Programas Artes Visuales 2020 Compressed

RHCD 48-2022 - Programas 2020 Artes Visuales 3
2000 - Curso de Nivelación del ciclo lectivo 2021 6

2001 - Introducción a la Historia de las Artes - 2020 15
2002 - Visión I - 2020 41
2003 - Dibujo I - 2020 61
2004 - Grabado I - 2020 68
2005 - Pintura I - 2020 81
2006 - Escultura I - 2020 92
2007 - Historia del Arte Latinoamericano - 2020 104
2008 - Visión II - 2020 120
2009 - Dibujo II - año 2020 133
2010 - Escultura II - 2020 143
2011 - Taller de Investigación en Artes - 2020 158
2012 - Elementos para una Teoría del Arte - 2020 170
2013 - Sistemas de Representación - 2020 178
2014 - Pintura II - 2020 188
2015 - Grabado II - 2020 215
2016 - Problemática General del Arte - 2020 236
2017 - Plástica Experimental - 2020 291
2018 - Antropología del Arte - 2020 302
2019 - Dibujo III - 2020 316
2020 Historia del Arte I - 2020 328
2021 - Procesos de Producción y Análisis I c) Pintura - 2020 341
2022 - Procesos de Producción y Análisis I b) Grabado - 2020 353
2023 - Procesos de Producción y Análisis I (a) Escultura - 2020 376
2027 - Historia del Arte I - 2020 389
2028 - Dibujo IV - 2020 404
2029 - Historia del Arte III - 2020 414
2030 - Procesos de Producción y Análisis II c) Pintura - 2020 423
2031 - Procesos de Producción y Análisis II b) Grabado - 2020 436
2032 - Procesos de Producción y Análisis II a) Escultura - 2020 454
2033 - Procesos de Producción y Análisis II d) Medios Múltiples - 2020 468
2036 - Gestión y Posproducción Artística - 2020 486
2038 - Seminario de Trabajo Final - 2020 511
Universidad Nacional de Córdoba
2022 - Las Malvinas son argentinas
Resolución H. Consejo Directivo
Número: RHCD-2022-48-E-UNC-DEC#FA
CORDOBA, CORDOBA
Lunes 2 de Mayo de 2022
Referencia: EX-2021-00739496- -UNC-ME#FA
VISTO
La solicitud de aprobación de los programas de materias anuales y del primer y segundo cuatrimestre del Ciclo
Lectivo 2020 de las carreras del Departamento Académico de Artes Visuales.
CONSIDERANDO
Que son de aplicación la OHCD N° 1/2018, aprobada por RHCS-2019-1932-E-UNC-REC y la RHCD N° 388/2017.
Que en reunión del 17 de febrero de 2022 la Comisión de Enseñanza del HCD analizó los programas presentados
de acuerdo con lo solicitado por Secretaría Académica.
Que en los programas, embebidos en Orden N° 2, la Comisión de Enseñanza observa: Programa ciclo lectivo 2019:
2017 Plástica Experimental Anual con adenda 2020. Programas ciclo lectivo 2020 con adenda ASPO: 2001
Introducción a la Historia de las Artes, 2002 Visión I, 2004 Grabado I, 2006 Escultura I, 2007 Historia del Arte
Latinoamericano, 2009 Dibujo II, 2010 Escultura II, 2011 Taller de Investigación en Artes, 2013 Sistemas de
Representación, 2014 Pintura II, 2015 Grabado II, 2016 Problemática General del Arte, 2018 Antropología del Arte,
2019 Dibujo III, 2020 Historia del Arte I, 2021 Procesos de Producción y Análisis I c) Pintura, 2022 Procesos de
Producción y Análisis I b) Grabado, 2023 Procesos de Producción y Análisis I (a) Escultura, 2027 Historia del Arte II,
2028 Dibujo IV, 2030 Procesos de Producción y Análisis II c) Pintura, 2031 Procesos de Producción y Análisis II b)
Grabado, 2032 Procesos de Producción y Análisis II a) Escultura, 2033 Procesos de Producción y Análisis II d)
Medios Múltiples, 2036 Gestión y Posproducción Artística, 2038 Seminario de Trabajo Final. Programas ciclo lectivo
2020 sin adenda ASPO: 2003 Dibujo I, 2005 Pintura I, 2012 Elementos para una Teoría del Arte. Programa ciclo
lectivo 2020 con adenda que no corresponde según lo expresado en el programa: 2029 Historia del Arte III.
Programa ciclo lectivo 2021: 2000 Curso de Nivelación 2021
Que, en sesión ordinaria, realizada de manera remota, del día 7 de marzo de 2022 el H. Consejo Directivo de la
Facultad de Artes aprobó, por unanimidad, el despacho de la Comisión de Enseñanza.
Por ello,
EL HONORABLE CONSEJO DIRECTIVO DE LA FACULTAD DE ARTES
R E S U E L V E:
ARTÍCULO 1°: Aprobar los programas de materias anuales y del primer y segundo cuatrimestre del 2020 de las
carreras Departamento Académico de Artes Visuales, que se adjuntan en el Orden N° 2 de estas actuaciones,
reconociendo su validez para los ciclos lectivos 2020, 2021 y 2022, en aplicación de lo establecido en el Artículo 1°
de la RHCD N° 388/2017, y siempre que no se presenten nuevas versiones en ciclos lectivos posteriores a 2020.
que se nominan a continuación:
2001 - Introducción a la Historia de las Artes,
2002 - Visión I,
2003 - Dibujo I
2004 - Grabado I,
2005 - Pintura I
2006 - Escultura I,
2007 - Historia del Arte Latinoamericano,
2009 - Dibujo II,
2010 - Escultura II,
2011 - Taller de Investigación en Artes,
2012 - Elementos para una Teoría del Arte
2013 - Sistemas de Representación,
2014 - Pintura II,
2015 - Grabado II,
2016 - Problemática General del Arte,
2017 - Plástica Experimental
2018 - Antropología del Arte,
2019 - Dibujo III, 2020 Historia del Arte I,
2021 - Procesos de Producción y Análisis I c) Pintura,
2022 - Procesos de Producción y Análisis I b) Grabado,
2023 - Procesos de Producción y Análisis I (a) Escultura,
2027 - Historia del Arte II,
2028 - Dibujo IV,
2029 - Historia del Arte III
2030 - Procesos de Producción y Análisis II c) Pintura,
2031 - Procesos de Producción y Análisis II b) Grabado,
2032 - Procesos de Producción y Análisis II a) Escultura,
2033 - Procesos de Producción y Análisis II d) Medios Múltiples,
2036 - Gestión y Posproducción Artística,

2038 - Seminario de Trabajo Final,
ARTÍCULO 2°: Aprobar el programa que se adjunta en el Orden N° 11 de estas actuaciones, de las carreras del
Departamento Académico de Artes Visuales, reconociendo su validez para los ciclos lectivos 2021, 2022 y 2023, en
aplicación de lo establecido en el Artículo 1° de la RHCD N° 388/2017, y siempre que no se presenten nuevas
versiones en ciclos lectivos posteriores a 2021:
2000 - Curso de Nivelación del ciclo lectivo 2021
ARTÍCULO 3º: Protocolizar. Incluir en el Digesto Electrónico. Comunicar a Secretaría Académica, al Departamento
Académico de Artes Visuales y al Área Enseñanza. Remitir las actuaciones al Departamento de Asuntos
Académicos para sus efectos.
DADA EN REUNIÓN REMOTA DEL HONORABLE CONSEJO DIRECTIVO DE LA FACULTAD DE

ARTES DE LA UNIVERSIDAD NACIONAL DE CÓRDOBA A SIETE DÍAS DEL MES DE MARZO DE
DOS MIL VEINTIDÓS
Digitally signed by PELLINI Franco Alberto Digitally signed by MOHADED Ana María
Date: 2022.05.02 09:49:07 ART Date: 2022.05.02 12:58:44 ART
Location: Ciudad de Córdoba Location: Ciudad de Córdoba
FRANCO ALBERTO PELLINI Ana Maria Mohaded
Secretario de Consejo Decana
Honorable Consejo Directivo Facultad de Artes Decanato Facultad de Artes
Universidad Nacional de Córdoba Universidad Nacional de Córdoba
Digitally signed by GDE UNC

DN: cn=GDE UNC, c=AR, o=Universidad
Nacional de Cordoba, ou=Prosecretaria de
Informatica, serialNumber=CUIT 30546670623
Date: 2022.05.02 12:59:01 -03'00'
PROGRAMA CICLO LECTIVO 2021
Programa adecuado al dictado y cursado virtual en el marco de la Emergencia Sanitaria
Departamento Académico: ARTES VISUALES
Carrera/s:
Lic. en Artes Visuales orientaciones: a) Escultura, b) Grabado, c) Pintura, d) Medios Múltiples)

RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS 16/2012. Res. Ministerial 987/2013
Profesorado de Educación Plástica y Visual. Res. HCD 93/2014. Aprob. Res. HCS 1037/2014. Res.
Ministerial 1220/2016.
Asignatura: CURSO DE NIVELACIÓN

Año curricular: 2021
Materia anual o cuatrimestral: 45 días de cursado
Equipo Docente:
Coordinadora: Mgter. Carolina Senmartin (en licencia) Prof. y Lic. Constanza Molina
Prof. Adjuntas: Arq. Nadine Madelón, Lic. Victoria Gatica
Prof. Asistentes: Lic. Ana Pistone, Prof. y Lic. Rocío Pérez, Lic. Mauricio Cerbellera, Lic.
Lucrecia Requena, Mgter. Dolores Otero Gruer, Lic. Paulina Iglesias
Adscriptxs: Lic. María Eugenia Castillo, Belén Messina
Ayudantes Alumnxs: Agustina Fassi, Paz Herrera Rezzónico, Caterina Vignolo, Pilar Carranza Zatti,
Joaquín Saavedra.
Distribución Horaria: Turno mañana: de 9:00 a 13:00 hs. Turno tarde: de 17:00 a 21:00 hs.
Días y Horario de Consulta: Febrero y Marzo de 2021 (días y horarios a confirmar)
Mail de contacto: ingresoartesvisuales@artes.unc.edu.ar
1. Fundamentación / Enfoques / Presentacion:
El Curso de Nivelación es un espacio curricular inicial perteneciente a las carreras de Artes Visuales:
Licenciaturas en Escultura, Grabado, Pintura, Nuevos Medios y Profesorado en Educación Plástica y
Visual, que aborda algunos aspectos nodales de la disciplina, al mismo tiempo que promueve la
ambientación a los estudios universitarios. El eje vertebrador del programa tiene a las imágenes como
constructoras de conocimiento y es a partir de ellas que la cátedra se estructura en tres unidades:
Percepción, Representación e Interpretación.
La clave que vincula a las imágenes y al conocimiento es la continuidad entre experiencia visual y
representación: se mira para conocer y se representa lo visible o lo experimentable. El hecho de
imaginar no se opone a la realidad, ya que estamos condicionados por la experiencia visual. Pensamos
a las imágenes en un sentido amplio, cambiantes y en permanente tensión: gráficas como pinturas,
dibujos y diseños; ópticas como espejos y proyecciones, perceptuales como los datos sensoriales,
mentales como los sueños, las ideas y recuerdos. A nuestro parecer las imágenes despliegan una
multiplicidad de problemas. En este espacio proponemos problematizar sobre estas cuestiones: la idea
generalizada de que representan de forma directa y transparente lo que vemos y la creencia en que las
imágenes son una copia fiel de la realidad, y por lo tanto se consideran verdaderas.
IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
página 1 de 8
Modalidad curricular: teórico - práctico procesual.
Este espacio curricular es teórico - práctico procesual porque es una materia compuesta por clases que
aplican contenidos teóricos a la producción artística. La propuesta metodológica abarca dinámicas de
trabajo que tienen en cuenta el contexto diverso y masivo del ingreso, posibilitando intercambios de
saberes previos y conocimientos nuevos, por medio de instancias articuladas de producción plástica-
visual y de lecturas y debates sobre cuestiones teóricas.
2. Objetivos generales
1. Ambientar en la vida académica aportando herramientas que faciliten la inserción en la carrera de

nuevos estudiantes, respecto a los hábitos, modalidades de trabajo y las lógicas del sistema
universitario.
2. Reflexionar sobre los saberes, las expectativas y las creencias sobre el arte que los ingresantes
traen como bagaje cultural.
3. Introducir en el manejo de técnicas básicas y la adquisición de herramientas y procedimientos
para resolver problemas plásticos-visuales.
4. Reflexionar sobre el poder de las imágenes, en su carácter polisémico en donde se construyen
subjetividades y legitiman determinados discursos.
5. Incorporar estrategias para comprender textos académicos: aprender términos y vocabulario
específico, sumar estrategias para clasificar información y conectar ideas.
3- Contenidos / Núcleos temáticos / Módulos
Módulo Percepción
La experiencia visual que resulta de la observación de escenas de la vida cotidiana se inicia cuando
las células fotosensibles que se encuentran en el fondo de los ojos son estimuladas por patrones
bidimensionales de luz, los cuales comprenden sólo pequeñas porciones de los objetos que son
percibidos. A partir de allí comienza todo un proceso de organización de la información que, llegado
a determinada zona del cerebro, permite la Visión. ¿Cómo somos capaces de percibir tan rápido y sin
esfuerzo, una escena significativa, coherente y tridimensional? Esta es la pregunta fundamental en el
estudio de la visión para comprender de qué modo se traducen los estímulos visuales que nos
permiten aprehender nuestro contexto inmediato. En este curso introduciremos algunas ideas
centrales para la comprensión del fenómeno perceptivo/visual. Un primer aspecto implicaría
reconocer que la visión es un proceso que utiliza varios órganos especializados, los cuales implican
diferentes transformaciones. El estudio de estas sucesivas transformaciones nos lleva a desarmar la
confianza absoluta que en general tenemos del sentido de la visión. ¿De qué modo el cerebro
construye con los fragmentos percibidos de la realidad una imagen completa y con sentido? ¿Cómo
se relacionan la percepción fisiológica con las experiencias de percepción aprendidas? ¿Cuánto
influyen estas experiencias en el modo en que leemos y codificamos nuestro entorno? Nos parece
sustancial no escindir los procesos fisiológicos de las experiencias de percepción visual considerando
que los modos en que se percibe el contexto inmediato está influido por pautas culturales e
ideológicas previas.
Objetivos Específicos:
a. Comprender básicamente las etapas del proceso de percepción visual.
b. Reflexionar en torno de la relación entre las condiciones fisiológicas y culturales del proceso de
percepción visual
IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
página 2 de 8
c. Experimentar con algunos procedimientos gráficos para la construcción de imágenes y que estos
fomentan la apropiación de los conceptos teóricos.
Contenidos:
● Ojo y sistema visual. Transformaciones ópticas. Transformaciones químicas.

Transformaciones nerviosas. Percepción visual.
● La percepción visual como procesos fisiológicos condicionados y construidos a través de la

cultura.
Bibliografía obligatoria
- AUMONT, JACQUES (1992) La imagen, Barcelona: Paidós. (Cap. 1: El ojo y la imagen. Sección 1°: El
funcionamiento del ojo. Pág. 18 a 23.
Bibliografía ampliatoria:
- CUBERO, Mercedes (2005) “Un análisis cultural de los procesos perceptivos”. Revista Anuario de
Psicología. Universitat de Barcelona, Facultat de Psicologia. Vol. 36, nº 3, 261-280
- VARGAS MELGAREJO, Luz María (1994) “Sobre el concepto de percepción” Revista Alteridades,
Universidad Autónoma Metropolitana Unidad Iztapalapa México. Vol. 4, núm. 8 Págs. 47-53.
Módulo Representación
Representar es volver a hacer presente algo que se ha percibido o experimentado con anterioridad. En
este proceso intervienen innumerables factores como la evocación, la memoria, la imaginación y la
observación directa. Por esta razón nunca decimos que los dibujos, las pinturas e incluso las
fotografías, sean descripciones directas de la realidad, aún menos copias o reproducciones. En ese
sentido nos interesa abordar diversas maneras de la representación. ¿Cómo funcionan las imágenes?
¿Todas las imágenes son “realistas”? ¿Qué relación tienen los dibujos con la realidad? ¿Cuando
hablamos de realidad, cuál es y cómo la observamos?
En este Curso de Nivelación nos interesa, por sobre otros aspectos, considerar que las imágenes están
hechas de algún modo particular y que por esta razón, no son ni naturales, ni objetivas, ni neutras. Las
imágenes llamadas “realistas” contienen una serie de “modos de hacer” que responden a un horizonte
cultural particular. Poner en discusión este hecho implica comprender un tema substancial para las
artes visuales: que todo lenguaje tiene sus códigos y que está constituido por convenciones. Ante esta
afirmación nos interesa por sobre todo abordar cómo podemos modificar y apropiarnos de esos
códigos, en relación con una mirada particular de las cosas.
a. Comprender cómo funcionan algunas convenciones básicas de la representación, abordando una

serie de herramientas, con el fin de que cada dibujante se apropie de ellas y las use en relación a su
mirada particular.
b. Introducir en la noción de proceso que incluye la experimentación, la sensibilización, la imaginación

y la indagación acerca de los modos de representación de cosas y de ideas sobre las cosas.
c. Experimentar con algunos procedimientos gráficos básicos para la construcción de la imagen.

IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
página 3 de 8
Contenidos:
1. Representación como convención.
2. Deconstrucción y reconstrucción procesual de la representación.
3. Relación entre sensibilidad, observación, ideas y medios técnicos.
4. Anotación visual como conjetura condicionada histórica y socialmente.
Bibliografía obligatoria:
- JOYCE, PAUL; David Hockney y la fotografía. Entrevista con Paul Joyce. Revista “El Paseante” Nº 12,
Ed. Siruela, Madrid, 1989. (versión editada para el curso de Nivelación)
- HOCKNEY, DAVID, Así lo veo yo, Ediciones Siruela, Madrid, 1993.
Módulo Interpretación
Con frecuencia se piensa que las imágenes que vemos en la calle, en los medios masivos de
comunicación, en el museo o impresas en cualquier objeto de nuestra vida cotidiana –una agenda,
una remera, un calendario o un libro- son el resultado de la creación de un artista, un diseñador o un
individuo cualquiera. Sin embargo, aun cuando efectivamente esas imágenes han sido elaboradas
por una o varias personas concretas, las mismas son el resultado de una producción social. Las
imágenes, como cualquier otro objeto cultural, son elaboradas, circulan y se interpretan socialmente
y por eso forman parte de una cultura que elabora códigos y convenciones a la vez que los modifica y
cuestiona.
¿Todos interpretamos de la misma manera? ¿de qué modo el contexto (el lugar del que venimos, las
experiencias previas, las vivencias, nuestros aprendizajes, etc. ) influye en nuestro modo de ver e
interpretar? y a la vez, ¿de qué manera las imágenes que circulan cotidianamente nos condicionan el
modo en que interpretamos nuestro contexto?
En este módulo nos centraremos en analizar las imágenes en tanto discurso polisémico cuyos
sentidos sólo pueden apropiarse desde una construcción colectiva que siempre está atravesada por
disputas relacionadas a posiciones de poder. En este sentido proponemos reflexionar, analizar y
brindar algunas herramientas que nos permitan interpretar y debatir sobre el uso de las imágenes,
teniendo en cuenta el poder de las mismas como constructoras de subjetividades y como
legitimadora de determinados discursos y sentidos, con el propósito de posicionarnos
críticamente generando posturas propias.
Objetivos específicos:
a. Reflexionar sobre el carácter cultural de la producción, circulación e interpretación de las imágenes.
b. Comprender las transformaciones de las obras de arte a partir de la posibilidad de su

reproductibilidad técnica y los nuevos usos y sentidos otorgados a las imágenes reproducidas.
c. Elaborar algunas estrategias y herramientas para analizar imágenes, reflexionado sobre sus
sentidos y proponiendo re-significaciones de las mismas a partir de su adopción y
manipulación; posicionándonos críticamente ante las experiencias visuales que nos interpelan.
Contenidos:
1. Los modos de ver y las imágenes: Definiciones de imagen. Imágenes como obras de arte.
IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
página 4 de 8
2. La reproductibilidad técnica: multiplicación, estandarización y manipulación de las imágenes
artísticas.
3. La imagen polisémica: como lugar de disputa y construcción de sentido. La hiperabundancia de
imágenes en la era digital: cambios en los propósitos de su producción y en el uso de la
imagen; reciclar las imágenes: re-significación y “adoptacionismo”
- BERGER, JOHN (1972) Modos de ver, Barcelona: Gustavo Gili (Ensayo 1, Págs. 13 a 42)
- FONTCUBERTA, JOAN (2016) La furia de las imágenes. Notas sobre la postfotografía, Barcelona:
Galaxia Gutenberg. (Justificación, pág. 9 a 18).
4. Propuesta metodológica:
Proponemos la modalidad de “taller virtual” donde la construcción del conocimiento no esté separado
de los saberes del ámbito privado y cotidiano, y se conciba como una construcción colectiva
interpelando conocimientos que se han ‘naturalizado’ y que deben ser re-pensados de manera crítica.
Nos interesa concebir el recorrido del curso de ingreso como un espacio que posibilite la
experimentación, el descubrimiento y la colaboración en grupo. Generar estos acercamientos, diálogos
y discusiones facilita nuevas búsquedas que pueden hacer al enriquecimiento y la complejización de
las problemáticas en torno a las imágenes.
5. Estructura del curso:
Previo al Curso: antes de iniciar el cursado virtual les proponemos realizar una serie de actividades
vinculadas con alguno de los temas que desarrollaremos en cada módulo, la lectura de la bibliografía
específica y una actividad de presentación. Para comenzar a realizarlas deberán ingresar al siguiente
enlace: https://forms.gle/8a1T1BdiTyTYxv5c8. Tendrán tiempo de realizar el cuestionario hasta el día
26 de febrero de 2021.
Durante el curso: A partir del 1 de marzo, iniciaremos nuestro cursado virtual. La primera semana
será para calentar motores y conocernos: tendrán una actividad a cargo de la Secretaría de Asuntos
Estudiantiles (SAE); nos presentaremos como equipo e informaremos sobre la modalidad del cursado
y se formarán en la utilización del Aula Virtual y en la Vida Universitaria. A partir de la segunda
semana comenzará el cursado intensivo de cada uno de los módulos (este cursado está dividido en
dos comisiones: una por la mañana y otra por la tarde). Durante cinco días desarrollaremos los
contenidos específicos de cada uno de los módulos, a partir de encuentros sincrónicos y diversas
propuestas asincrónicas. La duración total de esta cursado es de seis semanas, incluyendo las
instancias integradoras, los recuperatorios y el cierre de notas y condiciones finales.
Los encuentros sincrónicos son reuniones virtuales en horarios a determinar, en donde tendremos la
posibilidad de interactuar de forma simultánea y colectiva. Estos encuentros se grabarán para
compartir luego en el aula virtual.
Los recursos asincrónicos consisten en: clases grabadas en donde se desarrollan los contenidos
centrales de los módulos; diversos materiales didácticos: audiovisuales, recursos interactivos, enlaces
a páginas web, muro para compartir imágenes (padlet), entre otros; e intercambios a través de
foros.
Vida universitaria: consiste en la realización de una serie de actividades relativas a la historia y

estructura de la Universidad Nacional de Córdoba. Se encuentra en una pestaña específica dentro del
IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
página 5 de 8
Aula Virtual y se considera un módulo más del curso de ingreso, por lo tanto es de realización
obligatoria y se evalúa cuantitativamente.
6. Aula virtual
El aula virtual es un espacio fundamental, más aún en esta coyuntura, en el cual docentes y
estudiantes nos encontraremos para desarrollar los contenidos y realizar las diferentes actividades
que propone cada módulo. A través de esta plataforma, accederás a las clases y las diversas
propuestas asincrónicas; así como a toda la información vinculada al cursado (cronograma, fechas
importantes, espacios de consultas y comunicaciones, entre otros). Para ser usuario del Aula Virtual
el único requisito es contar con una cuenta de correo electrónico personal a la que accedan con
regularidad. La plataforma requiere de una dirección para distribuir la información a cada uno de los
miembros de la comunidad educativa formada por cada curso.
Desde cualquier computadora conectada a Internet y mediante cualquier navegador web debe
acceder a la dirección: www.artes.unc.edu.ar, allí en Ingreso 2021 encontrarán el instructivo para
realizar la matriculación en el Curso de Nivelación Artes Visuales 2021. El correo electrónico para
realizar consultas acerca del curso es: ingresoartesvisuales@artes.unc.edu.ar
Ingresar al aula virtual es imprescindible para el cursado del ingreso 2021, ya que la totalidad de
actividades se realizarán por esta plataforma. Es importante registrarse con su nombre completo
para que no se generen confusiones al momento de evaluar.
7. Evaluación:
Las evaluaciones se dividen por módulo. Las calificaciones que se obtengan en cada uno de ellos
(Percepción, Representación; Interpretación) más la nota que se desprenda de la evaluación de Vida
Universitaria, se promedian entre sí. De ser necesario, podrán recuperar Ciudadanía Universitaria y la
instancia evaluativa sólo de uno de los tres Módulos.
8. Cronograma de clases:
Al iniciar el cursado encontrarás disponible, en el Aula Virtual, la Guía de Actividades con los trabajos
prácticos detallados por cada módulo. Estas actividades deberán ser entregadas de manera digital
para su evaluación, una vez que finalice cada módulo. Durante la 6° semana se publicarán las notas
(de los tres módulos más Vida Universitaria) para conocer los promedios y condiciones parciales.
Aquelles que deban recuperar alguna instancia evaluativa, podrán acceder a encuentros de consultas
con les tutores, ayudantes y adscriptes. Al finalizar la última semana, se publicaran las notas y las
condiciones finales de cada estudiante en el aula virtual.
El correo electrónico para realizar consultas acerca de contenidos, evaluaciones, actividades y
cronograma es: ingresoartesvisuales@artes.unc.edu.ar
(Será atendido desde el 3/12/20 hasta el 23/12/20 y desde el 3/02/21 en adelante. No se responden
consultas administrativas sobre inscripciones y trámites-despacho de alumnos).
IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
página 6 de 8
Mes Lunes Martes Miércoles Jueves Viernes
Marzo 1 2 3 4 5
*INICIO DE CLASES * PRESENTACIÓN Formación Formación Formación
CURSO DE Aula Virtual Aula Virtual Aula Virtual
Actividad NIVELACIÓN
Secretaría de ARTES VISUALES Ciudadanía Ciudadanía Ciudadanía
asuntos Universitaria Universitaria Universitaria
estudiantiles Turno Mañana: 10 hs
13:00 hs Turno Tarde: 17 hs
Mesa de Género Mesa de Género Mesa de Género
Encuentro Encuentro
sincrónico sincrónico
Formación Formación
Aula Virtual Aula Virtual
Marzo 8 9 10 11 12
FERIADO MÓDULO MÓDULO MÓDULO MÓDULO
Día de la mujer PERCEPCIÓN PERCEPCIÓN PERCEPCIÓN PERCEPCIÓN
Clase 1 Clase 2 Clase 3 Clase 4
Marzo 15 16 17 18 19
MÓDULO MÓDULO MÓDULO MÓDULO MÓDULO
PERCEPCIÓN PERCEPCIÓN REPRESENTACIÓN REPRESENTACIÓN REPRESENTACIÓN
*Sin clase*
Clase 5 Clase 1 Clase 3
Clase 2
Marzo 22 23 24 25 26
MÓDULO MÓDULO FERIADO MÓDULO MÓDULO
REPRESENTACIÓN REPRESENTACIÓN REPRESENTACIÓN INTERPRETACIÓN
*Sin clase*
Clase 4 Clase 5 Clase 1
Marzo 29 30 31 1 2
MÓDULO MÓDULO MÓDULO MÓDULO MÓDULO
INTERPRETACIÓN INTERPRETACIÓN INTERPRETACIÓN INTERPRETACIÓN INTERPRETACIÓN
Clase 2 Clase 3 Clase 4 *Sin clase* Clase 5
Abril 5 6 7 8 9
Consigna SIN ACTIVIDAD Entrega actividad SIN ACTIVIDAD NOTAS FINALES
integradora de los integradora de los
3 módulos 3 módulos
Abril 12 13 14 15 16
RECUPERATORIO SIN ACTIVIDAD SIN ACTIVIDAD NOTAS NOTAS
RECUPERATORIOS FINALES
* FINALIZACIÓN
DE CLASES *
IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
página 7 de 8
9. Comisiones de cursado:
Mañana: de 9 a 13 hs / Tarde: de 17 a 21 hs
10. Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres:
El Curso de Nivelación se regula por el régimen de alumnos.

Ver en http://www.artes.unc.edu.ar/saca/autoridades-de-la-secretaria-academica.
El Curso de Nivelación puede ser aprobado como:
Alumnes promocionales
Rendir y aprobar el 100% de los parciales con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un
promedio mínimo de 7 (siete), incluyendo la instancia de recuperatorio.
Aquelles estudiantes que habiendo obtenido en tres de los cuatro parciales notas iguales o
superiores a 7 (siete) y en uno de los parciales un 4 (cuatro) o un 5 (cinco), tienen derecho a
recuperar ese parcial con una calificación igual o mayor a 6 (seis) en la instancia de recuperatorio,
para acceder a la promoción.
Alumnes regulares
Rendir y aprobar el 80% de los parciales con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro).
Tendrán derecho a recuperar uno de los 4 (parciales), únicamente estudiantes aplazados o ausentes
con justificación certificada. Se entiende por aplazo una nota igual o menor a 3 (tres).
Si el estudiante queda libre, con una nota promedio igual o menor a 3 (tres) perderá la regularidad,
pudiendo rendir en calidad de libre en las fechas de exámenes de mayo, julio, septiembre,
noviembre y diciembre del mismo año.
Examen para alumnes libres

Se podrán presentar al examen libre aquellos estudiantes que habiendo cursado, no hayan aprobado
el Curso de Nivelación o que no hayan cursado en ningún momento. Para rendir el examen libre
deberán inscribirse, presentarse en la fecha de examen, con la totalidad de actividades que se
detallan en la Guía de Actividades que estará disponible en el aula virtual a partir del primero de
marzo. Luego de aprobar estos trabajos, pasarán a una instancia de un examen escrito sobre los
contenidos de las tres unidades.
Régimen de Alumno Trabajador y/o familiares a cargo y/o que se enuentren en situación de
discapacidad consultar: http://artes.unc.edu.ar/estudiantes/estudiantes-trabajadores-o-con-
familiares-a-cargo/
Mgter. Carolina Senmartin
IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
página 8 de 8
Hoja Adicional de Firmas

Informe Gráfico
Número: IF-2022-00333970-UNC-DDG#FA
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2000 - Curso de Nivelación del ciclo lectivo 2021
El documento fue importado por el sistema GEDO con un total de 8 pagina/s.

DN: cn=GDE UNC, c=AR, o=Universidad Nacional de Cordoba, ou=Prosecretaria de Informatica,
serialNumber=CUIT 30546670623
Date: 2022.05.09 12:37:13 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo
Departamento Docencia de Grado Facultad de Artes

Date: 2022.05.09 12:37:19 -03'00'
Departamento Académico: Artes Visuales y Música

Carrera/s: Las correspondientes a Artes Visuales y Música PLAN 2014
Asignatura: INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DE LAS ARTES
Equipo Docente:
- Profesores:
Dr. Marcelo Nusenovich, Prof. Titular Plenario. Ded. Exc. Mail: mnusenovich@gmail.com
Prof. Marisa Restiffo, Prof. Adjunta (Música). Ded. S/E. Mail: marisarestiffo@gmail.com
Master in Music Alejandro Aizenberg, Profesor Asistente (Música). Ded. S/E Mail:
aleelaberg@gmail.com
Dra. Mónica Jacobo, Profesora Adjunta (Artes Visuales). Ded. S. Mail: monicajacobo@gmail.com,
Lic. María Guillermina Heredia, Prof. Asistente (Artes Visuales). Ded. S. Mail:
guillerminaher@gmail.com
Francisco Sbarato, Ayudante Alumno (Música) Mail: fsbarato@gmail.com
Lucia Beron, Ayudante Alumna (Artes Visuales) Mail: beronlucia94@gmail.com
Distribución Horaria
La actividad de la cátedra se plantea de la siguiente manera:
1) Clases teóricas comunes a ambos departamentos, dictadas del días jueves. De 15 a 17
2) Clases teóricas y teórico-prácticas específicas de cada Departamento, los días lunes por la
mañana para los alumnos de Música y los martes para los de Artes Visuales en horario
vespertino.
3) Horarios de atención a los alumnos, los días lunes, martes y jueves luego del dictado de cada
clase.
______________________________________________________________________________
Adecuación de la Cátedra ante la situación de emergencia sanitaria (ADENSA/ASPU)

IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 1 de 25
Las clases comunes a ambos departamentos se dictarán de manera asincrónica por medio de videos audio visuales,
en razón de la gran cantidad de estudiantes y las dificultades de conexión.
En las clases específicas de Artes Visuales y Música se trabajará con guías de estudio correspondientes a cada
unidad, de manera sincrónica y asincrónica. Las mismas y los trabajos prácticos se entregarán por vía del aula
virtual. Las consultas y clases de repaso anteriores a cada uno de los tres parciales se resolverán de manera
sincrónica y asincrónica.
Los parciales se tomarán de manera sincrónica mediante preguntas de opción múltiple, lo mismo que los
exámenes finales. A lxs estudiantes que rinden en condición de libres se les agregará, según el caso, una o dos
preguntas de desarrollo. Por razones obvias, se suspenderá la actividad de performance, que requiere la
modalidad presencial.
Fundamentación/Enfoques/Presentación
Este espacio académico es común a los Departamentos Académicos de Plástica y Música de la Facultad de Artes.
Se estudian las producciones visuales y sonoras más características de cada período, en un amplio espectro que
va desde los griegos hasta la época contemporánea. El acento está puesto en el análisis de los contextos
materiales y simbólicos donde se sitúan estas prácticas, tratando de comprender la relación entre determinadas
organizaciones sonoras y visuales, el pensamiento y otras producciones culturales de la época. Asimismo, se
considera el análisis formal y técnico del o de los objeto/s de estudio, tratando estos aspectos como cuestiones
fundamentales que hacen a su comprensión y delectación.
El principio organizador de la materia es la performance, tomada como “experiencia”, como en el inglés, lengua
materna del término donde en muchos contextos (como el antropológico) son prácticamente sinónimos; me
refiero a la experiencia de “mezcla” de alumnos de diferentes procedencias (única situación de encuentro entre
departamentos que se da en la Facultad de Artes) y también a la performance como medio artístico
interdisciplinario, capaz de dar voz (y cuerpo) a este encuentro.
La actividad académica anual culmina con una propuesta de performance en tiempo real, realizada por grupos
mixtos (Artes Visuales y Música), donde se elaboran de manera creativa las nociones incorporadas por las y los
estudiantes durante el transcurso del año académico y se les da forma artística.. Si por alguna causa el o la alumnx
no pueden realizar esta propuesta, podrán suplantarla con un trabajo monográfico de no más de cinco páginas,
donde se planteé alguna relación entre lo visto en la materia y el medio socio-
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 2 de 25
geográfico de procedencia (de Córdoba si es cordobés o cordobesa, y así en todos los casos). El trabajo deberá
ser aprobado con 4 (cuatro) en el caso de lxs regulares y 7 (siete) en el caso de lxs alumnxs promocionales.
Evaluación
Lxs alumnxs pueden ser promocionales, regulares o libres.
Promocionales: Deben aprobar el 80 % de los trabajos prácticos con 6 (seis) o más y obtener un promedio mínimo
de 7 (siete), 100 % de los parciales aprobados con nota mayor o igual a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete).
La cátedra otorga la posibilidad de recuperar uno de los tres parciales anuales, por cualquier causa justificada,
para optar tanto a la regularidad como a la promoción. La nueva nota sustituirá a la anterior. Las calificaciones
promediadas de evaluaciones parciales y trabajos prácticos serán consideradas separadamente y no serán
promediables a los fines de la promoción.
Regulares: Deben aprobar el 80 % de los prácticos con nota igual o mayor 4 (cuatro) y el 80% de los parciales con
nota mínima 4 (cuatro). La cátedra otorga la posibilidad de recuperar uno de los tres parciales anuales. La nueva
nota sustituirá a la anterior y será promediable.
Las condiciones de recuperación son idénticas para regulares y promocionales. Las calificaciones promediadas de
evaluaciones parciales y trabajos prácticos serán consideradas separadamente y no serán promediables a los
fines de tener la condición de regular.
Libres: Matriculadxs en el año académico. El examen libre consta de dos instancias sucesivas, escrita y oral. Para
pasar al examen oral, hay que aprobar el escrito con 4 (cuatro) o más. Si el o la alumna obtiene en el escrito una
nota igual o mayor a 8 (ocho), se le ofrecerá la posibilidad de no pasar al oral y mantener esa calificación.
Vocacionales
Pueden optar por cursar la materia alumnxs o egresadxs de otras carreras, provenientes de la Universidad de
Córdoba o de otros ámbitos, con el 30 % de materias aprobadas como mínimo en la carrera de origen. Debe estar
matriculado, registrado y admitido en la cátedra.
Tabla de calificaciones según el Régimen de estudiantes vigente.
Ordenanza HCD 1/18, art. 15.
Nota Porcentaje % Concepto
0 0 reprobado
1 1 a 30 insuficiente
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 3 de 25
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 4 de 25
4 60 a 65 suficiente
5 66 a 70 bueno
6 71 a 75 bueno
7 76 a 80 distinguido
10 96 a 100 sobresaliente
Cronograma tentativo
Parcial 1: mayo.
Parcial 2: junio
Parcial 3: septiembre
Recuperatorio de un parcial y/o del 33% de los trabajos prácticos: septiembre
Trabajos prácticos
Se realizan en forma permanente. Consisten en análisis musicales o de imágenes, lectura comprensiva de textos,
etc. No hay fechas determinadas para ellos, ya que su propuesta se adapta a las necesidades de cada curso.
Trabajo práctico final: Se realiza en las últimas clases del ciclo lectivo. Se integran grupos mixtos (ambos
Departamentos) que proponen una performance sobre el tema “cita”. Las calificaciones son A (aprobado) A+
(aprobado más) o A- (aprobado menos).
Objetivos
Generales
Lograr una comprensión adecuada y ordenada temporal y espacialmente de los principales estilos y tendencias
que integran la historia de las artes, desde los griegos en adelante.
Introducirse en la comprensión de las realizaciones estéticas de campos diferentes al de procedencia.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 5 de 25
Discernir rasgos estilísticos y artistas ubicados en diferentes situaciones en una historia comparativa.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 6 de 25
Relacionar formas visuales, sonidos y pensamiento.
Interpretar la performance o experiencia de determinados estilos tratando de reconstruir las mentes de las
personas que fueron sus contemporáneas.
Específicos
Pulir la expresión verbal, escrita y oral, así como desarrollar capacidades de síntesis y transferencia.
Desarrollar hábitos de cooperación y apertura para el trabajo grupal.
Principales contenidos
Unidad 1: Arte, mito y ritual
2.a. Comunes:
El arte, lo simbólico, el complejo mítico/ritual y la religión.
¿Por qué estudiar el mito/rito y la liturgia como objetos de la historia del arte? La explicación mítica del mundo.
Principales teorías que analizan los mitos: la Historia de las Religiones (Mircea Eliade), y el Estructuralismo (Claude
Lévi-Strauss).
La simultaneidad mito/ritual. Los rituales analizados por la Simbología Comparativa (Victor Turner).
Aplicación de estos conceptos para el análisis de las producciones de diferentes contextos históricos.
Unidad 2: El arte clásico
3.a. Comunes:
El arte clásico. El proceso mito/logos y su relación con la polis. El arte en la polis clásica. La tragedia sofóclea.
Lo apolíneo y lo dionisíaco. El naturalismo en su relación con el idealismo filosófico.
3.b. Música:
Teorías sobre el origen de la música y su relación con lo divino y lo espiritual. Música, filosofía y educación.
El sistema musical griego.
3.c. Artes Visuales:
Policleto y la consolidación del canon. Proceso hacia el “Dorífero”, a partir de la interpretación de los kuroi
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 7 de 25
arcaicos. Las adaptaciones de la imagen a los nuevos contextos y programas narrativos de la arquitectura
religiosa (frontones, frisos, etc.).
Fidias y el “siglo de Pericles”.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 8 de 25
Unidad 3 : El arte medieval
4.a. Comunes:
Mundos cristianos de Europa en la Plena y Baja Edad Media. El mundo del monasterio. El canto gregoriano.
El arte Románico en su relación con el idealismo de San Agustín.
El mundo de la catedral. Nacimiento de la polifonía y la escolástica en Paris. El estilo Gótico en su relación con
ésta última y Santo Tomás de Aquino.
El arte profano. La cultura de los goliardos y la trovadoresca.
4.b. Música:
Música e Iglesia. El canto gregoriano. El surgimiento de la polifonía y su importancia para la Música de Occidente.
Escuela de Notre Dame. Primeros motetes.
Comparación entre los estilos Románico y Gótico. Introducción a la interpretación de los espacios, imágenes y
temas cristianos.
Unidad 4: El arte renacentista
5.a. Comunes:
El Renacimiento Pleno. Julio II y la Concordatio. El Humanismo, el mecenazgo y el antropocentrismo. La

perspectiva como forma simbólica. El naturalismo. La iconografía. Relaciones entre arte y ciencia, y entre arte y
sociedad. El músico y el artista plástico en el mundo renacentista.
5.b. Música:
El apogeo de la polifonía. La era del Renacimiento desde Ockeghem a Josquim. El madrigal italiano.
El estilo naturalista. Aplicación de las categorías comparativas de Wölfflin. La cita a la antigüedad clásica en los
programas artísticos renacentistas. Estructuras compositivas. Aportes técnicos de la pintura al óleo. La
perspectiva, la proporción y la relación armónica..
Unidad 5: El arte barroco
6.a. Comunes:
El arte barroco y el principio de irregularidad. Cultura y estilo barrocos. La ruptura de la homogeneidad cristiana.
Reforma y Contrarreforma, y su repercusión en el siglo XVII. Barrocos europeos y americanos.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 9 de 25
6.b. Música:
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 10 de 25
El Barroco temprano: características. Teoría de los Afectos. Nacimiento de la ópera. Monteverdi. El apogeo
del Barroco: Vivaldi y Bach.
Los estilos barrocos católico y protestante. Características compositivas y técnicas. Temas y géneros.
Condiciones de los encargos artísticos. Principios fundamentales de Heinrich Wölfflin.
Unidad 6: El siglo XVIII
7.a. Comunes:
El arte Rococó y Neoclásico en la primera y segunda mitad del siglo XVIII. El Rococó y la expresión de valores
cortesanos. El Neoclasicismo y la expresión de valores republicanos. La sociedad europea, la Ilustración y el ideal
racional. La academia, la enciclopedia, el museo, y otras instituciones relacionadas con el espíritu ilustrado.
7.b. Música:
El estilo clásico. Forma sonata. La ópera. Haydn, Mozart y Beethoven.
Comparación entre los estilos Rococó y Neoclásico. Géneros y temas. Aspectos técnicos. Condiciones del encargo
y destino de las obras.
Unidad 7: El siglo XIX
8.a. Comunes:
El arte burgués. Las “dos modernidades”en el siglo XIX. Estilos Neoclásico, Romántico, Realista, Impresionista y
Simbolista. El Modernismo. Doctrinas y teorías filosóficas y científicas relacionadas con estos estilos. La Plástica
y la Música en nuestro país y en Córdoba.
8.b. Música:
Características de la música romántica. Schubert, Berlioz, Chopin. Primeros compositores argentinos.

