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Vincent van Gogh

Vincent van Gogh - Self-Portrait - Google Art Project (454045).jpg
Autorretrato (1887)
Información personal
Nombre de nacimiento Vincent Willem Van Gogh Ver y modificar los datos en
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Nacimiento 30 de marzo de 1853 Ver y modificar los datos en Wikidata
Zundert (Países Bajos)
Fallecimiento 29 de julio de 1890 Ver y modificar los datos en Wikidata (37
años)
Auvers-sur-Oise (Francia)
Causa de muerte Herida por arma de fuego Ver y modificar los datos en Wikidata
Sepultura Cementerio de Auvers-sur-Oise
Nacionalidad Neerlandesa
Características físicas
Cabello Pelirrojo Ver y modificar los datos en Wikidata
Familia
Padres Theodorus van Gogh Ver y modificar los datos en Wikidata
Anna Cornelia Carbentus Ver y modificar los datos en Wikidata
Pareja

Sien
Margot Begemann Ver y modificar los datos en Wikidata

Educación
Educado en

Academia Real de Bellas Artes de Bruselas

Real Academia de Bellas Artes de Amberes Ver y modificar los datos en Wikidata

Alumno de Anton Mauve Ver y modificar los datos en Wikidata

Información profesional
Ocupación Pintor, ilustrador botánico, dibujante, grabador, dibujante
arquitectónico, aguafuertista, litógrafo y artista gráfico Ver y modificar los
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Área Pintura Ver y modificar los datos en Wikidata
Empleador Goupil & Cie (1869-1873) Ver y modificar los datos en Wikidata
Movimiento Posimpresionismo
Géneros Pintura del paisaje, bodegón, retrato, paisaje urbano, vista interior,
autorretrato y arte cristiano Ver y modificar los datos en Wikidata
Artistas relacionados Anton Mauve, Paul Gauguin
Firma Vincent van Gogh signature (Vincent).svg
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Vincent Willem van Gogh (pronunciado Acerca de este sonido [ˈvɪnsɛnt fɑŋ'ɣɔx] (?
·i); Zundert, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890) fue un
pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.1

Pintó unos 800 cuadros (entre ellos 43 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más
de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante
de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y
desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas
que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del
pintor, unas 650 fueron para Theo; las otras son correspondencia con amigos y
familiares.2

Desde joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Su primer trabajo fue en una galería
de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de
veintiséis años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde
comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran
obra, Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente
de tonos sombríos y terrosos. La luz y la preferencia por los colores vivos por la
que es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia,
consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888.

La calidad de su obra fue reconocida solo después de su muerte, en una exposición

retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros
de la historia de la pintura. Influyó grandemente en el arte del siglo XX,
especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Matisse,
Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.34 Falleció a los treinta y siete años de edad
por una herida de bala; aún no se sabe con seguridad si fue un suicidio o un
homicidio involuntario. A pesar de que existe una tendencia general a especular que
su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree
que las obras del artista están ejecutadas bajo un completo control; de hecho, el
pintor jamás trabajó en los periodos en los que estaba enfermo.5
Biografía
La familia de Vincent van Gogh:
Arriba: sus padres Theodorus y Anna Cornelia.
Abajo, de izquierda a derecha: Vincent Willem, Anna Cornelia, Theo, Elisabetha
Huberta, Wilhelmina Jacoba y Cornelius Vincent.

Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un austero y humilde pastor protestante

neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna Cornelia, Vincent recibió el mismo
nombre que le habían puesto a un hermano que nació muerto exactamente un año antes.
El 1 de mayo de 1857 nació su hermano Theo y ambos tuvieron cuatro hermanos más:
Cornelius Vincent, Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba.

Durante la infancia acudió a la escuela de manera discontinua e irregular, pues sus

padres le enviaron a diferentes internados. El primero de ellos en Zevenbergen en
1864, donde estudió francés y alemán.6 Dos años después se matriculó en la escuela
secundaria HBS Koning Willem II (Tilburg) viviendo con la familia Hannik en la
calle Sint Annaplein 18-19 y permaneció allí hasta que dejó los estudios de manera
definitiva a los quince años.7 Por entonces comenzó su afición por la pintura.

Sobre su infancia, Vincent van Gogh comentó: «Mi juventud fue triste, fría y
estéril».8
Primeros trabajos
Marchante de arte
El hermano de Vincent van Gogh, Theo, hasta hace poco asociada al primero,9 en
1866.
Acequia (1872-73), dibujo juvenil de Van Gogh (La Haya).

Desde muy joven mostró un carácter difícil y un temperamento fuerte. Tras abandonar
los estudios y después de un año en Zundert, van Gogh empezó a trabajar en 1869, a
la edad de 16 años, como aprendiz en Goupil & Co. (más tarde Boussod & Valadon),
una importante compañía internacional de comercio de arte de La Haya de la que su
tío Vincent fue socio.10 Se adaptó bastante bien a esta nueva vida, llegando a
escribir:

Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en él más ambicioso se

vuelve uno.

Cuatro años después fue trasladado a Londres para suministrar obras de arte a los
comercios del lugar y fue allí donde tuvo un primer contacto con Eugenia, hija de
Úrsula Loyer, patrona de la pensión donde se hospedó. Se enamoró de ella, pero la
chica estaba comprometida y lo rechazó.11 En 1874, un año después de su estancia en
Londres, pasó las vacaciones en familia en Helvoirt y confesó su malestar por
Eugenia. Vivió aislado, leyendo libros religiosos y perdiendo el interés por su
trabajo.6

En mayo de 1875 fue destinado a París, donde creció su amor por el arte. En una
exposición de dibujos de Jean-François Millet comentó:

Cuando entré en la sala del hotel Drouot, donde estaban expuestos, sentí alguna
cosa como: descálzate porque el suelo que pisas es sagrado.12

El 10 de enero de 1878, en una carta dirigida a su hermano Theo, comunicó que había
sido despedido de la galería de arte y que tendría que irse el 1 de abril.13 El
despido fue debido a que interponía sus gustos personales sobre las ventas que
debía hacer. Sin embargo, en Boussod & Valadon se quedó su hermano Theo, cuatro
años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya
abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de su
hermano mayor. Su familia le propuso que abriera él mismo una galería, donde podría
ofrecer la clase de pintura que él escogiera. Rechazó la idea y más tarde insistió
a su hermano, también marchante de arte, para que dejase su trabajo ya que «el
comercio de arte era una farsa».14
Religión

A finales de marzo de 1876 regresó a Inglaterra, donde permaneció dos años. Por
aquel tiempo, Van Gogh aumentó su fanatismo religioso. Le entusiasmaba la lectura
de la Biblia, y La imitación de Cristo de Tomás de Kempis. Después de estar un
tiempo como maestro auxiliar en Ramsgate, empezó a trabajar en Isleworth como
ayudante del predicador metodista Jones, donde llegó a subir al púlpito de la
iglesia y leer un sermón que se había preparado escrupulosamente. Sobre este primer
sermón existe una copia que envió a su hermano Theo con frases como:

Cuando me encontraba en el púlpito, me sentía como quien desde una oscura cueva
subterránea vuelve a salir a la plena luz, y es maravilloso pensar que, desde
ahora, predicaré el Evangelio por todo el mundo.

