REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL

DE LOS LLANOS OCCIDENTALES EZEQUIEL ZAMORA
“UNELLEZ”
MUNICIPALIZADA EL NULA -ESTADO APURE

SUBPROYECTO DE HISTORIA DEL ARTE

II SEMESTRE DE CASTELLANO Y LITERATURA

PROF. LCDA. MARIA OTILIA ORTIZ

INTEGRANTES:

MONTOYA YIRLEY
VIVAS MARIA
SANTIAGO JONATHAN
CARRERO EDDY
CARRERO BRANDO

EL NULA, MAYO 2011

INTRODUCCION
 Historia del Arte

La historia del arte contemporáneo es el que se ha producido en nuestra

época, el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se
hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace
alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.

La Edad Contemporánea comienza a finales del siglo XVIII, Limitado al

arte del siglo XX por vanguardias artísticas, de esta manera se indaga la
contemporaneidad Europea, el arte del siglo XX, como también la revolución
cubana y así mismo estudiar más a fondos el Expresionismo Francés y
Alemán. Donde el mismo ha venido influyendo en el arte del mundo actual,
que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía
era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945 y actualmente se
entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín 1989.

Del mismo modo, por razones antes expuestas, se estudia y se presenta

una breve investigación acerca de la Historia del Arte en el siglo XX y
quienes influyeron en el.

CONTEMPORANEIDAD EUROPEA
 Historia del Arte

Arte "contemporáneo" (siglo XX)

En el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos de la vida

contemporánea, la ruptura con los módulos tradicionales es una de las
características esenciales. El constante cuestionamiento de los
convencionalismos convierte en un valor en sí misma a la transgresión por el
mismo hecho de ser provocativa (épater le bourgeoise), con que la
provocación termina fijándose como una convención más, y por tanto,
generadora de oposición tanto desde una óptica subversiva como
conservadora (todo lo que no es tradición, es plagio -Eugenio D'Ors-).

Así mismo, los constantes avances científicos acostumbran a individuo y

sociedad a dar por sentado que las posibilidades para el desarrollo de cuotas
cada vez más altas de bienestar y consumo sólo está frenado por obstáculos
sociales y políticos que cada vez tienen menos sentido; o al menos cada vez
se soportan con menos paciencia, se denuncian y no dejan de ser
removidos, bien sea por el reformismo social e institucional, bien por
revoluciones de muy distinto signo, movilizaciones de masas y las más
violentas y mortíferas guerras de la historia.

Es por eso que la propia personalidad del hombre es objeto de

cuestionamiento, a través de los obscuros caminos del inconsciente
desvelados por el psicoanálisis.

El artista ha accedido a su completa libertad, o al menos es lo que de él

se espera, en una nueva función social que lo equipara a poetas y
pensadores (los intelectuales) que se supone que han de interpretar la
realidad y señalar los caminos de futuro.
 Historia del Arte

La técnica por un lado, pone al hombre en posición de poder intentarlo

todo; pero no sin crearle al mismo tiempo una nueva esclavitud: la de la
máquina (fordismo y cadena de montaje magistralmente reflejados en
Tiempos modernos de Charles Chaplin -1936-), un mundo repetitivo de una
intensidad agobiante que, pese a su comodidad, produce un gran
desasosiego e insatisfacción, que el arte expresa a través de la
irracionalidad.

Todo se ha intentado y todo se ha hecho posible, en la realidad como en

el arte. Si se habla de una nueva arquitectura espacial, si es posible una
ciudad subterránea, también la escultura se ha convertido en un objeto que
se mueve, o confunde sus límites con la pintura, que se hace matérica. La
misma música ha llegado a ser conjugada con las artes plásticas. Nunca ha
habido una mayor capacidad asociativa entre las artes.

Pero es evidente que esta libertad para inventar y crear permite todo tipo
de excesos, desde los excesos creativos conscientes de las vanguardias que
el nazismo demonizó como arte degenerado, hasta los subproductos
artísticos de consumo masivo que la élite desprecia como "de mal gusto": el
kitsch (trivialidad y capricho sin depurar, deliberada o inconscientemente
ajeno a la supuesta finalidad trascendental del arte).

Arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX

Arte contemporáneo entre 1945 y 1960: el informalismo.

La destrucción de Europa por la guerra y la emigración de artistas,

coleccionistas, críticos e historiadores, convierten a Nueva York en el nuevo
centro mundial del arte.
 Historia del Arte

Arte contemporáneo entre 1960 y 1975: el pop.

El centro Georges Pompidou (Renzo Piano y Richard Rogers, 1977)

destaca por sus atrevidos colores sobre los edificios de París.