Wagner y la obra de arte total.
Características estilísticas del Romanticismo, el Realismo, el Impresionismo y los estilos modernistas.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 11 de 25
Unidad 8: Las vanguardias del Siglo XX
1.a. Comunes:
Concepto de vanguardia. Notas distintivas de la vanguardia europea. Influencia del Psicoanálisis, la Teoría de la
Relatividad, el Darwinismo y el Marxismo.
1.b. Música:
El concepto de “ruptura” aplicado al campo de la tonalidad. Principales tendencias y discusión del

“vanguardismo” en la primera mitad del siglo XX.
Debussy como iniciador de la experimentación sonora contemporánea. 2ª Escuela de Viena. Strawinsky y sus
búsquedas de nuevas orientaciones musicales.
El concepto de “ruptura” aplicado al modo de ver renacentista. El Cubismo, Futurismo, Expresionismo, etc.
Análisis estilístico y técnico.
Unidad 9: El arte contemporáneo
9.a. Comunes:
El arte contemporáneo. Teorías sobre la posmodernidad. El arte “moderno” y “posmoderno”. Principales

tendencias artísticas desde 1945 hasta la actualidad.
9.b. Música:
Tendencias musicales 1945/2000. Indeterminación. Serialismo Integral. Música electrónica. Minimalismo. El lugar
de la idea de vanguardia. El aporte del arte digital y los medios audivisuales.
El Expresionismo Abstracto, las tendencias Color Field y Hard Edge, el Pop Art, el Arte Conceptual, Minimal, etc.
de los años ’70. El retorno a la pintura en los ’80 y al cuerpo y la performance en los ‘90. El aporte del arte digital
y los medios audivisuales.
Bibliografía discriminada por Unidades

Unidad 2
ANDERSON, Benedict: Comunidades imaginadas. México FCE, 1993.
BAJTIN, Mijail. 1987. La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. El contexto de François Rabelais.
Madrid, Alianza Universidad, 1987. IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 12 de 25
ELIADE, Mircea: Lo sagrado y lo profano. Guadarrama, Madrid, 1981.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 13 de 25
_________________ Mito y realidad. Barcelona, Punto Omega, 1985.
GEERTZ, Clifford: La interpretación de las culturas. Barcelona, Gedisa, 1990.
________________“El arte como sistema cultural”, en Conocimiento local. Paidós, Barcelona, 1994.
LEACH, Edmund: Sistemas políticos de la Alta Birmania. Barcelona, Anagrama, 1976.

LÉVI-STRAUSS, Claude: Antropología estructural. Buenos Aires, Eudeba, 1984.
_____________________ El pensamiento salvaje. México, FCE, 1990.
NUSENOVICH, Marcelo: “El arte y el mito”, material de estudio para los alumnos de la cátedra "Introducción a la
Historia de las Artes". Córdoba, 1990.
_____________________"La vía de las máscaras" y "El cuerpo como arte" en Arte y cultura en las
sociedades "primitivas", con Gustavo Blázquez y Marta Giorgis. Publicación auspiciada por la Secretaria de
Extensión de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la UNC. Córdoba, Graff, 1990.
_____________________"De la fiesta como arco iris: El vértice estético" en La fiesta en el mundo andino,
con Gustavo Blázquez y Marta Giorgis Publicación auspiciada por el Consulado de Bolivia, Escuela de Artes y
Escuela de Trabajo Social de la UNC. Córdoba, Graff, 1991.
_____________________Análisis de un universo simbólico: la máscara Kanaga de los dogón. Diseño de

Fernando Otegui y gráfica de Clementina Zablosky. Córdoba,Graff, 1992.
_____________________"El vértice estético: un enfoque interdisciplinario de la fiesta andina" (en
colaboración con Gustavo Blázquez) en Las Artes Plásticas en el debate del V Centenario. Facultad de Filosofía y
Letras de la Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires, 1992.
___________________"Cuando el Diablo baila en las fiestas: La máscara de Diablo en la Diablada de
Oruro(Bolivia)” en Research in Progress #1. Simon Fraser University, Vancouver, Canadá, 1993.
___________________"El Arte de los pueblos de la Costa Noroeste del Canadá" en Revista del Centro
Cultural Canadá #8. Córdoba, 1993.
___________________"El poder en el Gran Poder" (en colaboración con Gustavo Blázquez) en Arte y Poder.
Facultad de Filosofía y Letras, UBA. Buenos Aires, 1993.
___________________"Las máscaras en la costa del Pacífico canadiense" en Revista del Centro Cultural
Canadá #9. Córdoba, 1994.
Unidad 3
BARTHES, Roland: Lo obvio y lo obtuso. Barcelona, Paidós, 1994.

IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 14 de 25
CLARK, Kenneth: El desnudo. Madrid, Alianza, 1987.
GROUT, Donald: Historia de la Música Occidental. Madrid, Alianza, 1994.

HATJE, Úrsula: Historia de los estilos artísticos. (Tomo 1). Madrid, Istmo, 1981.
HONOUR, Hugh y John FLEMING: Historia mundial del arte. Barcelona, Akal, 2004.
MAGEE, Bryan: Historia de la Filosofía. Buenos Aires, La Isla, 1999.
NIETZSCHE, Friedrich: El origen de la tragedia griega. Buenos Aires, Andrómeda, 1992.

POLLIT, J.J.: Arte y experiencia en la Grecia Clásica. Barcelona, Xarait, 1984.
VERNANT, Jean Pierre: Los orígenes del pensamiento griego. Buenos Aires, Eudeba, 1986.
WOODFORD, Susan: Grecia y Roma. Barcelona, Gustavo Gili, 1984.
Unidad 4
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 15 de 25
BAJTIN, Mijail: La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. El contexto de Francois Rabelais.
Madrid,Alianza,1987.
DUBY, Georges: La época de las catedrales. Madrid, Cátedra, 1993
_____________ Año 1000, año 2000. La huella de nuestros miedos. Santiago de Chile, Ed. Andrés Bello,
1995.
HATJE, Úrsula: Historia de los Estilos Artísticos. Tomo 1. Madrid, Istmo, 1981.
LE GOFF, Jacques: Los intelectuales en la Edad Media. Barcelona, Gedisa, 1986.
PANOFSKY, Erwin: Arquitectura gótica y pensamiento escolástico. Madrid, Las Ediciones de La Piqueta, 1986.
Unidad 5
BAXANDALL, Michael: Arte y experiencia en el Quattrocento. Barcelona, Gustavo Gili, 1984.
_____________________Giotto y los oradores. La visión de la pintura en los humanistas italianos y el

descubrimiento de la composición pictórica 1350-1450. Madrid, La Balsa de la Medusa, 1996.
BURCKHARDT, Jacob: La cultura del Renacimiento en Italia. Buenos Aires, Losada, 1962.
LETTS, Rosa M.: El Renacimiento. Barcelona, Gustavo Gili, 1985.
PANOFSKY, Erwin: La perspectiva como forma simbólica. Barcelona, Tusquets, 1985.
WÖLFFLIN, Heinrich: El arte clásico. Madrid, Alianza, 1987.
Unidad 6
ALTAMIRA, Luis Roberto: Córdoba, sus pintores y sus pinturas. Siglos XVII y XVIII. Córdoba, UNC, 1952.
CHECA, Francisco y José M. MORÁN: El barroco. Madrid, Istmo,1982.
GESUALDO, Vicente: Cómo fueron las artes en la Argentina. Buenos Aires, Plus Ultra, 1973.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 16 de 25
MAINSTONE, Madelaine y Rowland: El Siglo XVII. Barcelona, Gustavo Gili, 1985.
WÖLFFLIN, Enrique: Conceptos fundamentales en la Historia del Arte. Madrid, Espasa-Calpe, 1979.
Unidad 7
ANDERSON, M.S.: La Europa del siglo XVIII. México, FCE, 1968.

BEAUD, M.: Historia del capitalismo. Barcelona, Ariel, 1981.
CHARTIER, Roger: Lecturas y Lectores en la Francia del Antiguo Régimen. México, Instituto Mora, 1994.
DREYFUS, Hubert y Paul RABINOW: Michel Foucault: más allá del estructuralismo y la hermenéutica. Buenos
Aires, Nueva Visión, 2001.
FOUCAULT, Michel: El nacimiento de la prisión. México, Siglo XXI, 1992.
______________________ Historia de la sexualidad. Madrid, Siglo XXI, 1994
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 17 de 25
______________________Historia de la locura en la Época Clásica. México, FCE, 1979.
LÓPEZ ANAYA, Jorge: Historia del arte argentino. Buenos Aires, Emecé, 1997.
AA VV :Introducción a la historia del arte, Barcelona, G. Gili, 1989.
Unidad 8
BÉGUIN, Albert: El alma romántica y el sueño. México, FCE, 1985.
BERMAN, Marshall: Todo lo sólido se desvanece en el aire. La experiencia de la modernidad. México, Siglo XXI,
1998.
BONDONE, Tomás Ezequiel: Caraffa. Córdoba, Museo Caraffa, 2007.
BOIME, Albert: Historia social del arte moderno. Madrid, Alianza, 1996.
BRUNN, George: Europa en el siglo XIX. México, FCE, 1984.
EDER, Rita y Mirko LAUER: Teoría Social del Arte. México, UNAM, 1986.
MORRA FERRER, María de las Mercedes: Córdoba, en su Pintura del siglo XIX. Córdoba, Fundación Ferrer, 1992.
NUSENOVICH, Marcelo: “Los retratos de Genaro Pérez en la ‘Sala de los Precursores del Arte’”. En Discutir el
canon. Tradiciones y valores en crisis. Buenos Aires, CAIA, 2003.
_____________________ Tres ensayos sobre arte y cultura cordobesa (1870-1910) Córdoba, Ed. Brujas,
2006.
RODRÍGUEZ, Artemio: Artes Plásticas en la Córdoba del siglo XIX. Córdoba, UNC, 1992.
REYNOLDS, Donald: El siglo XIX. Barcelona, Gustavo Gili, 1985.
Unidades 1 y 9
BÜRGER, Peter: Teoría de la vanguardia. Barcelona, Ediciones Península, 1987.

IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 18 de 25
DE MICHELI, Mario: Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid, Alianza, 1984.
ELLIOT, David (ed.): Argentina 19201994. Museum of Modern Art, Oxford, 1994.
GARCIA FELGUERA, M. Santos: El arte después de Auschwitz. Madrid, Cambio 16, 1993.
GOLDBERG, Roselee: Performance Art. Barcelona, Destino, 1996.
GUASCH, Anna María: El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural. Madrid, Alianza, 2001.
LEBEL, Jean-Jacques: El happening. Buenos Aires, Nueva Visión, 1967.

LONGONI, Ana y Mariano MESTMAN: Del Di Tella a Tucumán Arde. Buenos Aires, El Cielo por Asalto, 2000.
LÓPEZ, Julio: La música de la Modernidad (de Beethoven a Xenakis) Barcelona, Anthropos, 1984.
MASSOTTA, Oscar et alt.: Happenings. Buenos Aires, Editorial Jorge Álvarez, 1967.
MOYANO; María Dolores: La producción plástica emergente en Córdoba (1970-2000). Córdoba, Ed. del
Boulevard, 2005.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 19 de 25
NUSENOVICH, Marcelo: “El cuerpo como arte”. Revista del Instituto de Investigaciones Estéticas # 6.
Tucumán, Universidad Nacional de Tucumán, 1995.
_____________________“Arte efervescente de la década del sesenta: Córdoba y la Antibienal”, en Imagen
de la cultura y el arte latinoamericano. Buenos Aires, Boletín del Instituto de Arte Argentino y Latinoamericano,
Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, Año 3, N° 3, 2001.
ROCCA, María Cristina: Las Bienales de Córdoba en los ’60. Arte, Modernización y Guerra Fría. Córdoba, UNC,
2005.
SUBIRATS, Eduardo: El final de las vanguardias. Barcelona, Anthropos, 1989.

SUREDA, Joan y Anna María GUASCH: La trama de lo moderno. Barcelona, Akal, 1987.
TAYLOR, Brandon: Arte hoy. Barcelona, Akal, 2000.
Bibliografía general
AIZENBERG, Alejandro y Marisa RESTIFFO: Apuntes de Historia de la Música. Córdoba, Ed. Brujas, 2010.
ANDERSON, Benedict: Comunidades imaginadas. México FCE, 1993.

ANDERSON, M.S.: La Europa del Siglo XVIII. México, FCE, 1974.
ARIÈS, Philippe y Georges DUBY (Dir.): Historia de la Vida Privada. Madrid, Taurus, 1989 (Diez tomos).
BAJTIN, Mijail: La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. El contexto de François Rabelais.
Madrid, Alianza Universidad, 1987.
BARTHES, Roland: Lo obvio y lo obtuso. Barcelona, Paidós, 1984.
BAXANDALL, Michael: Arte y experiencia en el Quattrocento. Barcelona, Gustavo Gili, 1984.
_____________________Giotto y los oradores. La visión de la pintura en los humanistas italianos y el

descubrimiento de la composición pictórica 1350-1450. Madrid, La Balsa de la Medusa, 1996.
BEAUD, Michel: Historia del capitalismo. De 1500 a nuestros días. Barcelona, Ariel, 1989.
BÉGUIN, Albert: El alma romántica y el sueño. México, FCE, 1985.
BERGER, John: Modos de ver. Barcelona, Gustavo Gili, 1989.
BERMAN, Marshall: Todo lo sólido se desvanece en el aire. La experiencia de laIF-2022-00333989-UNC-DDG#FA

modernidad. México, Siglo XXI,
1998.
página 20 de 25
BONDONE, Tomás Ezequiel: Caraffa. Córdoba, Museo Caraffa, 2007.
BOIME, Albert: Historia social del arte moderno. Madrid, Alianza, 1996.
BRUNN, George: Europa en el siglo XIX. México, FCE, 1984.
BURCKHARDT, Jacob: La cultura del Renacimiento en Italia. Buenos Aires, Losada, 1962.
BÜRGER, Peter: Teoría de la vanguardia. Barcelona, ediciones Península, 1987.

BURUCÚA, José Emilio (Dir.): Arte, Sociedad y Política (Dos volúmenes). Colección Nueva Historia Argentina.
Buenos Aires, Editorial Sudamericana, 1999.
CALINESCU, Matei: Cinco caras de la modernidad. Modernismo, vanguardia, decadencia, kitsch,

posmodernismo. Madrid, Tecnos, 1991.
CASULLO, Nicolás (Comp.): El debate modernidad-posmodernidad Buenos Aires, El Cielo por Asalto, 1993.
CHARTIER, Roger: Lecturas y Lectores en la Francia del Antiguo Régimen. México, Instituto Mora, 1994.
CHECA, Francisco y José M. MORÁN: El Barroco. Madrid, Istmo,1982.

DE MICHELI, Mario: Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid, Alianza, 1984.
DEVOTO, Fernando y Marta MADERO (Dir.): Historia de la vida privada en la Argentina (Tres tomos). Buenos
Aires, Taurus, 1999.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 21 de 25
DUBY, Georges: La época de las catedrales. Madrid, Cátedra, 1993.
_____________ Año 1000, año 2000. La huella de nuestros miedos. Santiago de Chile, Ed. Andrés Bello,
1995.
_____________ y Michelle PERROT (Dir.): Historia de las mujeres. Madrid, Taurus, 1993. (10 Tomos)
EDER, Rita y Mirko LAUER: Teoría Social del Arte. México, UNAM, 1986.
ELIADE, Mircea: Lo sagrado y lo profano. Guadarrama, Madrid, 1981..
______________ Mito y realidad. Barcelona, Punto Omega, 1985.
ELLIOT, David (Ed.): Argentina 19201994. Museum of Modern Art, Oxford, 1994.
GARCIA CANCLINI, Néstor: Culturas híbridas. Estrategias para entrar y salir de la modernidad. Buenos Aires,
Sudamericana, 1992.
GARCIA FELGUERA, M. Santos: El arte después de Auschwitz. Madrid, Cambio 16, 1993.
GEERTZ, Clifford: La interpretación de las culturas. Barcelona, Gedisa, 1990.
________________ “El arte como sistema cultural”, en Conocimiento local. Paidós, Barcelona, 1994.
GESUALDO, Vicente: Cómo fueron las artes en la Argentina. Buenos Aires, Plus Ultra, 1973.
GOLDBERG, Roselee: Performance Art. Barcelona, Destino, 1996.
GUASCH, Anna María: El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural. Madrid, Alianza, 2001.
GROUT, Donald: Historia de la Música Occidental. Tomos I y II. Madrid, Alianza, 1994.
HATJE, Úrsula: Historia de los estilos artísticos (Dos tomos) Madrid, Istmo, 1980.
HAUSER, Arnold: Historia Social de la literatura y el arte (Tres tomos). Madrid, Guadarrama, 1976.
LÁNG, Paul Henry: La música en la civilización occidental. Buenos Aires, Eudeba, 1976.
LEACH, Edmund: Sistemas políticos de la Alta Birmania. Barcelona, Anagrama, 1976.
LEBEL, Jean-Jacques: El happening. Buenos Aires, Nueva Visión, 1967.
LE GOFF, Jacques: Los intelectuales en la Edad Media. Barcelona, Gedisa, 1986.
LETTS, Rosa M.: El Renacimiento. Barcelona, Gustavo Gili, 1985.

LÉVI-STRAUSS, Claude: Antropología estructural. Buenos Aires, Eudeba, 1984.
_____________________ El pensamiento salvaje. México, FCE, 1990.

IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 22 de 25
LONGONI, Ana y Mariano MESTMAN: Del Di Tella a Tucumán Arde. Buenos Aires, El Cielo por Asalto, 2000.
LÓPEZ, Julio: La música de la Modernidad (de Beethoven a Xenakis) Barcelona, Anthropos, 1984.
MAINSTONE, Madelaine y Rowland: El Siglo XVII. Barcelona, Gustavo Gili, 1985.
MASSOTTA, Oscar et alt.: Happenings. Buenos Aires, Editorial Jorge Álvarez, 1967.
MORRA FERRER, María de las Mercedes: Córdoba, en su Pintura del siglo XIX. Córdoba, Fundación Ferrer, 1992.
MOYANO, María Dolores: La producción plástica emergente en Córdoba (1970-2000). Córdoba, Ed. del
Boulevard, 2005.
NIETZSCHE, Friedrich: El origen de la tragedia griega. Buenos Aires, Andrómeda, 1992.
NUSENOVICH, Marcelo: “El cuerpo como arte”. Revista del Instituto de Investigaciones Estéticas # 6.
Tucumán, UNT, 1995.
_____________________“Arte efervescente de la década del sesenta: Córdoba y la Antibienal”, en Imagen
de la cultura y el arte latinoamericano. Boletín del Instituto de Arte Argentino y Latinoamericano, Facultad de
Filosofía y Letras de la UBA, Año 3 N° 3, 2001.
_____________________ “Los retratos de Genaro Pérez en la ‘Sala de los Precursores del Arte’”. En Discutir
el canon. Tradiciones y valores en crisis. Buenos Aires, CAIA, 2003.
_____________________ Tres ensayos sobre arte y cultura cordobesa (1870-1910) Córdoba, Ed. Brujas,
2006.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 23 de 25
_____________________ Introducción a la historia de las artes. Córdoba, Brujas, 2011.
PANOFSKY, Erwin: La perspectiva como forma simbólica. Barcelona, Tusquets, 1985.
_________________ Arquitectura gótica y pensamiento escolástico.Madrid, Las Ediciones de La Piqueta,
1986.
POLLIT, J.J.: Arte y experiencia en la Grecia Clásica. Barcelona, Xarait, 1984.
RAYNOR, Henry: Una historia social de la Música. Madrid, Siglo XXI, 1986.
REYNOLDS, Donald: El siglo XIX. Barcelona, Gustavo Gili, 1985.
ROCCA, María Cristina: Las Bienales de Córdoba en los ’60. Arte, Modernización y Guerra Fría. Córdoba, UNC,
2005.
RODRÍGUEZ, Artemio: Artes Plásticas en la Córdoba del siglo XIX. Córdoba, UNC, 1992.
SUBIRATS, Eduardo: El final de las vanguardias. Barcelona, Anthropos, 1989.

SUREDA, Joan y Anna María GUASCH: La trama de lo moderno. Barcelona, Akal, 1987.
TATARKIEWICZ, Wladislaw: Historia de seis ideas. Arte, belleza, creatividad, mímesis, experiencia estética.
Madrid, Tecnos, 1987.
TAYLOR, Brandon: Arte hoy. Barcelona, Akal, 2000.

TURNER, Victor: From Ritual to Theatre. New York, PAJ, 1986.
_______________La selva de los símbolos. México, Siglo XXI, 1999.
_______________y Edward BRUNER (ed): The Anthropology of Experience. Urbana, University of Illinois
Press, 1986.
VENIARD, Juan María: La música nacional argentina. Buenos Aires, Instituto de Musicología, 1986.
VERLICHAK, Victoria: El ojo del que mira. Artistas de los noventa. Buenos Aires, Proa, 1998.
VERNANT, Jean Pierre: Los orígenes del pensamiento griego. Buenos Aires, Eudeba, 1986.
VOVELLE, Michel: Ideologías y mentalidades. Barcelona, Ariel, 1985.
WÖLFFLIN, Enrique: Conceptos fundamentales en la Historia del Arte. Madrid, Espasa-Calpe, 1979.
__________________ El arte clásico. Madrid, Alianza, 1982.
WOODFORD, Susan: Grecia y Roma. Barcelona, Gustavo Gili, 1984.

AAVV: Fuentes y documentos para la Historia del Arte. Barcelona, Gustavo Gili, 1982. (Ocho tomos)
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
_______ Historia crítica del arte argentino. Buenos Aires, Asociación Argentina de Críticos de Arte y
Telecom, 1995.
página 24 de 25
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los exámenes que requieran montaje
de obras deberán respetar las normas de seguridad e higiene. No se
pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos, escaleras de emergencia, como
así también obstruir puertas (oficinas, emergencias, ingreso, etc). Los espacios de
tránsito de uso común deberán contar con las indicaciones pertinente si interrumpen
el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos los elementos
de montaje (cintas, tanzas, etc). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser
devueltos de donde han sido retirados.
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben hacerse a la Dirección del
Departamento de Artes Visuales y deben tener el aval del docente responsable.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad deberá contar con
el aval de la Dirección del Departamento.
IF-2022-00333989-UNC-DDG#FA
página 25 de 25

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2001 - Introducción a la Historia de las Artes

Date: 2022.05.09 12:39:01 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 12:39:07 -03'00'
PROGRAMA CICLO
PROGRAMA LECTIVO
CICLO LECTIVO 2019 2020
Departamento Académico: Artes Visuales

Carrera/s: PLAN 2014
Lic. en Artes|Visuales
Todas las carreras del
y Profesorado Departamento
en Educación Plástica y Visual
Asignatura: Visión 1
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Fernando Fraenza
Prof. Adjunto: Sergio Yonahara
Prof. Ayudante: Marcelo Quiñonero
- Ayudantes Alumnos y Adscriptos:
Adscripto: Nicolás Yovino
Turno matutino: lunes 8.00 hs a 12.00 hs.
Turno vespertino: miércoles 16.00 hs a 20.00 hs.
Consultas: Por AV
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 19
1. Presentación
Nuestro enfoque
Esta asignatura tiene su fundamento último en la necesidad de proporcionar al alumno instrumentos básicos,
teóricos y prácticos, tanto para el estudio de la percepción visual (i), de la organización de la forma o aspecto
visual (ii) y del funcionamiento de la imagen (iii), como para la iniciación en su producción concreta dentro de
los diversos géneros o disciplinas próximos a las artes visuales (iv).
Percepción visual (i)
Organización
Instrumentos teóricos estudio de la (ii)
de la forma visual
Imagen (iii)
Instrumentos Obras de arte u

producción (inicial) de (iv)
prácticos y teóricos otros objetos visibles
Se trata pues, de una iniciación en lo que se ha dado en llamar -con reservas- «el lenguaje visual» (Kepes). De
acuerdo a lo dicho, el alumno deberá iniciarse en el desarrollo de una capacidad experta no sólo como
intérprete, sino también, como realizador de textos visuales. Se procura que el curso lo inicie en una suerte de
«alfabetidad visual», en sus principios naturales (físicos y psicobiológicos) y en sus aspectos convencionales
(históricos y culturales), aplicables -principalmente- en el campo de las artes visuales (o, bellas artes es decir,
del arte autónomo), pero también, en el diseño visual, en general.
Entiéndase claramente que, por una parte (i), estamos ante el compromiso de introducir al alumno en aquel
conocimiento experto sobre la visión, el canal sensorial respecto del cual procura formarse como especialista
universitario. Por la otra (ii), estamos en la ocasión de proporcionar el taller destinado a realizar sus primeras
experiencias en cuanto a confección de estímulos visuales.
Sobre (i), diremos que, en la sociedad cordobesa contemporánea, los egresados de las carreras del
Departamento universitario en el que se dicta Visión 1, deberían constituir la porción de comunidad que más
entiende acerca del funcionamiento de los mecanismos de la percepción visual. Luego, tales sujetos han de
manejar una información básica (pero correcta de acuerdo a los estándares científicos) sobre el
funcionamiento del equipamiento visual humano. La Cátedra de Visión 1 no puede sino cumplir con el rol de
proporcionar parte de dicha información. Sobre (ii), diremos quela asignatura Visión 1, junto con Dibujo 1
constituyen los primeros talleres en los cuales se pone en conjunción el hacer material con la reflexión en
torno a la propia configuración, en el caso de Visión 1 –además- poniendo entre paréntesis lo relativo a la
consecución del dibujo y acentuando los asuntos de organización y percepción.
Todo esto, de acuerdo a las indicaciones del plan de estudios recientemente puesto en práctica, que prevé la
participación del egresado –al menos como observador atento e interlocutor competente- en prácticas que
exceden la específica producción de objetos de arte en las disciplinas tradicionales de las bellas artes
autónomas del mundo occidental moderno. (sic. Plan de estudios 1985), tales como la “participación
interdisciplinaria en producción e investigación de: medios masivos de comunicación, industria del color,
arquitectura, artesanía, y otros relacionados con la plástica”. (Ibid.) Por otra parte, hoy más que nunca -
atravesando una no muy correcta pero influyentemente denominada «cultura de la imagen»- es necesario
introducirse -aún tempranamente- en un análisis preciso y reflexivo de los aspectos más elementales o
generales del funcionamiento de las imágenes; tanto en sus aspectos sintácticos como semánticos y
pragmáticos. El nuevo plan, más bien, se endereza hacia una “…valoración de los aportes interdisciplinarios y el
intercambio de distintos conocimientos y experiencias multidisciplinares y transdisciplinares.” (cfr. Plan de
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 19
Estudios de la Licenciatura en Artes Visuales 2014) Y esto implica la necesaria y posible conexión con disciplinas
no sólo intra-artísticas sino extra-artísticas pero: vecinas, próximas y necesitadas de criterios propios de los
estudios en artes visuales. De hecho, el mencionado plan prevé el desempeño de nuestros graduados en
escenarios tales como “museos, galerías de arte, centros culturales, medios gráficos, en espacios on-line,
empresas de arte y diseño, publicidad, video, multimedia, espectáculos, instituciones educativas, editoriales,
fundaciones, universidades, entre otras.” (cfr. Ibid.) Puede leerse en el mencionado documento, y debe
entenderse que esta suerte de apertura, entre disciplinas artísticas y más allá de éstas, “…responde a los
cambios paradigmáticos en el arte actual entre los cuales se destaca un desbordamiento de los límites de los
lenguajes y las prácticas tradicionales. Esto permite entrever un perfil de egresado emergente que no debe ser
necesariamente encasillado en una orientación profesional específica y que, por lo tanto, puede dar cuenta de
la apertura actual del campo artístico, apertura con la que egresa y se puede insertar en el campo laboral.”
(Ibid.)
Las siguientes páginas contienen una exposición más o menos detallada de la tomas de decisión que sirven de
base a nuestro Programa 2015. El lector que no esté interesado en ello puede sortear esta sección y pasar
directamente a 3. Objetivos Generales.
El problema
Nos cabe decir alguna palabra ante un problema hondo (hasta donde sabemos, aún no suficientemente
atendido) que hoy ha de ser –necesaria y frontalmente- planteado a la hora de buscar o imaginar el perfil más
adecuado para un determinado curso, por ejemplo el de un curso introductorio de visión, en el marco de un
tipo de formación experta actualmente en crisis, como lo es la enseñanza artística profesional. Para pensar
este programa de Visión 1, nos hemos visto obligados a responder hipotéticamente las siguientes preguntas.
1
a. ¿Qué debe aprender un estudiante de artes respecto de la percepción humana?
b. ¿Qué debe aprender o ser capaz de practicar un estudiante de artes en relación a los principios y
2
criterios que guiaron la configuración de la obra de arte en el pasado?
c. ¿Qué debe aprender o ser capaz de practicar un estudiante de artes en relación a la coherencia formal
que es posible proveer a un estímulo visual creado por el hombre?
Tales preguntas pueden parecer generales en exceso si obviamos el más grave problema que afecta -aquí y
ahora- a la enseñanza del arte, es decir, a la institución destinada a la socialización de los artistas destinados a
su vez a ser agentes de socialización: ¿Tiene sentido el aprendizaje de algún código, o de algún cuerpo de
instrucciones para producir o recibir obras de arte autónomo cuando de éstas no se reclama ya ningún tipo de
orden o mérito especial que no sea más que un leve parecido a los conjuntos que aparecen fotografiados en
las revistas especializadas como grandes obras del arte internacional?
Probablemente –esbozadas las cosas de este modo- el conocimiento y el entrenamiento visual y morfológico
no tenga hoy demasiado sentido práctico para la realización del arte puro. Respuesta con la cual se abre una
nueva pregunta, de importancia para empezar a dar forma a los futuros ámbitos de formación de los artistas:
¿Cómo ha de entenderse en este nuevo contexto la enseñanza del arte, específicamente la enseñanza que se
dirige a la formación de artistas? Pues bien, nuestro programa de Visión está concebido –en este aspecto-
como una manera de dar respuesta a esta pregunta proponiendo con claridad, sin encantamientos ni
3
prejuicios, el aprendizaje de lo que sí es posible aprender, es decir, de principios y técnicas históricas de las
diversas disciplinas artísticas y/o diseñiles del pasado, que forman parte del bagaje de conocimientos y
1
De artes visuales, es decir, de bellas artes como arte autónomo.
2
Inclusive, en el pasado más reciente.
3
Tales como suponer que el arte debe ser algo determinado (por ejemplo fuerza, expresión o autenticidad en la motivación subjetiva, etc.) sin reconocer el
carácter arbitrario, lúdico, didáctico o simulado de tal aseveración en el campo de la ejercitación y el aprendizaje del arte.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 19
destrezas que suponemos definitorias –no del artista contemporáneo exitoso- sino del especialista o graduado
4
universitario en artes. Y lo que decimos no refiere a un campo institucional del arte imaginario o lejano en el
5
espacio sino que tales problemas se presentan diariamente en cada taller de este Departamento, en forma de
una pregunta recurrente que el «alumno promedio» dirige al Profesor: “¿Acaso existe alguna restricción a la
forma o al aspecto sensible de lo que pueda proponer como obra de arte? Eso que usted me dice, ¿limita el
carácter artístico de este artefacto que auténtica (pero deficientemente) he realizado? ¿Quién puede decir que
mi obra no ha sido lograda en función de su forma, aunque ésta sea deficiente según algún criterio cualquiera
6
sea el que se aduzca?”
Los antecedentes
La Cátedra de Visión 1 ha transitado a lo largo de los últimos veinticinco años (aproximadamente) un proceso
de consolidación académica o –si se quiere, científica- cuyos resultados terminaron con un pasado de vacua
dinámica de grupos o de mera reproducción pre-crítica (y a la vez, deficiente y aislada) de un conjunto de
mitos «compositivos» propios del tipo de creencia artística vigente por entonces (en los sesenta y setenta). Lo
7
conseguido a lo largo de este período hace del estado actual de la Cátedra un punto de partida apropiado
para lo que de ella pueda esperarse en el futuro, en su rol de formación artística inicial; pero también, en la
circunstancia de un Departamento de Artes Visuales (como el nuestro) que se encuentra promoviendo y ya
realizando una reforma substancial de sus planes de estudio.
Otra vez, lo que decimos puede aparecer como excesivo. En este caso, si no se tiene en cuenta –en cada
detalle- cómo durante el período mencionado, enfoques más rigurosos y -en alguna medida- actualizados
(Justo Villafañe, Ruggero Pierantoni, etc.) desplazaron una serie de creencias (pesos ópticos, buena
composición, equilibrio visual, armonía cromática, etc.) que no merecían formar parte del contenido de una
Cátedra universitaria, o bien, cómo ciertos dogmas (históricos) fueron reemplazados por una búsqueda de
fundamentos o argumentos humanamente verosímiles. Esto es lo que sucedió aproximadamente en el período
en que ejerció la titularidad de la Cátedra la profesora María Elena Viguria, entre 1996 y 2003. Ahora bien, lo
que decimos no implica una propuesta de continuación directa (sin modificaciones) de la trayectoria de la
Cátedra pero si, el reconocimiento de ciertos aspectos valiosos que es menester proyectar no sólo al futuro
funcionamiento del curso de Visión 1, sino al plan de estudios en su conjunto. En el parágrafo siguiente,
explicamos nuestra propuesta en orden a los cambios que –también, con firmeza- proponemos y articulamos.
La propuesta
Los aspectos novedosos más importantes de este programa, así como de las experiencias que en él se
proponen, pueden organizarse en las siguientes cuatro direcciones:
A. Proponemos criticar -desde el inicio mismo de los estudios universitarios- la creencia en que «el arte» (y
no las artes, o las disciplinas artísticas) es –lisa y llanamente- «expresión de la subjetividad del artista».
8
Suposición precrítica, ampliamente difundida y tenazmente sostenida dentro de la comunidad de la
Facultad de Artes, cuya consecuencia es el abandono y la despreocupación por cualquier otro asunto que
se despegue de su simplificada e inespecífica meta: expresarse o algo por el estilo. Carece de sentido creer
que vamos a estudiar arte para expresarnos.
4
Todo esto, sin dejar completamente de lado la comprensión de la intriga invisible que forma parte de la institución arte, la que produce y reproduce
constantemente una ilusión que mueve la adhesión colectiva al juego del arte (Bourdieu).
5
Primer mundo o mercado neoyorquino.
6
¿Qué miembro de la comunidad de expertos se atreve a decirlo hoy?. Aquí en Córdoba, en nuestro propio Departamento.
7
Estado actual que ha de entenderse en un sentido amplio, que arranca en su tradición, sus prácticas, pasando por la constitución del equipo docente pero
que, sobre todo, tiene que ver con el tipo de expectativas y representaciones que la asignatura o su compuesto disciplinar y su perspectiva producen en la
comunidad institucional. Hoy Visión 1 es una instancia de aprendizaje reconocida.
8
Propia de la comunidad no especializada.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 19
B. Proponemos observar y evaluar, de una manera del todo profana y desencantada, los asuntos de la
visión y de las leyes que rigen la percepción. Nuestra bibliografía, aún cuando introductoria, forma parte
de una perspectiva racional de la realidad, integrada en una descripción científica del universo, naturalista
y evolutiva. En este sentido, ciertos volúmenes del género divulgación científica nos han permitido cumplir
con dichas exigencias y a la vez, ser aptos para una asignatura introductoria. No nos interesa, en este
espacio pedagógico, la muy bien considerada “construcción social de la mirada”, perspectiva sociológica
asumida y ya cultivada en buena parte (por no decir en la totalidad) de los demás cursos de la institución.
¿Para qué más? He aquí el complemento que asegura la pluralidad de la formación universitaria.
C. Proponemos la incorporación de la Cátedra, sus intereses y sus reflexiones en lo que podríamos
denominar logos morfológico general. Entiéndase: queremos que nuestros artistas en formación sean
capaces de dialogar con otros especialistas de otras disciplinas que –por el motivo que sea- reconocen a la
percepción y a los problemas de la configuración espacial como los problemas de los cuales se ocupan
(disciplinas tales como diseño, caligrafía, arquitectura, tipografía, dibujo, etc.). Esto significa –por lo
menos- incorporar al habla corriente del estudiante, no sólo la terminología que pueda identificarlo (por
simpatía) con la comunidad del arte, poco propicia para el mencionado diálogo, sino introducirlo en un
«discurso morfológico general» como el que atraviesa el conjunto de cátedras destinadas en diversas
instituciones a la introducción y a la ejercitación en los problemas de la percepción y la forma. El ejemplo
más contundente del carácter limitado de la mera jerga hermético-subjetiva (del artista puro) forma parte
del propio Plan de Estudios que antecede al actual: como consecuencia del error y desatino colectivo en el
momento de su elaboración, producto de un lenguaje ni técnico ni riguroso en la materia, dicho Plan
establece una asignatura, ¡casi al final de la carrera!, denominada Morfología cuyo contenido –
sostenidamente- ha sido más que difícil definir.
Lo que se dice y cree –actualmente- al interior del arte autónomo, que “no existe ningún criterio formal de
artisticidad” debería ser motivo suficiente para favorecer el intercambio con otras disciplinas cuya
actualidad indique o conserve un mayor entusiasmo por la forma y la percepción. Lo que decimos, debería
ser aplicado inclusive en cuanto al desarrollo de ciertas destrezas motrices y perceptivas en la confección
de trabajos prácticos, maquetas, etc. Los trabajos prácticos deberían incluir (o suponer, como en el ámbito
del diseño) exigencias relativas a su ajuste material; con ello se conseguiría revertir la actual situación en la
cual la factura habitual de los productos confeccionados en los talleres de este Departamento no reúne el
9
mínimo imaginable de condiciones en cuanto ejercicio universitario. Lo que decimos tiene como
corolario el deber de todo artista en formación de no ignorar ni despreocuparse por completo de los
asuntos del diseño, disciplina que siempre –complementaria o suplementariamente- se ha definido a
partir del arte.
D. Proponemos dejar en claro que, respecto de los niveles relacionales del signo, sintáctico, semántico y
pragmático, la Cátedra de Visión se ha de ocupar fundamentalmente del primero. Quedando los demás, a
cura (con precisión) de otras cátedras o bien (sin ninguna precisión), del confuso y espontáneo interés que
el promedio del alumnado tiene por la llamada «expresión personal», es decir, no mediada y provista por
contenidos de la propia subjetividad (algo que, de existir, no puede ser enseñado). Diversas corrientes en
boga –durante los últimos años- en las ciencias sociales (semiótica, sociología, antropología, estudios
culturales, etc.) influyeron de manera diversa y en alto grado en las diversas cátedras de nuestra Facultad.
Empujándolas a sumar inorgánicamente algunas de sus problemáticas a los programas y planificaciones.
Por ejemplo, para el caso de Visión 1 de los últimos años, tenemos entre los objetivos generales del
pasado reciente: “Conceptualizar el papel de los códigos en la comunicación visual. Relacionar la
producción plástica al contexto socio-cultural.” O bien, como objetivo específico de una unidad dedicada a
los aspectos culturales de la imagen actual: “Comprender las relaciones de la imagen plástica con el
contexto sociocultural. Conceptualizar las influencias de la «cultura de la imagen» sobre la propia
producción plástica.” Objetivos que, a nuestro entender, aún cuando se ajusten al decible y a la moda,
exceden las posibilidades de nuestra Cátedra-taller. Lo que decimos es –simplemente- que el rol específico
9
De condiciones que hagan posible diferenciar un trabajo práctico de un conjunto aleatorio cualquiera, realizado por un sujeto lego en la materia.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 19
de Visión 1 en el Plan de Estudios tiene que ver principalmente (y sin complejos) con los aspectos
sintácticos de los estímulos visuales, entre ellos, las obras de arte. El cuadro es un resumen de lo dicho:
Visión-morfología
1 Proponer un diálogo con la comunidad «morfológico-diseñil».
Arte-diseño
Considerar la percepción y la organización de la forma desde un
2 Explicación científica
punto de mira desencantado y profano.
¿Es el arte tan solo expresión?
Criticar la simplificación según la cual se afirma que el arte es
3 (como se supone antes de iniciar estudios
expresión o que el artista busca –meramente- expresarse.
universitarios)
Atender especialmente la dimensión sintáctica de los conjuntos
4 Visión, asunto sintáctico
visuales.
Hubo un tiempo (lejano o cercano) en el que cualquier conocedor sabía qué era el arte, cuál era su lugar y para
qué servía. Las cosas son hoy bien distintas y exigen de la formación (universitaria) de los artistas una
disposición que no quede ya anclada en una confusa interpretación de la actualidad del arte; es decir, atada a
lo que se entiende, va siendo la novedad o «manera» inmediata del arte en cada momento. Exige una
estrategia educativa mediante la cual, la Institución sea responsable de la formación de expertos que permitan
la conservación y el desarrollo disciplinar en sus aspectos de mayor riqueza, aún cuando tales aspectos no
solventen directamente a lo que se entiende como el aspecto más actual o sociológicamente encumbrado del
arte.
2. Objetivos generales
La Cátedra de Visión 1 se propone como objetivos para el curso 2014, que el alumno…
(1) …desarrolle su capacidad de observación.
(2) …conozca la teoría básica sobre el proceso perceptivo.
(3) ...adquiera elementos de los principios de la percepción que han condicionado la organización de los textos
visuales en el campo del arte y el diseño.
(4) ...adquiera elementos de los principios que efectiva e históricamente han regulado la organización de los
textos visuales en el campo del arte y el diseño [aún cuando en la actualidad dichos principios hayan sido
desencantados en el proceso de secularización que moldeó en los últimos siglos el arte autónomo].
(5) ...desarrolle creatividad en la aplicación de los principios de organización estudiados.
(6) ... analice con parámetros claros y espíritu crítico sus trabajos y los de otros (se trate de artistas
consagrados o de sus propios compañeros).
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 19
(7) …transfiera los conceptos de la visión en el desarrollo no solo de los trabajos de ejercitación propios
propuestos por la Cátedra y por otras asignaturas, sino también, en lo que podría ya considerarse su propio
10
desempeño como artista independiente.
(8) …desarrolle habilidades y destrezas en el manejo de técnicas básicas: collage, troquelado, corte y pegado
de cartones y papeles, témpera, aguada, tinta, lápiz, uso instrumentos de dibujo técnico, etc.
(9) …emplee con propiedad los vocablos del léxico técnico inicial de las artes visuales.
(10) …evalúe –de una manera del todo profana y desencantada- la importancia de la visión y las leyes que
rigen la percepción y la composición, en relación a las artes visuales.
3. Contenidos
Con la finalidad de abarcar el espectro de contenidos especificados por el Plan de Estudios para el Curso de
Visión 1, la Cátedra ha seleccionado un conjunto de problemas que han sido agrupados en las siguientes
cuatro (4) unidades temáticas.
La primera (1), como es de esperar, se ocupa del problema del sistema visual de la especie humana; vale decir:
de la pregunta ¿cómo vemos? y de las respuestas más elementales que la biología y las teorías de la evolución
han producido ante tal demanda. También esta unidad se ocupa de un tema que alguna vez constituyó por sí
solo «nuestra materia», la denominada teoría de la forma (o de la Gestalt). Explicación tan tosca y mitológica
como influyente –desde hace mucho y hasta no hace demasiado tiempo- en nuestras creencias acerca del
proceso a través del cual percibimos y atribuimos sentido al mundo. Asunto que debe ser revisado y estudiado
en términos de la ciencia contemporánea.
La unidad siguiente (2) contiene explicaciones sencillas y elementales respecto de cómo percibimos,
reconocemos y organizamos el color.
La tercera (3) aborda un tema cuya introducción –simple- hace posible continuar hablando acerca de lo que
estamos viendo, el problema del signo visual. Lo que vemos y entendemos, de alguna manera; ¿es un signo
visual?; ¿las imágenes lo son?; y… ¿qué hay de las pinturas y los dibujos?. Aquí introducimos los conceptos
fundamentales de una teoría de la imagen.
Una cuarta unidad temática (4) intenta recuperar una serie de conocimientos acerca de la génesis y
organización de la forma visible, pero sin tener en cuenta, necesariamente, el proceso de percepción de la
misma. La pregunta es: ¿cómo puede describirse la organización formal de un determinado objeto visible?
Cabe decir que contamos desde hace unos años, por primera vez, un libro que integra la experiencia de años
de trabajo y estudio cooperativo (Fernando Fraenza + Sergio Yonahara) en nuestra Cátedra de Visión 1 del
10
Atención: hemos evitado expresiones tales como “su quehacer personal”; “expresión personal”; “un lenguaje visual propio”; o “propuestas plásticas
personales”, todas ellas empleadas frecuentemente para denominar equívoca y engañosamente lo que simplemente debería indicarse como estilo o idiolecto
particular de un sujeto que se inicia en la tarea de postular producciones propias a fin de que sean aceptadas colectivamente como obras de arte o bien, como
artefactos visualmente orgánicos. No podemos hacer de cuenta –como el inexperto- que el desideratum de todo artista es lograr algo así como la expresión
personal.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 19
Departamento de Artes Visuales de la Universidad Nacional de Córdoba, en la que hemos desarrollado el
enfoque más o menos heterodoxo que por medio de este curso intentamos introducir. Desde luego, desde el
año pasado, FRAENZA, FERNANDO, SERGIO YONAHARA & ALEJANDRA PERIÉ (2013) ¿Cómo vemos? Introducción a la visión
de la forma y el color (2013, Brujas, Córdoba) será nuestra la referencia bibliográfica básica para el conjunto de
la asignatura. Desde luego, los autores esperan que disfrutéis de este volumen tan afectuosa y
responsablemente concebido. También este programa 2019 es –en regular medida- desarrollado por Ruggero
Pierantoni, investigador genovés del Istituto di Cibernetica-CRN en Camogli, autor de un muy conocido
volumen L'occhio e l'idea. Fisiologia e storia della visione (1979, Boringhieri, Milano), libro que resulta un buen
complemento para casi la totalidad de las unidades de contenido de nuestra materia. Más allá de estos dos
libros, una veintena de hermosos artículos, ensayos y capítulos, los que son detallados en la bibliografía,
vienen bien para todo aquel que desee ampliar y profundizar su conocimiento del los distintos temas.
A continuación exponemos con cierto detalle cada una de las ya mencionadas unidades temáticas. Lo hacemos
con un criterio de organización más bien analítico que cronológico, pues no refleja la secuencia de problemas a
resolver y de tareas a desarrollarse a lo largo del curso anual. Los contenidos de cada unidad temática son
antecedidos por un breve listado de sus objetivos particulares y luego, sucedidos por una indicación
bibliográfica específica que precisa la referencia a los libros que se enumeran y describen en la sección final de
Bibliografía general.
Unidad1 Visión Elementos de percepción visual

1.1. Percepción, aspectos generales
1.1.1. ¿Qué es ver? El problema de la visión.
1.1.2. Los estímulos y el procesamiento de la información.
1.1.3. ¿Imágenes en el cerebro?
1.1.4. El cálculo visual
1.2. Procesamiento básico de la visión
1.2.1. Evolución del sistema visual.
1.2.2. La retina.
1.2.3. Procesamiento de la información visual.
1.3. Organización perceptual
1.3.1. Consciencia cuasi-tridimensional. La información 2½D.
1.3.2. Figura y fondo
1.3.3. Agrupamientos
1.4. Percepción de la profundidad y la distancia
1.4.1. Indicios binoculares.
1.4.2. Indicios monoculares.
1.5. Reconocimiento visual del objeto
1.5.1. Modelo 3D e identificación de objetos.
1.5.2. Modelo 3D, concepto y lenguaje.
Unidad2 Color Elementos de teoría del color

2.1. La naturaleza del color
2.1.1. El color, asunto fisiológico. Estímulo y sensación de color.
2.1.2. Las dimensiones del color, tinte, brillo y saturación.
2.2. La organización del color.
2.2.1. Las mezclas (aditiva y sustractiva) y los colores considerados como principales
(primarios, elementales, fundamentales, etc.).
2.2.2. Diagramas propuestos para segmentar, operar y hacer memorable el continuum
cromático, especialmente: el círculo. Colores metámeros, complementarios y ortogonales.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 19
2.3. Color y mecanismos perceptivos
2.3.1. Relatividad e interacción del color.
2.3.2. Tricromatismo: conos y codificación cromática.
Unidad 3 Signo El arte y el signo visual, figuras e imágenes

3.1. El signo
3.1.1. Semiótica y semiología.
3.1.2. Signo. Tipos de signo y niveles de funcionamiento.
3.1.3. Sintagma y paradigma. Denotación y connotación
3.1.4. Modelos diádicos y triádicos. Signos verbales y no-verbales.
3.2. La imagen
3.2.1. Figuras e íconos. Imagen y no-imagen, el tableaux y la peinture. La doble realidad de
las imágenes.
3.2.2. Digital y analógico.
3.2.3. La percepción en el contrato del dibujante.
Unidad 4 Forma Elementos básicos de morfología

4.1. Elementos de geometría plana
4.1.1. Líneas y ángulos.
4.1.2. Triángulos, cuadriláteros y figuras de n lados.
4.1.3. Circunferencia y círculo.
4.1.4. Trazados elementales. Bisectriz y división de la semicircunferencia.
4.1.5. Igualdad y equivalencia.
4.1.6. Redes y tramas.
4.2. Forma simétrica vs forma orgánica
4.2.1. Motivo, muestra elemental.
4.2.2. Isometría, homeometría, catametría y ametría.
4.2.3. Operaciones básicas: traslación, rotación, extensión, reflexión.
4.2.4. Combinaciones principales.
4.2.5. Cuerpos isométricos y homeométricos.
4.2.6. De lo simétrico a lo orgánico
4.3. Proporciones
4.3.1. Proporciones, ¿por qué?
4.3.2. Belleza como proporción y armonía
4.3.3. La sección áurea
4. Contenidos y bibliografía obligatoria y ampliatoria para cada

núcleo temático, además de objetivos específicos.
Unidad1 | Visión | Elementos de percepción visual

• Conocer los fundamentos psicobiológicos de la percepción visual.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 19
• Reconocer la existencia de problemas relativos a la percepción a lo largo de la historia del arte.
• Tomar conciencia de que los problemas teóricos en materia de arte no siempre están escindidos de la
práctica.
• Tener presente de que las ciencias sociales y los estudios sobre la significación cultural no agotan la
totalidad de los problemas teóricos del arte.
Contenidos y bibliografía específica:
1.1. Percepción, aspectos generales
Bibliografía: Fraenza, Fernando et alt., ¿Cómo vemos? Introducción a la visión de la forma y el color,
Cap.1.1., pp.13-64.
Bibliografía ampliatoria: García-Albea, José E., “Algunas notas introductorias al estudio de la percepción”, en Munar Ed., Cap.5, pp.179-200.
1.1.1. ¿Qué es ver? El problema de la visión.