Pasó unos seis meses en Dordrecht como empleado de una librería, y en mayo de 1877
se trasladó a Ámsterdam donde quiso hacerse teólogo. Tuvo que desistir y también
abandonar sus deseos de entrar en una escuela metodista. Fue rechazado por no saber
ni latín, ni griego, y su dificultad para hablar en público, aunque realmente el
motivo era su falta de subordinación. Cada vez le era más difícil adaptarse a un
cierto orden y someterse a alguien que le dirigiese.15

En 1879, quizás por su profundo fervor, fue enviado como misionero a la región de
Mons, a las minas de Borinage, en Bélgica, donde en condiciones extremadamente
duras realizó durante veintidós meses un trabajo evangelizador entre los mineros de
la zona. Pero con su fanatismo lo que conseguía era que le llegaran a temer. Dormía
en una pequeña barraca y su estado se degradaba cada día más. Además, repartía
entre los pobres lo poco que tenía. Decía que estaba obligado a creer en Dios para
poder soportar tantas desgracias. Sus superiores decidieron entonces enviarle a
Cuesmes, permaneciendo un año completo en una absoluta pobreza y en contacto con
los mineros, por los que sentía una gran simpatía:

Los carboneros y los tejedores siguen constituyendo una raza aparte de los
demás trabajadores y artesanos y siento por ellos una gran simpatía y me sentiría
feliz si un día pudiera dibujarlos, de modo que estos tipos todavía inéditos o casi
inéditos fuesen sacados a luz.16

Después se le suprimió el pequeño sueldo que recibía. Ante todo esto, siguió los
consejos de su hermano Theo, del que ya estaba recibiendo ayuda económica, y
decidió dar un cambio a su vida y dedicarse a la pintura.17
Pintura: aprendizaje
Dibujo El sembrador (1881), Museo Van Gogh.

Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon van
Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y
perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas de
Jean-François Millet, representando campesinos y mineros, modelos de la vida
cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras.18
Etten

El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten a visitar a su hermano. Durante este

período va a casa de su primo, el pintor Anton Mauve, y donde vuelve a enamorarse,
esta vez de una de sus primas Cornelia Adriana Vos-Stricker (Kee), que acababa de
enviudar, a la que propuso rápidamente matrimonio, la respuesta de Kee fue: «No,
jamás, jamás».19 A pesar de esta negativa, insistió mediante cartas que la viuda no
contestaba, además de negarse a verlo. Vincent insistió con los padres de ella, fue
a su casa a intentar verla de nuevo, los familiares le llegaron a decir que su
insistencia era «asquerosa». En diciembre de 1881, escribió a su hermano, le contó
la historia y las disputas con su padre:20

Pero como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una disputa
bastante grave con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que sería mejor
que abandonase la casa. Lo dijo tan enérgico que me fui aquel mismo día.

La Haya
Dibujos en La Haya
Vincent van Gogh - Sorrow.jpg Van Gogh 1883-03, The Hague - Girl Kneeling by
a Cradle F 1024 JH 336.jpg
Pena (1882). Posiblemente la modelo fue Clasina María "Sien". Niña de rodillas
delante de una cuna (1883).

En La Haya, su primo Antón, pintor de acuarelas, le aconsejó e insistió en la

importancia de que aprendiese perspectiva y dibujo. Vincent hizo entonces sus
primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como se ve en
las acuarelas: Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col y zuecos
(1881).

Mientras, su vida amorosa tomó un nuevo rumbo. Desesperado tras el rechazo de su

prima Kee, o quizá por compasión, Vincent recogió de la calle a Clasina María
Hoornik (Sien), una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija, con la que
vivió durante un año; tanto la madre como la hija le sirvieron de modelo. En el
dibujo Dolor, en el margen inferior, citó las palabras de Jules Michelet del
tratado La Femme (1860): «¿Cómo es que hay en la tierra una sola mujer?» Sien, por
la falta de recursos económicos, había vuelto a ejercer la prostitución y esto,
unido a la gran presión que padecía Van Gogh por parte de su padre, de su hermano
Theo y su primo Mauve (con quien llegaría a discutir y romper su amistad), hizo que
este intento de vida familiar también fracasara.21

Concluida esta relación con Sien, se trasladó a Drente, al norte de los Países
Bajos, donde permaneció durante tres meses y pintó temas paisajistas en pintura al
óleo, en los que se puede apreciar la diferencia con los dibujos realizados
anteriormente. Como quería plasmar todos los detalles, realizó los óleos con trazos
gruesos y pinceladas espesas. Esta temporada sintió más que nunca la soledad; en
las cartas dirigidas a su hermano, le insistía en que abandonara su trabajo de
marchante y siguiese el camino de la pintura. En diciembre de 1883 regresó
nuevamente a la casa paterna, esta vez en Nuenen, donde el padre había sido
trasladado.22
Nuenen
El tejedor en el telar (1884), 70 × 85 cm.
En Nuenen fue bien recibido por su familia, que le acondicionó una habitación como
taller, donde realizó obras como Jardín rectoral en Nuenen en primavera. En este
periodo se dedicó a dibujar y pintar el trabajo en los telares. Coincidió con un
amigo suyo, Anthon van Rappard, al que había conocido en Bruselas y que había
venido a pasar unos días en Nuenen. Los dos juntos estudiaron y pintaron a los
tejedores rurales. En estas obras, Van Gogh no consiguió la misma técnica que su
amigo, pero este le sirvió de ejemplo.23

La pintura El tejedor en el telar, de mayo de 1884, expresa la dureza y el esfuerzo

de este oficio, pero también la dignidad del personaje. Aquí Van Gogh demuestra la
solidaridad y su identificación con el protagonista, intentando representar el
ideal de una sociedad libre de la industrialización y hace una alabanza al trabajo
artesanal. La composición de esta pintura consigue el efecto de enmarcar al tejedor
en el mecanismo del telar, dentro de un enrejado horizontal y vertical que parece
integrar al personaje hasta conseguir que llegue a formar parte de la máquina. La
claridad del fondo de la pintura hace resaltar todo el dibujo.24

En el otoño de 1884, se enamoró de nuevo, ahora de la hija de un vecino, Margot

Begemann, diez años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus salidas pictóricas
por el campo. Pensaron en contraer matrimonio, pero se encontraron con la firme
oposición de la familia de Margot, quien llegó a intentar suicidarse. Poco después,
el 26 de marzo de 1885, muere repentinamente el padre de Vincent. Las disputas por
la herencia entre su madre y sus hermanas hicieron que se marchase de su casa para
irse a vivir a un lugar más amplio que le ofreció un sacristán de la Iglesia
católica; en su familia, que eran protestantes, este hecho fue considerado como una
ofensa.25
Los comedores de patatas (1885), pintura al óleo, 82 × 114 cm. Museo van Gogh,
Ámsterdam.

Durante la primavera de 1885 pintó la que se considera una de sus grandes obras
tempranas: Los comedores de patatas. Hasta entonces sus esfuerzos se habían
centrado siempre en la representación de una figura, pero en esta obra se encontró
con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y conseguir
relacionarlos. Para realizar esta pintura contrató modelos, y realizó diversos
esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles, con las manos
sujetando el tenedor, la taza o la tetera. Los colores empleados de tonos terrosos
no contribuyeron a una fusión armoniosa con el fondo.26

En una de sus cartas27 expresó:

(...) He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente

que, bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato, ha
trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues, el trabajo manual y el
alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente (...).

