Bajo y el Acorde Plaqué se lleva a cabo simultáneamente en la Mano Izquierda.

29
PATRONES DE ACOMPAÑAMIENTO EN ESTILOS POPULARES
Algunos ejemplos de acompañamientos de piano.
● TANGO: MARCATO

30
● TANGO: SÍNCOPA
● TANGO: MILONGA

31
● TANGO: VALS CRIOLLO
● BOSSA NOVA:

32
● BOSSA NOVA: Usando Extensiones.
● ZAMBA
● ZAMBA: Variable

33
● CHACARERA:
● CHACARERA: Variables
● JAZZ: Rítmicas Típicas de CAMPING

Llamamos Comping a la rítmica que se utiliza para acompañar armónicamente una
melodía.

34
● JAZZ: Comping + Walkin’ (C Jam Blues - Duke Ellington)
● JAZZ: Melodía + Comping

35
● JAZZ: Melodía Armonizada + Walkin’ en 2 (blancas)
● JAZZ: Melodía + Walkin’

36
● SALSA/MONTUNO: Tumbao - Nota Simple
● SALSA/MONTUNO: Con 8vas.
● SALSA/MONTUNO: Con 8vas - Variantes

37
● SALSA/MONTUNO: Con 8vas + Bajo Tumbao
● ROCK AND ROLL:

38
BAJO ♫ Adjuntos: PARTES
(Contrabajo y Bajo Eléctrico) ► YouTube Link: CONTRABAJO y BAJO
El Contrabajo
El contrabajo es un instrumento musical de cuerda frotada de tesitura grave. Se
Lo clasifica como “melódico-rítmico”. Suele tener cuatro cuerdas.
El sonido del contrabajo se produce por la vibración de las cuerdas al ser
frotadas con un “arco” resaltando sus cualidades melódicas y posibilitando la
ejecución de sonidos larga duración. En estilos populares como bossa Nova,
tango, jazz, latin, etc. el sonido se produce “pulsando” (plucking) las cuerdas
con las yemas de los dedos, al modo del bajo eléctrico, técnica que recibe el
nombre de pizzicato.
Los orígenes del contrabajo se remontan al siglo XVI, época en la que ya existía
un instrumento llamado violone del cual parece derivar. Sin embargo, hasta el
siglo XIX no adoptó la forma y las características actuales, una combinación de
elementos propios del violín y de la viola da gamba. También durante ese siglo
se incorporó definitivamente a la orquesta, en la que desempeñaba un papel
secundario: se limitaba a reforzar la parte del violonchelo. Las dificultades de
la interpretación derivadas de su gran envergadura limitaron su salto a los
escenarios. A pesar de todo, a finales del siglo XVIII y durante todo el siglo
siguiente algunos compositores depositaron su confianza en el instrumento, que se fue ganando
el respeto de músicos y del público. Hubo que esperar a la segunda mitad del siglo XX para
asistir al verdadero auge del contrabajo de la mano de instrumentistas, pedagogos y, sobre
todo, del jazz, que brindó la oportunidad de lucirse en solitario y posibilitó la adopción de
nuevas técnicas interpretativas.
Registro del Contrabajo
El Bajo Eléctrico
A mediados de los años treinta, el inventor y guitarrista estadounidense Paul
Tutmarc desarrolló el primer bajo eléctrico de cuerpo macizo de la historia, un
instrumento muy similar a los bajos modernos, que había sido diseñado para ser
sostenido y ejecutado horizontalmente. En 1935, el catálogo de ventas de la
compañía de Tutmarc, “Audiovox”, ofrecía su «violín-bajo electrónico», un
instrumento de cuerpo sólido con un mástil de 30,5 pulgadas que disponía de
trastes.
El cambio de forma, acercandolo a una guitarra, hizo al instrumento más fácil de
transportar, y la adición de los trastes eliminó los problemas de afinación
propios del contrabajo, haciendo del bajo eléctrico un instrumento mucho más fácil
de ejecutar que este último. Sin embargo, el invento de Tutmarc no tuvo demasiado
éxito comercial, por lo que su idea no fue retomada hasta principios de los años
cincuenta, con la llegada de Leo Fender (1909-1991) y su Precision Bass.
El bajo eléctrico como se le conoce hoy es un instrumento muy joven, pero sus
orígenes se remontan en realidad muy atrás en el tiempo. Frente a los
–aproximadamente- 60 años de edad del bajo eléctrico, su más directo antecesor, el
Contrabajo cuenta con más de 500.

39
Bajos de Rango Extendido
Para ampliar el rango estándar del instrumento de cuatro cuerdas, los constructores tienen
tres opciones: ampliar el número de trastes, utilizar afinaciones alternativas o añadir
cuerdas extra:
● Cuatro cuerdas con afinaciones alternativas para extender el rango efectivo del
instrumento.Afinaciones en quinta (por ejemplo do, sol, re, la, similar a la del
violonchelo) permiten un rango extendido tanto en graves como en agudos.
● Cinco cuerdas normalmente afinadas si, mi, la, re, sol, proporcionan un rango extendido
en graves. Una afinación alternativa para los bajos de cinco cuerdas es mi, la, re,
sol, do, conocida como afinación tenor. Otras afinaciones como do, mi, la, re, sol son
empleadas ocasionalmente. La quinta cuerda proporciona un rango mayor respecto al bajo
de cuatro cuerdas, y permite el acceso a un mayor número de notas en la misma posición,
lo que redunda en una mayor versatilidad.
● Seis cuerdas, normalmente afinadas si, mi, la, re, sol, do. El bajo de seis cuerdas no
es más que un bajo de cuatro cuerdas con dos cuerdas extra añadidas, una más grave y
una más aguda. Aunque menos comunes que los bajos de 4 y 5 cuerdas, estos instrumentos
son empleados en géneros como la música latina o el jazz, o por músicos de estudio que
necesitan un instrumento más versátil. Existen otras muchas afinaciones alternativas
para este tipo de instrumentos.