1.1.2. Los estímulos y el procesamiento de la información
Bibliografía ampliatoria: Molnar, Francois
1.1.3. ¿Imágenes en el cerebro?

Bibliografía ampliatoria: Jackendoff, Ray, Cap.10.
1.1.4. El cálculo visual

Bibliografía ampliatoria: Gardner, Howard, Cap.10, “La percepción del mundo”, pp.321-331 y Jackendoff, Ray, Cap.10.
1.2. Procesamiento básico de la visión

Fraenza, Fernando et alt., op.cit., Cap.1.2., pp.65-168.
Bibliografía ampliatoria: Blanco, Florentino y Travieso, David, “Procesamiento básico de la visión”, en Munar Enric Ed., Cap.7, pp.235-266.
1.2.1. Evolución del sistema visual.

Bibliografía ampliatoria: Jastrow, Robert, caps.1, 2, 3, pp.1-53.
1.2.2. La retina.
Bibliografía ampliatoria: Molnar, Francois; Jastrow, Robert, cap.6, pp.79-96; Pierantoni, Ruggero, Cap.1. Los mitos de la visión.
”Camilo Golgi y su red”, pp.38-42; “La arquitectura moderna de la retina”, pp.42-43; “La retina, entonces”, pp.43-47.
1.2.3. Procesamiento de la información visual.

Bibliografía ampliatoria: Molnar, Francois; Jastrow, Robert, cap.6, pp.79-96; Pierantoni, Cap.5. “Movimientos y temblores; silogismos
visuales”, pp.150-153. Cap.2. “Inhibición y contraste”, pp.90-93; Cap.3. “Los dos gatos inmóviles”, pp.101-105).
1.3. Organización perceptual

Bibliografía ampliatoria: Crespo León Antonio, “Organización perceptual y reconocimiento visual del objeto”, en Munar Ed., Cap.10, pp.339-378.
1.3.1. Consciencia cuasi-tirdimensional. La información 2½D.

1.3.2. Figura y fondo.
1.3.3. Agrupamientos.
Bibliografía ampliatoria: Pierantoni, Ruggero, Cap.1. ”Rana gestáltica varietas bostoniana”, pp.48-52.
1.4. Percepción de la profundidad y la distancia.

Bibliografía ampliatoria: Crespo Munar Enric “Percepción de la profundidad, de la distancia y del tamaño”, en Munar, E. Ed., Cap.11, pp.379-408.
1.4.1. Indicios binoculares.

1.4.2. Indicios monoculares.
1.5. Reconocimiento visual del objeto.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 19
Bibliografía ampliatoria: Gardner, Howard, Cap.10, “La percepción del mundo”, pp.321-331.
1.5.1. Modelo 3D e identificación de objetos.

1.5.2. Modelo 3D, concepto y lenguaje.
Unidad2 | Color | Elementos de teoría del color

• Conocer las bases psicofísicas de la visión del color.
• Conocer los principios de la teoría del color.
• Desarrollar la sensibilidad y entrenar la percepción del color.
• Aplicar nociones de color [dimensiones y contrastes] en estudios sistemáticos regulados con precisión.
• Aplicar nociones de color [dimensiones y contrastes] en proyectos o ejercicios individuales propuestos
como si fueran «obras de arte».
2.1. La naturaleza del color
Bibliografía ampliatoria: Lillo-Jover Julio, “Percepción del color”, en Munar, Enric Ed., Cap.9, pp.301-337; y Pierantoni, Ruggero, Cap.3. La luz,
dentro y fuera, pp.95-122.
2.1.1. El color, asunto fisiológico. Estímulo y sensación de color.

Bibliografía ampliatoria: Küppers, Harald Cap.6.”El color solo es impresión sensorial”; Cap.1.”El órgano de la vista…”, pp. 21-35.
2.1.2. Las dimensiones del color, tinte, brillo y saturación.

Bibliografía ampliatoria: Lillo-Jover, Julio (1993), pp.312-314.
2.2. La organización del color

Fraenza, Fernando, Sergio Yonahara & Alejandra Perié, op.cit., Cap.2.2., 2.3., y 2.4., pp.271-297.
Bibliografía ampliatoria: Lillo-Jover Julio, “Percepción del color”, en Munar, Enric Ed., Cap.9, pp.301-337; y Pierantoni, Ruggero, Cap.3. La luz,
dentro y fuera, pp.95-122.
2.2.1. Las mezclas y los colores considerados como principales

Bibliografía ampliatoria: Küppers, Harald 2.”Los tres colores primarios”; 5.”Los ocho colores primarios”, pp. 21-35. En Pierantoni,
especialmente Cap.3 “Un espectro todo gris” pp.105-109, “El espectro bien temperado” pp.109-111, “La tríada mayor de los colores
fundamentales” pp.111-122. En Lillo-Jover, Julio en Munar, Enric Ed., especialmente 3. pp.318-322.
2.2.2. Diagramas propuestos para segmentar, operar y hacer memorable el continuum

cromático, especialmente: el círculo. Colores metámeros, complementarios y ortogonales
Bibliografía ampliatoria: Lillo-Jover, Julio, pp.316 y ss.; Fraenza, Fernando et Alt. (1999), “3.3.Diagramas circulares” pp.12-15.
2.3. Color y mecanismos perceptivos

Bibliografía ampliatoria: Lillo-Jover Julio, “Percepción del color”, en Munar, Enric, Editor, Cap.9, pp.301-337; y Pierantoni, Cap.3. La luz, adentro y
fuera, pp.95-122.
2.3.1. Relatividad e interacción del color

Bibliografía ampliatoria: Albers, Joseph, Introducción, I.; II.; III. y IV.
2.3.2. Tricromatismo: conos y codificación cromática.

Bibliografía ampliatoria: Mollon; Küppers 6.”El color solo es impresión sensorial”; 1.”El órgano de la vista…”; 2.”Los tres colores
primarios”; 5.”Los ocho colores primarios” pp. 21-35.; Lillo-Jover, Julio, “Fotorreceptores y teoría cromática” pp.334-338. En
Pierantoni Ruggero, especialmente pp.118-122. En Lillo Jover en Munar Ed., especialmente 2.2. pp.307-310.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 19
Unidad 3 | Signo | El arte y el signo visual, figuras e imágenes
• Conocer los fundamentos de todo estudio de los signos.
• Meditar sobre el funcionamiento semiótico de figuras e imágenes visuales.
• Reflexionar acerca de las características semióticas del arte y de las obras de arte.
• Aplicar nociones semióticas elementales en el análisis de obras de arte, imágenes y objetos de diseño.
• Conocer, reconocer y aplicar los principales algoritmos que han servido en la historia del arte para
representar bidimensionalmente el espacio multidimensional.
3.1. El signo
Fraenza, Fernando, “Notas sobre el signo” (manuscrito)
Bibliografía ampliatoria: Pignatari, Deçio (1979): Caps.1 y 2., pp.11-25.
3.1.1. Semiótica y semiología.

3.1.2. Signo. Tipos de signo y niveles de funcionamiento.
3.1.3. Sintagma y paradigma. Denotación y connotación.
3.1.4. Modelos diádicos y triádicos. Signos verbales y no-verbales.
3.2. La imagen
Fraenza, Fernando et alt., op.cit., Cap.3., pp.329-347.
Bibliografía ampliatoria: Pignatari Deçio (1979): Caps.1 y 2., pp.11-25; y Pierantoni Ruggero, Cap.2. “El espacio, dentro y fuera”, pp.63-93.
3.2.1. Figuras e íconos. Imagen y no-imagen, el tableaux y la peinture. La doble realidad de las
imágenes.
Bibliografía ampliatoria: Aumont, Jacques.
3.2.2. Digital y analógico.

3.2.3. El contrato del dibujante
Bibliografía ampliatoria: Willats, John. En Pierantoni, especialmente, 2. pp.63-86. y 5. Ilusión y placer, “Ceci nést pas une pipe”,
pp.156-159; así como “Del techo al pavimento, la caída ilusoria”, pp.170-172.
Unidad 4 | Forma | Elementos básicos de morfología

• Conocer el elenco y la nomenclatura geométrica básica.
• Reflexionar sobre el problema de la organización de la forma visual, entre simetría y organicidad.
• Conocer, reconocer y aplicar la operaciones simétricas más elementales.
• Comprender el papel que la mística de la composición y las proporciones ha jugado en la planificación,
proyecto y construcción de obras de arte en el mundo occidental.
• Conocer, reconocer y aplicar los principales sistemas de proporciones empleados a lo largo de la historia
del arte para dimensionar la obra y sus diversos componentes.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 19
4.1. Elementos de geometría plana
Sánchez, Severo & Elda Alfaro (1995).
4.1.1. Líneas y ángulos.
4.1.2. Triángulos, cuadriláteros y figuras de n lados.
4.1.3. Circunferencia y círculo.
4.1.4. Trazados elementales. Bisectriz y división de la semicircunferencia.
4.1.5. Igualdad y equivalencia.
4.1.6. Redes y tramas.
4.2. Forma simétrica vs forma orgánica
Wolff & Kuhn (1941).
4.2.1. Motivo, muestra elemental.
4.2.2. Isometría, homeometría, catametría y ametría.
4.2.3. Operaciones básicas: traslación, rotación, extensión, reflexión.
4.2.4. Combinaciones principales.
4.2.5. Cuerpos isométricos y homeométricos.
4.2.6. De lo simétrico a lo orgánico (especialmente, Cap.IV. pp.55 y ss).
4.3. Proporciones
Pierantoni, Cap.4. Proporciones, simetrías y alfabetos. Especialmente: “La raíz de dos”, pp.123-125;
“Mitos y ladrillos”, pp.125-127; “de cóncavo a convexo”, pp.130-136. Además: 5. Ilusión y placer, “las
junglas estéticas”, pp.174-189 (puntualmente pp.177-179).
4.3.1. Proporciones, ¿por qué?
4.3.2. Belleza como proporción y armonía .
4.3.3. La sección áurea.
5. Metodología
El dictado se realiza a través de clases teórico prácticas en las cuales, cada uno de los contenidos teóricos son
aplicados a la lectura y comprensión de dispositivos visuales diversos (entre ellos, obras de arte, piezas de
diseño, de industria editorial, etc.) y a la producción de objetos que pongan de manifiesto y permitan la
experiencia sensible (material, visible) de los contenidos estudiados. En ninguna ocasión se solicitará de tales
objetos, que se constituyan en candidatos hipotéticos a ser reconocidos como obras de arte. En Visión 1 no
hacemos obras de arte.
El desempeño fundamental de los alumnos a lo largo del curso consiste en llevar a cabo una lectura
comprensiva y activa, y un estudio pormenorizado de la bibliografía propuesta. Este estudio, piedra de toque
del curso, estará orientado por clases teóricas y –a veces- por guías de lectura provistas por la Cátedra (tales
guías, obligatorias de ser atendidas y respondidas, no serán evaluadas –directamente– por la Cátedra, sino a
través de los exámenes parciales).
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
13
página 13 de 19
La jornada semanal de trabajo consta de 4 (cuatro) horas, ya matutinas, ya vespertinas, según comisión. Estas
cuatro horas se organizan del siguiente modo: una clase teórica (i) de una hora y media de duración [dictada
en aula teórica]; quince minutos de esparcimiento, traslado al aula-taller y consulta; trabajo en taller (ii) de
acuerdo a un instructivo diario (o semanal), durante dos horas y media. Cada sesión de taller está destinada a
la realización de un trabajo práctico, más o menos numerados del 1 al 9 (un último trabajo práctico [número
10] se extiende –en sí mismo- dos o tres semanas y está considerado como trabajo especial para la promoción
de la asignatura). Cada tres sesiones de taller, se evaluará lo que se ha producido en ese período, con la
modalidad y según los criterios que mencionamos abajo, a continuación. La evaluación se lleva a cabo en una
jornada especial, destinada a tal fin. Lo dicho podría esquematizarse del modo mostramos en el cuadro que
sigue.
1 2 3 1
Clase o actividad Clase o actividad Clase o actividad Clase o actividad

teórica teórica teórica Evaluación teórica
de los Examen parcial
Taller Taller Taller trabajos prácticos Taller
práctico práctico práctico práctico
Este ciclo se repetirá tres veces (véase cronograma) y el primer ciclo, llamado ciclo propedéutico (o
preparatorio), de dos jornadas teórico-prácticas + una jornada de evaluación de trabajos prácticos + una
jornada destinada al primer examen parcial + un examen parcial recuperatorio domiciliario, servirá para
que la Cátedra, según el rendimiento de cada alumno, proponga la lista provisional de posibles alumnos
promocionales.
Todos los trabajos prácticos serán bidimensionales. Buena parte de los mismos serán realizados en un
soporte de cartón (gris, blanco, forrado, etc.) y tendrán un formato rectangular de cm19 x cm53 (en un
cartón de cm21 x cm55), según se especifique en las guías. Todos los trabajos serán entregados con una
ficha de evaluación-autoevaluación pegada en su contra-faz.
6. Evaluaciones
Se tomarán tres exámenes parciales en las fechas indicadas en el cronograma que presentamos al final de este
documento. Podrán ser escritos u orales y versarán sobre las lecturas realizadas hasta ese momento de la
evolución del curso. En ellos, los alumnos deberán dar cuenta no solo de la cabal comprensión y asimilación de
los contenidos de la bibliografía, sino que, además, deberán ejercitar y perfeccionar a lo largo del ciclo su
capacidad para comunicarse por escrito (redacción, ortografía, caligrafía) y su capacidad de hacerlo con
gráfica.
Los prácticos se evaluarán en 3 instancias o “entregas” (una más para alumnos promocionales). Luego de los
Tp1/Tp3; de los Tp4/Tp6 y de los Tp7/Tp9. Si bien, en las guías de trabajos prácticos y en las de autoevaluación
se precisan las condiciones o pautas de evaluación para cada trabajo, más o menos, hemos de decir que los
trabajos serán aprobados si: (i) Están bien construidos a nivel material o artesanal (bien dibujados, bien
cortados, bien pegados, con limpieza y exactitud). (ii) Dan cuenta de que su autor conoce del tema del cual
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
14
página 14 de 19
trata el Tp y ha comprendido las premisas del procedimiento sugerido para realizar el trabajo. (iii) Ha resuelto
de manera creativa el problema, obstáculo o desafío presentado a través del Tp.
En el caso de los alumnos que posean certificado de “Régimen de alumno trabajador y/o con familiares a
cargo”, éstos deberán solicitar a la Cátedra una ficha en la cual anotarán –a lo largo del año- el número o
título de todos aquellos Tp o exámenes parciales en los que vaya reprobado tanto la primera instancia
como el recuperatorio. Estos es, para que a fin de año, se pueda rendir el examen, o presentar el Tp por
tercera vez.
7. Condiciones de aprobación
Alumnos regulares
El alumno alcanzará la condición de regular obteniendo (i) una calificación igual o mayor que 4 (cuatro) en
todos y cada uno de los exámenes parciales y asistiendo (ii) a un 78 % de las actividades prácticas propuestas,
11
calificando en ellas con un promedio de trabajos prácticos igual o mayor que 4 (cuatro).
En cuanto a los trabajos prácticos, el alumno regular podrá hacer hasta 9 de ellos, para obtener luego el
promedio a partir de las 7 mejores calificaciones. Entiéndase: de las calificaciones de los 9 trabajos prácticos,
se tomará el promedio de los siete mejor calificados. Por lo tanto, los alumnos regulares no necesitan hacer la
totalidad de los prácticos, pues la calificación surgirá de los 7 más logrados. Otros dos, podrían no haber sido
hechos o podrían estar reprobados, sin que esto gravite en el promedio.
12
El alumno, con el fin de alcanzar su regularidad, podrá recuperar todos los parciales (100%) así como el 33%
o más de los Tp. Esto último significa –en la práctica- que de cada sesión de evaluación, que lo es de tres
trabajos prácticos y que sucederá luego de tres sesiones de taller, podrán rehacerse y recuperarse –luego de
una semana [¡entregando la semana siguiente a la evaluación!]- el 33% de los trabajos prácticos entregados y
no aprobados. La calificación que se obtenga en exámenes parciales o presentaciones de Tp recuperatorias
substituirá a la obtenida en la evaluación parcial o en los Tp ya recuperados.
Los alumnos regulares deberán preparar y rendir su examen en alguno de los 27 turnos de exámenes
subsiguientes al curso realizado. Este examen es teórico-práctico y su substanciación podrá -eventualmente-
incluir la realización –a lo largo de una semana- de trabajos prácticos (en esta situación, el examen práctico
complementario comenzaría al día siguiente de la concurrencia al examen teórico).
Alumnos promocionales
En caso de haber aprobado todos los parciales –aún habiéndolos recuperado- con un promedio igual o mayor
que 7 (siete) y con nota igual o mayor que 6 (seis) cada uno de ellos; y además, haber obtenido un promedio
igual o mayor que 7 (siete) en la calificación de 7 de los 9 trabajos prácticos (Tp1/Tp9), el alumno tendrá la
opción de aprobar la asignatura por el sistema de promoción directa. Los alumnos promocionados de manera
directa deberán trabajar en un último Tp10 (especial para promoción, denominado “coloquio de promoción”)
y no deberán rendir examen. El Régimen de alumnos de nuestra Facultad considera promocional al alumno
que cumpla con las 3 siguientes condiciones mínimas: (a) aprobar el 80 % de los trabajos prácticos con
calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete); (b) aprobar el 100% de las
evaluaciones parciales, con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete) y (c)
11
Recuerde que el Régimen de alumnos de nuestra Facultad establece un mínimo de 80% de trabajos prácticos.
12
El Régimen de alumno establece un mínimo de 25% que, en nuestro caso, lo hemos elevado a 100%.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
15
página 15 de 19
asistir por lo menos al 80% de todas las clases prácticas y teóricas. En nuestro caso obviamos algunas de esta
exigencias, respecto de (a), no nos interesa el porcentaje de trabajos aprobados, ni que las calificaciones en
cada caso sean iguales o mayores que 6 (seis). Nos interesa tan sólo que el promedio de los siete mejores sea
igual o mayor que siete. Respecto de (b), entendemos que todos los parciales pueden ser recuperados.
Respecto de (c), no controlamos la asistencia a teóricos y la asistencia a prácticos se registra en función de
pertenecer al grupo de alumnos que aspira a la promoción directa, o a la regularidad con examen final.
Se confeccionará, luego de la tercera semana de clases, una nómina provisional de alumnos que aspiren a la
promoción directa. Esta podrá ser integrada voluntariamente o por sugerencia de la Cátedra. Tanto en el
primero como en el segundo caso, la inclusión deberá estar respaldada por el rendimiento propedéutico de los
primeros trabajos prácticos y el primer examen parcial, incluido su examen recuperatorio domiciliario.
Alumnos libres
Finalmente, los alumnos libres, lo son de todo requerimiento respecto de exámenes parciales y trabajos
prácticos. Deberán inscribirse y rendir examen en alguno de los turnos previstos por la autoridad de esta
Facultad. Accederán a un examen de dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda oral,
13
contemplándose en el primero, predominantemente, aspectos teóricos y, en el segundo, más bien prácticos.
Una vez aprobada la instancia escrita se procederá al examen oral. Esta segunda instancia, podrá extenderse,
trabajo práctico (domiciliario) de por medio, una semana. Cuando el tribunal examinador considere que el
resultado de la constancia escrita merece la calificación de 8 (ocho) o más, podrá obviar la instancia oral,
previo acuerdo expreso de alumno. En cuanto aspectos teóricos, pretendemos que el alumno pueda dar
cuenta del conocimiento profundo de las categorías y conceptos a los que refiere el curso. En cuanto aspectos
prácticos, pretendemos que el alumno pueda realizar una serie de trabajos cuya complejidad conceptual y
artesanal es comparable con los trabajos realizados durante el cursado regular de la asignatura.
8. Cronograma tentativo
Número
Fecha de
encuentro
Actividad teórica Actividad práctica
¿Qué es ver? El problema de la visión. Los
1 estímulos y el procesamiento de la información.
Tp1 Generando formas a partir de un círculo
2 ¿Imágenes en el cerebro? El cálculo visual Tp2 Figuras semejantes
Evolución del sistema visual. La retina

3 Procesamiento temprano o básico de la Tp3 Figuras equivalentes
información visual
4 Evaluación de los Tp1, Tp2 y Tp3
5 Evaluación parcial 1 Recuperación de Tp
Evaluación recuperatoria del parcial 1,

domicilio
domiciliaria
13
Esto no implica que en ambas instancias se combinen aspectos teóricos y prácticos, por ejemplo la redacción y dibujo, en el primero, o el dominio de los
diferentes temas, en el segundo.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
16
página 16 de 19
Consciencia cuasi-tirdimensional. La información
6 2½D. Figura y fondo. Agrupamientos
Tp5 Agrupamientos perceptivos
Percepción de la profundidad y la distancia.

7 + Reconocimiento visual del objeto. Modelo 3D, Tp6 Percepción monocular de la distancia
concepto y lenguaje.
El color, asunto fisiológico. Estímulo y sensación
8 de color. Relatividad e interacción del color. Las Tp6 Sistemática del color 1
dimensiones del color, tinte, brillo y saturación.
Las mezclas y los colores considerados como

principales. Diagramas propuestos para
11 segmentar, operar y hacer memorable el
Tp7 Sistemática del color 1
continuum cromático.
Simetría. Motivo y período. Isometría,
homeometría, catametría y ametría. Operaciones
12 básicas: traslación, rotación, extensión, reflexión. Tp8 Simetría y color
Combinaciones principales. De lo simétrico a lo
orgánico
Proporciones, ¿por qué?
13 Belleza como proporción y armonía. La sección Tp9 Simetría, proporción y color
áurea.
16 Recuperación de evaluaciones parciales 2 y 3 Reunión con alumnos promocionales
17 Trabajo de promoción
9. Bibliografía
Libro básico, para casi todos los temas:
FRAENZA, FERNANDO, SERGIO, YONAHARA et alt. (2013) ¿Cómo vemos? Introducción a la visión de la forma y el color,
Brujas, Córdoba.
Bibliografía general:
ALBERS, JOSEPH (1976) La interacción del color, Alianza, Madrid, 1979. Del original de Harvard Press, Cambridge,
BLANCO, FLORENTINO & DAVID TRAVIESO (1999), “Procesamiento básico de la visión”, en Munar et Alt. Eds., pp.235-266.
CRESPO LEÓN, ANTONIO (1999), “Organización perceptual y reconocimiento visual del objeto”, en Munar et Alt. Eds.,
pp.339-378.
ECO, UMBERTO (1968), La estructura ausente, Lumen, Barcelona, 1989 (4ta. Ed). Traducción castellana de Francesc Serra
Cantarell, La struttura assente, Bompiani, Milano.
ECO, UMBERTO (2002), Historia de la belleza, Lumen, Barcelona, 2004. Traducción castellana de María Pons Cantarell,
Storia della Bellezza, Bompiani, Milano.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
17
página 17 de 19
FRAENZA, FERNANDO, SERGIO YONAHARA Y ALEJANDRA PERIÉ (2013) ¿Cómo vemos? Introducción a la visión de la forma y
el color, Brujas, Córdoba.
FRAENZA, FERNANDO, ANTONIA MONTE SACRISTÁN & ALEJANDRA PERIÉ. (2000) “Lenguaje & color“, Universidad de
Castilla-La Mancha, Cuenca.
FRAENZA, FERNANDO, “Notas sobre el signo“, escrito para la Cátedra.
GARCÍA ALBEA, JOSÉ (1999), “Algunas notas introductorias al estudio de la percepción”, en Munar et Alt. Eds., pp.179-200.
GARDNER, HOWARD (1985), La nueva ciencia de la mente (Barcelona: Paidós, 1987).. Traducción castellana de Leandro
Wolfson del original: The Mind’s New Science (New York: Basic Books Inc, 1985).
JACKENDOFF, RAY (1987), La conciencia y la mente computacional, Visor, Barcelona, 1998. Traducción castellana de Ana
Ardid del original Consciousness a Computational Mind, MIT Press, Cambridge.
JASTROW, ROBERT (1981), El telar mágico, Editorial Salvat, Barcelona, 1985. Trad.de Domingo Santos. Original: The
Enchanted Loom, Reader's Library, New York, 1981. Caps. 1./7., pp.1-130.
KÜPPERS, HARALD (1977), Fundamentos de la Teoría de los colores, GG, Barcelona, 1981.
LILLO, JULIO (1993), Teoría de la Percepción, Madrid, 1993.
LLOVET, JORDI (1977) Ideología y metodología del diseño, G.Gilli, Barcelona.
MOLNAR, FRANCOIS (1976), “Algunos aspectos psicobiológicos de la imagen”, en La práctica de la pintura, G.Gilli, 1983,
compilación de artículos publicados en Revue déstetique.
MOLLON, JOHN (1990) “Los trucos del color”, en Barlow et Alt. Imagen y conocimiento, Crítica, Barcelona, 1994. Del
original de Cambridge Press, Cambridge, 1990.
MUNAR, ENRIC (1999), “Percepción de la profundidad, de la distancia y del tamaño”, en Munar et Alt. Eds., pp.379-408.
MUNAR, ENRIC, JAUME ROSSELLÒ & ANTONIO SÁNCHEZ [coords.] (1999), Atención y Percepción, Alianza Editorial, Madrid.
PIERANTONI, RUGGERO (1979), El ojo y la idea. Fisiología e historia de la visión, Paidós, Barcelona, 1984. Trad.de Rosa
Premat del original: L'occhio e l'idea. Fisiologia e storia della visione, Boringhieri, Milano.
PIGNATARI, DEÇIO (1969), Información, lenguaje y comunicación , Ed.G.Gilli, Barcelona, 1977. Trad.de B.Losada Castro.
Original: Informaçao, linguagem, comunicaçao, Sao Paulo, 1969.
SÁNCHEZ, SEVERO & ELDA ALFARO (1995), Síntesis de geometría plana y del espacio, Eudecor, Córdoba.
WOLFF, KARL LOTHAR & DOROTHEA KUHN (1941) Gestalt und Symmetrie. Eine Systematik Der Symmetrischen Korpe,
Tübingen: Max Niemeyer. Trad. de Renate Leisse de Mertig y Mario Gradowczyk (1960) Forma y simetría: Una sistemática
de los cuerpos simétricos, Eudeba, Buenos Aires.
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
18
página 18 de 19
Fernando Fraenza
Doctor en Bellas Artes | Universidad de Castilla-La Mancha (España)
Magister en Diseño | Universidad del Bío-Bío (Chile)
Licenciado en Grabado | Universidad Nacional de Córdoba
Sergio Yonahara
Magister en Educación Universitaria | Universidad Tecnológica Nacional
Especialista en Educación Universitaria | Universidad Tecnológica Nacional
Marcelo Quiñonero
Doctorando y becario de postgrado | Universidad Nacional de Córdoba
IF-2022-00334017-UNC-DDG#FA
19
página 19 de 19

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2002 - Visión I

Date: 2022.05.09 12:40:50 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 12:40:57 -03'00'
DIBUJO 1| PLAN 2014| PROGRAMA ANUAL 2020
Carreras: Licenciatura en Artes Visuales y Profesorado en Educación Plástica y Visual
Profesor Titular: Lic. Pablo González Padilla.

Profesora Adjunta: Lic. Sandra Mutal.
Profesoras Asistentes: Mg. Marta Fuentes.
Profesor Asistente: Dr. Marcelo Quiñonero.
2 comisiones
Turno mañana: Miércoles y Jueves 8:30 a 12:30.
Turno tarde: Lunes y Martes 17 a 21.
Consultas: pablo.dibujo53@gmail.com
"El dibujo es un término que está presente como concepto en muchas

actividades, en lo que determina el valor más esencial de ellas mismas, en el
hecho mismo de establecerse como conocimiento…Está referido también a los
procedimientos que son capaces de producir esos trazos definidos, y al uso y a
las connotaciones que estos procedimientos han adquirido."
J. J. Gómez Molina
Fundamentación:
El Dibujo, tradicionalmente considerado en nuestra cultura como disciplina

esencial, estructurante en todo proceso de enseñanza-aprendizaje artística,
portador ─desde esa tradición─ de un conocimiento necesario para llevar a cabo
cualquier procedimiento de representación; es, en este contexto que, la cátedra
de Dibujo I se propone, dentro del Ciclo Básico de la carrera, como un espacio de
profunda revisión crítica de esos presupuestos y sobreentendidos histórico-
culturales.
Se trabaja, en un principio, con el objetivo de que el/la alumno/a se apropien de
recursos tanto teóricos (históricos-filosóficos-conceptuales) como instrumentales-
procedimentales (considerados necesarios para objetivar lo observado en una
representación ligada a la tradición mimética), problematizando en todo
momento el hecho de observar y representar.
La cátedra propone así un recorrido-desplazamiento, desde una mirada
considerada académica, consolidada (que prioriza la función descriptiva-
comunicativa de la representación) a posiciones de ruptura como las
afrontadas por las vanguardias históricas (caracterizadas por la voluntad
conceptualista, expresiva). Esto ofrece la posibilidad de construir una
posición siempre reflexiva, crítica, ante lo dialéctico de toda representación:
“transitiva” y “reflexiva”.
Objetivos IF-2022-00334045-UNC-DDG#FA
página 1 de 6
• Introducir al alumnx en la problemática de la observación-representación
gráfica, bidimensional, como tensión constante, fluctuante.
• Profundizar y problematizar el proceso de observación-representación.
• Instrumentar herramientas técnico-formales para el abordaje de la
representación mimética, analítica-descriptiva y narrativa.
• Desarrollar procesos de configuración a partir herramientas técnico-
conceptuales.
• Reconocer particularidades, especificidades del dibujo como disciplina artística
autónoma de ideación y proyectación.
• Experimentar y desarrollar un lenguaje gráfico que posibilite al alumno/a
confrontar ideas personales con las de ciertas experiencias contemporáneas.
• Adquirir un léxico específico pertinente.
Contenidos
Unidad 1
“lo inalterable bajo las transformaciones de los fenómenos”. Paul Valéry.
Eje conceptual: Introducción al Dibujo como teoría y práctica de la Representación.
Lo Analítico-descriptivo. lo racional / ideal. El mundo como idea.
Ver y saber/pensamiento y percepción.
•Conceptualización–Historización. Ideas estructurantes: forma, estructura.
Ejes, proporción, encuadre.
• Mirada científica, descripción objetiva: valores cuantitativos.
● Método y estrategia de configuración. De la tridimensión a la bidimensión.
La convención.
• Objeto/espacio: Geometrizado-matematizado. Estructura.
Lo universal / lo particular.
Contorno / dintorno.
• Espacio-composición: puntos de vista. Relaciones espaciales. Perspectiva
intuitiva, empírica.
Herramientas: Ejes cartesianos, embloque, “líneas geodésicas” /anillado.
• Contrastes: forma-forma, forma-espacio.
● Forma – Apariencia.
Recursos gráficos: Línea, plano/trazo, superficie. Contorno, dintorno.
• Línea homogénea, gráfica. Línea valorizada, gestual.

• Plano homogéneo, plano gráfico. Plano modelado. Gradientes. Tramas.
Calidades gráficas. Experimentación de técnicas, procedimientos, herramientas,
soportes, superficies.
Recursos técnicos procedimentales:
• Técnicas secas: grafito, barra semigrasa.
• Técnicas húmedas: fibra, tinta, pluma, pincel. IF-2022-00334045-UNC-DDG#FA
• Soporte papel: diferentes calidades, gramajes.
página 2 de 6
Temas:
• La forma: Objetos naturales, objetos industriales.
• Lo informe: paño- trapo, vegetales.
• El espacio: Objeto/s instalado/s: Situación espacial: Diedro-triedro.
• La figura humana. Canon-experiencia.
Unidad 2:
"... el peligro consiste en que la representación quiera pasar por la presencia,
el signo por la cosa misma. (...) No hay otra realidad, otro sujeto ni otro objeto
que los que resultan del juego de las miradas y de los discursos que los ponen
en escena".
Corinne Enaudeau
“... ¿La obra de Joyce? [...]. Bueno, le digo, no le parece que era un poco,
¿cómo le diré?, ¿no le parece que era un poco exageradamente realista?
¿Realista?, dice Renzi. ¿Realismo? Sin duda. Pero ¿qué es el realismo?, dijo.
Una representación interpretada de la realidad, eso es el realismo, dijo Renzi.
En el fondo, dijo después, Joyce se planteó un solo problema: ¿Cómo narrar
los hechos reales?”
Ricardo Piglia, Respiración artificial.
Eje conceptual: Introducción a la Representación gráfica como proceso de

significación. Dibujo-lenguaje. Dibujo-expresión.
Lo Aparencial, lo narrativo. lo perceptual. El mundo como cuerpo/carne:
fenómeno; superficie.
Mirar-percibir. Lo cualitativo.
La luz, la sombra. Relación color-valor. Niveles y tipos de contrastes.
• Conceptualización-historización.
Ideas estructurantes: la materialidad-la visibilidad.
● La luz: Situación lumínica: ambiental, focal, natural, artificial, etc.
● Contraste: equivalencias color valor.
Lo expresivo- lo creativo. Abstracción.
•Dibujo expresivo-dibujo creativo. Creatividad como novedad. La relación
novedad- tradición.
•Dibujo y lenguaje: experimentación grafica. El azar-lo predeterminado.
● La experiencia cubista1 en tanto problematizadora de la relación
representante-representado.
1“Me referí al cubismo como una revolución en el arte. Hizo mucho más por ampliar el lenguaje artístico que, por ejemplo, el
impresionismo. Fue mucho más que una revolución estilística contra aquello que le precedía. El cubismo cambió la naturaleza
IF-2022-00334045-UNC-DDG#FA
de las relaciones entre la imagen pintada y la realidad, y, al hacerlo, situó al hombre en una posición en que no había estado
nunca hasta entonces.” John Berger, Fama y soledad de Picasso.
página 3 de 6
● La experiencia expresionista.
Recursos gráficos:
Plano, trama, mancha.
● Raya, huella, marca. Lo gestual.
• Superficies, texturas, porosidades, tersuras.
• Calidades gráficas: Experimentación de técnicas, la mancha, el chorreado:
“dripping”.
Recursos técnicos procedimentales:
• Técnicas secas: grafito, barra semigrasa.
• Técnicas húmedas: tinta, látex.
• Procedimientos, herramientas y soportes no convencionales.
Temas:
• La escena. Entorno/contexto.
● Figura Humana... Adecuación-inadecuación. Apariencia.
Propuesta metodológica:
Se trabajará a partir de una metodología de taller: clases expositivas dialogadas,
trabajos prácticos guiados, lecturas reflexivas aplicadas.
Foro: debate grupal sobre el proceso realizado.
Evaluación (cualitativa y cuantitativa):
Se evaluará proceso: trabajos prácticos (una presentación al final del
cuatrimestre de carpeta) y dos parciales, un recuperatorio.
Se evaluará la adecuación de los procesos al módulo pertinente tanto cualitativa

como cuantitativamente, teniendo en cuenta aspectos tales como:
• Experimentación.
• Discernimiento de los contenidos, conceptualización.
• Búsqueda técnico-conceptual (idea, sentido).
• Nivel de problematización.
• Adecuación de un criterio explicitado a la representación.
• Presentación.
• Coherencia y corrección en la terminología y conceptos en la exposición
oral/escrita.
Bibliografía
Textos de referencia:
GÓMEZ MOLINA, Juan José (Coord.). Las lecciones del dibujo, Madrid, Cátedra, 1995.
GOMEZ MOLINA, Juan José (Coord.). Los nombres del dibujo, Madrid, Cátedra 2005.
Otros textos de referencia*:
BERGER, JOHN. Modos de ver. Barcelona, G. Gili, 1975.
Sobre el Dibujo, G. Gili, 2011.
La apariencia de las cosas, G. Gili, 2014. IF-2022-00334045-UNC-DDG#FA
página 4 de 6
ESCOBAR, Ticio, Imagen e intemperie. Las tribulaciones del arte en los tiempos del mercado
total, Capital intelectual, 2015.
SVETLANA ALPERS. El arte de describir. El arte holandés en el siglo XVII. editado por Ana
Basarte; Ana Hib. Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Ampersand, 2016.
CHING, FRANCIS. Dibujo y proyecto. México, G. Gili, 2002
DA VINCI, LEONARDO. Tratado de la pintura. Buenos Aires, Losada, 1944.
GOMBRICH, E. H. Arte e ilusión. Estudio sobre la psicología de la representación pictórica.
Madrid, Debate, 2002.
GOMBRICH, E. H. El legado de Apeles. Debate. 2000
GOMBRICH, E. H. Temas de nuestro tiempo. Propuestas del siglo XX acerca del saber y del
arte. Madrid, Debate, 1997
GÓMEZ MOLINA, JUAN J. (comp.) Estrategias del dibujo en el arte contemporáneo. Madrid,
Cátedra, 1999
MAIER, MANFRED. Procesos elementales de proyección y configuración (Curso básico de la
Esc. de Artes Aplicadas de Basilea-Suiza). Barcelona, G. Gili, 1982.
STOICHITA, VÍCTOR. Breve historia de la sombra. Madrid, Siruela, 1999
*ver también http://dib40.blogspot.com (bibliografía de cátedra)
Condiciones de cursado
Promoción:
Será considerado PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes condiciones:
• 80 % asistencia;
• 80 % de los Trabajos Prácticos aprobados con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un
promedio mínimo de 7 (siete);
• 100% de las Evaluaciones Parciales aprobadas, con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis)
y un promedio mínimo de 7 (siete). Las calificaciones promediadas de evaluaciones parciales y
trabajos prácticos serán consideradas separadamente y no serán promediadas a los fines de la
PROMOCION.
Regularidad:
Son alumnos REGULARES aquellos que cumplan las siguientes condiciones:
• 80% asistencia
• 80 % de los Trabajos Prácticos aprobados con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro).
•80% de las Evaluaciones Parciales aprobadas con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro).
Las calificaciones de evaluaciones parciales y trabajos prácticos serán consideradas
separadamente y no serán promediadas a los fines de la aprobación de la condición de alumno
REGULAR.
REGIMEN DE ALUMNOS -Resolución N.º 363/99 Del H. Consejo Directivo (Modificada por las
Resoluciones N.º 462/99 y N.º 248/02 de este Cuerpo) http://www.ffyh.unc.edu.ar/ Buscar
siguiendo los links: secretarías: Académica/reglamentaciones.
Dado que los contenidos se van desarrollando en grado de complejidad y que el proceso de
comprensión y aprendizaje de los mismos posee diferentes tiempos en cada alumno se tomará
un solo recuperatorio en el segundo cuatrimestre luego de los parciales.
EXAMEN DE ALUMNO REGULAR Y LIBRE.