Con ayuda de Theo se imprimieron veinte litografías de Los comedores de patatas,

que la gente de los alrededores pudo comprar a precios asequibles.28

En un solo día trasladó directamente en la piedra, de memoria y sin dibujos

previos, la imagen de Los campesinos comiendo patatas (obviamente, en la impresión
en papel las figuras están invertidas). De las veinte litografías, Juliana Montford
ha logrado localizar ocho, entre las que se encuentra la del Museo Thyssen-
Bornemisza.
Campesinos comiendo patatas (1885). Litografía sobre papel Japón; museo Thyssen-
Bornemisza.

Esta pintura provocó la ruptura con su amigo Rappard, ya que el hipersensible y

vulnerable Van Gogh no aceptó sus comentarios. Rappard le hizo esta crítica basada
en una de las 20 litografías:

Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente.

Por fortuna eres capaz de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas
superficialmente, de la misma manera? ¿por qué no estudias minuciosamente los
movimientos? En este cuadro los personajes posan. La mano de la mujer del fondo...
¡qué poco real! ¿Y qué relación hay entre la cafetera, la mesa y la mano que toca
el asa? ¿Qué función hace esta cafetera? No se mantiene, tampoco la sujetan,
entonces, ¿qué? ¿Y por qué el hombre de la derecha no tiene rodillas, ni vientre,
ni pulmones? ¿O quizá los tiene en la espalda? ¿Por qué a su brazo le falta un
metro de largo, por qué le falta la mitad de la nariz? ¿Por qué la mujer de la
izquierda tiene por nariz un mango de pipa acabada en un dado? ¿Y aún te atreves,
con esta forma de trabajar, citar a Millet y a Breton? El arte es demasiado elevado
para poderlo tratar con tanta negligencia.29

Hay que aclarar que la dureza de la crítica por parte de van Rappard se debía
también al propio enfado que este tenía con Van Gogh, por el hecho de no haber
tenido noticia directa de la muerte repentina del padre de Vincent. Al principio de
esta misma carta se quejaba Rappard, ofendido de haber recibido una simple nota a
pesar de su amistad: «¿Pensaste que tenía tan poco interés en tu padre y tu
familia?»30 A la vista de esta pintura en París, Camille Pissarro quedó
profundamente impresionado por la fuerza expresiva del cuadro. También Émile
Bernard escribió en un artículo:

Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en una

barraca inquietante bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y estaba lleno
de una vida inquietante.

Naturaleza muerta con Biblia (1885), 65 × 78 cm.

Seguramente cuando Bernard hablaba de la grandiosa fealdad, se refería a los

colores, puesto que él tenía un sentido del color mucho más luminoso.31

Durante estos dos años en Nuenen completó numerosos dibujos y acuarelas, y cerca de
doscientas pinturas al óleo. Los colores usados continuaban siendo oscuros. Su
hermano Theo se quejaba, en una de sus cartas, de que eran demasiado apagados y no
estaban en la línea del estilo del momento, donde destacaban las pinturas
brillantes de los impresionistas. Vincent escribió al respecto:

He leído con mucho placer Los maestros de antaño, de Fomentin. He encontrado

«tratadas» en este libro, en diversos sitios, las mismas cuestiones que me
preocupaban mucho estos últimos tiempos (...) tratar de dar un valor claro por
medio de tonos relativamente oscuros. En una palabra, expresar la luz por oposición
a la oscuridad. Ya sé todo lo que piensas del "demasiado negro", pero, sin embargo,
no estoy aún absolutamente convencido (...).32

El cuadro Naturaleza muerta con Biblia fue pintado en octubre de 1885, antes de su
partida hacia Amberes, en memoria de su padre fallecido el 26 de marzo de ese
año.33 Se aprecia la biblia como símbolo de la casa paterna y de toda una educación
religiosa. Como contraste aparece La joie de vivre de Zola, el libro del
naturalismo y, en opinión de su padre, una de las obras más nefastas. En la
composición, Van Gogh coloca la vela, un símbolo religioso, con la idea de situar
ambos símbolos al mismo nivel.34
Amberes y París
Cráneo fumando un cigarrillo (1885).
Modelo de yeso de un hombre arrodillado (1886).
A la izquierda, grabado de Hiroshige representando El puente Ohashi y Atake bajo
una lluvia repentina; a la derecha, copia de Van Gogh de este grabado japonés:
Japonaiserie: Puente bajo la lluvia, 1887, óleo sobre lienzo, 73 × 54 cm,
Rijksmuseum, Fundación Van Gogh, Ámsterdam.

En noviembre de 1885 Van Gogh llegó a Amberes, donde ocupó un pequeño taller encima
de una tienda de pinturas; el alquiler lo pagaba su hermano. Compró en unos
anticuarios algunas xilografías japonesas, y se dedicó a copiar modelos de yeso de
esculturas antiguas, expuestas en la entonces Real Academia de Amberes, a pesar de
su desacuerdo con la enseñanza académica. Descubrió las pinturas de Rubens, que con
su colorido y sus formas femeninas le abrieron la alternativa del uso de colores
como el carmín y el verde esmeralda. En esta época contrajo sífilis, que aunque fue
tratada médicamente, le hizo perder casi todos los dientes. En febrero de 1886,
comentó en cartas dirigidas a Theo que solo se había podido permitir seis o siete
comidas calientes desde el mes de mayo anterior.35

El año 1886 se mudó a París, a vivir junto a su hermano menor Theo, a quien avisó
con esta simple nota: «Estaré en el Louvre desde el mediodía, o antes, si lo
deseas». Theo, que trabaja en Boussod & Valadon, le descubrió a Vincent los
trabajos del impresionismo; lo que produjo una paleta mucho más luminosa, donde el
color jugaría un rol fundamental en el resto de su obra. Durante los dos años
siguientes, los dos hermanos tuvieron múltiples fricciones y siempre tuvo que ser
Theo el que cediese y perdonase.

Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época que

allí se reunían. Conoció a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose
gran amigo de ellos, así como a Paul Gauguin, Georges Pierre Seurat, Paul Signac,
Armand Guillaumin, Camille Pissarro y Paul Cézanne. Van Gogh, como muchos pintores
de la época, admiraba el arte japonés de Hokusai, Hiroshige y Utamaro. Prueba de
ello son las réplicas que realizó de grabados japoneses y algunas pinturas suyas
que reproducen ese país de modo escenográfico. A las reproducciones procedentes del
Japón se las llamaba japonaiserie. Dos de estas obras realizadas por Van Gogh
fueron Ciruelo en flor y Puente bajo la lluvia, copias de obras de Hiroshige.36 De
ellas, Van Gogh dejó escrito el siguiente comentario:

Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados

todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos
realizado deprisa... Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer
una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca tan fácil como
abrocharse el chaleco.37

Agostina Segatori sentada en el Café du Tambourin (1887).