40
GUITARRA ♫ Adjuntos: PARTES
(Acústica, Electroacústica y Eléctrica) ► YouTube Link:
GUITARRA
La Guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, forma parte de la familia de
instrumentos “Armónicos” y es uno de los más populares y utilizados dentro de la “Sección
Rítmica” en estilos Populares. En la actualidad existen diferentes tipos de Guitarras según su
fabricación y la combinación de elementos como: Cuerdas (nylon o acero), Cuerpo (Caja Acústica
o Cuerpo Macizo para Eléctrica), Amplificación (Tipo de Micrófonos).
Según las diferentes necesidades de los arregladores y de los géneros musicales se suelen
integrar a su sonido los tipos de guitarras más convenientes.
La Guitarra Clásica o Acústica

La guitarra clásica, es un instrumento musical de raíces europeas (España),
también llamada “criolla” en América Latina.
Está compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el
diapasón — generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa (boca), y
seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten las
diferentes notas.
Esta Guitarra no necesita amplificación y es muy utilizada en música de
cámara,folclórica y en ensambles en donde prevalece el color Acústico y la
intensidad del conjunto es relativamente bajo. (ej: Folclore Argentino,
Bossa-nova, formato canción. etc.)
La Guitarra Electroacústica
Una guitarra electroacústica es una guitarra acústica a la que se le han
añadido pastillas, micrófonos o transductores para amplificar su sonido. Este
sistema de amplificación puede haberse instalado en origen o por el propio
usuario.
La electrificación de una guitarra de caja hace innecesario el uso del
micrófono externo, ya que se conecta como una guitarra eléctrica a un
amplificador. Ello evita en gran medida los acoples y facilita la labor del
ingeniero de sonido en las grabaciones. Sin embargo, el sonido no es
exactamente el mismo, ya que el micrófono que recoge el sonido se encuentra
dentro de la caja y no fuera, que es donde se escucha el sonido real de la
guitarra.
La diferencia entre una guitarra electroacústica de cuerdas de metal y una
guitarra eléctrica de caja (se usan habitualmente en el jazz) es sobre todo el
tipo de transductor: en la primera se emplea un transductor piezoeléctrico, que da un sonido
más cristalino, agudo y natural; en la guitarra eléctrica se incorporan transductores
electromagnéticos, que dan un sonido distinto, más cargado de frecuencias medias.
La Guitarra Eléctrica
Una guitarra eléctrica es una guitarra con uno o más transductores
electromagnéticos llamados pastillas o micrófonos que convierten las vibraciones de
las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas.
Hay tres tipos fundamentales de guitarras eléctricas: las de cuerpo sólido, las de
cuerpo semisólido y las de cuerpo hueco. Históricamente las primeras en inventarse
fueron las de cuerpo hueco, al derivarse de guitarras de caja a las que se
incorporaba un micrófono para poderse escuchar en las bandas de jazz.
Las guitarras de cuerpo sólido carecen de caja de resonancia, de forma que el
cuerpo es una pieza maciza (casi siempre de madera, pero hay algunos casos de
plástico o metálicos -sobre todo experimentales- en el que van embutidas las
pastillas.
Las guitarras eléctricas de cuerpo semisólido se caracterizan a veces por tener
agujeros al exterior con formas en "f", similares a los de las cajas de resonancia
de los violines y otros instrumentos acústicos. Las guitarras semisólidas, tienen un bloque
central para evitar los acoples.
Esta Guitarra necesita siempre de amplificación y es muy utilizada en música donde prevalece
el color Eléctrico, en ensambles en donde hay más instrumentos amplificados y la intensidad
del conjunto es relativamente alto. (ej:Rock, Funk, Pop, jazz Fusión, Electrónica, etc.)

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REGISTRO y ESCRITURA:
La Guitarra se escribe en clave de Sol, y es un instrumento transpositor: la altura de la nota
que suena no corresponde a la altura de la nota escrita.
Si se compara el sonido emitido con la nota escrita encontramos que suena una 8va más grave.
Aquí la comparación de lo Escrito y lo que suena.
AFINACIÓN ESTÁNDAR: E.A.D.G.B.E (Afinación de las cuerdas desde la 6ta cuerda a la 1ra)
AFINACIONES ALTERNATIVAS:
● // Drop D //
CUERDAS AL AIRE: D.A.D.G.B.E.
Con esta afinación básicamente ganamos registro, ahora podremos lograr notas más graves, por
ejemplo podríamos hacer acordes de D y Eb con tónica en sexta, además el bajo “D” para acordes
con bajo cambiado.
● // Open G //
CUERDAS AL AIRE: D.G.D.G.B.D --- (G-) 2da en “Bb”
Con esta afinación básicamente conseguimos un acorde de G mayor, si lo que deseamos es un
acorde de G menor podemos bajar la segunda cuerda que está en la nota B a “Bb”. Es Una
afinación supuestamente interesante, podemos ver que las cejillas para acorde mayor quedan muy
fáciles de hacer ya que solo necesitamos el dedo 1 para lograrlas, las menores es otro cuento.
En cuanto a registro vamos a ganar hacia abajo un tono pero vamos a perder por arriba un tono.
● //Open D//
CUERDAS AL AIRE: D.A.D.F#.A.D --- (D-) 3ra en "F"
Con esta afinación conseguimos un acorde de D mayor.
En cuanto a registro estamos ganando un tono hacia abajo pero perdemos un tono en el registro
agudo del instrumento.
● //Low C//
CUERDAS AL AIRE: C.G. D.G.A.G.
Esta afinación es un poco extraña puesto que no nos define un acorde como tal, lo más cercano
a un acorde sería un Csus2 6.
Debemos tener en cuenta que si deseamos hacer esta afinación en guitarra eléctrica debemos
usar un encordado grueso, un .11 o .12 para que la sexta cuerda no quede muy suelta puesto que
debemos bajarla 2 tonos.
● //Open C//
CUERDAS AL AIRE: C.G.C.G.C.E. --- (C-) 1ra en "Eb"
Esta afinación nos propone un acorde de C mayor, si deseamos conseguir un acorde de C menor
debemos bajar la primera cuerda de E a “Eb”.