El examen consta un proceso gráfico realizado en el taller.
Se desarrolla durante cinco (5) días hábiles.
Para los alumnos libres se instrumentará una instancia de coloquio sobre algunos tópicos del
programa. IF-2022-00334045-UNC-DDG#FA
página 5 de 6
Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene (cuando corresponda. En los casos donde
se presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras debe incorporarse el
siguiente recuadro.
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los exámenes que requieran montaje de obras
deberán respetar las normas de seguridad e higiene. No se pueden utilizar los espacios:
escaleras, ascensor, techos, escaleras de emergencia, como así también obstruir puertas
(oficinas, emergencias, ingreso, etc.). Los espacios de tránsito de uso común deberán contar con
las indicaciones pertinente si interrumpen el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos los elementos de
montaje (cintas, tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde
han sido retirados.
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben hacerse a la Dirección del Departamento
de Artes Visuales y deben tener el aval del docente responsable.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad deberá contar con el aval de la
Dirección del Departamento.
Desarrollo módulo 1: marzo-mayo.
1° Parcial
Desarrollo módulo 2: mayo-junio.
2° Parcial
Recuperatorio
IF-2022-00334045-UNC-DDG#FA
página 6 de 6

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2003 - Dibujo I

Date: 2022.05.09 12:45:04 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 12:45:10 -03'00'

Carrera/s: Artes Visuales- Ciclo Básico
Asignatura: GRABADO I
Año curricular: PRIMERO
CUATRIMESTRAL
Equipo Docente:
Prof. Titular: Adriana Miranda
Prof. Adjunta: Alejandra Hernández
Prof. Asistente: Laura Pedrerol-Lucía Álvarez Pérez
Prof. Adscriptas: Sofía Ballarino
Ayudantes Alumnas: Lucía Manfredi, María Cristina Torres, Haira Morón,
Florencia Rossi, Nayra Vallejos, Caterina Vignolo, Belén Canesini.
Distribución Horaria:
Turno mañana: martes y viernes de 8,00 a 12,00 hs.
Consultas: días martes de 12,30 a 13 hs. o vía Aula virtual
Turno tarde: jueves de 17 a 21 y viernes de 16 a 20 hs.

Consultas: vía aula virtual o los días jueves de 15,30 a 16 hs.
A raíz del Aislamiento Social Preventivo y Obligatorio (ASPO) del año 2020 el Programa de la
Materia Grabado I ha desarrollado estrategias que le permiten el dictado y la evaluación de
las actividades previstas en el Programa Presentado al Departamento de Artes Visuales con
excepción de la Unidad 4: Técnicas en Hueco. Punta Seca
PROGRAMA
1- Fundamentación / Enfoques / Presentación:
La materia Grabado I corresponde al Ciclo Básico de la Carrera Artes Visuales y está
comprendida en el Área Técnica de los Lenguajes Visuales dentro de la estructura del
plan de estudios 2014, éste entiende que la “asignatura es específica de taller de
producción, experimental-reflexivo y está acotada por lo disciplinar” es decir el Grabado
y Arte Impreso en sus aspectos técnicos y conceptuales. Se inscribe en la categoría del
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 1 de 12
A
espacio curricular teórico-práctico puntual (según el reglamento de estudiantes)1
considerándose que la materia está compuesta de clases teóricas con aplicaciones
prácticas.
La materia es introductoria a los sistemas de impresión en relieve, hueco y superficie
desde un enfoque artístico abordando además el Grabado tradicionalmente ligado al
Arte Impreso, las distintas funciones sociales en la historia, el proceso de homologación
en el campo artístico y los cambios en la contemporaneidad.
El proceso de enseñanza tiende a incorporar conocimientos técnicos, tecnológicos y
conceptuales que permitan desarrollar estrategias prácticas creando hábitos de trabajo
sustentados en las teorías propiciando aprendizajes significativos.
Articulación entre los contenidos curriculares

(Eje 1) IMAGEN-bitácora
(Eje 2) SISTEMAS RELIEVE HUECO SUPERFICIE
DE IMPRESIÓN
(Eje 3)SEGURIDAD E HIGIENE
(Eje 4) CONTEXTO HISTORICO
La enseñanza y el aprendizaje técnico-procedimental se sustentan en el concepto de

imagen (1) como una representación bidimensional y su apariencia tridimensional cuyo
abordaje se comparte con las materias Dibujo y Visión I, las cuales se cursan
paralelamente. Esto se trabaja a través de una bitácora vehicularizadora entre las ideas
y las técnicas de Grabado. Esto permite experimentar los comportamientos de los signos
plásticos en los distintos sistemas de impresión.
Este proceso de trabajo se articula en dos ejes horizontales: seguridad en el taller (3) y el
contexto histórico del Grabado y Arte Impreso (4).
El carácter de masividad que reviste esta cátedra y su propia dinámica de trabajo de

aula taller requiere de una organización ajustada para que el aprendizaje individual se
potencie en lo grupal. En el contexto institucional y áulico las tareas de enseñanza y
aprendizaje contemplan un análisis crítico de los riesgos de trabajo y las acciones
necesarias para minimizarlos; estos conocimientos conforman protocolos de seguridad e
higiene (3) que incluye la comprensión del significado de “condiciones y medio ambiente
laboral” en tanto corpus teórico-práctico que no se limita a lo individual sino al sentido
de responsabilidad social en la enseñanza y el aprendizaje compartido por docentes y
1
https://artes.unc.edu.ar/wp-
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&utm_medium=phpList
&utm_content=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigent
e+en+la+FA+
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 2 de 12
A
estudiantes de esta universidad pública y de ésta Facultad de Artes sentando las bases
para “Una práctica guiada por los principios de la ética profesional” y “sensibilidad
social, compromiso social, solidaridad y respeto por el otro” propuesto en el Plan de
estudios vigente. Se prevén además instructivos sobre los procedimientos de trabajo en
el aula que requieren de un aprendizaje obligatorio para sostener el trabajo colectivo.
2- Objetivos
Se propone que el/la estudiante logre:
Incorporar un método de trabajo procesual en la construcción de las imágenes
adaptándolas a las diferentes técnicas de los sistemas de impresión.
Conocer y desarrollar de forma autónoma los sistemas de reproducción artísticos.
Incorporar protocolos de seguridad e higiene en el taller.
Reconocer e identificar las características del Arte Impreso tradicional y sus diferencias
en el lenguaje del grabado actual.
Articular los contenidos prácticos y teóricos argumentando la producción personal
desde una posición reflexiva y autocrítica.
Incorporar la terminología específica de la disciplina.
3- Contenidos / Núcleos temáticos / Unidades

Se desarrollan cuatro unidades que contemplan los cuatro ejes descriptos en
“articulación entre los contenidos curriculares”:
Unidad 1: La imagen (1), sistemas de impresión (2), contexto histórico (4), seguridad e
higiene en el taller de grabado (3).
La imagen impresa características según la técnica. La bitácora como proyecto de
trabajo estructurador de la idea. Estudio de casos.
Funciones sociales del grabado en la historia. Concepto de grabado tradicional. Marco
general de las técnicas de relieve, superficie y hueco.
Las técnicas y los materiales en el lenguaje del grabado actual: continuidades y rupturas
con la tradición. Diferencias técnicas y conceptuales.
Introducción a la problemática de seguridad en el taller de grabado (3). Concepto de
riesgo y prevención. Hojas de seguridad y fuentes de información de sustancias
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 3 de 12
A
químicas. Hábitos individuales y compartidos en el uso, limpieza, conservación y
guardado de las herramientas y materiales. Responsabilidad individual y grupal.
La Unidad 1 se prevé la realización de una Bitácora que articulará imagen-

idea con los conocimientos teóricos y diferentes técnicas a abordar en las
unidades del programa, según las consignas y lecciones publicadas en el Aula
Virtual.
Bibliografía:
-Bill Fick y Beth Grabowski (2015). El grabado y la impresión. Blume. China. Cap. 1.
-Crespi, Irene (1978). Léxico técnico de las Artes Plásticas. Eudeba. Buenos Aires. Pag.
10, figuras: 4, 14, 15, 16,28, 30, 40.
-Dantzinc, Cynthia Maris. (1994). Diseño Visual. Editorial Trillas. Colombia. Cap. 1.
-Dawson, John. (1982). “Manual de Grabado e Impresión. Técnicas y Materiales”. Edit.
Herman Blume. Madrid. Páginas 41 a la 45.
-Hughes-Vernon-Morris (2010). La impresión como arte. Blume. Barcelona.
-Villgrán Constanza (2013). “Procedimientos de Higiene y Seguridad en el Taller”. Aula
Virtual de la cátedra Grabado I.
-Dolinko Silvia (2002). Arte para todos. pag. 11 a 18.
Unidad 2: Técnicas de superficie. Monocopia (2)

Monocopia: contenidos teóricos (3) y prácticos (2). Procedimientos y materiales. Obra
única. Diferentes tipos de monocopias y recursos como plantillas, esténcil, monocopia
acuarelable. Soporte, estampa.
Las técnicas y los materiales en el lenguaje del grabado actual: continuidades y rupturas
con la tradición. Diferencias técnicas y conceptuales.
Las técnicas de superficie en el contexto histórico (4). Artistas que fueron referentes
importantes en estas técnicas y sus diferentes formas de abordaje de la imagen.
Imagen procesual-idea. Abordaje de la imagen en la técnica de superficie: planos
positivos y negativos. Estructura de la textura táctil y visual. La representación
bidimensional, el espacio como apariencia de la tridimensión (1).
La Unidad 2 prevé la articulación entre la Bitácora con la práctica de
monocopia y los contenidos teóricos de Seguridad e Higiene e Historia del
grabado desarrollados en la Unidad 1.
Bibliografía
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 4 de 12
A
- MAPA. Red de Conocimiento de la Universidad Nacional de Córdoba. Conversaciones
de Cátedra Grabado I. (2 de marzo de 2020) [Recuperado de
https://soundcloud.com/grabado1/sets/conversaciones-de-catedra-1]. Aula virtual.
https://rdu.unc.edu.ar/handle/11086/11613
-Bill Fick y Beth Grabowski (2015). El grabado y la impresión. Blume. China. Cap. 189
-Dantzinc, Cynthia Maris. (1994). Diseño Visual. Editorial Trillas. Colombia. Cap 1.
-Hughes-Vernon-Morris (2010). La impresión como arte. Blume. Barcelona. Capítulo 5:
páginas 368 a 378, Capítulo 2: página 214.
-Indij, Guido. (2007). 1000 esténcil, Argentina Grafiti, Talleres Trama, Buenos Aires.
-Munari, Bruno (1985). Diseño y Comunicación visual. Gustavo Gili, Barcelona.
-Villagrán Constanza (2013). “Procedimientos de Higiene y Seguridad en el Taller”. Aula
Virtual de la cátedra Grabado I. Facultad de Artes. Universidad Nacional de Córdoba.
Unidad 3: Técnicas de relieve: Xilografía (2)

Características generales, materiales y herramientas. Concepto de módulo o plantilla,
sello, xilocollage. Registro y separación de color-valor. La función del color en los
sistemas gráficos. Valores y superposición de matrices (1) para un camafeo. Sistemas de
registro (2)
Diferencias procedimentales y conceptuales en la historia (4). Imagen procesual-idea (1).
El comportamiento de los signos plásticos en la concepción de la imagen xilográfica.
Punto, línea, plano, figura y fondo, luces y sombras, la textura, positivo y negativo. La
xilografía tradicional y contemporánea.
Concepto de riesgo y prevención en el uso de las herramientas. Hábitos y cuidados en el
uso y limpieza de los materiales. Toxicidad: distintos grados según los materiales a
utilizar (3).
Trabajo Teórico-Práctico Evaluable 1: Presentación de la Bitácora, técnicas de
superficie según el cronograma y consignas dadas por escrito en el Aula Virtual. Se
prevé un coloquio sobre contenidos teóricos al momento de la evaluación.
Bibliografía
-Bill Fick y Beth Grabowski (2015). El grabado y la impresión. Blume. China. Cap. 4.
-Crespi, Irene (1978). Léxico técnico de las Artes Plásticas. Eudeba. Buenos Aires.
-Gené, Dolinko, Wechsler. (2008). Víctor Rebuffo y el grabado moderno. Mundo Nuevo.
Buenos Aires.
-Hughes-Vernon-Morris (2010). La impresión como arte. Blume. Barcelona. Capítulo 2,
pág. 166 a 238.
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 5 de 12
A
-Munari, Bruno (1985). Diseño y Comunicación visual. Gustavo Gili, Barcelona.
Virtual de la cátedra Grabado I
https://www.eduardoiglesiasbrickles.com/eduardo-x-eduardo consultado 20/2/20
http://caevmuseoxilo.blogspot.com.ar/p/ediciones.html consultado 20/2/20
http://www.josemariaibanez.cl/obras.html consultado 20/2/20
Jardín de las esculturas de Xalapa. (20/2/20) Blogger Publicado por Manuel Velázquez.
[archivo de video] Recuperado de:
http://jardindelasesculturasdexalapa.blogspot.com.ar/2011/05/conferencia-el-grabado-
contemporaneo.html
http://cvaa.com.ar/02dossiers/berni/4_temas_12_1.php consultado
http://victorrebuffoartista.blogspot.com.ar/2012/ consultado 20/2/20
http://www.dapcordoba.com.ar/knowledge-base/moreno-villafuerte-ricardo/
consultado 20/2/20
Unidad 4: Técnicas en hueco. Punta seca (2)

Alcances y limitaciones de la técnica. Diferencias con las técnicas húmedas. Estampa:
importancia del papel como soporte de la obra. Matrices sobre diferentes materiales y
con distintas herramientas. El boceto para punta seca: línea, punto, valores por trama.
Tipos de entintados. Imagen procesual-idea (1)
Concepto de riesgo y prevención (3). Toxicidad. Uso de las herramientas. Hábitos y
cuidados en el uso, limpieza y conservación de los materiales.
El tratamiento de la punta seca en la historia del grabado desde su surgimiento hasta la
actualidad (4). Alternativas procedimentales y conceptuales en diferentes artistas.
Continuidades y rupturas en el arte contemporáneo.
Trabajo práctico 2 evaluable: Carpeta con los avances de Bitácora, técnicas de relieve y
hueco según las consignas publicadas en el Aula Virtual. Se prevé un coloquio durante la
entrega del práctico.
Bibliografía:
-Asunción Joseph (2001) El Papel, Técnicas y métodos tradicionales de elaboración”. Ed.
Parramón S.A.
-Aleman L, Ozzi N. (2012) 8 técnicas sin ácido. Trecebé Ediciones.
-Bill Fick y Beth Grabowski (2015). El grabado y la impresión. Blume. China. Cap. 5, pag.
114.
-Catafal Jordi, Oliva Clara (2004). El grabado. Ediciones Parramón. Barcelona. Pag. 134
- Crivelli, Ricardo (1994) “Notas de papel hecho a mano”. Ed. Autor.- Grabart, Bs As.
-Ferrer Eva, Pérez Morales Isabel. (2008). La manipulación segura de productos químicos
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 6 de 12
A
en grabado. Universitat de Barcelona.
-Hughes-Vernon-Morris (2010). La impresión como arte. Blume. Barcelona. Pág. 14 (cap.
1)
-Martínez Moro, Juan ((1998). Un ensayo sobre grabado a finales del siglo XX. Creatica.
España. Pag. 28 a 33.
Virtual de la cátedra Grabado I. Facultad de Artes. Universidad Nacional de Córdoba.
Examen parcial 1: Consistirá en la integración de los contenidos teóricos y/o prácticos

desarrollados en el programa de la materia: unidad 1, 2 3 y 4 según las consignas
publicadas en el Aula Virtual.
4- Bibliografía obligatoria
La señalada en cada unidad.
5- Bibliografía Ampliatoria
-Blas, Javier (2006). ¿Arte gráfico? La crisis de una categoría. Revista grabado y edición
N1. Pag 6 a 9. Grabado y edición SRL. Madrid.
-Camberlain Walter (1988). Manual de Aguafuerte y Grabado. Edit. Hermann Blume.
Madrid.
-Chamberlain, Walter (1988). El grabado en Madera. Edit. Hermann Blume.
Madrid.
-Mc Luhan, Marshall (1998) "La galaxia Gutenberg". Círculo de Lectores. Barcelona.
-Posada, José Guadalupe (2002)- obras completas. Monografía con Introducción de
Rivera,Diego. Mexican Folkways, Talleres Gráficos de la Nación. México, D. F.
-Puig Claudio, Lexicográfico. Ediciones Colihue Buenos Aires, 1996.
-Watson, David (1996) “Cómo hacer papel artesanal”. Celeste ediciones. Madrid.
-http://www.janhendrix.com.mx/espanol/trabajo/arquitectura/african_house.html
-http://www.revistadelauniversidad.unam.mx/4607/4607/pdfs/46alonso.pdf
-http://www.andreajuan.net/prycto_antart3.aspx
6- Propuesta metodológica: espacio curricular teórico práctico puntual.

El equipo de cátedra propicia dispositivos que permite potenciar la relación grupo-tarea
donde los aportes individuales se integran a la producción del grupo, mediante procesos
de complementación y cooperación entendiendo la construcción del taller de Grabado
como espacio de trabajo común.
Se incluyen estrategias didácticas con el objetivo que el cursante obtenga productos
finales llamados “carpetas de estampas” de alto grado de calidad gráfica que le
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 7 de 12
A
permitan comprender el profesionalismo exigido en los lugares homologados por el
arte. Esto será el producto de un trabajo procesual previo trabajado en “bitácoras” que
sentarán las bases para ser trasladadas a las distintas técnicas de impresión.
Recursos didácticos de los docentes para una mejor comprensión de las/los estudiantes:
-El equipo de cátedra dictará clases teóricas expositivas de cada uno de los ejes
temáticos y unidades del programa utilizando materiales preparados para la mejor
comprensión de los dicentes: power point, podcast, videos didácticos, carpetas de
obras.
-Los materiales nombrados están diseñados por la cátedra, los y las estudiantes tienen
acceso a través de la Biblioteca de la Facultad -carpetas con estampas que llamamos
“memoria de cátedra”- y son obras originales de consulta. Esto permite una reflexión
mediante la observación directa.
- La cátedra posee Aula Virtual como estrategia pedagógica y didáctica para una mejor
comunicación institucional entre docentes-estudiantes y de éstos entre sí. Todos los
contenidos teóricos (lecciones) y Trabajos Prácticos están a disposición en este sitio
virtual. También está a disposición de quien desee rendir libre la materia ya que
encontrará un panorama general y completo del desarrollo de la materia. La práctica de
taller se realiza en forma presencial durante las horas de clase exclusivamente. Los
horarios de consulta están disponibles en este programa.
-Estrategias didácticas de lectura compartida, discusión y debate.
-Participación de las/los Ayudantes Alumnas/os y Adscriptas en la transmisión de
conocimientos sobre la base de coordinación de grupos etc.
- La exposición de cátedra, que consiste en mostrar las estampas de las y los
estudiantes, al finalizar la materia, se entiende como una experiencia extensionista y la
socialización de los resultados de la cursada, al mismo tiempo se implementa como una
estrategia de aprendizaje compartido entre los miembros del grupo.
7- Evaluación. Se tendrá en cuenta

-Aspectos relativos a la construcción, coordinación, cooperación para la obtención de
materiales y herramientas de uso común en el Aula Taller.
- Aspectos relativos a los contenidos teóricos entendidos como un corpus indisoluble
con la práctica de taller.
- Se evaluará positivamente la superación de las dificultades, la autocrítica en la
producción de obras, la incorporación en la oralidad del léxico técnico propio de la
disciplina.
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 8 de 12
A
-Se valorará el grado de comprensión respecto a los ejes estructuradores de los
contenidos curriculares.
8- Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar según las normativas vigentes
según el espacio curricular teórico teórico-práctico puntual
Al ser evaluaciones de tipo teóricos-prácticos puntual se contemplará el desarrollo
2 Trabajos Prácticos, 1 examen Parcial.

1 recuperatorio de Trabajo Práctico y un recuperatorio del examen Parcial .
Para promocionar: según normativa vigente “aprobar el 80 % de los trabajos prácticos
evaluativos con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7
(siete); aprobar la totalidad de las evaluaciones parciales, con calificaciones iguales o
mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). Pudiendo recuperar al menos una
evaluación parcial y una práctica para acceder a la promoción. El 20% de los trabajos
prácticos evaluativos restante no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo”
Para regularizar según normativa vigente “aprobar el 80% de los Trabajos Prácticos con
calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y aprobar el 80% de las Evaluaciones
Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar
evaluaciones parciales y prácticas para acceder a la regularidad. El 20% de los trabajos
prácticos evaluativos y el 20% de los parciales restantes no son promediables ni por
inasistencia ni por aplazo”
Para rendir exámenes finales:
Las/los estudiantes deben inscribirse según su condición –regular o libre- en el sistema
Guaraní 3 días hábiles antes del examen. La fecha prevista –generalmente día lunes en
horario de las 9 de la mañana- se tomará un examen escrito que, de ser aprobado,
habilita a la instancia práctica. En caso de pasar a esta última instancia dispondrá hasta
el día jueves para preparar los temas-técnicas solicitadas por el tribunal docente. La
cátedra ofrece la apertura del Aula el día jueves en horario de 14,30 a 17,30 hs., para
hacer uso del taller, las prensas y herramientas. Para ello deberá conocer los
procedimientos de preparado de mesas de entintado y limpieza posterior (requisito
indispensable para trabajar en el taller tanto regulares como libres) llevando los
requisitos de seguridad e higiene personales. Durante esa instancia práctica las docentes
observarán, a manera de evaluación, la práctica de la/el estudiante en el taller y los
modos de ejecución. A las 17,30 se evaluará la producción realizada con su defensa oral.
Estudiantes libres: ver art. 26 y 27 del régimen de estudiantes y comunicarse con las
profesoras titular o adjuntas de la cátedra.
El Régimen de alumnas y alumnos trabajadores en:
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 9 de 12
A
https://artes.unc.edu.ar/estudiantes/estudiantes-trabajadores-o-con-familiares-a-
cargo/
9- Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los exámenes que requieran

montaje de obras deberán respetar las normas de seguridad e higiene. No se pueden
utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos, escaleras de emergencia, como así
también obstruir puertas (oficinas, emergencias, ingreso, etc). Los espacios de
tránsito de uso común deberán contar con las indicaciones pertinentes si
interrumpen el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos los
elementos de montaje (cintas, tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad
deben ser devueltos de donde han sido retirados.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad deberá contar con
el aval de la Dirección del Departamento.
10- Cronograma tentativo: deben consignar los siguientes puntos
FECHA TEMAS ACTIVIDADES

MARZO: Unidad 1 1 clase teórica
(27/03/20) Presentación de la materia. Introducción a los
sistemas de impresión.
Imagen-Bitácora.
ABRIL: Unidad 1 y 2 3 clases teóricas
03/04/20 Historia del Grabado. Seguridad e higiene. La
07/04/20 imagen: bitácora. Técnicas de superficie.
14/03/20 4 teórico-práctica
17/04/20 Bitácora y monocopia
21/04/20 Trabajo práctico evaluable 1: del 24 al 28 de
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 10 de 12
A
24/04/20 abril
28/04/20
MAYO Unidad 3 3 clases teóricas
05/05/20 Técnicas de relieve. Xilografía y sus variantes.
08/05/20 Concepto de superposición de matrices y edición
12/05/20 de estampas. Valores de un color. Registro.
15/05/20 y 4 teórico-prácticas: práctica de taller
19/05/20 Semana Examen
22/05/20
26/05/20
29/05/20
JUNIO Unidad 4 2 clases teórico-prácticas y 6 clases prácticas.
02/06/20 Técnicas de hueco: Punta seca.
05/06/20 Técnicas y materiales en el lenguaje del grabado
12/06/20 actual.
16/06/20 Parcial 1: 16 de junio.
19/06/20 Trabajo Práctico evaluable 2. Día 23 y 26 de
23/06/20 junio
26/06/20 Recuperatorio de prácticos y parciales: Día 30 de
30/06/20 junio.
Exposición de obras: actividad extensionista: 23
de junio
JULIO Desmontaje exposición. Firma de libretas.
03/07/20 Limpieza general del taller y cierre de la materia.
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
P página 11 de 12
A
ADENDA 2020
PROGRAMA DE LA MATERIA GRABADO I
DEPARTAMENTO DE ARTES VISUALES
FACULTAD DE ARTES
UNIVERSIDAD NACIONAL DE CORDOBA
A raíz del Aislamiento Social Preventivo y Obligatorio (ASPO) del año 2020 el Programa de la
Materia Grabado I ha desarrollado estrategias que le permiten el dictado y la evaluación de las
actividades previstas en el Programa Presentado al Departamento de Artes Visuales con
excepción de la Unidad 4: Técnicas en Hueco. Punta Seca.
IF-2022-00334082-UNC-DDG#FA
página 12 de 12

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2004 - Grabado I

Date: 2022.05.09 12:47:47 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 12:45:38 -03'00'
Departamento Académico: Dirección de Artes Visuales

Carrera/s: Ciclo Básico PLAN 2014 . Lic. en Artes Visuales orientaciones: a) Escultura,
b) Grabado, c) Pintura, d) Medios Múltiples) RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS
16/2012. Res. Ministerial 987/2013
Profesorado de Educación Plástica y Visual. Res. HCD 93/2014. Aprob. Res. HCS
1037/2014. Res. Ministerial 1220/2016.
Asignatura: PINTURA I Comisión B

Equipo Docente:
Profesores:
Prof. Adjunta a cargo: Mgter. Griselda Osorio
Prof. Adjunta: Mgter. Soledad Martínez
Prof. Adjunto : Lic. Nicolás Yovino Rué
Prof. Asistente: Prof. Otilia Ceballos
Adscripos: Lic. Gabriela Rovetto, Lic Ana Paula Peruglia, Prof. Milena Perotti
Ayudantes Alumnos: Juliana Troncoso, María Florencia Chirino, Amparo Novillo,

Mercedes Camissa Baldesari, Melina Koch
Turno mañana: Com A: Miércoles 8,30 hs. A 12,30 hs
Turno tarde: Com B: Martes 17 hs. A 21 hs. +
Horario de consulta a convenir con los estudiantes.

Mail de contacto: griselosorio@hotmail.com
PROGRAMA
Fundamentación
Esta cátedra tiene un carácter introductorio al territorio de la pintura. Los contenidos
desarrollados están orientados a un conocimiento básico de los problemas de la pintura y su
retórica, centrados en las diversas técnicas, con un sentido académico y en la conformación de
una pintura de carácter perdurable.
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 10
Las técnicas que se proponen para su conocimiento están pensadas en términos de una techné,
es decir de problemas de índole epistemológico, que serán contextualizados socio-
históricamente.
Asimismo esta cátedra se piensa como una apertura para reflexionar sobre las cuestiones básicas
del problema de la pintura como así también sobre la necesidad de la práctica pictórica como
aporte a la diversidad de las expresiones en el arte, discutiendo la homogeneidad cultural. Es
desde allí que se piensa una pintura que se pregunte sobre la forma particular de transmitir
retóricamente los significados. Desde aquí se pretende un desarrollo de la voluntad expresiva,
de la materia sensorial visual y del sentido comunicable como formas particulares de
construcción del lenguaje artístico.
La pretensión de introducción de esta cátedra se ve claramente definida por su perfil de
pertenencia al Ciclo Básico Común, teniendo en cuenta la necesidad de articular con materias
como Introducción al Dibujo e Introducción a la Historia del Arte , habilitando así una
formación más integral de los conocimientos.
Objetivos
*Conocer de forma introductoria las técnicas, materiales y herramientas de la pintura como así
también los problemas específicos del área.
*Comprender los contenidos de las técnicas pictóricas en términos de techné, relacionándola
con las intencionalidades que están presentes en todo trabajo artístico.
*Relacionar las técnicas pictóricas y sus procedimientos con las diferentes apariencias sensibles
que se intentan construir, capitalizando las experiencias realizadas en el taller y seleccionando
las adecuadas a los objetivos de cada trabajo.
*Reconocer la tarea del Taller como una instancia importante de aprendizaje colectivo en la
cual los yerros y los aciertos se socializan profundizando los contenidos que se abordan .
*Construir un vocabulario gráfico-plástico básico que posibilite la comprensión y el desarrollo
de los contenidos propuestos en la cátedra y la interpretación de la bibliografía que se propone
en la misma.
* Desarrollar la capacidad de autoevaluación de los procesos plásticos realizados a partir de la
comprensión de los objetivos propuestos y sus alcances.
Contenidos
Contenido Nro 1:
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 10
El concepto de técnica ligado a una Techné. El conocimiento de la razón técnica. Capacidad
cognitiva de la técnica. Techné e intencionalidad. Universalidad, enseñabilidad, precisión y
explicación en la techné. Relación entre: techné, episteme y razón crítica. La voluntad
expresiva, la materia sensorial visual y el sentido comunicable: mediadores en el plano de los
contenidos comunicables. La retórica de la pintura y los contenidos: * verbalizables y no
verbalizables, * contenidos referidos a cosas, * contenidos referidos a la pintura. Sistema de
expresión pictórica: relación entre materiales, procesos intelectivos y aspectos visuales.
Elementos gráfico-plásticos construidos a través del lenguaje de la pintura: El color: color
luz, color pigmento. Dimensiones del color pigmento: valor, saturación, matiz. Cualidades del
color. Relatividad. Paletas: análogos o armónicos, complementarios. El espacio: Categorías del
espacio. Representaciones del espacio: carácter histórico de la representación del espacio.
Perspectivas. Los objetos en el espacio. El espacio en la construcción del paisaje. Volumen: el
trabajo a partir del valor y la adjudicación de color al mismo. Construcciones de volúmenes
simples. El diedro como espacio escenográfico. La relación entre figura positiva y figura
negativa en la construcción del volumen. El volumen en las composiciones simples con tres
objetos opacos. El volumen en la construcción del paisaje.
El problema del abordaje de una techné y de la retórica de la pintura como los elementos
gráfico-plásticos se irán construyendo con el desarrollo de las técnicas y los procedimientos de
forma paralela. El proceso de construcción de los contenidos de la pintura se ven así
complejizados, ya que las operaciones que debe realizar el alumno son múltiples e integradas
pensadas pedagógicamente como un proceso sistematizado y ordenado desde la menor a la
mayor complejidad.
Contenido Nro 2:
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 10
Los elementos de las pinturas : aglutinantes: origen, tipos, características, posibilidades y
funciones . Diluyentes: tipos, su adecuación a los aglutinantes. Pigmentos: origen,
propiedades, características más importantes. Clasificación de los pigmentos de uso más
corriente. Conservantes: tipos y utilización. Esquema comparativo.
Contenido Nro 3:
Soportes. Definición. Tipos de soportes. Técnicas y soportes. Soportes de tela: tipos,
elementos constitutivos. Origen de las fibras. Armado de un bastidor de tela. Imprimación y
aislantes. Soportes de madera: tipos, características generales. Chapas de fibra de cartón y de
pasto prensado: posibilidades, defectos y correcciones factibles. Imprimación y aislantes.
Papel: constitución, características. Construcción de papeles.
Los soportes no convencionales. Cambios de soportes y su relación con las técnicas y las formas
de producción en momentos clave de la historia de la pintura de occidente. El soporte en el arte
contemporáneo . Particularidades. Construcción de ficha técnica.
Contenido Nro 4:
Las pinturas a base de emulsiones. Los temples
Temple a la cola: témpera: constitución, materiales y herramientas. Procedimientos. Tiempos
de secado: aceleración y retardamiento. Experimentación con elementos no tradicionales.
Temple al huevo y sus variantes: magro, oleoso y resinoso: Características. Constitución. El
procedimiento de la veladura en el temple. Veladuras por superposición de planos, de
restregados, de pinceladas alla prima. Las apariencias en la pintura de temple al huevo. El color
transparente como posibilidad expresiva. Color y profundidad.
Temple a la caseína: Características. Constitución. Procedimientos utilizados en el temple a la
caseína. Los acabados a la caseína: transparencia y opacidad como resultados expresivos.
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 10
Temple a la goma: Acuarela. Constitución. Características. Papeles empleados: tipos,
grosores. Procedimientos y herramientas. Las apariencias en la pintura a la acuarela:
transparencias por veladuras. La pintura de la acuarela como práctica de reflexión oriental. Los
cánones de la pintura taoísta y la práctica de la acuarela. Transparencia y luz: el soporte como
grado máximo de luz y de plenitud en el pensamiento y en la producción oriental .
Transposición práctica de los cánones : reticencia y sugestión y soledad sonora.
Temple a base de resinas poliméricas: los acrílicos: Contexto histórico en el que surge.
constitución, materiales y herramientas. Procedimientos. Tiempos de secado: retardado.
Soportes para la pintura acrílica. Cambios que producen los medios plásticos en la concepción
y significación de la pintura contemporánea. El legado de los pintores muralistas mexicanos.
Contenido Nro 5:
Las pinturas oleosas. La pintura al óleo: Constitución. Características. Antecedentes en el
uso de la técnica. Contexto socio-cultural en el que surge. Mediums utilizados: variantes.
Aceites: tipos, su relación con el acabado y el tiempo de secado. Procedimientos más comunes.
Soportes utilizados. La apariencia en la pintura al óleo: tangibilidad de la materia como forma
representacional: “realidad y solidez”. La acumulación como factor preponderante en la pintura
al óleo: ejemplo paradigmático de la pintura occidental.
Contenido Nro 6:
Las pinturas a la cera. Encáustica. Los aglutinantes de cera y barniz. La particularidad de la
paleta cliente. Procedimientos más comunes en la técnica de la encáustica. Las apariencias de
la pintura a la encáustica: la naturaleza translúcida del medio a la cera. Transparencias y brillo.
Soportes para el trabajo con encáustica.
Contenido Nro 7:
Técnicas mixtas.
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 10
Conceptualización. Origen de las técnicas mixtas. El origen de las técnicas mixtas en la pintura
occidental. El aporte del cubismo. Las repercusiones del collage: los futuristas, expresionistas,
surrealistas y dadaístas. Las técnicas mixtas y el montaje con diversos materiales a partir de:
*los materiales mismos, * de un concepto, *de la metáfora,* de la sustitución del objeto
representado. Soportes adecuados para las diversas propuestas de técnicas mixtas.
Contenido Nro 8:
El problema del paisaje (realismo- naturalismo) : este contenido atravesará todo el cursado
de la materia. El paisaje como problema histórico, social y cultural. Concepciones del paisaje.
Paisaje y territorio. Contenidos culturales del paisaje. Percepción y representación del paisaje.
Ideas globales de mundo e ideas de paisaje. Los aspectos del paisaje y su relación con las
vertientes estéticas: realismo-naturalismo. Construcción del paisaje: pantallas, pasajes, luz,
color, volúmenes.
Contenido Nro 1:
Carrere, Alberto- Saborit, José: Retórica de la pintura.Capítulo Nro 1 : La pintura como arte,
Capítulo Nro 3 La retórica de la pintura, Figuras y tropos. Edit. Cátedra . 2000
Descola, Philippe Más allá de naturaleza y cultura. Edit. Amorrortu. Año 2012 Primera parte .
Nro 3. La gran división. La autonomía del paisaje. La naturaleza en trompe l’oeil. Tercera Parte
Nro 8: Las certezas del naturalismo.
Gage, Jhon: Color y cultura. Ediciones Siruela. Año 1993
Polleri, Amalia Rovira, María Lissardy, Brenda: El lenguaje gráfico plástico.Edit. Edilyr
Uruguaya. Año 1982.Capítulo II Espacio - Luz y color
Contenidos Nro 2 al Nro 7 inclusive:
Collins, Judith y otros: Técnicas de los artistas modernos. Edit. Blume Año 1984
Hayes, Colin. Guía completa de pintura y dibujo. Técnicas y materiales. Edit. Blume. Año 1981.
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 10
Contenido Nro 4:
Acuarela:
Racionero, Luis Textos de estética taoísta Edit. Alianza. Año 1983. Introducción. Pintura:
Ensayo sobre pintura paisajística
Svanascini, Osvaldo: Tres maestros del haiku. Edit. Editores do Año 1969
Yourcenar, Marguerite: Cuentos orientales. Edit. Alfaguara. Año1995
Contenido Nro 7:
Técnicas mixtas.
Eco, Umberto: La definición del arte Edit. Martínez Roca. Año 1990. Segunda Parte. Los
colores del hierro.
Wescher, Herta: La historia del collage: Edit. G. Gilli Año 1974
Contenido Nro 8:
El problema del paisaje ( realismo- naturalismo)
Lothe, André: Tratado del Paisaje. Editorial Poseidón. Buenos Aires. Año 1945
Hockney, David: Una visión más amplia. Editorial fundación del Museo Guggenheim Bilbao.
Año 2011
Zoido Naranjo, Florencio: El paisaje un concepto útil para relacionar estética, ética y política.
Mimeo. Madrid 2011
Maderuelo,, Javier: El paisaje, génesis de un concepto. Madrid, Abada Editores, 2005
Propuesta metodológica
Taller con atención personalizada.
Guías de trabajos prácticos en la que se incluyen los objetivos del mismo y la bibliografía que
acompaña el proceso de aprendizaje.
Proyección de power point con selección de reproducciones de pinturas paradigmáticas para el
abordaje de los contenidos y también de experiencias de los alumnos.
Clases de exposición dialogada.
Guías para la comprensión de textos.
Evaluación
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 10
La evaluación será permanente a través de la exposición colectiva de los trabajos de los
participantes del Taller. De esta forma los alumnos irán incorporando la evaluación como una
instancia de aprendizaje colectiva.
Evaluación de cierre y calificación: se evaluarán los procesos de aprendizaje en el mes de
setiembre y al finalizar el cuatrimestre, a principios de noviembre. Esta instancia se considera
aprobada con 7 (siete).
Parciales: dos parciales en el transcurso del cuatrimestre. Se consideran aprobados con 7(siete)
Criterios de evaluación
1- Los criterios de evaluación están relacionados con los objetivos que cada trabajo
práctico presupone. Estos objetivos estarán presentes en cada trabajo práctico para
conocimiento del alumno en el momento de la presentación de los mismos y con anterioridad
al momento de la evaluación. Es importante señalar que los alumnos deberán, al momento de
la evaluación final, conocer los objetivos del trabajo propuesto. Descripción de la propuesta
de evaluación ajustada a la reglamentación vigente ( Régimen de alumnos y alumno
trabajador en: http://www.artes.unc.edu.ar/sae/secretaria-de-asuntos-
estudiantiles#regalumnos
Régimen de alumno:
Alumno promocional:
Será PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes condiciones mínimas:
- 80% de asistencia
- 80% de los Trabajos Prácticos aprobados con calificaciones iguales o mayores a 7
(siete) y un promedio mínimo de 7 (siete).
- 100% de las Evaluaciones Parciales aprobadas con calificaciones iguales o mayores a
7 (siete) y un promedio mínimo de 7 (siete). Las calificaciones promediadas de
evaluaciones parciales y trabajos prácticos serán consideradas separadamente y no
serán promediables a los fines de la PROMOCIÓN.
Alumnos que trabajan: se tendrán en cuenta las inasistencias en un 50%, y la recuperación de
los prácticos y parciales con dos fechas.
Alumno regular:
Será REGULAR el alumno que cumpla con las siguientes condiciones:
- 80% de asistencia.
- 80% de los Trabajos Prácticos aprobados con calificaciones iguales o mayores a 4
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 10
(cuatro).
- 80% de las Evaluaciones Parciales aprobadas con calificaciones iguales o mayores a
4 (cuatro). Las calificaciones de evaluaciones parciales y trabajos prácticos serán
consideradas separadamente y no serán promediadas a los fines de la aprobación de
la condición de alumno REGULAR.
Examen regular: consta de la construcción de un proceso pictórico en el cual se sorteará un

contenido correspondiente a las técnicas que se presentan en el programa de la cátedra.
Examen Libre: consta de la construcción de dos procesos pictóricos en los cuales se sorteará
un contenido correspondiente a las técnicas que se presentan en el programa de la cátedra y el
alumno podrá elegir otro diferente al sorteado. Se solicita construir los contenidos como así
también la explicación de lo realizado en los mismos términos que en el examen regular.
Se deberán construir dos procesos uno con cada una de las técnicas en los que estén presentes:*
la construcción del espacio, * los volúmenes, * las paletas con las cuales se haya decidido
trabajar y niveles generales de valor con sus niveles de contraste respectivos, * los
procedimientos elegidos,* las herramientas adecuadas. Todo esto tiene que estar articulado con
la intencionalidad que se haya puesto en juego para construir los procesos. Es muy importante
atender a las particularidades de cada técnica, a la preparación de los soportes y a las formas en
que se trabaje con los procedimientos. Asimismo el alumno tiene que dar cuenta de la
construcción de los procesos explicando con claridad los mismos a partir de un lenguaje gráfico-
plástico específico y pertinente.
Cronograma
Actividad Mes Mes Mes Mes

1 2 3 4
Unidad I X
Unidad II X
Unidad III X
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 10
Unidad IV X
Unidad V X
Examen de integración parcial X
Unidad VI X
Unidad VII X
Unidad VIII X
Unidad IX X
Evaluación Final X
Mgter Griselda Osorio

Titular. Cátedra: Pintura I
IF-2022-00334099-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 10

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2005 - Pintura I

Date: 2022.05.09 12:46:54 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 12:47:00 -03'00'

Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales- PLAN 2014 en Educación Plástica y Visual
Profesorado
Asignatura: ESCULTURA I
Año curricular: Primero
Materia Cuatrimestral: Segundo cuatrimestre
Equipo Docente:
Prof. Titular: Magui E. Lucero Guillet
Prof. Adjunta: Olga S. Argañaraz
Prof. Asistentes: Judith S. Mori, Victoria S. Gatica, Sofía Menoyo, Natalia Estarellas.
Ayudantes Alumnos: Israel Elgueta, Anabel de Prado
Adscriptos: -
Turno Mañana: Martes y Jueves – 9 a 13hs
Turno Tarde: Lunes y Viernes - 17 a 21 hs Consultas por AV
PROGRAMA

Según el artículo 12 del Régimen de Estudiantes vigente, la materia se ajusta a la categoría
de espacio curricular teórico-práctico procesual.
Nuestra asignatura -situada en el primer año del Ciclo Básico de la carrera- es oportunidad,
para la mayoría de los alumnos, del primer contacto con la problemática de la escultura, por
lo que la consideramos como una introducción a la escultura. Esto orienta nuestro enfoque,
por una parte, a la contextualización de nuestra práctica y del mismo concepto de Escultura
en el panorama actual de la producción artística y por otra a la comprensión de la realidad
tridimensional como principio básico de la misma.
Los contenidos y actividades propuestas atienden a los aspectos técnico-procedimentales y
teórico-conceptuales considerando que los mismos son indisociables tanto para el proceso
de aprendizaje como para la actividad de producción en el campo del arte.
El aprendizaje de todo lo que concierne a técnicas, procedimientos, herramientas y
materiales será referido a un eje fundamental: la reflexión acerca de la entidad de la
escultura y la comprensión de su lenguaje propio, así como a la interrelación y mutua
dependencia de estas variables. Asimismo, aplica los contenidos teóricos a la producción
material de carácter artístico.
2- Propósitos
-Estimular la reflexión sobre la entidad de la escultura.
-Estimular la capacidad de percepción del volumen y el espacio.
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 11
-Proveer elementos conceptuales y técnicos para la comprensión de la realidad
tridimensional y para la configuración de obras tridimensionales.
-Estimular el compromiso en la búsqueda formal y material.
-Proveer elementos para una ampliación de la conciencia estética.
-Fomentar el desarrollo de actitudes y respuestas creativas.
3- Objetivos Generales
-Comprender las particularidades de la realidad tridimensional.
-Adquirir elementos conceptuales y técnicos para la observación y lectura de la
configuración y estructura del volumen.
-Adquirir elementos conceptuales y técnicos para la representación del volumen en la
tridimensión.
-Realizar la transferencia de la observación a la representación de forma personal.
-Adquirir elementos para la resolución de una composición tridimensional y para la
materialización de producciones tridimensionales de tamaño medio.
-Conocer y experimentar la producción de formas tridimensionales a través de las técnicas
escultóricas tradicionales (aditivas, constructivas y/o sustractivas)
-Conocer características, propiedades y usos de diferentes materiales.
-Conocer y adquirir habilidad en el uso y cuidado de herramientas y equipos.
-Adquirir un léxico específico pertinente.
-Conocer la evolución de la noción de escultura y los principales desarrollos de la escultura
desde la antigüedad a la actualidad.
4- Contenidos
1. La escultura, una aproximación a su problemática.
-Evolución de la noción de escultura. La escultura clásica y las transformaciones
ocurridas a lo largo del siglo XX.
-Elementos plásticos de la escultura. El Volumen y la Forma: El Espacio y la Materia
como elementos activos en su configuración. El material, la luz, el color y la textura.
2. Elementos para el análisis de la realidad tridimensional:
-La tridimensión. Los múltiples puntos de vista y las múltiples direcciones del espacio.
-La Estructura Formal: la organización del volumen; ejes y direccionales.
-La Proporción.
-La definición del volumen: el plano, superficies cóncavas y convexas, la textura.
3. La representación de objetos y modelo vivo.
4. La Composición Tridimensional:
-Unidad.
-Equilibrio.
-Tensión y movimiento.
6. Técnicas aditivas, constructivas y sustractivas.
7. Recursos proyectuales: el boceto y la maqueta.
8. Herramientas, uso y cuidado.
9. Materiales. Características, limitaciones y potencialidades expresivas.
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 11
10. Medidas de seguridad en el manejo de herramientas y sustancias- Normas de
convivencia en el taller.
4.1- Unidades /Contenidos por unidad.