Comenzó a utilizar los colores complementarios y todo esto le hizo abrirse a una
expresión en su arte que no había sospechado en los Países Bajos. Pissarro también
le explicó las nuevas teorías sobre la luz y el tratamiento divisionista de los
tonos. El artista consiguió ir añadiendo colores más ricos y luminosos a su paleta,
gracias a Signac, con quien trabajó en 1887. Practicó pintando paisajes urbanos del
barrio de Montmartre y naturalezas muertas ya con colores más vivos; los rojos,
amarillos y azules con sus complementarios ya se pueden apreciar casi en todas sus
pinturas de este periodo.38

Exaltado por la intensidad del clima artístico de París, Van Gogh consiguió, con la
ayuda de Toulouse-Lautrec, la renovación de su pintura en lo que atañe a la
investigación psicológica en los retratos. Pudo apreciar las pinturas exóticas
realizadas por Gauguin en la Martinica. El retrato de Mujer en el Café de Tambourin
es del mes de febrero de 1887. No representa una bebedora en una taberna cualquiera
sino que es la imagen concreta de Agostina Segatori, una antigua modelo de los
pintores Degas y Corot, y que en ese momento era la propietaria del café. El cuadro
respira un cierto atractivo exótico, desde el peinado de la mujer pasando por su
vestido hasta el fondo de la pintura, donde en su decoración se observan láminas
japonesas. Una de las cosas más importantes que aprendió en esta época fue la
aplicación del contraste complementario, el contraponer los tres colores básicos
(amarillo, rojo y azul) a la mezcla formada por los otros dos, como combinación
rojo-verde, amarillo-violeta y azul-naranja, que refuerzan su tono o se neutralizan
al mezclarse en un gris deslucido. Se observa la aplicación de esta técnica en los
Cuatro girasoles, donde claramente existe el contraste complementario entre el
amarillo y el azul vivo del fondo.39

Poco antes de acabar su etapa parisina, Van Gogh realizó tres retratos de Julien
Tanguy, llamado por todos los artistas «Père Tanguy», en cuya trastienda de su
establecimiento habían expuesto sus obras Van Gogh, Gauguin, Cézanne y Seurat. Este
retrato se considera la obra representativa de su etapa parisina. Con una
presentación frontal, es una imagen de una estructura simple, que contrasta con el
fondo decorado con estampas japonesas. El artista neerlandés estaba dispuesto a
realizar su sueño mediterráneo en busca de la luz cegadora de la Provenza, con la
explosión de la naturaleza y los colores puros, colores que había estudiado en su
colección de estampas japonesas. Fue un periodo muy fértil en el que su arte se
inclinó hacia el impresionismo, pero por otro lado, la absenta y la fatiga mental
agravaron su condición física.40
Últimos tiempos: Arlés
Melocotonero en flor (1888).

El 21 de febrero de 1888 Van Gogh llega a Arlés, en el sur de Francia. Primero se

instaló en una habitación situada en el Hotel-Restaurante Carrel, por la que pagaba
cinco francos diarios; esto sobrepasaba sus posibilidades económicas y además el
espacio era muy reducido para tener su taller. Pintaba todo lo que veía (como
Huerto en flor con vistas de Arlés) y ya no necesitaba estampas japonesas, como él
mismo reconoció en una carta dirigida a su hermano: «Aquí no me hace falta para
nada el arte japonés, porque me imagino estar en el Japón y nada más necesito abrir
los ojos y ver lo que tengo delante». Sus primeros cuadros en Arlés fueron
típicamente japoneses; la pintura Melocotonero en flor fue realizada en marzo de
1888.
Los descargadores en Arlés (1888), Museo Thyssen-Bornemisza.

Pintó la naturaleza de los alrededores, los campos de trigo, los pantanos del delta
del Ródano y el canal del sur de Arlés, el cual reflejó en diversas obras, como El
puente de Langlois. Durante este periodo empezó a utilizar las pinceladas
ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos que caracterizan su obra
pictórica de los últimos tiempos.41

El 24 de mayo de cada año, gitanos de toda Europa acuden en peregrinaje a Saintes-

Maries-de-la-Mer para venerar a su patrona Sara la Negra. Van Gogh acudió a
observarlo y aprovechó para realizar pinturas durante ese tiempo. Entre estos
cuadros está la obra Barcas (barcos de pesca) en Saintes-Maries:42

He pasado una semana en Saintes-Maries. En la playa de arena había pequeñas

barcas verdes, rojas y azules, de formas y colores tan bellos que hacían pensar en
flores. Son tan pequeñas que casi nunca van a alta mar. Salen cuando no hace viento
y vuelven a tierra cuando sopla con demasiada fuerza.
Vincent van Gogh, junio 1888.

Puesta del sol en Montmajour (1888), Museo Van Gogh.

El Museo Van Gogh anunció el 9 de septiembre de 2013 el hallazgo de una nueva obra
confirmada como pintura de Van Gogh: Puesta del sol en Montmajour, realizada en
Arlés.43 Entre las evidencias que han hecho detectar su autenticidad se encuentran
dos cartas de Van Gogh dirigidas a su hermano Theo fechadas en julio de 1888 en las
que describe el cuadro realizado:4445

Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy pequeños

y retorcidos robles, en el fondo de una ruina en la colina, y campos de trigo en el
valle. Era romántico, no podía ser más a la Monticelli, el sol se derramaba, sus
rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo, absolutamente una lluvia
de oro.
Vincent van Gogh, Arlés 5 de julio de 1888 (Carta 636).

Retratos

Al principio de su estancia en Arlés se dedicó a la realización de retratos. Sin

embargo, tenía dificultades para conseguir que alguien posase para él, sobre todo
si eran mujeres; la primera que pudo retratar fue una mujer joven a finales del mes
de julio, y le puso el nombre de La Mousmé, nombre japonés que le inspiró la
lectura del libro Madame Chisanthème, de Pierre Loti. Con los hombres le fue más
fácil convencerlos, ya que a cambio les invitaba a una copa en la taberna. Podía
retratarlos sin ningún problema, y así realizó las obras de El campesino, retrato
de Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El cartero Roulin.

Tuvo una buena amistad con Joseph Roulin, un cartero4647 casado con la señora
Augustine Roulin y con la cual tenía tres hijos: Marcelle, Armand y Camille Roulin.
Vincent hizo un gran número de pinturas de esta familia; el retrato conocido como
"La Berceuse" muestra a la señora de Joseph Roulin; también están el Retrato de
Armand Rouliny el Retrato de Camille Roulin. Al cartero le pintó hasta en seis
retratos.

El Retrato de Eugène Boch fue realizado en ocasión de una visita que le hizo este
poeta belga en el mes de julio, según explicó a su hermano. En este retrato quería
captar las ideas románticas del personaje:

He exagerado el rubio del cabello, he utilizado también tonos naranjas y

amarillo pálido. Detrás de la cabeza, en lugar de pintar la pared ordinaria de la
habitación, he pintado el infinito, un fondo plano del azul más rico e intenso que
he podido conseguir y con esta sencilla combinación de la cabeza brillante sobre el
fondo intensamente azul he conseguido un efecto misterioso, como si fuera una
estrella en la profundidad de un cielo azul.
Vincent van Gogh, julio de 1888

La Mousmé, National Gallery de Washington.

La Mousmé, National Gallery de Washington.

El Campesino, retrato de Patience Escalier, Colección de Stavros Niarchos
(Atenas).

El Campesino, retrato de Patience Escalier, Colección de Stavros Niarchos

(Atenas).
El zuavo, Colección Lasker (Nueva York).

El zuavo, Colección Lasker (Nueva York).