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LA GUITARRA EN LA SECCIÓN RÍTMICA
Como instrumento dentro de la sección rítmica este tiene un amplio espectro de posibilidades
tanto para acompañar como para ser línea principal:
- “Rasgueos o Strumming” (Patrones Populares): Estos son acompañamientos que definen

estéticamente los estilos populares aportando una base rítmica y armónica a la sección
melódica, de esta manera solo hace falta citar el estilo para que el intérprete toque
ese acompañamiento. (ej: Chacarera, Bossa-nova, Funk). EJ:
- “Guitarra Rítmica”: Podemos caracterizar un acompañamiento escribiendo la rítmica en la

que deben ser tocados los acordes dejando libertad para la elección de la posición de
acorde.
- Si queremos otorgarle mayor libertad y que improvise el acompañamiento solo se necesita

el cifrado armónico y el estilo musical, esto se conoce como “PLAY TIME”.
- “Arpegiando”: Posibilidad que permite acompañar una melodía mediante la ejecución de

arpegios utilizando la armonía del tema, aportando una base más lineal y ligada dejando
que las cuerdas queden sonando generando la potencia armónica de los acordes. EJ:

43
- Melodías: También se puede utilizar como instrumento melódico escribiendo líneas
melódicas para caracterizar introducciones, puentes, solos. Es utilizado sobre todo
cuando el conjunto dispone de otro instrumento armónico, (piano u otra guitarra) EJ:
- Muted o Palm Mute (sonido muteado): técnica expresiva muy utilizada para generar un
acompañamiento o línea melódica con un sentido más “percusivo” ya que se elimina el
“sustain” de la nota. Se escribe “Muted” en la parte superior y se anula su efecto con
la palabra “Open” o “Nat.”EJ:
Efectos y Pedaleras
Los efectos para guitarra (o procesos de señal) son alteraciones digitales, analógicos o
acústicos en el tono o sonido empleados por lo general en guitarra eléctrica. Muchos de esto
efectos han ayudado a caracterizar la música contemporánea desde la década de 1950.
En la Actualidad hay una amplia variedad de efectos, los más utilizados e indispensables son
los siguientes:
Tipos de Efectos
1- Saturación
Afecta al nivel de saturación o ganancia del sonido logrando alterar distintos armónicos. La
saturación en la guitarra ha sido fundamental en el desarrollo contemporáneo de la música.
● Overdrive: Afecta sobre todo al segundo armónico en una cantidad moderada, lo que
genera picos irregulares en la señal. Los tonos se centran en los graves y medios. En
teoría, el sonido es más "sucio", pero la nota fundamental es distinguible por lo que
aún se distingue un sonido natural de la guitarra. Entre los grandes guitarristas que
lo utilizaron se encuentra Stevie Ray Vaughan.
● Distorsión: Se realzan el segundo y tercer armónico. La señal se satura mucho, la nota

fundamental es indistinguible y la onda es totalmente irregular. Se destacan los tonos
medios agudos, aunque también hay graves notables. Aunque el sonido es totalmente
sucio, es agradable al oído. Se ha usado en prácticamente todo el espectro musical
actual. Sobreexplotado en la década de 1980, es el más reconocido efecto de sonido en
la guitarra eléctrica.
2- Modulación
Los cambios en la modulación son alteraciones basadas en la amplitud, la frecuencia y la fase
de una señal, mezcladas con la señal original. Varios de estos efectos son parecidos ya que
siguen principios similares, teniendo diferencias muy pequeñas en los parámetros. Se asocian a
sonidos psicodélicos, lo que caracterizó la música de los '60, aunque en las décadas venideras
siguieron siendo muy apreciados.
● Chorus: Mezcla de una señal, con una desafinada y retardada en baja medida con respecto
a la original. Por lo general este retardo comprende entre 15 a 25 milisegundos. El
resultado práctico es el sonido de dos instrumentos que tocan al unísono, de modo que
uno de ellos desafina ligeramente. Fue explotado en la década de los '80, y ha sido
usado por varios guitarristas famosos como Kurt Cobain y Gustavo Cerati.

44
● Flanger: Al igual que en el chorus, se duplica la señal, la desafina y la retarda; con
la diferencia en el tiempo de retardo, que en el flanging es mucho menos, desde 1 hasta
15 milisegundos. Surgió como un desperfecto en grabaciones magnetofónicas en cinta de
bobina abierta. Fue usado y popularizado por el guitarrista Eddie Van Halen, y por Andy
Summers que lo hizo parte de su sello en la mítica banda “The Police”
3- Repetición
En la música popular se ha aprovechado la reverberación artificial como un recurso de mucha
utilidad. En la segunda mitad del siglo XX, la reverberación fue usada sobre todo en
grabaciones vocales y en las cajas de batería eléctrica. Particularmente, es en la música de
la década de 1980.
● Reverberación: La reverberación o reverb, originalmente es un efecto producto de la

reflexión del sonido. Cuando el sonido choca contra un material y no es capaz de
atravesarlo fácilmente, este material absorbe parte de las vibraciones, mientras que el
resto retorna en sentido contrario. En consecuencia, al provocar un sonido en un lugar
lo suficientemente cerrado para que el sonido no escape, da la sensación de escuchar un
eco del sonido pero difuminado. Esto, en los conservatorios y lugares donde se ofrecían
conciertos era un factor de importancia, puesto que el sonido llegaba de distinta
manera, con mayor o menor intensidad, a los oyentes. El nivel de reverberación depende
mucho del volumen del sitio cerrado, así como de la potencia del sonido. Hay dos tipos
de reverberación: la natural y la artificial. La natural siempre se produce, aunque no
siempre es percibida por el oído humano; y la artificial es la creada por dispositivos
que distorsionan la señal recibida y repiten dicha señal, pero distorsionada o
"difuminada", por un lapso de tiempo.
● Delay: Es un efecto que consiste en la multiplicación de una señal de guitarra tomada

previamente, y que se reproduce con un retraso variable una o más veces. Es uno de los
primeros efectos que nacieron gracias a la manipulación de las cintas de grabación de
estudio alrededor de los años 1950; sin embargo, la demanda de este efecto para los
conciertos hizo que se innovara con varios artefactos, y culminando con el efecto
análogo que comenzó a comercializarse en los años 1970.
4- Filtración
En términos técnicos, la filtración consiste precisamente en aplicar un umbral a la
ecualización de la señal, eligiendo la cantidad de frecuencias altas y bajas que tendrá el
sonido final. Dentro de la filtración en guitarra, el más reconocido es el efecto 'Wah',
además de otros reguladores de la ecualización, como la compresión/limitación.
● Wah Wah: La filtración en la señal se volvió muy recurrente en la década de 1960, con
el uso del efecto 'Wah' como pionero. El efecto en sí se originó en el jazz, con el uso
de la sordina en un trombón o en la trompeta. Este Pedal fue popularizado por Jimi
Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page. En la actualidad, el Wah se divide a grandes rasgos,
en el Wah a pedal, y el "Auto-Wah". El Auto-Wah necesita estar previamente configurado
antes de tocar guitarra, y a diferencia del Wah manual, no posee un potenciómetro, sino
que utiliza un oscilador de frecuencias bajas y trabaja en función del tiempo.
La utilización de efectos se indica en la parte “Superior” del Pentagrama, donde acostumbramos

a escribir los elementos de “técnica” de ejecución.