La cara de Barcelona, Roy Lichtenstein, 1992.

Arte conceptual (conceptual-art o idea-art), que incluye o se relaciona

con multitud de manifestaciones, estilos o movimientos: happening, action-
art, performance, arte povera (desarrollado en Italia), land-art, body-art,
Process art, etc.

En 1968 Lucy Lippard y John Chandler publicaron La desmaterialización

del arte (revista Art International) donde analizaban el proceso de
transformación que percibían en el arte contemporáneo: los artistas habían
 Historia del Arte

intensificado la gradual desaparición del objeto a favor del concepto y del

arte efímero; muchos de los minimalistas (Morris, Smithson, Andre)
emprendían trabajos en los que "el arte como idea" o la realización de obras
en escenarios naturales (Land Art) eran los nuevos campos de
experimentación o vías de escape al callejón sin salida en el que según ellos
se debatían las poéticas más formalistas.

Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente, tanto en el

ámbito artístico estadounidense como el europeo, la cristalización y difusión
de un nuevo tipo de arte, de unos nuevos comportamientos y de una nueva
manera de entender arte y vida. Nuevos escenarios (la calle, el desierto, las
costas australianas, la montaña, es decir, cualquier lugar de la naturaleza)
reemplazaron los lugares habituales donde el arte solía exponerse. Los
valores prevalecientes en el arte a lo largo de los siglos, y que el arte
moderno y las vanguardias sólo habían reinterpretado, sin cuestionar de
modo radical (la armonía, el cromatismo, la composición, la masa, etc.) eran
repudiados en beneficio de otros (lo efímero, lo pobre, el proceso, la
analogía, etc.). Los medios tradicionales parecían no ser ya los apropiados
para ser mensajes en sí mismos (lecturas artísticas de la semiología y de
Mac Luhan).

A fines de los años sesenta ya se estaban produciendo algunas

manifestaciones artísticas que parecían exigir para el arte la misma libertad y
desprecio de los convencionalismos y valores establecidos, y la misma
búsqueda de nuevos programas de vida y de sociedad que la juventud
revolucionaria del 68 reclamaba en los campus universitarios y las calles
desde Praga hasta México, pasando por París y Stanford. Arte pobre, Land
art, Arte conceptual, Anti-form, Process art, Earth works, Arte microemotivo,
etc. Entre las primeras manifestaciones del Land Art, figuran la celebrada en
 Historia del Arte

la Dwan Gallery de Nueva York, en 1968, con el título de "Earth Works", y al

año siguiente, la presentada en el White Museum de Ithaca, como "Earth
Art". Con la exposición celebrada en el Museo de Leverkusen, en octubre de
1969, se aspiraba a hacer el primer balance del Arte conceptual en su
tendencia analítica, lírica y desmaterializada, a la que siguió "Op Losse
Schereeven", en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, con la que se produjo el
reconocimiento museístico y europeo del Arte Conceptual, el Land Art, el
Anti-form y el Earth Works. Finalmente, con la exposición celebrada en el
Museo Cívico de Turín, en 1970, denominada "Conceptual art/ Arte Povera/
Land Art", se llega a la consagración oficial de los nuevos comportamientos
artísticos.
EL ARTE EN EL SIGLO XX

LA PINTURA EN EL SIGLO XX.

En un siglo de guerras como fue el siglo xx, a los artistas ya no les

interesaba representar un mundo fiel, sino de una manera personal.

En dicho siglo, la pintura adelantó mucho y se inventaron nuevas

técnicas como el cubismo, el impresionismo, el fauvismo… Y hablando de
estos años en que tanto adelanto la pintura, como nos íbamos a olvidar de
uno de sus mayores representantes, Pablo Picasso.

Uno de los más importantes cuadros de Picasso fue y sigue siendo el

Guernica. El guernica es un cuadro con el cual Picasso quiso denunciar el
brutal bombardeo hacia la cuidad de Guernica. Dicho cuadro se pintó
utilizando la técnica de óleo sobre lienzo en 1937
 Historia del Arte

Pablo Picasso

Pablo Ruiz Picasso, nació el 25 de Octubre de 881 en la ciudad

española de Málaga. Fue profesor de Bellas Artes. Con tan solo 14 años se
matricula en la Escuela de Bellas Artes, a pesar de que exigían 20 años de
edad.

Su primera obra llamada “Primera Comunión” en 1896.

La primera mención honorífica fue un año más tarde con la obra

“Ciencia y Caridad”.