Unidad - Nº 1- Observación y Representación –Objetos
Ejercicio de observación y representación mimética en arcilla.
Contenidos:
- La tridimensión. Los múltiples puntos de vista y las múltiples direcciones del espacio.
-La Estructura Formal: la organización del volumen; ejes y direccionales.-La Proporción.
-La definición del volumen: el plano, superficies cóncavas y convexas, la textura
- Representación
- Modelado, talla, construcción.
- Materiales. Características, limitaciones y potencialidades expresivas.
Unidad Nº 2 - Observación y Representación- Modelo vivo

Ejercicio de observación y representación de cabeza. Modelado. Ahuecado y cochura.
Contenidos
- Elementos plásticos de la escultura. El Volumen y la Forma: El Espacio y la Materia como
elementos activos en su configuración
- La tridimensión. Los múltiples puntos de vista y las múltiples direcciones del espacio.
-La Estructura Formal: la organización del volumen; ejes y direccionales.-La Proporción.
- La definición del volumen: el plano, superficies cóncavas y convexas, la textura
- Arcilla, modelado, ahuecado y cochura.
Unidad Nº 3 - Composición Tridimensional

-Ejercicio compositivo. Diseño y materialización de una propuesta tridimensional (Relieve) a
partir de materiales encontrados.
-Ejercicio compositivo. Diseño y materialización de una propuesta tridimensional (Escultura
de bulto) en material definitivo. Técnica constructiva.
Contenidos:
- Evolución de la noción de escultura. La escultura clásica y las transformaciones ocurridas a
lo largo del siglo XX.
- La composición tridimensional: Unidad. Equilibrio. Tensión y movimiento.
- Elementos plásticos de la escultura. El Volumen y la Forma: El Espacio y la Materia como
elementos activos en su configuración. El material, la luz, el color y la textura.
- Recursos proyectuales: el dibujo y la maqueta a escala.
-La Estructura Formal: la organización del volumen; ejes y direccionales.
- La Proporción y el cambio escalar
- Técnica constructiva - Medios mixtos (materiales tradicionales, no tradicionales y
encontrados)
5- Bibliografia obligatoria
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 11
(La misma, a excepción de los Cap. 2,3 y 4 de “El libro del ceramista”, se encuentra reunida
en: “Escultura I – Compilación de textos”)
Unidad 1
 Arnheim. Rudolf. – “Arte y Percepción Visual”, Alianza, Madrid, 1981.(Pág.110 a 113)
 Crespi I., Ferrario, Jorge. – “Léxico técnico de las artes plásticas”, Eudeba, Buenos
Aires, 1985.
 Fernández Chiti, Jorge.- “El libro del ceramista”, Ediciones Condorhuasi, Buenos Aires,
1994 Capitulo 2,3 y 4.
Unidad 2
 Loomis, Andrew.- “El dibujo de figura en todo su valor” ed. Lea Pág. 172 a 182
 Szunyoghy, Andrés y György Felter.- “Anatomía humana para artistas” Ed.
Könemann, China, 2006 Cabeza (Pág. 372 a 445 )
 Midgley, Barry. - “Guía Completa de Escultura, Modelado y Cerámica – Técnicas y
materiales”, H. Blume Ediciones, Madrid 1982. .(Págs.. 8 a 15, 18 a 37)
Unidad 3
 Crespi I., Ferrario, Jorge. – “Léxico técnico de las artes plásticas”, Eudeba, Buenos
Aires, 1985.
 Eco, Umberto. – “Los colores del hierro” en “La definición del arte”, Martínez Roca,
Barcelona, 1971. (Pág. 201 a 213)
 Knobler, Natan. – “El diálogo visual” Aguilar, Madrid, 1970 (Capítulo V)
 Maderuelo, J. – Desbordamiento de los límites de la escultura” en “La pérdida del
pedestal”, Círculo de Bellas Artes, Madrid, 1994. (Pág. 15 a 33)
materiales”, H. Blume Ediciones, Madrid 1982. .(Págs. 100 a 117, 196 a 201)
 Scott, R. G. – “Fundamentos del Diseño”, Editorial Víctor Lerú. Buenos Aires, 1978.
(Pág. 140-153)
 Beljon, J. J. – “Gramática del Arte”, Paidós, Madrid, 2003
6- Bibliografia Ampliatoria
 Albrecht, H. J. – “La Escultura en el Siglo XX. Conciencia del espacio y configuración
artística”.”, Ed. Blume, Barcelona, 1981
 AArnheim. Rudolf. – “Arte y Percepción Visual”, Alianza, Madrid, 1981.
 Beljon, J. J. – “Gramática del Arte”, Paidós, Madrid, 2003
 CHIPP, H. B. - "Teorías del Arte Contemporáneo. Fuentes artísticas y opiniones
críticas", Akal, Madrid, 1995
 Fernández Chiti, Jorge.- “El libro del ceramista”, Ediciones Condorhuasi, Buenos Aires,
1994
 Loomis, Andrew.- “El dibujo de figura en todo su valor” ed. Lea Pág. 172 a 182
 Maderuelo, J. – “La pérdida del pedestal”, Círculo de Bellas Artes, Madrid, 1994.
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 11
 Maltese, Corrado.- “Las técnicas artísticas”, Ediciones Cátedra, Madrid, 2003.
materiales”, H. Blume Ediciones, Madrid 1982
 Scott, R. G. – “Fundamentos del Diseño”, Editorial Víctor Lerú. Buenos Aires, 1978.
7- Propuesta metodológica:
Se impartirán clases teóricas para el tratamiento de los contenidos, con demostraciones
prácticas en los casos en que sea necesario y con apoyatura de imágenes (proyecciones
digitales). Las demostraciones prácticas se harán también, siempre que sea necesario, por
grupos reducidos. Se determinará el uso de aula virtual y/o correo electrónico como recurso
para la enseñanza y para la información y orientación del estudiante.
Los contenidos a nivel teórico y conceptual estarán directamente vinculados a la práctica de
taller buscando una integración permanente. En consecuencia, el aprendizaje de estos
aspectos será evaluado en cuanto a dicha integración, que se mostrará en la optimización de
la producción, y en la auto evaluación.
La totalidad del alumnado se dividirá en comisiones de trabajo, cada una de ellas con un
docente a cargo, quien hará el seguimiento personalizado de los trabajos prácticos y de los
procesos de cada alumno.
Las clases en que se desarrollen trabajos prácticos tendrán un cierre plenario en que se
evaluará la actuación grupal y se reforzarán las cuestiones que se muestren como
problemáticas.
Se recomienda siempre la lectura del material bibliográfico seleccionado para cada nueva
problemática, con anterioridad a la clase en que vaya a ser tratada. Esto permitirá
desarrollar una dinámica más ágil y asegurar un mejor aprovechamiento de dicho material.
8- Evaluación:
-En algunos temas los trabajos prácticos suponen varias instancias de ejercitación sobre un
mismo problema, mientras que en otros, varios de ellos forman parte de un proceso en el
que no es posible avanzar sin haber cumplimentado el anterior. Es así que en el primer caso,
se considerará para la evaluación el nivel alcanzado a la finalización de la serie. En el
segundo caso, no se podrá acceder a la evaluación del final del proceso de trabajo si no se
han cumplimentado las instancias intermedias.
-En todos los casos, se evaluarán los recorridos que el/la estudiante irá desarrollando a lo
largo del cursado, evaluando los procesos a través de trabajos prácticos e instancias finales
integradoras (parciales), para los dos principales temas en que se organiza la asignatura:
prácticas de observación y representación (Unidades 1 y 2) y Composición tridimensional
(Unidad 3). Asimismo, de acuerdo al Régimen de alumnos vigente, se implementará para la
finalización de la materia, una instancia final integradora.
-La evaluación, de carácter formativo, se realizará en forma continua en el seguimiento de

los procesos individuales. Se tendrá en cuenta para la evaluación:
-procesos de trabajo y resultados en relación a los objetivos propuestos.
-dedicación a la tarea.
-grado de dificultad de las problemáticas asumidas por el alumno.
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 11
-grado de comprensión, grado de conceptualización de los problemas.
-niveles de resolución creativa
-niveles de resolución técnica.
9- Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres:
Requisitos para el cursado de la materia

Los alumnos deberán aportar los materiales, herramientas y elementos de seguridad y
Protección personal solicitada por el docente para cada trabajo a realizar.
Requisitos Promoción:
Todo/a estudiante debidamente inscripto/a puede acceder a la condición de estudiante
promocional.
Será considerado/a promocional el/la estudiante que cumpla con las siguientes condiciones:
 80% de asistencia a clases.
 80% de las instancias evaluativas, incluida la instancia integradora final con 6 o más
de 6 puntos, siempre que el promedio de las calificaciones obtenidas no sea menor
de 7 puntos. El 20% restante no es promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
Requisitos regularidad:
Todo/a estudiante debidamente inscripto/a puede acceder a la condición de estudiante
regular, que implica la posibilidad de inscripción para aprobar la asignatura en instancia de
examen.
Son estudiantes REGULARES aquellos/as que cumplan las siguientes condiciones:
 80% de asistencia a clases.
 75% de las instancias evaluativas aprobadas con 4 o más, pudiendo recuperar al
menos una instancia evaluativa para acceder a la regularidad. El 25% restante no es
promediable ni por Inasistencia ni por aplazo.
Importante:
 Los alumnos que cuenten con el Certificado Único de alumnos trabajadores y/o con
familiares a cargo tendrán derecho a las condiciones especiales de cursado
expresadas en la resolución correspondiente (Res. HCD Nº 91/2012)
 La Regularidad se extiende por el término de tres años.
Examen para alumnos regulares
 El examen bajo la condición de alumno regular, se hará sobre los contenidos

desarrollados durante el ciclo lectivo, en los que el alumno haya tenido más bajo
rendimiento.
 En la fecha estipulada para el examen el alumno recibirá los temas a desarrollar en el
curso del mismo. Estos trabajos serán desarrollados en un plazo de entre 4 y 5 días.
Examen para alumnos libres

IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 11
 El examen bajo la condición de alumnos libres, se hará sobre el total de los
contenidos y condiciones del programa del último ciclo lectivo completo.
 El examen consta de una prueba por escrito y una parte práctica.
 El día de comienzo del examen (fecha fijada por Despacho de Alumnos), el alumno
rendirá una prueba escrita para la cual deberá prepararse con el estudio de, al
menos, el apunte de Cátedra.
 En caso de aprobar el examen escrito, recibirá los temas correspondientes a la parte
práctica.
 Estos trabajos serán desarrollados en un plazo de entre 4 y 5 días a contar desde la
prueba escrita.
 Los alumnos que aspiren a rendir la materia en condición de Libres, deberán ponerse
en contacto con los docentes con anterioridad a la fecha para más información.
Estudiantes Vocacionales
La cátedra considerará para cada ciclo lectivo la posibilidad de aceptar alumnos
vocacionales

a) Asistir con vestimenta y calzado apropiados para la actividad a realizar;
b) Aportar materiales y elementos de seguridad y protección personal necesarios para el
desarrollo de las técnicas que se aborden y las maquinarias que se utilicen (guantes,
máscara, barbijo, antiparras, delantal, etc.). Los mismos serán especificados en cada caso.
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los exámenes que requieran montaje de
obras deberán respetar las normas de seguridad e higiene. No se pueden utilizar los
espacios: escaleras, ascensor, techos, escaleras de emergencia, como así también obstruir
puertas (oficinas, emergencias, ingreso, etc.). Los espacios de tránsito de uso común
deberán contar con las indicaciones pertinentes si interrumpen el paso.
montaje (cintas, tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser devueltos de
donde han sido retirados.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad deberá contar con el aval
de la Dirección del Departamento.
11- Cronograma tentativo
clase ACTIVIDADES
Clase 1 -Presentación de la materia y del equipo docente. División en comisiones
-Actividad de diagnóstico.
Clase 2 -Clase teórica: La tridimensión. Observación y representación
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 11
-Presentación del TP Observación y representación de un objeto. Modelado.
Clase 3 -TP Observación y representación de un objeto- Modelado
Clase 4 -TP Observación y representación de un objeto- Modelado
Clase 5 - Parcial 1: Observación y representación de un objeto- Modelado

-Recuperatorio de TP Observación y representación de un objeto- Modelado
Clase 6 -Introducción a TP Observación y representación de modelo vivo (TP de

diagnóstico).
-Comienzo de la actividad y plenario.
Clase 7 -Clase teórico-práctica: Estructura y proporciones de la cabeza humana.

-TP: observación y representación de cabeza en arcilla.
Clases 8 y 9 -Continuación TP: observación y representación de cabeza en arcilla.
Clase 10 -Evaluación de TP observación y representación de cabeza en arcilla

-Recuperatorio Parcial 1
Clase 11 Clase teórico –práctica: Cerámica. Preparación del trabajo para cochurar TP:
Ahuecado de Cabeza para cochurar
Case 12 -Clase teórica: Evolución de la escultura y de la noción de escultura.
Clase 13 -Clase teórica: Introducción a Composición Tridimensional: Relieve

-TP: Comienzo actividad grupal Relieve
Clase 14
-TP: diseño y realización de Composición tridimensional- Relieve
Clase 15
-TP: diseño y realización de Composición tridimensional- Relieve
- Recuperatorio TP Cabeza
Clase 16 -TP: Evolución de la escultura y de la noción de escultura.
Clases 17 y -TP: diseño y realización de Composición tridimensional- Relieve

18
Clase 19 -Evaluación TP Relieve
-Clase teórica: Introducción a la composición. Composición con medios
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 11
mixtos o combinados
Clase 20 -Comienzo de la actividad y plenario
Clase 21 -TP: Composición con medios mixtos o combinados- Diseño. Bocetos en

dibujo y maquetas.
-Recuperatorio TP Evolución de la escultura y de la noción de escultura.
Clases 22 y -TP: Composición con medios mixtos o combinados- Diseño. Bocetos en

23 dibujo y maquetas. Selección de propuesta y materiales definitivos
-Recuperatorio TP Relieve
Clases 24 a -Composición con medios mixtos o combinados- Realización.

27
Clase 28 -Evaluación Parcial nº 2 (Trabajo final) Composición con medios mixtos o
combinados.
Clase 29 -Clase de apoyo para recuperatorio de parcial.
Clase 30 -Acreditación en libretas y actas

-Recuperatorio del Parcial 2 (Trabajo final) Composición con medios mixtos o
combinados.
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 11
ADENDA PROGRAMA CICLO LECTIVO 2020
Asignatura: ESCULTURA I
Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales- PLAN 2014
Equipo Docente:
Prof. Adjunta: Olga S. Argañaraz
Prof. Asistentes: Judith S. Mori, Victoria S. Gatica. Natalia Estarellas, Sofia Menoyo
Ayudantes Alumnos: Israel Elgueta, León Calviño
Contenidos: Los contenidos fueron adecuados para el dictado virtual de la asignatura. Se quitaron
algunos, se agregó un contenido específico vinculado a los cambios de metodología y se diseñó un
nuevo orden de actividades, estableciendo una Unidad Introductoria, Unidad 1 y Unidad 2.
Se excluyeron parte de los contenidos detallados en el programa como 3, 8, 9 y 10. Del contenido 3
se excluyó Representación de Objetos (Unidad 1). Los contenidos 8, 9 y 10 sólo se impartieron en lo
referido a materiales y herramientas de maquetería.
Unidad Introductoria: Se incluyó aquí al dictado del contenido 1 (TPnº 1) y un nuevo contenido
referido al registro fotográfico de las producciones tridimensionales (Tp nº 2)
Unidad nº1: se corresponde con la Unidad 2 del Programa original de la materia. Se excluyó de esta
unidad el dictado del contenido Ahuecado y cochura de la arcilla.
Unidad nº2: se corresponde con la Unidad 3 del Programa original de la materia. Se excluyó de esta
unidad el dictado de los contenidos:
-Ejercicio compositivo. Diseño y materialización de una propuesta tridimensional (Relieve) a
partir de materiales encontrados.
-Técnica constructiva en materiales definitivos
Unidad introductoria:
-Maderuelo, J. – Desbordamiento de los límites de la escultura” en “La pérdida del pedestal”, Círculo
de Bellas Artes, Madrid, 1994. (Pág. 15 a 33)
Unidad 1:
-Compilado de imágenes sobre cabeza (croquis). Documento de cátedra disponible en Aula Virtual
Unidad 2
-Scott, R. G. – “Fundamentos del Diseño”, Editorial Víctor Lerú. Buenos Aires, 1978. (Pág. 140-153)
-Knobler, Natan. – “El diálogo visual- Introducción a la apreciación del arte” Aguilar, Madrid, 1970
(Capítulo V Pág.109 a 122)
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
1
página 10 de 11
Bibliografía complementaria
-Eco, Umberto. – “Los colores del hierro” en “La definición del arte”, Martínez Roca, Barcelona, 1971.
(Pág. 201 a 213)
-Beljon, J. J. – “Gramática del Arte”, Paidós, Madrid, 2003
-Gabo, N. “Escultura: tallar y construir en el espacio” (1937)” en CHIPP, H. B. - "Teorías del Arte
Contemporáneo. Fuentes artísticas y opiniones críticas", Akal, Madrid, 1995. (Pág. 355 a 363)
Otro material disponible acerca de Unidad introductoria, nº1 y Nº2: Power point, videos y clases
virtuales grabadas subidas al aula virtual en ambos turnos.
Metodología de trabajo:
Se impartieron clases virtuales teóricas introductorias para el tratamiento de los contenidos, y las
consignas de los trabajos prácticos con apoyatura de imágenes.
Se implementó la plataforma meet para encuentros virtuales permanentes en los horarios de clase
correspondientes a cada turno donde se realizaron teóricos para la enseñanza, la información y
orientación del estudiante. Además, se implementaron encuentros de consulta, en grupos reducidos
de estudiantes, por comisión, para atender dudas y aciertos de los trabajos prácticos desarrollados
en la materia.
Se utilizaron herramientas para visualizar las acciones técnicas y procedimentales de los trabajos , los
recursos virtuales de Padlet, foros, drive y correo electrónico para cada turno de la cátedra.
Los contenidos a nivel teórico y conceptual estuvieron directamente vinculados a la práctica
propuesta a desarrollar en sus espacios hogareños buscando una integración permanente. En
consecuencia, el aprendizaje de estos aspectos fue evaluado en cuanto a dicha integración, teniendo
siempre presente los inconvenientes de conexión.
f) Condiciones para examen de regulares 2021 y libres 2021

El examen para alumnos regulares 2021 consistirá en la realización del o de los Trabajos (TP y/o
Parcial integrador) que el estudiante adeude o en el/los cuales presente calificación más baja,
atendiendo para su selección a un criterio de relevancia de los contenidos para el cumplimiento de
los objetivos propuestos para la materia.
El examen para alumnos libres contempla la totalidad de los contenidos y trabajos realizados durante
el cursado virtual de la asignatura en 2021.
En ambos casos, de mantenerse la modalidad virtual, el examen consistirá en la presentación de los
trabajos a través del aula virtual y una instancia de defensa oral de los mismos a través de video
llamada.
IF-2022-00334124-UNC-DDG#FA
2
página 11 de 11

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2006 - Escultura I

Date: 2022.05.09 12:48:38 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 12:48:46 -03'00'
Departamento Académico: Artes visuales

Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales PLAN 2014en Educación Plástica y Visual
y Profesorado
Asignatura (duración anual): Historia del Arte Argentino y Latinoamericano. Segundo
año de la carrera.
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Adjunta a cargo: Dra. Mónica Eugenia Jacobo
Prof. Asistente: Dra. Ana Sol Alderete -
Ayudantes Alumnos y Adscriptos:
Distribución
Turno único: Distribución Horaria Martes de 11.00 a 14.00.
Horario de consulta: Martes de 14 a 15 y de 17 a 18 hs. (Previa cita
por mail: monicajacobo@gmail.com anasol.alderete@gmail.com
PROGRAMA
Fundamentación
En esta Cátedra es de interés un enfoque socio histórico como instrumento de análisis para
conocer y entender la producción de objetos artísticos. Tratándose de obras altamente
polisémicas y que necesariamente han de ser interpretadas, se analizarán como parte de una
trama, formada por los espacios culturales, políticos, y sociales en continua interacción. Se
interpretará su producción, circulación y consumo dentro de la realidad local en primer
término, expandiendo la mirada hacia Argentina y Latinoamérica, estableciendo nexos de
interés con los procesos estéticos “centrales”.
El programa abarca desde las culturas originarias de Latinoamérica hasta la producción
artística contemporánea. Dada su extensión, es que funciona como una introducción, donde
se problematizan algunos momentos y espacios que recortamos como fundantes.
Los ejes de discusión que van hilando momentos tan dispares, son los aportes de cada tramo
socio histórico a la construcción de identidad(es) que operan continuamente en interrelación
con los procesos estéticos. Se abordan también las estrategias de validación simbólica, los
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 15
usos del arte e identidades como tácticas de dominación o potenciación de las subjetividades
en la construcción discursiva de la historia del Arte en Argentina y Latinoamérica.
OBJETIVOS
Analizar parte de las diversas producciones que pasaron a formar parte de la Historia del Arte
en Argentina desde la época de las culturas originarias hasta el arte contemporáneo.
Brindar herramientas teóricas que les permita a los estudiantes conocer, problematizar, y
discutir los productos artísticos; roles, modos de circulación y consumo en los distintos
momentos en que se organiza el programa.
Analizar parte de los discursos sociológicos, antropológicos, políticos, filosóficos,

tecnológicos que atraviesan las producciones simbólicas, en el marco de un pensamiento
artístico historizado, para aproximarse a una asignación de sentido.
Proveer categorías teóricas para el análisis y la investigación artística.
Posibilitar el integrar a las discusiones su propias prácticas artísticas objetivando desde el

concepto y la forma, los cruces y apropiaciones resultantes en su obra.
Brindar de herramientas teórico metodológicas para que investiguen y produzcan

conocimiento, sobre la realidad local en actitud dialógica con otras realidades.
CONTENIDOS
El contenido se desarrolla en cuatro unidades o núcleos temáticos
UNIDAD I: CULTURAS ORIGINARIAS
Se analizan las culturas existentes en América en el momento de la llegada de los españoles

para intentar comprender las problemáticas sociales, políticas y artísticas de los grupos
encontrados. Se estudia el arte de las culturas originarias teniendo en cuenta que
posteriormente es una de las líneas que se reconstruyen en la elaboración de lo que se
denominará identidad latinoamericana.
CONTENIDOS:
Mitos, ritos. Imperios. El mundo ordenado en un calendario sagrado. Objetos sagrados que
afianzan ese orden. Carácterísticas formales.
BIBLIOGRAFIA OBLIGATORIA (Módulo I):
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 15
BOVISIO, M. Alba y PENHOS, M. (2010): “La invención del arte indígena en la Argentina”
en Bovisio y Penhos (coord.): Arte indígena. Categorías, prácticas y objetos, Córdoba,
Encuentro Grupo Editor, pp. 33-53
CUMMINS, Thomas. "La representación en el siglo XVI: La imagen colonial del Inca" en
Urbano, Henrique (comp.), Mito y simbolismo en los Andes. La figura y la palabra, Cusco,
Centro de Estudios Regionales Andinos "Bartolomé de las Casas", 1993, pp. 87-136.
MURRA, John. "Las funciones del tejido andino en diversos contextos sociales y políticos"
en Arte Mayor de los Andes, Santiago, Museo Chileno de Arte Precolombino, 1989, pp. 3-
19.
BIBLIOGRAFÍA AMPLIATORIA:
CENCILLO, Luis. Mito. Semántica y realidad. Católica S.A. Madrid 1970.

ELÍADE, Mircea. Mito y realidad Punto Omega. Barcelona. 1985.
GEERTZ, Clifford. La interpretación de las culturas. Gedisa editorial. Barcelona 2005
GONZALEZ Rex y PEREZ Argentina Indígena, Vísperas de la conquista.
IBARRA GRASSO, Dick Edgard Argentina Indígena y Prehistoria Americana Edit. Tea. Bs.
As. 1971.
KUBLER Georges. Arte y arquitectura en la América precolombina. Manuales de Arte
Cátedra. Madrid 1986
KUSH Rodolfo. América Profunda Editorial Bonum. Argentina. 1986.
LÉVI-STRAUSS, Claude. El pensamiento salvaje. FCE, México 1990.
LOMBAN, Juan Carlos. Historia del arte latinoamericano. Asociación Cultural Kilmes Bs.
As. 1994 .
MATOS MOCTEZUMA, Eduardo. “Tenochtitlan, la gran metrópoli” en México Antiguo.
Antología. Dirigida por FRANCO, María Teresa. Vol. I. Editorial Raíces. 1998.
PALERMO Miguel Ángel. Compilador. Cuentos que cuentan los mapuches. Ceal. Argentina
1990.
UNIDAD II: EL BARROCO AMERICANO
La llegada de los españoles evidentemente significó el fin de las culturas originarias, pero
también propició, aunque de modo conflictivo, la diversidad de una cultura puesta en acto en
el mestizaje americano, que permanece hasta el siglo XXI.
El estilo Barroco es el resultado de esa experiencia signada fuertemente por el pensamiento
católico de la contrarreforma y el mestizaje de culturas.
CONTENIDOS
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 15
S. XVI: La conquista (época fundacional). Arrasamiento y trasplante.
S. XVII / XVIII. Rebrote de culturas nativas. El mestizaje, los españoles, la presencia africana.
El barroco americano. Tipos de arquitectura, tallas y pinturas. Señalamiento de algunas
características diferenciales según regiones, mano de obra, disponibilidad de materiales.
BIBLIOGRAFIA OBLIGATORIA (Módulo II)
DEAN, Carolyn. "El Inca compuesto", en Los cuerpos de los Incas y el Cuerpo de Cristo. El
Corpus Christi en el Cuzco colonial, Lima, Fondo editorial de la Universidad Mayor de San
Marcos, 2002, pp. 143-157
JÁUREGUI, Andrea y PENHOS, Marta “Las imágenes en la Argentina colonial. Entre la

devoción y el arte”, en José BURUCÚA (dir.), Arte, sociedad y política (Nueva Historia
Argentina), Buenos Aires, Sudamericana, 1999, vol.1, pp. 45-103
TAMAGNINI, María Lucía (2016): “La producción pictórica colonial en Córdoba,

Argentina” en El genio maligno. Revista de ciencias y humanidades N° 18, marzo de 2016,
Granada, A. C. Cancro, pp. 66-77
ARCINIEGAS, Germán Continente de Siete colores Edit Sudamericana. Bs. As. l965.
BERGALLO, J. Manuel, FRANCHELLA, Ma. del Carmen. La arquitectura Barroca
Iberoamericana entre la Unidad y la Diversidad. Nuevo Siglo. Córdoba, Argentina 2006.
GROUZINSKI, Serge. El pensamiento mestizo. Paidós Buenos Aires, 2000
GUTIERREZ, Ramón. Arquitectura y Urbanismo en Iberoamérica. Editorial Cátedra.
Madrid.
1984.
INFANTE, Víctor Manuel "Córdoba, sus museos y monumentos" Guía Cultural.
Editado en Cba. 1997
LAPLANTINE Francois, NOUSS, Alexis. Mestizajes. De Arcimboldo a Zombi. (Prefacio)
Buenos Aires, Fondo de Cultura Económica, Museo de Arte precolombino de Chile, 2007
(2001)
MARX, Pdre. José. Las Misiones Jesuíticas. Edit. Gráfica Guadalupe. Bs.As. (sin fecha).
MOYANO Dolores. “El barroco iberoamericano y su (posible) vigencia actual”. En: Avances
N° 9. CIFFyH. UNC- 2006
PIETRI, Uslar. En busca del Nuevo Mundo. Ediciones de Fondo de Cultura Económico.
México. 1969
TRECCO, Adriana. Arquitectura de Córdoba. 1573-2000. Ed. Universidad Nacional de
Córdoba. Argentina. 2000
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 15
UNIDAD III: EL SIGLO XIX
En el momento de las independencias, la palabra clave para esta unidad es la de "organizar".

En el campo político, las nuevas naciones que surgen. En el campo del pensamiento se ve la
necesidad de clarificar los ideales de la independencia y conceptualizar acerca del problema
de la identidad. En toda América latina se formula reiteradamente la pregunta ¿Quiénes
somos?. Plásticamente se intenta contestar dicha pregunta, en un comienzo a través de una
búsqueda de lo propio en los "álbumes de usos y costumbres" así como en la diversidad de
estilos y artistas que realizaron su producción en o en relación con Latinoamérica.
Posteriormente se continúa elaborando la identidad nacional entre debates intelectuales en
torno a distintas influencias y escuelas que acompañan la producción artística, en una mirada
que va hacia Europa o se acerca al criollismo nacionalista.
CONTENIDOS
Las independencias nacionales. La búsqueda de “identidad” en un sentido unívoco.
Inserción de Argentina en el contexto internacional. Córdoba dentro del mapa artístico
nacional. Los pintores viajeros: características de sus obras y significación de las mismas para
la cultura nacional.
La pintura Nacional del S. XIX. Simbología, iconografía, significaciones y características.
Influencia de las grandes corrientes europeas en el arte de América latina durante este siglo.
La organización del campo del Arte nacional.
BIBLIOGRAFÍA OBLIGATORIA (Módulo III)
MALOSETTI COSTA, Laura. "Las artes plásticas entre el ochenta y el centenario" en

BURUCÚA, José Emilio. Nueva Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Tomo I.
Editorial Sudamericana. Buenos Aires. 1999, pp. 161-216
MUNILLA LACASA, María Lía. "Siglo XIX: 1810-1870" en BURUCÚA, José Emilio.
Nueva
Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Tomo I. Editorial Sudamericana. Buenos Aires.
1999, pp. 105-160
PEHNHOS, Marta. “Las fotografías del Álbum de Encina, Moreno y Cía. (1883) y la
construcción de la Patagonia como espacio geográfico y paisaje”. En Huellas 9, 2016
Universidad Nacional de Cuyo. Facultad de Artes y Diseño.
Recuperado de:
http://bdigital.uncu.edu.ar/objetos_digitales/8707/07-penhos-huellas9-2016.pdf
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 15
ZABLOZKY, Clementina. “Paisaje y experiencia. Testimonios visuales de la ciudad de
Córdoba” en NUSENOVICH Marcelo-ZABLOZKY Clementina. Testimonios en la historia
de las artes de Córdoba y Rosario. Brujas. Córdoba. 2016
LOMBAN, Juan Carlos. "La época independiente" y "El arte de la época independiente". en:
Historia del Arte Latinoamericano. Asociación Cultural Quilmes. Bs.As. Argentina l994
LOPEZ ANAYA, Jorge. Historia del Arte Argentino. EMECE. Bs. As. 1997.
MALOSETTI COSTA, Laura. Los primeros modernos. Arte y sociedad en Buenos Aires a
fines del S XIX- Fondo de Cultura Económico. Bs. As. Argentina 2003
MORRA, Mercedes."Breve panorama del S. XIX" en: Córdoba en su pintura del S. XIX El
Copista. Córdoba l992
NUSENOVICH, Marcelo. Tres ensayos. Sobre arte y cultura cordobesa. 1870-1910. Brujas.
Córdoba 2006
PAYRO, Julio. 23 pintores en la Argentina, 1810-l900. Eudeba Bs.As., Argentina. l973.
UNIDAD IV: LOS SIGLOS XX - XXI
El siglo XX, está signado por el problema, entre otros, de la identidad: buscada como esencia
en la primera mitad y analizada posteriormente como construcción volitiva y consciente, en
algunos casos en relación con lo regional o nacional y con reforzada vigencia ante la realidad
global y las tecnologías digitales. En este sentido los y las artistas latinoamericanos, desde su
propia cultura periférica, enfrentan, discuten, transmutan o descartan los múltiples procesos
artísticos emergentes de la Modernidad/posmodernidad central así como del siempre en
proceso de renovación, arte contemporáneo.
CONTENIDOS
Diálogo e interacción del Arte argentino con las principales corrientes de vanguardia de la
modernidad europea.
Arte en Argentina en las décadas de 1940 y 1950.
Arte de posguerra. Desplazamiento del centro de poder hacia Estados Unidos. Utopía política
y artística en la década de 1960.
Consecuencias de la globalización y presencia del pensamiento posmoderno en el arte y
artistas de Córdoba, Argentina y América Latina. Nuevas problemáticas puestas en acto en
prácticas estéticas emergentes o alternativas en la posdictadura de la década de 1980, arte,
democracia y derechos humanos. El internacionalismo y los neoexpresionismos. La
apropiación estética del arte precolombino.
Experimentaciones, fotografía y arte con tecnología en el cambio de siglo. Décadas de 1990
y 2000. Artes y oficios categorías en tensión.
Cuerpos e identidades en el arte Argentino de fines del S XX y principios del XXI.
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 15
BIBLIOGRAFIA OBLIGATORIA (Módulo IV)
BECKER, Howard. (2008). “Artes y oficios” en Los mundos del arte: Sociología del trabajo
artístico. Buenos Aires: Universidad Nacional de Quilmes. pp. 311 – 335
DAVIS, FERNANDO. (2014): “Tráficos y torsiones queer/cuir en el arte: cuerpos,

contraescrituras” en Errata#12: Desobediencias sexuales, Bogotá, Fundación Gilberto Alzate
Avendaño e Instituto Distrital de las Artes, pp. 20-44.
Recuperado de: http://revistaerrata.gov.co/contenido/traficos-y-torsionesqueercuir-en-el-arte-
cuerposcontraescrituras
GIGLIETTI, Natalia. “Argentina Proyecciones públicas. La fotografía en el Centro Cultural

Rojas y en el Museo de Arte Moderno (1991–2004)” en caiana. Revista de Historia del Arte
y
Cultura Visual del Centro Argentino de Investigadores de Arte (CAIA). No 10 | 1er. semestre
2017, pp. 160-166 Recuperado de:
http://caiana.caia.org.ar/template/caiana.php?pag=articles/article_2.php&obj=268&vol=10
GIUNTA, Andrea. "Las batallas de la vanguardia entre el peronismo y el desarrollismo" en

BURUCÚA, José Emilio (director) Nueva Historia Argentina. Arte, sociedad y política.
Tomo II. Editorial Sudamericana. Buenos Aires. 1999, pp. 57-118
HERRERA, María José. "1983-1990. La posdictadura: el arte entre la reconstrucción y las

ruinas del futuro” en Cien años de arte argentino. Ed. Biblos. Buenos Aires. 2014, pp. 239 –
266
JACOBO, Mónica Eugenia. "Confluencias entre lo artesanal y lo digital como vías de

experimentación en el Arte argentino, de la década de 1990" en revista Avances 20 (2)
20112012, pp. 131-140
SIRACUSANO, Gabriela. "Las artes plásticas en las décadas del 40'y el 50' en BURUCÚA,
José Emilio (director) Nueva Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Tomo II. Editorial
Sudamericana. Buenos Aires. 1999, pp. 13-49
AMIGO, Roberto et al. Pintura Argentina. Buenos Aires. Grupo Velox. 1999
BECKER, Howard. (2008). Los mundos del arte: Sociología del trabajo artístico. Buenos
Aires: Universidad Nacional de Quilmes.
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 15
Tomo
II. Editorial Sudamericana. Buenos Aires. 1999
COLOMBRES, Adolfo, et al: Hacia una teoría americana del arte. Edic. el Sol. Bs. As. l991
FANTONI, Guillermo. Arte, vanguardia y política en los años ’60. Conversaciones con Juan
Pablo Renzi. El cielo por asalto. Bs. As. Argentina 1998
GIUNTA, Andrea. Vanguardia, internacionalismo y política. Arte argentino en los años
sesenta. Paidos. Bs. As. 2001
HERRERA, María José. Cien años de Arte Argentino, Buenos Aires, Editorial Biblos-
Fundación Osde, 2014
LONGONI, Ana, MESTMAN, Mariano. Del Di Tella a Tucumán arde.
Vanguardia artística y política en el 68 argentino. El cielo por asalto. Bs. As. 2000
MORGAN, Robert C. Duchamp, y los artistas contemporáneos posmodernos.
Libros del Rojas. Eudeba.. Bs. As. 2000
MOYANO Dolores. La producción plástica emergente en Córdoba. 1970-2000. Historia y
crítica. Ediciones del Boulevard. Córdoba. 2005
ROCCA, Cristina. Las bienales de Córdoba en los ’60. Arte, modernización y Guerra Fría.
Universitas. (UNC) Córdoba 2005
BIBLIOGRAFÍA GENERAL (para todas las unidades).

*Se recomienda leer los Módulos de Cátedra:
Nº 1: Culturas originarias (corresponde a la primera unidad)
Nº 2: El Barroco Americano (corresponde a la segunda
unidad). Nº 3: El Siglo XIX (corresponde a la tercera unidad)
Nº 4: Siglos “XX y XXI (corresponde a la cuarta unidad).
En Editorial Brujas.
AAVV. Dirigido por MOYANO M. Dolores y codirigido por ARNOLD Elízabet.

