LOS CONSEJOS DE ALDOSHOW:

PRIMERA EDICIÓN

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LOS CONSEJOS DE ALDOSHOW:
PRIMERA EDICIÓN

ALDOSHOW

Por: Aldo Lauramz (AldoShow)

<Factory Group LLC >
<2019>

ISBN: 978-0-9996024-7-8

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DEDICATORIA

Este Libro se lo dedico especialmente a todos esos Artistas que están

esperando su oportunidad, lo dedico de corazón a todos y todas ustedes no
desesperen su momento llegará solo debes continuar y así acumularás todo
lo que necesitas para que cuando ese día llegue estes preparado(a).
A lo largo de estos 25 años involucrado con la música he visto subir y caer
a infinidades de Artistas, eso ocurre todos los días.
Muchas puertas se cierran y unas pocas se abren.
No trates de entrar nuevamente en las puertas que se cerraron, tu mismo
debes abrir nuevas puertas las que verdaderamente te van a ayudar con el
corazón.
No puedes pensar que por el simple hecho de creer cantar ya estás listo(a)
no es así, todo tiene una preparación y en este libro quiero ayudar a que te
encuentres como un Artista de verdad uno de pocos que existen en el
mundo, tienes un Don y la forma de explotarlo es compartirlo con tu
público no todo es hacerse millonarios porque tienen grandes
patrocinadores que les pagan por lograr lo que hacen sin ningun talento.
Si no estás preparado(a) y no aceptes que tu solo(a) no vas a poder lograr
el triunfo, entonces no te quejes debes PREPARARTE.
Quiero que te enfoques en estudiar este libro y ponerlo en práctica.
Estos consejos son muy valiosos para tu carrera porque nadie te los va a
decir con la verdad como lo hago yo sin rodeos.
A los Nuevos Talentos que cada día nacen, los felicito por luchar día a día
y demostrar que no hay pared que los detenga, unidos todos podemos llegar
a lograr lo imposible….
Lo dedico especialmente a la Memoria de Armando José Colmenares
León, Padre de Armandito Colmenares… Fue un hombre luchador y de
apoyo importante en la carrera musical de su hijo, no pude conocerlo en
persona, pero en 3 años de compartir situaciones de trabajo con él, pude
darme cuenta lo dedicado y abnegado que fué, sobre todo en apoyar hasta
el final a su hijo.

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Es digno de admirar y para mi un gran ejemplo que muchos padres deben
seguir, apoyar a sus hijos y guiarlos por el buen camino, y no dejar a sus
hijos a la deriva.
Descanza en paz Armando José Colmenares yo continuaré apoyando a tu
hijo es mi compromiso y lo hago público.

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PORTADA

Quise colocar en la portada a los artistas Nuevos Talentos que

apoyo con todo mi corazón todos son de mi Venezuela Amada.
Todos esos jóvenes están esperando su oportunidad y son
verdaderamente valientes y perseverantes ante la vida, digno
ejemplo de muchos.
Con todo orgullo quise que ustedes lectores los conozcan vean sus
fotografías y los apoyen, ellos lo merecen…
Quiero enviar un mensaje a todos esos artistas que están comen
zando.
Nunca dejen de trabajar para perfeccionar su arte, desarróllenlo es
tudien, prepárense, es muy importante, no debes esperar que las
cosas caigan del cielo, debes ir por tu oportunidad, lee este libro
una y otra vez, en él encontrarás una herramienta fundamental para
desarrollarte como un Gran Artista.

Suerte…….

Aldoshow…

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CONTENIDO

Introducción ................................................................................................................ 9

Preparación .............................................................................................................. 11

Wolfgang Amadeus Mozart.................................................................................. 14

Comportamiento Artístico .................................................................................... 16

Ludwig van Beethoven .......................................................................................... 18

Imagen ....................................................................................................................... 20

Antonio Lucio Vivaldi............................................................................................ 23

Johann Christian Bach .......................................................................................... 28

La perseverancia ..................................................................................................... 30

Ella Fitzgerald ......................................................................................................... 32

Como Promocionarte. ............................................................................................ 34

Elvis Aarón Presley ................................................................................................ 37

Redes Sociales .......................................................................................................... 40

Los Beatles ................................................................................................................ 43

Manager .................................................................................................................... 49

Lionel Richie ............................................................................................................ 52

Seguridad y Confianza .......................................................................................... 54

Giuseppe Verdi ........................................................................................................ 57

Ensayos, Composición, Pausa. ............................................................................. 60

Tips Generales Para Cantar Mejor. ................................................................... 62

Cómo prepararte para grabar en un estudio. .................................................. 64

Qué tomar para mejorar la voz ........................................................................... 67

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Calentamiento vocal ............................................................................................... 70

Resumen.................................................................................................................... 72

Biografía de Artistas Latinoamericanos ejemplares....................................... 74

Olga Tañón ............................................................................................................. 84

Juan Luis Guerra ................................................................................................. 87

Juanes ....................................................................................................................... 90

Shakira ..................................................................................................................... 93

Vicente Fernández ............................................................................................... 98

Rocío Dúrcal ........................................................................................................ 103

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INTRODUCCIÓN

¿Que me impulsó a escribir este libro?

Se los voy a decir sin pelos en la lengua, a lo largo de estos 25 años,

manejando artistas, produciendo música, promoviendo artistas,
produciendo mas de 700 espectáculos, he visto como la sociedad musical
y/o artística es cada vez menos unida, es mas comercial que otra cosa.
Me cansé de ver que existen muchos jóvenes nuevos talentos que quieren
salir y tener su oportunidad y muy contados artistas los ayudan o apoyan,
por lo menos un consejo, un empujón, pues nada de eso existe.
Muchos jóvenes me escriben y me piden encarecidamente que los ayude
que ellos quieren ser artistas, quieren su oportunidad, nuevos talentos con
muchas ganas de entregar todo lo que tienen por una oportunidad; ¿y que
sucede? Pues nada, nadie los escucha, están desesperados luchando,
preparándose para poder cumplir sus sueños (El De Ser un Artista).
El Arte no tiene color, raza, clero el arte es puro es de Dios y el nos lo
presta, y nos toca a nosotros defenderlo y apoyar sin parar, sobre todo a los
jóvenes que sueñan y que en medio de esta sociedad cada vez más podrida
ellos deciden entregarse al Arte, y considero yo, que estar en el arte es estar
con Dios.
¿No crees tu que es así?
Pues bien quiero decirles algo, antes de terminar este libro dedicado a los
Jóvenes Talentos del Mundo y en especial a los jóvenes Talentos de mi
país Venezuela, yo le escribí a varios artistas pidiéndoles un favor muy
sencillo de hacer, simplemente enviar un consejo para estos jóvenes, pues
bien ¿saben cuantos me respondieron? nadie, ninguna de estas estrellas
envió ni siquiera un pequeñito consejo.
Esto lo hice como experimento para saber si en verdad estos artistas
famosos están desprendidos de la realidad y entregados a lo peor que puede
tener el ser humano (EGOISMO).
Nota: Al final del libro les coloco los mensajes que envié a los artistas
pidiendo su colaboración.

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Pues bien, basándome en ver todo esto que está ocurriendo me dispuse a
escribir estos consejos que les doy 100% de mi parte, tomando en cuenta
todo lo que he visto como les dije al principio, y para que ustedes
NUEVOS TALENTOS no pasen por los errores que muchos cometen.
También les coloqué algunos de los artistas famosos que son base
fundamental para la evolución musical mundial y que deben conocer y
saber sus historias. Estudien sus historias, sus vivencias, todo lo que han
tenido que pasar para ser Artistas.
Espero que estos consejos los ayuden a ver las cosas mas claras y así
puedan seguir adelante sin que nadie los engañe.
Muchas personas están allí afuera esperando que uno de estos jóvenes
caiga en sus redes, y explotarlos, aprovechándose de su ignorancia
respecto a como debe ser un artista.
Ser un artista no es solo cantar bonito, es tu actitud frente al público y
frente a la vida, es como te desenvuelves día a día, pasas de ser una persona
a ser un personaje, que son dos cosas muy diferentes.
Les propongo este reto, lean mi libro y envíenme sus comentarios o dudas
a: @aldoshow y aldos.show@gmail.com que yo estaré allí para
responderles a todas y todos.

Ahora los invito a leer “Los Consejos de Aldoshow” Primera Edición y

así dar un paso importante en tu carrera artística.

Los Quiero Mucho…

Aldoshow

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PREPARACIÓN

Siempre recomiendo la preparación tanto artística como vocal, no

puedes pensar que por el simple hecho que todos te dicen que
suenas bien ya eres un artista.

Consejo Número 1
- Inscríbete en una academia de música o de Arte, por lo menos los
3 primeros meses para perfeccionar tu técnica vocal, es
indispensable para poder conocer cual es realmente tu registro
vocal.
Si este consejo te resulta, trata de mantenerte en la academia el
mayor tiempo posible.

Consejo Número 2
- Asegúrate que los profesores de música cuenten con una buena
calidad profesional, esto es muy importante ya que si tu profesor
no está preparado(a) para impartir clases puede llegar a destruir tu
talento.

Consejo Número 3
- Lo barato sale caro, no puedes aceptar que cualquier persona diga
que te va a enseñar a cantar mejor y tu lo aceptas.
Eso no lo debes hacer, enfócate en estar seguro(a) que esa persona
esta apta para ser tu profesor o tutor de canto.

Consejo Número 4
- Aprovecha al máximo lo que tu academia pueda enseñarte, te
recomiendo ampliamente que sepas leer música partituras, teoría y
solfeo, esto te va a facilitar mucho las cosas.

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 Consejo Número 5
- Te recomiendo ampliamente que estudies otros idiomas
preferiblemente ingles, italiano, portugués no sabes como dominar
alguno de estos idiomas puede ayudar en tu carrera artística.

Consejo Número 6
- No dejes nunca de practicar, si es posible cada dos días te lo
recomiendo, a veces pararse frente un espejo es de mucha ayuda,
cántale al espejo, este ejercicio ayudará a mejorar tus movimientos
para el escenario.

Consejo Número 7
- No exageres al momento de interpretar un tema, sé tú mismo(a)
adopta en ti tu arte, tu manera de cantar y no la de otros.

Consejo Número 8
- No esperes nunca que la gente que conoces te diga si cantas bien o
cantas mal, ellos siempre van a decir que eres increíble, debes
cantar a personas que no tengan nada que ver contigo ellos te dirán
la verdad.

Consejo Número 9
- Si todavía no estás preparado(a) no desperdicies el dinero en
comprar temas, producciones musicales, videos, enfócate en
mejorar, y cuando estés profesionalmente preparado(a), la persona
indicada se acercará a ti para invertir el dinero que tú necesitas.

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 Consejo Número 10
- No dejes nunca de aprender técnicas nuevas, asiste a talleres
musicales con profesores de renombre, esto te ayudará a encontrar
nuevas maneras de interpretación.

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WOLFGANG AMADEUS MOZART

Fue un compositor y pianista austriaco del siglo XVIII (nació el 27 de

enero de 1756 y murió el 5 de diciembre de 1791).
Conocido principalmente por su prodigioso y temprano talento para la
música y por la composición de más de 600 obras en 35 años de vida,
algunas tan extraordinarias que hoy le reconocen.
Indiscutiblemente uno de los músicos más importantes de la historia.
Nació en el seno de una familia de músicos en Salzburgo (actual Austria).
Su padre, Leopold Mozart, consciente de la precoz habilidad de su hijo y
de su interés natural por la música, abandonó la mayoría de sus tareas
profesionales para dedicarse exclusivamente a la formación musical de
Mozart y su hermana Nannerl. Con tan solo 5 años, el pequeño Mozart ya
mostraba un dominio prodigioso del violín y el teclado, e incluso ya había
compuesto sus primeras obras musicales.

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Su adolescencia y la mayor parte de la vida adulta la dedicó a componer,
si bien las continuas dificultades económicas a las que estuvo expuesto le
obligaron a simultanear su don para crear música con trabajos esporádicos
como intérprete y profesor; hasta que el emperador del Sacro Imperio, José
II de Habsburgo, le ofreciera un trabajo estable como compositor pocos
años antes de fallecer (1787).
En estos últimos años de vida compuso dos de sus mejores obras: La
Flauta Mágica y Réquiem. Finalmente, fallecería en Viena el 5 de
diciembre de 1791 a la edad de 35 años.

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COMPORTAMIENTO ARTÍSTICO

No creas que por tener suficiente estudio o porque tienes tus redes
sociales full de seguidores, ya eres el mas grande, todo lo contrario,
ahora es que debes ser humilde contigo mismo(a).
Demostrar que nada a cambiado en tu vida, solo has aprendido el
arte, y el arte es humilde, así que no adoptes comportamientos
estúpidos porque crees que te va a ser mas famoso(a).

Consejo Número 11
- El artista no teme, ese sentimiento no existe en nosotros al igual
que la vergüenza, el artista es atrevido y valiente no dejes nunca
que te invada el temor o el miedo escénico.

Consejo Número 12
- Debes dar todo por la música, sin parar, no importa a donde debas
ir o donde debas cantar, siempre y cuando estés de acuerdo en que
esto pueda beneficiar tu carrera musical.

Consejo Número 13
- No aceptes contratos o espectáculos por la pasión de cantar, debes
tener mucho cuidado con esto, a veces una mala decisión puede
afectar tu vida artística y podría ser el final de tu carrera.

Consejo Número 14
- Para que gastar dinero en giras de medios y promociones, si todavía
no estas listo(a) para enfrentar al público, invierte ese dinero en
educación musical, hazme caso y notarás la diferencia.

Consejo Número 15
- El artista no debe estar pendiente a quién le cae bien o a quién le
cae mal, no puedes vivir pensando que todo el mundo te va a amar,
a veces la critica te hará bien aprovéchala.

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 Consejo Número 16
- No puedes arriesgarte ante tu público, si no estás bien seguro(a) de
lo que vas a decir o hacer, detente y piénsalo mejor, a veces
improvisar puede no ser una buena idea.

Consejo Número 17
- No malgastes el dinero en joyas lujos o excesos, inviértelo en tu
música en perfeccionarte, en contratar personas que beneficien tu
carrera, (el artista del siglo 21 no tiene que tener oro, relojes o la
mejor ropa) verse y sentirse bien es lo que cuenta, lo demás lo
podrás hacer cuando te sientas complacido con lo que has logrado.

Consejo Número 18
- Evita hablar de política o de religión, los artistas son neutros son
comunicadores, estos dos temas pueden ser ventaja para las
personas mal intencionadas.

Consejo Número 19
- Cuando estés en público siempre muestra alegría, satisfacción,
proyecta seguridad en todo momento, tus seguidores (fans) deben
sentirse seguros de ti.

Consejo Número 20
- Apoya las asociaciones benéficas que de verdad trabajen para el
bienestar de la comunidad, tu eres una figura pública y ejemplo de
muchos, así que no los defraudes nunca, porque ellos siempre
estarán allí para ti, hasta el momento que falles.

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LUDWIG VAN BEETHOVEN

Nació el 16 de diciembre de 1770 en la ciudad de Bonn, al oeste

de Alemania. Allí, durante sus primeros años de vida, estuvo expuesto a
una exigente formación musical por parte de un padre obsesionado en
convertirle en «el nuevo Mozart».
Tal cuestionable ambición, unido a un no menos peligroso carácter ligado
al alcoholismo, repercutió directamente en la vida personal, académica y
social del joven Beethoven, no solo haciendo de él un niño introvertido y
miedoso, sino un mal estudiante demasiado cansado para atender las
lecciones de la escuela después de pasar las noches ensayando ante el
piano.
En cualquier caso, sin justificar los medios que pulieron su talento, la
realidad es que, con tan solo siete años, Beethoven ya era capaz de dar
recitales de piano que dejaban al público boquiabierto; entre ellos, al
mismísimo Christian Gottlob Neefe, que quedó tan impresionado con
la habilidad del pequeño Beethoven, que se interesó en guiar, enriquecer y
perfeccionar su formación.