En 1925, Picasso participa en la exposición de pintores surrealistas, que

tiene lugar en Paris. Obtiene un gran éxito por primera vez en Europa.

Entre ellas “Las Señoritas de Avigñon” pintado en 1907. Está hecho

mediante la técnica óleo sobre lienzo. Se conserva en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York. Este cuadro, que marcó el comienzo de su Epoca
Negra, es la referencia clave para hablar de Cubismo, del cual el artista
español, es el máximo exponente.

ESCULTURA EN EL SIGLO XX.

El espíritu rupturita de las denominadas vanguardias históricas, que

revolucionaron el mundo del arte durante las primeras décadas del siglo xx,
reavivó el interés por la escultura, que había permanecido en segundo plano
en épocas anteriores, en este sentido hay que destacar la aparición de
tendencias más avanzadas de escultores cubistas, futuristas, fovistas,
 Historia del Arte

constructivista, etc,..Como: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Alberto

Giacometti, Joan Miró, Brancusi, etc...

Esta ruptura de los artistas con lo tradicional afectó en el siglo xx

también a la escultura. Cambiaron los valores, las formas y técnicas y los
principios mismos de la escultura tradicional. Aparecen nuevos materiales
(metálicos, plásticos...) que obligan a utilizar nuevas técnicas, y se produce
una interrelación de la escultura con la arquitectura y con la pintura.

La creencia de que la escultura es la creación de un volumen cuya

superficie-exterior es lo importante, se ve modificada al aparecer esculturas
huecas, como máximo nivel estético de esta técnica decorativa aparece en el
siglo xx , Pablo Gargallo.

Brancusi Duchamp Giacometti

Pablo Gargallo
 Historia del Arte

Pablo Gargallo fue un escultor. Nació en España en el siglo XIX. Empezó

a hacer escultura con un estilo que se llama modernista, propio del siglo XIX.
Fue a Paris. Paris a principio el s. XX era la ciudad más importante en cuanto
al arte. Iban artistas de todo el mundo y se influyeron unos a otros. A
Gargallo le influyó, por ejemplo: El Cubismo y el Arte Abstracto. Gargallo
investigó la forma de la escultura. Las concavidades, los vacíos, la
simplificación de las formas.

También investigó la técnica de la escultura: hacía escultura con placas

de metal, a las que daba forma golpeando, soldando, pegando trazos.

Eso era nuevo en el siglo XX. Esa forma de trabajar como un herrero en
vez de un escultor, le permitió obtener resultados muy diferentes.

LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XX

En el siglo XX, con la arquitectura ocurre lo mismo que con las artes
plásticas, se recorren otros caminos antes inexplorados rompiendo con la
tradición: nuevos materiales y nuevas técnicas.
Los precedentes más importantes de la arquitectura vanguardista del
siglo XX, fueron la escuela de Chicago y el modernismo, iniciando las
 Historia del Arte

construcciones propias de la época actual (hospitales, fábricas, rascacielos,

estadios,…)

El Pabellón de Barcelona

En 1929, el Pabellón de Barcelona fue diseñado para la Exposición

Internacional de Barcelona que se celebró en Montjuic, como Pabellón
Nacional de Alemania, por Ludwig Mies van der Rohe. Fue recepción oficial
de la exposición presidida por Alfonso XIII para recibir a las autoridades
alemanas.

Mies van der Rohe arquitecto y diseñador era el representante de la

arquitectura moderna.

El Pabellón de Barcelona, obra simbólica de la arquitectura moderna, ha

inspirado la obra de varias generaciones de arquitectos.

Tras la clausura de la exposición, el Pabellón fue desmontado en 1930. La

significación y el reconocimiento del Pabellón llevaron a pensar en su posible
reconstrucción y en 1980 impulsado por Oriol Bohigas se inician los trabajos
y el nuevo edificio se inaugura en 1986 en su localización original y con los
mismos materiales (cristal, acero y 4 tipos distintos de mármol).
 Historia del Arte

LA REVOLUCION CUBISTA

El cubismo es un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en la

pintura, aunque también se dió en otras artes como la literatura o la
escultura, desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado
por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial
pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de
un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el

mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras);
en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo,
despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos».
Se originó así el concepto de «cubismo».

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el

último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva.
En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las
formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando
líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se
representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La
representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la
apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo
que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo
plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de
perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una
botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un
punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se
suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto,
 Historia del Arte

como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del
mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son

nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y
retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del

impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos
apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en
la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y

permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de
la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo
que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo
tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente

naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos
artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a
considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica
artística. De ahi en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia
vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

Historia. El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y

como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo
Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El
movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las Señoritas de Avignon"
 Historia del Arte

(Demoiselles D'Avignon). Como elemento precursor del cubismo destaca la

influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de
Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).

