CUADERNILLO DE ARTES VISUALES

4°AÑ0 – PROF. SAMANTA CRENNA

 EJE N°1: Practicas del lenguaje visual
UNIDAD N°1: La imagen fija
UNIDAD N°2: La imagen en movimiento

EJE N°2: Contextualización de la imagen visual

UNIDAD N°3: Referentes visuales

LA FOTOGRAFIA (imagen fija)

¿QUE ES FOTOGRAFÍA?

La palabra FOTOGRAFÍA, tiene un origen griego: FOTO que significa Luz y

GRAFÍA escrito, que juntas forman la idea de plasmar o dibujar en luz
imágenes perdurables. La fotografía fue el primer paso para el nacimiento
del cine en 1890, por la misma necesidad que tenía el hombre de fijar la
ilusión del movimiento.
El término fotografía fue utilizado por primera vez en 1839 por Sir John
Herschel, un matemático inglés quien descubrió las sales de plata que son
insolubles en combinación de otros químicos logrando que las imágenes
fueran fijas y perdurables. En 1839 inventó el papel fotográfico.
Un objetivo de la Fotografía es comunicar o transmitir un sentimiento a la
persona que lo está observando.
Éstas son muestras de Fotografías capturando un panorama natural que
transmiten un sentimiento de frescura y tranquilidad.
Fue el primer fenómeno referente a las cámaras fotográficas elaborado en
el siglo XIX.
Este invento fue creado mucho tiempo antes que se realizara un proceso
de fijación de imagen con químicos y sales minerales.
El fenómeno mostraba las imágenes invertidas, cabeza abajo. Que se
reflejaban en la pared opuesta de donde se colocaba un lente de vidrio
en un pequeño agujero. Con la única entrada de luz dentro del cuarto
oscuro, ésta entrada de luz viaja en dirección diagonal hacia la cámara
logrando el efecto que la pared inferior de la imagen llegue hasta la parte
superior de la cámara formando la imagen del objeto.

El cuarto oscuro pasó a ser cámara oscura de forma portátil en 1730 y

Juan Bautista de la Porta logró llegar hasta este invento que con el pasar
del tiempo y con nuevos descubrimientos tecnológicos se mejoró
llegando hasta las cámaras actuales y las que conocemos ahora por
Cámaras Digitales

Historia de la Fotografía
En 1725 El alemán Heinrich Schulze, Creó la primera imagen fotográfica
producida por la cámara oscura sin ser dibujada o copiada a mano, pero
esta imagen era efímera.
1827 El francés Nicéphore Niepce, logro la primera imagen fija, que no se
perdía con la luz, utilizando nitrato de plata.
1839 El francés, Jacques Louis Daguerre, Siguió las investigaciones de
Niepce y desarrollo los Daguerrotipos que permitió plasmar imágenes si
necesidad de negativos, utilizando: una placa de cobre, pasándolo por
vapores de yoduro, solución de plata y exponiéndolo a la luz natural.
FOTÓGRAFOS DE RENOMBRE
Adams Ansel

Fotógrafo cuyo origen es Norte Americano, al que le apasionaba

fotografía los paisajes suroeste de su país. Utilizó el blanco y negro para
plasmar la belleza natural de Estados Unidos para todo el mundo. Utiliza
el contrate de luz y sombras para darle un toque artístico a sus fotografías
de la naturaleza. Para lograr esto utilizó la claridad de la lente que era lo
más importante y la fotografía tenía que aparecer sin ninguna
modificación. Es autor de numerosos libros que hablan de la fotografía,
entre estos esta su trilogía “La cámara, el negativo y la copia”.

Henri Cartier Bresson

Desde su niñez sentía atracción por la fotografía, sus primeras fotos
profesionales las realizó en un viaje que hizo a África, sobre la vida
silvestres y salvaje, Bresson, se sintió obligado a testificar con su cámara
las cicatrices del mundo. Viajando por Francia, España e Italia; sus temas
favoritos que marcaron su carrera fueron: El marginal, El despojo, lo ilícito.
En México trata de capturar imágenes de personas de escasos recursos,
lugares marginales de la sociedad, sus composiciones son muy rigurosas
en las que muestra gestos verdaderamente significativos, en los que él
mismo define como momentos reales y decisivos.

Conceptos Básicos

. Los conceptos básicos de la fotografía son fundamentales para

cualquiera que se esté iniciando en la fotografía. No importan tus
intereses, equipo, o metas; tener una base sólida de las principales
nociones básicas de la fotografía digital es clave para capturar mejores
imágenes y mejorar tu fotografía.

Sin embargo, las cosas no son fáciles cuando comienzas; ¿Cuáles son los
conceptos básicos de la fotografía? ¿Qué aspectos fotográficos básicos
debería dominar? ¿Cuál es la mejor forma de aprender los principios
básicos de la fotografía?

. Para obtener una buena fotografía, es importante la luz que se utiliza.

La exposición es el concepto básico de fotografía más importante y la

primera noción fotográfica que debes comprender.

Probablemente hayas escuchado antes la expresión «la fotografía es

pintar con luz». Esta frase es completamente cierta, fotografiar consiste
en capturar la luz, y la exposición es muy importante porque es la
cantidad de luz que capta tu cámara.

Lo ideal es que la imagen esté correctamente expuesta, es decir, que

tenga la cantidad ideal de luz donde se pueda ver todo el detalle en las
luces y las sombras. Sin embargo, en la exposición fotográfica no hay
nada que sea correcto o incorrecto de forma absoluta, ya que la elección
artística de muchos fotógrafos es capturar una imagen subexpuesta o
sobreexpuesta. Por ahora, nos centraremos en los elementos para
capturar una exposición correcta.

La exposición también tiene otros efectos en el aspecto final de la

imagen, como la profundidad de campo, la captura de movimiento y el
ruido digital. Estos conceptos los veremos a lo largo de este tutorial
básico de fotografía.
En resumen, la apertura funciona como nuestras pupilas; es la apertura
del objetivo, que controla la cantidad de luz que pasa a través de la lente
hasta el sensor de la cámara.

Esta noción básica de la fotografía tiene un efecto directo sobre la

exposición; cuanto más abierta sea la apertura, más luz mostrará la
imagen y cuanto más estrecha sea la apertura, más oscura será. También
juega un papel importante en la profundidad de campo y la nitidez de la
fotografía.