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Así, a los 10 años abandonó la escuela para dedicarse enteramente a la
música y a los 16, la nobleza de Bonn le financió un viaje a Viena para
aprender de los mejores, entre ellos, del mismísimo Mozart; pero al poco
de llegar a la capital de la música, su madre cayó gravemente enferma
y tuvo que regresar a Bonn.
(*) Dice la tradición que Beethoven tuvo la oportunidad de tocar
el piano en un recital en el que Mozart estaba presente y lo dejó
tan fascinado que llegaría a decir: «Este joven hará hablar al
mundo».
Pasó más de 10 años en Viena como un músico económicamente
independiente hasta que, pasados los 30, empezara a experimentar serios
problemas auditivos.
Tal fue su impotencia, que valoró el suicidio, pero sabía que aún tenía
todavía mucha música que regalar al mundo y siguió componiendo hasta
su muerte a los 56 años, dejándonos un legado musical de: Nueve
sinfonías, 32 sonatas, dos misas y una ópera que le consagran como uno
de los mejores músicos de todos los tiempos.

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IMAGEN

Hay tres cosas fundamentales para ser un artista:

Buena Voz
Carisma
Imagen

La voz: es parte fundamental para desarrollarte como un gran

artista cantante, cautivar e impactar con la proyección de tu voz,
esto se logra con la preparación vocal.
Carisma: El artista no tiene miedo no se contrae se enfrenta con
sutileza, pero a la vez con seguridad, siendo éste carismático con
su público, es importante enamorar y dejar una brecha para que los
fans quieran verte una y mil veces más.
Imagen: Esto no quiere decir que tienes que ser el mas hermoso(a)
del planeta, la imagen es como te ves, como te arreglas que estilo
quieres proyectar y por sobre todo como te vistes.

Consejo Número 21
- Nunca te presentes ante el público sin el vestuario adecuado debes
estar impecable, es recomendable que tengas a alguien que te ayude
con eso, y se encargue de todo tu vestuario.

Consejo Número 22
- Debes escoger tu look y lo mas importante es creer en como te ves,
el estilo es tu imagen es la manera como la gente te va a aceptar,
así que escoge bien como quieres que te vean y metete en el
personaje.

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 Consejo Número 23
- Mantener una dieta sana, comer mucha fruta en las mañanas
ayudará mucho que tu piel se vea fresca.
Debes mantener tu figura, es importante.

Consejo Número 24
- La manera en que te desarrolles en el escenario es muy importante,
tus pasos la forma de mirar a tu público, tu comportamiento, todo
esto ayuda la imagen que quieres proyectar.

Consejo Número 25
- No imites a nadie no tienes porque hacerlo, sé tu mismo(a) proyecta
lo que sientes saca tu yo interior y así marcaras tu huella.

Consejo Número 26
- Crea una biografía de ti mismo esto ayudará a sacar la imagen o el
look que quieres transmitir. Escribe lo que te gusta hacer, vestir y
como te gusta andar por la vida, une estos elementos y de allí
sacarás a tu personaje.

Consejo Número 27
- Siempre es bueno contar con un Asesor de imagen, pero antes es
bueno que ya tengas idea de cómo quieres que te conozcan, de esta
manera te sentirás mas cómodo(a) y no será una obligación
impuesta por otra persona.

Consejo Número 28
- Tus acciones son muy importantes para tu imagen, no seas
negativo(a) no dejes mala impresión de ti mismo, tu público no te
perdonará, el público, así como te apoya, también castiga, así que
debes ser muy honesto(a) con ellos.

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 Consejo Número 29
- Estudia bien el género musical en el que quieres desarrollarte
artísticamente, no solo es cantar bonito, lo importante es que
conozcas bien lo que estas interpretando, esto ayudará a
desenvolver mejor tu imagen artística

Consejo Número 30
- Debes contar con un equipo de imagen que te acompañe en tus
presentaciones y hasta en tu vida artística diaria, maquillista,
diseñador etc.

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ANTONIO LUCIO VIVALDI

(Antonio Lucio Vivaldi; Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y

violinista italiano cuya abundante obra concertista ejerció una influencia
determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento de la
sinfonía.
Igor Stravinsky comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca
quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto». No deja
de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el
compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace
rápidamente reconocible.
Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género
concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística.
Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta
reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado
otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho
propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor
de la llamada Escuela veneciana (a la que también pertenecieron Tommaso
Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello).

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Biografía

Poco se sabe de la infancia de Vivaldi.

Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició

en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado
hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo
un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a
consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.

También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della

Pietà, una institución dedicada a la formación musical de muchachas
huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones
fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina.
En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da
camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman
la colección L'estro armonico Op. 3, publicada en Ámsterdam en 1711.
Aun cuando en tales composiciones se dan todavía las formas del "concerto
grosso", la vivacidad y la fantasía de la invención superan ya cualquier
esquema y atestiguan una tendencia resuelta hacia la concepción
individualista y por ende solista del concierto, que se halla mejor definida
en los doce conciertos de La stravaganza Op. 4: estructura en tres
movimientos (allegro-adagio-allegro), composición más ligera y rápida,
casi exclusivamente homofónica, y modulación dinámica y expresiva,
inclinada al desarrollo del proceso creador y fuente de nuevas emociones
e invenciones.

Con estas colecciones, Antonio Vivaldi alcanzó en poco tiempo renombre

en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto
del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en
menor medida, como violinista, pues fue uno de los más grandes de su
tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus
conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico
en este campo.

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Técnica

La parte Técnica es súper importante en tu desarrollo artístico, me

refiero a:
Música
Sonido
Tarima
Ríder Técnico
Catering
Equipo humano necesario

Consejo Número 31
- La música es parte importante en el momento de tus espectáculos,
debes seleccionar muy bien lo que vas a interpretar, siempre
recomiendo que selecciones temas conocidos (covers) y uno o dos
tuyos propios, mientras te das a conocer.

Consejo Número 32
- El sonido debe estar bien configurado, no puedes presentarte sin
antes hacer tu prueba de sonido es muy importante. Este consejo es
fundamental para que tu espectáculo tenga éxito.

Consejo Número 33
- Necesitas hacer tu rider técnico, esto debe ser bien seleccionado
para no exagerar, pero es importante para poder garantizar un buen
espectáculo (El Rider Técnico es todo el equipo musical que
necesitas, micrófono, luces, amplificadores, speaker, consolas,
tarima etc.)

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 Consejo Número 34
- Para hacer un buen Rider Técnico consulta con un ingeniero o
técnico de sonido, de no tenerlo puedes preguntarle a un músico,
ellos podrán ayudarte.

Consejo Número 35
- Mientras menos gente tengas mejor, al productor o cliente del
evento se le hace incómodo que te presentes con muchas personas
que no tienen nada que ver con tu carrera, debes tener la cantidad
de personas que necesitas, ni una más ni una menos.

Consejo Número 36
- Debes mantenerte activo en todo tu mundo artístico, las redes,
fotografías, entrevistas todo esto es fundamental.

Consejo Número 37
- Prepara el catering necesario para hidratarte, comida, camerino
etc., en la manera que prepares tu catering más te respetarán tus
clientes (no pidas cosas absurdas o innecesarias créeme eso no te
ayudará en nada).

Consejo Número 38
- Tu equipo técnico debe resolver todo lo que les corresponda, sin
que tu tengas que involucrarte en esos asuntos.
Al momento de tu salir al escenario todo debe estar en perfecto
orden.

Consejo Número 39
- Siempre es recomendable que alguien muy cercano a ti pueda estar
pendiente de tu stage (tarima, escenario) para ello recomiendo tener

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 un stage mánager (este debe estar pendiente de que todo en la
tarima esté en perfecto estado).
Consejo Número 40
- Si vas a utilizar bailarinas, bailarines o cuerpo de baile, debes ser
muy exigente que sean profesionales, no formes un cuerpo de baile
solo para relleno, debes integrarlas al espectáculo.

Si no cuentas con una coreografía adecuada o tu cuerpo de baile

sencillamente no llena las expectativas, es mejor no tener nada y
salir solo al escenario.

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JOHANN CHRISTIAN BACH

Conocido como el «Bach de Londres», fue el menor de los hijos de Johann

Sebastián Bach. A la muerte de su padre en 1750, su hermano mayor, Carl
Philipp Emanuel Bach, se hizo cargo de su educación.

Johann Christian Bach

A diferencia de los miembros de su familia, todos ellos centrados en la

música instrumental y sacra, Johann Christian Bach cultivó la ópera,
género con el que se familiarizó durante su estancia en Milán, primero
como discípulo del padre Martini y después, desde 1760, como organista
de la catedral.

En Londres desempeñó el cargo de maestro de música de la reina y

compositor del King's Theatre. También fue productor, junto con Karl
Friedrich Abel, de una importante serie de conciertos (1765-1781). En la
capital británica compuso cerca de noventa sinfonías y oberturas, amén de
numerosos conciertos, sonatas y composiciones de cámara, que encarnan
a la perfección el espíritu de la música galante y anuncian el posterior estilo

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clásico. En este sentido, es destacable la influencia que ejerció sobre un
Mozart de ocho años durante la visita que éste realizó a Londres en 1764.

Hasta tal punto asimiló el estilo italiano que sus composiciones podrían ser
consideradas como ejemplos de la escuela italiana.

Su obra ejerció una considerable influencia sobre el movimiento musical

de toda la Europa del Norte, adonde llevó el gusto por el italianismo.
Concebidas al estilo de una encantadora "galantería", sus Sonatas para
clavicordio fueron acogidas con gran entusiasmo, y Mozart pudo escribir
a la muerte del compositor: "¡Qué pérdida para el mundo de la música!".

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LA PERSEVERANCIA

La perseverancia es la capacidad para seguir adelante a pesar de los

obstáculos, dificultades, desánimo, aburrimiento, frustración, o los
propios deseos de rendirse.
La paciencia y la perseverancia van de la mano, es muy importante
que te llenes de estas dos características.

Consejo Número 41
- Si las cosas no están saliendo como piensas no te desanimes, en ese
momento es que debes llenarte de fuerzas para seguir adelante.

Consejo Número 42
- Ser un artista es muy difícil y mantenerse como artista es aún más
difícil, siempre vas a tener momentos altos y momentos bajos, así
que aprovecha cada momento y saca lo mejor de ellos.

Consejo Número 43
- Una de las cosas que te va a ayudar a mantener y seguir luchando
es la pasión, ponle ese ingrediente a tu vida artística y todo te será
mas fácil.

Consejo Número 44
- En tu mundo artístico solo deben existir personas que te aporten
beneficios, no te rodees con personas negativas o desganadas, eso
te puede afectar.

Consejo Número 45
- No te comprometas si no puedes cumplir, hacer esto puede cargarte
de energías negativas y llevarte al fracaso, a veces una negativa a
tiempo puede ahorrarnos inconvenientes.

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 Consejo Número 46
- Si crees en ti y en lo que haces, nada podrá detenerte y las
situaciones que se presentan en el camino podrás superar sin
dificultad.

Consejo Número 47
- No te dejes llevar por lo fácil o lo mas cómodo, siempre trabaja
arduamente, eso te llenará de satisfacción y lograrás permanecer
siempre en tu proyecto.

Consejo Número 48
- Si fomentas en tu vida la paciencia y la perseverancia podrás lograr
tus objetivos.

Consejo Número 49
- Si te comprometes al 100% en lo que haces y cada día te dedicas a
perfeccionarte como artista, esto te ayudará a llenar tu vida de
perseverancia y de paciencia.

Consejo Número 50
- Si lo que haces no te motiva o por alguna razón te aburre o te cansa,
mejor búscate otra carrera porque ser artista requiere de mucha
perseverancia, pasión y amor.

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ELLA FITZGERALD

Nació el 25 de abril de 1918 en Newport, Virginia.

La mayor parte de su infancia transcurrió en un orfanato de Nueva York.
Antes de dedicarse a cantar se afanó en el baile con el nombre de Caderas
de Culebra Fitzgerald.

Con una personalidad tímida, con una discreta vida personal, se consagró
esencialmente al perfeccionamiento de su arte.

Fue descubierta con dieciséis años en Harlem cuando cantaba en

un espectáculo para jóvenes talentos, la noche de amateurs en el
mítico teatro Apollo (poco antes había sido abucheada al cantar en otro
teatro de aficionados, al parecer marcando para siempre su personalidad
con un gran miedo al fracaso en público).

En el Apollo ganó un premio de 25 dólares y fue vista por el miembro de

una reputadísima orquesta, la banda de Chick Webb, un batería que la
adoptó musicalmente y también en el sentido estricto de la palabra,
firmando un papel para ser su padre adoptivo.

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Entre 1934 y 1939 cantó con la Chick Webb Band, grupo que dirigió
durante un tiempo tras la muerte de su líder en 1939.
A mediados de los años cuarenta, trabajó con el empresario
estadounidense Norman Granz y viajó por Europa y Asia con su Jazz at
the Philharmonic.

Envejeció artísticamente con elegancia: su voz perdió dulzura, pero no

claridad de pronunciación, control del material, entonación o sentido del
ritmo. De sus últimas apariciones destacan el concierto que ofreció en
1985, con motivo del Kool Jazz Festival, en el Carnegie Hall. En 1986 su
carrera se resintió gravemente a causa de una operación a corazón abierto,
y sólo volvió a cantar en público en contadas ocasiones, como en los
festivales de jazz de Nueva York y Montreal en 1987 y otras apariciones
en 1990.

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COMO PROMOCIONARTE.

La promoción artística es muy importante sin ella no podrás darte

a conocer, te presentaré varias alternativas de promoción, que sé
que te van a resultar.

Consejo Número 51
- Debes preparar tu Broschure (portafolio) artístico, en ella debes
colocar toda tu trayectoria artística y lo que ofreces. Fotografías
actuales y un diseño fresco y muy bien organizado. Debes contar
con tu página web y mantenerla actualizada con información
respecto a tu carrera.

Consejo Número 52
- Estudia muy bien que tipo de promoción encaja para ti, antes de
contratar un promotor, debes saber que vas a proyectar en esa gira
de promoción.

Consejo Número 53
- La oratoria y el buen desenvolvimiento te ayudará a tener éxito en
tu gira de medios, te recomiendo ensayar con alguien como si te
entrevistaran, prepara una lista de posibles preguntas y así se te
hará mas fácil proyectarte ante tu público.

Consejo Número 54
- Escoge bien los diferentes medios que utilizarás en tu gira, debes
estar seguro(a) que encajas bien, si la estación de radio es de rock
y tú cantas pop no deberías escoger esa estación, solo decide los
medios que sean acordes a tu género musical o al que más se le
parezca.

34
 Consejo Número 55
- La fecha la cual comenzará tu promoción o gira es muy importante
debe ser continua (no puedes escoger hacer una gira interrumpida
debe ser sin parar hasta finalizar). De esta manera lograrás obtener
los resultados apropiados.

Consejo Número 56
- Prepara bíen tus redes sociales antes de hacer la gira presencial, es
recomendable que alguien más te acompañe como community
manager o la persona para apoyarte en publicar todo lo que ocurre
en la gira de medios en tus redes sociales.

Consejo Número 57
- Debes preparar el material tales como disco, afiches, fotos y algún
recuerdo que puedas dejar en cada emisora o estación de tv de tu
gira (tazas, bolígrafos etc.).

