Expresionismo

Introducción

Movimiento estético de principios del siglo XX. El término “expresionismo” se le dio a este movimiento alrededor de
1918. Se desarrolló en Alemania, y se expandió principalmente a todos aquellos países de habla alemana. Su
principal objetivo era representar la máxima expresión en sus obras de arte, además de la absoluta y total
representación del mundo interno del artista.

Sucedió en consecuencia y en contra de la postura hiperromática, y de la sociedad burguesa. Rompe con todas las
estructuras anteriores, evitando todo equilibrio clásico, creando disonancias, cambios constantes de texturas,
melodías y armonías distorsionadas. Se deshace de todas las estructuras convencionales de la música clásica, dando
como resultado un movimiento de vanguardia donde solo se buscaba la expresión y que despierta sensibilidad.

Este surge en Alemania, su contexto de luchas sociales y graves problemas espirituales e ideológicos, se evidenciaron
tanto en la música como en todas las áreas del arte como pintura, teatro, etc.

Se llegó a esa evolución de la música debido a que algunos compositores consideraban que la música debía cambia,
evolucionar lógicamente. Según ellos la música exigía el final de la tonalidad. Es por eso que se inventa un nuevo
método de composición completamente nuevo, el sistema atonal. Este reduce el sonido a su esencia pura,
desaparece la dominancia de una nota sobre la otra. La atonalidad prescindía de las escalas y acordes
convencionales, ya que cualquier nota o sonido podía continuar de cualquier otra o hasta sonar simultáneamente,
de acuerdo con los hallazgos o la intuición del compositor.

La música atonal llevará a los principios de la abstracción, que se resumirá en la codificación dodecafónica del
lenguaje musical.

Características

En este período se desarrolló un estilo musical muy particular y diferente de sus antepasados. Algunas de sus
características más reconocibles son:

 Sistema atonal  Expresión (expansión del espacio tonal por

 Desaparición de la dominancia de una nota formación de acordes)
sobre la otra  Reducción (restricción a lo esencial)
 Contrastes dinámicos (diferencias extremas  Abstracción (los acordes no tienen relación
de volumen) armónica funcional)
 Melodías irregulares  Dodecafonismo (técnica de composición de 12
 Ritmo libre tonos)
 Nueva instrumentación  Búsqueda de la expresión sin importar la
 Irritación (cambió rápido de direcciones opinión del público
melódicas y yuxtaposición de melodías  Visión trágica, siniestra y pesimista
disonantes)  Preocupación por la represión, la vida y la
muerte
 Formas más utilizadas: orquesta de cámara.

Etapas

El expresionismo lo podemos dividir en tres etapas o períodos fundamentales, los cuales son:

Temprano. Principios del siglo Schönberg, Scriabin, Ives, Alto. Surge alrededor de 1907.
XX. Los artistas destacados serían Stravinsky, Honegger y Bartók Podemos encontrar a Webern,
Berg y Busoni
Tardío. Aparece alrededor de descubrimiento de la música de
1914 y termina con el 12 tonos

Ya para el expresionismo tardío, muchos autores que habían estado presente en el expresionismo temprano, lo
habían abandonado y seguido otras corrientes. Los únicos compositores que se mantuvieron fieles a este
movimiento fueron Schönberg y sus aprendices (Webern y Berg). Fuel el profesor quien creó el cambio radical de la
emancipación de la disonancia, que posteriormente se convirtió en la característica más fundamental de este
movimiento.

Compositores

Arnold Schoenberg (1874 – 1951)

Principal compositor del expresionismo. Fue, además, profesor y sus discípulos eran Webern y Berg, quienes
formaban la Escuela de Viena. Ideó la técnica de 12 tonos. Trabaja con combinaciones sonoras sin color individual.
Este compositor vio la finalidad del arte y la música en la expresión de la personalidad y de la humanidad.

Por ser judío, era perseguido constantemente en la Alemania nazi, por lo que decidió irse a Estados Unidos, donde
trabajó como profesor y continuó componiendo.