45
LA BATERÍA ♫ Adjuntos: PARTES
(Conjunto de Batería) ► YouTube Link: BATERÍA
La batería es un conjunto de instrumentos de percusión, ensamblados de

manera tal, que un solo músico sea capaz de ejecutarlos todos de
manera coordinada y simultánea. Estos instrumentos de percusión tal
cual los conocemos hoy en día, tuvieron orígenes en distintas
latitudes del mundo. Se sabe que en África, se originaron los
tambores, así como también otros que provienen de China; sin embargo,
en el caso del bombo, este procede de Europa. Otro elemento muy
utilizado en las baterías, son los platillos o platos, que también se
les pueden denominar címbalos o timbales, los cuales nacieron en medio
oriente.
Historia
Se sabe que entre los años 1890 y 1910, existían orquestas en las cuales había de 3 o 4
percusionistas que tocan varios elementos por separado, por ejemplo, uno tocaba el redoblante,
otro músico se encargaba del bombo, y otros de distintos elementos más, como los címbalos y
panderos. Tras las pérdidas generadas por la primera guerra mundial, se vio la necesidad de
unir varios instrumentos de percusión, que luego de manera básica, constituyen lo que más
tarde conoceríamos como la batería actual, pero para esto pasó por una serie de
transformaciones a través de los años.
En el año 1910, fueron comercializados por primera vez, los pedales para bombo, y los soportes
de los redoblantes, por la compañía Ludwig. Esto permitió el ensamblaje de distintos elementos
y así poder ser ejecutados por un solo instrumentista. Cabe destacar que en aquellos tiempos,
la batería no era como hoy la conocemos, sino que tenían elementos poco usuales como los
Wood-blocks y un solo plato suspendido, y en cuanto a los parches, estos eran de piel animal.
Más adelante empiezan a aparecer mejoras en su configuración, surgiendo otros tipos de
soportes para ensamblar elementos adicionales al bombo, se empiezan a utilizar los primeros
toms-toms con la capacidad de afinarse, y se incorporan los llamados sock cymbals, Low Boy o
low hat, que eran unos platillos que se tocaban con la ayuda de un pedal, concepto que más
tarde daría lugar al actual Hi-Hat.
CUERPOS
● Bombo: Usualmente tiene un diámetro desde 18” hasta 26”, y una profundidad de entre 14”
y 22” aunque también se los encuentra desde las 16 pulgadas hasta las 28 pulgadas de
diámetro. El más usado es el de 22×18”. El bombo generalmente se maneja con el pie a
través de un pedal con una maza. También se puede manejar con un doble pedal usando los
dos pies. El bombo posee la voz más grave y potente de todo el conjunto y, por ello,
cumple una función de cimentación básica en la interpretación.
● Caja o redoblante: Suele tener un diámetro de 14”, pero los hay desde 10” a 17”. La
profundidad estándar es 5,5”, pudiendo variar desde 3,5” (piccolo) hasta 8,0”. A
diferencia de los otros tambores, la caja posee una bordonera o conjunto de alambres
que, colocada en contacto con el parche de resonancia, produce su vibración por
simpatía y el característico sonido a zumbido de la caja. Su función es marcar los
compases, lo que no impide que se use libremente logrando cambios en la marcha y/o
contratiempos
● Toms: Miden desde 6” hasta 15” de diámetro. Generalmente van montados sobre el bombo,
pero si se usan más de dos, llevan soportes adicionales muchas veces los toms van sobre
los pedestales de los platillos.
● Tom de Pie: Miden desde 14” hasta 20” pulgadas de diámetro. Generalmente poseen patas
individuales, pero algunas veces permiten ser anclados a un pedestal de platillo.
PLATILLOS / PLATOS Básicos

● Crash o Remate: Platillo mediano de 12” a 22”. Se utiliza para dar énfasis en los
pasajes musicales y para algunos ritmos.
● Ride o Ritmo: Platillo grande cuyo diámetro varía entre 17” y 24”, aunque hay marcas a
modo de curiosidad que los fabricaron de 26" e incluso hasta de 32”. Los más comunes
son los de 20” 21" y 22”. Muchas veces se usan para llevar el ritmo en sustitución del
hi-hat.
● Splash: Platillo pequeño que varía de 5” hasta 13” pulgadas. Se usan para efectos
especiales, comúnmente en pasajes de poca intensidad sonora.

46
● China: Platillo que se fabrica desde 10” hasta 22”. También existe el china-splash, de
8” a 12” pulgadas. Se usan para efectos. Su diseño es característico pues son colocados
del revés. Tiene una cierta similitud de sonido con el crash.
● Crash ride: Platillo mediano-grande de 18”-22”. Hay gente que los usa como Crash y como
Ride, y gente que los usa solo como Crash, debido a su mayor potencia.
● Hi-hats: Sistema que consta de 2 platillos instalados en un soporte con pedal que
permite que uno caiga sobre el otro haciéndolos sonar. Se fabrican de entre 10” y 15”,
aunque se han llegado a fabricar incluso de 16". El más común es el de 14” y el de 15"
pulgadas. Puede ser normal o edge (borde); este último consiste en que el plato que va
abajo (bottom) tiene un borde corrugado que da un sonido mejor para ciertos géneros.
Los Hi-hats se puede tocar cerrado y abierto, usando el pedal.
Las configuraciones de tambores y platillos se hacen a gusto del baterista. Por tal motivo
varían los tamaños, formas, cantidad e incluso marcas, ya que cada una de ellas brindan un
sonido único y característico.
NOTACIÓN PARA BATERÍA
La Norma Standard: P.A.S. (Percussive Arts Society)