COMPOSICIÓN – UN BÁSICO INDISPENSABLE DE LA FOTOGRAFÍA

Más allá de los parámetros, el equipo, y otros aspectos técnicos, uno de

los conceptos básicos de la fotografía que debes dominar si quieres que
tus imágenes hablen por sí mismas es la composición.

La composición es el lenguaje de la fotografía y, utilizando diferentes

elementos y reglas de composición, podrás capturar y dar forma a tu
mensaje visual. Cuando compones tu imagen, debes ordenar los
elementos de la escena para que éstos sean atractivos para el espectador
y poder representar tu mensaje visual de la manera más armoniosa e
impactante.

Una de las últimas nociones básicas de la fotografía consiste en la edición

final y el procesado de nuestras imágenes.

Los fundamentos básicos de la edición en fotografía tratan sobre lograr

un equilibrio en la exposición entre las luces y las sombras, enfocar la
imagen, gestionar el color y, en general, ajustar la imagen final.

Algunos fotógrafos también utilizan el post-procesado para crear efectos

artísticos que puedan representar su visión. Esto, por supuesto, depende
de tu gusto personal, pero la edición y el procesado son aspectos
fundamentales de la fotografía que necesitas saber para tener imágenes
completas.
 ¿QUÉ ES LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA?

En pocas palabras, la composición fotográfica se puede definir como la

forma en que organizamos los elementos en una escena para que sean
atractivos para el espectador y puedan representar el mensaje visual del
fotógrafo de una manera efectiva, armoniosa, e impactante.

La composición en fotografía sigue una serie de elementos compositivos

como líneas, formas, espacio, color…y técnicas compositivas

TIPOS DE FOTOGRAFIAS

1. Fotoperiodismo

El fotoperiodismo es un tipo de fotografía cuya narrativa emplea las

técnicas de contar historias. Mientras el periodista utiliza la tinta y el
papel para contar historias, un fotoperiodista usará su cámara para
capturar la representación visual de su historia y transmitir emociones con
ella.

Detrás del fotoperiodismo está presente la teoría de que las imágenes

dicen más que mil palabras. Y debido a ello, el fotoperiodismo y
la fotografía documental son tipos de fotografía muy relacionadas, pues
podemos encontrarlas en diferentes portales de noticias para darle peso a
un texto.
2. Fotografía abstracta

Es uno de los tipos de fotografía más populares hoy en día, y se enfoca

en la forma, el color, el patrón y la textura. En la fotografía abstracta
no existen reglas, pues se trata de un disparo simple que pretende
capturar diferentes elementos dentro de la composición y que refleja
muchísima creatividad.

La fotografía abstracta es el tipo de fotografía más compleja de entender,

debido a que dependemos de la mirada del autor para comprenderla. La
clave para una fotografía abstracta es la imaginación.

En definitiva, aquí el ojo del artista será quien nos de una u otra
perspectiva. También se le llama fotografía no objetiva o fotografía
experimental o conceptual.

También suele recurrir a capturar objetos cotidianos como vasos,

servilletas o bolsas de plásticos y para brindarles una estética que cumpla
con patrones de repetición.
3. Fotografía artística

Dentro de este amplio mundo, existe un tipo de fotografía que se hace de

manera artística, es decir, está hecha para expresar las percepciones y
emociones del artista y para compartirlas con otros.

No se trata de capturar lo que la cámara ve, sino lo que observa el

artista. Por lo tanto, el artista, en este tipo de fotografía, utiliza la cámara
como una herramienta para crear una obra de arte para hacer una
fotografía fine art que revele la visión del autor.

La cámara se usa para hacer una pieza de arte que revele la visión del
autor y hacer una declaración de esa visión en lugar de documentar
cualquier objeto o sujeto ante la lente. ¡Es uno de los tipos de fotografía
que más adeptos tiene!
4. Fotografía arquitectónica

La fotografía arquitectónica retrata la estética de los diseños de

edificios y estructuras. Es uno de los tipos de fotografía que toma
diferentes variables: pueden ser edificios altos, patrimonios, edificios
modernos, graneros en granjas, puentes, bodegas o fábricas.

Es que aquí se trata más del diseño que del propio edificio. Tratándose
de diseño, el fotógrafo arquitectónico destaca algunos de los detalles que
vuelven al edificio o construcción en una estructura estéticamente
agradable.

Posteriormente, el fotógrafo logra darles más profesionalismo a sus

composiciones aplicando un retoque fotográfico arquitectónico.

Por esta razón no resulta extraño ver tipos de fotografías arquitectónicas

que solo dejan visualizar un fragmento de la construcción. Puede ser una
pared, un arco, o algunas vigas en lugar de la apariencia del edificio
completo.
5. Fotografía urbana

La fotografía urbana es uno de los tipos de fotografía que no solo

encapsula a las personas en sus actividades cotidianas, sino también
a los objetos, paisajes urbanos e incluso lo surreal.

Este tipo de fotografía, además de ser una representación visual de una

idea o una captura de un momento decisivo, es también un comentario
de la vida contemporánea en un espacio ecológico.

¿Por qué resulta importante este tipo de fotografía? Bueno, es simple.

Actualmente más del 50% de la población mundial vive en ciudades, así
que podemos decir que, dependiendo de la visión del artista, la fotografía
urbana puede mostrar tanto la cara buena como la menos agradable de
la vida en las ciudades.
6. Fotografía de retrato

Como su nombre lo indica, la fotografía de retrato es aquella que se

encarga de retratar el aspecto físico de una persona.

Con este tipo de fotografía se pretende darle relevancia a los rasgos más
característicos de una cara o transmitir diferentes tipos de emociones a
través del rostro o una postura corporal. Es decir, es uno de los tipos de
fotografía que hacen foco en los detalles.

La fotografía de retrato fue uno de los primeros tipos de fotografía que

surgieron de la mano con la evolución de las cámaras fotográficas, pues
era un método muy sencillo para capturar una fotografía de una persona
y analizar sus detalles.
7. Fotografía publicitaria

Esta técnica de fotografía tiene la intención de vender, comercializar o

promocionar algún tipo de idea o producto. Es uno de los tipos de
fotografía más antiguos y más utilizados hoy en día, pues a través de ella
se pretende generar la intención de compra de un consumidor.