Consejo Número 58
- Recomiendo cerrar la gira promocional con un espectáculo ante los
medios de comunicación, es importante, puede ser un show en
íntimo para mostrar a la prensa y los medios en general tu
capacidad artística.

Consejo Número 59
- Escoge bien a tu promotor artístico a veces lo barato sale caro,
busca varias opciones y averigua quién es cada uno de ellos, ya que
existen muchos promotores fantasmas, debes cuidarte de eso.

35
 Consejo Número 60
- Si no cuentas con el dinero necesario para pagar tu promoción te
recomiendo buscar asociaciones que apoyen el talento artístico o
empresas que aporten patrocinio para tu gira de medios.
También resulta el intercambio por publicidad, hay empresas que
pagan tu gira a cambio de anuncios o menciones publicitarias.

36
ELVIS AARÓN PRESLEY

En 1948, su familia se trasladó a Memphis, uno de los centros de la

actividad musical del país. Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años,
el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, decidió editarle un
single que contenía los temas That's all right y Blue Moon of Kentucky.
Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de
música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que
comprendía trece estados.

En 1955 con su popularidad en aumento Elvis Presley fichó por la

discográfica RCA.

1956 fue un año clave para la trayectoria de Elvis, gracias al

tema Heartbreak Hotel, del cual vendió trescientos mil ejemplares en tres
semanas y acabó siendo el primero de sus discos de oro. También editó su
primer elepé, titulado Elvis Presley, que alcanzó el millón de copias
vendidas, y se comprometió por siete años con los estudios
cinematográficos Paramount, ávidos de contratar a un ídolo juvenil

37
emergente que ya por aquel entonces provocaba ataques de histeria entre
las asistentes a sus conciertos.

Sus apariciones televisivas empezaron a ser habituales, y las cantidades

ingresadas por éstas alcanzaron cifras récord en la historia del medio.

Paralelamente a su imparable ascenso a la fama mundial, algunos sectores

conservadores de la sociedad estadounidense se opusieron con tesón tanto
al personaje como a su música, que tildaban de pervertida e inmoral, en
particular a raíz de su celebérrimo movimiento de cadera, cuyo impacto
fue tan inmediato que el cantante recibió el apodo de Elvis Pelvis.

Como culminación del meteórico año de 1956, el 16 de noviembre se

estrenó en Nueva York con gran éxito Love me tender, el primer film que
protagonizó Elvis Presley, y el Wall Street Journal le dedicó un artículo en
el que destacó los 22 millones de dólares que el merchandising asociado a
su imagen llevaba recaudados hasta aquel momento.

En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de

Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus
incontables admiradores. En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a
filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a
Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años
después.

Elvis Presley se licenció en marzo de 1960 e inmediatamente reanudó su

actividad artística, para encadenar una larga serie de números uno en las
listas estadounidenses con títulos como It's now or never o Are you
lonesome tonight? y protagonizar no menos de diez películas, entre las que
cabe citar Chicas, chicas, chicas (Girls, girls, girls, 1962) y Viva Las
Vegas (1964).

En la segunda mitad de la década comenzó la llamada «Invasión

británica», protagonizada por grupos como The Beatles y los Rolling
Stones; ello conllevó cierta erosión en la popularidad del cantante,
agravada por una aparente crisis artística que se prolongó hasta 1968,
cuando se le ofreció protagonizar un especial televisivo que se convirtió
en uno de los mayores éxitos de la historia de la pequeña pantalla.

Los primeros años de la década de 1970, sin embargo, supusieron para

Elvis Presley un nuevo bache creativo, agravado por su adicción a las

38
drogas y la reclusión en su mundo de fantasía particular en que se convirtió
su mansión de Graceland. En 1973 se divorció de Priscilla Beaulieu y su
imagen adquirió el tono claramente excesivo que caracterizó sus últimas
apariciones: exagerado tupé, sobrepeso y trajes de cuero blanco con
pedrería.

Tras caer inconsciente en varias ocasiones en el escenario, falleció

oficialmente de un ataque al corazón, sin duda consecuencia de sus
excesos. A pesar de su acelerado declive, Elvis Presley se ha convertido en
un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la historia
de la música popular, como atestiguan sus más de cien discos de oro,
platino y multiplatino.

39
REDES SOCIALES

Las dificultades de promoción para los artistas han quedado atrás

con las redes sociales, pero se requiere saber utilizarlas y contar
con material interesante para tu público.

Organiza tus redes sociales y escoge bien el nombre a utilizar es lo

mas importante.

Consejo Número 61
- Debes escoger bien el nombre a utilizar en tus redes sociales,
pagina web, email etc., deben ser el mismo en todo, ya que esto te
será muy fácil de transmitir.

Consejo Número 62
- No escojas nombres raros o muy largos, deben ser fáciles de
recordar ejemplo:
Pedroperez517865 eso nadie lo va a recordar, si tu nombre es Pedro
Pérez entonces debes trabajar combinando tu nombre y ver si está
disponible en todas las redes.
Si el nombre es Pedroperezmusic debes estar seguro(a) de que
está disponible en todas las redes que vas a utilizar.
Por ser un nombre mas facil de recordar te ayudará en el
momento de las entrevistas decir sigan todas mis redes como:
@pedroperezmusic.
Si no está disponible el nombre artístico que escogiste pues busca
uno que se encuentre disponible, para que sea más fácil
proyectarte.

40
 Consejo Número 63
- Te recomiendo ampliamente contratar un community manager,
esto te ayudará a conseguir los seguidores que necesitas para
apoyar tu carrera.

Esta persona debe mantener actualizada tus redes sociales.

Consejo Número 64
- Limpia tus redes sociales, no es agradable para tus seguidores
cuando entran a tu perfil y ven fotografías o comentarios que nada
tienen q ver con tu vida artística, no subas fotos, videos o
comentarios personales, enfócate solo en subir todo lo que ocurre
en tu vida artística (no es agradable que tus seguidores entren a tu
perfil y vean a un artista mal vestido, bebiendo o simplemente
mostrando fotografías o videos que no te ayudan en nada).

Consejo Número 65
- Utiliza tus redes para promocionar o informar a tus seguidores
donde te encuentras donde va a ser tu próximo concierto y
comparte con ellos lo que ocurre en tus giras, espectáculos o
eventos sociales.

Consejo Número 66
- No hagas comentarios que no dejen nada positivo, enfócate al
100% en apoyar lo relacionado a tu mundo artístico, regala entradas
a conciertos a través de concursos, esto ayuda mucho a mantener
tus redes activas.

Consejo Número 67
- Debes crear tu fan club, esto es muy importante, organiza a tus fans
escogiendo muy bien quién va a ser el presidente de tan importante
herramienta, los Fans son parte esencial en tu carrera artística.

41
 Consejo Número 68
- Comparte con la gente tus gustos personales y muéstrales quién
eres de verdad, esto te acercará aún más con tus fans, la sencillez y
calidad humana es lo mas importante.

Consejo Número 69
- Involucra a tus seguidores que interactuen contigo, invítales a
cantar tus temas, responde cada pregunta que te hagan, esto es muy
importante.

Consejo Número 70
- Te recomiendo ampliamente que no uses calificativos tales como
(mi princesa, mi príncipe, mi amorcito, etc.) trata a cada uno de tus
seguidores o seguidoras por su nombre eso te acercará muchísimo
a tus fans.

42
LOS BEATLES

Grupo británico de música rock y pop, el más admirado y popular de la

década de 1960 y uno de los más influyentes en la historia de la música
moderna. Si el gran Elvis Presley dominó los años 50 como rey del rock
and roll, correspondió a The Beatles, un grupo también rockero en sus
raíces, ejercer la hegemonía en la década siguiente con una acertadísima y
sofisticada amalgama de estilos que llevaría la música pop a todos los
públicos y preludió géneros posteriores.

The Beatles

En tanto que referencia de la juventud de los 60, de cuya rebeldía fueron

manifestaciones fenómenos como el movimiento hippie o mayo del 68, y
también en tanto que producto de consumo en una década de modas y
prosperidad, hubiera podido esperarse que el fervor suscitado por aquel
riquísimo vendaval musical se desvaneciese lentamente tras la disolución
del grupo. Sin embargo, medio siglo después, las mejores canciones de The
Beatles siguen sin parecer «antiguas»: conservan intacta su frescura y
parecen haber ingresado en una especie de patrimonio atemporal, como si
su música ya no perteneciese a una época, sino a todas las generaciones.

43
Formación

A partir de 1962, año en que quedó configurado de forma estable, y hasta

su separación oficial en 1970, los integrantes de The Beatles fueron John
Lennon (Liverpool, 1940-Nueva York, 1980), Paul McCartney (Liverpool,
1942), George Harrison (Liverpool, 1943-Los Ángeles, 2001) y Ringo
Starr (Liverpool, 1940). No obstante, es difícil dar una fecha exacta de
cuándo se formaron The Beatles. En la segunda mitad de la década de
1950, John Lennon y su amigo Peter Shotton (que lo abandonaría poco
después) formaron un grupo de música al que llamaron The Quarrymen, al
cual en 1957 se añadió Paul McCartney, seguido poco más tarde por
George Harrison.

The Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento

en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. Ya por entonces resultaba
evidente la necesidad de incorporar a un batería. El nombre del grupo iría
sufriendo nuevas variaciones, desde Johnny and the Moondogs hasta The
Silver Beatles y The Beatles (1960), que a la postre resultaría el definitivo;
tal denominación surgió de la moda de poner nombres de animales a los
grupos musicales (beetle significa «escarabajo») y del juego de palabras
con el estilo que entonces practicaban (la música beat, «golpe»).

Finalmente incorporaron a un batería, Peter Best, y consiguieron un

contrato para tocar en Hamburgo, en un local de dudosa fama llamado
Kaiserkeller. Su primera aventura alemana terminó prematuramente con la
expulsión de George Harrison del país debido a su minoría de edad; la
misma suerte corrieron luego Paul McCartney y Peter Best, aunque no por
minoría de edad, sino por gamberrismo.

Los Beatles (George Harrison, Paul McCartney, Peter Best y John Lennon)
en su primitiva imagen rockera (The Cavern, Liverpool, febrero de 1961)

En 1961 volverían otra vez a Alemania, para regresar de nuevo al Reino

Unido sin pena ni gloria. Peter Best dejó el grupo por profundas
desavenencias con el resto de sus miembros y fue sustituido por Ringo
Starr (nombre artístico de Richard Starkey). Poco después, Stuart Sutcliffe
moría en Alemania, víctima de un derrame cerebral; con ello quedó cerrada
definitivamente la lista de integrantes de The Beatles: John Lennon, Paul
McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

44
La composición de los temas correría casi siempre a cargo del tándem
formado por John Lennon (guitarra rítmica) y Paul McCartney (bajo). En
general se deben a Lennon, a quien debe considerarse el líder y el alma
creativa del grupo, las canciones más innovadoras y la exigencia artística
e intelectual; el brillante talento musical de McCartney se dejaba llevar
fácilmente por lo comercial, pero igualmente las canciones acababan
siendo el resultado del contrapeso entre ambos.
En una fase más avanzada, el siempre inquieto George Harrison (guitarra
solista) contribuyó al repertorio del grupo con valiosas aportaciones; muy
pocas, en cambio, son debidas al desenfadado batería Ringo Starr.

The Beatles en concierto

A finales de 1961, tras escucharles en una actuación, Brian Epstein quedó

entusiasmado y se convirtió en su representante artístico; el papel de este
propietario de una tienda de discos sin ninguna experiencia como mánager
resultó tan decisivo que sería llamado «el quinto beatle». Epstein modeló
un nuevo look para el grupo (que pasó de lucir tejanos y cueros rockeros
a elegantes chaquetas y peinado de casco) y les presentó al productor
George Martin, que los contrató para grabar un sencillo. Este primer
trabajo discográfico se tituló Love me do (1962) y logró situarse en las
listas de éxitos del Reino Unido. Ya en 1963, Please, please me y poco
después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos
de honor en las listas británicas. Ese año puede ser considerado el del
nacimiento de la «beatlemanía», un fenómeno de idolatría hacia el grupo
cuya máxima expresión eran los accesos de histeria que el público
femenino sufría en los conciertos de la formación.
La «beatlemanía» se extendió en 1964 a Estados Unidos, donde temas
como Love me do, She loves you o I want to hold your hand,
arropados por su primera gira en este país, alcanzaron el primer puesto en
las listas de éxitos. El libro Guinness de los récords recoge un dato bien
revelador: en un mismo mes, dos álbumes y cinco singles de The Beatles
lideraron las respectivas listas estadounidenses. En lugar de, como era
tradicional, irradiar su influencia musical por todo el mundo, los Estados
Unidos sufrieron la llamada «Invasión británica», con el grupo de
Liverpool como cabeza de puente de una serie de bandas (The Animals,
The Who o los Rolling Stones) que también desembarcarían en el nuevo
continente, destronando la supremacía del rock and roll americano.
Interpretando She loves you entre una explosión de «beatlemanía»
(Manchester, 1963)

45
Simultáneamente, y aprovechando su popularidad, The Beatles rodaron
diversas películas, entre las que cabe destacar ¡Qué noche la de aquel
día! (A Hard Day's Night, 1964), un vehículo promocional que relataba
tres días en la vida de los Beatles y reflejó los fenómenos de arrebatado
paroxismo que el grupo desencadenaba allá por donde pasase. El director,
Richard Lester, dio al filme un tono de humor surrealista, destrozando con
el montaje las nociones de espacio y tiempo, como se pone de manifiesto
en la escena en que los Beatles están a la vez dentro del tren y corriendo
para tomarlo. ¡El mismo cineasta los dirigiría en Help! (1965). El
lanzamiento de los álbumes homónimos acompañó ambos estrenos;
también por entonces se editaron los elepés Beatles For Sale (1964)
y Rubber Soul(1965).

De hecho, hasta 1965, el grupo siguió encadenando discos a una media de

dos o más por año, la mayoría de cuyas canciones fueron escritas por ellos
mismos, lo que da idea de su extraordinaria fecundidad. Durante estos
primeros años, The Beatles realizaron giras por todo el mundo, pero sus
conciertos fueron espaciándose progresivamente, en parte por la creciente
irritación del grupo ante aquella exacerbada idolatría, más orientada a sus
personas que a su música. Tras ciertos incidentes a su paso por Filipinas y
el sur de Estados Unidos y la polémica desatada por una frase de Lennon
(«somos más populares que Jesús»), dieron su último concierto en San
Francisco, en agosto de 1966. Con su retiro, la «beatlemanía» se fue
apagando sólo en su sentido de frenesí colectivo; siguieron siendo el grupo
de referencia de su tiempo y teniendo entusiastas seguidores.

Madurez y disolución

A partir de entonces se limitarían a hacer grabaciones en estudio.

Empezaba así una nueva etapa en su carrera, con una nueva imagen y un
nuevo estilo, más serio y profundo. Experimentando con avanzadas
técnicas para crear innovadores efectos musicales, los registros de su
música se ampliaron y dieron entrada al blues, al country, a parodias de los
años veinte, a influencias orientales y a la crítica social, elementos que
quedaron armónicamente integrados en un sonido propio e inconfundible.

Los Beatles en el estudio de Abbey Road

El primer álbum de esta segunda etapa, Revolver (1966), contenía ya un

puñado de excelentes canciones musicalmente novedosas y alejadas en sus
letras (Taxman, Eleanor Rigby, Tomorrow never knows).

