GRADO EN BELLAS ARTES

Los Orígenes de la
Modernidad

Profesor
Isidro Puig Sanchis
email
ipuig@upv.es
 Reflexiones previas
*
Los orígenes de la modernidad
*
Concepto de modernidad
*
Marco cronológico del Arte Moderno
*
Revisión historiográfica sobre el concepto
de Arte Moderno
Dibujo del Álbum de Burdeos
Hacia 1826.
Lápiz negro, Lápiz litográfico sobre papel
verjurado, agrisado,
192 x 145 mm
William Blake, Michelangelo before the Roman Colosseum, 1801

Dibujo del Álbum de Burdeos

Hacia 1826.
Lápiz negro, Lápiz litográfico sobre papel
verjurado, agrisado,
192 x 145 mm
 “El mecanismo central del
conocimiento es la
CURIOSIDAD”

“Todos los hombres tienen por

naturaleza el deseo de saber “
(Aristóteles)

Dibujo del Álbum de Burdeos

Hacia 1826.
Lápiz negro, Lápiz litográfico sobre papel
verjurado, agrisado,
192 x 145 mm
 Profesor (tonto) de pintura
“¡Profesor de pintura, profesor!
Qué tonto eras! ¿Cuánto tiempo,
cuántas revoluciones, cuántas
guerras se necesitarían para volver
a la gente a la suprema verdad
reaccionaria de que el “rigor” es la
condición fundamental de toda
jerarquía, y a la restricción es el
molde mismo de la forma!”

=
No hay práctica artística sin
rigurosidad
 Profesor (tonto) de pintura
Aprendizaje en el rigor

≠
Nada que ver con la
esponteneidad
 “L’arte è una cosa mentale”, dirá Leonardo da Vinci

Toda decisión del artista parte de un proceso reflexivo,

conceptual, NO que sea un arte conceptual
MONDRIAN, Manzanas y tarro de jengibre 1901
Neoplasticismo

MONDRIAN, Composición
en rojo, amarillo, azul y
negro, 1921
“El arte, en efecto, puede ser considerado como
una especie de indicador, de antena para la
detección de los cambios que ocurren en la
esfera invisible de la sensibilidad humana”
(Franco Berardi, Fenomenología del fin)
El arte es un laboratorio de activación política

Preocupación principal del arte ofrecer una

aproximación a la realidad
(hemos pasado por diferentes formas de comprensión)
1. La manera en que agrupamos y ordenamos las obras de arte y el contexto en
que las situamos afecta a la forma en que las vemos.

2. Cuando definimos algo, lo estamos definiendo en relación con algo más,

aunque no tenemos que ser necesariamente conscientes de ello

3. Veremos cual ha sido la práctica del arte moderno desde inicios del siglo XIX

4. También las discusiones y polémicas que se han ido generando a su alrededor

5. Más que pasar revista a los artistas más importantes y a sus obras principales,
intentaremos centrarnos sobre un conjunto determinado de ideas relacionadas
con las obras de arte producidas en un periodo histórico concreto
Ø A mitad del siglo XVIII = primeros síntomas de una revolución
artística

Ø La divergencia entre el Arte Moderno y el del pasado NO solo por

temas formales, técnicos o estéticos = afectan también a su USO
social / “Pero esto (obra, movimiento o trayectoria) ¿qué
significa?)

Ø Lo que revolucionó el arte de nuestra época fue el RECHAZO de

los dos pilares fundamentales de la tradición: la HISTORIA y la
BELLEZA
Ø ¿cuál sería el fundamento del nuevo Arte?. El régimen estético
del nuevo Arte carecería de cualquier principio o fundamento
estables, pues el ejercicio de la libertad implica no aceptar
ninguna determinación dogmática, ningún canon preestablecido

Ø “arte es lo que llamamos arte”, y lo seguimos llamando así

porque quienes lo producen se llaman, por su parte, artistas

Ø Si quisiéramos encuadrar el proceso histórico de la épica

vanguardista en fases:
1. Desde orígenes hasta 1880 = modernización del contenido
2. Entre 1880 y 1930 = modernización de la forma
3. Fin II GM hasta actualidad = cambio de gusto social
Ø No se podría entender el arte de nuestra época sin atender a una
de sus características más revolucionarias

= es un arte por definición PÚBLICO (concebido, ejecutado y

dirigido para el consumo anónimo, para el mercado).