El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la

primera de las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que
contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la
obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana.
En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus
formas esenciales,[2] intentando representar los volúmenes sobre la
superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida
por los cubistas. Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac
tendieron a estructurar geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y
Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver ese problema de
lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos solidez y
densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían acabado
disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz.

Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras

civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas
exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que
simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura
tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los
objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo
que parece actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una
influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana.

Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues

esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura,
 Historia del Arte

liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como
aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido
diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia
externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además,
con otros dos hechos acontecidos en la misma década que revelan que las
cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al
evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y
pensamientos humanos, y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo
no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la
geometría euclidiana.

. EXPRESIONISMO FRANCES

Francia es el otro foco importante del Expresionismo. Un precursor

fue Georges Rouault (1871-1958), que estuvo vinculado primeramente al
Fauvismo. Profundamente cristiano, criticó los vicios de la sociedad en sus
cuadros, primero en tonos sombríos y más tarde de colores luminosos y
vivos, encerrados por gruesas líneas negras, a la manera de vidrieras (El
viejo rey).

El lituano Chaim Soutine (1894-1943), uno de los principales

expresionistas de la llamada Escuela de París, pintó trágicos paisajes de
gran violencia emocional y retratos distorsionados con gruesas pinceladas
(El buey en canal, inspirada en Rembrandt, Paisaje).
También a esa escuela perteneció el italiano Amedeo Modigliani
(1884-1920) aunque resulta un artista difícil de clasificar; su original obra no
puede ser encuadrada en ningún movimiento concreto. Influido por los
maestros del Renacimiento italiano y el arte primitivo, desarrolló un estilo
caracterizado por el alargamiento manierista de las formas, que eran simples
 Historia del Arte

y contorneadas por un expresivo dibujo. Hizo retratos y sensuales desnudos

femeninos (Mujer con collar, Desnudo acostado). Realizó también esculturas
(Cabeza) y estuvo cercano al Cubismo.

Retrato de Jeanne Hébuterne Desnudo acostado, Modigliani

EXPRESIONISMO ALEMAN

El expresionismo es una constante en la historia del arte. Todas las

épocas tienen una tendencia expresionista más o menos acusada. Sin
embargo, el expresionismo se eleva como estética definitiva del arte en el
siglo XX. La angustia existencial es el principal motor de su estética; el
número de obras expresionista «alegres» es relativamente pequeño. El
expresionismo pretende conmover al espectador, para lo que utiliza la figura
y el trazo violento.

En este sentido, pintores como Matthias Grünewald y El Greco podrían

ser llamados expresionistas aunque, en la práctica, este término se aplica
principalmente a obras del siglo XX.

Sus raíces inmediatas se encuentran en las pinturas negras de Goya. A

Goya se le puede considerar el primer expresionista contemporáneo. Sin
 Historia del Arte

embargo, es Van Gogh el referente inmediato, tanto por su técnica como por
su profundidad psicológica. El expresionismo nace, como tal, en Alemania
hacia 1912. -Mezcla de colores fuertes y puros -Se deja de lado la
representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros
desfigurados y tristes.

El expresionismo forma parte de las llamadas “vanguardias históricas”,

es decir, las producidas desde los primeros años del siglo XX, en el ambiente
previo a la Primera Guerra Mundial, hasta el final de la Segunda Guerra
Mundial (1945). Esta denominación incluye, además, al fauvismo, el
cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el
surrealismo, etc. La vanguardia está íntimamente ligada al concepto de
modernidad, caracterizado por el fin del determinismo y de la supremacía de
la religión, sustituidos por la razón y la ciencia, el objetivismo y el
individualismo, la confianza en la tecnología y el progreso, en las propias
capacidades del ser humano. Así, los artistas pretenden ponerse al frente del
progreso social, expresar mediante su obra la evolución del ser humano
contemporáneo.