46
Al año siguiente se intensificó su contacto con las drogas psicodélicas
(especialmente el LSD), con el movimiento hippie y con el misticismo
oriental, encarnado en la figura del Maharishi Mahesh Yogi, a quien
acompañaron a la India.
Todo ello confluyó en la salida al mercado de su obra más
revolucionaria, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), un
elepé que marcaría el nacimiento de la música psicodélica y supuso un
rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno
simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses. Ejemplo
eminente, especialmente en su cara A, de lo que se ha dado en llamar
«álbum conceptual» (es decir, concebido como una obra unitaria que
supera la mera yuxtaposición de canciones), el disco es una celebración de
la música, la solidaridad, la libertad y la fantasía expresada en una
sofisticada y armónica mixtura de estilos; en la cumbre de su capacidad
creadora y funcionando como un solo hombre, el grupo supo escoger, entre
las múltiples tradiciones musicales, la más adecuada para acompañar cada
letra, hasta obtener el brillantísimo resultado final.
Pero 1967 fue también el año del fallecimiento de quien los había llevado
al estrellato, Brian Epstein, seguramente el único capaz de mantener unidas
personalidades tan dispares. John Lennon siempre afirmaría que la muerte
de Epstein significó el fin de los Beatles. La separación oficial tardaría en
producirse, y fue precedida por indicios clamorosos, como la publicación
de discos en solitario de John Lennon (tres álbumes producidos con Yoko
Ono, su esposa desde 1968) y de George Harrison. Probablemente no tuvo
lugar antes por el interés de sus componentes de editar los trabajos
conjuntos pendientes antes de iniciar una trayectoria personal.

John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison (Londres,

1968)

Así vieron la luz las composiciones de Magical Mystery Tour (1967),

un fallido filme para la televisión; el doble elepé The White
Album (1968); la banda sonora de su deliciosa película de
animación Yellow Submarine (1969), y Abbey Road (1969). Tras la
publicación de Let it be (1970), que pese a su calidad musical suponía,
para Lennon y para muchos, el fin de inconformismo y el retorno al redil
en temas como el que da título al álbum, las desavenencias en el seno de
la formación acabaron con la disolución de la misma y cada miembro
continuó, con diversa fortuna, su carrera musical en solitario, sin que

47
fructificase ninguno de los intentos de volver a reunirlos. La muerte de
John Lennon en 1980 a manos de un perturbado tuvo un gran impacto en
todo el mundo, y terminó con cualquier sueño de sus fans en este sentido.
La influencia de la obra de The Beatles a lo largo de las décadas
subsiguientes ha sido inmensa. Por citar sólo unos ejemplos, de la
psicodelia del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band arranca toda
una corriente que llega a grupos como Pink Floyd o Emerson, Lake &
Palmer y dio origen al denominado rock sinfónico; su influjo todavía se
dejaría sentir poderosamente en el brit pop, uno de los fenómenos
musicales más significativos de los años noventa. Al margen de su
indudable importancia artística, The Beatles quedaron para siempre como
el símbolo de un estilo de vida que entroncó perfectamente con las
profundas inquietudes juveniles de la década de 1960.

48
MANAGER

Cuando ya estés preparado(a) que sientas que estás listo(a) para dar
un gran paso solo en ese momento es cuando debes buscar a tu
Manager o representante artístico.
Un mánager artístico es el GERENTE de una empresa que preside
un ARTISTA.
Mucha gente piensa que un mánager es solamente un vendedor
de espectáculos o una persona que consigue donde presentarte,
pero un mánager es muchísimo más que eso, es el responsable de
las estrategias del artista, el que crea los planes de promoción.
Maneja las relaciones públicas, crea las herramientas
promocionales y todo lo relacionado a tu carrera professional.
El mánager es la persona que debe velar por que tu carrera artistica
sea la mejor, el es quién decide tus herramientas:
Asesor de Imagen
Tu vestuario
Tu look
Tus compromisos
Y muchas cosas más, el o ella debe trabajar arduamente para que
tu desarrollo artístico sea cada vez mejor.
Consejo Número 71
- Cuando decidas buscar a tu mánager o representante artístico,
debes tener química con esta persona ya que al firmar un contrato
es casi como un matrimonio.
Consejo Número 72
- Por lo general el mánager se queda con el 30 a 40 % de las
ganancias netas del Artista (En caso de que el Manager sea el
inversionista o la persona que te consiga los Sponsors).

49
 El 20 % máximo si tu eres el que pone todo el dinero para tus pro-
mociones y grabaciones etc.

Consejo Número 73
- Como toda empresa hay una inversión y también ingresos, una de
las funciones del mánager es velar por que todo se maneje de
manera clara y transparente, en la mayoría de los casos es
recomendable que se contrate a un contador para llevar libros
contables, aunque las decisiones de inversión y cuanto cobrar, debe
ser potestad del mánager, el cual maneja la estrategia y el plan de
negócios.

Consejo Número 74
- En caso de que seas menor de edad debes tratar de que tus padres
no se involucren en las decisiones de tu mánager (mientras estas
decisiones no te perjudiquen) tus representantes o padres pueden
estar pendientes de lo que se este manejando, pero nunca
involucrarse.
La mayoría de los fracasos artísticos son por la inherencia de los
padres. Sin embargo, es muy importante que comprendas que la
presencia de tus padres o representantes es de suma importancia
mientras no interfieran en el trabajo de tu mánager.

Consejo Número 75
- Cada vez que tengas tu horario de espectáculos y/o eventos, debes
prepararte ese es tu deber, nunca puedes posponer un compromiso
firmado, esto sería fatal para tu credibilidad como artista.

Consejo Número 76
- Deben tener mucho cuidado en quién confían su carrera, existen
como en todas las profesiones personas poco capacitadas que
logran venderse bien a si mismos como mánager sin serlo, un

50
 verdadero mánager profesional, lo respaldan logros y resultados de
su gestión, una carrera de grado, experiencias en manejo artístico y
buenos conocimientos de la industria del entretenimiento.

Consejo Número 77
- Tu mánager debe ser tu amigo, debe existir suficiente confianza
entre ambos, esto fortalece muchísimo tu carrera. Debe coexistir
respeto mutuo.

Consejo Número 78
- El Manager puede imponerte sanciones en caso de que:
Faltes a un contrato.
No cumplas con tus actividades o deberes.
Divulgues estrategias de Promoción
Cantes o participes en cualquier evento sin su consentimiento.

Consejo Número 79
Tu mánager no debe:
- Meterse en tu vida privada (Siempre y cuando no afecte tu carrera)
- Comprometerte sin antes discutir el evento o la presentación a
realizarse.
- Utilizar tu nombre para beneficio personal.
- Dar uso de tus ganancias para inversiones sin tu consentimiento.
Consejo Número 80
- Antes de firmar el contrato con tu mánager debes asesorarte bien,
pide un borrador del contrato antes de firmar y asesórate con un
abogado, no firmes un contrato por pasión nunca lo hagas, debes
firmar si estas 100% seguro(a) de lo que haces.

51
LIONEL RICHIE

En 1967 fue cantante y compositor del grupo The Mystics, en 1969 se

hicieron llamar The Commodores. En el año 1972 fichan por la Motown y
en 1974 lanzaron su primer LP. Autores de un soul comercial triunfaron
con canciones como "Easy", "Sail On", "Still" y "Three Times a Lady".

En 1980, Richie triunfa en solitario con "Lady", que interpretada

por Kenny Rogers alcanza un gran éxito; también con la balada "Endless
Love", cantada a dúo con Diana Ross. En el año 1982 lanza su primer
álbum Lionel Richie. El primer single "Truly" se convierte en un gran
éxito. La siguiente grabación fue Can't Slow Down, en 1983. Su primer
single "All Night Long" será número uno en listas americanas.

En 1985, junto a Quincy Jones y Michael Jackson, componen "We Are

The World", un tema que cantarán las más grandes estrellas del rock del
momento y que se incluirá en el álbum benéfico USA For Africa. Ese
mismo año compone "Say You, Say Me", para la película Noches de Sol,
que llegará al número 1 y que conseguirá el Oscar a la mejor canción en
1986.

52
Su tercer álbum fue Dancing On The Ceiling. En 1992 reaparece con Back
To Front, una recopilación en la que se incluyen temas como "Do It To
Me" y "My Destiny". Después lanza Louder Than Words (1996)
y Time (1998). En el 2002 cantó la canción "To love a woman"
con Enrique Iglesias. El 7 de julio de 2009, interpretó "Jesus is Love" en
el funeral de Michael Jackson. El 26 de marzo de 2012, lanzó su décimo
álbum de estudio, Tuskegee, con 13 de sus canciones cantadas en duetos.

El 7 de junio de 2013, anunció el lanzamiento de "All the Hits All Night

Long", su primera gira por América del Norte en más de una década.

El 18 de octubre de 1975, se casó con su novia de la universidad, Brenda

Harvey. En 1983, la pareja adoptó informalmente a Nicole Camille
Escovedo, de dos años, hija de uno de los miembros de su banda.

La adoptaron legalmente cuando tenía nueve años de edad. En 1986,

cuando aún estaba casado, comenzó una relación con Diane Alexander. En
1988, Brenda los descubrió juntos en la habitación de un hotel y atacó a
Richie y Alexander brutalmente. Brenda fue arrestado por abuso conyugal,
allanamiento y vandalismo.

Se divorciaron el 9 de agosto de 1993, después de estar casados durante

casi 18 años. Richie contrajo matrimonio con Diane el 21 de diciembre de
1995; tuvieron a su hijo, Miles Brockman el 27 de mayo de 1994, y una
hija, Sofía nacida el 24 de agosto de 1998. Se divorciaron en enero de 2004.
Richie se convirtió en abuelo el 11 de enero de 2008, cuando su hija Nicole
dio a luz a Harlow Winter Kate Richie Madden.

53
SEGURIDAD Y CONFIANZA

La confianza debe ir de la mano con tu carrera, un artista no teme

es atrevido, valiente, no puede demostrar debilidad y mucho
menos inseguridad.
Cuando estés en el escenario nada fuera de él es de tu incumbencia,
solo tu público es importante, esos miles que pagan para verte y
escucharte, el escenario se puede estar cayendo, pero el espectáculo
debe continuar.

Consejo Número 81
- Antes de cada salida al escenario debes relajarte y prepararte, toma
tu tiempo y consigue la serenidad. Si alguna persona te incomoda
sencillamente no la dejes en tu camerino.

Consejo Número 82
- Te recomiendo que no tengas contacto alguno con tu teléfono
celular 30 minutos antes de tu espectáculo, esto evitará
distracciones innecesarias.

Consejo Número 83
- Contar con un vestuario adecuado y que te sientas cómodo(a)
ayudará a tener confianza, debes probarte todo antes de cada show
para no tener sorpresas.

Consejo Número 84
- El artista no debe mostrar inseguridad o nervios, el público es muy
persuasivo y esto puede llevar a disminuir la calidad de tu show.

54
 Consejo Número 85
Nunca debes animar a tu público con preguntas como estas:
- ¿Como esta mi gente?
- ¿Que dice la gente?
- ¿La están pasando bien?
- Hola yo soy fulano(a) de tal
Todo eso es innecesario, esto proyecta inseguridad nerviosismo.
Enfócate en conversar con tu público cada dos temas puedes dedi
carla o hacer una muy breve narrativa de algo tuyo, eso le encanta
al público.

Consejo Número 86
- Antes de cada gira debes preparar tu show, no puedes improvisar
debes prepararte y hacer tal cual lo ensayaste, esto evitará cualquier
falla en tu presentación.

Consejo Número 87
- Contacto visual directo, establecer contacto visual con gente del
público y proyectar tu energía hacia afuera desde el escenario es
una manera clásica de incluir al público en tu actuación.
Esto te ayudará enormemente.

Consejo Número 88
- Visuales, luces y buen sonido, tres factores muy importantes para
crear confianza, mientras mas elementos utilices en tus
presentaciones te ayudará mucho para crear mas fuerza y seguridad
en el escenario.

55
 Consejo Número 89
- Al terminar tu show nunca pero nunca te vayas sin despedirte, darle
la espalda a tu público es fatal, ya que ellos esperan mucho de ti,
siempre debes dar la cara que te vean sonreír, cuando estés seguro
de que ya todo ha terminado en ese momento dejas el escenario, no
antes.

Consejo Número 90
- Al terminar el show dirígete al camerino no te quedes cerca del
escenario, esto da mucha ansiedad al público de querer ver más,
escoge a varios fans para que te visiten al camerino esto te ayuda a
crear espectativa.

56
GIUSEPPE VERDI

(Roncole, actual Italia, 1813 - Milán, 1901) Compositor italiano. Coetáneo

de Wagner, y como él un compositor eminentemente dramático, Verdi fue
el gran dominador de la escena lírica europea durante la segunda mitad del
siglo XIX. Su arte, empero, no fue el de un revolucionario como el del
alemán, antes, al contrario, para él toda renovación debía buscar su razón
en el pasado. En consecuencia, aun sin traicionar los rasgos más
característicos de la tradición operística italiana, sobre todo en lo
concerniente al tipo de escritura vocal, consiguió dar a su música un sesgo
nuevo, más realista y opuesto a toda convención no justificada.

Giuseppe Verdi

Nacido en el seno de una familia muy modesta, tuvo la fortuna de contar

desde fecha temprana con la protección de Antonio Barezzi, un
comerciante de Busseto aficionado a la música que desde el primer
momento creyó en sus dotes. Gracias a su ayuda, el joven Giuseppe Verdi
pudo desplazarse a Milán con el propósito de estudiar en el Conservatorio,
lo que no logró porque, sorprendentemente, no superó las pruebas de
acceso.

Tras estudiar con Vincenzo Lavigna, quien le dio a conocer la música

italiana del pasado y la alemana de la época, fue nombrado maestro de

57
música de Busseto en 1836, el mismo año en que contrajo matrimonio con
la hija de su protector, Margherita Barezzi. El éxito que en 1839 obtuvo en
Milán su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio, le procuró un
contrato con el prestigioso Teatro de la Scala.

Sin embargo, el fracaso de su siguiente trabajo, Un giorno di regno, y,

sobre todo, la muerte de su esposa y sus dos hijos, lo sumieron en una
profunda depresión en la que llegó a plantearse el abandono de la carrera
musical.

No lo hizo: la lectura del libreto de Nabucco le devolvió el entusiasmo por

la composición. La partitura, estrenada en la Scala en 1842, recibió una
acogida triunfal, no sólo por los innegables valores de la música, sino
también por sus connotaciones políticas, ya que, en aquella Italia oprimida
y dividida de la época, el público se sintió identificado con el conflicto
recreado en el drama.

Con este éxito, Verdi no sólo consiguió su consagración como compositor,

sino que también se convirtió en un símbolo de la lucha patriótica por la
unificación política del país.

I lombardi alla prima Crociata y Ernani participaron de las mismas

características. Son éstos los que el compositor calificó como sus «años de
galeras», en los cuales, por sus compromisos con los empresarios teatrales,
se vio obligado a escribir sin pausa una ópera tras otra.

Esta situación empezó a cambiar a partir del estreno, en 1851, de Rigoletto,

y, dos años más tarde, de Il Trovatore y La Traviata, sus primeras obras
maestras.

A partir de este momento compuso sólo aquello que deseaba componer.

Su producción decreció en cuanto a número de obras, pero aumentó

proporcionalmente en calidad. Y mientras sus primeras composiciones
participaban de lleno de la ópera romántica italiana según el modelo
llevado a su máxima expresión por Gaetano Donizetti, las escritas en este
período se caracterizaron por la búsqueda de la verosimilitud dramática
por encima de las convenciones musicales.