Todo es posible en la fotografía publicitaria, y para llevarla a cabo, se

puede mezclar la realidad con la ficción y generar varios tipos de
fotografías.

8. Fotografía aérea

Este tipo de fotografía es definida por su propio nombre. La fotografía

aérea se basa en realizar diferentes tipos de capturas a una gran
altura, generando imágenes increíbles de diversos lugares.
9. Fotografía submarina

La fotografía submarina es uno de los tipos de fotografías más complejas

de realizar debido a que involucra un equipo de buceo y cámaras
acuáticas costosas

10. Fotografía en blanco y negro

Este tipo de fotografía consiste en la ausencia de color y está basada en

tonalidades que van del blanco hasta el negro.

Una fotografía en blanco y negro es contundente, y su centro de

atención está en las figuras, las formas y los detalles, transmitiendo
emoción y dramatismo. Esto es algo que también lo habrás notado en
otros tipos de fotografía, como la fotografía de retrato o la artística.

Aunque se le puede atribuir a una época pasada, la fotografía en blanco y

negro está más viva que nunca, siendo uno de los tipos de fotografía más
populares en la actualidad.
11. Fotografía de moda

Como su nombre lo indica, la fotografía de moda es un tipo de fotografía

que consiste en capturar accesorios, joyas, prendas u otro tipo de
elementos relacionados al mundo de la moda.

Es muy común que te encuentres con este género de fotografías en

diferentes medios, como anuncios publicitarios o revistas. Son
caracterizadas por incluir una estética colorida y llamativa, casi imposible
de ignorarlas. La fotografía de moda tiene la intención de, por un
lado, persuadir la atención visual del público. Y por otro, incentivar el
deseo de compra
12. Fotografía de alimentos

No puedes negar que sigues a más de una cuenta en Instagram que

publica comida exquisita y platos que te hacen agua la boca.

Esto se debe a la fotografía de alimentos, un estilo de fotografía que

consiste en capturar la esencia de un plato de comida e incentivar
que los usuarios se animen a probarla.

13. Fotografía minimalista

Si algo caracteriza a la fotografía minimalista es la simpleza y la

armonía.

Se trata de un tipo de fotografía que utiliza la menor cantidad de

elementos posibles en sus composiciones para generar una sensación
de paz y limpieza visual.
14. Fotografía astronómica

La fotografía astronómica, también conocida como astrofotografía, es uno

de los tipos de fotografía más difíciles de lograr, pero, al mismo tiempo,
uno de los más encantadores.

Consiste en fotografiar los planetas, satélites, cometas o cualquier

otro tipo de cuerpo que pueda capturarse en el espacio.

Al tratarse de elementos que se encuentran a larga distancia, este tipo de

fotografía requiere ciertos tipos de lentes o trípodes para poder
fotografiar con nitidez.

15. Fotografía Deportiva

La fotografía deportiva es considerada como una de las ramas del

fotoperiodismo, pues se trata de uno de los tipos de fotografía que
tienen la intención de capturar los momentos más importantes de un
evento, en este caso de acontecimientos deportivos.

La mayoría de estas fotografías son utilizadas para diferentes fines, ya sea

para publicarlas en revistas o medios especializados en el deporte o para
promover alguna marca a través de la publicidad.
Debido a que los deportistas suelen estar en constante movimiento, es
común que los fotógrafos deportivos se ubiquen en una posición
estratégica para obtener las mejores capturas.

16. La Fotomacrografía

la Fotomicrografía son las denominadas técnicas de acercamiento en

Fotografía, se les conoce con éste nombre ya que en principio esta
técnica consiste en realizar fotografías a distancias de enfoque muy cortas
entre el elemento a fotografiar y el equipo fotográfico.

En muchas publicaciones encontraremos dos términos semejantes;

Fotomacrografía y Macrofotografía, inclusive podremos notar que en
ocasiones se utilizan como sinónimos entre ellos.

Pero también encontraremos referencias en que los diferencian entre sí,

siendo el significado de Macrofotografía; la técnica utilizada para obtener
fotografías de gran formato, es decir de tamaño murales o mayores

Mientras que el significado de Fotomacrografía se refiere a la técnica

fotográfica por medio de la cual se pueden lograr imágenes ampliadas, a
nivel del material fotosensible
17. Perspectiva forzada.

En persona, la perspectiva se manifiesta con la percepción visual humana.

El modo en que los ojos y el cerebro funcionan a la par les da a los
objetos la escala de referencia correcta según el contexto. Así es como se
sabe que un edificio alto en la distancia tiene muchos pisos de altura,
aunque parezca más pequeño que una persona humana que esté a tu
lado. Las cámaras usan la distancia focal para imitar este efecto, por lo
que se consiguen unas fotografías de lo más realistas. Sin embargo, los
fotógrafos no siempre desean retratar la realidad. En ocasiones, el
objetivo de una imagen consiste en atraer a las personas por medio del
asombro y despertar la curiosidad sobre cómo se tomó la foto. Aquí es
donde entra en juego la perspectiva forzada, en ocasiones denominada
falsa perspectiva. Si alguna vez viste una foto en la que la mano de una
persona parece sostener la torre Eiffel o mantener la torre inclinada de
Pisa, experimentaste ya la perspectiva forzada. No obstante, esta técnica
puede usarse para muchas más cosas.

Experimenta con los puntos de vista.