El término “expresionismo” fue utilizado por primera vez por el pintor

francés Julien-Auguste Hervé, que utilizó la palabra “expressionisme” para
designar una serie de cuadros presentados en el Salón de los
Independientes de París en 1901, en contraposición al impresionismo. El
término alemán “expressionismus” fue adaptado directamente del francés –
ya que expresión en alemán es ‘ausdruck’–, empleándose por primera vez en
el catálogo de la XXII Exposición de la Secesión de Berlín en 1911, que
incluía tanto obras de artistas alemanes como franceses. En literatura, fue
aplicado por primera vez en 1911 por el crítico Kurt Hiller. Posteriormente, el
término expresionismo fue difundido por el escritor Herwarth Walden, editor
 Historia del Arte

de la revista Der Sturm (La tormenta), que se convirtió en el principal centro

difusor del expresionismo alemán. Walden aplicó inicialmente el término a
todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920. En cambio, la aplicación
del término expresionismo ligado exclusivamente al arte alemán de
vanguardia fue idea de Paul Fechter en su libro Der Expressionismus (1914),
que siguiendo las teorías de Worringer relacionó las nuevas manifestaciones
artísticas como una expresión del alma colectiva alemana.

Tirol (1914), de Franz Marc, Staatsgalerie Moderner Kunst, Múnich.El

expresionismo surgió como reacción al impresionismo: así como los
impresionistas plasmaban en el lienzo una “impresión” del mundo
circundante, un simple reflejo de los sentidos, los expresionistas pretendían
reflejar su mundo interior, una “expresión” de sus propios sentimientos. Así,
los expresionistas emplearon la línea y el color de un modo temperamental y
emotivo, de fuerte contenido simbólico. Esta reacción frente al impresionismo
supuso una fuerte ruptura con el arte elaborado por la generación
precedente, convirtiendo al expresionismo en un sinónimo del arte moderno
durante los primeros años del siglo XX. El expresionismo supuso un nuevo
concepto del arte, entendido como una forma de captar la existencia, de
traslucir en imágenes el sustrato que subyace bajo la realidad aparente, de
reflejar lo inmutable y eterno del ser humano y la naturaleza. Así, el
expresionismo fue el punto de partida de un proceso de transmutación de la
realidad que cristalizó en el expresionismo abstracto y el informalismo. Los
expresionistas utilizaban el arte como una forma de reflejar sus sentimientos,
su estado anímico, propenso por lo general a la melancolía, a la evocación, a
un decadentismo de corte neorromántico. Así, el arte era una experiencia
catárquica, donde se purificaban los desahogos espirituales, la angustia vital
del artista.
 Historia del Arte

En la génesis del expresionismo un factor fundamental fue el rechazo al

positivismo, al progreso cientificista, a la creencia en las posibilidades
ilimitadas del ser humano basadas en la ciencia y la técnica. En cambio, se
empezó a generar un nuevo clima de pesimismo, de escepticismo, de
descontento, de crítica, de pérdida de valores. Se vislumbraba una crisis en
el desarrollo humano, que efectivamente se vio confirmada con el estallido
de la Primera Guerra Mundial. También cabe destacar en Alemania el
rechazo al régimen imperialista de Guillermo II por parte de una minoría
intelectual, ahogada por el militarismo pangermanista del káiser. Estos
factores propiciaron un caldo de cultivo en el que progresivamente se fue
gestando el expresionismo, cuyas primeras manifestaciones se produjeron
en el terreno de la literatura: Frank Wedekind denunció en sus obras la moral
burguesa, frente a la que oponía la libertad pasional de los instintos; Georg
Trakl se evadió de la realidad refugiándose en un mundo espiritual creado
por el artista; Heinrich Mann fue quien más directamente denunció la
sociedad Guillermina.

La aparición del expresionismo en un país como Alemania no fue un

hecho aleatorio, sino que se explica por el profundo estudio dedicado al arte
durante el siglo XIX por los filósofos, artistas y teóricos alemanes, desde el
romanticismo y las múltiples aportaciones al campo de la estética de
personajes como Wagner y Nietzsche, hasta la estética cultural y la obra de
autores como Konrad Fiedler (Para enjuiciar obras de arte visual, 1876),
Theodor Lipps (Estética, 1903-1906) y Wilhelm Worringer (Abstracción y
empatía, 1908). Esta corriente teórica dejó una profunda huella en los
artistas alemanes de finales del siglo XIX y principios del XX, centrada sobre
todo en la necesidad de expresarse del artista (la “innerer Drang” o
necesidad interior, principio que asumió posteriormente Kandinski), así como
la constatación de una ruptura entre el artista y el mundo exterior, el
 Historia del Arte

ambiente que lo envuelve, hecho que lo convierte en un ser introvertido y

alienado de la sociedad. También influyó el cambio producido en el ambiente
cultural de la época, que se alejó del gusto clásico grecorromano para
admirar el arte popular, primitivo y exótico –sobre todo de África, Oceanía y
Extremo Oriente–, así como el arte medieval y la obra de artistas como
Grünewald, Brueghel y El Greco.