Retrato de Eugène Boch, Museo de Orsay (París).

Retrato de Eugène Boch, Museo de Orsay (París).

Estancia de Gauguin en Arlés

Sembrador a la puesta de sol (1888).

Van Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre. Para realizar la
composición colocaba en el fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con
torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del
horizonte, mientras que el primer plano lo reservaba para los campos y la
vegetación. Esto lo hizo con el cuadro Vista de Arlés con lirios en primer plano,
Los segadores con Arlés al fondo, La cosecha, Campos labrados, La viña verde y una
de sus obras paisajistas más conocidas, El sembrador, realizada en el mes de junio,
cuando la cosecha estaba casi a punto, como se puede apreciar en el campo de trigo
maduro que hay detrás del sembrador. Con los colores azul y púrpura y los amarillos
relucientes del sol y el cielo consiguió un contraste cromático.48
La Casa Amarilla (1888).

Van Gogh tenía la intención de crear un taller de artistas, y para esto alquiló en
mayo la «casa amarilla» (llamada así por tener las paredes exteriores pintadas de
ese color) en Place Lamartine, situada al norte de la ciudad de Arlés.49 Theo le
envió trescientos francos para poder acondicionar y amueblar modestamente la casa.
El único que atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin, con el que mantuvo
diversas cartas sobre el tema del Atelier du Midi que juntos habrían de fundar y
que pedirían la participación de Seurat, Signac y Bernard.50

También Theo insistió a Gauguin para que hiciera el viaje a Arlés. Gauguin vivía en
aquel tiempo en Pont-Aven, en Bretaña. Estaba lleno de deudas, se sentía
incomprendido y soñaba con la fundación de un círculo de pintores, pero seguramente
no había pensado en Van Gogh como componente del mismo. Su meta era viajar a
Martinica, pero la cuestión económica era un impedimento.51 Theo van Gogh era el
galerista y el marchante de Gauguin y este pensaba que detrás del carácter extraño
de Vincent y las intenciones de Theo se ocultaba alguna estratagema comercial, por
lo que no se decidía a viajar hacia Arlés. Así se lo hizo saber en una carta
dirigida a Émile Bernard, en octubre de 1888:

Por más que me aprecie, no creo que Theo se preste a mantenerme en el Midi
solamente por mi cara bonita. Con su carácter frío holandés ha estudiado el terreno
y proyecta alguna cosa...

Jarro con doce girasoles (1888).

Autorretrato como un bonzo, dedicado a Gauguin.

Retrasó el viaje, disculpándose por carta, hasta que Theo acabó pagando todas las
deudas que tenía Gauguin. Entonces, este viajó a Arlés el 23 de octubre.52
Mientras, Vincent había realizado diversas series de pinturas para decorar la casa,
especialmente la habitación destinada a Gauguin.53

La ideología del simbolismo surgió a finales del siglo XIX. Según escribió en el
año 1886 Edouard Dujardin, uno de los grandes teóricos de esta técnica:

El objetivo de la pintura y la literatura es reproducir el sentimiento

provocado por las cosas con los medios propios de las citadas artes. Lo que se
debería expresar no es la imagen sino su carácter.

En la pintura Jarro con doce girasoles, pintado en agosto de 1888, Van Gogh buscaba
el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de las flores contrasta con la caótica
situación de las hojas así como la pastosa aplicación del color que, delante del
fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado que va más allá que
la simple reproducción de las flores. Expone la imaginación del artista y su gran
fuerza expresiva, la cual exigía un gran delirio de sentimientos.54

Durante ese mes de agosto realizó cuatro pinturas sobre girasoles: primero con tres
flores, después con cinco, hasta llegar a la de los doce girasoles sobre un fondo
azul, y otro con quince girasoles sobre fondo amarillo.

Antes de la llegada a Arlés de Gauguin, le envió un autorretrato, con el título de

Autorretrato como un bonzo, cuadro en el que es evidente su identificación con el
japonismo, ya que se retrató con la cabeza rapada al estilo bonzo.55
Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh para que pintase lugares históricos de Arlés
y así trabajaron juntos y pintaron la serie de vistas de Alyscamps. Escogieron
diferentes motivos, Gauguin pintó un paisaje con un encanto pintoresco y más bien
refinado, mientras que Van Gogh escogió un paseo enmarcado por altos álamos que
tenían un color amarillo puro que contrastaba con el verde-azul del cielo. En
cambio el color empleado por Gauguin era mucho más tímido. Se pintaron mutuamente,
Gauguin pintó de perfil a Van Gogh y este pintó a Gauguin de espaldas.56
Diferentes puntos de vista entre Gauguin y Van Gogh
Paul Gauguin 085.jpg Van gogh-lallee des alyscamps.jpg
Los Alyscamps (1888), por Paul Gauguin. La avenida de los Alyscamps (1888), por
Van Gogh.
Corte de la oreja

Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando,
debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter muy temperamental
de ambos. Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van
Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que
se han dado acerca de la pérdida de la oreja izquierda del primero. Gauguin en sus
memorias57 señala que Van Gogh le amenazó y persiguió con una navaja barbera y que
por la noche el neerlandés se automutiló. A continuación, Van Gogh habría envuelto
la oreja en un paño y se habría dirigido a un burdel de Arlés que frecuentaba con
Gauguin, donde presentó este «regalo» a una prostituta llamada Rachel.
Posteriormente regresó a la «casa amarilla». A la mañana siguiente la policía lo
encontró inconsciente, y fue trasladado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés.58 Se avisó
a Theo, y Vincent, que no recordaba el suceso, quedó ingresado durante catorce
días. Gauguin dejó Arlés con rumbo a París y no volvió a tener contacto con
Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.59
Autorretrato con oreja vendada (1889).

Gauguin declaró a la policía que la pérdida del apéndice auditivo se habría debido
a una autolesión. Se ha expuesto la teoría de que el corte en la oreja fue una
automutilación del artista como resultado del disgusto que le provocó la noticia de
que su hermano Theo se iba a casar.60

Nunca hubo unanimidad entre los estudiosos de los hechos, debido a las pocas
fuentes existentes y a que la versión generalmente admitida se basa en las memorias
de Gauguin, publicadas en 1903. En 2009 Hans Kaufmann y Rita Wildegans, en su
ensayo Van Goghs Ohr, Paul Gauguin und der Pakt des Schweigens (La oreja de Van
Gogh, Paul Gauguin y el pacto del silencio), revisaron el incidente estudiando el
informe policial, las noticias publicadas en los periódicos de la época, la
correspondencia de los dos pintores y los pocos testimonios existentes, muy
posteriores a los hechos. Llegaron a la conclusión de que fue Gauguin quien hirió a
Van Gogh con su sable en la disputa (era maestro de esgrima), y que una vez solo
Van Gogh habría terminado de recortar la oreja. No se encontraron ninguna de las
armas. Van Gogh no habría dicho nada para proteger a su amigo, y Gauguin habría
regresado precipitadamente a París debido a su mala conciencia.6162 Leo Jansen,
conservador del Museo van Gogh de Ámsterdam, rechaza tal conclusión, afirmando que
la evidencia presentada ha sido en su mayor parte sacada de contexto.