A pesar de ser el principal defensor de este periodo, el compositor tuvo una etapa donde trabaja dentro de los
límites de la atonalidad. En ese momento donde trabajaba con la tonalidad utilizaba la técnica de tonalidad
ampliada. La cual era un conjunto de técnicas que permitían aumentar las posibilidades armónicas, rítmicas y
melodías de la música. Luego se comienza a utilizar el lenguaje del atonalismo, que posteriormente se transformará
en el dodecafonismo. Tuvo 3 períodos de composición:

Periodo tonal. 1899 – 1907. Periodo atonal. 1908 – 1921. Periodo dodecafónico. 1921 –
Estilo de romanticismo tardío Utilización de la atonalidad por la 1951. Creado por el mismo
necesidad de expresión

Dodecafonismo: Es un método que consiste en componer sin darle importancia a los doce sonidos de la escala
cromática. Se los ordena según lo que quiera representar el autor, sin que se repitan. Luego, esa serie original se la
puede ir trasformando mediante procesos matemáticos en nuevas series. Hay diferentes maneras de obtener otras
series. Por ejemplo, leerla al revés de cómo se compuso, nos daría una serie retrógrada. También podemos obtener
la inversa y el retrógrado de inversión.

Algunas de las obras más destacadas de este compositor son: Segundo Cuarteto de Cuerdas, Monodrama, Cinco
piezas para orquesta, El libro de los jardines colgantes, Tres piezas para piano, The happy hand, Pierrot Lunaire,
Noche transfigurada, Pelleas y Manisandre, entre otras.

Alban Berg (1885 – 1935)

Fue compositor, alumno de Schoenberg. Su composición también se forma en tres periodos o etapas, al igual que su
profesor (tonal, atonal y dodecafonismo). Entre sus obras destacadas encontramos: Sonata para piano, Wozzeck,
Lulu, Tres piezas orquestales, Cinco canciones orquestales, Suite lírica, entre otras

Anton Webern (1883 – 1935)

Compositor muy importante, también fue alumno de Schoenberg. Posteriormente fue director de orquesta. Su estilo
de composición era similar y muy influenciado por su profesor. Aunque también su música se destacaba por la
brevedad y la sencillez. Todo es esencial y está determinado por su carácter personal, el espíritu de la época y la
situación histórica. La obra de este compositor fue considerada como un modelo musical por la vanguardia posterior
a la Segunda Guerra Mundial. Su composición se divide de la misma manera que sus contemporáneos.
Algunas de sus obras destacadas son: cuatro piezas para violín y piano, Passacaglia para orquesta, cinco piezas para
orquesta, Seis Bagatelas, entre otras.

Impresionismo
Introducción

Movimiento pictórico-musical que surge en el último tercio del siglo XIX, en Francia. Surgió aproximadamente en
1882, bajo la influencia de los poetas simbolistas y de pintores impresionistas. En la música este movimiento
buscaba gozar del sonido por sí mismo, lo que supuso una ruptura de tendencias artísticas ya existentes. El
compositor más representativo de este movimiento es Claude Debussy.

A pesar de que este movimiento buscaba romper con todas las reglas clásicas y huir de la tonalidad, no llega a ser un
movimiento atonal, se asemeja a ello pero no lo logra hasta el próximo periodo, expresionismo.

La música impresionista no tiene como finalidad expresar emociones profundas ni de relatar una historia, sino de
evocar una atmósfera, un clima, un sentimiento fugaz, con ayuda de títulos sugerentes y reminiscencias de sonidos
de la naturaleza, ritmos de danza, fragmentos de melodías, entre otras.

Características

 La naturaleza es su fuente de inspiración.  Ritmos imprecisos e irregulares

 Desaparece la melodía lineal y se reemplaza con las  Preferencia por instrumentos de la familia de
masas sonoras de acordes sin coherencia aparente madera, de percusión y del piano
pero con gran efecto auditivo  Formas vagas e imprecisas con fondo estructural
 Se oscurece la línea melódica, la cual ayuda a crear muy trabajado
una atmosfera sonora imprecisa  Creación de nuevos acordes
 Melodías sin una línea y periocidad claras  Atmósferas sonoras basadas en impresiones
 Uso de escalas orientales auditivas
 Sistema modal medieval  Escalas nuevas
 Uso de escalas de tonos pentatónicos  Uso peculiar del sonido orquestal
 Uso de disonancias sin resolver  Utilización de grandes orquestas
 Empleo de acordes mayores y menores superpuestos  Predilección por títulos poéticos
 Colorido orquestal brillante y sensible  El impresionismo no es considerado vanguardia
 Importancia de los timbres de los instrumentos  No crea una escuela
musicales