El jinete circense (1913), de Ernst Ludwig Kirchner, Pinakothek der

Moderne, Múnich. En Alemania, el expresionismo fue más un concepto
teórico, una propuesta ideológica, que no un programa artístico colectivo, si
bien se aprecia un sello estilístico común a todos sus miembros. Frente al
academicismo imperante en los centros artísticos oficiales, los expresionistas
se agruparon en torno a diversos centros de difusión del nuevo arte,
especialmente en ciudades como Berlín, Colonia, Múnich, Hannover y
Dresde. Asimismo, su labor difusora a través de publicaciones, galerías y
exposiciones ayudaron a extender el nuevo estilo por toda Alemania y, más
tarde, toda Europa. Fue un movimiento heterogéneo que, aparte de la
diversidad de sus manifestaciones, realizadas en diversos lenguajes y
medios artísticos, presentó numerosas diferencias e incluso contradicciones
en su seno, con gran divergencia estilística y temática entre los diversos
grupos que surgieron a lo largo del tiempo, e incluso entre los propios artistas
que los integraban. Incluso los límites cronológicos y geográficos de esta
corriente son imprecisos: si bien la primera generación expresionista (Die
Brücke, Der Blaue Reiter) fue la más emblemática, la Nueva Objetividad y la
exportación del movimiento a otros países supuso su continuidad en el
tiempo al menos hasta la Segunda Guerra Mundial; geográficamente, si bien
el centro neurálgico de este estilo se situó en Alemania, pronto se extendió a
otros países europeos e incluso del continente americano.
 Historia del Arte

Después de la Primera Guerra Mundial el expresionismo pasó en

Alemania de la pintura al cine y el teatro, que utilizaban el estilo expresionista
en sus decorados, pero de forma puramente estética, desprovista de su
significado original, de la subjetividad y el desgarramiento propios de los
pintores expresionistas, que se convirtieron paradójicamente en artistas
malditos. Con el advenimiento del nazismo, el expresionismo fue
considerado como “arte degenerado” (Entartete Kunst), relacionándolo con el
comunismo y tachándolo de inmoral y subversivo, al tiempo que
consideraron que su fealdad e inferioridad artística eran un signo de la
decadencia del arte moderno (el decadentismo, por su parte, había sido un
movimiento artístico que tuvo cierto desarrollo). En 1937 se organizó una
exposición en el Hofgarten de Múnich con el título precisamente de Arte
degenerado, con el objetivo de denostarlo y mostrar al público la baja calidad
del arte producido en la República de Weimar. Para tal fin fueron confiscadas
unas 16.500 obras de diversos museos, no sólo de artistas alemanes, sino
de extranjeros como Gauguin, Van Gogh, Munch, Matisse, Picasso, Braque,
Chagall, etc.

La mayoría de esas obras fueron vendidas posteriormente a galeristas

y marchantes, sobre todo en una gran subasta celebrada en Lucerna en
1939, aunque unas 5.000 de esas obras fueron directamente destruidas en
marzo de 1939, suponiendo un notable perjuicio para el arte alemán.

Tras la Segunda Guerra Mundial el expresionismo desapareció como

estilo, si bien ejerció una poderosa influencia en muchas corrientes artísticas
de la segunda mitad de siglo, como el expresionismo abstracto
norteamericano (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), el
informalismo (Jean Fautrier, Jean Dubuffet), el grupo CoBrA (Karel Appel,
Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky) y el neoexpresionismo alemán –
 Historia del Arte

directamente heredero de los artistas de Die Brücke y Der Blaue Reiter, lo

que queda patente en su nombre–, y artistas individuales como Francis
Bacon, Antonio Saura, Bernard Buffet, Nicolas de Staël, Horst Antes, etc.

El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania.

Surgió en torno a dos grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1918 nació
un tercer brote expresionista con el grupo Neue Sachlichkeit (Nueva
Objetividad).

Die Brücke (El Puente, 1905-1913)

El grupo nació en Dresde en 1905, coetáneo al Fauvismo francés. Los

jóvenes artistas querían construir un puente entre lo viejo y lo nuevo.
Formaban una hermandad revolucionaria de artistas que adoptaron una
actitud crítica de la sociedad burguesa. Con una técnica similar a los
fauvistas, los expresionistas gustaban de los colores violentos y de las
formas retorcidas y esquemáticas. Sus temas preferidos estaban
relacionados con la violencia y la miseria, resultando dramáticos y
expresivos. Todos ellos hicieron xilografías (grabados sobre madera)
siguiendo la tradición alemana.