Diccionario de Artistas Plástivos de Córdoba. Siglos XX y XXI. Edic. Talleres Gráficos de
la Lotería de Cba, Secretaría de Cultura de la Provincia. 2011
AAVV ASOCIACION ARGENTINA DE CRÍTICOS DE ARTE. Historia Crítica del Arte
Argentino Editado por Telecom. Buenos Aires. 1995
AAVV (BAYON, Damián. Coordinador) América Latina en sus Artes. UNESCO. Siglo
XXI. Argentina 1989.
AAVV ZEA, Leopoldo (coordinador) América Latina en sus Ideas. UNESCO Edit. S XXI.
1986.
AAVV CACERES FREYRE,Julián Historia en General del Arte en la Argentina Tomo I,
Academia Nacional de Bellas Artes. Bs. As. 1982.
BOURDIEU, Pierre. Campo del poder y campo intelectual Bs.As., Edic. Folios. 1983.
BURUCUA, José Emilio. Nueva Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Edit.
Sudamericana. Bs. As. 1999
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 15
FERRERO Roberto. Breve Historia de Córdoba (1528-1995) Alción. Cba.1999
FLORES DE BALLESTEROS, Elsa. “Arte, identidad y globalización”. En BAYARDO,
Rubens, LACARRIEU, Mónica. (comp.): Globalización e identidad cultural. Ed. Ciccus. Bs.
As. 1997.
GARCÍA CANCLINI, Néstor La globalización imaginada. Paidos. Bs. As. 1999
---------------------------- Culturas Híbridas. Estrategias para entrar y salir de la modernidad.
Grijalbo. México. 1990
GROUZINSKI, Serge. El pensamiento mestizo. Paidós Buenos Aires,
2000 HOBSBAWM, Eric. Historia del siglo XX. Crítica. Grijalbo. Bs
As (3ª reimpresión).1999.
TURNER, Víctor. La selva de los símbolos. Siglo XXI. España. 1997 (1980)
PROPUESTA METODOLÓGICA
Dictado de clases audiovisuales en el aula con los temas directrices del programa y los que
ofrezcan dificultades particulares.
Trabajos prácticos grupales de investigación (conceptual, bibliográfica y de campo).
Producción de conocimiento a través de análisis, debates, conclusiones y preguntas.
Uso del aula virtual o Facebook para visualizar temas, imágenes, trabajos prácticos, notas,
novedades de la Cátedra, links etc.
Visitas guiadas, visitas a museos.
Evaluaciones parciales y en el caso de los alumnos regulares evaluación final.
EVALUACIÓN
Evaluación ajustada a la reglamentación vigente. Régimen de alumnos y alumno
trabajador en: https://artes.unc.edu.ar/regimen-de-alumnos/
Criterios de evaluación:
Parciales:
Se realizan 3 parciales al año.
Se evalúa:
* Conceptualización del tema.
* Capacidad de reflexión y relación entre temas.
* Capacidad de síntesis.
* Redacción de texto
Se recupera un Parcial en el mes de Octubre.
Cronograma tentativo.
1° Parcial: 13/06
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 15
2° parcial: 25/08
3° Parcial: 13/10
Recuperatorios: 27/10
Las evaluaciones se realizarán considerando la bibliografía obligatoria en cada unidad del

programa de la materia, mediante exámenes parciales escritos que respondan a las preguntas
efectuadas por las/los docentes, así como otras modalidades como multiple choice o
actividades domiciliarias que se considerarán de acuerdo con el desarrollo del año lectivo. La
materia es anual y se dicta una vez a la semana. La asistencia a las clases teóricas es libre, en
tanto que es obligatoria a los Parciales, Trabajos Prácticos y recuperatorios de ambos.
Trabajos prácticos
Se realizan 4 Trabajos Prácticos durante el año que consisten en Investigación y/o análisis
bibliográfico y/o de casos, reflexión y capacidad de síntesis.
Se evalúa:
* Cumplimiento del tiempo asignado.
* Conceptualización del tema.
* Capacidad de síntesis y reflexión.
Se recupera un TP en el mes de Octubre.
Cronograma tentativo:
1° TP: 12/05
2° TP: 23/06
3° TP: 18/08 4°
TP: 06/10.
CONDICIONES DE PROMOCIÓN
a. Tener regularizada la correlativa anterior.
b. Asistencia al 100% de Parciales. Nota: 6 o más. Se puede recuperar uno.
c. Asistencia al 100% de T.Prácticos. Nota 6 o más. Se puede recuperar uno.
No se promedian parciales y Trabajos Prácticos. En ambos casos se necesita promedio de 7
obtenido con notas no menores a 6.
CONDICIONES DE REGULARIDAD
a. Tener regularizada la correlativa anterior.
b. Asistencia al 100% de Parciales. Nota: 4 o más. Se puede recuperar uno.
c. Asistencia al 100% de T.Prácticos. Nota: 4 o más. Se puede recuperar uno.
No se promedian parciales y Trabajos Prácticos. En ambos casos se necesita promedio de 4
obtenido con notas no menores a 4.
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 15
ALUMNOS LIBRES
Deben tener la/s correlativa/s anteriores aprobadas.
Se rinde un exámen oral y escrito, el programa completo. Las evaluaciones se realizarán
considerando la bibliografía obligatoria en cada unidad del programa de la materia,
incluyendo la bibliografía utilizada en los trabajos prácticos que se encuentra incluida dentro
de esta.
La evaluación se realiza de manera escrita y/u oral.
Como material de estudio, se cuenta con los cuatro módulos editados por la Cátedra que se
pueden comprar en Editorial Brujas.
Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene.
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los exámenes que requieran montaje de obras deberán respetar
las normas de seguridad e higiene. No se pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos, escaleras de
emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas, emergencias, ingreso, etc.). Los espacios de tránsito de
uso común deberán contar con las indicaciones pertinentes si interrumpen el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos los elementos de montaje (cintas,
tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde han sido retirados.
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben hacerse a la Dirección del Departamento de Artes
Visuales y deben tener el aval del docente responsable.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad deberá contar con el aval de la Dirección del
Departamento.
CRONOLOGÍA GENERAL APROXIMADA
Marzo /Abril Unidad I

Mayo / Junio Unidad II
Julio /Agosto Unidad III
Septiembre/ Octubre Unidad IV
Octubre: Recuperatorios de Parciales y Trabajos Prácticos
Noviembre: Cierre del año. Trámites administrativos. Firma de libretas.
Prof. Dra. Mónica Eugenia Jacobo

Profesora Adjunta a cargo de la Cátedra Historia del Arte Argentino y Latinoamericano,
20172020
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 15
Cronograma 2020 Historia del Arte Argentino y Latinoamericano
Martes 17/3 Presentación del Programa de la materia. Unidad I

Martes 24/3 Feriado (Memoria, Verdad y Justicia)
Martes 31/3 Unidad I
Martes 7/4 Unidad I
Martes 14/4 Unidad I. TP1
Martes 21/4 Unidad II
Martes 28/4 Unidad II.
Martes 5/5 Unidad II
Martes 12/5 TP2
Martes 19/5 Semana de mayo. Turno exámenes de Mayo Martess
26/5 Repaso.
Martes 2/6 / Parcial 1
Martes 9/6 Unidad III
Martes 16/6 Unidad III
Martes 23/6 Unidad III y Entrega notas Parcial 1
Martes 30/6 Unidad III y Presentación TP3
Martes 7/7 Repaso y TP3
Martes 4/8 Parcial 2
Martes 11/8 Unidad IV
Martes 18/8 Unidad IV Entrega notas Parcial 2
Martes 25/8 Unidad IV
Martes 1/9 Unidad IV y Presentación TP4
Martes 8/9 TP 4
Martes 15/9 Repaso
Martes 22/9 Semana del Estudiante. Turno de Exámenes
Martes 29/9 Parcial 3
Martes 6/10 Revisión de unidades I, II III y IV
Martes 13/10 Entrega de notas Examen Parcial 3
Martes 20/10 Recuperatorios de Parciales
Martes 27/10 Notas de recuperatorios. Recuperatorios de TPs
Martes 3/11 Recuperatorios de Parciales y Trabajos prácticos para alumnas y alumnos
trabajadores. Firma de libretas.
Martes 10/11 Cierre de materia. Consultas regulares y Libres
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 15
ADECUACIÓN PROGRAMA 2020
Adenda cursado 2020
Departamento Académico: Artes visuales

Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales PLAN 2014
Asignatura (duración anual): Historia del Arte Argentino y Latinoamericano. Segundo
año de la carrera.
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Adjunta a cargo: Dra. Mónica Eugenia Jacobo
Prof. Asistente: Dra. Ana Sol Alderete -
Ayudantes Alumnos y Adscriptos:
Distribución
Turno único: Distribución Horaria Martes de 11.00 a 14.00.
Horario de consulta: Martes y jueves. (Previa cita por mail:
monicajacoboveinteveinte@gmail.com anasol.alderete@gmail.com
La bibliografía que la Cátedra seleccionó para el cursado 2020 en modalidad online fue
digitalizada para ponerla a disposición de les estudiantes.
Para poder realizar el dictado en la modalidad devenida del ASPO se decidió mantener el
número de unidades que integran el programa de la materia pero no así todos los textos de la
bibliografía obligatoria.
Durante el cursado 2020 de la materia se evaluaron dos parciales y 2 trabajos prácticos,
cubriendo la evaluación de las cuatro unidades del programa de estudios.
Para la Unidad 1, Culturas originarias la bibliografía obligatoria es:
BOVISIO, M. Alba y PENHOS, M. (2010): “La invención del arte indígena en la Argentina”
en Bovisio y Penhos (coord.): Arte indígena. Categorías, prácticas y objetos, Córdoba,
Encuentro Grupo Editor, pp. 33-53
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
13
página 13 de 15
CUMMINS, Thomas. "La representación en el siglo XVI: La imagen colonial del Inca" en
Urbano, Henrique (comp.), Mito y simbolismo en los Andes. La figura y la palabra, Cusco,
Centro de Estudios Regionales Andinos "Bartolomé de las Casas", 1993, pp. 87-136.
MURRA, John. "Las funciones del tejido andino en diversos contextos sociales y políticos"
en Arte Mayor de los Andes, Santiago, Museo Chileno de Arte Precolombino, 1989, pp. 3-
19.
Para la Unidad 2, Barroco americano la bibliografía obligatoria es:
JÁUREGUI, Andrea y PENHOS, Marta “Las imágenes en la Argentina colonial. Entre la

devoción y el arte”, en José BURUCÚA (dir.), Arte, sociedad y política (Nueva Historia
Argentina), Buenos Aires, Sudamericana, 1999, vol.1, pp. 45-103
TAMAGNINI, María Lucía (2016): “La producción pictórica colonial en Córdoba,

Argentina” en El genio maligno. Revista de ciencias y humanidades N° 18, marzo de 2016,
Granada, A. C. Cancro, pp. 66-77
Para la Unidad 3, El siglo XIX, la bibliografía obligatoria es:
MALOSETTI COSTA, Laura. "Las artes plásticas entre el ochenta y el centenario" en

BURUCÚA, José Emilio. Nueva Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Tomo I.
Editorial Sudamericana. Buenos Aires. 1999, pp. 161-216
MUNILLA LACASA, María Lía. "Siglo XIX: 1810-1870" en BURUCÚA, José Emilio.
Nueva
Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Tomo I. Editorial Sudamericana. Buenos Aires.
1999, pp. 105-160
Para la Unidad 4, El siglo XX, la bibliografía obligatoria es:
GIUNTA, Andrea. "Las batallas de la vanguardia entre el peronismo y el desarrollismo" en

Tomo II. Editorial Sudamericana. Buenos Aires. 1999, pp. 57-118
HERRERA, María José. "1983-1990. La posdictadura: el arte entre la reconstrucción y las

ruinas del futuro” en Cien años de arte argentino. Ed. Biblos. Buenos Aires. 2014, pp. 239 –
266
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
14
página 14 de 15
JACOBO, Mónica Eugenia. "Confluencias entre lo artesanal y lo digital como vías de
experimentación en el Arte argentino, de la década de 1990" en revista Avances 20 (2)
20112012, pp. 131-140
SIRACUSANO, Gabriela. "Las artes plásticas en las décadas del 40'y el 50' en BURUCÚA,
José Emilio (director) Nueva Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Tomo II. Editorial
Sudamericana. Buenos Aires. 1999, pp. 13-49
EXÁMENES FINALES
La modalidad de evaluación final para les alumnnes regulares que hayan cursado durante el
2020 será en formato multiple choice, sin cámara encendida a desarrollarse de manera
posterior a la acreditación de identidad.
La modalidad de evaluación final para les alumnnes libres será con modalidad cuestionario
con preguntas a responder por escrito, con cámara encendida durante el desarrollo del examen
que tendrá una extensión de 1 hora a partir de la apertura de las preguntas, a desarrollarse de
manera posterior a la acreditación de identidad.
IF-2022-00334154-UNC-DDG#FA
15
página 15 de 15

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2007 - Historia del Arte Latinoamericano

Date: 2022.05.09 12:52:25 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 12:52:31 -03'00'

Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales. Plan2014
y Profesorado en Educación
Plástica y Visual
Asignatura: VISIÓN II
Año Curricular: Segundo año , ciclo básico.
Equipo Docente:
-Profesores
Prof. Titular: Susana Iris Rocha
Prof. Asistente: Marcelo Esteban Quiñonero
Prof. Asistente: Varinnia Eugenia Jofré Gutiérrez
Distribución horaria segundo Cuatrimestre: jueves de 13 a 17 hs.

Consultas Virtuales: Plataforma Moodle. Viernes de 13 a 17 hs.
PROGRAMA
Fundamentación / Enfoques / Presentación:
La asignatura de Visión II comparte, continua y profundiza objetivos, propósitos y metas con la

asignatura de Visión I. Proyecta proporcionar al estudiante instrumentos teóricos y prácticos con
el fin primero de aprehender reflexivamente los elementos constitutivos del lenguaje visual,
seguidamente transferirlo -en tanto proyecto- a un lenguaje distintivo y propio de relevancia
artística. Otorga especial énfasis a la comprensión, fundamentación y transferencia de los
conceptos que organizan el currículum de la asignatura, profundizando particularmente en la
categoría teórica-práctica, distintiva de Visión desde sus orígenes, por la década de los 60´. En
suma, sostienen y fomenta que la producción teórica se encuentra atravesada por la práctica y la
práctica rezuma en la teoría.
Direcciona su estudio al desarrollo productivo de la obra de arte, intentando abarcar el proceso

de construcción de sentido en todo su trayecto: autor, obra y recepción, coadyuvado por la
importancia que el siglo XX disemino sobre las posibilidad productivas y expresivas del espacio
tridimensional real, virtual y del espacio bidimensional y en la actualidad a las prácticas de los
medios múltiples y tecnológicos. Involucra no solo el estudio, análisis, interpretación de la imagen
sino, también la construcción lingüística, visual y comunicacional.
Nos referimos a distintos conceptos de arte que se han formalizado desde la modernidad,
vanguardia, posmodernidad. Dicho proceso ha configurado nuevos y renovados conceptos y
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 12
prácticas artísticas de las artes visuales, siempre subsumidos a modelos normativos y
epistemológicos.
Es decir, con el transcurso del tiempo, estas prácticas, ha sufrido permanentes cambios, tales
como la noción de belleza, de rangos diferenciales de representación, de presentación, de
reproducción, de creación de formas, de expresión, de experiencias.
El siglo XX se ha constituido en un proceso continuo de trasgresión, surgió como oposición,

rebeldía y transformación de las formas canónicas. Desde su configuración fue sufriendo
permanentes cambios inaugurales, estas situaciones artísticas han oscilado entre posiciones
altamente confrontadas o profundamente cercanas. Desde este punto de vista y contemplando la
situación pluralista del arte: Visión II, como disciplina, intenta formalizar la aplicación y revisión de
contenidos desde distintos enfoques a los fines de poder contemplar, y aproximarse al estudio
compresivo del arte desde la amplitud y el eclecticismo.
Como se ha expresado anteriormente Visión II intenta dar continuidad y capitalizar los contenidos
de Visión I, desarrolla de forma integral la problemática del espacio tridimensional. Comienza
avanzando sobre los estudios teórico/práctico del volumen, en tanto entidad autónoma desde un
marco teórico formalista, profundizando sobre el formalismo influido por la Bauhaus. Continúa
incorporando problemas del espacio, en sus distintos grados de inmersión dentro de los
márgenes del espacio real y virtual. Sumados a los problemas de la forma, se incorpora la
Apariencia, focalizando sustantivamente en la Césia. Al incorporar el problema de la apariencia se
está introduciendo el contexto, interesándose en el sujeto que mira (usamos la palabra sujeto
desde un punto de vista morfológico) y coautor desde un enfoque pedagógico-didáctico siguiendo
expresiones de Ardoino.
Finalmente, este trayecto nos conduce a problematizar sobre el rol del espectador, oponiendo al
concepto de espectador pasivo (contemplador) dado a partir del Renacimiento, el concepto de
espectador activo originado a fines del siglo XIX, cambio de paradigma que trajo aparejado una
creciente actividad del espectador. Vale decir en este último apartado estudia las categorías y
niveles de participación del sujeto que mira. Se analiza el rol del espectador pasivo y el espectador
activo en sus múltiples funciones, contextualizado histórica y conceptualmente.
Objetivos: Generales
Dentro de los objetivos generales (nuevo plan de estudios) previstos en la carrera de artes
plásticas en sus diversas especialidades, la asignatura de Visión II se encuentra inscripto
participando a los fines de alcanzar un conjunto definido de competencias en sus graduados.
Objetivos que se enumeran a continuación:
 Desarrollar una tarea de creación y producción artística por medio del manejo reflexivo de
conceptos, técnicas, materiales y procedimientos referidos a diferentes aspectos del
fenómeno.
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 12
 Alcanzar una sólida formación que permita la autodisciplina en la tarea de determinar el
sentido de la actividad creadora y productora.
 Desarrollar un marco interpretativo frente a las preguntas, los temas o problemas en torno a la
problemática de la ideación, prefiguración, producción, uso e interpretación del arte visual, en
particular y del arte en general.
 Desarrollar la sensibilidad creativa.
 Adquirir hábitos de reflexión y de discernimiento crítico.
 Valorar críticamente los nuevos aspectos y dimensiones del hecho (idea, objeto, acción)
artístico.
 Reconocer el arte actual, propiamente como campo de investigación individual y colectivo;
subjetivo y objetivo, como expresión de libertad y disciplina; como pluralismo estilístico; y
como apertura ante las evoluciones sociales y estéticas.
 Dentro de los objetivos generales propuestos en el plan vigente que prevé la participación del
egresado – al menos como observador atento e interlocutor competente-
 Producir objetos de arte.
 Participar Interdisciplinariamente en producción e investigación de medios masivos de
comunicación, industria del color, arquitectura, artesanía y otros relacionados con la plástica.
Específicos.
 Desarrollar la capacidad perceptiva y de observación.
 Adquirir los fundamentos del lenguaje visual.
 Utilizar con propiedad los términos del léxico técnico.
 Adquirir una actitud de experimentación e investigación.
 Aplicar conceptos desarrollados en Visión I.
 Aplicar conceptos desarrollados en visión no solamente en los trabajos propuestos por la cátedra
sino con otras asignaturas en términos diacrónicos y sincrónicos.
 Integrar y sistematizar conceptos referidos a la imagen en otras disciplinas. Historia, Pintura,
Escultura, Grabado, Sistemas de Representación .
 Integrar teoría y práctica.
 Relacionar la producción plástica al contexto sociocultural.
 Desarrollar la capacidad creativa en la aplicación de los medios plásticos.
 Desarrollar el juicio crítico frente a la imagen en general y su proceso.
Contenidos / Núcleos temáticos / Unidades
Unidad I
Título: Sistemas Compositivos .
Subtítulo: Espacio bidimensional y tridimensional
Contenidos
1- Concepto de la estructura integral (arte Orgánico) bajo el paradigma humanista.
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 12
2- Reducción de la estructura integral (arte inorgánico) en el desarrollo del siglo XX.
3- Estructura anobjetuales y su correspondencia con los estudios sobre el volumen. Clasificación de
la escultura siguiendo el marco teórico formalista de la Bauhaus.
4- Sistema modular, partiendo de una matriz y aplicando leyes de construcción. Planos seriados,
estructuras de pared, estructuras de pared, estructuras poliédricas , sólidos platónicos y sólidos
de Arquímedes.
5- Estudio de la retícula, estructuras aditivas.
6- El espacio plástico y el espacio geométrico. Geometría euclidiana y fractal.
Bibliografía específica
Laszló Moholy – Nagy (1927) La nueva visión principios básicos de la Bauhaus Ediciones infinito
Buenos Aires 4ta edición 1997 introducción pp 7 / 19, volumen (escultura) pp 67 – 82
Junker, Hans Dieter La reducción de la estructura estética. Un aspecto del arte actual. Enher, H.K. et
alt En: Miseria de la comunicación visual. Elementos para una crítica de la industria de la conciencia.
Colección Comunicación Visual. Editorial Gustavo Gili 1977 .
Wong, Wucius Fundamentos del diseño GG. Diseño- 1° edición 9° tirada, 2008. pp 237-344
Navarro de Zuvillaga, Javier 2008. La geometría en el espacio. En Forma y representación. Un análisis
geométrico. Madrid Akal 2008.
Arnheim, Rudolf El poder del centro estudios sobre la composición de las artes visuales versión
definitiva. Editorial Akal 1988 / 2001 pp 4 – 43
_____________ “El equilibrio” En : Arte y percepción visual Editorial Alianza Forma primera edición
1979 decimocuarta edición 1997, pp 23 –56.
Blanch Gonzaléz, Elena. “Espacio”, De la Cuadra, Consuelo “Forma y materia” En: Paris, María;
Blanch , Elena; de la Cuadra, Consuelo; et al. Conceptos Fundamentales del Lenguaje Escultórico.
Madrid: España, Akal , Bellas Artes 2006, pp 7-11 / 37-66.
Bürger, Peter. Cap III. La obra de arte Vanguardista. En Teoría de la vanguardia . Ed. Península,
Barcelona, 1997.
Krauss, Rosalind. Retículas . En: La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernos editorial
Alianza Forma 1985 pp 23-37.
Read, Herbert La escultura moderna Ediciones destino 1994, segunda edición 1998.
Durazoi, Gerard - dirección- Diccionario Akal Arte del siglo XX Editorial Akal 1997
Marchan fiz, Simón Del arte objetual al arte conceptual – Epílogo sobre la sensibilidad “post-
moderna”. Editorial Akal 1997 séptima Edición –primera 1986.
Didi -Huberman Georges Lo que vemos, lo que nos mira Editorial Manantial 1997
Krauss, Rosalind 1977. “El espacio analítico: Cubismo y contructivismo”, “Formas del Ready made:
Duchamp y Brancusi” y “Doble negativo: una nueva sintaxis para la escultura”. En Pasajes de la
Escultura Moderna. pp 51-79 / 81- 113 / 238-279 . Madrid: España, Akal 2002.
Unidad II
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 12
Titulo : Apariencia Color y Cesía
Contenidos
1-Método de trabajo del órgano de la vista.
2-Leyes de síntesis de los colores -Síntesis sustractiva y aditiva .
3-El color en la física, en la fisiología y en la psicología .
4-La variables físicas y perceptuales del color .
5-La luz, características, incidencia y utilización en los estilos del siglo XX.
6-Apariencia, color, cesía: propiedades , atributos y sensaciones en el espacio real e ilusorio.
7-Distintos niveles o funciones del color, estético, sintáctico, semántico y pragmático.
Caivano, José Luis “Semiótica y Cesía. Significados de la distribución Espacial de la luz” En acta
de congreso -Tercer Congreso Argentino del Color Argen Color 1996 (Buenos Aires: Grupo
Argentino del Color, 1998).
Lozano, Roberto Daniel El color y su medición En Con una introducción a la óptica fisiológica
y al estudio de la visión. Buenos Aires: Américalee, 1978 , p.640
____________________La apariencia Visual y su medición . GAG Grupo Argentino del Color.
Buenos Aires 2015.
Jofré, Varinnia; Rocha, Susana. Experiencias artísticas con luz, color y césía. Editorial Nobuko,
Buenos Aires. Año 2004 página 221- 228.
Quiñonero, Marcelo apuntes de Apariencia y Cesía . Presentación de inforgrafias en formato
PP. producción propia . 2014, 2015, 2016.
Rocha, Susana; Jofré Varinnia El espacio, el tiempo y el movimiento en los procesos cromáticos
de los medios mixtos. SECYT-FFYH. UNC. 2008-2009. Formato CD y Power Point.
Rocha, Susana; Jofré Varinnia El Color en el Espacio y en el tiempo SECYT-FFYH. UNC. 2007-2006.
Formato CD y Power Point.
Rocha, Susana; Jofré Varinnia El Color en el espacio plástico tridimensional. SECYT-FFYH. UNC. 2007-
2006. Formato CD y Power Point.
Rocha, Susana; Jofré Varinnia El Color en el espacio tridimensional. SECYT-FFYH. UNC. 2004. Formato
CD y Power Point.
Complementaria
Arnheim¸ Rudolf Arte y percepción visual Editorial Alianza Forma primera edición 1979
decimocuarta edición 1997 Capitulo. La luz, pp 335 - 362
Küppers, Harald Fundamentos de la teoría de los colores Ediciones G Gili primera edición 1980,
cuarta edición 1992 pp
Kanizsa, Gaetano Gramática de la visión Percepción y pensamiento Editorial Paidós
comunicación 1986. Capítulo Constancias perceptivas, pp 136 - 162
Sanz, Juan Carlos y Gallego, Rosa Diccionario del Color Ediciones Akal 2001
Unidad II
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 12
Título : Movimiento (tiempo - espacio)
Contenidos
1- Estructuras Multimediales. Movimiento real y óptico (presentación y representación del
movimiento
2- Experiencias de imágenes persistentes, efecto moire.
3- Obras transformables.
4- Artefactos neo-cinéticos y tecnológicos. Desarrollos estéticos y teoréticos
5- Anamorfosis cronotópica: el fenómeno de la temporalidad y la espacialidad en la fotografía
Laszló Moholy – Nagy (1927) La nueva visión principios básicos de la Bauhaus Ediciones infinito
Buenos Aires 4ta edición 1997 introducción pp 7 / 19, volumen (escultura) pp 67 – 82
Oliveras Elena (2010) El arte cinético y neocinetismo . Hitos y nuevas manifestaciones en el
arte del siglo XX. Buenos Aires: Emece 2010
Complemetaria
Machado, Arlindo El paisaje mediático. Sobre el desafío de las poéticas tecnológicas. Buenos
Aires: Libros del Roja 2000
Metodología
La manera de conducir el proceso enseñanza y aprendizaje, de organizar las distintas actividades
académicas, de seleccionar sus elementos constitutivos a fin de lograr el objetivo de tener en cuenta
que el alumno es el sujeto activo que construye el conocimiento. Se ha implementado diferentes
metodologías, enumeradas a continuación.
1. Dinámica grupal con la formación de pequeños grupos en base a problemas orientados desde la
cátedra. finalizando al concluir cada tema con plenarios o foros de discusión, lo cual permite una
comunicación multidireccional.
2. Exposiciones didácticas con comunicación mediatizada , empleo de diapositivas.
3. Técnicas de Taller.
4. Demostraciones en laboratorio sobre experiencias de color luz y movimiento.
5. Técnicas de inducción y de deducción.
6. Técnicas de cogestión.
Evaluación
La evaluación es permanente, cada tema implica la resolución de un trabajo práctico subdividido en
dos partes una teórica y otra práctica (1) que se evaluara (2) de acuerdo a los objetivos propuestos y
consigna de trabajo, siendo el mismo parte de un proceso integral del alumno.
(1) Los trabajos prácticos están pensados como un proceso de varias instancias – proyecto, final,
argumentación.
(2) Proceso de evaluación: autoevaluación, coevaluación y evaluación: En el práctico se evaluará
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 12
a- Compresión de las premisas del ejercicio.
b- Méritos formales (diagramación, proporciones, complejidad).
c- Ajuste técnico.
d- Compromiso con la consigna propuesta para el práctico.
Se realizan anualmente dos parciales teóricos/práctico, se evaluará la claridad conceptual,
pertinencia y aplicación comprensiva y critica de los textos propuestos.
Se considerará la siguiente escala de calificaciones según dicta el reglamento de alumno publicado
por la FFyH. Aprobado por Res. 408/02 DEL HCS anexo “A” de la resolución decanal Nº 593/02. Res.
Nº 363/99 del HCD (Modificada por las Resoluciones Nº 462/99 y Nº 248/02 de este Cuerpo)
resolución N° 363 / 99 del H.C.D.
Dictado del curso Calificación de cada instancia

Parcial N°1 Se debe aprobar el 100% de las evaluaciones, con calificaciones
Septiembre 14 iguales o mayores a 6(seis) y un promedio de 7 (siete) . Las
calificaciones promediadas de evaluaciones parciales y trabajos
prácticos serán consideradas separadamente, no serán
A Exámenes promediables a los fines de la promoción. (Art 10).
Parciales Parcial N°2
Octubre 25 En el caso de no ser aprobado uno de los parciales, podrá ser
recuperado. La calificación que se obtenga sustituirá a las
obtenidas en la evaluación recuperada y deberá ser promediada
con las previamente obtenidas. (Art.16).
N° de Se debe aprobar el 80 % de los Trabajos Prácticos con
Prácticos calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo
5 cinco de 7 (siete) (Art.10)
T. Prácticos
En caso de no ser aprobado los trabajos Prácticos, podrán ser
B recuperados en un porcentaje de 33%. (Art 17).
Número de Son acreditadas como ejercicios de autoevaluación y
cuestionarios coevaluación (individual, grupal o en reuniones plenarias. Esta
4(ocho) última al finalizar cada unidad y antes de cualquier evaluación.
Cuestionario aproximadam
s (1) ente. Siendo Los docentes evaluaran las distintas instancias de este proceso
su resolución de aprendizaje resumiéndolo en una sola calificación, que será
de carácter incorporada a los ítems desempeño del estudiante.
obligatorio .
Seguimiento A partir de la información recogida y su posterior interpretación
sistemático, en relación con patrones de deseabilidad se evaluará al
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 12
continuo del estudiante concretándose en una sola calificación, que será
Desempeño estudiante acreditada a las calificaciones de los prácticos para su posterior
C del promedio. Queda la calificación final de los TP y del desempeño
estudiante del estudiante expresada de la siguiente manera: B+C / cantidad
de Prácticos.
Coloquio final La evaluación se fijara a fin del año lectivo, antes de la fecha de
Exigencias los exámenes finales .la cátedra deberá comunicar a la escuela
D extras de artes las correspondientes fechas y las listas de alumnos en
(2) condiciones de rendir. La promoción tendrá vigencia por el
semestre subsiguiente. Ver art 18.
Calificación
final CF= A + (B+C) / Cantidad de Prácticos + D
3
(1) Los cuestionarios tienen dos funciones. Por un lado sirven de guía orientativa para el análisis
reflexivo de los distintos TP, por el otro proporcionan herramientas pautadas para una lectura
comprensiva y analítica de la bibliografía provista por la cátedra.
(2) El coloquio final, según las disposiciones regladas por la FFyH, es una norma obligatoria para la
obtención de la condición promocional. Consta de un coloquio final donde el estudiante deberá
hacer manifiesto la relación de los conceptos estudiados y desarrollados en un proceso artístico
debidamente argumentado.
Caso 2 condición de Regular Respecto a la tabla que precede, en el régimen de alumnos

regulares se modifica, el nivel de las calificaciones según expresa las siguientes condiciones en el Art
20: Aprobar el 80% de los trabajos prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4(cuatro) y
aprobar el 80 % de los parciales con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Agrega el Art 21 Los
alumnos tienen derecho a recuperar el 25 % de la evaluaciones. En el caso de que el número de la
evaluación fuera igual o menos a 3 (tres) los alumnos tendrán derecho a recuperar al menos una de
ellas.
La regularidad según determina el Art 23 se extiende por el plazo de 3(tres) años, a partir de que
se deja constancia fehaciente de que el alumno accede a esa condición. Si la fecha de finalización de
ese período no coincidiera con la fecha del examen de la materia en cuestión, se extenderá hasta el
turno de exámenes subsiguiente.
Exámenes finales
Alumnos libres: El examen consta de una parte teórica que deberá aprobar con 4 (cuatro) como
nota mínima condición para realizar el práctico. Con igual criterio de calificación numeral. La parte
practica consiste en un proceso de tres láminas en base a una consigna de aplicación de los
contenidos de la materia.
Alumnos regulares: El examen consta de una sola instancia, con los contenidos del año cursado,
o puede optar por los contenidos desarrollados en clase del programa vigente
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 12
Siguiendo el mismo criterio, la cátedra traduce literalmente las normativas que propone el
régimen de alumnos reglamentado por la FFYH para la condición de alumno libre y vocacional.
ARTICULO 46º) Tanto para Exámenes Finales o Parciales, como para Trabajos Prácticos u otro tipo de
evaluaciones, se considerará la siguiente escala de calificaciones: 0 (cero) REPROBADO, menos de 4
(cuatro) INSUFICIENTE, 4 (cuatro) SUFICIENTE, 5 (cinco) y 6 (seis) BUENO, 7 (siete), 8 (ocho) y 9
(nueve) DISTINGUIDO, 10 (diez) SOBRESALIENTE.
Evaluación: Descripción de la propuesta de evaluación ajustada a la reglamentación vigente (

Régimen de alumnos y alumno trabajador en: http://www.artes.unc.edu.ar/sae/secretaria-de-
asuntos-estudiantiles#regalumnos
Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene (cuando corresponda. En los casos donde se
presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras debe incorporarse el siguiente
recuadro.
Planificación del semestre
LECTURAS INDICADAS (*) EVALUACIONES

UNIDAD
SEMANA ACTIVIDAD TEÓRICA ACTIVIDAD PRÁCTICA Fechas previstas para

Bibliografía (texto y capítulo) y/o
evaluaciones,
materiales adicionales
parciales y de
correspondientes a cada clase
seguimiento
Introducción a la Evaluación diagnóstica.
materia. Presentación de Cuestionarios para cuantificar La evaluación
los contenidos, los conocimientos que ha diagnóstica
modalidad de las clases, adquirido en 1 er año. realizada la primera
Modos de evaluación, Guia de preguntas sobre parte en grupo.
Sistema de promoción intereses particulares
y de regularidad. y Nociones sobre Visión II
1- Semana del 27 de Presentación de un
julio al 1de Agosto Power Point con obras Discusión en
de estudiantes de años plenario del
anteriores y resultado de la
presentación de la evaluación
asignatura en imágenes diagnóstica
Material subido a la
plataforma Moodle
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 12
1 Junker/Orden integral Específica
Presentación de un Junker, Hans Dieter La Practico Nº1
Power Point y Componer/fotografiar/dibujar reducción de la estructura Grupal
Desarrollo con Organizaciones compositivas estética. Un aspecto del arte
imágenes orgánicas. actual. Enher, H.K. et alt En: Cuestionario
representativas Miseria de la comunicación Grupal .
Presentación de mapas Guia de Trabajos Prácticos visual. Elementos para una Responder en clase
conceptuales Plataforma Moodle crítica de la industria de la Discusión plenaria
2- Semana del 02 al 07 Material subido a la conciencia. Colección
de Agosto plataforma Moodle Comunicación Visual. Editorial Practico Nº2
Gustavo Gili 1977 . Individual
Complementaria Entrega de Dibujos
Bürger, Peter (1974) La obra de de Estructura
arte Vanguardista . En teoría de Integral
la vanguardia Barcelona
península 1997. Pp111- 149.
Material subido a la plataforma
Moodle
1y2 Introducción de Cesía Pintura de Estructura integral Caivano & cía. Practico Nº 3
Cruce con Estructura Aplicando y complementando Bibliografía subida a la Presentación de la
integral con el marco teórico de Cesia plataforma Moodle . pintura
Presentación de un Se trata de diversas ponencias (superficie
Power Point y Guia de Trabajos Prácticos presentadas en congresos totalmente
3- Semana del 09 al 14 Desarrollo con Plataforma Moodle cubierta)
de Agosto imágenes
representativas
Presentación de mapas
conceptuales
plataforma Moodle
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 12
1y3 Junker/Estructuras Abstracción y transformación Junker, Hans Dieter La Practico Nº 4
aditivas y multimediales cromática de la composición reducción de la estructura Individual
Presentación de un Transformaciones estética. Un aspecto del arte Presentación de
Power Point y anobjetuales actual. Enher, H.K. et alt En: pintura integral /
Desarrollo con Miseria de la comunicación cesía finalizada
4- Semana del 16 al 21
imágenes Guia de Trabajos Prácticos visual. Elementos para una Cierre en plenario
de Agosto
representativas Plataforma Moodle crítica de la industria de la
Presentación de mapas conciencia. Colección
conceptuales Comunicación Visual. Editorial
Material subido a la Gustavo Gili 1977 .
plataforma Moodle
1 Moholy-Nagy Transferencia tridimensional Laszló Moholy – Nagy La nueva
Presentación de un visión principios básicos de la Practico Nº5
Power Point y Guia de Trabajos Prácticos Bauhaus Ediciones infinito Grupal
Desarrollo con Plataforma Moodle Buenos Aires primera edición Cuestionario
imágenes 1927 cuarta edición 1997 Grupal .
representativas introducción pp 7 / 19, volumen Responder en clase
Presentación de mapas (escultura) pp 67 – 82 Discusión plenaria
conceptuales Material subido a la plataforma
Relaciones y contrastes Moodle Practico Nº 6
entre los conceptos de Individual
de Agosto
Junker Reducción de la Presentación de los
estructura integral y el dibujos de
arte anobjetal y el reducción de
formalismo de la estructura integral
Bauhaus. al arte anobjetal
Material subido a la Y su contraste con
plataforma Moodle el formalismo de
LML
Clase centrada Entrega de todos los prácticos Evaluación de

6- Semana del 30
resolución de todos los trabajos
Agosto al 4
Problemas teóricos y relacionados
Septiembre
prácticos
7- Semana del 6 al 11 Parcial
de Septiembre
1y2 Entrega de parciales . Proceso de producción sobre Wong, Wucius Fundamentos del Practico Nº7
Clase grupal de una matriz. diseño GG. Diseño- 1° edición Individual
Resolución de Trasferencia al espacio 9° tirada, 2008.
problemas. tridimensional en artefactos Complementaria Presentación de
Introducción de Wong, blanco opaco mate ( nociones Krauss, Rosalind La originalidad dibujos / sistemas
sistemas modulares . de síntesis Aditiva) de la vanguardia y otros mitos modulares. Proceso
Presentación de un modernos editorial Alianza de producción
Power Point y Guia de Trabajos Prácticos Forma 1985 pp 165- 206 subsumido al
Desarrollo con Plataforma Moodle concepto de matriz
de septiembre
imágenes Material subido a la plataforma y ley de
representativas Moodle crecimiento
conceptuales
plataforma Moodle
Semana de exámenes
El problema de la Transferencia tridimensional Practico Nº8

retícula (tiempo y de matriz. Ley de crecimiento Individual
espacio) Relaciones con / traslación , rotación Presentación
Wong avance de sistema
Presentación de un modular
Power Point y
Desarrollo con
imágenes
de Octubre
representativas
conceptuales
plataforma Moodle
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 12
1,2 Relaciones entre Fotografía en laboratorio Küppers, Harald Fundamentos Practico Nº 8
estructuras de la teoría de los colores grupal
multimediales , Guia de Trabajos Prácticos Ediciones G Gili primera edición Cuestionario Wong
anamorfosis Plataforma Moodle 1980, cuarta edición 1992 pp Krauss
cronotópica y color luz
10- Semana del 4 al
Arlindo Machado concepto de Practico Nº9
09 de Octubre
anamorfosis cronotópica Individual
Presentación final
de sistema modular
11 Semana del 11 al Recuperatorio

16 de Octubre
4 Entrega de parciales . Construcción, ensamblaje, Junker, Hans Dieter La Practico Nº 10
Clase grupal de collage, ready made reducción de la estructura Grupal
Resolución de estética. Un aspecto del arte Estructuras
problemas. Selección de artefactos de la actual. Enher, H.K. et alt En: multimediales
realidad predada Miseria de la comunicación
12- Semana del 18 al
Estructuras de Montaje visual. Elementos para una
23 de octubre
Guia de Trabajos Prácticos crítica de la industria de la
Plataforma Moodle conciencia. Colección
Comunicación Visual. Editorial
Gustavo Gili 1977 .
13- Semana del 24 al Plenario Cierre en grupo con ppt y

29 exposición de los estudiantes
14- Semana del 1 al 5 Cierre lectivo Evaluación final y

de Noviembre plenario síntesis de
la asignatura .
15 Semana del 8 a l 13 Firma de libretas
de noviembre

montaje de obras deberán respetar las normas de seguridad e higiene. No se
pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos, escaleras de
emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas, emergencias, ingreso,
etc). Los espacios de tránsito de uso común deberán contar con las indicaciones
pertinentes si interrumpen el paso.
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben hacerse a la Dirección
del Departamento de Artes Visuales y deben tener el aval del docente
responsable.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad deberá
contar con el aval de la Dirección del Departamento.
IF-2022-00334190-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 12

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2008 - Visión II

Date: 2022.05.09 12:52:23 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 12:52:29 -03'00'
______________________________
Departamento Académico: Artes Visuales.
Carrera/s: Visuales PLAN 2014
Asignatura: DIBUJO II - espacio curricular teórico-práctico procesual, CUATRIMESTRAL.
Equipo Docente:
Profesor Titular Dedicación exclusiva: Lic. Pablo González Padilla.
Profesora Adjunta semi-dedicada: Dra. Cecilia Irazusta.
Profesora Asistente semi-dedicada: Dra. Fabiola De la Precilla.
Profesora Asistente simple: Mgter María Dolores Otero Gruer.
Ayudantes Alumnos: Melina Koch
Francisco Menardi
Comisión mañana: Jueves, Viernes de 8:30 a 12:30 hs
Comisión tarde: Martes, Miércoles de 17 a 21 hs.
Consultas extra áulicas concertar por aula virtual
http://aulavirtual.artes.unc.edu.ar/course/view.php?id=310
____
PROGRAMA
“Cualquier lenguaje aprendido siempre tiene una tendencia a cerrar, a perder su poder
significante originario. Cuando esto ocurre ese lenguaje puede dirigirse directamente hacia la
mente cultivada, pero entonces elude el “estar-ahí” de las cosas y los eventos.
“Palabras, palabras, meras palabras, aunque provengan del corazón”

(...)
La hechura de imágenes comienza con la interrogación de las apariencias y haciendo marcas.
Todo artista descubre que dibujar –cuando es una actividad apremiante– es un proceso de
dos direcciones. Dibujar no es sólo medir y bosquejar; es también recibir. Cuando la intensidad
del mirar alcanza cierto umbral, nos volvemos conscientes de una energía intensa equivalente
que viene hacia nosotros a través de la apariencia de aquello que estamos escudriñando, sea
lo que ello fuere. El trabajo de la vida de Giacometti es una demostración de esto.
El encuentro de estas dos energías, su diálogo, no adquiere la forma de la pregunta y la
respuesta. Se trata de un diálogo feroz e inarticulado. Mantenerlo requiere fe. Es como
horadar en la oscuridad, una perforación bajo lo aparente. Las grandes imágenes surgen
cuando los dos túneles se encuentran y se unen perfectamente. Algunas veces, cuando el
diálogo es vivaz, casi instantáneo, es como algo lanzado y vuelto a tomar.
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 9
John Berger 1
Fundamentación:
El objetivo de este espacio, principalmente, el profundizar la mirada crítica sobre los
argumentos naturalizadas en nuestra cultura académica que considera al dibujo como
práctica estructurante en todo proceso de enseñanza- aprendizaje artística y portador de un
conocimiento necesario para llevar a cabo cualquier procedimiento de representación.
Es así como la cátedra, Dibujo II, se propone, dentro del Ciclo Básico de la carrera, continuar
el proceso que comenzó en Dibujo I, con la profunda revisión crítica de esos presupuestos,
sobreentendidos históricos culturales.
Representación mimética-realista y Dibujo eficaz conformarían los principales supuestos
culturales a partir de los cuales se va a problematizar la idea de Representación y de Dibujo.
Pensamos la Representación como dispositivo de dos dimensiones: dimensión “transitiva” o
transparente del enunciado (representa algo) y dimensión “reflexiva” u opacidad enunciativa
(se presenta representando algo)2.
Así, la revisión que proponemos es desde una instrumentación reflexiva que permita al
alumno apropiarse de herramientas conceptuales, técnico - procedimentales del dibujo para
el abordaje de una representación que definiríamos como Naturalista/Realista; a la vez que se
pondrá en tensión lo que estas nominaciones significaron y significan para nuestra cultura
visual. Para ello se contextualizará lo así nombrado históricamente desde el siglo XIX, las
vanguardias y pos-vanguardias principalmente.
Somos conscientes de la complejidad de dichas nominaciones, más teniendo en cuenta las

tensiones de las diversas miradas históricas y filosóficas. Por ello se recurrirá a ejemplos
paradigmáticos dentro de lo denominado arte moderno y contemporáneo, que permitan
situar, interpelar y adecuar el abordaje de estas a la materia.
Pensar sobre la representación “realista” y cuestionar el “dibujo eficaz" es un modo también

de sintetizar los diversos aspectos y contenidos que están presentes en la producción artística.
Dado que la misma es compleja y que el abordaje de un contenido no puede ser pensado de
un modo aislado, el programa se organiza en dos módulos que contienen diferentes ejes. Estos
ejes se explicitan por separado para su mejor comprensión, pero en la práctica se articulan de
un modo progresivo, acentuándose alguno de ellos de modo particular.
2- Objetivos
● Cuestionar los conceptos de dibujo eficaz, representación mimética
naturalista/realista.
● Profundizar en los procesos de observación y representación gráfica bidimensional.
1 John Berger, Un secreto profesional Traducción Christian Ferrer. Publicado en New Societyel 18 de diciembre de 1987.
http://www.elinterpretador.net/29JohnBerger-UnSecretoProfesional-TraduccionChristianFerrer.html
2
Chartier “Poderes y límites de la representación” p80. En escribir las prácticas.
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 9
● Ahondar en la instrumentación de herramientas técnico-formales para el abordaje de la
representación mimética, analítica descriptiva, aparencial narrativa.
● Reconocer particularidades, especificidades del dibujo como disciplina artística
autónoma y de proyectación.
● Adecuar la relación ideación - materialización.
● Adquirir herramientas teóricas de análisis y críticas sobre su producción.
● Desarrollar criterios de autoevaluación.
● Desarrollar capacidades y habilidades para la elaboración de un proyecto personal,
valorando los procesos de ideación, experimentación, formalización, argumentación y
presentación.
● Adquirir normas y medidas de seguridad e higiene de trabajo en el taller.
Unidad 1.
Lo ANALÍLITICO DESCRIPTIVO.
Objetivos específicos
● Reflexionar acerca de los conceptos de representación y mímesis según modelos
históricos artísticos-culturales desde el dibujo analítico–descriptivo.
● Consolidar herramientas prácticas-teóricas y adquirir nuevas para indagar sobre el
proceso de observación – comprensión –dibujo descriptivo: métodos, aplicaciones
metodológicas, análisis de la forma y la estructura.
● Comprender y problematizar la relación forma-espacio de baja complejidad y alta
complejidad a partir del dibujo lineal y de tratamiento de planos valorizados
● Reforzar criterios de abordajes gráficos a partir de procesos de diversos artistas.
● Aplicar las técnicas secas: grafito y barra semigrasa en dibujos lineales y con tratamiento
de planos valorizados.
Contenidos / Núcleos temáticos
HERÁCLITO. c) El contenido del lógos. LA INVENCIÓN DE LA FILOSOFÍA. UNA INTRODUCCIÓN A LA

FILOSOFÍA ANTIGUA. Néstor Luis Cordero.
[...].
[...]. “Los hombres se dejan engañar en el conocimiento de las cosas aparentes” (fr. 56). En efecto:
¿qué es lo aparente? Multiplicidades aisladas. ¿Qué es lo oculto? La unidad de esas multiplicidades,
que, al unificarse, constituyen entidades dinámicas, pero no fluyentes. La unidad de la multiplicidad
es el lógos que une los componentes y determina la estructura, que transforma los datos sensibles
en “objetos”. Pero ¿cómo pueden coincidir la unidad y la multiplicidad, si son opuestas? El problema
no es tal. En lógica, un género, por ejemplo, que se enuncia con un singular (“árbol”, por ejemplo),
abarca una multiplicidad de individuos (todos los árboles). En este caso, la unión de la multiplicidad
se lleva a cabo en función de las semejanzas que hay entre los individuos. Heráclito razona
exactamente al revés: la unión se lleva a cabo en función de las diferencias, y cuanto más diferentes
son los componentes, más sólida es la unión: “la armonía más bella [surge] de las cosas diferentes”
(fr. 8).
Dibujo, representación y mimesis: criterios analíticos descriptivos

Nos preguntamos por la Forma y la estructura: la idealidad, lo modélico-canónico, la
verosimilitud.
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 9
Estrategias gráfico-plásticas que apelan a métodos analíticos constructivos junto con una
observación razonada y sensible; aplicando diferentes herramientas gráficas y elementos de
la formalización de la imagen.
Modelos históricos artísticos-culturales de la representación de la figura humana. Axiología
cartesiana.
Los métodos de análisis y de construcción aplicados a formas complejas: geometrización,
encaje, grilla, emblocado, líneas de relieve: geodésicas/anillado/transcontorno.
Relación entre modelos históricos y métodos.
Relaciones cuantitativas.
Correspondencias entre forma y espacio.
Construcción analítica descriptiva a partir de la luz y la sombra: mapas de sombras, la propias
y arrojadas. La construcción del volumen desde lo gráfico.
Adecuación del lenguaje y de las técnicas secas (grafito y barra semigrasa).
Dibujo lineal y tratamiento de planos valorizados.
Los marcos referenciales serán dibujos ejemplares de modelos históricos artísticos-culturales
de la representación de la figura humana.
Temas:
Figura humana: carácter mecanicista.
Figura humana y objetos/ espacio interior, “Figura humana instalada”.
Lo informe.
Unidad 2.
Lo APARENCIAL NARRATIVO.
● Reflexionar acerca de los conceptos de representación y mímesis desde el dibujo
aparencial –narrativo.
● Comprender y problematizar la relación entre dibujo, lenguaje; representación y
narración.
● Aplicar estrategias narrativas que habiliten procesos de objetivación subjetivación de lo
observado.
● Comprender la construcción compleja de las formas y las relaciones a partir de los
tratamientos de planos valorizados.
● Reforzar criterios de abordajes gráficos a partir de diversos artistas y autores.
● Aplicar técnicas secas (grafito y semigrasa) y húmedas (tinta) en dibujos aparenciales-
narrativos, tratamiento de planos valorizados: lo pictórico.