Durante mucho tiempo se creyó que el artista se había cortado solo parte del lóbulo
de la oreja, no el apéndice completo. Sin embargo, un estudio de 2016 presentó,
entre otras cosas, una carta a Theo van Gogh del doctor Félix Rey, que le atendió
durante el incidente, donde describe la lesión y acompaña un dibujo que demuestra
que se cortó la oreja casi por completo, conservando tan solo un trocito inferior
del lóbulo.63

Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, del que
existen dos versiones. Ambos cuadros muestran un vendaje en la parte derecha de la
cabeza, y debieron ser pintados delante de un espejo, ya que la oreja seccionada
fue la izquierda.64 En uno Van Gogh se representa fumando en pipa para transmitir
una sensación de sosiego, en una composición en la que predomina tanto el
equilibrio cromático como el equilibrio de los elementos iconográficos.64 Pasadas
cuatro semanas volvió a ser ingresado en el hospital ya que presentaba síntomas de
manía persecutoria y se imaginaba que le querían envenenar. Durante unos diez días
estuvo bajo tratamiento del doctor Félix Rey. En marzo, atendiendo una petición de
los vecinos de Arlés que avisaron a la policía, fue ingresado una vez más,
permaneciendo seis semanas en el Hospital Hôtel-Dieu de Arlés. El 17 de abril, Theo
contrajo matrimonio con Johanna Bonger en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió
internarse voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un
exmonasterio en Saint-Rémy-de-Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arlés.65
Sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence
La noche estrellada.
La noche estrellada (detalle).

Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes problemas
psiquiátricos, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de forma
voluntaria, entre los que se encontraba el manicomio de Saint Paul-de-Mausole en
Saint-Rémy-de-Provence, donde ingresó el 8 de mayo de 1889. En el sanatorio tenía
dos habitaciones disponibles, una de ellas habilitada para servirle de taller.66
Cuando no quería pasear, por temor a sufrir una crisis, pintaba cuadros de
interior, como Jarrón con lirios. Uno de sus primeros cuadros allí fue Iris, donde
muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta época
su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede observar en
una de sus pinturas más conocidas, La noche estrellada.67
La Piedad (según Delacroix), versión de Van Gogh.

Cuando empezó a salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, creó obras
donde los temas eran pinos, cipreses y olivos. Fue durante el mes de junio cuando
desarrolló los efectos pictóricos ondulantes en los árboles. De los olivos con sus
troncos sinuosos, hizo varios cuadros: Alpilles con olivos en primer plano, Olivo y
Recolección de la oliva. Los pinos los tenía como modelos en el mismo jardín del
hospital. Uno de los primeros cuadros fue Maleza, donde solo se aprecian en la
parte inferior de los troncos con tonos constituidos por azules fríos. Más tarde
pintó los pinos que se aprecian en los cuadros: El jardín del hospital de Saint
Paul y Pinos en el cielo de la tarde. Pero fueron los cipreses, con su forma
triangular, los que le sirvieron para crear una magnífica serie de paisajes.
Incorporaba la mancha oscura del ciprés en muchas de sus grandes composiciones,
como en La noche estrellada y, entre otras, en Campo de trigo con ciprés, Cipreses
con dos mujeres y Ciprés en el cielo estelar.68
Muestra de una pintura y la anterior subyacente
Mancha de hierba (1887), Museo de Kröller-Müller, Países Bajos.
La cara de una mujer pintada anteriormente.

En Saint-Rémy, volvió a tener la necesidad de copiar a pintores que admiraba, por

lo que pidió a su hermano Theo que le enviase láminas de reproducciones, a partir
de las que él interpretaba el color a su manera. De esta forma exploró temas
religiosos como La Piedad (Delacroix), donde pintó a Cristo con el cabello y la
barba de color rojo y La resurrección de Lázaro (Rembrandt). También volvió a
copiar algunas de sus pinturas favoritas, las de Millet: la Campesina batiendo el
lino y La Noche (a partir de La Veillée de Millet). Todas se conservan en el Museo
Van Gogh de Ámsterdam.69
Exposiciones en vida
El viñedo rojo, una de las tres pinturas vendidas en vida de Van Gogh.33

La primera exposición de la obra de Van Gogh fue en París en 1889, en el Salón de

los Independientes, organizada más tarde (entre mayo y octubre) que en otros años,
para que pudiera coincidir con la Exposición Universal de aquel mismo año. La
elección de obras las hacían los mismos artistas pero los nuevos socios solo podían
presentar dos, y Van Gogh indicó a su hermano las dos pinturas que quería enviar:
La noche estrellada (1888) e Iris (1889).70

En enero de 1890 recibió la invitación para participar en una exposición en

Bruselas con el grupo Les XX, a la que envió seis obras: dos de la serie de Los
girasoles y cuatro sobre paisajes. Dos de las que había pintado en Arlés, La viña
roja y Vista de Arlés, y dos más en Saint-Rémy. Durante la inauguración, Henri de
Groux criticó los cuadros de Van Gogh, pero salieron en su defensa Toulouse-Lautrec
y Paul Signac. En esta misma exposición vendió la obra El viñedo rojo, adquirida
por la pintora perteneciente al grupo Los XX Anna Boch,71 hermana de su amigo
Eugène Boch.7273

Finalmente fue en el Salón de los Independientes de París, en febrero de 1890,

donde expuso la cuota completa de diez pinturas.74

Volvió a tener nuevos colapsos, que le duraban más que en las veces anteriores;
padecía angustia, terror y alucinaciones con accesos de ira muy intensos. Cuando
volvió a escribir a Theo, le explicó que había decidido abandonar la clínica.
Después de una breve estancia en París con su hermano, decidió establecerse en
Auvers-sur-Oise.75
Auvers-sur-Oise
La iglesia de Auvers-sur-Oise.

Trasladado a Auvers-sur-Oise, localidad cercana a París, se instaló en una

habitación de la posada Ravoux. Allí conoció a un amigo de Theo, el Dr. Paul
Gachet, pintor aficionado, que se ofreció a cuidarle y visitarle. Bajo la atención
del Dr. Gachet la actividad artística de Van Gogh fue intensa: en dos meses pintó
más de setenta cuadros. Frecuentaba la casa del doctor, y pintó el jardín, a su
hija Margarita rodeada de flores y en el piano, y al mismo doctor. Van Gogh volvió
a refugiarse en la pintura con gran entusiasmo, le gustaban los paisajes de Auvers,
como antes habían maravillado a tantos otros pintores como Corot, Pissarro, Armand
Guillaumin y Cézanne.76

Escribió a su madre estas reflexiones:

Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre
un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy
pálido, de un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto con
plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos blancos, rosas y
violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de
pintar todo esto.77

En esta población es donde empezó a utilizar el formato horizontal alargado de

doble cuadrado, que precisamente en el valle de Oise había sido utilizado por el
pintor Charles-François Daubigny de la escuela de Barbizon. Van Gogh había pintado
algunas veces el jardín de la casa de Daubigny.