Un disparo desde un ángulo inesperado ayuda a forzar un nuevo tipo de

perspectiva. Puedes disparar desde un ángulo bajo para exagerar el
primer plano, o bien puedes hacerlo desde una vista aérea para darle a tu
imagen una sensación bidimensional.
 TIPOS DE PLANOS

a) Plano entero

Es el plano más justo que se puede realizar de una persona, animal o cosa
sin que el encuadre corte ninguna parte del mismo. Incluye desde los pies
hasta la cabeza y puede variar en función de la posición del sujeto.

b) Plano americano

Es un plano procedente del mundo del cine donde el formato panorámico

horizontal. En este caso, en el plano americano el sujeto entra dentro del
cuadro de la imagen, pero es cortado a la altura de las rodillas hacia
abajo.

c) El plano medio

Es algo más cerrado que el americano. Utilizado mayormente en retratos

y moda, es un plano que aporta un sentido de mayor intimidad, ya que se
está más cerca del sujeto. El rostro será protagonista, al igual que los
brazos y manos mostrando al sujeto desde la cintura.
 d) Plano medio corto

En este encuadre, el entorno pierde relevancia y la fotografía se centra

únicamente en el personaje principal. Se caracteriza porque va desde la
cabeza hasta el pecho. Con él podemos mostrar expresiones y
sentimientos.

e) Primer plano

Los primeros planos son esencialmente retratos. Se centran en el rostro y

las expresiones del mismo. El clásico primer plano abarca desde la cabeza
hasta los hombros y el nivel de proximidad al modelo es alto. La pose del
cuerpo no será relevante, pero sí la expresión y actitud facial

f) Primerísimo primer plano

El encuadre en este plano es similar al primer plano, solo que más

ampliado. En fotografía de retrato, este plano abarca el rostro del
protagonista desde la cabeza hasta la barbilla y permite tener un
acercamiento más íntimo con el personaje.

g) Plano detalle

En fotografía y en cine, el plano detalle (por oposición al plano general) es

aquel plano que se centra en una parte muy concreta del cuerpo, o de un
objeto. Es un tipo de plano que muestra un objeto o parte del cuerpo
humano en su máxima expresión

Actividades:

-Con 4 tipos de fotografías, vas a buscar para bocetar y a partir de ahí

realizaras tus creaciones personales o grupales

-Tenés que ver que objetos o materiales vas a precisar para poder
lograrlas (pinturas, flores, autos, canicas, libros, fibrones, etc.)

-Realiza tus propias creaciones

-Acordate de tener en cuenta todo lo visto en clases

 VANGUARDIAS ARTISTICAS
¿Qué son? los principales movimientos

Las vanguardias artísticas son los movimientos de la primera mitad del

siglo XX que revolucionaron las artes plásticas occidentales (pintura y
escultura). Algunos de estos movimientos se expresaron también en el
diseño gráfico, industrial y arquitectónico.

Las vanguardias fueron experiencias grupales más o menos organizadas,

en las cuales los artistas suscribían una misma agenda estética e
ideológica.

Todo se enmarcaba en una época que, abrazada al progreso científico e

industrial, también quería que el arte «progresara». Este impulso
transformador respondió en parte a la violenta modernización del siglo
XX, que contrastaba radicalmente con el conservadurismo de la academia
artística, todavía atada a la tradición plástica.

Características de las vanguardias artísticas

Las vanguardias artísticas fueron muy diversas, aunque muchas de ellas

colaboraron entre sí con libertad. Todas compartían el mismo espíritu, a
partir del cual es posible delimitar características comunes, tales como la
rebeldía, la libertad de expresión, el interés por temas actuales y el
rechazo de la burguesía. Veamos.

Espíritu de rebeldía con respecto a la academia artística. Los artistas

consideraban que la academia estaba de espaldas a los nuevos tiempos y
la libertad creativa.

Cuestionamiento de la imitación de la naturaleza. Para los nuevos artistas,

el significado en las artes plásticas no estaba regido por el parecido con la
realidad ni con el contenido de la escena. Por eso se rebelaron contra el
principio de imitación de la naturaleza en el arte.

Ruptura con el ideal clásico de belleza. Los vanguardistas supieron

encontrar una estética valiosa en la fealdad y lo grotesco.
Ejercicio de la libertad de expresión por medio del arte. Los nuevos
tiempos preconizaban la libertad expresiva, y el arte debía ser tribuna
para ese ejercicio de pensamiento.

Deseo de expresar los temas y preocupaciones del sujeto

contemporáneo. Las preocupaciones del ser humano contemporáneo no
aparecían en el arte académico, así que los vanguardistas le dieron
representatividad.

Rechazo de la confiscación simbólica del arte por parte de la burguesía.

Los vanguardistas lamentaban que el arte se limitara a representar los
intereses de la clase burguesa

Veamos cuáles son los movimientos de vanguardia en el arte en la

siguiente línea de tiempo:

 1904. Fovismo
 1905. Expresionismo.
 1907. Cubismo.
 1909. Futurismo.
 1910. Abstracción
 1914. Constructivismo.
 1915. Suprematismo
 1916. Dadaísmo.
 1917. Neoplasticismo
 1924. Surrealismo.

Fovismo o fauvismo (Francia, 1904-1908)

El fovismo (fauvismo) se propuso liberar el instinto pictórico por medio de

la exaltación violenta del color. Rechazaba tanto los discursos
racionalistas como el sentimentalismo en el arte. Se empeñaba, más bien,
en buscar la expresión más «salvaje» del artista, es decir, la menos
intervenida por la «civilización». Por eso, el crítico Louis Vauxcelles los
bautizó como fauvistas, vocablo proveniente del francés fauve, que
significa ‘fieras’.

En términos generales, el fovismo se caracterizó por:

Exaltación del color como elemento de expresión fundamental.

Impulsividad creativa expresada en trazos sueltos y espontáneos.

Despreocupación por el modelado del dibujo y la perspectiva.

Abandono del trabajo al aire libre.

Desarrollo de temas como el paisaje, el retrato y escenas interiores.

Los principales representantes del fovismo fueron Henri Matisse, André

Derain, Mauricio de Vladminck y Raoul Dufy.

Expresionismo (Alemania, h. 1905-1930)

El expresionismo tiene sus antecedentes a finales del siglo XIX, gracias a la

obra de artistas como Edvard Munch. Sin embargo, solo adquirió la forma
de movimiento hacia 1905, cuando se formaron los grupos Die Brücke (El
puente, 1905) y Der Blaue Reiter (El jinete azul, 1911). Estos grupos se
disolvieron con la Primera Guerra Mundial. Al finalizar esta, se formó la
Nueva Objetividad o Neue Sachlichkeit. El movimiento expresionista se
caracterizó por su perspectiva crítica sobre la realidad; la reflexión sobre la
esencia del sujeto contemporáneo; la exaltación de los sentimientos
(especialmente los de disconformidad, temor y angustia) y el rechazo a la
idealización. En la práctica, el movimiento expresionista se concretó en las
siguientes características:
-Gusto por las formas oblicuas o angulosas.

-Uso expresivo del color y de la perspectiva.

-Aplicación de técnicas violentas.