CINCO MEDITACIONES SOBRE LA BELLEZA. François Cheng.
Primera meditación.
..................................
Me presento más bien como un fenomenólogo un poco ingenuo, que observa e interroga no sólo los
datos ya conocidos y acotados por la razón, sino lo que está oculto e implicado, lo que surge de
manera imprevista e inesperada, lo que se manifiesta como don y como promesa. No ignoro que,
en el orden de la materia, se puede y se debe establecer teoremas; en cambio sé que, en el orden de
la vida, conviene aprender a captar los fenómenos que advienen, singulares cada vez, cuando éstos
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 9
resultan ir en el sentido de la Vía, es decir de la vida abierta. Aparte de mis reflexiones, el trabajo que
debo llevar a cabo consiste más bien en ahondar en mí la capacidad receptiva.
Dibujo, representación y mimesis: criterios aparenciales-narrativos.

Nos preguntamos sobre la apariencia, lo narrativo.
Lo perceptual, lo empírico, la subjetividad.
Relaciones contextuales. Lo narrativo, el relato, el lenguaje.
El cuerpo: situado, observado, subjetivado.
Campo visual, Composición- escena: relaciones espaciales y formales simples y complejas.
Diedro-triedro. Formato. Encuadre. Puntos de vista. Espacio interior y exterior.
El relato: proceso unificador-reduplicador.
Para ello pondremos en juego una serie de estrategias gráfico-plásticas, diferentes abordajes
gráficos, técnicos procedimentales; adquiriendo el lenguaje protagonismo, y elementos de la
formalización de la imagen o del dispositivo de representación.
Relaciones cualitativas.
Los marcos referenciales serán dibujos ejemplares de modelos históricos artísticos-culturales
de la representación del cuerpo y el objeto con clara intención de construir relatos
subjetivados.
La mancha. Técnicas secas y húmedas.
Temas
Cuerpo, situado.
Unidad 3.
PROYECTO PROCESO.
● Profundizar en la problemática representación - lenguaje. Identificar elementos que
hacen al problema.
● Problematizar la relación entre ideación materialización.
● Identificar estrategias para la construcción de sentido:

a) diferentes criterios de abordajes gráficos (Rocca),
b) tematización,
c) exploración técnica
d) criterios de representación
e) criterios compositivos: la escena
● Indagar sobre estrategias de configuración (el qué, el cómo).
● Adecuación materialización-ideación a través de la experimentación del lenguaje y sus
medios técnicos procedimentales.
● Concientizar la intención de la poética de la obra a través de la explicitación de los criterios
utilizados.
● Relacionar la producción gráfica con un contexto histórico (explicitación de referentes
históricos).
● Sistematizar el registro de un proceso de producción (libro bitácora, gráfico, foto, etc.).
● Reconocer diferentes etapas o momentos del proceso.
● Adquirir herramientas para el análisis y posterior explicitación del proceso.
● Reflexionar sobre la poética en la obra gráfica plástica.
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 9
Los procesos del dibujo. EL DIBUJO DEL NATURAL. EN LA ÉPOCA DE LA POSACADEMIA.
Ramón Díaz Padilla.
La idea de que «dibujar es un proceso» es una tautología, una redundancia, porque «nada podía
parecer más obvio que el modo en el cual el dibujo registra el proceso del quehacer del artista»3. El
«hacer» en el dibujo del natural lleva consigo ponerse en disposición de recibir los estímulos del
modelo exterior, permitiendo las fluctuaciones de pensamientos e imágenes que esta actitud
provoca. Se trata de poner en acción los sentidos para conjugar lo percibido con la mirada interior,
otorgando sentido a lo visto; una conjunción entre las percepciones y los vínculos emocionales e
intuitivos que se originan, permitiendo tomar conciencia de la propia individualidad y los lazos que se
estables como alianza con la realidad [el mundo].
Todo este proceso inicial adquiere sentido por la voluntad de «hacer», de proyectar gráficamente el
conjunto de ideas, emociones, intuiciones y reflexiones, aunque en este estadio se presenten de
manera sumamente vaga y difusa (no se sabe qué va a ocurrir realmente). La intención de hacer, el
complejo momento del comienzo de la representación, está orientada esencialmente por dos
iniciativas que dirigen la acción: la especulación y la corrección. La primera se define por el tanteo, la
proposición de hipótesis, los ensayos [los balbuceos...]; la segunda, por la verificación, la corrección,
la reformulación e, incluso, la anulación (borrados, tachados) de aquellos trazos que no se ajustan a
las expectativas previstas. Las dos son actividades exploratorias, organizadoras, [...].
Eje: El problema del sentido. Estrategias metodológicas de configuración.

Representación y lenguaje: ideación – materialización, construcción de sentido.
Producción gráfica como proceso de significación.

Experimentación: Técnicas y procedimientos.
Procedimientos diversos. Técnicas mixtas, collage. Características y cualidades de los
materiales. Diversos soportes.
Procesos y estrategias de configuración. Relación materia-intención. Criterios de análisis.
La inadecuación. Referentes históricos.
Tematización:
De la Figura humana - Cuerpo. El Cuerpo en situación.
Retrato-Autorretrato.

Proceso de significación a partir de un proceso de producción gráfica.
Ideación, exploración, indagación,
Trabajo por proyecto/proceso: Desarrollo de experiencia técnico procedimental, de
configuración y conceptualización de la producción; la obra como proceso de significación.
Libro de bitácora. Registros – Memoria – Informes.
3
Laura Hoptman, Drawing Now. Eight Propositions, Nueva York, The Museum of Modern Art, 2003, p. 12.
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 9
Relaciones contextuales de la obra: la presentación de la obra.
Tematización
Cuerpo situado.
BIBLIOGRAFÍA
Conceptualización del dibujo y de la representación.
GARCÍA MARTÍNEZ. J.A, Arte y pensamiento en el siglo XX, 1973, EUDEBA.
GOMBRICH, Ernst, 1979, Arte e ilusión, Estudio sobre la psicología de la representación
pictórica, Trad. Gabriel Ferrater, España, Gustavo Gili (Arte), 394, Il. Art and ilusion. A study
in the psychology of pictorial representation, Phaidon Press, 1959
GOMEZ MOLINA, Juan José (coord.), 1995, Las lecciones del dibujo, Madrid, Cátedra (Arte,
Grandes temas), 618 CAPÍTULO I: EL CONCEPTO DEL DIBUJO
GOMEZ MOLINA, Juan José (coord.), 1999, Las estrategias del dibujo en el arte
contemporáneo, Madrid, Cátedra, 662 INTRODUCCIÓN
GOMEZ MOLINA, Juan José (Coord.), 2005, Los nombres del dibujo. Madrid, Cátedra.
RAMÍREZ, Juan Antonio, 2003, Corpus Solus. Para un mapa del cuerpo en el arte
contemporáneo. España, Siruela.
Ampliatoria:
SCHAITH Nelly, Los códigos de la percepción del saber y de la representación en una cultura
visual, Revista typográfica Nº4 Ed. Typográfica. Bs.As. pág. 26 a 29
TATARKIEWICZ, W. (1997 6ª*) Historia de seis ideas. Arte, belleza, forma, creatividad,
mímesis, experiencia estética. Tecnos (metrópolis)
ACHA, Juan, 1999, Teoría del dibujo, Su sociología y su estética, Recopilación M.ª Cristina
González Tejada, México, Coyoacán (Diálogo Abierto), 151
ESCOBAR, Ticio, Imagen e intemperie. Las tribulaciones del arte en los tiempos del mercado
total, Capital intelectual, 2015.
Métodos y Técnicas
GOMEZ MOLINA, Juan José, CABEZAS, L. y BORDES, J. 2001, El manual de dibujo. Estrategias
de su enseñanza en el siglo XX, Madrid, Cátedra (Arte, Grandes temas), 654 SEGUNDA PARTE;
EL MANUAL CONTEMPORANEO: I la construcción de la escena.
GOMEZ MOLINA, Juan José (coord.), 1999, Las estrategias del dibujo en el arte
contemporáneo, Madrid, Cátedra, 662 INTRODUCCIÓN
CHING, Francis D.K. con Steven P. Juroszek, 1999, Dibujo y Proyecto, Trad. Santiago. España,
Gustavo Gili,
DÍAZ PADILLA, Ramón. El dibujo del Natural en la época de la postacademia. Madrid, AKA
(Bellas Artes)
ROCCA, Cristina, 1991, Hacia una teoría del Dibujo. El caso Venezolano (1970-1986), Mérida,
Coed. Universidad de los Andes y otros (Col. Ciencias humanísticas, Arte)100, Il.
Ampliatoria:
AUMNOT, JACQUES, 2001, La estética hoy, Madrid, Cátedra (signo e imagen), 332
Castán, México G. Gilli, 345. Il. Desingdrawing, Van Nostradam Reimhold. 1998.
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 9
GÜNTER, Hugo Magnus, 1982, Manual para dibujantes e ilustradores, una guía para el trabajo
práctico. Trad. Ángel Repáraz Andrés, España, Gustavo Gili, (GG Diseño, Director. Yves
Zimmermann) 257 1980, DuMont'sHandbuchfürGrafiker, Dumont Buchverlag, Colonia
TABOADA, Guillermo (dir), 1983, Dibujantes argentinos del Siglo XX, Buenos Aires, Centro
Editor de América Latina.
EDWARDS, Betty, 1994, Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro (3ª), Trad. Amelia
Brito A., Barcelona, Urano, 271. 1989, Drawing on the right side of the brain, J.P.Tarcher.
3- Propuesta metodológica: TEÓRICO-PRÁCTICO PROCESUAL.

Se trabajará a partir de una metodología de taller
Clases expositivas dialogadas.
Trabajos prácticos guiados.
Lecturas reflexivas aplicadas.
Foro: debate grupal sobre el proceso realizado. Conversatorio.
4- Evaluación:
2 instancias evaluativas parciales.
1 instancia de recuperación.
1 instancia integradora final obligatoria.
Evaluación: cualitativa y cuantitativa
Se evaluará el proceso de trabajos prácticos desarrollado durante el cuatrimestre, dos
instancias parciales, un recuperatorio. Los alumnos en condición promocional presentarán a
modo de coloquio un proceso personal final.
Se evaluará la adecuación de los procesos al módulo pertinente tanto cualitativa como
cuantitativamente teniendo en cuenta aspectos tales como
▪ experimentación
▪ comprensión de los contenidos
▪ búsqueda técnico conceptual (idea, sentido)
▪ nivel de problematización,
▪ adecuación de un criterio explicitado a la representación,
▪ presentación.
▪ coherencia y pertinencia de la terminología en la exposición verbal
Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres:

Buscar siguiendo los link: secretarías; académica; reglamentaciones.
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&utm
_medium=phpList&utm_content=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3A%3A+R%C
3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA+
Alumnos regulares
Trabajos prácticos: totalidad trabajos prácticos.
Alumnos Promocionales.
Trabajos prácticos.
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 9
Coloquio. Los alumnos que estén en condiciones de promocionar presentarán un proceso de
producción gráfico donde se pondrán en juego los conocimientos alcanzados.
El proceso constará de una serie de trabajos y un informe donde se expliciten criterios,
conceptos y estrategias técnicas procedimentales, desarrolladas.
EXAMEN DE ALUMNO REGULAR Y LIBRE.

El examen consta de dos instancias.
1- Trabajo en el taller, desarrollo de proceso gráfico con modelo.
Contenidos del programa.
2- Desarrollo de Proyecto-Proceso, Módulo II del programa.
Se lleva a cabo durante la semana de exámenes (5 días aproximadamente).
deberán respetar las normas de seguridad e higiene. No se pueden utilizar los
espacios: escaleras, ascensor, techos, escaleras de emergencia, como así también obstruir
puertas (oficinas, emergencias, ingreso, etc.). Los espacios de tránsito de uso común deberán
contar con las indicaciones pertinentes si interrumpen el paso.
montaje (cintas, tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde
han sido retirados.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad deberá contar con el aval de
la Dirección del Departamento.
Desarrollo módulo 1: agosto-setiembre.
1° Parcial
Desarrollo módulo 2: setiembre-octubre.
2° Parcial
RECUPERATORIO
Desarrollo módulo 3: octubre-noviembre
IF-2022-00334420-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 9

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2009 - Dibujo II

Date: 2022.05.09 13:13:45 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:16:06 -03'00'

Carrera/s: LICENCIATURA EN ARTES VISUALES - PLAN 2014
Asignatura: ESCULTURA II
Año Curricular: Segundo año de la carrera
Equipo Docente:
- Turno Mañana
Prof. Titular - turno mañana: Olga Argañaraz
(Juan Der Hairabedian - en licencia por largo tratamiento)
Prof. Asistente: Judith Mori
Santiago Krause
Sol Carranza Sieber
Adscriptxs: (aún sin definir debido Aislamiento Social Obligatorio)
Ayudantes Alumnxs: (aún sin definir por Aislamiento Social Obligatorio)
- Turno Tarde
Prof. Adjuntx - turno tarde: Verónica Silvina Cuello
Prof. Asistente: Magui Lucero
Sofía Menoyo
Victoria Gatica
Adscriptxs: (sin definir por Aislamiento Social Obligatorio)
Ayudantes Alumnxs: Juliana Troncoso (otros sin definir debido a A.S.O.)
Turno mañana: martes de 8:30 a 11. Jueves de 8:30 a 13 Hs.
Turno tarde: jueves y viernes de 17 a 21 Hs.
Atención de estudiantes: media hora posterior a clases y/o vía electrónica
(acordar con le docente para evitar superposición)
PROGRAMA
1. FUNDAMENTACIÓN / ENFOQUE / PRESENTACIÓN

Esta asignatura se desarrolla en un cuatrimestre y tiene en cuenta los contenidos propuestos
en el plan vigente 2014, en relación con las materias de segundo año, en nivel horizontal, y
con las asignaturas Escultura I (1er año), Procesos de producción y análisis I y II (3er y 4to
año) a nivel vertical. Busca alcanzar desde la perspectiva del plan de estudio de las Artes
Visuales en el propósito de formar profesionales capaces de pensar creativamente y de
vincularse activamente con la sociedad y su contexto cultural contemporáneo.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 14
El impulso del programa toma como marco de referencia a una educación tanto
personalizada como de grupos para alcanzar un aprendizaje permanente, propiciando que le
estudiante desarrolle una actitud reflexiva, crítica y creativa frente a su producción.
Metodológicamente, al tratarse de una materia teórico-práctico, las producciones que
realicen les estudiantes, se abordarán desde la perspectiva de los dispositivos visuales, con
énfasis en sus relaciones de material, espacio, tiempo, forma, contexto y procedimiento
(sintaxis, semántica y pragmática) de la configuración tridimensional o en la tridimensión.
Se tendrán presente conceptos y estrategias que le posibiliten al estudiante proponer
producciones relativas a la producción escultórica y en relación a la situación cultural del
arte actual, asimismo atento a las referencias históricas.
En el proceso de enseñanza-aprendizaje se abordarán materiales, herramientas y recursos
acordes a técnicas y procedimientos en función a los contenidos de cada Unidad del
programa. En cada caso se abordarán desafíos procedimientales, formales y semánticos
propios a cada modo de producción y a sus relaciones contextuales.
Específicamente referido a la idea de técnica, haremos un recorrido que nos conduzca a
abandonar el pensamiento instrumental que tenemos de dicho concepto, para conducirnos
hacia un suceder creativo y formativo del mismo. Todo ello acompañado de la
conceptualización de lo realizado como una forma de comprender reflexivamente los
procedimientos y prácticas desarrolladas en la tridimensión.
2. OBJETIVOS GENERALES
a. Desarrollar destrezas y procedimientos que posibiliten materializar ideas plásticas en
la tridimensión.
b. Reconocer relaciones materiales, formales, espaciales, temporales y simbólicas en la
producción escultórica.
c. Comprender, a través de una mudanza gradual, el concepto de técnica entendida
como desarrollo creativo y formativo, en contraposición a un concepto de medio
meramente instrumental.
d. Abordar la construcción de marcos conceptuales que promuevan la reflexión crítica
aplicable tanto al desarrollo, como a la valoración de la producción escultórica –
incluida la propia del estudiante–.
e. Adquirir léxico específico respecto a los procedimientos y las problemáticas
escultóricas abordadas y aplicándolo oportunamente.
f. Adquirir hábitos de seguridad en el manejo de las herramientas a utilizar en el taller.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 14
3. CONTENIDOS / NÚCLEOS TEMÁTICOS / UNIDADES
UNIDAD 1. Procedimientos de reproducción escultórica.
U1.A. OBJETIVOS ESPECÍFICOS

a. Adquirir conocimientos técnicos específicos para la realización de reproducciones
escultóricas (moldes y vaciados).
b. Comprender particularidades de los diferentes tipos de moldes.
c. Reconocer el comportamiento de materiales involucrados en los procedimientos de
reproducción, logrando resoluciones técnicas acordes a los fines propuestos.
d. Ensayar la producción de formas a partir de la reproducción con moldes
preexistentes en lo cotidiano y experimentando con el azar.
e. Conceptualizar los usos artísticos contemporáneos de los procedimientos de
reproducción escultórica.
f. Atender la organización y limpieza del taller.
U1.B. CONTENIDOS
– Características procedimentales de moldes rígidos: materiales, herramientas,
desarrollo técnico, usos.
– Características procedimentales de moldes flexibles. Materiales, herramientas,
desarrollo técnico, usos.
– Procedimientos de vaciado acorde a cada tipo de molde. Comportamiento de
materiales. Realización y práctica.
– Restauración y acabado de copias.
– Producción de formas a partir de vaciados con moldes preexistentes. Aplicación del
azar. Revalorización objetual del molde utilizado.
– Conceptualización. Usos de la reproducción escultórica en el arte contemporáneo.
– Ejercicios de análisis e interpretación de piezas escultóricas contemporáneas que
incorporan técnicas de reproducción.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 14
U1.C. ACTIVIDADES
Trabajos prácticos:
– TP1: Elaboración de un molde rígido de dos taceles a partir de un modelado en
arcilla. Reproducción única (molde perdido). Vaciado en cemento. Acabado y
restauración de copia.
– TP2: Elaboración de un molde flexible de dos taceles a partir de un objeto simple
cotidiano. Reproducción múltiple. Vaciado en yeso. Acabado y restauración de
copias.
– TP3: Experimentación y (re)producción de formas a partir de moldes preexistentes
(rígidos y flexibles) encontrados y/o modificados. Uso del azar. Vaciado en yeso.
Copias e incrustaciones. Revalorización objetual del molde utilizado (revalorización
del desecho como forma significante).
Puestas en común, conceptualización y análisis de trabajos prácticos realizados.
Parcial Nº 1:
Entrega de:
A. copia en cemento (molde perdido, copia única);
B. molde de silicona y contarmolde de yeso (molde flexible) junto al objeto original;
3 copias realizadas en yeso con buena fidelidad de reproducción (buen acabado) y también
incluir copias no bien logradas (podremos observar y valorar en ellas cuál fue el motivo de
fallo en la reproducción);
C. copias experimentales vaciados en yeso de moldes preexistentes (apropiación de objetos
que hacen de moldes para la realización de vaciados) mínimo de:
2 copias de moldes preexistentes rígidos;
2 copias de moldes preexistentes flexibles;
2 copia de moldes preexistentes con inclusiones.
Es decir mínimo de copias de 6 moldes preexistentes diferentes uno de otros. También llevar
moldes (estén parcialmente destruidos o no).
Aclaración: la cátedra se reserva la posibilidad de realizar cambios sobre pautas, especificaciones y

criterios, comunicándolo con antelación a su inicio acorde a las circunstancias del cursado.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 14
UNIDAD 2. El objeto y su relación contextual. Objeto artístico.
U2.A. OBJETIVOS ESPECÍFICOS

a. Descubrir las particularidades de un objeto industrializado y sus posibilidades de
transformación en objeto artístico.
b. Comprender particularidades y aproximarse a posibles definiciones de objeto
industrializado y objeto artístico, a través de un trabajo de reflexión desde la
bibliografía específica y las experiencias realizadas en taller.
c. Desarrollar habilidades técnicas de selección, vinculación sintáctica y unión física de
objetos o de sus partes, en vistas a la realización de un nuevo objeto re-semantizado.
d. Distinguir diferencias procedimentales e implicancias existentes entre
representación/presentación.
e. Comprometerse en la tarea propuesta en el laboratorio de uniones.
U2.B. CONTENIDOS
– Etimología y características del objeto industrializado y del objeto artístico.
Obsolescencia del objeto. El desecho.
– Cambio de paradigma procedimental en el arte. Fragmento y alegoría.
– Selección y re-contextualización como procedimientos. Re-semantización.
– Laboratorio técnico de unión de dos objetos. Ordenamientos espaciales y tipos de
uniones.
– El arte objetual. Variables operatorias y espaciales en la clasificación porpuesta por A.
Giunta: Objetos presentados, Objetos modificados, Objetos-construcciones, Cuadro-
objeto, Objeto-caja.
– Realización de Objeto modificado.
U2.C. ACTIVIDADES
– TP4: Laboratorio de uniones. Ejercitar diferentes tipos de uniones (fijas y
desmontables) practicando distintos modos de ordenamiento espacial y atendiendo
la materialidad de los objetos a vincular.
– TP4-B: Ejercicio literario de títulos mediante métodos asociativos.
– TP5: Objeto artístico. Realización de dos (2) objetos modificados asociando dos o tres
objetos para cada uno y proposición de un título. Trabajo escrito en relación a la
bibliografía de la Unidad.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 14
– TP6. Registro fotográfico de objetos, realizando una práctica sencilla de fotografía
digital de estudio, con fondo infinito. Entrega digital on-line.
Parcial Nº 2:
Entrega de:
A. dos (2) trabajos de objeto modificado y respectivos títulos.
B. Escrito en relación a la bibliografía de la Unidad.

UNIDAD 3. Prácticas en el espacio.
U3.1. OBJETIVOS ESPECÍFICOS

a. entrenar el aparato perceptivo respecto a un espacio contextual y sus relaciones con
el cuerpo humano;
b. realizar ejercicios prácticos y proyectuales que nos aproximen a prácticas artísticas
en el espacio;
c. reconocer cualidades de escala espacial respecto al cuerpo humano (entre objeto y
monumento);
d. reconocer prácticas artísticas realizadas en el campo expandido de la escultura y sus
derivaciones contemporáneas;
e. distinguir dispositivos espaciales de exhibición tridimensional y sus implicancias
poético-políticas.
f. reflexionar acerca de los ejercicios desarrollados relacionando teoría y práctica.
U3.2. CONTENIDOS
– Cualidades de escala respecto al cuerpo humano. Entre el objeto y el monumento.
– Alteración y ordenamiento espacial. Ejercicios grupales. Análisis y reflexión.
– Escultura y prácticas artísticas en el campo expandido.
– Intervenciones espaciales de sitio específico. Representaciones proyectuales.
– Dispositivos espaciales de exhibición tridimensional. Implicancias poético-políticas.
– Práctica expositiva grupal.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 14
U3.3. ACTIVIDADES
– TP7. Ensayo grupal de alteración/ordenamiento espacial a partir del espacio y
elementos del aula-taller, tomando en cuenta las relaciones de posición, escala,
extensión y proporción, densidad de masa/espacio, participación del cuerpo del
receptor. Grupal.
– TP8. Propuesta de intervención espacial. A partir de la técnica de deriva, recorrer,
percibir, registrar. Representar proyectualmente una intervención espacial de sitio
específico. Entrega presencial y digital on-line. Instancia grupal e individual.
– TP9. Resumen de contenidos de la materia. Redacción de epígrafes en vistas a una
exposición. Grupal.
Parcial Nº 3
Entrega de:
A. Representación proyectual de intervención espacial de sitio específico. Presencial y digital
on-line.

4. BIBLIOGRAFÍA OBLIGATORIA
UNIDAD 1.
– AAVV (2009). Procedimientos y materiales en la obra escultórica. Akal. Madrid. (pp.
99-127).
– MIDGLEY, Barry (1982). Guía Completa de Escultura, Modelado y Cerámica. Técnicas
y materiales, H. Blume. Madrid. (pp. 64-75).
– KRAUSS, Rosalind (1996). La originalidad de la vanguardia. En La originalidad de la
vanguardia y otros mitos modernos. Madrid: Alianza. (pp. 165-171).
Referencias en Internet:
– TATE MODERN. Cómo realizar moldes como Rachel Whiteread
https://www.tate.org.uk/art/artists/rachel-whiteread-2319/how-to-cast-like-rachel-
whiteread
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 14
UNIDAD 2.
– BÜRGER, Peter (2010). El concepto de alegoría de Benjamin. En Teoría de la
Vanguardia. Las Cuarenta. Buenos Aires. (pp. 97-103).
– GIUNTA, Andrea: “Adolfo Nigro en el umbral de la imagen, Objetos y Collages”,
Museo Castagnino, Fundación Museo Castagnino, Ed. La Marca. (pp. 1-7).
– MARCHAN FIZ, Simón (1986). El principio collage y el arte objetual. En Del arte
objetual al arte de concepto. Madrid. Akal. (pp. 158-171).
UNIDAD 3.
– AGAMBEN, Giorgio (2014). Qué es un dispositivo. Adriana Hidalgo. CABA. (pp. 7-26).
– KRAUSS, Rosalind. (1996). La escultura en el campo expandido. En La originalidad de
la vanguardia y otros mitos modernos. Alianza. Madrid. (pp. 59-74).
– MADERUELO, Javier (2008). La idea del espacio En la arquitectura y el arte
contemporáneo. Akal. Madrid. (Cap. 1 y 2 / pp. 11-54).
– MORRIS, Robert (1994). Notas sobre la escultura. Parte 2. En Simón Marchan Fiz, Del
arte objetual al arte de concepto. Madrid. Akal. (pp. 380-383).
5. BIBLIOGRAFÍA AMPLIATORIA
UNIDAD 1.
– AAVV. (2009). Procedimientos y materiales en la obra escultórica. Akal. Madrid.
– AAVV. (1999). Sensation. Young British Artists from Saatchi Collection. Thames &
Hudson.
– FERNÁNDEZ CHITI, Jorge. (1994). El libro del ceramista. Condorhuasi. Buenos Aires.
– READ, Herbert. (1994). La escultura moderna. Destino. Barcelona.
UNIDAD 2.
– AAVV. (1979). Diccionario de Arte Moderno. Vicente Aguilera Cerni (Ed.). Fernando
Torres. Valencia.
– BOURRIAUD, Nicolas. (2004). Postproducción, Adriana Hidalgo, Buenos Aires.
– CABANE, Pierre. (1972). Conversaciones con Marcel Duchamp. Anagrama. Barcelona.
– GUASCH, Ana María (2005). El arte último del siglo XX: Del postminimalismo a lo
multicultural. Alianza. Madrid. 1ra. edición Alianza, Madrid, 2000.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 14
UNIDAD 3.
– AAVV (2008). Conceptos fundamentales del lenguaje escultórico. Akal. Madrid.
– BUTIN, Hubertus ed.(2009). Diccionario de conceptos de arte contemporáneo.
Abada. Madrid.
– GUASCH, Ana María (2000). El arte último del siglo XX. Del postminimalismo a lo
multicultural. Alianza. Madrid.
– KRAUSS, Rosalind. (2002). Pasajes de la escultura moderna. Akal. Madrid.
– Moholy-Nagy, Lazlo. (1977). La nueva visión. Principios básicos del Bauhaus. Infinito.
Buenos Aires.
6. PROPUESTA METODOLÓGICA
Les estudiantes de la materia desarrollarán sus contenidos mediante la práctica constante de
taller y la reflexión sobe las técnicas y procedimientos propuestos, a través de guías,
consultas bibliográficas, clases teóricas, teórico-prácticas y prácticas, experimentación y
ejercitación con diversos materiales y herramientas, trabajos individuales y grupales, puestas
en común de análisis y reflexión, práctica de exposición, entre otras. De este modo,
promoveremos, en les estudiantes, experiencias significativas en el desarrollo de procesos
investigativos de producción, creatividad procedimental y análisis crítico, durante los
procesos de enseñanza-aprendizaje que se llevarán adelante en el aula-taller.
Tal como lo mencionáramos anteriormente, nuestro eje general de trabajo se centrará en
torno al traspaso gradual de la idea de técnica entendida desde una perspectiva
instrumental para dirigirnos hacia una concepción creativa y formativa de las nociones de
técnica y procedimiento, entendiéndolas como prácticas artísticas. La organización de las
distintas Unidades del programa ha sido pensada en ese mismo sentido.
A modo de facilitar el seguimiento personalizado y el asesoramiento durante los procesos,
sean estos individuales o grupales, y en la asistencia técnica en el uso de herramientas y
materiales, les estudiantes se agrupanrán en comisiones a cargo de docentes de la materia.
En instancias de laboratorio, buscaremos ensayar con fuerte carácter experimental sobre
algunos procedimientos específicos. Nos valdremos de prácticas artísticas contemporáneas
como modo de aproximarnos a contextos y al mundo en que vivimos desde perspectivas que
permitan abordar nuestro objeto de estudio. También apelaremos desde recursos
audiovisuales y disponibles en Internet, hasta visitas presenciales a centros expositivos o el
encuentro con artistas, siempre y cuando nuestro cronograma nos permita y coincida con la
programación de eventos locales relativos a las problemáticas escultóricas que abordamos
en la materia. Ello será como un modo de acercarnos a experiencias de transferencia de
conocimiento de primera mano. Utilizaremos medios de comunicación on-line para el
envío/recepción de material didáctico y trabajos que se requieran por esa vía, como así
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 14
mismo para despejar consultas de les estudiantes. Recomendamos siempre la lectura del
material bibliográfico específico con anterioridad a la clase teórica o teórico-práctica
respectiva, como así también realizar pesquisas bibliográficas o en Internet a partir de las
imágenes, autores o contenidos que propongamos respecto a las Unidades específicas del
programa.
7. EVALUACIÓN
Se evaluará positivamente la asistencia y participación activa y reflexiva de les estudiantes
en la construcción común del conocimiento en el taller. Se realizará evaluación formativa y
continua en el seguimiento de los procesos y realizaciones, ya sean individuales o grupales,
especificando criterios para cada instancia de entrega de trabajos prácticos o parciales, en
acuerdo con el régimen de estudiantes vigente.
8. REQUISITOS DE APROBACIÓN P/PROMOCIONAR, REGULARIZAR, RENDIR COMO LIBRES:

Podrán cursar como estudiantes regulares de la materia aquelles estudiantes que se encuentren
efectivamente inscriptos en la materia a través del sistema Guaraní.
Los requisitos de aprobación según el Régimen de Estudiantes vigente (Ordenanza 1/2018) son:
ART. 20: Se consignan las siguientes modalidades de cursado: PROMOCIONAL, REGULAR y LIBRE.
ESTUDIANTES PROMOCIONALES
ART. 21: Todo/a estudiante debidamente inscripto/a puede acceder a la condición de estudiante
promocional.
ART. 22: Será considerado/a promocional el/la estudiante que cumpla con las siguientes condiciones:
Según la modalidad de Espacio curricular teórico-práctico procesual: aprobar el 80% de las instancias
evaluativas considerando de mayor jerarquía la instancia integradora final con calificaciones iguales o
mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). El 20% restante no es promediadle ni por
inasistencia ni por aplazo.
ARTI. 23: Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir la condición de un mínimo de
asistencia a las clases, que no podrá́ superar el 80% del total. Se entiende por asistencia a la
presencia del estudiante en la clase, bajo ningún motivo la misma se podrá́ acreditar mediante
actividades (instancias evaluativas, jornadas, salidas a congresos, actividades extracurriculares, etc.).
A tal efecto, será necesario el mínimo de 80% de asistencia de los/las estudiantes para aspirar a la
condición Promocional en la materia Escultura II.
ESTUDIANTES REGULARES
ART. 25: Todo/a estudiante debidamente inscripto/a puede acceder a la condición de estudiante
regular, que implica la posibilidad de inscripción para aprobar la asignatura accediendo a un examen
de una sola instancia.
ART. 26: Son estudiantes REGULARES aquellos/as que cumplan las siguientes condiciones:
Modalidad procesual: aprobar el 75% de las instancias evaluativas con calificaciones iguales o
mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar al menos una instancia evaluativa para acceder a la
regularidad. El 25% restante no es promediadle ni por inasistencia ni por aplazo.
ARTÍCULO 27: Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir sólo en la modalidad procesual,
un mínimo del 60% de asistencia a las clases. Se entiende por asistencia a la presencia del estudiante
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 14
en la clase, bajo ningún motivo la misma se podrá acreditar mediante actividades (instancias
evaluativas, jornadas, salidas a congresos, actividades extracurriculares, etc.)
A tal efecto, será necesario el mínimo de 60% de asistencia de los/las estudiantes para aspirar a la
condición Regular en la materia Escultura II.
ART. 28: La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años, a partir de que se deja constancia
fehaciente en actas de que el/la estudiante accede a esa condición. Si la fecha de finalización de ese
período no coincidiera con una fecha de examen de la materia en cuestión, se extenderá́ hasta el
turno de exámenes subsiguiente.
ESTUDIANTES LIBRES
ART. 29: Los/as estudiantes que, estando debidamente inscriptos/as en el año académico, decidan
inscribirse a presentar exámenes finales en la condición de libres, accederán a un examen de dos
instancias: la primera de carácter escrito y la segunda oral, contemplándose en ambas los aspectos
teóricos y prácticos, en el caso que hubiese.
ART. 30: La cátedra establecerá́ encuentros o instancias previas al día del examen con un máximo de
un mes de antelación, según días y horarios de consulta consignados en este programa.
Regalmentación completa: http://www.digesto.unc.edu.ar/facultad-de-artes/honorable-consejo-
directivo/ordenanza/1_2018/at_download/file
Régimen de estudiantes trabajadores/as o con familiares a cargo, consultar:
https://artes.unc.edu.ar/estudiantes/estudiantes-trabajadores-o-con-familiares-a-cargo/
9. REQUISITOS Y DISPOSICIONES SOBRE SEGURIDAD E HIGIENE

Los estudiantes deberán aportar sus propios materiales, herramientas y elementos de
seguridad solicitados por la cátedra para la realización de trabajos prácticos y parciales.
Asímismo se podrán proveer herramientas de pañol de uso común en el horario de clases.
Las mismas deberán ser manipuladas bajo supervisión de un docente y tomando los
recaudos de seguridad necesarios. ¡Cuidemos entre todes las herramientas de uso común!

emergencia, como así tampoco obstruir puertas (oficinas, emergencias, ingreso,
responsable.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 14
10. CRONOGRAMA TENTATIVO
Clases FECHA UNIDAD SUBUNIDAD

1-9 16/03 al 19/04 Unidad N°1 Presentación de la materia.
Técnicas de reproducción Presentación de Unidad 1. Clases teórico prácticas. Taller.
escultórica única TP Modelado, moldeado y vaciado. Reproducción con
(molde y vaciado) molde perdido (rígido). Picado. Copia Única.
Restauración y acabado.
10-15 24/04 al 09/05 Unidad N°1 Clases teórico prácticas. Taller.

Técnicas de reproducción TP moldeado y vaciado. Selección de objetos, molde de
escultórica múltiple silicona. Contramolde de yeso.
(molde y vaciado) Reproducción con molde flexible. Copias múltiples.
Restauración y acabado de reproducciones.
16-17 14/05 al 19/05 Unidad N°1 Clases teórico prácticas. Taller.

Técnicas de reproducción Laboratorio de formas y TP experimentación con moldes
escultórica con moldes preexistentes y vaciado en yeso.
preexistentes. Plenario y puesta en común.
Evaluación Parcial 1.
18 21/05 Recuperatorio Unidad 1 Recuperatorio de TPs y Parcial Unidad 1.
19-22 26/05 al 04/06 Unidad N°2 Clases teóricas y teórico-prácticas. Taller.

El objeto artístico. Laboratorio de uniones. Puesta en común.
TP arte objetual: el objeto modificado.
Plenario y puesta en común.
23-26 09/06 al 23/06 Unidad N°3 Clases teóricas y teórico-prácticas. Taller.

Referencia al espacio TP alteración/ordenamiento espacial. Puesta en común.
circundante. TP proyecto de intervención espacial.
27 28/06 Unidad N°3 Clase teórica especial: Dispositivos de exposición

Referencia al espacio escultórica. Planificación de la exposición de trabajos de
circundante. Exposición. estudiantes de la materia.
TP Redacción de epígrafes de exposición.
28 30/06 Recuperatorio Unidad 2 y 3 Recuperatorio de TPs y Parcial Unidad 2 y 3.
29 04/07 Cierre de la materia Realización de la exposición de trabajos de estudiantes.