Su cuadro sobre La iglesia de Auvers-sur-Oise está construido sobre líneas fuertes

y definidas, que producen el efecto de una escultura recortada sobre el azul
intenso del cielo, lo que da una sensación de oscuridad. La profundidad la consigue
con los dos caminos en forma de /v/ en un primer plano; estos caminos aparecen
colocados de manera similar en una obra posterior, Campo de trigo con cuervos. Van
Gogh señala en sus cartas la soledad y la melancolía que tienen estos últimos
paisajes de trigales bajo cielos tempestuosos y amenazantes. Se ha dicho que los
símbolos de los cuervos planeando sobre el trigo sugieren la premonición de la
muerte.78 Las dos bandas de color, con el contraste del azul y el amarillo, anulan
el espacio de la perspectiva. La composición de la perspectiva en el campo abierto
tiene un sentido inverso, sale del horizonte en dirección hacia la parte delantera.
El azul del cielo está en un solo plano y consigue crear una unidad, mientras que
el amarillo del trigo está dividido en dos planos, el rojo de los caminos en tres y
el verde complementario de las franjas del camino en cinco. Este cuadro está
considerado como una de las mejores obras del artista.79
Campo de trigo con cuervos (julio de 1890). Pintura al óleo, 50 × 100 cm;
Museo Van Gogh, Ámsterdam.

Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa, da la noción de la calidad de Van

Gogh; basta leer algunos fragmentos de tal poema ("Van Gogh, el suicidado por la
sociedad"):

(...) Regreso al cuadro de los cuervos; ¿quién ha visto cómo, en ese cuadro,
equivale la tierra al mar? (...) el mar es azul, pero no de un azul de agua, sino
de pintura líquida(...) Van Gogh ha retornado los colores a la Naturaleza, pero, a
él, ¿quién se los devolverá? (...) aquel que supo pintar tantos soles embriagados
sobre tantas parvas sublevadas, el Café de Arlés, la recolección de las olivas, los
Alyscamps; (...) 'El puente', sobre un agua en donde se tiene el irrefrenable deseo
de hundir el dedo en un movimiento de regresión violenta a la infancia (...).

Muerte
Van Gogh en su lecho de muerte, dibujado por su médico y pintor aficionado Dr. Paul
Gachet.
Las tumbas de Vincent y Theo van Gogh en el cementerio de Auvers-sur-Oise.

Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus
últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. El 22 de febrero de 1890, Van Gogh sufrió
una nueva crisis que fue «el punto de partida de uno de los episodios más tristes
en una vida ya plagada de tristes acontecimientos». Este período duró hasta finales
de abril, tiempo durante el cual fue incapaz de decidirse a escribir; sin embargo,
siguió dibujando y pintando.80 Hughes escribe que entre mayo de 1889 y mayo de
1890, «tuvo arrebatos de desesperación y alucinación que le impedían trabajar, y
entre ellos, meses en los que pudo hacerlo y lo hizo marcado por el éxtasis de
extremo visionario».81 Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890,
a la edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el campo, murió. «Yo
arriesgué mi vida por mi obra, y mi razón destruida a medias»; estas son las
palabras de Vincent en la última carta encontrada en su lecho de muerte el 29 de
julio de 1890.82 Vincent fue enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise.83 Se
considera que sus padecimientos mentales eran consecuencia de los trastornos
mentales que le generaba una insuficiencia renal,84 probablemente por piedras en el
riñón,85 aunque según otros autores su enfermedad mental se la producía la
sífilis.8687 Poco después de la muerte de Vincent, su hermano Theo ingresó en una
clínica de Utrecht, donde falleció el 25 de enero de 1891, a los seis meses del
fallecimiento de su hermano. En 1914 el cuerpo de Theo fue exhumado y enterrado
junto al de Vincent.

En 2011 surgió una teoría que postulaba que Van Gogh no murió naturalmente, sino
que murió por un disparo accidental efectuado por dos muchachos que jugaban con una
pistola. En una biografía sobre el artista, Van Gogh: la vida, Steven Naifeh y
Gregory White Smith mantienen que el disparo provino de René y Gaston Secrétan, dos
hermanos adolescentes que veraneaban en Auvers, y que eran conocidos del pintor,
por lo que no habría querido incriminarlos y se habría autoinculpado. Según los
autores, René era un chico problemático al que gustaba vestirse de «cowboy», y se
entretenía disparando a animales con una vieja pistola calibre 38. Así, el 27 de
julio de 1890 Van Gogh habría salido como siempre a pintar, recibiendo de forma
accidental el disparo del menor de los hermanos. Según Naifeh, historiador del arte
titulado en Princeton, «revisamos los testimonios iniciales que dieron lugar a la
versión del suicidio, y vimos que no eran nada sólidos». Este autor afirma que en
la entrevista que René Secrétan dio en 1956, el año de estreno de la película que
Vincente Minnelli realizó sobre el pintor neerlandés, su testimonio «está lleno de
culpabilidad». Esta teoría no está confirmada con otras pruebas ni aceptada por la
mayoría de la comunidad académica, y el Museo Van Gogh de Ámsterdam considera
prematuro valorar las conclusiones a las que han llegado estos autores.88
Obra
El dormitorio en Arlés (1888).
Retrato El doctor Paul Gachet (1890).
Campos en Cordeville, en Auvers-sur-Oise (1890).
La italiana (1887), Museo de Orsay.
Lirios (1889); Getty Center, Los Ángeles.
Detalle de autorretrato (1889).

Vincent van Gogh produjo toda su obra (unas 900 pinturas y 1600 dibujos) durante un
período de solamente 10 años (etapa de 1880 a 1890) hasta que sucumbió a la
enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o una epilepsia).89 Decidió
ser pintor cuando tenía veintisiete años y siempre quiso reflejar la vida en sus
obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así
se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura
tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo
que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los
tejedores. Realizó numerosos dibujos de mineros, de figuras campesinas y copió
obras de su pintor favorito, Jean-François Millet.90
Impresionismo

La siguiente etapa, en París (1886-1887), es la que le pone en contacto con los

impresionistas que pretendían romper con el academicismo de la época, con el
traslado a la pintura de las impresiones de sus sentidos mediante la observación de
la naturaleza. En París, conoció a pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul
Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el color, aprendió la división
de las gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a la vez que una mayor
intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época empezó a copiar láminas
japonesas, siendo uno de los pintores europeos a los que más influyó este tipo de
pintura.90
Postimpresionismo

Quizá Van Gogh representó mejor el postimpresionismo, estilo que sucedió

aproximadamente en el periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del
impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal.
Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del
título que dio a la exposición de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los
postimpresionistas». Fue utilizado por artistas como Cézanne, Van Gogh y Seurat
pero a veces también por otros artistas de la gran década impresionista (1870-1880)
como Matisse y Pierre Bonnard.91
Mujeres Bretonas (1888). Acuarela, Cívica de Arte Moderno, Milán, Italia.
Expresionismo y fauvismo

Su obra destaca por el uso del color y una técnica frenética que contiene algunos
trazos del expresionismo. Van Gogh y Gauguin tenían técnicas diferentes: Gauguin
acostumbraba a pintar normalmente en el taller de memoria y Van Gogh necesitaba
siempre copiar in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado quiso
demostrarlo por la vía del color.92

Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos últimas décadas del siglo
XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de Edvard
Munch (autor de El Grito) y, en otro nivel, en la del belga James Ensor (autor de
La entrada de Cristo a Bruselas). Una tendencia a la que contribuiría Van Gogh
después de su llegada en 1888 a Arlés, donde el choque con la luz del sur le empuja
a la conquista del color, con obras como La noche estrellada y Los olivos de Saint-
Rémy (1889). Las pinturas del periodo de Saint-Rémy de Provence se caracterizan en
general por remolinos y espirales. El pintor transita desde la dramatización de las
escenas de sus primeros trabajos a la simplificación que caracterizó sus últimas
obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del expresionismo. Desarrolló un
estilo de fuerte dramatismo y prospección interior, y para ello se sirvió de
pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido y estridente luminosidad, que
deformaban la realidad hasta otorgarles un aire onírico.93 Sin embargo, habría que
esperar a agosto de 1911, cuando el crítico de arte Wilhelm Worringer fue el
primero en hablar de expresionismo.94

En Alemania y Austria expresionistas como Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Paul
Klee y Oskar Kokoschka aprenderán de la técnica de Van Gogh, del nerviosismo, la
exageración de las líneas y colores, que hacen que surja mejor la expresión de los
sentimientos y las emociones. El color y el empaste en la proyección de la pintura
de Van Gogh se formalizó quince años más tarde con el surgimiento del fovismo.
Según Van Gogh: «En lugar de reproducir con exactitud lo que tengo delante de los
ojos, prefiero servirme del color para expresarme con más fuerza».95
Reconocimientos

Octavi Mirbeau, historiador de arte, uno de los primeros en admirar a Van Gogh,
para rendirle homenaje en el Salón de los Independientes, en la exposición
realizada en 1891, escribió:

Aquí me encuentro en presencia de alguien grande, gran maestro, una persona que
me perturba, me emociona, llama mi atención (...) Van Gogh poseía, de una manera
poco frecuente, algo que diferencia un hombre de otro: estilo (...) es decir,
afirmación de la personalidad.

Desde el siglo XXI, el análisis del mensaje que se desprende de sus pinturas es
positivo y alegre. Durante su breve dedicación artística, Van Gogh consiguió el
dominio técnico y una productividad que pocos artistas han conseguido. En sus obras
consiguió fusionar las cualidades de sus predecesores neerlandeses, como la
devoción a la naturaleza, con el uso del color y la técnica de la pintura
francesa.96

Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la

esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser la
única heredera de toda su obra tras el fallecimiento de su esposo, ocurrido poco
después de la del pintor. Ha de señalarse que a ella se debe una de las pocas
ventas de Van Gogh en vida del artista. El mayor impulso de su obra vino
especialmente después de una exposición de 71 de sus pinturas realizada en París el
17 de marzo de 1901 (once años después de su muerte) a la que siguieron otras
exposiciones, como la de 1905 en Ámsterdam, o la de Colonia en 1912, Nueva York en
1913 y Berlín de 1914.97 Todas ellas tuvieron un gran impacto sobre las
generaciones artísticas posteriores.98 Desde mediados del siglo XX, Van Gogh fue
reconocido como uno de los mayores pintores de la historia.99100 En el año 2007, un
grupo de historiadores holandeses realizó el The Canon of the Netherlands para su
enseñanza en las escuelas e incluyó a Van Gogh como uno de los cincuenta temas del
canon, junto con otros iconos nacionales como Rembrandt y De Stijl.101

Se limitaron a solo tres las obras vendidas en vida del pintor: La viña roja,
comprada por Anna Boch por la suma de 400 francos; Puente de Clichy, adquirido por
250 francos según el libro de ventas de la Casa Boussod y Valadon; y, finalmente,
un Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori de Londres. Las tres obras
curiosamente fueron compradas el mismo año de 1888.102

Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas por las que se ha
pagado más en todo el mundo. El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van Gogh
fue vendida por un valor récord de 53,9 millones de dólares en el local Sotheby's
de Nueva York.103 Pero su comprador, el magnate Alan Bond, no pudo terminar de
pagarla y tuvo que revenderla (por una suma no revelada) al Getty Center de Los
Ángeles. El 15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet fue vendido por 82,5
millones de dólares en el local Christie's, estableciendo así un nuevo precio
récord.104 La exhibición Imagine Van Gogh supone una serie de pantallas que en
forma simultánea permiten sumergir al espectador en una selección de obras del
autor en tamaño grande proyectadas desde distintos ángulos.
Procedimientos de trabajo

La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir, cubría
los planos con colores claros, mientras que en otros cuadros ponía pinceladas
amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. En otras ocasiones,
trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, y según le interesara,
acentuaba las líneas o el color. El trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto
en los dibujos como en las pinturas.105

Se cree que Van Gogh hizo un reaprovechamiento de lienzos ya usados en más de un

tercio de su producción durante sus primeros trabajos.106 En 2008, un equipo de la
Universidad Tecnológica de Delft y la Universidad de Amberes utilizó avanzadas
técnicas de rayos X para descubrir una imagen de la cara de una mujer pintada
anteriormente e incluso conseguir su coloración, que se encontraba por debajo de la
obra Mancha de hierba.107
Obras

Joven cortando hierba con una hoz (1881), papel verjurado, carboncillo y color
al agua, Museo Kröller-Müller, Otterlo
Autorretrato (1887), óleo sobre lienzo, Instituto de Arte de Chicago
Autorretrato (1888), óleo sobre lienzo dedicado a Paul Gauguin, Museo Fogg de
Cambridge, Estados Unidos
Autorretrato (1889), óleo sobre lienzo, Galería Nacional de Arte de Washington
Autorretrato con la oreja vendada y caballete (1889), óleo sobre lienzo,
Galería de la Somerset House
Almendro en flor (1890), óleo sobre lienzo, Museo van Gogh, Ámsterdam

Robos de sus cuadros

Los cuadros de van Gogh han sido objeto de robo desde la Segunda Guerra Mundial.
Algunas de sus obras no han sido recuperadas. En 2002 ladrones robaron 2 de los
cuadros del Museo Van Gogh, La playa de Scheveningen durante una tormenta (1882) y
Congregación saliendo de la Iglesia Reformada en Nuenen (1884-1885), que fueron
hallados en Italia en 2016.108
Cartas
Theo van Gogh a la edad de veintiún años. Theo fue un defensor permanente y amigo
de su hermano mayor.

Una gran parte del conocimiento que se tiene sobre Van Gogh deriva de sus cartas,
la mayor parte dirigidas a su hermano, Theo van Gogh.109 Se conservan más de
seiscientas cartas de Vincent a Theo y cuarenta cartas de Theo a Vincent, y aunque
la mayoría de ellas no están fechadas, los historiadores de arte han sido capaces
de ordenar esta correspondencia, en gran parte, de manera cronológica. La
recopilación de estas fuentes textuales ha sido muy valiosa para establecer las
bases de lo que se conoce sobre los hermanos Van Gogh. Es interesante hacer constar
que el periodo en el que la vida de Van Gogh es más oscura, es el de su etapa de
París, ya que Theo y Vincent vivían juntos sin necesidad de escribirse y por lo
tanto hay menos información.110

Van Gogh mantuvo correspondencia y se conservan unas doscientas cartas dirigidas a

amigos y familiares especialmente con su hermana Wilhelmina.111 Las cartas salieron
a luz en 1913, a través de la viuda de su hermano Theo, Johanna van Gogh-Bonger,
quien explicó la «inquietud» que sentía al mostrar el drama de la vida del pintor y
su preocupación para que no fuera motivo de eclipsar su obra artística. El mismo
Van Gogh había sido un ávido lector de biografías de otros artistas para comprobar
la consonancia del carácter con el arte de estos.112