El mecanismo = las exposiciones, que funcionan desde el siglo XVIII

Ø ERNST FISCHER: “El Arte es una necesidad social”

Ø VICENÇ FURIÓ: considera que la profecía de “la muerte del arte” es más
bien una falacia. Según este autor, el arte no desaparecerá a menos que
desaparezca la sociedad: “pueden desaparecer determinadas actividades al
ser sustituidas por otras, o simplemente al perder su función social, del
mismo modo que pueden surgir nuevos lenguajes artísticos a partir de
ciertos descubrimientos técnicos, de lo que hoy hay abundantes ejemplos
en los últimos 150 años (fotografía, cartel, cómic, cines, etc.)

Ø La Historia del Arte y su autonomía

1. Liberación de las ataduras de la religión y de la política
2. = Paralelamente autonomía esferas del conocimiento (ciencia/
prejuicios ; comportamiento/moral
ØEn el Siglo de las Luces aparecen tres disciplinas
(sistematización y conciencia de las disciplinas)

1. La Historia del Arte

2. Crítica del Arte
3. La Estética

üWickelman, 1764, Historia del Arte de la Antigüedad

üDiderot, 1764, Salones
üAlexander G. Baumgarten, 1758, Estética
Ø Concreciones temporales y terminológicas. Siglos XIX y XX el periodo más
dinámico de toda la historia universal

Ø Para un estudiante de historia, “edad moderna” es desde el Renacimiento

(descubrimiento América) hasta la Revolución Francesa. A partir de este
momento edad contemporánea

Ø Debate cultural de los últimos años: “arte moderno o modernidad es un

concepto que adquiere un sentido diferente = es la época caracterizada por
• el abandono del providencionalismo y la crisis de la sociedad
estamental,
• el progresivo hundimiento de la monarquía absoluta,
• el papel creciente de la razón y la actividad científica

Arte moderno / Arte Contemporáneo / Arte Actual…

 “la historia contemporánea desconcierta al escritor, no solamente
porque sabe demasiado, sino también porque lo que sabe no está
suficientemente digerido y es demasiado inconexo, demasiado
atómico. Sólo después de detenida y prolongada reflexión
comenzaremos a ver lo que era esencial y lo que era importante,
a ver por qué las cosas ocurrieron como ocurrieron, y a
escribir historia en lugar de diarios”

Robin George Collingwood

1924
Periodización de la Historia en
siglos o edades

⇓
afán clasificatorio convencional

⇓
Y más si intentamos ordenar la
enseñanza de la Historia del Arte
que abarca tantos períodos.

⇓
Pero tampoco existe ningún
fundamento teórico para
establecer una clasificación del
arte contemporáneo en dos
etapas que coincidan con los
siglos XIX y XX
Lo que conocemos como arte del siglo XIX
no comienza en 1800 ni termina en 1900.
Se inicia antes de la mencionada fecha y continúa
hasta bien entrado el siglo XX
Las aportaciones del siglo XVIII no desaparecen
con el cambio de centuria ni las desarrolladas en el
XIX desaparecen con el XX
¿ Cuál es el motivo de que continuemos usando estos convencionalismos ?
- Permite una organización de la docencia.

- Y en el caso del siglo XIX, porque sigue unos derroteros y plantea unos problemas
diferentes a los presentados en siglos anteriores, como ocurre también con el XX
En el siglo XX se niega los valores del arte del pasado, sus ejecuciones, sus aportaciones.