Aida (1871) es ilustrativa de esta tendencia, pues en ella desaparecen las

cabalette, las arias se hacen más breves y cada vez más integradas en un
flujo musical continuo -que no hay que confundir con el tejido sinfónico

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propio del drama musical wagneriano-, y la instrumentación se hace más
cuidada. Prácticamente retirado a partir de este título, aún llegó a componer
un par de óperas más, ambas con libretos de Arrigo Boito sobre textos
de Shakespeare: Otello y Falstaff, esta última una encantadora ópera
cómica compuesta cuando el músico frisaba ya los ochenta años, fue su
canto del cisne.

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ENSAYOS, COMPOSICIÓN, PAUSA.

No todo debe ser Shows y espectáculos, si el artista no se actualiza o

refresca su espectáculo todo será en vano.
Cuando no estés en los escenarios debes ensayar siempre, no te imaginas
cuanto ayuda esto a tu carrera.
Debes tratar de componer por lo menos un tema, siempre es recomendable
que compongas un tema tuyo propio, de esta manera lo podrás interpretar
con mas pasión.
Pausar, descansar, disfrutar, importante que disfrutes con tus amigos y
familiares que te separes brevemente del mundo como artista y te enfoques
en tu vida personal, siempre y cuando no tengas compromisos.
Consejo Número 91
- Siempre debes tener un tiempo para ti, para leer, descansar, pasear,
inspirarte, toma tu carrera artística con calma, pero no la descuides.

Consejo Número 92
- Si te sientes agobiado(a) de tanto trabajo habla con tu mánager
pídele que te de una pausa para descansar una semana seria
estupendo para cargar energías o componer.

Consejo Número 93
- Para lograr componer un buen tema busca en tus recuerdos
momentos importantes siéntelos y escríbelos, la mayoría de las
veces las composiciones están en tu corazón.
-
Consejo Número 94
- Cuando estés ensayando trata de estar solo con personas que tengan
que ver con tu trabajo, no siempre tener invitados en tus ensayos
puede ayudar.

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 Consejo Número 95
- Relaciónate con otros artistas, esto ayuda mucho a conocer los
diferentes aspectos personales de cada uno de ellos.

Consejo Número 96
- Graba vídeos de tus conciertos para corregir errores, es muy
positivo que veas tus conciertos, detalle a detalle para mejorar tu
performance en tarima.

Consejo Número 97
- Si sientes que nada fluye que no te salen las ideas, que nada te
funciona, esto es síntoma de cansancio extremo, es momento de
hacer una pausa, toma un tiempo para relajarte.

Consejo Número 98
- Trata de viajar conocer lugares nuevos, involúcrate con el paisaje
con el mundo, esto te llenará de fuerza y de paz interior, vital para
tu carrera.

Consejo Número 99
- Cuando te sientas pleno de energía y tu mente fresca, en paz, solo
en ese momento retoma tus actividades artísticas, ya verás como
todo fluye.

Consejo Número 100

- Confía plenamente en tus instintos, debes sentir las buenas vibras
antes de regresar al escenario, mente relajada, cuerpo sano son
factores importantes para un buen performance en tarima.

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TIPS GENERALES PARA CANTAR MEJOR.

1. Ten siempre paciencia. Algunos ejercicios te costarán más que

otros, pero con constancia conseguirás todos tus objetivos.

2. Abre la boca como si fueras a bostezar, pero no alcances el

máximo. Usa tu lengua para reconocer la posición del paladar y la
mandíbula. Si usas al cantar una mayor cavidad oral, obtendrás una
voz fuerte y poderosa.

3. Traga siempre toda la saliva de tu boca cuando vayas a cantar. El

sonido debe salir limpio y claro.

4. Acostúmbrate a sacar la lengua hasta que toques la parte interior de

los dientes inferiores, pero no la saques, de la boca. La garganta
debe estar siempre bien abierta.

5. El quinto de estos consejos para cantantes es, hacer ejercicios de

articulación, usando para ello todos los músculos de la cara y los
labios y la lengua. No conectes las palabras y haz que suene todo
claro.

6. Prueba cantar moviendo la cabeza en distintas posiciones. De esta

forma comprobarás cómo tu voz suena mucho mejor dependiendo
de si la vía aérea está obstruida de manera parcial o no. Encuentra
la posición donde te encuentres más cómodo.

7. Uno de los mejores consejos para cantantes es, que cuanta mayor
cantidad de aire tomes mejor. Respira profundamente, notando
cómo los músculos de la espalda y el estómago se expanden. Al
inhalar, los músculos abdominales tienen que expandirse hacia
afuera para conseguir mayor espacio. Con los músculos inferiores

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 de la espalda comienza a hacer fuerza para controlar el flujo de aire
al expirar. Deja relajados los músculos y nota cómo sale el aire.

8. Intenta mantener un volumen constante al cantar y cuida las

respiraciones entre las palabras. Cuando cantes dinámicas trabaja
para que el volumen aumente de forma progresiva y no de forma
escalonada.

9. Haz ejercicios de calentamiento antes de cantar. Es algo muy

importante, aparte de proteger tus cuerdas vocales, hará que tu voz
suene genial cuando comiences el concierto.

10. Fíjate en cómo tus labios, tu lengua y tu estómago se preparan para

agarrar aire y para expulsarlo mientras cantas. Normalmente lo
hacemos de forma mecánica y no somos conscientes de que
podemos controlarlo.

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 CÓMO PREPARARTE PARA GRABAR EN UN ESTUDIO.

#1: ELEGIR BIEN EL VESTUARIO QUE VAS A PONERTE PARA LA

GRABACIÓN

Es muy importante que elijas muy bien tu vestuario.

Podrás centrarte en lo que realmente importa si no tienes que preocuparte

por estar incómodo(a).

También es importante que la ropa que lleves no haga ruidos de roce.

¡Estos ruidos se pueden colar en la grabación!

De igual modo, quítate los ornamentos que hagan ruidos (pulseras, relojes,
collares, cinturones metálicos…). No hace falta que salgas de casa sin
ellos, con quitártelos momentos antes de ponerte a grabar, ¡es suficiente!

#2: Apagar el teléfono móvil

Seguro que ya lo imaginabas, pero este no puede faltar en una lista de

consejos para grabar voces en estudio.

Imagínate que estás en medio de una toma que te está quedando realmente
bien y de repente empiezan a sonar interferencias o recibes una llamada.
Esto arruinaría una buena toma musical.

#3: Aprenderte muy bien el tema que vas a grabar.

Debes saberte muy bien la canción que vas a grabar, saberla de memoria e
interpretarla, ya que si no lo haces de esta manera y sencillamente prefieres
leerla sonará como si cantaras Karaoke.

Podrás meterte en el papel y además puedes evitar el ruido del papel o

sencillamente se caiga y debas parar la sesión.

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También es importante que conozcas bien la música, no sólo para saber
donde entras tú, sino también por seguir su mismo tempo.

#4: Preparar el tema antes de ir a grabar.

Sería ideal que pudieras practicar el tema antes de la grabación, trabaja las
canciones que vas a grabar con tu profesor. Así si hay alguna parte de la
canción que se te hace difícil, tu profesor te habrá dado herramientas para
que te salga mejor, una vez en el estudio las puedes aplicar.

Por ejemplo, si te pide que practiques una frase más lenta y poco a poco va
aumentando el tempo hasta llegar al tempo original.

Todo eso son herramientas que tendrás.

Y si tienes la grabación de la clase, ¡incluso puedes practicarlo antes de

empezar a cantar!

#5: Hacer tus ejercicios de calentamiento.

Esto es muy importante debes tomarte el tiempo antes de grabar para hacer
tus ejercicios de calentamiento, de esta manera garantizas una mejor
proyección vocal.

#6: Alejarte del micrófono

Este es uno de esos consejos para grabar voces en estudio que te daría un
técnico de grabación, pues le vas a ahorrar mucho trabajo si vigilas un
poco los picos de volumen.

Ten en cuenta que él tiene regulada la entrada de tu voz con un volumen

durante toda la canción.

Si de repente metes un grito, va a recibir más volumen del que debe y va a

sonar distorsionado.

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Esto se puede solucionar alejándote un poco del micrófono en ese
momento.

#7: Olvida que estas en un estudio.

Ya, es muy difícil, pero la música son emociones y si estás nervioso(a) por
las tomas, pensando en mil cosas a la vez, no vas a poder conseguir lo que
realmente quieres, que es transmitir esas emociones.

Igual te vendría bien cerrar los ojos e imaginar que estás en otro lugar, un
lugar donde te encuentras a salvo con tus emociones, donde no pasa nada
por expresarlas.

Pero el consejo más importante que puedo darte es que te diviertas. Piensa
que es uno de esos momentos de tu vida que va a quedar plasmado para
siempre.

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 QUÉ TOMAR PARA MEJORAR LA VOZ

No debes forzar la voz o te traerá graves consecuencias.

Cuando se está gritando, estás impidiendo que el aire y el sonido salga
correctamente, como consecuencia de ello estás forzando en exceso
tus cuerdas vocales.

No es necesario ser médico para darse cuenta de que esto provocará

un gran desgaste en tus cuerdas vocales. Lo que tienes como cantante
es resistencia, y la resistencia no viene de los músculos. La resistencia
viene de un buen cuidado de las cuerdas vocales (que son las
membranas mucosas) y no pueden soportar esa presión una y otra y
otra vez sin que te lleve a la pérdida de tu voz.

Un buen lema es: diviértete en tu carrera como cantante, relaciónate

con los fans, pero, guarda suficiente energía y voz para el siguiente
concierto, de lo contrario, podrías llegar ser uno de esos cantantes que
tienen que cancelar giras y conciertos debido a que han de ir al médico
para recuperarse mediante un tratamiento bastante caro. Prepárate
para tu carrera, cuídate y te encantará cada minuto de ella.

CONSEJO 1 – RESPIRACIÓN DIAFRAGMÁTICA

Lo mejor es que lo practiques todos los días, recuerda que es tu forma

de entrenamiento y una de las mejores maneras de cuidar la voz.
Es igual que como cuando un atleta se prepara para una competición,
tus cuerdas vocales lo agradecerán.

Cuando respiras mientras cantas, tu caja torácica se elevará para que

tu estómago se expanda (no el pecho). De esta forma usarás el
diafragma para llenar tus pulmones y tener un mayor control. Haz
varias series de respiraciones diafragmáticas, poniendo atención en
cómo puedes usar los músculos abdominales para dar más intensidad
a tu voz o que dure mucho más. En este calentamiento no emitas
ningún sonido y sólo expulsa el aire lentamente.

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 Ejemplo: En la primera serie, toma de seis a ocho bocanadas de aire
llenando tu estómago (no el pecho), mantenlo durante 5 segundos y
luego expulsa el aire con un largo “silbido” continuado. En las
siguientes series vas alternando con expulsar el aire lentamente,
usando tus músculos abdominales. Con que hagas 6 u 8 series tendrás
suficiente.
Recuerda que debes mantener durante todo el tiempo tu cabeza, tu
cuello y tu garganta relajadas.

CONSEJO 2 – DESCANSO ABSOLUTO

En cuanto notes que tu voz pierde intensidad y cuerpo deja de hablar,

y, sobre todo, de cantar. Tampoco intentes susurrar porque podrías
hacerte más daño. Permanece en silencio al menos 24 horas y deja que
tu voz descanse. Está probado que, si forzamos la voz o, incluso si
tosemos fuertemente, podemos hacer que las cuerdas vocales se
inflamen aún más. Cuida tu voz y dale descanso absoluto. Al día
siguiente estarás mucho mejor.

CONSEJO 3 – BEBER MUCHOS LÍQUIDOS

Bebe mucha, mucha agua. Debes mantener hidratadas las cuerdas

vocales mientras le das descanso a tu voz. Lo mejor es que pudieras
beber entre 5 y 8 vasos de agua al día. También puedes usar bebidas
calientes, que te den calma y alivio para tu garganta, pero que no sea
café o bebidas alcohólicas.

Ten cuidado con los medicamentos que tienen extracto de limón

porque pueden hacer que el reflujo dañe las cuerdas vocales. Lo mejor
son bebidas calientes con base de hierbas, como el té sin cafeína.

CONSEJO 4 – PASTILLAS CALMANTES A BASE DE HIERBAS

Mientras le estás dando reposo a tu voz, una buena respuesta a qué

tomar para mejorar la voz para cantar son las pastillas para chupar. Se
venden en cualquier farmacia y pueden ser muy beneficiosas. Las
marcas conocidas dan muy buen resultado, ayudándote a mantener la
garganta hidratada y protegida con sus elementos anestésicos. No

68
abuses y sigue las indicaciones del fabricante. Un abuso podría hacerte
llevar a pensar que ya estás mejor y comenzar a hablar antes de
tiempo.

CONSEJO 5 – GÁRGARAS DE AGUA SALADA

Aunque no es un remedio de buen sabor, hacer gárgara con agua

salada conseguirá que tu garganta se mejore rápidamente.

Podrás eliminar todos los virus mezclando sal normal con agua y
haciendo gárgaras, como lo haces con el enjuague bucal. Este ejemplo
me recuerda que también podrías hacer gárgaras con un enjuague
bucal sin alcohol, consiguiendo el mismo resultado, pero sin ser
natural.

69
CALENTAMIENTO VOCAL

Si vas a cantar, ya sea en el local de ensayo o en un concierto, y no

haces ejercicios de calentamiento vocal te puedes encontrar con un montón
de problemas.

Si eres cantante y has sufrido algún tirón durante la actuación o te ahogabas

al cantar, podemos decirte con total seguridad que te ha pasado porque no
has calentado o si lo has hecho, no lo has hecho bien.

Durante el calentamiento vocal se trabaja sobre todo la preparación de los

músculos y mecanismos que vas a poner en funcionamiento mientras
cantes, la relajación de mente y cuerpo y la respiración. Si eres cantante y
has sufrido algún tirón durante la actuación o te ahogabas al cantar, sabrás
que el calentamiento previo antes de subir al escenario puede evitar todo
esto

Si durante una actuación, intentas cantar una nota más alta que la de tu
registro y lo haces sin ningún tipo de preparación ni calentamiento previo,
la nota saldrá muy forzada y dará lugar a lo que coloquialmente llamamos
“gallo”. Para evitarlo debes practicar mucho, ir abriendo poco a poco el
diafragma, ejercitar los músculos del cuello, la mandíbula y la lengua,
respirando y exhalando el aire poco a poco. De esta forma tu voz sonará
bien y te sentirás mucho mejor antes y después de la actuación.

Cada cantante tiene una opinión distinta sobre los ejercicios de

calentamiento vocal que deben hacer.

Cada cantante conoce su instrumento y sabe cuáles son sus límites. De

todas formas, para saber cuáles son tus límites sólo tienes que probarlo. Es
decir, no sabes si llegarás a una nota muy aguda o muy grave si no has
intentado cantarla, primero debes aprender cómo hacerlo.

Otra parte importante del calentamiento vocal son las escalas. Éstas son
esenciales porque te enseñan todo tipo de cosas que hacen que tu
instrumento, que en este caso es la voz, funcione bien: flexibilidad de la
voz, control de la respiración… etc.

70
Si bien es cierto, también es muy importante escucharse bien, es decir,
escucharte a ti mismo mientras cantas. He asistido a algún concierto en el
que el cantante tenía problemas para escucharse y, suele ocurrir, se iba de
tono o desafinaba. Jon Marc Weiss, cantante y productor dice que para
practicar se pone de pie delante de una pared a hacer escalas porque con
este ejercicio podía escuchar su propia voz muy muy clara en sus oídos.

71
RESUMEN

Quiero hacer un resumen de lo que les he escrito, todo lo que les he escrito
en este primer trabajo de “Los Consejos de Aldoshow” en su primera
edición, son basados 100% en mis vivencias como productor artístico.