-Deformación de las figuras. -Temas existenciales, como la muerte, la

enfermedad, la locura, la culpa y la sexualidad.

Sus máximos representantes fueron: Eduard Munch, Paul Klee y

Kandinsky.

Cubismo (1907-1914 aproximadamente)

El cubismo fue un movimiento de vanguardia nacido en Francia. No tuvo

manifiesto propio. Aun así, su programa se fundaba en representar las
cosas como el cerebro las capta racionalmente, y no apenas como son
percibidas por los sentidos. Por ello, el cubismo analiza, descompone y
sintetiza las figuras hasta los límites de la geometrización.

Las características del cubismo al nivel plástico se pueden resumir de la

siguiente manera:

-Síntesis gráfica.

-Tendencia a la geometrización.

-Superposición de diferentes planos en uno solo.

-Introducción de técnicas no pictóricas en el lienzo, como el collage.

-Preferencia por el bodegón y la figura humana como objetos de análisis

cubista.

-El movimiento cubista duró poco, aproximadamente una década.

Durante ese período, se distinguen varias etapas:

Cubismo primitivo (1907-1909). Inspirado en Cézanne, reducía las

formas a sus volúmenes esenciales.

Cubismo analítico (1910-1912). Descomponía los volúmenes en planos

superpuestos y se desinteresó por el color.

Cubismo sintético (1913- 1914). Retomó el color y trabajó texturas por

medio del collage.

Sus principales representantes fueron Pablo Picasso, George Braque

Futurismo (Italia, 1909)

El futurismo nació con la publicación del manifiesto futurista en 1909,
escrito por el poeta Fillippo Marinetti. Veía con entusiasmo el triunfo de la
era de la máquina y, sobre todo, de la velocidad. Acompañaba con
ferviente admiración el desarrollo de la industria automovilística,
aeronáutica y bélica. Celebraba la violencia y creía en la guerra como un
camino para la depuración de la humanidad. Por eso, a diferencia de otras
vanguardias, el futurismo fue cercano a la extrema derecha.
El movimiento futurista se caracterizó por:

-Deseo de representar la velocidad en las composiciones plásticas;

-Continuidad espacial;

-Estudio de la cuarta dimensión en el arte (el tiempo);

-Exaltación del patriotismo y la violencia;

-Aprovechamiento de recursos provenientes del cubismo, del

divisionismo y la fotografía.

-Sentido de ritmo visual y dinamismo;

-Coloración vibrante.

Los representantes más destacados del futurismo fueron los artistas

Umberto Boccioni, Giacomo Balla y Carlo Carrà, entre otros.

Abstracción (Russia, 1910)

Conocida también como abstracción informal o emotiva, la abstracción
lírica fue el primero de los movimientos pertenecientes al
abstraccionismo. Rechazó por completo la figuración y exaltó la validez
del lenguaje plástico como vehículo para exteriorizar el mundo interior
del sujeto. La abstracción desarrolló las siguientes características:
-Ausencia de figuración.

-Protagonismo y autonomía de línea, punto, color y composición.

-Búsqueda del ritmo y la armonía visuales.

-Licencia para la improvisación.

Pero si bien la abstracción inicia como una vanguardia concreta en 1910,

inauguró toda una corriente artística en la que actualmente se inscriben
diferentes tendencias del siglo XX. Entre ellas, el rayonismo (1912), el
gestualismo o action panting (1945), el expresionismo abstracto (1950), el
neoexpresionismo (1980) Estas tendencias incorporaron técnicas como el
dripping (pintura chorreada), el grattage o esgrafiado (capas de pintura
rasgada) o el frotagge (pintar sobre objetos rugosos para obtener
texturas) y el collage

El primer exponente de la abstracción fue Vasily Kandisnky, a quien

luego se sumaron Paul Klee y Robert Delaunay en la primera generación.

Constructivismo (Rusia, 1914)

El constructivismo es una vanguardia inscrita en el abstraccionismo
geométrico. Aplica los principios compositivos del diseño arquitectónico,
particularmente la geometría espacial y el estudio de los materiales en la
pintura, la escultura, el diseño gráfico y el diseño industrial. De algún
modo, representa la fe en un ciclo de cambio histórico, y estaba
comprometido con la construcción del progreso de la nueva era
industrial. Entre las principales características del constructivismo
destacan:

-Uso de la geometría espacial.

-Pretensión de simultaneidad entre tiempo, espacio y luz.

-Uso de líneas puras.

-Rechazo de la ornamentación.

-Uso de materiales simples, como madera y metal, y otros asociados al

progreso, como el plástico.

Entre sus principales representantes se encuentran El Lisitsky, Vladimir

Tatlin y Alexander Rodchenko.

Suprematismo (Rusia, 1915)

Poco después del constructivismo, aparece el suprematismo, postulado a
través del manifiesto suprematista escrito por Kazimir Malevich. El
suprematismo pretendía expresar la subjetividad pura mediante el uso de
recursos geométricos.
A diferencia del constructivismo, el suprematismo solo se interesa en la
geometría plana, y desecha la profundidad espacial. No se interesaban
tampoco en el discurso social. Fue proscrito en Rusia cuando los
bolcheviques impusieron el realismo social en el arte y rechazaron las
expresiones del arte abstracto, considerado muy intelectual. A pesar de
ello, los movimientos de la abstracción rusa fueron muy influyentes en el
diseño contemporáneo. Entre las principales características del
suprematismo podemos mencionar:

-Buscaban una representación no objetual del universo, una supremacía

de la nada.

-Uso de la geometría plana, preferentemente el cuadrado, el rectángulo y

el círculo.

-Al principio, usa una paleta reducida de colores. Luego se amplía.

-No trabaja la profundidad.

Entre los principales exponentes del suprematismo podemos

mencionar a Kazimir Malevich, su fundador, Olga Rozanova y Liubov
Popova.
 Dadaísmo (Suiza,1916)
El dadaísmo fue un movimiento de vanguardia nacido en el contexto de
la Primera Guerra Mundial. Es fruto del desencanto frente a la belle
epoque y la percepción de fracaso de los grandes relatos occidentales,
como el racionalismo y el progreso. Se consideró más bien un anti-arte,
pues se oponía a la instrumentación del arte al servicio de los intereses
burgueses. Entre las principales características del dadaísmo podemos
mencionar:

-Crítica contra el racionalismo y la ideología del progreso occidental.