El estándar para la notación de batería tiene 3 reglas básicas.
1. CUERPOS (Caja, Toms y Bombo) se escriben con Óvalos (cabeza de nota) regulares y Platillos
(Crash, Ride, hi-hat,...) se escriben utilizando Óvalos en forma de “X”.
2. Escritura a 2 Voces: Los elementos tocados con las manos (Caja, Toms, Hi-hat, Ride) tienen
las Plicas apuntando hacia arriba (1º Voz) y los elementos ejecutados con los pies (bombo, pie
de Hi-hat) tienen las Plicas apuntando hacia abajo (2º Voz).
3. Cada instrumento del kit se asigna a una línea o espacio específico.
Como arreglador es importante que utilice la convención de notación correcta para el contexto
en donde este trabajando, teniendo en cuenta con que instrumentos toca y los estilos musicales
que se abordan.
En la actualidad hay otras variantes de notación que fueron desarrollándose a partir de la
norma P.A.S.
La técnica de notación que usaremos en este curso es una de las más populares, muchos
bateristas, arregladores y escuelas la utilizan y cuenta con una cantidad de “cuerpos y
platos” standard e indispensable. Es la Siguiente:
Cuando escribimos baterías para estilos musicales que trabajan “patrones rítmicos” como el
rock, pop, funk, etc. debemos evitar escribir el mismo patrón con el motivo de dar mayor
claridad a la parte, solo es necesario anotarlo una vez y utilizar los signos de repetición
junto con la palabra “simile” el baterista comprenderá que debe seguir tocando ese patrón de
manera similar, agregando o no pequeñas variaciones.
El siguiente ejemplo muestra un patrón Soul/hip-hop, como vemos tenemos separados en 2 voces
los platos de los tambores.
Para evitar dudas al comienzo del patrón se aclara, por única vez, que el plato escrito en
cuarto espacio es el “Hi-Hat” con las letras:(H.H.)

47
BAQUETAS / PALOS
El baterista puede utilizar diferentes tipos de “baquetas o palos”, estas influyen
directamente en el sonido, tanto en la intensidad como en el timbre, el cambio de baquetas se
escribe en la parte superior de la batería. Las más comunes son:
● “Baquetas” (Sticks): Palos de madera con grano, es el palo más utilizado, estas varían
según el material (madera, fibra o aluminio), grosor, longitud, tipo, material de punta
(de madera o de nailon), forma de la punta (en forma de nuez, ovalada, barril...)
● “Escobillas” (Brushes): Poseen en uno de sus extremos un peine metálico o plástico,
permitiendo golpear de manera más suave y melódica, por lo que generalmente se usan en
estilos como Jazz, Swing y Blues, aunque el baterista puede usarlas en cualquier
estilo.
● “Hot Rod”: Similares a las escobillas pero sus cerdas son reemplazadas por pequeñas
varillas de madera generando un ataque muy característico.
● “Mazas de Paño” (Mallets): Son utilizadas en percusión clásica, estas consiguen un
sonido más claro en afinación, muy redondo y cálido, muy usado en Toms para conseguir
un sonido de “Timbal” y trémolos en Platos.
Aquí un ejemplo en donde el baterista realiza cambio entre “Brushes” (escobillas) y “Sticks”
(baquetas). Debemos tener en cuenta el tiempo necesario para hacer el cambio y solicitar antes
“ir a baquetas” (to Sticks...)
En este ejemplo se está tocando un aire de tango, el baterista debe tocar el ride que se ha
escrito y puede adornar con tambores con libremente es por eso que se ha escrito
con notas de stop time (/ / / /)
Fragmento de: Con un Nudo en la Garganta (Pedro Giraudo)

“Córdoba Jazz Orchestra”.

48
► UNIDAD 3
A SECCIÓN MELÓDICA
3.1 - L
Esta clasificación está formada por el conjunto de instrumentos “melódicos”, aquí se
encontraremos, generalmente, la exposición de melodías principales, su desarrollo y también
contracantos y acompañamiento de fondo armonizado a partes melódicas (Background).
Los Principales Instrumentos que la conforman son: Las Voces, Los Vientos (Maderas, Metales,
étnicos, etc) y Las Cuerdas Frotadas.
En esta Unidad comenzaremos el estudio de algunos de los instrumentos de Viento más frecuentes
en la Música Popular y sus características principales.
Instrumentos De Viento Transpositores

Son aquellos instrumentos cuyos sonidos escritos son diferentes de los sonidos reales
producidos. Es decir, un instrumento transpositor toca o lee una nota y suena otra. El motivo
de esta no correspondencia es histórico; en la mayoría de los casos, interesó mantener las
digitaciones al variarse el tamaño del instrumento en lugar de hacer corresponder las
posiciones con la nota real que emitían.
En cuanto a la nomenclatura, la mayoría de estos instrumentos se designan por el nombre de la

nota “que suena” cuando se toca un “Do escrito” para este instrumento. Así, cuando el
Clarinete toca un Do, suena un Sib una 2ªM abajo.
La dirección de la transposición puede ser ascendente o descendente y puede superar la octava.

También se consideran transpositores los instrumentos que suenan a la octava de lo escrito
(ej. flautín, contrabajo, guitarra).
Normalmente, el compositor escribe el guión orquestal y cada parte o papel en sus sonidos ya
transportados y no en el tono real que suena, evitando que cada instrumentista transporte. Es
decir, en el guión de una obra en Do Mayor, la flauta travesera estará escrita en Do, mientras
que el Clarinete está escrito en Re Mayor.
Instrumento TOCA/LEE SUENA

CLARINETE DO SI BEMOL (TRANSPOSITOR)
FLAUTA TRAVESERA DO DO (NO TRANSPOSITOR)