Pido a los lectores que profundicen en todos los consejos que aquí les doy,
son muy útiles, aunque parezcan simples.

No quise utilizar términos técnicos para que puedan comprender con más
claridad todo lo aquí expuesto, como les escribí en el prefacio este libro
esta dedicado a los Nuevos Talentos, personas que están comenzando a
caminar en el mundo de la música, el cual es maravilloso.

La música está en todas partes, es importante, es vida, la necesitamos para

todo, es fiel compañera de nuestro día a día, te puedes imaginar el
compromiso que tienes al aceptar defenderla y llevarla hacia adelante.

Grandes personas exitosas en la vida han logrado llevar a cabo sus

proyectos gracias a la música, hasta en la medicina se esta utilizando, para
darle alegría y serenidad a los enfermos.

Te has detenido a pensar alguna vez, que tipo de música estaría escuchando
DIOS cuando creó este hermoso mundo?. Ha debido ser la perfección
musical, para que el se inspirara en crear un mundo tan lleno de
oportunidades.

Quiero que leas este libro con pasión, que pongas en práctica lo que te
estoy escribiendo, esto te ayudará al 100% en tu carrera como Artista.

72
No es fácil llegar a ser artista, no puedes desanimarte, debes seguir
caminando y aprendiendo día tras día, sin estar pendiente si te apoyan o no
te apoyan, como te lo dije, muchas puertas se cierran y muy poco se abren,
pero eso es parte del camino que debes tu trazarte para ser un Artista.

Yo perfectamente sé lo que piensas, como te sientes, yo perfectamente sé

que cuando vas a dormir siempre quieres programar tus sueños y que
siempre sean relacionados a la música.

Esos sueños se hacen realidad si pones de tu parte, los sueños se cumplen,

pero hay que buscarlos, de ninguna manera sueñes y luego olvidas ese
sueño, no puedes hacer eso, llénate de fuerzas busca algo que hacer para
que se te haga realidad.

Si alguien te dice que no cantas bien o simplemente no luces bien no

pongas atención, toma la crítica como un aprendizaje, todo se basa en eso,
si no recibimos críticas no sabremos si lo hacemos bien o mal.

73
BIOGRAFÍA DE ARTISTAS LATINOAMERICANOS EJEMPLARES.

Q UIEROCOLOCAR DE EJEMPLO A LOS ARTISTAS L ATINOS QUE A

CONTINUACIÓN LES PRESENTO , PIDO QUE ESTUDIEN SUS
BIOGRAFÍAS Y DE ESTA MANERA SE DARÁN CUENTA TODO LO QUE
TUVIERON QUE PASAR PARA LLEGAR A SER GRANDES E STRELLAS …

74
C ELIA C RUZ

(La Habana, 1924 - Fort Lee, Estados Unidos, 2003) Cantante cubana, una
de las más grandes intérpretes de música latina del siglo XX. Ya en la
década de 1950 cobró popularidad como vocalista de La Sonora
Matancera, una de las orquestas punteras de la Cuba de Batista; el
advenimiento de la revolución cubana (1959) forzó su exilio a los Estados
Unidos, donde se vinculó a los artistas latinos de Fania All-Stars e inició
su carrera en solitario.

Celia Cruz

A lo largo de más de medio siglo de trayectoria artística, la

indiscutible Reina de la Salsa grabó alrededor de setenta álbumes y
ochocientas canciones, cosechó veintitrés discos de oro y recibió cinco
premios Grammy. Mucho más relevantes, sin embargo, fueron las
innumerables giras y conciertos que prodigó por incontables países y que
hicieron de ella la embajadora mundial de la música cubana. Ciertamente,
Celia Cruz será siempre recordada por aquellas sensacionales actuaciones
en directo en las que desplegaba todo el magnetismo de su voz y de su
arrolladora personalidad; conciertos en los que era imposible no bailar y
no sentirse contagiado de su inagotable vitalidad y alegría.

75
Biografía

Celia Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez de La

Habana el 21 de octubre de 1924, si bien algunas fuentes señalan su
nacimiento cuatro años antes, y otras en 1925, datos todos ellos de difícil
comprobación dada la persistente negativa de la estrella a confesar su edad.
Segunda hija de un fogonero de los ferrocarriles, Simón Cruz, y del ama
de casa Catalina Alfonso, Celia Cruz compartió su infancia con sus tres
hermanos (Dolores, Gladys y Barbarito) y once primos, y sus quehaceres
incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a
cantar.

Su madre, que tenía una voz espléndida, supo reconocer en ella la herencia
de ese don cuando, con once o doce años, la niña cantó para un turista que,
encantado con la interpretación, le compró un par de zapatos. Con otras
canciones y nuevos forasteros, la pequeña Celia calzó a todos los niños de
la casa. Después se dedicó a observar los bailes y las orquestas a través de
las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la hora de saltar al interior.

Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición; su padre quería que fuese
maestra, y Celia, no sin pesar, intentó satisfacerle y estudiar magisterio.
Pero pudo más el corazón: cuando estaba a punto de terminar la carrera, la
abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música. Ya por
entonces cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en
programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La Corte
Suprema del Aire, en los que obtenía primeros premios tales como un
pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del
tango Nostalgias recibió un pago de quince dólares en Radio García
Cerrá.

Celia Cruz en los inicios de su carrera

76
Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y
formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió
Venezuela y México. En 1950, cuando ya había intervenido en varias
emisoras, pasó a integrar el elenco del célebre cabaret Tropicana, donde la
descubrió el director de La Sonora Matancera, el guitarrista Rogelio
Martínez, y la contrató para reemplazar a Myrta Silva, la solista oficial de
la orquesta. Con más de dos décadas de trayectoria a sus espaldas, La
Sonora Matancera era por entonces una orquesta popular, bien conocida
por su predilección por los ritmos negros y los sones de trompeta; con la
incorporación como primera vocalista de Celia Cruz, que acabaría siendo
el alma del grupo, la orquesta viviría su edad de oro.

La Sonora Matancera
A lo largo de los años cincuenta, Celia Cruz y La Sonora Matancera
brillaron en la Cuba de Pío Leyva, Tito Gómez y Barbarito Díez; del
irrepetible Benny Moré, del dúo Los Compadres, con Compay Primo
(Lorenzo Hierrezuelo) y Compay Segundo; la Cuba de Chico O’Farril y
su Sun sun babae, la Cuba de La conga de los Havana Cuban Boys, la
de Miguel Matamoros con su Mamá, yo quiero saber de dónde son los
cantantes, la de Miguelito Valdés con su Babalú... Celia Cruz aportó
su Cao Cao Maní Picao, que se convirtió en un éxito, y otro tema
posterior, Burundanga, la llevó a Nueva York en abril de 1957 para
recoger su primer disco de oro. Se había ganado ya varios de los apodos y
títulos con que quisieron distinguirla: fue la Reina Rumba, la
Guarachera de Oriente y, desde las primeras giras por México,
Argentina, Venezuela o Colombia, la Guarachera de Cuba.
Era, en definitiva, la Cuba corrupta y bullanguera de los años cincuenta,
sometida a la servil dictadura de Fulgencio Batista (1952-1958). El 1 de
enero de 1959, el dictador se vio obligado a refugiarse en la República
Dominicana ante el triunfo de la revolución liderada por Fidel Castro y
el Che Guevara, y la orquesta tuvo que andar otros caminos. Aunque el
mismo Fidel figuraba entre los admiradores de la cantante, Celia Cruz
soportaba mal que le dijeran qué y dónde tenía que cantar. El 15 de julio
de 1960, La Sonora Matancera en pleno consiguió el permiso para
presentarse en México, y una vez allí, en parte impulsada por el grave
deterioro de las relaciones entre Estados Unidos y Cuba, decidió no
regresar.

77
 Celia Cruz con los integrantes de La Sonora Matancera

Después de un año de aplausos en la capital azteca, Celia Cruz se establecía

en Estados Unidos y sellaba su primer compromiso para actuar en el
Palladium de Hollywood. Si bien declaró en aquellos días «he
abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que
Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista», su
furibunda militancia anticastrista cristalizó después, a partir del 7 de abril
de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla
para asistir al entierro. Llegó a confesar incluso que estaba dispuesta a
inmolarse haciendo estallar una bomba si con ello hacía desaparecer «al
Comandante».

Tres meses después, el 14 de julio de 1962, Celia Cruz se casó con el

primer trompetista de la orquesta, Pedro Knight, quien a partir de 1965,
año en que ambos dejaron La Sonora Matancera, se convirtió en su
representante. Celia Cruz inició su trayectoria como solista junto al
percusionista Tito Puente, con el que grabó ocho álbumes. Los jóvenes
hispanos de Nueva York la descubrieron en 1973 en el Carnegie Hall,
cuando integraba el elenco de la «salsópera» Hommy, de Larry Harlow.
La Reina de la Salsa

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Posteriormente participó en un legendario concierto grabado en vivo en el
Yanquee Stadium con Fania All-Stars, un conjunto formado por líderes de
grupos latinos (así llamados porque grababan para el sello Fania) que
darían el impulso definitivo a un género musical que había venido
gestándose en los últimos años: la salsa. La cantante cubana era ya una
celebridad internacional cuando en 1974 grabó con el flautista dominicano
Johnny Pacheco el disco Celia & Johnny, considerado el primer clásico
del género.
Desde entonces, el éxito fue la constante de los centenares de conciertos
coreados por un público entregado al grito de su Bemba colorá. Esa voz
electrizante, su alegría contagiosa y el llamativo vestuario fueron pronto
una bandera de identidad de los inmigrantes. Ella, a su vez, terminó por
asumir el rol de estandarte del anticastrismo. Como tal, Celia Cruz quiso
dejar su impronta también en el cine, y participó como actriz -ya lo había
hecho varias veces como cantante- en Los reyes del mambo (1992)
y Cuando salí de Cuba (1995), porque ambas películas reflejaban
historias de los primeros exiliados cubanos, en parte cercanas a su propia
biografía.
Celia Cruz interpretando Quimbara con Fania All-Stars (Zaire, 1974)

«¡Azúcar!» era su potente grito infeccioso, la contraseña de apertura y

cierre de sus conciertos y la clave para hacerse entender en todo el mundo.
Difícilmente alguien ha bailado más y ha hecho bailar más que esta cubana
de sonrisa vivaz y persistente que conquistó adeptos de todas las latitudes
a lo largo de más de cincuenta años de triunfante trayectoria. Cantante de
guarachas, danzones, sones y rumbas en sus comienzos, Celia Cruz
siempre estuvo abierta a nuevas experiencias que la llevaron a abordar
otros ritmos y a unirse a proyectos en principio arriesgados para una artista
consagrada.

De este modo, no solamente se erigió en la imagen distintiva de la salsa

con orquestas como las de Tito Puente, Willie Colón, Ray Barretto o
Johnny Pacheco, sino que también llegó a cantar incluso rock o tango, y a
unir su poderosa voz a la de intérpretes tan dispares como el británico
David Byrne, el rumbero gitano Azuquita, el grupo argentino Los
Fabulosos Cadillacs, los españoles Jarabe de Palo y el rapero haitiano
Wyclef Jean, además de improvisar duetos con sus amigas Lola
Flores y Gloria Estefan, con damas del soul como las estadounidenses
Dionne Warwick o Patti LaBelle, y con el rey de la canción ranchera, el
mexicano Vicente Fernández.

79
Enfundada en sus fastuosos y extravagantes vestidos, tocada con pelucas
imposibles y encaramada sobre esos zapatos únicos de alto tacón
inexistente, Celia Cruz conservó hasta el último momento una vitalidad
insólita. Feliz con su flamante Grammy al mejor álbum de salsa por La
negra tiene tumbao (2001), en el verano de 2002 celebró el
cuadragésimo aniversario de su boda con Pedro Knight con una fiesta que
le organizó la cantante Lolita Flores en Madrid.

Celia Cruz en el Madison Square Garden (Nueva York, 2000)

En noviembre, durante un concierto en el Hipódromo de las Américas de

la capital mexicana, empezó a perder el control del habla. Al regresar a
Estados Unidos se sometió a la extirpación de un tumor cerebral;
desgraciadamente, la enfermedad no tenía remedio. Con el ruego expreso
de que no se viera en ello una despedida, el 13 de marzo de 2003 apareció
por última vez en público en el homenaje que la comunidad latina le tributó
en el teatro Jackie Gleason de Miami. Por esos días, entre febrero y marzo,
grabó un último disco que no llegaría a ver editado: Regalo del alma.

Se sentía optimista y con fuerzas, pero su dolencia pudo más que su

portentosa energía: el 16 de julio de 2003 falleció en su casa en Fort Lee
(Nueva Jersey), a los setenta y ocho años de edad. Miles de compatriotas
desfilaron ante sus restos primero en Miami y luego en Nueva York, donde
recibió sepultura. También los cubanos de la isla, pese a la prohibición
oficial que había pesado sobre su música durante más de cuarenta años,
lamentaron la desaparición de la más grande embajadora musical de Cuba.

80
Pocos días después de su fallecimiento fue homenajeada por sus
compañeros de profesión en la gala de entrega de los Grammy latinos.

81
Ó SCAR D'L EÓN

(Caracas, 1943) Músico venezolano que figura entre los más destacados
autores e intérpretes de la salsa y de la música caribeña en general. La
carrera profesional de Óscar D'León se inició tardíamente: cuenta la
leyenda que una noche, mientras visitaba un club nocturno allá por 1973,
oyó decir que la banda que allí tocaba había sido despedida. Óscar
aprovechó la oportunidad y ofreció su propia banda para reemplazar a la
que se había ido.

Óscar D'León

El dueño aceptó y lo contrató para comenzar a tocar unos días más tarde.
Sólo existía un problema: la banda estaba integrada en ese momento
únicamente por el propio D'León.

Rápidamente entró en contacto con el trombón César Monge, le contó lo

sucedido y ambos pusieron manos a la obra para reunir una formación. La
banda, finalmente, estuvo integrada por Óscar (voz y bajo, instrumento que
había aprendido a tocar de manera autodidacta), César Monge (trombón),
José Rodríguez (percusión), Enrique Iriarte (piano) y José Antonio Rojas
(trombón).

82
Así se formó La Dimensión Latina, la primera orquesta de Óscar D'León.
"Pensando en ti" fue el primero de la larga lista de éxitos de la orquesta.
Cuatro años después, Óscar abandonó la formación, y fue sustituido por el
puertorriqueño Andy Montáñez, vocalista que cantaba con el Gran Combo
de Puerto Rico.

Óscar volvió a la carga con su propia orquesta, La Salsa Mayor, con la que
grabó un primer disco cuyo título fue el del nombre del grupo: La Salsa
Mayor (1977). El trabajo resultó un gran éxito en su país, y poco a poco su
nombre empezó a sonar a escala internacional. El año siguiente grabó el
álbum El Más Grande, que contenía los temas "El baile del suavecito" y
"Mi bajo y yo", y poco después realizó su primera visita a Nueva York
para ofrecer unas actuaciones en directo.

Aparte de gran sonero, Óscar D'León es también un extraordinario show

man. Casi siempre acompañado de su bajo, con el que toca y con el que
baila como si se tratara de una pareja, Óscar se mueve con gran habilidad
por el escenario.

En Venezuela, Óscar D'León es un ídolo, no solamente como cantante y

como músico, sino también como modelo de hombre forjado a sí mismo
que, desde una posición muy humilde, logra la fama y el éxito a escala
internacional. Se le considera uno de los mejores intérpretes de la música
afrolatina de todos los tiempos y se encuentra sin duda entre los artistas
venezolanos con más proyección en el exterior.