-Exaltación de lo absurdo.

--Valoración del gesto artístico por encima del objeto.

-Carácter provocador.

-Introducción del fotomontaje, y uso de otras técnicas como el collage.

Entre sus máximos representantes podemos mencionar a Marcel

Duchamp, Jean Arp, Man Ray y Hans Richter.
 Neoplasticismo (Países Bajos,1917)
El neoplasticismo se proponía crear una obra de arte que se concentrara
en la valoración de elementos plásticos puros, e introducir al público en
esta narrativa. Este movimiento quería prescindir de la palabra, a la que
veían vacía e incapaz de crear sanas transformaciones sociales. Así,
dirigían la atención a la plástica, con la expectativa de construir un
lenguaje universal. Para lograrlo, usaron la geometría plana, llevada
nuevos límites. Entre las principales características del neoplasticismo,
podemos mencionar las siguientes:

-Uso de la geometría plana, especialmente de las líneas perpendiculares,

gracias a lo cual predominan el cuadrado, el rectángulo y las cruces.

-Reducción de la paleta de colores, casi siempre colores primarios o

neutros.

-Aspiración a la universalidad.

-Orden, equilibrio y optimismo.

Los principales exponentes del neoplasticismo son los mismos Theo Van
Doesburg, Piet Mondrian, Bart an der Leck y J.J.P. Oud.
 Surrealismo (Francia, 1924)
El surrealismo es una de las vanguardias más conocidas y valoradas. Fue
creada en el período entre bélico, en 1924, tras la publicación del
manifiesto surrealista de André Breton. Se basada en los conceptos
tomados del psicoanálisis, especialmente de la idea del inconsciente. Por
esta razón, su proceso creativo por excelencia fue el automatismo puro.
En las artes plásticas, el surrealismo se caracterizó por:

-Automatismo como principio generador de ideas.

-Construcción de sentido a partir de imágenes aparentemente

incongruentes.

-Gusto por las imágenes oníricas e inverosímiles.

-Introducción de técnicas como el frottage, la decalcomanía

-Uso de técnicas dadaístas como el fotomontaje y la confección del

objeto encontrado.

Entre los artistas más influyentes del surrealismo podemos mencionar a

René Magritte, Salvador Dalí y Joan Miró, entre otros.
Actividades:

-Realiza un cuadro comparativo con todas las vanguardias

-Habiendo leído las vanguardias y sus características vas a elegir una obra
de cada una para rehacer con dos técnicas diferentes, por ejemplo:

1-Si elegís una obra de Salvador Dalí vas a dibujarla, luego la dividís al
medio con una línea (esta puede ser horizontal, vertical u oblicua)

2-Cada uno de los planos serán trabajados con diferentes técnicas

(collage, lápices de colores, pasteles al óleo, acrílicos)

3-Compartiremos entre todos que resultados lograron en el uso de

diferentes materiales y cual les parece más acorde a la temática elegida

POSMODERNIDAD
¿Qué es el arte de la posmodernidad?

El arte posmoderno se define más por la indefinición, por la diversidad de

estilos y materiales, por la mezcla de elementos antiguos y nuevos,
experimentando con los colores y las texturas y apropiándose de
elementos del pasado

El arte posmoderno se caracteriza por su oposición al proyecto del arte

moderno visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que
lo envuelve y lo genera; rechazan principalmente el principio
programático del arte de vanguardia de principios del siglo XX.

Abarcó lo que se considera formas tradicionales de arte como la pintura,

la escultura y la fotografía, pero también abarcó el collage, el ensamblaje,
el montaje, el bricolaje, el texto, la apropiación y la simplificación del arte.

Posmodernidad es, individualismo, sociedad de consumo, pérdida de la

conciencia histórica... Pero es también deconstrucción, ruptura del orden.
¿Qué diferencia hay entre la modernidad y la posmodernidad?

La modernidad se caracterizaba por la racionalidad, la uniformidad, la

organización y la idea de que existe una única verdad absoluta. En
cambio, el posmodernismo promulga la aceptación de un estado
emocional e intuitivo presente en todos los seres humanos.

¿Cuál es la importancia de la posmodernidad?

La posmodernidad pone en evidencia que el capitalismo, aunado a las

tecnologías, ha propiciado, por una parte, la individualización de los
sujetos, y, por la otra, ha modificado la valoración del saber, cuyo fin ya
no es la reivindicación del espíritu, sino su mercantilización. Por lo tanto,
el posmodernismo suele criticar creencias arraigadas sobre la realidad
objetiva, los sistemas de valores, la naturaleza humana, el progreso social
y la innovación

Frente a las propuestas del arte de vanguardia, los posmodernos no

plantean nuevas ideas, ni éticas ni estéticas; tan solo reinterpretan la
realidad que les envuelve, mediante la repetición de imágenes anteriores,
que pierden así su sentido

Para muchos es muy difícil entender obras del posmodernismo, pues ni

siquiera las consideran como arte. Principales obras:

1-La fuente – Marcel Duchamp. ...

2-Michael Jackson Bubbles – Jeff Koons. ...

3-Merda d'artista – Piero Manzoni. ...

4-LHOOQ – Marcel Duchamp. ...

5-Marilyn Monroe – Andy Warhol. ...

6-Campbell's soup cans – Andy Warhol.

Actividades:

-Elige una obra posmoderna y recreala utilizando la técnica y el material

más conveniente según tu criterio

FILETEADO PORTEÑO
El fileteado es un estilo artístico de pintar y dibujar típicamente porteño,
que se caracteriza por líneas que se convierten en espirales, colores
fuertes, el uso recurrente de la simetría, efectos tridimensionales
mediante sombras y perspectivas, y un uso sobrecargado de la superficie.
Su repertorio decorativo incluye principalmente estilizaciones de hojas,
animales, cornucopias, flores, banderines, y piedras preciosas. En
diciembre de 2015 fue declarado patrimonio cultural inmaterial de la
Humanidad por el Comité Intergubernamental para la Salvaguarda de la
Unesco.1

Nació en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, hacia fines del siglo xix
como un sencillo ornamento para embellecer carros de tracción animal
que transportaban alimentos y con el tiempo se transformó en un arte
pictórico propio de esa ciudad, hasta tal punto que pasó a convertirse en
el emblema iconográfico que mejor la representa. Generalmente se
incluyen dentro de la obra, frases ingeniosas, refranes poéticos o
aforismos chistosos, emocionales o filosóficos, escritos a veces en
lunfardo, y con letras ornamentadas, generalmente góticas o cursivas.
Muchos de sus iniciadores formaban parte de las familias de inmigrantes
europeos, trayendo consigo algunos elementos artísticos que se
combinaron con los del acervo criollo, creando un estilo típicamente
argentino.
En 1970 se organiza la primera exposición del filete, acontecimiento a
partir del cual se dio al fileteado una mayor importancia, reconociéndolo
como un arte de la ciudad y promoviendo su extensión a todo tipo de
superficies y objetos.