Los artistas más importantes fueron:

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) considerado el jefe del grupo. Le

encantaba el arte primitivo. Sus temas preferidos eran escenas callejeras
con agresivas mujeres realizadas en colores estridentes muy
contrastados y líneas angulosas para transmitir la soledad y la angustia
de la sociedad contemporánea (Cinco mujeres en la calle).
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Emil Nolde (1867-1949) fue el más destacado del grupo aunque estuvo
en él poco tiempo. Logró un estilo propio caracterizado por el brillante e
intenso colorido y unas figuras salvajes y grotescas para expresar
violentos sentimientos en sus cuadros religiosos (Danza en torno al
becerro de oro, Susana y los viejos).

Karl Schmidt-Rottluff (n.1884), que pintaba monumentales paisajes con

desnudos usando colores chillones sin matizaciones.

En 1910 el grupo Die Brücke se trasladó a Berlín para llevar su obra al

mayor número de espectadores.

Postdamer Platz, Kirchner Mujer con blusa verde, Kirchner

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, 1911- 1914)

Der Blaue Reiter surgió en Munich en 1911. Kandinsky y Marc serán

los fundadores del grupo; en 1912 publicaron el almanaque Der Blaue Reiter
que dio nombre al grupo al que se sumaron otros artistas como Macke y
Klee.
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A pesar de ser un grupo expresionista como Die Brücke, diferían en sus

planteamientos artísticos. Los artistas pretendían superar la realidad
idealizándola, no criticándola, y despertar sentimientos en el espectador. La
riqueza cromática, la simplificación de formas y el uso de líneas curvas serán
las notas características de la pintura del Jinete Azul, más lírica y espiritual
que la de Die Brücke. Los pintores más significados del grupo son:

El ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) tenía un estilo espiritual en el

que se mezclaban los rasgos expresionistas con los del arte popular ruso.
Buscaba expresar sus sentimientos a través de llamativos contrastes de
color, sin preocuparse del tema (Improvisación, El Jinete Azul). Tras
eliminar el elemento figurativo de sus telas, llegó a la abstracción pura en
1910.

Franz Marc (1880-1916) quería expresar a través de sus lienzos el

misticismo de la naturaleza. Empleó un brillante colorido simbólico —
especialmente el azul— y formas simplificadas en sus poéticas pinturas
de animales (El sueño, Caballos azules, Ciervo en el bosque).

El suizo Paul Klee (1879-1940) perteneció al Jinete Azul poco tiempo

evolucionando también a la abstracción. Fue profesor de la Bauhaus
como Kandinsky. De una gran imaginación y destreza técnica, su estilo
resulta inconfundible. Pintó alegres y poéticas composiciones, de suaves
tonalidades y con trazos infantiles, en las que mostraba su realidad
interior (Ad Parnasum, Senecio) aunque en sus últimos años su pintura
se vuelve más amarga y oscura.

El grupo quedó disuelto en 1914 al estallar la Primera Guerra Mundial.

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Caballos Azules, Franz Marc

Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad, 1918-1933)

Acabada la guerra, nació en 1918 un tercer grupo expresionista en

Berlín. Inmersos en el clima de derrota, estos pintores se caracterizan por su
pesimismo al describir los horrores de la guerra y su dura crítica a la
sociedad burguesa.

Sus principales componentes fueron:

Georg Grosz (1893-1959) famoso caricaturista que en su obra satirizaba

a los diversos estamentos sociales, especialmente a los militares.

Otto Dix (1891-1969) que representó de forma realista los males de la

sociedad.

Max Beckmann (1884-1950) autor de retratos y atormentados trípticos

de un realismo descarnado, llenos de figuras angulosas bordeadas de
contornos negros (La Partida, La gallina ciega).
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Cuando los nazis llegaron al poder en 1933, persiguieron a todos los

artistas expresionistas y los incluyeron en la famosa exposición de Arte
Degenerado celebrada en Munich en 1938.

Dentro del Expresionismo alemán debemos considerar también a los

pintores austriacos del foco de Viena: Oscar Kokoschka (1886-1980) pintó
retratos de gran penetración psicológica (Autorretrato) y paisajes con un
lenguaje propio, de vibrante colorido y empastes gruesos (La novia del viento
o La tempestad, en que plasmó al artista y su amante arrastrados por el
viento) y Egon Schiele (1890-1918) excelente dibujante, cuya obra está
cargada de fuerte erotismo, es conocido por sus retratos y paisajes.