Las vanguardias del siglo XX surgieron como planteamientos excluyentes y con un afán
por romper con todo lo que supusiera tradición, sobre todo con el academicismo del siglo
XIX (“decimonónico”)
 enfrentamiento (-querelle-) constante
entre los “modernos” y los
“conservadores”.

frente el arte académico

(respaldo oficial)
⇕
los refusées eran excluidos de los
salones y desaprobados por el gusto
“oficial”

El grupo de rechazados era importante, y a

pesar de todo no consiguieron eliminar la
renovación iniciada por muchos de ellos
que lograron imponerse y coexistir con ese
gusto oficialista.
Hubo una ruptura frontal de las líneas
éticas y estéticas que regían las normas y
movimientos artísticos del momento.
Valiéndose del pretexto de que la madera
de los retablos los exponía a ser pasto de
las llamas de las velas y, por tanto,
origen de devastadores incendios en las
iglesias, el secretario de la Real
Academia de Bellas Artes de San
Fernando, don Antonio Ponz, frenético
antibarroco, redactó un documento que
fue asumido oficialmente por Carlos III
en 1777. Por él se prohibía ejecutar en
adelante retablos de madera,
debiéndoselos hacer de piedra, mármol,
jaspe o, a lo más, de estuco imitando
aquellos materiales. Pero lo más decisivo
fue que se prescribiese la estricta
obligación de enviar a la mencionada
Academia las trazas y dibujos de los
futuros retablos a fin de enmendarlos y
purgarlos de todo exceso barroco y, en el
caso de no poderse corregir, la de aceptar
los proyectos impuestos por la comisión
de arquitectura de dicha institución. Con
la real orden se asestó un golpe de
muerte al retablo tradicional
Este academicismo contra el que
lucharon los baluartes agresivos
de la modernidad, no
desapareció hasta bien entrado el
siglo XIX.

A pesar de su desprestigio y
desplazamiento, es cierto que
siguió vigente durante décadas, y
para algunos todavía está vigente,
aunque trasmutado y encarnado
en otras formas
El Arte Moderno como
fractura cultural
1937
El Guernica en el pabellón de España. Exposición Internacional
de París
 La femme au vase (La dama oferente), 1933
El Segador, de Miró. Pablo Ruiz Picasso
Arno Breker
1930

Die Partei (1942)

¿ ?
Por qué existían dos artes hasta tal punto antagonistas y sin comunicación entre ellos

¿
Por qué en el mismo momento, en la misma exposición internacional ?
¿
Por qué existe el arte moderno ?
¿ Por qué el público alaba hoy en día a los impresionistas y a sus sucesores que sus
tatarabuelos querían arrojar a las llamas?

Impresión, Monet
¿ Por qué en las exposiciones de Aviñón
de 1970 y 1973 las últimas pinturas de
Picasso provocaron reacciones airadas
cuando diez años más tarde los museos
ya empezaban a coleccionarlas y ahora el
mercado se las disputa?
¿ Por qué hasta el romanticismo no nos ocupábamos del arte románico y del arte gótico en
nuestro propio suelo?

Caspar David Friedrich, La ruina de Eldena (Klosterruine Eldena bei Greifswald), ca.1825.
La respuesta a la última de las preguntas
Los que entonces se interesaban por el arte se alimentaban con ideas lanzadas por los florentinos
del Renacimiento, según los cuales el arte, que se hundió en la barbarie tras Grecia y Roma, a
partir de Constantino más exactamente, renacía gracias a ellos
 La Historia del Arte nace sobre estas
bases, al mismo tiempo que la enseñanza del arte
en las primeras academias.

Giorgio Vasari (1511-Florencia, 1574) Accademia de San

Luca, de 1593

Le vite… 1550.
Giotto, Brunelleschi, Ghiberti, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano…
eran una realidad
 Hoy, esta historia y esta enseñanza se nos aparecen como lo que son:
una historia y una enseñanza ligadas a unas circunstancias precisas,
pero que se consideraron como la historia y la enseñanza misma del arte al menos
hasta finales del siglo XIX y lo siguen siendo para muchos de nuestros
contemporáneos.