El inicio del fileteado se origina en los carros grises, tirados por caballos,
que transportaban alimentos como leche, fruta, verdura o pan, a finales
del siglo xix. Una anécdota, relatada por el fileteador Enrique Brunetti,3
cuenta que, en la Avenida Paseo Colón, que en aquel entonces era límite
entre la ciudad y su puerto, existía un taller de carrocerías en el que
trabajaban colaborando en tareas menores dos niños humildes de origen
italiano que se convertirían en destacados fileteadores: Vicente Brunetti
(quien sería el padre del mencionado Enrique) y Cecilio Pascarella, de diez
y trece años de edad respectivamente. Un día el dueño les pidió que
dieran una mano de pintura a un carro, que en aquel entonces estaban
pintados en su totalidad de gris. Tal vez por travesura o solo por
experimentar, el hecho es que pintaron los chanfles del carro de colorado,
y esta idea gustó a su dueño. Más aún, a partir de ese día otros clientes
quisieron pintar los chanfles de sus carros con colores, por lo que otras
empresas de carrocería imitaron la idea. Así, según lo manifestado por
Enrique, se habría iniciado el decorado de los carros; el siguiente paso fue
colorear los recuadros de los mismos empleando filetes de distintos
grosores.

La siguiente innovación fue incluir carteles en los que figuraban el

nombre del propietario, su dirección y la especialidad que transportaba.
Esta tarea era en principio realizada por letristas franceses que en Buenos
Aires se dedicaban a pintar letreros para los comercios. Como a veces la
demora por la inclusión de esas letras era grande, el dueño del taller de
Paseo Colón le encargó a Brunetti y Pascarella, que habían visto como
hacían la tarea los franceses, que realizaran ellos las letras, destacándose
Pascarella en la tarea de hacer los denominados firuletes que
ornamentaban los carteles y que se convertirían en característicos del
fileteado. Al pintor que decoraba los carros se lo llamaba fileteador, pues
realizaba el trabajo con pinceles de pelo largo o pinceles para filetear.
Esta es una palabra derivada del latín filum, que significa hilo o borde de
una moldura, refiriéndose en arte a una línea fina que sirve de ornamento.

Por tratarse de una tarea que se realizaba al finalizar el arreglo del carro e
inmediatamente antes de cobrar el pago del cliente, que estaba ansioso
por recuperar su herramienta de trabajo, el fileteado debía realizarse con
rapidez.

Modelo Ford 31 doble A fileteado como antaño. Autobús del año 1947.

Surgieron entonces especialistas habilidosos como Ernesto Magiori y

Pepe Aguado, o artistas como Miguel Venturo, hijo de Salvador Venturo.
Este último, había sido un Capitán de la Marina Mercante de Italia que al
jubilarse se estableció en Buenos Aires, donde se dedicó al fileteado,
incorporándole motivos e ideas de su patria. Miguel estudió pintura y
mejoró la técnica de su padre, siendo considerado por muchos
fileteadores como el pintor que dio forma al filete. A él se le debe la
introducción de pájaros, flores, diamantes y dragones en los motivos y el
diseño de las letras en las puertas de los camiones: ante el pago de
impuestos si los carteles eran demasiado grandes, Miguel ideó el hacerlos
más pequeños pero decorados con motivos simétricos, formando flores y
dragones, para que fueran más llamativos, diseño que se mantuvo por
mucho tiempo. La aparición del automóvil provocó el cierre de las
carrocerías instaladas fuera de las ciudades, por lo que los carros y sulkies
de los campos, y las estancias debieron ser llevados a las ciudades para
ser reparados de los daños ocasionales. Al hacerlo, también se los
ornamentaba con el fileteado y, así, el filete pasó de lo urbano a lo rural,
pasando a ser común ver carros campestres pintados de verde y negro
con filetes verde amarillentos. Pablo Crotti fue un experto en la herrería y
fabricación de carruajes. Su carrocería ubicada en las cercanías del barrio
porteño de Floresta, fue de las más famosas en su tiempo.

El camión eliminó de la escena al carruaje de transporte alimenticio y los

primitivos fileteados de estos se perdieron por siempre, pues nadie se
tomó la molestia de conservar alguna muestra para la posteridad. Por otra
parte, el camión presentaba todo un reto para el fileteador por ser mucho
más grande y estar lleno de recovecos. En las empresas de carrocerías
trabajaban carpinteros, herreros, pintores de lizo y fileteadores. Se
hallaban fundamentalmente en los barrios de Lanús, Barracas y Pompeya.
El camión llegaba con su chasis y cabina de fábrica, y se le fabricaba la
caja, que podía ser de madera dura de lapacho o de pino, bien pulida
para hacer creer que era buena, pero que en realidad duraba mucho
menos. Luego, el herrero forjaba los hierros creando ornamentos.

Fileteado en una unidad moderna

El trabajo del fileteador llegaba al final y pintaba sobre andamios. Solía

decorar los paneles laterales de madera (tablones) con flores y dragones,
mientras que la tabla principal se ornamentaba con algún tema propuesto
por el dueño. El fileteador firmaba en el tablón o junto al nombre de la
carrocería.

Cuando el colectivo porteño comenzó a dejar de tener el tamaño de un

auto para pasar a ser una especie de camión modificado para transportar
gente, comenzó a ser fileteado. La superficie a pintar carecía de divisiones
como los de la caja del camión, era metálica y el filete a pintarse era más
elemental, sin figuras. Se usaba mucho, en cambio, la línea arabesca y los
frisos, en forma horizontal y dando la vuelta a la carrocería del colectivo.
El nombre de la empresa se escribía en letras góticas y el número de la
unidad solía diseñarse de manera que se relacionara con el número de la
quiniela. El colectivero, es decir, el conductor del vehículo, no quería que
este se pareciera a un camión de verdulería, por lo que las flores estaban
"prohibidas". En el interior del colectivo se fileteaba ocasionalmente la
parte trasera del asiento del conductor.