.
.
Café, de Grosz, en un sello alemán Anita Berber, de Dix, en un sello alemán
CONCLUSIONES

Al llegar al final de esta investigación, se logro obtener los

conocimientos históricos en el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos
de la vida contemporánea, indagando los antecedentes como ha venido
desempeñando el arte en la pintura, la escultura y a la arquitectura del
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mundo actual, que en el momento que se definió como término

historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial
1945 y actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de
Berlín -1989.

Del mismo modo, el cubismo surge en la primera década del siglo XX,
constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Entre las
circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado
tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas,
particularmente la africana.

Asimismo, los expresionistas se convirtieron en testigos de las

angustias colectivas del ser humano del siglo XX, asediado por la guerra, el
hambre y las amenazas a la libertad. El Expresionismo, surgió como una
reacción frente al impresionismo y fue en Alemania donde se desarrolló
plenamente. El Expresionismo más que un estilo artístico fue un movimiento
muy comprometido que se enfrentó a una realidad con la cual no estaba de
acuerdo y que se dio en todas las esferas, arte, literatura, cine o música.

REFERENCIAS BIBLIOGRAFICAS

Educación Artística, Candido R. Millan, Quinta Edición, Ciclo Básico

Común, Edición Eneva Caracas (1997).

Historia universal del arte. José; Suárez, Alicia; Vidal, Mercé (1994).
 Historia del Arte

Información recolectada de web: www.google.co.ve

El Expresionismo, surgió como una reacción frente al impresionismo y

fue en Alemania donde se desarrolló plenamente. El Expresionismo más que
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un estilo artístico fue un movimiento muy comprometido que se enfrentó a

una realidad con la cual no estaba de acuerdo y que se dio en todas las
esferas, arte, literatura, cine o música.

Desde el punto de vista artístico había una oposición, como sucedía

con los otros movimientos vanguardistas, a la utilización de formas y
espacios tradicionales y se buscaba un acercamiento con la realidad.

El grupo Die Brücke (El Puente), se estableció en 1905 en Dresde,

fundado por Kirchner, Bleyl, Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos eran
estudiantes de arquitectura pero abandonaron esta carrera para dedicarse de
lleno a la pintura. Al año siguiente se unieron al grupo Nolde y Pechstein y
Van Dongen, y ya en 1910 lo hizo Otto Müller.

Las influencias en su arte fueron variadas, ya que estudiaron en

profundidad las tradiciones germánicas y a sus autores más representativos
Durero o Cranch, así utilizaron la xilografía( grabado sobre madera), con una
gran tradición en aquel país, técnica a la que aplicaron también color y que
influyó en el aspecto formal de las obras y que se tradujeron en formas
angulosas y contrastadas sobre un fondo bidimensional. Por otro lado
también hubo influencias de la Secesión Vienesa o de autores como Van
Gogh y de escultura africana y oceánica.

Dentro de los objetivos del grupo estaba la destrucción de las reglas y

la búsqueda de la espontaneidad en el acto creativo. Sobretodo para ellos el
arte era algo subjetivo que dependía totalmente de su creador, en el cual lo
importante era la idea. Utilizaban así formas muy simplificadas y deformadas
unidas a colores muy contrastados para de esa manera intentar transmitir
mejor el valor interno de las cosas.
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El grupo fue disuelto en 1913.

El grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), surgió en

1911, fundado por Wassily Kandinsky, Franz Marc, y formado por artistas
como Paul Klee y Von Jawlensky.

En 1912 Kandisnsky y Marc publicaron la revista Der Blaue Reiter,

este almanaque era para ambos el lugar donde artistas, escritores, etc.,
contribuyeran en la destrucción de los límites que se habían creado en el arte
a lo largo de los siglos.

Aunque había puntos que le conectaban con El Puente, como el

estudio y la influencia de artes primitivas El Jinete Azul, era mucho menos
contestatario que el anterior. Buscaban así desde el lirismo la depuración de
la forma hasta llegar a la esencia.

Marc se expresaba de esta forma: “Todo tiene su envoltura y su

meollo, apariencia y esencia, máscara y verdad. Que alcancemos sólo la
envoltura en vez de la esencia de las cosas… muy pronto sentí al hombre
como un bruto”.

Para llegar a la esencia de las cosas no era necesaria la deformación,

como hicieran los miembros de El Puente, sino que se trataba de liberar la
forma de toda la superficialidad que la cubría.

Esta búsqueda de la esencia se expresó cada vez más en el

esquematismo de las formas y el contraste de color aunque este último de
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una manera más sutil. Kandisnsky de esa manera, comenzó a suprimir

cualquier enlace con el mundo objetivo llegando a la abstracción.

La última exposición del grupo tuvo lugar en 1914, quedando disuelto

con la guerra.