Descubrir el arte románico y gótico, hacia 1820-1830, no era para Francia colmar
un vacío en esta historia aceptada del arte

⇕
era revisar los conceptos fundamentales de barbarie o de decadencia
después de Roma, del Renacimiento, era atentar contra la enseñanza misma
del arte. Era algo que afectaba al corazón de la cultura
Cortile del Belvedere segundo proyecto de Bramante
Los nuevos intereses generados en esta época moderna
hicieron surgir una cultura, con nuevos deseos que cambiaron el entorno y las vidas.

La humanidad se va creando a sí misma y definiendo lo que es y lo que puede llegar a ser,

condicionada por diversos factores.

La Modernidad ha sido, entre otras cosas, una época en que no resultó fácil conciliar los
nuevos deseos e intereses:

la razón ↹ con el sentimiento,

lo subjetivo ↹ con lo extrasubjetivo
la persona ↹ con la sociedad
la libertad ↹ con la esclavitud
la propiedad privada ↹ con la común
la agricultura ↹ con la industrialización

CAMBIO DE MENTALIDAD
 La Modernidad
⇩
hizo de la educación un proceso complejo, de rápida acumulación de conocimientos y
comportamientos acordes con el tipo de sociedad moderna.

⇩
hizo surgir la escolarización al modo de una fábrica y la profesión docente masiva,
⇩
y con ello aparecieron la infancia y la adolescencia como tiempos normales de
crecimiento, para una sociedad necesitada de personas con mayor capacitación
 Cada época histórica responde a un cambio
Cada época tiene su afán o gran deseo.

Alvin Toffler, visionario de la economía del conocimiento ha llamado "olas" a estos períodos de
tiempo
hasta el 1600 de nuestra era, la humanidad priorizó
el deseo de vivir (vivir en un más allá) y sobre-vivir, económicamente fundada en la agricultura
y luego en la civilización, esto es, en la creación de civitates (ciudades), que a su vez crearon
nuevos intereses y nuevos deseos.
Luego aparecerá la Modernidad (del adverbio latino modo: de ahora), esto es, el deseo de vivir
lo nuevo, lo presente
El inicio de la Modernidad y sus deseos
El deseo predominante de la época moderna fue la
búsqueda de lo nuevo
• El adjetivo "moderno" proviene del latín, se relaciona con el adverbio latino modo: de
ahora. "Modernus" es entendido como lo actual, lo que ahora se presenta.

• Finales del siglo X ya se empleaban términos como modernistas y moderni, que

significaban "tiempos modernos" y "hombres de hoy" respectivamente.

• Durante el siglo XII surgieron diferencias entre los discípulos de la poesía antigua y
los llamados "moderni".

• Renacimiento, los hombres comienzan a ser conscientes de la bondad de lo nuevo.

Dante Alighieri adhiere al "dolce stil nuovo", y el inicio de la Modernidad está
marcado por la conciencia de lo antiguo, de lo moderno y del progreso.

• Bernard Le Bovier de Fontanelle, en 1688 (escritor y filósofo), publicó su Digresión

acerca de los Antiguos y los Modernos, donde preveía que la posteridad iba aventajar a
los de su época, como los modernos aventajan a los antiguos.
El inicio de la Modernidad y sus deseos
La Modernidad puede entenderse como la creación de una
nueva forma de vivir y gozar la vida

Se inicia en Europa, aproximadamente en el siglo XV, tras la experiencia desquiciante de

la peste negra, en la que mueren absurdamente tanto justos como pecadores, sin
conocerse causa alguna razonable.