49
NSTRUMENTACIÓN DE SECCIÓN MELÓDICA: VIENTOS
3.2 - I
FLAUTA TRAVERSA ► YouTube Link: FLAUTA

Es un instrumento de viento perteneciente a la familia “Maderas”, es uno de los
primeros instrumentos fabricados por el ser humano, Las Primeras civilizaciones la
construían con hueso y de diferentes tamaños.
La Flauta de Neandertal (50.000 A.C.) es el instrumento más antiguo que se conoce, está
construido en Fémur de Oso.
Muchas son las civilizaciones que fabricaban flautas con diferentes materiales como
madera, hueso y posteriormente metales.
En sus origenes (europa) era un instrumento de madera y de una sola pieza. ese
instrumento fue modificándose progresivamente a través de los años hasta llegar a la
flauta que conocemos hoy. estas son las modificaciones más notables:
● S.XVI y comienzos del S.XVII: Flauta de madera de una sola pieza con 6 orificios
● Mediados del S.XVII: Se comienza a fabricar en 3 piezas con el propósito de que
el músico pudiera ajustar su afinación. También se comienzan a desarrollar la primeras
“llaves”
● S.XVIII: La Flauta es incorporada a la Orquesta y se continúa agregando más
llaves. Theobald Boehm creó la flauta que se usa hoy en día.
● Aprox en 1832 Se comienzan a construir de Metal, para lograr mayor intensidad y
estabilidad en el timbre.
La Flauta Traversa (soprano) es el instrumento “principal” de la familia de Flautas, se
escribe en Clave de Sol y no es Transpositor. (la nota escrita y el sonido producido
son el mismo)
El REGISTRO ÓPTIMO (practical range) para la escritura teniendo en cuenta el mayor rendimiento
del instrumento va desde: Sol (2da línea) hasta Fa (4to espacio adicional sup.)
Nota: En la actualidad se construyen flautas que tiene un semitono más grave, llegando hasta
un “SÍ” (2do espacio adicional inf.) las llamadas “Flautas Con Pie con Si”.
Instrumentos Accesorios:
Se consideran accesorios a las demás flautas que constituyen la familia, estos son utilizados
para ampliar el registro del timbre de la flauta traversa principal. Para facilitar la
ejecución estas flautas también se escriben en “Clave de Sol”, siendo Transpositoras:
Instrumentos cuyos sonidos “escritos” difieren de los sonidos reales producidos. Es decir, un
instrumento transpositor toca o lee una nota y suena otra.
Los más utilizados en la música popular son:

50
FLAUTA PICCOLO O FLAUTÍN: Flauta una 8va más aguda que la principal. es de 2
piezas, no tiene pie y como consecuencia el sonido más grave es un “Re”.
● Transposición: Se escribe {UNA 8va ABAJO}
FLAUTA CONTRALTO O FLAUTA EN “SOL”: Flauta con un color más oscuro y denso.
● Transposición: Se escribe {UNA 4ta JUSTA ARRIBA}
FLAUTA BAJO: Flauta una 8va más grave que la principal.

● Transposición: Se escribe {UNA 8va ARRIBA}

51
EFECTOS MÁS UTILIZADOS / TÉCNICAS EXTENDIDAS:
SIKURIADAS: Consiste en imitar el sonido del Siku.
VIBRATO: Técnica para embellecer el sonido y añadir expresión, describe la variación periódica
de la altura o frecuencia de un sonido.
ENTONADO: Consiste en cantar produciendo otro sonido además del emitido por la flauta.
FRULLATO (FLUTTER TONGUE O FLATTERZUNGE): Técnica característica de los instrumentos de

viento, consiste en utilizar la lengua para producir un característico sonido “Frrrr” similar
a un rulo de tambor, mientras se soplan las notas de manera convencional, consiguiendo así un
efecto de trémolo.

52
CLARINETE ► YouTube Link: CLARINETE
El clarinete en Bb procede de un instrumento muy antiguo. Hay constancia de que existía

en el medio oriente instrumentos primitivos y pastoriles que serían los ancestros del
clarinete. En Europa se creó un instrumento todavía muy simple, el chalumeau, que llegó
a ser popular en Francia en los siglos XV y XVI y que constaba de 7 agujeros. Entre
finales del siglo XVII y comienzos del XVIII, el chalumeau fue modificado para que una
de las llaves, hasta entonces usada para añadir notas extras al registro de
fundamentales, se aprovechará como llave de registro para producir armónicos a una
doceava (Duodécima: octava+quinta) por encima de su registro fundamental. En este
momento y de este principio nació el primer clarinete. Este desarrollo se suele
atribuir al fabricante de instrumentos, el alemán Johann Christoph Denner. Los
originales instrumentos de Denner tenían pocas llaves y le faltaban algunas notas entre
el registro grave -el chalumeau- y el 'clarín', pero él y otros fabricantes iban
añadiendo llaves hasta acabar de rellenar el hueco o 'paso' entre los dos registros Se
fabricó un instrumento por primera vez con una extensión cromática completa de más de
dos octavas y medio en el año 1791, el mismo año en que se ocupó el primer puesto de
profesor de clarinete en el Conservatorio de París y también en el que Mozart escribió
su célebre concierto para el instrumento. Esto marca el comienzo de la evolución del
instrumento hasta su estado actual, en el que hay fundamentalmente dos tipos de
clarinetes según el mecanismo: el sistema Boehm usado en casi toda Europa, Asia y
América y el Öhler utilizado en Alemania, Austria y algunos países del este. El
clarinete fue acogido rápidamente por las orquestas y su sonido se iba amoldando y
cuajando con la textura de los demás vientos de la orquesta. Igualmente el clarinete se
ha empleado en el jazz desde las primeras agrupaciones jazzísticas y en las big bands.
El Clarinete en Bb soprano es el instrumento “principal”, se escribe en Clave de Sol
y se debe Transponer escribiendo una 2da mayor arriba del sonido deseado.

53
CLARINETE BAJO:
El clarinete bajo en Bb es el instrumento accesorio más utilizado en la música
popular, es un clarinete afinado en Si♭ que emite sonidos una octava por debajo
del clarinete soprano. El origen del clarinete bajo se remonta al s. XVIII. La
versión moderna se debe al trabajo de Adolphe Sax en los años 30 del s. XIX.
La forma del clarinete bajo recuerda a la de un saxofón tenor, pero con dos
diferencias: el cuerpo es cilíndrico en vez de cónico, y el material es la madera
o Resina en vez de latón.

54
TROMPETA ► YouTube Link: TROMPETA
La trompeta es un instrumento musical de viento, perteneciente
a la familia de los metales, fabricado en aleación de metal.
El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del
intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la
columna del aire (flujo del aire). La trompeta, comúnmente, está afinada en si♭, es decir, un
tono por debajo de la afinación real.
La trompeta está construida con un tubo, de latón generalmente, doblado en espiral de
aproximadamente 180 cm de largo, con diversas válvulas o pistones, que termina en una boca
acampanada que recibe el nombre de campana o pabellón. Los dos primeros tercios del tubo son
prácticamente cilíndricos, lo que le proporciona un sonido fuerte y brillante, al contrario de
lo que ocurre con el Flugelhorn (fliscorno), que poseen un tubo cónico y producen un tono más
suave. El otro tercio restante es un tubo cónico, excepto en los últimos 30 cm, en los que el
tubo se ensancha para formar la boca en forma de campana. El trompetista puede seleccionar la
ejecución de una gama de “armónicos” o modificando la apertura y tensión del labio ejercida
sobre la boquilla (conocida como la embocadura).
La Trompeta en Bb es el instrumento “principal”, se escribe en Clave de Sol y se debe
Transponer escribiendo una 2da mayor arriba del sonido deseado. El “registro óptimo”
y más práctico para la ejecución se encuentra marcado entre ↓
FLUGELHORN
Es el instrumento accesorio por excelencia de la trompeta, tiene
un sonido más profundo, cálido y pesado, este se suele utilizar
para baladas o temas que requieran calidez en el sonido. La
escritura, registro y transposición son las mismas que la
trompeta