Formas musicales

El impresionismo no desarrolla formas musicales propias. Se utilizaban formas musicales de otros periodos pero
modificándolas al estilo del impresionismo, donde el espectador tiene la libertad para captar nuevas sensaciones ya
que es música objetiva. Aquellas que se utilizaban dejaban ver en ellas un rechazo claro a las tonalidades clásicas.

Lo importante era el colorido o la sonoridad de cada acorde con independencia de las disonancias. Los compositores
pretendían que nuestro oído se fundiera con los sonidos. Las formas más utilizadas eran la sinfonía, el poema
sinfónico, obertura, rondó, suite, preludios, sonata.

Instrumentos musicales

En el impresionismo todos los instrumentos tienen importancia. El más relevante es el piano. Algunos de los más
importantes son: clarinete, oboe, trompas, clarines, trombones, trompetas con sordinas, saxofón, violín, arpa,
timbales, bombo, tambor, platillos, triángulo, celesta, glokenspield, campanas tubulares, órgano. Instrumentos de
percusión, instrumentos orientales como tam-tam y el gong. También utilizaban como instrumento la voz.
Compositores

Claude Debussy (1862 – 1918)

Fue el primero y casi que el único compositor puro del impresionismo musical. Demostró un claro rechazo hacia la
ortodoxia musical del momento y hacia las reglas clásicas de composición. Según él los acordes don sonoridades que
se valen por sí mismas.

El compositor utilizó las técnicas del uso de las escalas orientales y modos medievales, ritmos indefinidos y gran
colorido orquestal, con el objetivo de escapar de la tonalidad. Otra característica importante del compositor es que
crea motivos musicales repetitivos y sencillos que van variando durante toda la obra.

Entre sus obras más importantes nos encontramos con: El mar, Las Imágenes para orquesta, tres Nocturnos,
Preludio a la siesta de un fauno, Catedral Sumergida, Claro de Luna, entre otros

Maurice Ravel (1875 – 1937)

Compositor influido por Debussy y por Satie, creó su propio estilo personal de gran elegancia. Su estilo tiene huellas
del Clasicismo, Barroco, Jazz y de la música oriental. Fue un gran instrumentista y gran conocedor de orquestas. Su
obra denota también su clara influencia en el tratamiento del timbre.

Entre sus obras más destacables están: Mi madre la oca, Espejos, Juegos de agua, Gaspar de noche, Valses nobles y
sentimentales, Bolero, La hora española, Rapsodia española, Alborada del gracioso, entre otros.

Erik Satie (1866 – 1925)

Fue un compositor y pianista francés que creó su propio lenguaje musical de gran simplicidad y con estrecha relación
con el dadaísmo y el surrealismo. Su música se caracteriza por ser carente de romanticismo, con una línea melódica
muy personal, y con algunas características de la música Neoclásica. Este compositor fue un precursor del
minimalismo. Tiempo después reaccionó contra de Debussy y compuso música cargada de humor antiromántico.
Además formó parte del Grupo de los seis, que adoptaron el lema de “Arte despojado”.

Sus obras más conocidas son: Tres gimnopédias para piano, Seis gnossinne para piano, Drama Sinfónico Sócrates,
Vals para piano, Je te veux, entre otras.

Paul Dukas (1865-1935)

Fue un compositor francés de la escuela impresionista. Es universalmente famoso por su poema sinfónico El
Aprendiz de Brujo. Entre sus restantes obras figuran la ópera Atiana y Bárba Azul y el Ballet La Perí.

Otros compositores

Gabriel Fauré: La bonnechanson

Isaac Albéniz: Suite Iberia

Manuel de falla: Noche en los jardines de España

Joaquín Turina: Sevilla , para piano

VincentD’Indy: El canto de la campana