Esta nueva forma de vida, sigue extendiéndose de modo que muchos países,
antes fundamentalmente agrícolas, construyeron durante los siglos XIX y XX fábricas
de tejidos y de maquinaria, medios de transporte -ferrocarriles y automotores- e
industrias alimentarias, y toda una filosofía del progreso positivo.

Este proceso civilizatorio aún pervive en el impulso de la industrialización, sin perder su

fuerza, y es potenciado con nuevas tecnologías
El inicio de la Modernidad y sus deseos
Para comprender los procesos históricos que le dan origen a la Modernidad,
atención a algunas causas que merecen particular mención, por su trascendencia histórica

a.- La Reforma Protestante, originada con Martín Lutero, hizo que la interpretación de la fe religiosa
se tornara más personal. Contra la fe en la autoridad de la predicación y de la tradición, el protestantismo
afirma la dominación de un sujeto que reclama insistentemente la capacidad de atenerse a sus propias
intelecciones. Pero como nos los recuerda Marx en sus escritos tempranos, si el protestantismo no fue la
verdadera solución, sí fue el verdadero planteamiento del problema: el problema de la libertad personal y
del valor de la subjetividad
El inicio de la Modernidad y sus deseos

b.- La Revolución Francesa. La proclamación de los derechos del hombre y luego el Código de
Napoleón hacen valer el principio de la igualdad ante la ley y de la libertad de la voluntad (autonomía),
seguridad y propiedad, como fundamento sustancial del hombre y del Estado
El inicio de la Modernidad y sus deseos

c.- La Ilustración, teorizada por el filósofo Immanuel Kant. Instaura la razón como tribunal supremo
ante el que ha de justificarse todo lo que en general se presente con la pretensión de ser válido.
El inicio de la Modernidad y sus deseos
d.- La revolución cultural. El Iluminismo, donde la razón alcanzará su plenitud en
todas las áreas del conocimiento, desterrando definitivamente el oscurantismo medieval, y
socavando la estructura feudal del Antiguo Régimen. La física fue la ciencia que se convirtió en
modelo por formular leyes ciertas usando el método científico o experimental, que permitió el
dominio de la naturaleza
El inicio de la Modernidad y sus deseos

e.- La Revolución Industrial, culminó en la transformación de una sociedad que poseía una
economía de base agraria, e inició otra nueva fundamentada en la producción fabril.
La revolución industrial se inicia en Inglaterra a finales del siglo XVIII y paulatinamente se
expande durante el siglo XIX y principios del XX a los demás países occidentales, dando
prioridad a la razón instrumental.
 Hace trescientos años aproximadamente se generó una nueva forma de vida:

la moderna

Sociedad totalmente nueva, industrial

Revolución en la forma de ver y vivir tanto
la vida como sus deseos, placeres e intereses.
el Industrialismo fue algo más que chimeneas y cadenas de
producción. Afectó, en el siglo XX, a todos los aspectos de la vida humana y combatió
todas las características del pasado.
Las formas del placer de vivir cambiaron:
el tractor invadió las granjas; las máquinas de escribir se instalaron en las
oficinas, y las heladeras en las cocinas.

Surgió el periódico diario y el cine, el cubismo y la música dodecafónica; Se

universalizó el reloj de pulsera y la urna electoral.

El deseo de vivir, antes orientado hacia la vida futura y extraterrena,

estaba unido ahora al presente y a la productividad.
Sobre Teoría del Arte
Durante esta época hay una serie de escritos que nacieron con una finalidad
normativa o especulativa, más preocupados por teorizar sobre un asunto que
por su aplicación práctica, pudiendo proceder de diferentes ámbitos del arte:
estética, creación artística, arquitectura, urbanismo, jardinería, escultura, plástica,
diseño y pintura, orfebrería, antigüedades, iconografía, etc.
Los del siglo XVIII son más bien tratados que no escritos teóricos de nuestra
época y no procedentes del mismo artista.
Lo mismo ocurre con los textos estéticos que contribuyen a crear el ambiente
ideológico de una determinada época