A pesar de haber pasado por varias etapas en el desarrollo de la música

latina, el estilo de Óscar D'León, siempre inconfundible, ha mantenido
unas constantes que le han permitido asegurar la fidelidad de su amplísimo
público. D'León ha grabado con las estrellas más destacadas de la salsa;
entre sus colaboraciones, que pueden reseguirse en más de medio centenar
de álbumes, destaca su participación en The Mambo King, el larga
duración número cien del legendario Tito Puente.

83
O LGA T AÑÓN
(Santurce, 1967) Cantante puertorriqueña. Conocida artísticamente
como La Mujer de Fuego, título del disco que le lanzó a la fama, es una de
las más exitosas intérpretes de merengue desde la década de 1990.

Olga Tañón

Como muchos otros cantantes de su isla natal, dio sus primeros pasos en
el mundo artístico como integrante de grupos juveniles (en su caso Las
nenas de Ringo y, posteriormente, Jossie y Chantelle, ambos
exclusivamente femeninos) que le sirvieron de plataforma de lanzamiento
en el mercado musical latino.

Poseedora de unas notables cualidades vocales y con dotes de bailarina, en

1991 la firma discográfica WEA Latina se fijó en ella y al año siguiente
editó su primer disco en solitario: Sola. Este trabajo, claramente situado
dentro del género del merengue dominicano, alcanzó considerable éxito
gracias a temas como Me cambio por ella y Mujer rota.

84
En 1993 grabó un segundo trabajo con WEA, Mujer de Fuego, álbum que
la lanzó al estrellato en toda Latinoamérica, alcanzó el disco de doble
platino en cifra de ventas y popularizó algunas de sus mejores
canciones: Muchacho malo, Contigo o sin ti, Piel a piel o Presencié tu
amor (tema compuesto por la misma Olga Tañón).

Considerada ya la reina del merengue boricua, con el disco Siente el

amor (1994) consolidó su privilegiada posición entre los artistas del
género, al conseguir tres discos de platino. En este álbum hizo por primera
vez una incursión en la salsa con el tema Unicornio. Además, la letra de Es
mentiroso, la canción más oída de este trabajo, puso de relieve su firme
compromiso con el movimiento feminista.

Tras un año alejada de los estudios de grabación, en 1996 dio un giro

notable a su trayectoria con Nuevos senderos, para el que contó con la
producción del mexicano Marco Antonio Solís. Bajo este elocuente título,
Olga Tañón presentó por primera vez un trabajo repleto de baladas pop que
le abrió las puertas del mercado anglosajón estadounidense. Al mismo
tiempo recibió críticas negativas de gran parte de los medios
especializados, que lo consideraban un estilo puramente comercial.

85
Extraordinariamente popular en su país, algunas de sus actuaciones
batieron récords de asistencia: así, en 1996 dio trece conciertos
consecutivos en el Centro de Bellas Artes de San Juan, y al año siguiente
llenó en tres ocasiones el Estadio Roberto Clemente de la capital
puertorriqueña. En 1998 sacó al mercado un nuevo álbum, Te acordarás
de mí, cuyo tema de presentación, Tu amor, se convirtió en uno de los
mayores éxitos de su carrera musical.

Al año siguiente vio la luz Olga viva...Viva Olga, su primer disco en

directo grabado durante un concierto en la House of Blues de Orlando
(Florida). Bajo los arreglos y dirección musical de Humberto Ramírez, un
destacado trompetista de jazz, y una cuidada producción a cargo de Héctor
L. Rosa y David Hewitt, Olga viva...Viva Olga recogía sus grandes éxitos
(Muchacho malo, Tu amor, Es mentiroso...) y una selección de temas
clásicos puertorriqueños, como algunos bugalús de Joe Cuba y Richie
Ray.

El resultado fue el premio Grammy al mejor álbum de merengue de 2000

y multitudinarias presentaciones por toda América. Con su siguiente
álbum, Yo por ti (2001), lograría de nuevo el preciado
galardón. Sobrevivir (2002), A puro fuego (2003), Una nueva
mujer (2005), Soy como tú (2006) y Éxitos en 2 tiempos (2007) son los
títulos más recientes de su extensa discografía.

Olga Tañón demostró también su condición de artista polifacética con la

interpretación del papel de María Magdalena en la ópera-rock sobre la vida
de Jesús de Nazaret Jesucristo Superstar, realizada por Rafo Muñiz. En su
vida personal, Olga Tañón fue noticia por su efímero matrimonio con el
jugador de béisbol Juan Igor González, con quien tuvo una hija, Gabriela.

86
J UAN L UIS G UERRA

(Juan Luis Guerra Sijes; Santo Domingo, República Dominicana, 1957).

Cantante dominicano. Siendo el menor de tres hermanos, a los diez años
aprendió a tocar la guitarra, aunque su afición no empezará a demostrarse
hasta mucho después, a mitad de sus estudios de Filosofía y Letras que
inició en 1975.

En 1980 Juan Luis Guerra marchó a Boston para estudiar composición en

el afamado Berkeley College Of Music, aunque debía volver
periódicamente a su país para conseguir el dinero -trabajando en un canal
de televisión- con el que pagarse su estancia en los Estados Unidos.

Juan Luis Guerra (derecha) y los 4-40

En 1984 grabó por su cuenta el material que compondría el

álbum Soplando, rechazado en un principio por la discográfica Karen, que
sí aceptará un año más tarde los temas que aparecen bajo el rótulo
de Mudanza y acarreo.

En 1986 se editó el álbum Mientras más lo pienso, tú con cambios en la

formación que habitualmente servía de respaldo a Juan Luis Guerra, Los
Cuatro Cuarenta, en cuyo seno permanecía hasta entonces Maridalia

87
Hernández, sustituida ahora por Marco Hernández. En su país se convierte
en un ídolo, junto a Víctor Víctor (para muchos su maestro).
El tema Woman Del Callao (incluido en Mientras más lo pienso, tú) se
editó en España y Juan Luis Guerra Y Los Cuatro Cuarenta realizaron su
primera visita promocional a dicho país. Todo un éxito, en especial desde
que Camarón incluyera su versión del tema Amor de Conuco (a dúo con
Ana Belén) en su álbum Soy Gitano. Así comenzó en España el fenómeno
Juan Luis Guerra.

En 1990 ve la luz por fin en el mercado americano el LP Soplando y en

España se edita Ojalá que llueva café y el recopilatorio Mosquito Coast.

Mientras tanto, se publica en la República Dominicana Bachata

Rosa (editado en España en 1991, marcando el punto más alto de su
popularidad), con nuevos cambios en su grupo (Adalgisa Pantaleón
sustituye a Mariela Mercado en las giras, aunque ambas seguirán presentes
en sucesivas grabaciones).

En 1991 la gira española de Juan Luis Guerra arrasa, llegando a poner el no

hay entradas con cuatro días de antelación en su actuación de febrero
celebrada en el Pabellón del Real Madrid y más de un cuarto de millón de
asistentes al total de sus conciertos.

Una grave enfermedad en la vista interrumpió la grabación del

álbum Areito, que acabó siendo mezclado en Nueva York y cuyo tema El
costo de la vida entró en el puesto número treinta y cuatro de la lista de
singles de música latina de la revista Billboard.

En enero de 1993 fue ya el álbum número cinco en ventas, según la misma

publicación. Juan Luis Guerra fue presentado por todo lo alto en el Radio
City Music Hall de Nueva York y se extendieron los rumores (desmentidos
por sus posteriores trabajos) de sus intenciones de abandonar la música.

En 1998, después de cuatro años de silencio discográfico, Juan Luis Guerra

reapareció con un nuevo trabajo con el título No es lo mismo ni es igual.

En este su quinto álbum aparecen curiosos temas cargados de humor e

ironía, como en Mi PC, una burla de la jerga informática en clave
romántica; y otros con una fuerte carga de crítica social, como es el caso
de El Niágara en bicicleta, en el que relata una historia de hospitales
pobres. En poco más de un año llegaría su sexto trabajo, Colección

88
romántica, un álbum recopilatorio de sus canciones de amor más
populares:

Bachatta rosa, Burbuja de amor, Estrellitas y duendes, Amapola, etc.

En octubre de 2004 apareció un nuevo disco de Guerra, ya sin los 4-40,

titulado Para ti, un álbum en el que presenta once canciones
completamente dedicados a alabar a Dios, toda vez que el cantante
dominicano se había convertido previamente a la Iglesia evangelista.

A pesar de este marcado acento religioso, y de que los ritmos están más
cercanos al goospel que a las bachatas, merengues y salsas que le hicieran
famoso, fue un completo éxito de ventas. Con La llave de mi
corazón (2007) fue el gran triunfador en la gala de los premios Grammy
Latinos.

89
J UANES

(Nombre artístico de Juan Esteban Aristizábal Vásquez; Colombia, 1972)

Cantante colombiano.

Para poder explicar la trayectoria artística de Juanes hay que remontarse a

finales de la década de los 80, cuando un joven Juan Esteban, siguiendo su
pasión por la canción y el ritmo, crea una banda de metal con tan sólo 15
años. No tarda en darse cuenta de que lo que ha empezado como un simple
juego de niños es en realidad el inicio de un brillante futuro profesional.

Juanes

Juan Esteban Aristizábal Vásquez nace en los años 70 en el seno de una

familia colombiana donde se vive la música con pasión. Su padre y sus
hermanos le enseñan a tocar la guitarra y siendo aún muy chico ya está
muy familiarizado con este género artístico. Por eso, en su adolescencia en
la ciudad de Medellín, se decide a organizar Ekhymosis, con el que dará
sus primeros pasos profesionales en los mercados musicales.

90
Ocho años de historia y cinco álbums publicados avalan la calidad de las
propuestas de Ekhymosis y de Juan Esteban como su guitarrista y cantante.
Todo este tiempo y el trabajo creativo hecho le dan al músico colombiano
la suficiente experiencia como para decidirse a iniciar su camino artístico
en solitario cuando en el año 1995 se disuelve la banda.

En 1998 Juan Esteban deja su Colombia natal y se traslada a vivir a Los

Ángeles. Su estancia en esta ciudad norteamericana le sirve de inspiración
y se convierte en el eje temático de su primer disco como solista, Fíjate
bien. Pese a ser su debut, este álbum es un gran éxito de público y de crítica
y le sirve incluso para obtener tres nominaciones a los prestigiosos premios
Grammy latinos.

Con su nueva vida cambia también su nombre y se convierte en Juanes. En

poco tiempo acabará consolidándose como una estrella de la música latina
e iniciará una espiral en la que, a lo largo de cuatro años, grabará tres discos
y se convertirá en el artista latino de más prestigio internacional.

Juanes recibiendo el MTV 2003

El éxito de Fíjate bien queda corto ante la repercusión que alcanza la salida
al mercado del segundo trabajo discográfico de Juanes, Un día normal.

91
Él mismo es el autor de once de los doce temas de este álbum que ha
marcado un hito histórico al ser el que ha conseguido mantenerse más
tiempo en el Top-10 latino.

Entre sus canciones se encuentra A Dios le pido, un verdadero hit que se

escucha en todo el mundo y que al cabo del tiempo sigue siendo una de sus
creaciones más populares. Además en este disco Juanes cuenta con la
colaboración de la popular Nelly Furtado, con quien graba Fotografía.

Juanes canta, compone, produce y es el guitarrista y arreglista de todas las

canciones que forman parte de su discografía. Esta total dedicación a su
trabajo, además de su indudable talento artístico, es una de las razones de
su triunfal carrera musical que le ha llevado a ganar numerosos e
importantes premios como los Amigo, MTV, Grammy latinos, Lo Nuestro
e incluso un Ondas español.

El amor como tema principal de sus composiciones y la combinación de

ritmos colombianos, rock y pop que salen de su guitarra hacen que sus
canciones sean verdaderos éxitos con los que arrasa entre el público de sus
giras de conciertos a nivel internacional.

El último disco de Juanes hasta el momento aparece en los mercados de

todo el mundo en el año 2004.

Se titula Mi sangre y el sonido de la guitarra es el principal protagonista

de la mayoría de sus temas, en los que además de reflejar el mundo de los
sentimientos y diferentes aspectos de la vida actual aborda la problemática
de la cada vez más creciente violencia en nuestra sociedad.

92
S HAKIRA

(Shakira Isabel Mebarak Ripoll; Barranquilla, 1977) Cantante colombiana

de pop-rock latino. Son muy pocas las estrellas latinoamericanas de la
música pop-rock que han logrado un éxito internacional tan fulminante
como Shakira, intérprete y compositora en castellano e inglés que ha
alcanzado un puesto destacadísimo en los ámbitos de ambas lenguas.

Shakira

Nacida en el seno de una familia de clase media, Shakira era hija de

William Mebarak, de ascendencia libanesa, y de Nidia Ripoll, colombiana
con antepasados catalanes. Desde los cinco años mostró indicios de su
vocación artística, demostrando su notable talento en la interpretación de
danzas y cantos árabes. No en vano su nombre, Shakira, significa en lengua
árabe "llena de gracia".

A los ocho años compuso su primera canción, Tus gafas oscuras, que
dedicó a su padre. Éste, al igual que su madre, comprendió pronto cuál era
la vocación de su hija, que inició una carrera artística infantil

93
presentándose en programas de radio y televisión. A los diez años ya
escribía canciones de forma sistemática; participó por primera vez en el
concurso de televisión Buscando artista infantil en 1988, en el que resultó
vencedora, y repitió el triunfo en 1989 y 1990.

Siendo adolescente, Shakira firmó su primer contrato discográfico con

Sony Music Colombia, sello para el que grabó su primer
álbum, Magia (1991), con temas que había compuesto entre los ocho y los
trece años, al que siguió dos años después un segundo
álbum, Peligro (1993).

Su personalidad impactó de inmediato al público y a los periodistas

musicales; fue elegida para representar a Colombia en el Festival OTI, pero
no pudo asistir por ser menor de dieciséis años.

La gran oportunidad le llegó cuando fue invitada a participar en el Festival

de la Canción de Viña del Mar de 1993. Fue entonces cuando, con sólo
dieciséis años, su interpretación de la balada Eres le abrió las puertas del
mercado latinoamericano.

Mientras terminaba sus estudios de secundaria, Shakira preparó el que

sería su tercer álbum, Pies descalzos (1995).

El disco, que incluía además del tema que le da título otros hits como Estoy
aquí, Sueños blancos y ¿Dónde estás corazón?, fue un éxito en toda
América Latina, con más de cuatro millones de ejemplares vendidos; sus
canciones se erigieron en éxitos extraordinarios y le hicieron ganar
millones de admiradores.

Su siguiente disco, ¿Dónde están los ladrones? (1998), producido por

Emilio Estefan, la convirtió en la estrella indiscutible del pop-rock latino,
con más de ocho millones de copias vendidas. Algunos de los temas que
contenía este álbum (nominado al premio Grammy y que se mantuvo
durante más de un año entre los diez primeros del Soundscand en Estados
Unidos), como el que le da título oInevitable, Tú, Ojos así y Ciega,
sordomuda, redoblaron la popularidad de Shakira y proyectaron su figura
en los mercados internacionales.

94
Para asentar su creciente popularidad en los Estados Unidos, la cantante
grabó en Nueva York Shakira MTV Unplugged (1999), un concierto en
vivo con un especial sabor latino que constituyó la primera presentación
acústica retransmitida en español por MTV en ese país. Por este trabajo
ganó Shakira su primer Grammy (al mejor álbum de pop latino) y los
Grammy Latino a la mejor cantante pop (por Ojos así) y a la mejor cantante
de rock (por Octavo día).