55
LAS SORDINAS: (Mutes) ► YouTube Link: SORDINAS
La sordina es el nombre que reciben los diversos mecanismos de reducción del volumen o
modificación de las cualidades tímbricas del sonido, que puede adoptar diferentes nombres y
formas y puede hacerse de diferentes materiales, dependiendo del instrumento.
Las más conocidas son las de los instrumentos de viento metal, en particular las sordinas de
la trompeta y el trombón. Estas se fabrican de diferentes formas y materiales, como el caucho,
el plástico, la madera o el metal, y encaja perfectamente en la campana del instrumento,
aunque existen otros tipos de sordinas que no se acoplan (como la sordina Plunger). Suelen
fabricarse de plástico o metal.
Las sordinas obstruyen los movimientos de las ondas sonoras en los metales, amplifican ciertos
armónicos y reducen otros.
Sordinas más Utilizadas:
● PLUNGER (Sopapa): ha dado al jazz los sonidos más vigorosos y vocalizados. En esta
técnica, se coloca la sordina sobre el pabellón y se varía el grado de Cierre/Abertura
para producir un efecto de wah-wah. Se escribe indicando en que sonidos debe cerrarse
la campana y en cuales abrirla.
Abierto: o - Cerrado: +
● STRAIGHT: produce los sonidos más suaves de la trompeta. Cilíndrica, se ajusta al

pabellón. Se toca hacia el extremo abierto de la sordina y las ondas sonoras pasan a un
material que llena el cilindro y absorbe el sonido.
● CUP: Es cónica, con forma de copa en el extremo más ancho, a veces recubierto de
fieltro. Reduce el volumen y el tono incisivo de la trompeta, pero añade una cualidad
más suave. Puede ajustarse la posición de la copa a la parte cónica para alterar la
distancia del pabellón.
● WAH-WAH: inventada en 1965, es un tubo de metal que se ajusta al pabellón y va
sellado con un cuello de metal (Stem). Su timbre etéreo varía, dependiendo de cuánto se
la introduzca en la sordina.
● HAT: Los músicos usaban su sombrero para amortiguar el sonido del instrumento
acercandolo a la campana, se usaba el sombrero “Derby” también conocido como Bombín.
● IN STAND: E sta técnica no es una sordina, indica tocar sobre el atril de esta forma el
sonido se apaga en él y no se proyecta de manera direccional, es utilizado para fondos
armonizados.

56
TROMBÓN ► YouTube Link: TROMBÓN
El trombón es un instrumento de viento metal. Su sonido se
produce gracias a la vibración de los labios del
intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la
columna del aire (flujo del aire). Las diferentes notas se
obtienen por el movimiento de un tubo móvil, denominado
vara, alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer, produciendo de este modo
sonidos que también se pueden controlar con una mayor o menor presión del aire soplado por el
intérprete en la vara. Se diferencian siete posiciones distintas a lo largo de la vara. Cuanto
más se alarga la columna de aire con cada posición, el sonido producido es más grave que en la
anterior. Sin embargo, también existen trombones con válvulas. Al igual que casi todos los
instrumentos de esta familia de viento metal, el trombón de varas es de latón (aunque
actualmente muchas fábricas optan también por el cobre y los baños de plata), y consiste en un
tubo cilíndrico y abierto enrollado sobre sí mismo.
Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa, y desde el siglo
XIX es imprescindible en la gran orquesta sinfónica. También se utiliza en la música de jazz,
e innumerables estilos de música latinoamérica donde, además de ser un instrumento clave para
la big band, interpreta pasajes solistas. En la familia del trombón hay muchas variantes con
distintas tesituras y tamaños. Los más utilizados son el trombón tenor y a veces el bajo.
El Trombón Tenor es el instrumento “principal”, se escribe en Clave de FA, este
instrumento no es transpositor, el sonido real y el defecto son el mismo. El
“registro óptimo” y más práctico para la ejecución se encuentra marcado entre ↓
EL TROMBÓN BAJO:
El Trombón bajo es el instrumento “accesorio” que
suele utilizarse en la música popular, comúnmente
lo encontramos en cómo la línea línea de Trombón
IV en la fila dentro de una Big Band.
Este instrumento tiene el mismo registro que una
“Tuba”, se escribe en Clave de FA, y tampoco es transpositor. El “registro óptimo” y
más práctico para la ejecución se encuentra marcado entre ↓

57
LAS SORDINAS: (Mutes) ► YouTube Link: SORDINAS
Las sordinas que se utilizan en el Trombón son de similares características a las utilizadas
por la Trompeta, el efecto buscado y las variedades que encontramos son exactamente las
mismas:
Sordinas más Utilizadas:
● PLUNGER (Sopapa)
● STRAIGHT
● CUP
● WAH-WAH (Harmon)
● HAT (Derby)
● IN STAND

58
SAXOFONES ► YouTube Link:SAXOFONES
Fue inventado por Adolphe Sax a principios del año 1840. Se desconoce el origen de la
inspiración que llevó a Sax a crear el instrumento, pero la teoría más extendida es que,
basándose en el clarinete, instrumento que él tocaba, empezó a concebir la idea de construir
un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades acústicas de uno de
madera, una especie de "clarinete de metal". Pero después de un intenso trabajo de pruebas y
experimentos sobre modificaciones para lograr una mayor sonoridad y un sonido más metálico,
Sax se dio cuenta de que había construido un nuevo instrumento: el saxofón.
A los
El saxofón se asocia comúnmente con la música popular, la música de big band y el jazz.
aunque esta última se emplea
intérpretes del instrumento se les llama saxofonistas o saxos,
para denominar al propio instrumento de viento. Los instrumentos más utilizados de la Familia
de Saxofones son:
Sx. Barítono Sx. Tenor Sx. Alto Sx. Soprano

en Eb en Bb en Eb en Bb
8va ↑ de Barítono)
( 8va ↑ de Tenor)
(
REGISTROS y ESCRITURA:
Aquí encontramos el registro y la transposición de los cuatro saxofones. Todos los
Saxofones se escriben en “Clave de Sol” y deben trasponerse según corresponda. El
“registro óptimo” y más práctico para la ejecución se encuentra marcado entre ↓
SAXO SOPRANO:
2da mayor arriba del sonido deseado.
Transposición:

59
SAXO ALTO:
6ta mayor arriba del sonido deseado.
Transposición:
SAXO TENOR:
2da mayor + 8va arriba del sonido deseado.
Transposición:
SAXO BARÍTONO:
6ta mayor + 8va arriba del sonido deseado.
Transposición:

60

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​ ​ARREGLOS 1

LA COLMENA ESCUELA DE MÚSICA

Prof. Nicolás Ocampo

DESCARGA DE EJEMPLOS Y MATERIAL EXTRA

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

​ L ARREGLO & EL ARREGLADOR

El arreglo contiene procedimientos operativos y estratégicos vinculados al género y a las

● En el rol específico: procedimientos de instrumentación y desarrollo textual, así como

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

● MELODÍA: Melodía Principal, contracantos o comentarios, interludios, etc.

La Curva discursiva de un arreglo debe equilibrarse entre el desarrollo y monotonía. El

● Conocer el objetivo de Arreglo: si es música para Cine, TV, jingle publicitario,

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

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Tiempo CÍCLICO Forma de COMPOSICIÓN

Estructuras que se repiten en un lapso Estructura o molde “Prototipo/boceto” usado para

Tiempo LINEAL Forma de ARREGLO

CHACARERA SIMPLE:​ (La forma se toca 2 veces)

8 compases 8 compases 6 compases 8 compases 6 compases 8 compases 8 compases

CHACARERA DOBLE:​ (La forma se toca 2 veces)

GATO:​ (La forma se toca 2 veces)

ZAMBA:​ (la forma se toca 2 veces)

X Compases 12 Compases 12 Compases 12 Compases

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

● NÚMEROS DE COMPÁS:​ La Marcación se realiza teniendo en cuenta el Número de Compás en

Fragmento de: Billy (Christian Andrada)

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

EJ​ ​►​ ​5 ​= ​“WAVE” (Tom Jobim)​ /​ ​♫ ​Link de Descarga

Forma de Composición​ ​Tipo Canción Standard ​“AABA”​ ​/ “1 CORO” = 44 compases

12 Compases 12 Compases 8 Compases 12 Compases

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

La Partitura ​(Score) ​& Las Partes ​(Parts)

Definir los objetivos y el tipo de intérpretes que ejecutarán nuestra versión es la

ESCRITURA STANDARD: Se realiza pensando en la “instrumentación” y la posibilidades que

ESCRITURA PERSONALIZADA (Custom)​: Se realiza pensando en los “intérpretes”. Cuando el

Barras y Casillas de Repetición

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

● Del Al (Del Segno al Coda):​ Cuando llegamos al compás en donde está

- “​TÉCNICAS​” específicas de un instrumento: cambio de efectos, técnicas de ejecución,

Arreglos 1​ · La Colmena · Escuela de Música / ​Prof. Nicolás Ocampo

Pianissimo pp Muy Suave.

Mezzopiano mp Medianamente débil. Literalmente, es la mitad de suave que

Mezzoforte mf Medianamente fuerte. Literalmente, es la mitad de forte. Si no

Fortissimo ff Muy fuerte.

REGULADORES: Incremento de la intensidad

En su conjunto la articulación tiene uno de los efectos más importantes sobre la

Hay 5 articulaciones principales.

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Staccatissimo (​▼​), staccato (​•​) y tenuto ( ​‾ ​)

● Un cuarto de figura o menos

● La ubicación es la misma que la del s​ taccatissimo

El tenuto significa asegurar esa nota o acorde con atención.

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​(Tenuto) acento marcato

● La ubicación es la misma que la del s​ taccatissimo.

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2.1 - ​INSTRUMENTACIÓN Y ORQUESTACIÓN

ARREGLOS 1

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L ARREGLO & EL ARREGLADOR

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CHACARERA SIMPLE: (La forma se toca 2 veces)

CHACARERA DOBLE: (La forma se toca 2 veces)

GATO: (La forma se toca 2 veces)

ZAMBA: (la forma se toca 2 veces)

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● NÚMEROS DE COMPÁS: La Marcación se realiza teniendo en cuenta el Número de Compás en

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EJ ► 5 = “WAVE” (Tom Jobim) / ♫ Link de Descarga

Forma de Composición Tipo Canción Standard “AABA” / “1 CORO” = 44 compases

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La Partitura (Score) & Las Partes (Parts)

ESCRITURA PERSONALIZADA (Custom): Se realiza pensando en los “intérpretes”. Cuando el

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● Del Al (Del Segno al Coda): Cuando llegamos al compás en donde está

- “TÉCNICAS” específicas de un instrumento: cambio de efectos, técnicas de ejecución,

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Staccatissimo (▼), staccato (•) y tenuto ( ‾ )

● La ubicación es la misma que la del s taccatissimo

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(Tenuto) acento marcato

● La ubicación es la misma que la del s taccatissimo.

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2.1 - INSTRUMENTACIÓN Y ORQUESTACIÓN

● Orquestación: Es el procedimiento mediante el cual se decide y designa qué instrumentos

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En 1960 la tendencia al Bossa-Nova y otros estilos latinos añadió:

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● Patrón de 2 Compases: Usamos el símbolo “2·//·” en los compases donde se repetirá la

● Patrón de 4 Compases: Usamos el símbolo “4·////·”

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PIANO ♫ Adjuntos: PARTES

El Piano es un instrumento musical “armónico” clasificado como

x Do Central = “C4” (4º Do contando desde los

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● PLAQUÉ: Confección de acordes en donde las notas se ejecutan simultáneamente.

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● JAZZ: Rítmicas Típicas de CAMPING

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● JAZZ: Melodía + Comping

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● JAZZ: Melodía + Walkin’

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● SALSA/MONTUNO: Con 8vas.

● SALSA/MONTUNO: Con 8vas - Variantes

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- “Rasgueos o Strumming” (Patrones Populares): Estos son acompañamientos que definen

- “Guitarra Rítmica”: Podemos caracterizar un acompañamiento escribiendo la rítmica en la

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La utilización de efectos se indica en la parte “Superior” del Pentagrama, donde acostumbramos

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