Atributos de la pintura, la escultura y la arquitectura

(1769), de Anne Vallayer-Coster
Sobre Teoría del Arte
EJEMPLO:

Pictor christianus (1730), traducido al español en

1782 por Luis Durán como:

El pintor christiano, y erudito, ó Tratado

de los errores que suelen cometerse
freqüentemente en pintar, y esculpir las
Imágenes Sagradas / dividido en ocho libros
con un apéndice ...

escrita en latín por JUAN INTERIÁN DE AYALA...; y

traducida en castellano por D. Luis de Durán y de
Bastéro.
El tratado, es la forma más
importante que había adquirido la
literatura artística desde el
Renacimiento, no es otra cosa que el
libro con voluntad normativa y
programática donde se lleva a cabo
una definición de una disciplina
artística, ofreciendo al mismo tiempo al
artista instrumentos y reglas
adecuados para llevar a buen puerto su
actividad.
No obstante, hay que abordarlas con
una visión amplia y
contextualizadora, dada la estrecha
relación que dichas fuentes guardan con
la práctica pictórica de su época
A lo largo de la historia de la humanidad
ha sido una necesidad del
hombre reflexionar y
analizar el quehacer
artístico, no sólo desde el punto de
vista filosófico sino también desde el
propiamente artístico.
Los mismos artistas se han enfrentado a
esa necesidad y han escrito obras
tendientes a explicar y explicarse el
proceso creativo.

* arquitecto Marco Vitruvio Polion

quien, en el siglo i a. C., escribió un
tratado que tituló Los diez libros de
arquitectura. En el “Proemio” explica
que la arquitectura es “práctica y
teórica”.
“La práctica es una continua y
expedita freqüentación del uso,
executada con las manos, sobre la
materia correspondiente á lo que
se desea formar.

La teórica es la que sabe explicar y

demostrar con la sutileza y leyes
de la proporción, las obras
executadas. Así, los Archîtectos
que sin letras sólo procuraron ser
prácticos y diestros de manos, no
pudieron con sus obras conseguir
crédito alguno. Los que se fiaron
del sólo raciocinio y letras,
siguieron una sombra de la cosa,
nó la cosa misma. Pero los que se
instruyeron en ambas, como
prevenidos de todas armas,
consiguieron brevemente y con
aplauso lo que se propusieron”
 La importancia de este párrafo radica en el hecho de que desde los tiempos de la cultura clásica
los artistas consideraban necesaria la teoría y la
sistematización del conocimiento para realizar su
trabajo.
El arquitecto Leon
Battista Alberti,
redescubridor de
Vitruvio,

De pictura, realizado en
el año de 1435 y
dedicado al arquitecto
Filippo Brunelleschi

De re aedificatoria,
publicado de manera
póstuma, en 1485.
1779, mayo, 22 Escultor Mariano Novelles.
Retablo mayor de Serós (Lleida)

“Ittem que toda la arquitectura haya de estar

arreglada según las reglas de los autores más
graves assí antiguos, como modernos, como son
Vitrubio, Paladio, Viñola, y otros”
En el siglo XVI, y en parte como
consecuencia del Concilio de Trento,
obras teóricas se multiplicaron

instrumentos para la sistematización de

conocimientos y como foros de
discusión

Discusión órdenes arquitectónicos

contradecir a Vitruvio (dórico, jónico y
corintio)

Antigüedad romana cinco órdenes:

toscano, dórico, jónico, corintio y
compuesto.

Cada uno de los tratadistas del siglo

XVI concedió proporción y
características particulares a cada uno de
esos órdenes: Sebastiano Serlio, Iacomo
Vignola y Andrea Palladio
Otra interesante polémica
columna helicoidal
según algunas tradiciones había
pertenecido al templo de Salomón
(“columna salomónica”)

Iacomo Vignola
Regla de los cinco órdenes
explicó “convertir la columna recta en
torcida” para ejecutarla
arquitectónicamente.