Sabedora del potencial del mercado anglosajón, Shakira decidió entonces

dar un paso más en su carrera y escribió un nuevo álbum: Servicio de
lavandería/Laundry Service (2001), con nueve temas en inglés, entre
ellos Underneath Your Clothes y Whenever, Wherever, y cuatro en
español. El disco fue número uno en Argentina, Australia, Austria, Canadá,
México, Nueva Zelanda, Países Bajos, Suecia y Suiza, y supuso su
consagración mundial, con más de 13 millones de copias vendidas. La gira
de presentación del álbum, el "Tour de la Mangosta", duró seis meses (de

95
noviembre de 2002 a mayo de 2003) y dejó para el recuerdo el DVD Live
and Off the Record (2004).

Cuatro años después de Servicio de lavandería, la colombiana, que no paró

en todo este tiempo de seguir componiendo, sorprendió con la publicación,
con pocos meses de diferencia, de dos nuevos álbumes: Fijación oral Vol.
1, en español (junio de 2005), y Oral Fixation Vol. 2, en inglés (noviembre
de 2005).

El primero incluía temas como La tortura, interpretado a dúo con

Alejandro Sanz, La pared o Las de la intuición. En sólo tres días las ventas
en todo el mundo alcanzaron el millón de ejemplares. El vídeo de La
tortura fue, además, el primero en español programado de forma regular
en MTV y VH1.

Al éxito de este disco no le anduvo a la zaga Oral Fixation Vol. 2, con el

que, al igual que el anterior, la cantante batió sus propios récords.

Uno de sus sencillos, Hips Don't Lie, en el que contaba con la colaboración
del rapero y productor Wyclef Jean, fue el más vendido de 2006; alcanzó
el número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos y convirtió a
Shakira en la única artista colombiana en lograrlo.

Asimismo, fue un fenómeno digital: en una sola semana se contabilizaron

266.500 descargas de la canción. Los galardones no se hicieron
esperar: Fijación oral Vol. 1 obtuvo en 2006, entre otros, el Grammy al
mejor álbum latino de rock/alternativo, el Grammy Latino al mejor álbum
del año y seis premios Billboard a lo mejor de la música latina.

Con ambas versiones en inglés y en español, la superestrella colombiana

emprendió en junio de 2006 un ambicioso tour que la llevó a ciento
cuarenta ciudades de América del Norte, América Latina, Europa, África
y el Sudeste Asiático. La gira se prolongó hasta julio de 2007 y fue seguida
en directo por más de cuatro millones de personas.

Tras esta gira, Shakira se encerró en la preparación de su siguiente álbum

de estudio, She Wolf, que vería la luz en octubre de 2009. En el ínterin
colaboró con artistas como Alejandro Sanz (Te lo agradezco, pero
no), Beyoncé (Beautiful Liar) o Miguel Bosé (Si tú no vuelves) y
coescribió y grabó dos temas para la versión cinematográfica de El amor
en los tiempos del cólera, una celebrada novela de su compatriota Gabriel
García Márquez. She Wolf incluía temas como Loba o Gypsy (en cuyo

96
vídeo promocional estuvo acompañada por el tenista español Rafa Nadal),
que volvieron a situarla en el primer plano de la actualidad.

En el verano de 2010, tras presentar su propio perfume, S by Shakira, la

cantante colombiana fue la encargada de despedir la Copa del Mundo de
Fútbol de Sudáfrica, al ritmo del Waka, waka, una nueva versión de la
canción camerunesa Zangalewo e himno oficial del Mundial. Pocos días
después se trasladó a Barcelona (ciudad de la que se declaraba enamorada),
donde grabó el vídeo de presentación de su nuevo disco, Sale el sol, esta
vez en castellano. Sale el sol, en el que destacaba una colaboración con
Calle 13, apareció en octubre y se presentó en una nueva gira, "El Tour de
la Delicias", que recalaría en España en noviembre.

Pese a vivir en el firmamento de la popularidad, a Shakira no se le han

subido los humos a la cabeza. Desde hace años compagina su carrera
artística con las causas humanitarias.

A mediados de la década de 1990 creó la Fundación Pies Descalzos,

dedicada a ayudar a niños víctimas de la violencia en Colombia,
otorgándoles servicios educativos, nutricionales, psicológicos y médicos.

Fundó además ALAS (América Latina en Acción Solidaria), una

institución sin ánimo de lucro que aspira a impulsar el desarrollo infantil
temprano en América Latina. En 2003 fue nombrada embajadora de buena
voluntad de Unicef, y en 2006 recibió el premio Espíritu de la Esperanza
por su trabajo humanitario.

Desde el año 2000, Shakira compartió su vida con Antonio de la Rúa, hijo
del que fuera presidente argentino Fernando de la Rúa; los rumores de boda
se intensificaron hacia 2007, sin llegar a concretarse, lo cual alimentó los
rumores de ruptura; en 2010 la propia cantante confirmó que se habían
separado de forma amistosa.

Desde 2011 está unida sentimentalmente al futbolista del FC Barcelona

Gerard Piqué, romance que, como el anterior, ha inundado las páginas de
la prensa rosa. Bella, de impresionante sensualidad (especialmente con sus
inconfundibles movimientos de vientre y cadera) y con un absoluto
dominio de los escenarios, la artista colombiana, que en 2012 llevaba
vendidos más de 125 millones de discos en español e inglés, no hace más
que renovar su éxito año tras año.

97
V ICENTE F ERNÁNDEZ

(Huentitán el Alto, Jalisco, 1940) Cantante mexicano, último de los

intérpretes míticos de la canción ranchera. Este género romántico y
sentimental, cuyos orígenes se remontan al siglo XIX y que tuvo su cuna
en el estado de Jalisco, conoció gran difusión a partir de los años 30 y 40
del siglo XX de la mano de los mariachis, conjuntos musicales de atuendo
y repertorio tradicionales que incursionaron con éxito en la radio y en el
cine y cobraron un inmensa popularidad.

Vicente Fernández

Consolidada y convertida en la música nacional mexicana por excelencia

tanto en el propio país como en el extranjero, la ranchera vivió su periodo
áureo en los años 50, época a la que pertenece su mejor compositor e
intérprete: José Alfredo Jiménez.

Cuando Jiménez falleció a principios de los 70, el gran Vicente Fernández

tomó el relevo para vivificar el género y evitar lo que parecía el inicio de
un franco declive. Canciones como Volver, Volver (1972) hicieron de él un
ídolo y una referencia indiscutible, y su prolífica actividad concertística y

98
discográfica lo mantendría en lo más alto del panorama musical nacional
durante décadas.

Biografía
Vicente Fernández Gómez nació el 17 de febrero de 1940 en la localidad
mexicana de Huentitán el Alto, en tierras de Jalisco. Su familia era de clase
humilde y desde muy niño se vio obligado a trabajar en diferentes oficios
para ganar algo de dinero y poder sobrevivir dignamente.

Nada en sus orígenes ni ancestros hacia presagiar que con los años se le
conocería como El charro de Huentitán y recibiría de sus admiradores
calificativos tan elogiosos como El rey de la canción ranchera.

El pequeño Chente, como era familiarmente llamado entonces, tenía sin

embargo ideas claras: su ídolo era el también cantante de rancheras y
actor Pedro Infante, cuyas películas devoraba en el cine.

Quería ser como él, y a los ocho años comenzó a rasguear la guitarra y a
cantar las rancheras que oía en la radio.

Los inicios no fueron fáciles: había que compaginar la música con la

supervivencia, estar dispuesto a actuar en los más precarios escenarios y
aprovechar la más pequeña oportunidad para darse a conocer, ni que fuese
en círculos reducidos o en certámenes de aficionados.

Vicente Fernández

99
A los 21 años, mientras actuaba en el restaurante Amanecer Tapatío
(cantando tanto en el escenario como entre las mesas), debutó en el
programa de televisión La Calandria Musical, donde ganó su primer
sueldo como cantante: 35 pesos.

Ello le hizo plantearse su futuro profesional y decidió dejar sus demás

actividades para llegar a ser cantante y actor.

Con este objetivo se trasladó a vivir a Ciudad de México y actuó durante

una temporada en la formación Mariachi Amanecer.

Después de estos conciertos, Vicente Fernández participó en el grupo

Mariachi Aguilar con Felipe Arriaga y se presentó en el Teatro Blanquita
de México.

También entró a trabajar en Televisa, donde conoció a Raúl Velasco, y

empezó a ser apreciado y conocido por el público.

Su carrera despegó definitivamente cuando la discográfica CBS le ofreció

un contrato y grabó su primer álbum, El Fabuloso Vicente
Fernández (1965), y alcanzaría un primer momento culminante
con ¡Arriba Huentitán! (1972), que contenía el más universal de sus
grandes éxitos: Volver, Volver.

Vicente Fernández en concierto

Iniciaba así una trayectoria que se prolongaría durante más de cuatro

décadas, a lo largo de las cuales Vicente Fernández alternó la

100
interpretación de rancheras y otros géneros tradicionales con temas
nuevos.
El cantante es tan famoso en su país que las emisoras de radio mexicanas
han instituido la celebración cada 15 de septiembre del Día de Vicente
Fernández.

Al igual que Pedro Infante, su gran ídolo, la fama adquirida como cantante
permitió a Vicente Fernández emprender su carrera en el cine.

Debutó en 1971 en la película Tacos al carbón, y tres años después

protagonizó y compuso la banda sonora de su primer gran éxito en el
celuloide: La ley del monte (1974).

Durante veinte años compaginó ambas actividades, llegando a participar

en más de treinta películas antes de retirarse del cine en 1991, cuando, por
razones de edad, creyó no estar ya en condiciones de dar la suficiente
dignidad al charro (el orgulloso y varonil jinete y hombre de campo, con
su atuendo tradicional), el personaje que con más frecuencia interpretó.

Vicente Fernández interpreta Volver, volver en un histórico concierto.

(Plaza Monumental de Toros de México, 15 de septiembre de 1984)

Su extensísima discografía comprende más de 80 álbumes contando los

numerosos recopilatorios y discos en directo.

A ello hay que sumarle la aparición en 2002 de Vicente Fernández 35

aniversario, Lo mejor de Lara, un álbum que se realizó en homenaje a su
larga y significativa carrera artística y a la obra de un no menos célebre
compositor mexicano: Agustín Lara.

En 2012, cuando anunció que pensaba retirarse tras una última gira de
despedida, llevaba vendidas más de 75 millones de copias de sus discos.

Además de la gran acogida que siempre han logrado las rancheras de

Vicente Fernández entre su público, el intérprete cuenta con un extenso
currículum de reconocimientos y homenajes tanto a nivel nacional como
internacional, que llegaron en su mayor parte de forma tardía, a partir de
la década de 1990.

Su álbum Vicente Fernández y las clásicas de José Alfredo Jiménez (1991)

le valió el premio Billboard; entre 1989 y 2014 mereció en catorce

101
ocasiones, en diversas modalidades, el premio Lo Nuestro que la cadena
Televisa otorga a lo más granado de la música latina; Hollywood le
concedió una de sus estrellas en el Paseo de la Fama en el año 1998,
ceremonia a la que asistieron cinco mil personas; finalmente, en 2010,
obtuvo el Grammy al mejor álbum mexicano por Necesito de ti (2009).

102
R OCÍO D ÚRCAL

(María de los Ángeles de las Heras Ortiz; Madrid, 1944 - 2006) Cantante
y actriz española. Desplegó una intensa actividad cinematográfica en su
juventud, pero es sobre todo recordada como una de las más destacadas
intérpretes de rancheras, mariachis, boleros y otros géneros tradicionales
latinoamericanos.

Rocío Dúrcal

Descendiente de una familia humilde, trabajó desde muy joven como

peluquera.

Durante su infancia, e impulsada por su abuelo, participó en numerosos

concursos radiofónicos en busca de una oportunidad como niña prodigio,
hasta que quedó finalista del concurso Primer Aplauso de Televisión
Española. En sus comienzos se dedicó al flamenco y a la canción española,
primero con el nombre de Rocío Benamejí y, posteriormente, de Rocío
Fiestas. Al productor cinematográfico Luis Sanz, que la contrató en

103
exclusiva para la productora Época Films, se debe el nombre de Rocío
Dúrcal, su definitivo alias artístico.

Rocío Dúrcal debutó en el cine con la película Canción de juventud (1961),

del Luis Lucia, bajo cuya dirección trabajó también en su segundo
filme, Rocío de la Mancha (1962).

Un año después rodó La chica del trébol, de Sergio Grisco, y se afianzó

como artista profesional con su intervención en la comedia musical de
Norman Krasma Un día en Nueva York (1963), dirigida por Adolfo
Marsillach.

A partir de entonces su dedicación al cine fue intensiva; fruto de tanta

actividad fueron los numerosos filmes en que participó durante los 60 y los
70: Tengo 17 años (1964),
Más bonita que ninguna (1965),
Acompáñame (1965),
Buenos días, condesita (1966),
Amor en el aire (1967),
Cristina Guzmán (1968),
Las Leandras (1968),
La novicia rebelde (1971),
Mariela (1972),
Me acuesto a las nueve y cinco (1973),
Díselo con flores (1974),
Me siento extraña (1977),
Sin retorno (1977)
Contacto peculiar (1978).

Entretanto, en 1969 conoció Juan y Junior, un dúo musical formado por

los cantantes Juan Pardo y Antonio Morales, con quienes trabó más que
una gran amistad: Rocío Dúrcal se enamoró de Antonio Morales, y nueve
meses después se casó con él. Del matrimonio nacieron tres hijos: Carmen
María Guadalupe, Antonio y Shaila.

En 1977 conoció al cantante y compositor mexicano Juan Gabriel, con el

que iniciaría una fructífera colaboración.

La española llegaría a grabar ocho discos de rancheras compuestas por el

mexicano, entre los que destaca Cuando decidas volver (1981).

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Después del disco La gata, alejado de la ranchera, volvió de nuevo a la
canción mexicana en junio de 1983 con su elepé Entre tú y yo. Otro de sus
álbumes destacados fue Rancheras y Mejicanas, que le valió el Premio
Heraldo de México de 1983.

Además, obtuvo ese año el Premio de la Crítica de Nueva York por el

disco Diferentes y el Premio Naranja, otorgado por los periodistas.

Las cifras de ventas de sus discos rondaban los treinta y cinco millones de
copias, lo que significó en su momento ser la artista española más vendida
de la historia. Su disco de 1988 Amor eterno, nuevamente sobre repertorio
de Juan Gabriel, volvió a batir récords y supuso otro éxito espectacular.

En la década de los noventa, Rocío Dúrcal siguió actuando periódicamente

por Hispanoamérica, donde siempre fue muy apreciada por su simpatía.

Después de una década de ausencia en los escenarios españoles, en 2001

reapareció con un nuevo trabajo, Entre tangos y mariachis, un disco
grabado en diez días que incluye temas clásicos como "Caminito" y "A
media luz".

En abril de 2005 la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música de

España le concedió el Premio Latino a toda una vida dedicada a la música.
Rocío, enferma desde 2001 del cáncer que le arrebataría la vida, no pudo
asistir a la ceremonia.

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A continuación, les dejo las imágenes de algunos de los 30 mensajes que
envié pidiendo a los artistas famosos un consejo para ustedes. Ninguno
respondió…
Lamentablemente tuve que tachar los nombres por respeto (PORQUE YO
SI RESPETO)

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Ellos se lo pierden, atender y apoyar a estos increíbles futuros artistas es
un placer, porque estoy seguro de que lo van a lograr, con espíritu de lucha
y superación.

Espero este libro sea útil para ustedes y saben muy bien que nada ni nadie
debe irrumpir sus sueños, disfruten y sigan adelante con respeto y amor…

Aldoshow…
2019

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