El arte del fileteado cruzó fronteras y se volvió recurrente en Montevideo

y también en otras ciudades de Uruguay, donde desarrolló su propio
estilo de trazos más bien delicados y reduciendo el uso del contraste en
cierta medida, vertiéndose hacia colores más claros, definiendo una
versión propia pero quizás no tan difundida como en Argentina.
 Técnica
Colores fuertes y uso sobrecargado de la superficie.

El fileteador utilizaba para dibujar su obra un "espúlvero", un papel sobre

el que se dibujaba la obra; luego se perforaba con un alfiler siguiendo el
trazo del diseño, se colocaba sobre la superficie a pintar y, por último, se
espolvoreaba tiza o carbón en polvo sobre él, al estilo de los maestros
renacentistas, de manera que indicara por donde debía realizarse el trazo
con el pincel. Hecho esto, se utilizaba el reverso del espúlvero para repetir
los mismos pasos en otra sección de la superficie a pintar, para obtener la
misma imagen, pero del revés. De esta manera se lograban las imágenes
simétricas, tan características del fileteado.

Para pintar los filetes rectos se usa un pincel de pelos largos (6 cm) y
mango corto (o sin mango) llamado "bandita". Para las letras y ornatos se
utilizan los llamados pinceles de letras con pelos de 3,5 cm de largo. En
sus inicios se utilizaba aceite de lino, cola y colores naturales. Luego
esmalte sintético. El uso del barniz transparente fue una idea de Cecilio
Pascarella: al mezclarlo con apenas unas gotas de negro y bermellón, se
lo aplica sobre el dibujo ya pintado siguiendo las pinceladas de la pintura
base, lográndose así un efecto de relieve. El efecto de volumen también
se obtiene resaltando las luces y sombras con brillos y esfumados.

características formales del fileteado:

El alto grado de estilización

La preponderancia de colores vivos.

La marcación de sombras y claroscuros que crean fantasías de

profundidad.

El preferente gusto por la letra gótica o los caracteres muy adornados.

La casi obsesiva recurrencia a la simetría.

El encierro de cada composición en un marco (que toma la forma del

soporte de emplazamiento).
La sobrecarga del espacio disponible.

La conceptualización simbólica de muchos de los objetos representados

(la herradura como símbolo de buena suerte, los dragones como símbolo
de fuerza.)

Como los fileteados eran realizados en los vehículos de transporte

pertenecientes a particulares, debían amoldarse a las exigencias de sus
dueños. Tanto estos como los fileteadores eran muchas veces
inmigrantes, en su mayoría italianos y españoles, de condición humilde.
Por esta razón los motivos del decorado solían aludir a deseos y
sentimientos similares, relacionados con la nostalgia que sentían por su
patria de origen y agradecimiento y esperanza en mejorar sus condiciones
de vida en el nuevo país con el duro trabajo de cada día. Por otro parte, al
nacer bajo los mismos albergues y pensiones de los suburbios de Buenos
Aires en los que nació el tango, los motivos del fileteado se relacionaron
con el mismo. Los elementos que suelen repetirse en él son:

Típicas flores de 5 pétalos.

Símbolos de lo hermoso. Las más comunes eran las de cuatro y cinco

pétalos iluminadas desde arriba. Rara vez aparecían las flores de lis o las
rosas. Se las suele acompañar por estilizaciones de hojas de acanto.

Naves

Símbolo de la nostalgia, expresando el deseo de volver al país de origen.

Actualmente no se utilizan más.

Sol

De formato parecido al del escudo nacional argentino. A veces dibujado

como sol naciente, dando idea de prosperidad.

El dragón, animal ficticio muy recurrente.

Escenario Dos cortinas entreabiertas, como en el teatro, dejando ver las

iniciales del dueño del vehículo.
Manos estrechadas

Generalmente con alguna alusión a la famosa frase del poema del Martín
Fierro, de José Hernández: «Los hermanos sean unidos, porque esa es la
ley primera...»

Virgen de Luján

Personajes

Fundamentalmente el del ídolo tanguero Carlos Gardel o de la Virgen de

Luján, señora y patrona de la Argentina y protectora de los caminos.

Cintas, banderas o moños

Algunos de estos elementos están presentes en cualquier obra, con los

colores de Argentina (celeste y blanco) y a veces acompañada por la de
otro país, o club de fútbol.

Animales

El caballo, uno de los animales más solicitados.

Ficticios, como pájaros de especies inexistentes o dragones, alegoría del

machismo porteño, que se piensa que Miguel Venturo los incorporó
inspirado en los exteriores del Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires.
O dragones, como emblema de fiereza o virilidad.

Reales: fundamentalmente el león, símbolo de temple firme contra las

adversidades. O el caballo, generalmente el de carreras enmarcado en
una herradura de la suerte o en algunos casos el caballo criollo.

Los objetos pintados suelen aparecer acompañados de filigranas,

arabescos, borlas, guardas, pergaminos, copones o cornucopias.

La letra gótica

A la que los fileteadores llamaban esgróstica, junto con la cursiva, fueron

las más utilizadas en este arte. Según los hermanos Enrique y Alfredo
Brunetti. la gótica se eligió pues estaba en todos los manuales de letras.
Otra versión afirma que la elección tuvo que ver con el hecho de que esa
letra aparecía en los billetes argentinos. Lo cierto es que era aceptada por
los clientes, quienes en definitiva eran los que decidían que querían en su
carrocería. Además, representaba muy bien el aspecto de dureza del
mundo del camión y resaltaba a la vista, dándole un aspecto
tridimensional y adornándola con firuletes.
Proceso para dibujar
ACTIVIDAD:

-Vas a realizar 3 bocetos de fileteado porteño (al menos uno tiene que
incluir letras), utilizando al menos dos de las características vistas con
anterioridad

-Una vez listos los bocetos los pasaras a la hoja y se pintaran teniendo en
cuenta las características vistas