Otros se mostraron en contra, como

Sebastiano Serlio
Siete libros de arquitectura propuso
una “columna salomónica” pero a la
manera clásica: dividida en tercios,
combinando estrías rectas, estrías
helicoidales y una trama de “petatillo”.
No todo se centró en la arquitectura.

Vidas de los más excelentes

pintores, escultores y arquitectos
arquitecto y pintor Giorgio Vasari.

En su obra transitan artistas que van del siglo XIII

al siglo XVI, como Giotto, Paolo Uccello,
Masaccio, Fra Angelico, Filippo Lippi, Andrea del
Castagno, Domenico Ghirlandaio, Sandro
Botticelli, Andrea Verrocchio, Andrea Mantegna,
Luca Signorelli, Leonardo, Rafael y Miguel
Ángel, al que considera el más grande todos.
En el siglo XVIII
Ilustración búsqueda principios racionalistas en
arte clásico

⇩
Neoclásico

⇩
nueva interpretación del arte grecolatino.
revivió obra teórica de Vitruvio,

Joseph Ortiz y Sanz en 1787, para poder

entender a Vitruvio era necesario, entre otros
requisitos,
“saber bien la lengua Latina, no ignorar la Griega,
habituarse por mucho tiempo a la frase Vitruviana,
poseer perfectamente la Architectura teórico-práctica,
y tener mas que ordinario conocimiento de Física,
Historia, Música, Geometría, Dibuxo, Hidráulica,
Dinámica, Astronomía, Maquinaria, &c; todo lo cual
rara vez se halla unido en un sujeto”.
En el siglo XIX

Definitiva consolidación de la historia del arte y de la

estética, nacidas en el Siglo de las Luces

Abundante caudal de textos teóricos, estéticos e

historiográficos que poco a poco irán desbancando a los
antiguos tratados.

Historiografía artística enriquecida nuevas escuelas de

pensamiento (filología, psicoanalítica, positivista, formalista,
etc.) que harán proliferar los estudios orientados a
sistematizar el arte, y que tendrán su continuación y
culminación a lo largo del siglo XX
En el siglo XX

Planteamientos verdaderamente
rompedores en torno al hecho artístico

Junto a la multiplicidad de ideas y

teorías sobre el arte que hoy conviven,
uno de los rasgos que distinguen a
nuestra época es que cada vez con más
frecuencia historiadores, estetas,
investigadores, estudiosos o
especialistas en arte, además de
exponer sus ideas o reflexiones teóricas
en libros, lo harán en publicaciones
periódicas o revistas señal inequívoca
de que en la actualidad no sólo se vive
uno de los momentos de mayor
efervescencia en el campo de la teoría
artística, sino que se buscan tribunas de
opinión susceptibles de llegar a más
gente y de forma más inmediata
Principales teorías del arte
La Historia del Arte nace como disciplina en 1746, con la obra Historia del
Arte de la Antigüedad, del alemán Johann Joachim Winckelmann.
Con el paso del tiempo otros teóricos han ido creando su propio método para
el estudio de la Historia del Arte, véanse como ejemplo:

· Método formalista (Heinrich Wölfflin): Estudia las obras desde un punto

de vista formal y consagra el concepto de estilo, es decir, del conjunto de
rasgos propios de las manifestaciones artísticas de un período determinado.
· Método iconológico (Erwin Panofsky): Estudia las obras desde el punto de
vista del significado, de su sentido alegórico o simbólico.
· Método sociológico (Arnold Hauser): Estudia las obras en su relación de
dependencia con la sociedad en la que surgen.
· Método psicológico (René Huyghe): Estudia las obras centrándose en el
artista y en sus móviles más íntimos.
· Método estructuralista o semiológico (Cesare Brandi, Jan Mukarovsky,
Umberto Eco): Estudia las obras como códigos semánticos.