Puesta en común y plenario final.
Firma de libretas.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 14
ADENDA: PROGRAMA CICLO LECTIVO 2020
Asignatura: ESCULTURA II
Equipo Docente:
Prof. Titular suplente: Turno mañana: Olga Susana Argañaraz
Prof. Adjunta: Turno tarde: Verónica Silvina Cuello
Prof. Asistentes: Turno Mañana: Judith Mori, María Sol Carranza Sieber y Santiago Krauser. Turno
tarde: Magui Lucero, Victoria S. Gatica y Sofía Menoyo
Ayudante Alumno: Fernando Martinella
Ayudantes alumnas: Juliana Troncoso y Fiorella D Agostino
Contenidos:
Los contenidos fueron adecuados para el dictado virtual de la asignatura, atendiendo a las
condiciones y a los propios recursos del estudiante en su hogar para que, lograra aprendizajes a
partir de experiencias prácticas que permitieran la reflexión y la puesta en común. Para ello, se
estableció una Unidad Introductoria, la Unidad Nº 1 y la Unidad Nº 2.
En la unidad introductoria se creó una nueva propuesta, que consistió en una guía para abordar
los contenidos que se desarrollan en la presencialidad. Los contenidos que se emprendieron
fueron: Formas de hacer arte en las prácticas escultóricas, las producciones de algunos artistas,
ensayos de una definición sobre Técnica escultórica.
La Unidad N°1: Procedimientos de reproducción escultórica; se corresponde al programa pero se
implementó con diferentes trabajos prácticos y nuevos aportes teóricos.
La Unidad N°2: El objeto y su relación contextual. Objeto artístico. Selección y re-contextualización
como procedimientos. Estos contenidos se corresponden con el programa pero se redujo la
bibliografía y se realizaron trabajos prácticos que se consideraron parte del parcial integrador de la
materia y así, finalizar el cierre del cuatrimestre. Reforzando los siguientes contenidos del
programa presencial: Ordenamientos espaciales y tipos de uniones. Objetos presentados, Objetos
modificados, Objetos-construcciones (clasificación del texto de A. Giunta)
No se implementó la Unidad N°3 del programa.
Unidad introductoria
- Javier Marín https://www.youtube.com/watch?v=-Ae poLYp 60 -
- Christo y Jeanne-Claude https://christojeanneclaude.net/projects/running-fence -
- Adrián Villar Rojas https://www.youtube.com/watch?v=bNcXIA34u2E -
- Mario Merz https://www.museoreinasofia.es/multimedia/mario-merz
Bibliografía complementaria: Investigación sobre cada artista mencionado, buscando en otras
páginas webs sobre sus biografías y obras.
Unidad 1
- AAVV (2009). Procedimientos y materiales en la obra escultórica. Akal. Madrid. (pp.99-
127)
Referencias en Internet:
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
1
página 13 de 14
- TATE MODERN. Cómo realizar moldes como Rachel Whiteread subtitulado
- https://www.tate.org.uk/art/artists/rachel-whiteread-2319/how-to-cast-like-
rachelwhiteread
- Material bibliográfico y audiovisual elaborado por la cátedra sobre moldes subidos al Aula
Virtual.
Unidad 2
- GIUNTA, Andrea: “Adolfo Nigro en el umbral de la imagen, Objetos y Collages” Museo
Castagnino, Fundación Museo Castagnino, Ed. La Marca. (pp. 1-7).
- Material bibliográfico elaborado por la cátedra, subidos al Aula Virtual.
Bibliografía complementaria:
- MARCHÁN FIZ, Simón (1986). El principio collage y el arte objetual. Del arte objetual al
arte de concepto. Madrid. Akal. (pp. 158-171).
Los contenidos de la materia se desarrollaron mediante la propuesta de exploración,
investigación y reflexión por parte del estudiante en su hogar. Se acompañaron las propuestas con
trabajos prácticos que guiaron hacia la resolución de diferentes procedimientos y uso de
materiales a fin de que fueran adquiriendo así, los conocimientos propuestos por la cátedra en
esta nueva modalidad virtual.
Se implementaron guías de trabajo para la parte práctica que ayudaron a la experimentación con
diferentes materiales y herramientas como por ejemplo: hielo, distintas pastas para modelar y
moldear, objetos encontrados y envases existentes en sus hogares para confeccionar sus propios
moldes. Además, para la parte teórica se facilitaron textos bibliográficos en pdf y aportes teóricos
apoyados en materiales audiovisuales: power point y videos.
A modo de facilitar el seguimiento personalizado y el asesoramiento durante los procesos, se
realizaron consultas sobre dudas, inconvenientes e inquietudes referentes a los trabajos, a través
de las plataformas virtuales: Jitsi, Zoom y Meet.
Se organizó al grupo de estudiantes en comisiones que fueron atendidos por el equipo docente en
cada turno y en los horarios de la materia. Se realizaron devoluciones individuales y se elaboraron
documentos como devoluciones grupales.
También apelamos a recursos disponibles en el aula virtual como por ejemplo; el uso de Foros
para las puestas en común donde se compartieron las experiencias y reflexiones sobre las mismas;
el recurso Tareas para las entregas de trabajos prácticos. La comunicación se mantuvo constante
a través del aula virtual y los mails de cada turno de la cátedra.
Los contenidos a nivel teórico y conceptual estuvieron directamente vinculados a las prácticas
propuestas, para ser desarrolladas en sus hogares, teniendo siempre presente los inconvenientes
de conexión.
Condiciones para examen de regulares 2020 y libres 2020:

El examen para estudiantes regulares 2020 consistirá en la realización del o de los trabajos
prácticos y del Parcial integrador que adeuden o que presente calificación menor a la nota 6
(seis)
El examen para estudiantes libres contempla la totalidad de los contenidos y trabajos realizados
durante el cursado virtual de la asignatura en el año 2020.
En ambos casos, de mantenerse la modalidad virtual, el examen consistirá en la presentación de
los trabajos a través del aula virtual y de una instancia de defensa oral.
IF-2022-00334445-UNC-DDG#FA
2
página 14 de 14

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2010 - Escultura II

Date: 2022.05.09 13:15:32 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:15:38 -03'00'

Plan/es: 2014
Carrera/s: LICENCIATURA EN ARTES VISUALES
Asignatura: TALLER DE INVESTIGACIÓN EN ARTES
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Mgter. Carolina Romano
Prof. Adjunta: Mgter. Marta Fuentes
Prof. Asistente: Dra. Ana Sol Alderete
Prof. Ayudante: Dra. Alejandra Perié
Ayudante Alumna: Candelaria Tissera
Turno y comisión únicos:
 Lunes de 13:00 a 16:00 hs.
Lugar de cursado:
 Aula B. Baterías B. Durante el Aislamiento Social Preventivo
y obligatorio: Modalidad Remota. Aula Virtual
Horarios de consulta:
 Lunes de 11 a 13 hs., previa concertación por correo electrónico
Correo electrónico de la Cátedra:

 tallerdeinvestigacionenartes@gmail.com
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 11
TALLER DE INVESTIGACIÓN EN ARTES
Breve presentación
El Taller de investigación en artes espera generar un ámbito de intercambio en el cual reflexionar
y debatir acerca de los métodos, herramientas y técnicas con las cuales podemos desarrollar
conocimientos en un ámbito específico que acordamos llamar arte. Su dinámica será la de un
taller lo cual exige, a los alumnos y alumnas, una participación activa en cada encuentro a la vez
que ser receptivos con dinámicas procesuales y colectivas de trabajo y, al equipo docente,
interpelar los modelos exclusivamente expositivos para generar actividades donde la lectura, la
descripción e interpretación de imágenes y textos de diversa índole así como la escritura sobre
ellos sean concebidos como operaciones materiales que requieren de saberes y destrezas
prácticos, en tanto toda teoría los involucra.
Fundamentación del Programa

Esta asignatura cuatrimestral, ubicada en el 2° año del Ciclo Básico Común de la Licenciatura en
Artes Visuales forma parte, a su vez, del Área de Estudios Histórico Culturales. Comparte con otras
materias del Área la preocupación por reflexionar sobre el arte considerando en primer término
sus dimensiones metodológica, antropológica, histórica y social, pero se diferencia de las
asignaturas del Área por su carácter de Taller que, desde su etimología, apela a una modalidad
práctica de producción que supone la adquisición de destrezas y saberes ligados a un oficio, por
una parte, y el despliegue de esas adquisiciones en un ámbito de trabajo organizado, por otra.
Estas cuestiones son de nodal importancia en una materia que se estructura a partir de tres
supuestos fundamentales: i. la construcción de conocimientos sólo puede desarrollarse
articulando la teoría y la práctica, ii. no es posible enseñar a investigar aplicando un repertorio de
métodos de validez general, iii. el desarrollo de conocimientos disciplinares no puede efectuarse
de modo cabal sin diálogos con saberes producidos en otros espacios disciplinares y en el espacio
cultural donde se despliega. Nos referiremos brevemente a estos supuestos y la forma en que
modelan esta propuesta académica:
i. Desde diversos ámbitos se ha interpelado la idea de que hay prácticas que pueden separarse
de la teoría y, en sentido opuesto, que existen teorías que pueden ser pensadas
independientemente de las prácticas. Autores como de Certeau (2000) o Chartier (1996, 2006) han
argumentado convincentemente acerca de cómo la teoría es siempre el resultado de prácticas y
cómo las prácticas involucran conjeturas teóricas. Con ello se han impugnado no sólo las nociones
que conciben que de la práctica artística sólo podemos obtener conocimientos prácticos y de la
teoría sólo conocimientos teóricos ajenos a toda materialidad o corporalidad, sino también las
ideas que suponen que sus mediaciones no las afectan. A partir de estas premisas uno de los
desafíos de esta propuesta radica en pensar las prácticas asociadas al desarrollo de un proyecto
artístico como operaciones que sólo pueden desarrollarse y enriquecerse a partir de la reflexión
teórica y concebir a la teoría como un proceso resultante de prácticas. Aunque puede pensarse
que en términos generales toda producción artística es el resultado de una investigación, desde
los años ’60 muchos desarrollos artísticos permiten un uso fuerte del término investigación para
describir las operaciones que los artistas llevan a cabo en la construcción de sus obras. Asimismo,
para comprender muchas de las manifestaciones artísticas actuales es necesario reflexionar sobre
la metodología que emplearon quienes las
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 11
elaboraron, las herramientas que utilizaron y qué tipo de relaciones se plantearon entre los
elementos involucrados en tales proyectos poéticos. ¿Qué operaciones son necesarias para
registrar ciertas intuiciones y, luego, formalizarlas visualmente? ¿De qué modo puede interpretarse
una teoría, que tipo de mediaciones se precisan para poder sistematizar, interpelar o tomar alguna
de sus herramientas para indagar sobre un objeto específico o ponderar la validez de sus
postulados? ¿Es posible que diversas prácticas de lectura permitan el conocimiento de aristas
diferentes de un corpus teórico? ¿De qué modo se construye un proyecto estético, que elementos
intervienen en él, como podrían vincularse, de qué modo esas relaciones lo determinarían?
ii. Algunas perspectivas asumen que es posible enseñar a investigar aplicando un repertorio de
métodos de validez general, por el contrario, esta propuesta parte de la idea que sostiene que el
diseño y la validación de los métodos se desprende de las relaciones entre las partes de un
proyecto -el objeto que pretende conocer, las herramientas que diseña para eso, los propósitos e
intereses de quienes los llevan adelante- (Maxwell, 1996 y Denzin & Lincoln, 1994) y, finalmente,
de todos los términos mencionados con el contexto en donde planea desarrollarse. El carácter
relacional que prima en esta concepción es particularmente importante, aunque no sólo, en el
análisis de fenómenos donde los datos sensibles son centrales (sonidos, imágenes y movimientos
en el caso del arte; fluidos, tejidos, olores en el de la medicina; huellas e indicios en la pesca o la
historia) y donde el comportamiento de esos datos es fluctuante. A diferencia de objetos que
permiten validaciones basadas en su mayor grado de mensurabilidad, predictibilidad y
cuantificación, los objetos artísticos tienen cualidades específicas que los vinculan con rasgos
particulares. A partir de esto el programa del Taller privilegiará el estudio de herramientas y
métodos vinculados con lo que Ginzburg ha denominado paradigma de inferencias indiciales
donde la búsqueda de conocimiento se sustenta en la consideración de rasgos cualitativos, es
decir: casos, situaciones, documentos y obras en cuanto individuales y que, por eso mismo,
alcanzan resultados con un margen insuprimible de aleatoriedad.1 La ausencia de un método que
pueda utilizarse a-priori o que pueda ser diseñado con independencia de su objeto permite
formular los siguientes interrogantes: ¿Qué tipo de diseños de investigación pueden elaborarse
para investigar objetos o prácticas artísticos? ¿Qué herramientas y técnicas sería pertinente
construir para conocerlos? ¿Cómo pueden generarse criterios de validación para estos procesos y
procedimientos?
Siguiendo a Ginzburg este paradigma, ligado a lo que los griegos identificaban con la Mễtis, se diferencia del
1
galileano que logró, a partir de una larga sedimentación en la historia de occidente, identificarse con el rigor y la
calidad del saber científico con atributos tendencialmente anti-antropocéntricos y anti-antropomórficos. De todos
modos, aun cuando la diferenciación de esos paradigmas continúa siendo explicativa, el desarrollo de las ciencias
naturales o experimentales ha demostrado que sólo pueden alcanzar una certidumbre probabilística, que no elimina
el principio de incertidumbre. Por otro lado, el desarrollo de conocimientos en las humanidades y artes ha generado
herramientas extremadamente versátiles que permiten adecuaciones y reajustes de los modelos cualitativos que
pueden aspirar a grados sucesivos y provisionales de aproximación a la realidad que aspiran conocer y validarse
académicamente en función de sus relaciones con el objeto del cual se ocupan y del contexto en el cual se despliegan.
Con esto, no sólo se anula la pretensión de jerarquía de los saberes lógicos sobre los conjeturales sino que puede
afirmarse que la construcción de conocimientos no puede ser codificada en un conjunto de pautas metodológicas
universales.
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 11
iii. Aunque del apartado anterior se desprende una evidente preocupación por generar
estrategias adecuadas que permitan conocer cuestiones atinentes al campo disciplinar de las artes
visuales, la fundamentación del presente programa sostiene que esos propósitos pueden llevarse
a cabo de manera cabal si el espacio disciplinar dialoga y se pone a prueba con herramientas
desarrolladas en otros ámbitos disciplinares y en el contexto de la praxis vital en el cual se generan.
Dos casos pueden ejemplificar lo expuesto. El primero se refiere a los aportes y discusiones
elaborados en el campo del arte sobre los archivos que actualmente acuerdan, aún con matices
diferenciales, en concebir al archivo como una cuestión conflictiva, ámbito de producción siempre
renovado, que de ninguna manera puede concebirse como espacio que preserva documentos
exclusivamente.2 Estas discusiones -(Carnevale, 2010), (Barriendos 2011), (Jacoby, 2011), (Longoni
y Freire, 2009), (Rolnik, 2010), (Giunta, 2010)- por referir sólo algunas sobre el asunto son
sumamente prolíficas y sugerentes por todo lo que han contribuido en aras de pensar los nexos
entre arte y política, arte y ética, arte y conocimiento y el modo en que los archivos los han
propiciado. Los abordajes mencionados, elaborados en el campo disciplinar de las artes, dialogan
con aportes efectuados desde otras perspectivas disciplinares: la historiografía que ha propuesto
al archivo como laguna problemática que debe ser interrogada (De Certeau, 2006); la antropología
que otorga una centralidad inédita al cuerpo como lugar de las imágenes (Belting, 2007); los
estudios culturales que partiendo de un reservorio iconográfico puntual -por caso el Atlas
Mnemosyne- consienten en pensar los documentos iconográficos como vehículos de transmisión
cultural (Centanni, Mazzucco y Forster, 2002) o montajes de la memoria (Didi Huberman, 2009)
revelando las tensiones presentes en las imágenes archivadas: historia/ anacronismo, documento/
acontecimiento y memoria/ olvido. El segundo caso, lo constituyen los aportes de artistas y
teóricos que generan conocimientos sobre el arte que contribuyen a una especialización cada vez
mayor del campo disciplinar pero, al mismo tiempo, sostienen una acendrada vigilancia
epistemológica respecto de los efectos de esa especialización al evitar que se produzca como un
hecho aislado sin vasos comunicantes con el medio cultural donde se despliega.3
2
La referencia alude a los archivos que se generan a partir del intento de los artistas desde los años ’60 de documentar
y conservar registros de prácticas que excedían por mucho los límites tradicionales del arte y se despliega hasta el
presente, aunque con diversos matices. Para un panorama detallado de ese proceso puede consultarse el trabajo de
Freire y Longoni (Freire/ Longoni, 2009). Un proyecto paradigmático en ese sentido puede ser el de Tucumán Arde
para ello pueden consultarse (Longoni 2014, Longoni y Mestman, 2000)
3
Proyecto Venus o Dark Room de Roberto Jacoby son ejemplos significativos para dimensionar la voluntad de los
artistas por generar proyectos de gran complejidad y sofisticación poética a la vez que sostener la determinación de
que esas propuestas entablen con su entorno vasos comunicantes que posibiliten dudar de ciertos supuestos
naturalizados en el espacio social y redefinir o interpelar seguridades sobre el arte que deben ser problematizadas.
En el espacio de la producción teórica sobre el arte interesan especialmente a este planteo obras como las de
Reinaldo Laddaga –Estética de la emergencia o Estética de laboratorio-que reniegan de abordajes especulativos sin
anclaje en las operaciones concretas que llevan adelante los artistas y que, por eso, logran construir una teoría con
rigor académico en base al análisis de la materialidad formal de objetos y prácticas que efectivamente proponen los
artistas.
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 11
Objetivo general:
 Procurar el conocimiento y la comprensión de conceptos y herramientas que permitan a los alumnos

iniciarse en la práctica de la investigación en el espacio disciplinar de las artes.
 Reflexionar sobre el lenguaje como un proceso que implica codificaciones y decodificaciones para
indagar sobre las relaciones entre formas y significados que permitan dimensionar la no neutralidad
de las técnicas y tipos de registro.
 Interpelar la noción de archivo como ámbito inerte para desarrollar procesos de búsqueda de
documentos, fuentes diversas e imágenes explicitando los propósitos y precisando las preguntas que
guían la actividad de pesquisa.
 Comprender el carácter relacional de las diferentes partes de un diseño de investigación cualitativo

y de esas partes con el sujeto que indaga y el contexto donde se desarrolla el trabajo de búsqueda.
 Pensar en las mediaciones y los efectos que éstas tienen en los procesos de lectura, escritura y
representación visual.
 Estimular actitudes de vigilancia epistemológica respecto de los supuestos no explicitados que

intervienen en cualquier actividad de exploración, interpretación y formulación relativa a un diseño
de investigación.
Contenidos
Unidad I: El arte como forma de conocimiento. Codificar y decodificar
El arte como forma de conocimiento. Codificación y decodificación. La relación entre los

significados y las formas materiales. Observación y análisis de datos cualitativos. Relaciones
entre imágenes y escritura. Algunos procesos y técnicas de registro: audiovisuales, sonoros,
visuales, observación etnográfica, etc. La no neutralidad de las técnicas de registro. Escritura
de memos y comunicaciones.
Bibliografía obligatoria UI*
CAMNITZER, Luis, “La Enseñanza del arte como fraude”, Bogotá: texto de la conferencia del artista en el
marco de su exposición en el Museo de Arte de la Universidad Nacional. Bogotá, marzo de 2012.
CAMNITZER, Luis, “Codificar/decodificar” en Arte y Enseñanza: la ética del poder, Madrid: Casa de
América, 2000, pp. 15-18.
CAMNITZER, Luis, “Oda a la patada” en Errata. Revista de Artes Visuales, año I, n° 2, 2010, pp.177-178.
Unidad II: Arte y poéticas de archivo
Archivos: conceptos y perspectivas. Características de prácticas artísticas articuladas por el

archivo: algunos casos. Poéticas de archivo. Procesos de búsqueda, producción, exposición,
re-elaboración y postproducción. El artista como archivista. Lógicas de funcionamiento de
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 11
procesos que adhieren al impulso de archivo. Tensiones entre ficción/historia, documento/
acontecimiento y memoria/ olvido.
Bibliografía obligatoria U II*
FOSTER, Hal, “Un impulso de archivo”, traducido por Mgter. Marta Fuentes del texto incluido en
MEREWETHER, Charles (ed.), The archive. Documents of contemporary art series, MIT Press, Cambridge,
and Whitechapel Gallery, Londres, 2006. También disponible en:
www.doublearchive.com/pdf/Foster_An_Archival_Impulse.pdf, pp. 1-4.
JARPA, Voluspa, “Historia, archivo e imagen: sobre la necesidad de simbolizar la historia” en A Contra
Corriente. Una revista de historia social y literatura de América Latina, Vol 12, n°1, otoño de 2014, pp.14-
29.
Unidad III: Arte y proyectos de indagación
La investigación en el campo disciplinar de las artes visuales. Procesos cualitativos de

investigación: un modelo interactivo. Relaciones entre los diferentes elementos de un
proyecto artístico/académico. Ajustes y relaciones entre las diferentes partes de un proyecto:
el modelo de las bandas elásticas. Paradigmas de conocimiento: paradigma galileano,
paradigma de inferencias indiciales.
Bibliografía obligatoria U III*
GINZBURG, Carlo, “Indicios. Raíces de un paradigma de inferencias indiciales” en Mitos, emblemas,

indicios. Morfología e historia, Barcelona: Editorial Gedisa, 1999, pp. 138-175.
MAXWELL, Joseph, “Un modelo para el diseño de investigación cualitativo”, Traducido por María Luisa
Graffigna del texto incluido en Qualitative Research Design. An Interactive Approach, Londres: Sage
Publicatios, 1996, pp 1-13,
ROMANO, Carolina, Una perspectiva sobre la investigación en artes. Puntos de partida y preguntas
acerca de un problema abierto, Mímeo, Córdoba, 2017, pp. 1-9.
* Como puede observarse, la bibliografía de lectura obligatoria para cada unidad es sumamente
discreta. Esto se fundamenta en que se espera que el trabajo sobre esos textos sea intensivo y
exhaustivo. No obstante, se sugieren otros materiales en el apartado de Bibliografía ampliatoria que
puedan complementar y complejizar los textos específicos en función de los intereses de los alumnos,
que pueden solicitar, a su vez, otros materiales.
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 11
UI
BELTING, Hans, “Medio, imagen, cuerpo. Introducción al tema” en Antropología de la imagen, Buenos
Aires, Katz Editores, 2007, pp. 13-71.
GOODMAN, Nelson, “El arte del entendimiento” en Los lenguajes del arte. Una aproximación a la teoría
de los símbolos, Madrid: Paidós, 2010,
MAXWELL, Joseph (1996), “Decisiones acerca del muestreo: dónde, cuándo, quién y qué”, Decisiones
acerca de la recolección de datos” “Decisiones y estrategias acerca del análisis de datos cualitativos”,
Traducido por María Luisa Graffigna del texto incluido en en Qualitative Research Design. An Interactive
Approach, Londres: Sage Publications, 1996, pp 5-14
VIGO, Antonio, “La calle: escenario del arte actual” en Errata. Revista de Artes Visuales, año I, n° 2, pp.154-
158.
U II
BARRIENDOS, Joaquín, “Museos de Arte, Políticas de Archivo y Burocracia (Posestructuralista)” en:
Revista Blanco sobre Blanco: Miradas y lecturas sobre artes visuales. Buenos Aires, No. 1, Septiembre, 2011.
BLASCO GALLARDO, Jorge, “Museografiar archivos como una de las malas artes: el indefinido espacio
entre el museo, el archivo y la exposición”, en Errata. Revista de Artes Visuales, año I, n° 1, 2010, pp. 73-
91.
CARNEVALE, Graciela, “Algunas Reflexiones Sobre El Archivo”, 2010, disponible en:

http://esferapublica.org/nfblog/tucuman-arde
FOSTER, Hal, “Archivos de arte moderno” en FOSTER, Hal, Diseño y Delito y otras diatribas, Madrid:
Ediciones Akal, 2004, pp. 65-82.
GIUNTA, Andrea, “Archivos. Políticas del conocimiento en el arte de América Latina” en Errata. Revista
de Artes Visuales, año I, n° 1, 2010, pp. 20-37.
ROLNIK, Suely, “Furor de archivo” en Errata. Revista de Artes Visuales, año I, n° 1,2010, pp. 38-53.
U III
BECKER, Howard, “La única manera correcta” (pp.65-92) y “Editar de oído” (pp.93-118) en Trucos del
oficio. Cómo conducir su investigación en Ciencias Sociales, Buenos Aires; Siglo XXI Editores, 2009.
JACOBY, Roberto (2011), [Selección de textos y entrevistas] en LONGONI, Ana (Coord.) El deseo nace del
derrumbe. Roberto Jacoby. Acciones, conceptos, escritos, Buenos Aires, Adriana Hidalgo,2011.
LADDAGA, Reinaldo (2010), Estética de Laboratorio, Buenos Aires: Adriana Hidalgo Editora, pp.125-154.
U I, II y III
BECKER, Howard S., Manual de escritura para científicos sociales: Cómo empezar y terminar una tesis,
un libro o un artículo, Buenos Aires: Siglo Veintiuno Editores, 2011.
CAMNITZER, Luis, GONZÁLEZ, María del Carmen y QUIRÓS, Sofía, Guía para maestros, New York: The
Solomon R. Guggenheim Foundation, 2014.
DENZIN, Norman & LINCOLN, Yvonna (1994), Handbook of Qualitative Research, Londres: Sage
Publications.
MAXWELL, Joseph (1996), Qualitative Research Design. An Interactive Approach, Londres: Sage
Publications. [Traducción de María Luisa Graffigna].
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 11
SAUTU, Ruth et Alt. (2005), Manual de metodología: construcción del marco teórico, formulación de los
objetivos y elección de la metodología, Buenos Aires: Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales –
CLACSO-.
Esquema general del dictado de la materia:
Unidad UI U II U III
Contenidos *Arte como forma de *Archivos: conceptos y *Investigación en el

conocimiento perspectivas. campo disciplinar de las
específicos artes.
*Codificación y *Poéticas de archivo.
decodificación. *Procesos de cualitativos
*Producción y de investigación.
*Relación entre postproducción artística a
significados y formas. partir de archivos. *Un modelo interactivo.
*Observación y análisis *Artista/ archivista *Relaciones entre los

de datos cualitativos. diferentes elementos de
Tensiones entre: un proyecto
*Algunos procesos y ficción/historia, artístico/académico.
técnicas de registro. documento/
Registros escritos. acontecimiento y memoria/ *Paradigmas de
olvido. conocimiento: galileano/
*Descripción e de inferencias indiciales.
Interpretación. *El archivo como laguna
problemática.
Contenidos Procesos de lectura de textos académicos y análisis de imágenes: estrategias de

transversales síntesis e interpretación
Procesos de recolección de datos: estrategias de observación y registro de datos

cualitativos
Práctica persistente y reflexividad
Palabras clave Códigos, registros, Archivos, tipos de archivos, Proyectos cualitativos,

técnicas de registros poéticas de archivos. modelos interactivos,
investigación en artes
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 11
Cronograma tentativo. Ciclo lectivo 2020
Fecha Actividad
16 /marzo * La investigación en artes. Una perspectiva posible. * Presentación de la materia. Clase 1. U I
Pautas Ejercicio 1. Camnitzer: La enseñanza…
23 /marzo Feriado puente turístico
30/marzo * El arte como un modo de expandir el conocimiento. *Clase 2, U I.

Ejercicio 1. Puesta en común.
Pautas Trabajo Práctico n° 1.
06 /abril *El arte como forma de expandir el conocimiento: *Clase 3, U I.
práctica persistente y reflexividad. Consulta sobre la resolución de la Consigna
Trabajo Práctico n°1
13 / abril *El arte como forma de expandir el conocimiento: *Trabajo Práctico 1. Puesta en común de
práctica persistente y reflexividad. ejercicios individuales. Producción grupal.
20 /abril * “Un impulso de archivo” como una de las vías de Clase 4. U II. Pautas ejercicio 2.
indagación en el arte contemporáneo.
27 /abril *“Un impulso de archivo” como una de las vías de * Clase 5. U II. Ejercicio 2. Puesta en común.
indagación en el arte contemporáneo. Explicación de la consigna Parcial 1.
29 /abril *“Un impulso de archivo” como una de las vías de * Trabajo Práctico 2. Puesta en común
indagación en el arte contemporáneo. de ejercicios individuales.
04 /mayo * El arte como forma de conocimiento/ el arte como * Parcial 1.
impulso de archivo.
11 /mayo *Algunos aspectos de la investigación en artes *Clase 6, U III.
18 /mayo Semana de exámenes
25 /mayo Feriado Día de la Revolución de mayo
01 /junio *Algunos aspectos de la investigación en artes. El diseño *Clase 7, U III. Explicación de la Consigna
interactivo Parcial II.
08 /junio *Algunos aspectos de la investigación en artes. El *Parcial 2.
paradigma indiciario *Recuperatorios T.P.
15 /junio Feriado Paso a la inmortalidad Gral. Güemes
22 /junio *Clase de integración/ consultas. *Recuperatorios Parciales
29 /junio Firma de libretas
Metodología de trabajo
El trabajo que se propone desde esta asignatura intercalará diversas actividades y metodologías de trabajo
según los conceptos propuestos y los objetivos planteados:
 Actividades de exposición y explicación de conceptos nodales, perspectivas de los

autores analizados, contextualización de sus propuestas que permitan un espacio de
acuerdos básico sobre el cual plantear las actividades del taller. Como puede deducirse los
contenidos de cada unidad se refieren a un “caso”, o varios, que problematizan las
nociones consideradas.
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 11
 Actividades de lectura: en estas instancias se realizarán actividades de muestreo o
identificación de las palabras clave de un texto, comprensión o identificación de las
estructuras gramaticales y sus significados proposicionales e interpretación tendiente a
desarrollar habilidades para receptar lo textos como mensajes organizados que conectan
determinada intención del autor con determinada estructuración y realización discursiva.
 Actividades de descripción e interpretación de imágenes: en estas actividades se

contrastarán la descripción de algunos elementos formales presentes en las imágenes con
la descripción de su tema, topos y la técnica y procedimientos con las que fueron realizadas
para aproximarse y comenzar a inferir algunos elementos de su poética.
 Trabajos grupales de exploración, indagación y registro: de los procesos de producción

visual de los alumnos propuestos por la cátedra, así como, de objetos de la cultura visual
en la vida cotidiana, documentos, producciones artísticas, etc.
 Actividades de escritura con pautas de desarrollo según el texto que deba elaborarse:
memos, notas, comunicaciones breves, esquemas o propuestas de proyectos.
 Debates y puestas en común que colaboren en la revisión, elaboración de ajustes y

construcción de nuevos interrogantes.
7. Evaluación:
Descripción de la propuesta de evaluación ajustada a la reglamentación prevista por el Régimen de

Estudiantes de la Facultad de Artes (OHCD 1-2018). Como establece dicha reglamentación (Art.
12) se definen dos categorías de los espacios curriculares atendiendo a la especificidad de la
evaluación de las prácticas artísticas: espacio curricular teórico-práctico puntual y espacio curricular
teórico-práctico procesual. El Taller de investigación en Artes se define como un espacio curricular
teórico práctico puntual.
En función de lo anterior se realizarán 2 (dos) Trabajos Prácticos grupales y 2 (dos) Parciales escritos
individuales. Las evaluaciones se realizarán en relación a los contenidos y las prácticas planteadas en
cada unidad. Las consignas, objetivos, requisitos y criterios de evaluación específicos de cada trabajo
se entregarán a las y los alumnas/os durante el cursado, al menos 7 días antes de cada evaluación.
Los criterios generales de evaluación en la presentación de los trabajos prácticos escritos y orales y
de las evaluaciones parciales tendrán en cuenta:
-capacidad de comprensión e interpretación de textos académicos;
-procesos de trabajo artístico que impliquen la articulación entre una práctica persistente y
reflexividad.
- compromiso en el proceso de indagación e investigación académica;
- capacidad de síntesis, claridad y coherencia conceptual en la comunicación de los trabajos
realizados;
- puntualidad en la entrega según las fechas y horarios estipulados.
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 11
Requisitos para obtener la promoción o regularidad
Requisitos para la promoción:
 Espacios curriculares teóricos-prácticos puntuales: aprobar el 80 % de los trabajos prácticos

evaluativos con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete);
aprobar la totalidad de las evaluaciones parciales, con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y
un promedio mínimo de 7 (siete). Pudiendo recuperar al menos una evaluación parcial y una
práctica para acceder a la promoción. El 20% de los trabajos prácticos evaluativos restante no son
promediables ni por inasistencia ni por aplazo.
Requisitos para la regularidad:
 Aprobar el 80% de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y
aprobar el 80% de las Evaluaciones Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro).
Pudiendo recuperar evaluaciones parciales y prácticas para acceder a la regularidad. El 20% de los
trabajos prácticos evaluativos y el 20% de los parciales restantes no son promediables ni por
Condición de libres:
 Los/as estudiantes que, estando debidamente inscriptos/as en el año académico, decidan

inscribirse a presentar exámenes finales en la condición de libres, accederán a un
examen de dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda oral,
contemplándose en ambas los aspectos teóricos y prácticos.
Examen final de alumna/o regular:

La/el estudiante deberá aprobar con una calificación igual o mayor a 4 (cuatro). Puede preparar para el
examen oral una exposición de no más de cuatro minutos que vincule al menos dos contenidos de Unidades
diferentes del programa que hayan sido de su especial interés. El tribunal podrá hacer preguntas sobre la
ponencia y el resto del programa.
Examen de alumna/o libre

Quienes no cumplan con alguno de los requisitos anteriores serán considerados alumna/o libre.
El día del examen la/el estudiante deberá aprobar con una calificación igual o mayor a 4 (cuatro) un teórico
escrito planteado a partir del programa de la asignatura. Si su nota fuera 8 (ocho) o más podrá prescindir de
pasar a la instancia oral del examen.
Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene: No corresponde
Mgter. Carolina Romano
IF-2022-00334479-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 11

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2011 - Taller de Investigación en Artes

Date: 2022.05.09 13:18:28 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:18:34 -03'00'

Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales ‐ Plan 2014
Asignatura: ELEMENTOS PARA UNA TEORÍA DEL ARTE
Año curricular: segundo año (segundo cuatrimestre)
Equipo Docente:
‐ Profesores:
Prof. Adjunta a cargo: Mgter. Marta Fuentes
Prof.: Mgter. Carolina Romano
Prof. Ayudante B: Dra. María Alejandra Perié
‐ Adscriptos:
Lic. Mauricio Cerbellera
Lic. Paula La Rocca
‐ Ayudantes Alumnas:
Mara Abrate
Milagros García Vieyra
Emilia Molina
Amparo Novillo Linares
Distribución Horaria*
Turno único: Miércoles de 14 a 17 hs.
Consultas: lunes de 15.30 a 16.30 hs, sala de lectura, Biblioteca de Artes.
(previa concertación vía aula virtual de la cátedra). Consultas virtuales: a través del foro
"Consultas", dentro del aula virtual. Contacto alternativo (en caso de no poder
establecerse contacto a través del aula virtual): martacfuentes@fibertel.com.ar.
PROGRAMA
1. Fundamentación / Enfoques / Presentación:
Breve presentación
La materia Elementos para una teoría del arte espera generar un ámbito de intercambio en el cual reflexionar y
debatir acerca de algunos de los conceptos nodales atinentes al espacio específico que acordamos llamar arte.
Esta asignatura cuatrimestral, ubicada en el 2° año del Ciclo Básico Común de la Licenciatura en Artes Visuales
forma parte, a su vez, del Área de Estudios Histórico Culturales. Comparte con otras materias del Área la
preocupación por reflexionar sobre el arte considerando en primer término sus relaciones con lo que no es arte
y en ese sentido su programa se construye considerando el aporte de estudiosos que desarrollan sus
propuestas desde diferentes áreas disciplinares: antropología, filosofía, historia y sociología. Considerando los
diversos aportes disciplinares reseñados propone una perspectiva sobre la teoría del arte que no pretende ser
objetiva, neutra, ni definitiva. Por el contrario, esta propuesta se estructura en función de un diagnóstico sobre
las manifestaciones del arte contemporáneo y algunos de sus problemas más relevantes.
IF-2022-00334496-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 7
Fundamentación del programa
El programa de la asignatura se estructura a partir de un eje general orientado a explorar las tensiones entre la
autonomía y heteronomía del arte según variados enfoques. Desde el Siglo XVIII, momento en que el arte en
Europa se constituye como espacio autónomo de producción junto con el desarrollo de diversas teorías que
reflexionarán sobre él: la crítica, la estética y la historia del arte, pasando por los planteos del arte por el arte
del Siglo XIX, el virulento ataque a esa autonomía desplegado por los movimientos históricos de vanguardia, las
reediciones de esos cuestionamientos por las expresiones neovanguardistas hasta el arte contemporáneo,
diversas prácticas se han desarrollado sobre la certeza de la autonomía como garantía emancipatoria o, por el
contrario, intentando trascender el espacio del arte con una voluntad utópica de fundirse con la praxis vital.
Este eje, posible entre otros, se considerará a partir de tres bloques que tienen el propósito de problematizar
las dicotomías como arte‐espacio social, forma‐contenido y autor‐productor.
Así, la Unidad I centra sus reflexiones sobre el surgimiento de la autonomía de la praxis artística y la teoría
sobre esa práctica en un momento histórico específico. También pretende analizar las aporías o tensiones que
acompañaron este proceso, tanto como aquellas implicadas en el modo en que actualmente pensamos las
relaciones del arte con la cultura y la sociedad en que se desenvuelve. La Unidad II aborda la tensión entre
autonomía y heteronomía considerando fundamentalmente el concepto de forma; su valor como elemento
central de la constitución del canon modernista y su reconsideración a la luz de algunas producciones y teorías
contemporáneas. La Unidad III propone discutir ciertas construcciones de la figura de artista, centrándose en
las ideas "genio", "autor", "productor", etcétera, y sus implicancias en el arte moderno y las vanguardias de
comienzos de siglo XX así como su vigencia o modificación en el escenario contemporáneo.
Los núcleos problemáticos de cada unidad se proponen como recortes parciales que no pretenden generar
visiones totalizadoras pero que asumen, sin embargo, posiciones que cuestionan un pluralismo indiferente
según el cual cualquier producción artística tiene valor a‐priori y cualquier teoría iguales posibilidades
descriptivas, interpretativas y analíticas. Por el contrario, esperamos alentar las discusiones fundadas y la
crítica como procedimiento respaldado en operaciones reflexivas.
La dinámica de la asignatura y las metodologías de trabajo propuestas se fundamentan en la convicción de la

mutua dependencia entre las prácticas y la teoría. La teoría se desarrolla a partir de prácticas de lectura,
sistematización de información, conceptualización y análisis y, a la inversa, ninguna práctica se desarrolla sin
teorías que la orienten como han analizado autores como M. de Certeau (2000), R. Chartier (1996, 2006) o C.
Ginzburg (1999). Los trabajos referidos no solo permiten cuestionar las posiciones que suponen que de la
práctica artística solo podemos obtener conocimientos prácticos y de la teoría sólo conocimientos teóricos
ajenos a toda materialidad o corporalidad, sino también las ideas que suponen que sus mediaciones no las
afectan. A partir de estas premisas uno de los desafíos de este programa radica en pensar las prácticas –de
análisis de imágenes, de lectura, escritura y argumentación oral‐ como operaciones que solo pueden
desarrollarse y enriquecerse a partir de la reflexión teórica y concebir a la teoría como un proceso resultante de
prácticas específicas que deben ser "desnaturalizadas" ‐sistematización de la información, recopilación de
fuentes y datos relevantes, confección de tablas, cuadros comparativos, identificación de conceptos clave,
reformulación de preguntas, identificación de hipótesis, etc.‐.
Esta dinámica requiere, por otra parte, una participación activa de los alumnos en cada encuentro, que se verá
favorecida con las lecturas previas sugeridas. De igual modo, los trabajos prácticos están concebidos como
instancias de discusión que demandan cierta disposición para esta modalidad de producción e intercambio
colectivo. A su vez, las instancias de elaboración individual (lectura, ejercicios breves, parciales), suponen
momentos de capitalización de estos esfuerzos grupales.
IF-2022-00334496-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 7
2. Objetivos
Objetivo general:
 Facilitar el acceso a ciertas herramientas conceptuales que permitan a los alumnos iniciarse en los debates
atinentes a la teoría del arte en general y de la teoría de las artes visuales, con un énfasis particular en el
escenario contemporáneo.
 Reflexionar sobre el problema de la autonomía del arte considerarando diversas perspectivas, atentas a su
carácter de proceso histórico. Identificar y analizar las contradicciones que la acompañan desde los inicios de ese
proceso y que persisten en los debates recientes que la reconsideran.
 Problematizar algunos conceptos centrales de la literatura artística tales como "forma", considerando su
ambigüedad, carácter relacional, activación social en contextos específicos.
 Desmontar nociones naturalizadas tales como "artista" (y otras asociadas a ella: "creatividad", "genio",
"compromiso", etc.), a partir del análisis de los condicionamientos históricos y sociales de su construcción.
Analizar algunas propuestas teóricas atinentes a la figura del autor/productor que señalan puntos de inflexión
significativos y ofrecen bases firmes a discusiones actuales.
 Trasladar herramientas teórico‐conceptuales incorporadas a partir de un ejercicio sostenido de lectura al análisis
de casos (obras, procesos, situaciones) que hacen a la escena contemporánea del arte. Capitalizar estos recursos
adquiridos para debatir y argumentar de manera crítica y autoconsciente.
3. Contenidos / Núcleos temáticos / Unidades

Unidad I: Arte‐autonomía‐crisis de la autonomía
La autonomía del arte como proceso histórico. La modernidad: contexto de desarrollo de la crítica, la historia
del arte y la estética como disciplinas específicas. La autonomía relativa del arte desde análisis
contemporáneos: defensa y cuestionamientos.
Unidad II: Forma‐autosuficiencia‐inespecificidad

Debates sobre la forma en el arte contemporáneo. Problematicidad del concepto: ambigüedad, carácter
relacional, activación social. Capacidad para definir el espacio del arte en sus manifestaciones recientes. La forma‐
contenido como tensión contingente, inestable, dependiente de contextos específicos.
Unidad III: Artista‐productor‐régimen contemporáneo

El artista desde la perspectiva de una teoría cultural. Crítica de la noción de artista‐genio: el artista como
productor. Reconsideración de la figura del artista en el régimen contemporáneo: transformaciones, paradojas,
desafíos en los espacios atravesados por nuevos modelos institucionales y las lógicas de los mercados globales.
4. Bibliografía obligatoria (discriminada por unidades)*

Unidad I:
 Bozal, Valeriano (1996). "Los orígenes de la estética moderna", en Historia de las ideas estéticas y de las
teorías artísticas contemporáneas, Vol. I, Madrid: Visor, 1999, pp. 19‐32.
 Huyssen, Andreas (1986). "Introducción", en Después de la gran división. Modernismo, cultura de masas,
posmodernismo, Buenos Aires: Adriana Hidalgo, 2017, pp. 5‐15.
IF-2022-00334496-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 7
Unidad II:
 Escobar, Ticio (2007). "El marco incompleto", en Transvisual ‐ Publicación anual del Centro de
Documentación, Investigación y Publicaciones del Centro Cultural Recoleta‐ Año I , n° 1, Buenos Aires:
CeDIP diciembre de 2007, pp. 106‐111.
Unidad III:
 Benjamin, Walter, (1934). "El autor como productor", en Tentativas sobre Brecht. Iluminaciones III,
Madrid: Taurus, 1998, pp. 117, 134.
 Bourdieu, Pierre (2001). "Cuestiones sobre el arte a partir de una escuela de arte cuestionada”, en El
sentido social del gusto. Elementos para una sociología de la cultura, Buenos Aires: Siglo Veintiuno,
2010, pp. 19‐42.
5. Bibliografía Ampliatoria
Unidad I:
 Fernández Vega, José (2006). “Miserias de la autonomía: la política del arte despolitizado”, en Lo
contrario de la infelicidad: promesas estéticas y mutaciones políticas del arte actual, Buenos Aires:
Prometeo Libros, 2006, pp. 33‐53.
 Foster, Hal (1996). "Antinomias en la historia del arte", en Diseño y delito, Madrid: Akal, 2004, pp. 83‐
103.
 Jiménez, Marc (2005). "Clement Greenberg y la declinación de la crítica modernista", "Theodor W.
Adorno y el fin de la modernidad", "El relato posmoderno", en La querella del arte contemporáneo,
Buenos Aires: Amorrortu, 2010, pp. 101‐133.
Unidad II:
 Giunta, Andrea (2004). "Acerca del arte más contemporáneo", en Poscrisis. Arte argentino después de
2001, Buenos Aires: Siglo Veintiuno, 2009, pp. 119‐138.
 Nancy, Jean‐Luc (2006). "El arte hoy", en El arte hoy, Buenos Aires: Prometeo, 2014, pp. 19‐36.
 Souriau, Étienne (1990). Diccionario Akal de Estética, entradas "Forma", "Formalista", Madrid: Akal,
1998, pp. 590‐596
 Williams, Raymond (1977). "Las formas", en Marxismo y Literatura, Barcelona: Ediciones Península,
2000, pp. 213‐219.
Unidad III:
 Bourdieu, Pierre (1984). "¿Y quién creó a los creadores?", en En Sociología de la cultura, México, D.F.:
Grijalbo‐ Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, 1990, pp. 159‐169.
 Foster, Hall (1996). "El artista como etnógrafo", en El retorno de lo real. La vanguardia a finales de
siglo, Madrid: Ediciones Akal, 2001, pp. 175‐208.
 Millet, Catherine (2006). "Topología", en El arte contemporáneo, Buenos Aires, La Marca Editora,
2018, pp. 63‐90.
 Perniola, Mario, (2000). "El tercer régimen del arte", en El arte y su sombra, Madrid: Cátedra, 2002,
pp. 71‐84.
6. Propuesta metodológica*:
El desarrollo de esta materia intercalará diversas actividades y modalidades de trabajo a fin de desplegar los
contenidos propuestos y de acuerdo con los objetivos planteados:
IF-2022-00334496-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 7
 Exposiciones a cargo del equipo de cátedra: presentaciones de los conceptos y problemas nodales y
de los textos de referencia seleccionados para abordarlos (perspectivas de los respectivos autores,
contextualización de sus propuestas), ejemplos. Explicitación de criterios de trabajo. Esta instancia
apunta a la conformación de algunos acuerdos mínimos que permitan sustentar el desarrollo las
actividades de lectura y ejercicios de análisis, tanto como el debate en el espacio del aula.
 Actividades de lectura: constituyen el soporte fundamental para el cursado; requieren una práctica
individual sostenida que, además de la incorporación de ciertos contenidos específicos, se orienta a
desarrollar y/o consolidar diversas habilidades asociadas a su ejercicio (identificación de palabras clave
de un texto, comprensión o identificación de proposiciones centrales, sistematización de contenidos,
elaboración de síntesis, conexión con otros textos, etc.). Incluyen la utilización de guías de lectura y
realización de ejercicios ad‐hoc.
 Actividades de análisis de obras: en estas actividades (individuales/grupales) se pondrán a prueba las

herramientas teórico‐conceptuales ofrecidas a partir del abordaje de casos concretos, como así
también, la indagación empírica con estrategias diversas (registros visuales, notas, etc.). Este esfuerzo
de transferencia supone la posibilidad de ensayar aproximaciones críticas a producciones artísticas más
o menos próximas, desde argumentaciones fundadas y coherentes, atentas una complejidad de
factores y problemas.
 Actividades de escritura: asociadas a las dos anteriores, suponen la producción de textos con pautas
específicas para su elaboración (problema/tema, naturaleza del escrito, extensión, objetivos, etc.).
 Debates y puestas en común: actividades que acompañan y complementan el desarrollo de las antes
mencionadas, suponen un intercambio activo en relación a los problemas que conforman el eje de la
materia. Constituyen un recurso valioso por cuanto estimulan las actividades de lectura y de reflexión,
a la vez que, colaborar para su revisión y construcción de nuevos interrogantes en la dinámica
colectiva.
7. Evaluación*:
Se realizará 1 (un) trabajo práctico y 2 (dos) parciales. Las evaluaciones se realizarán en relación a los
contenidos y materiales bibliográficos planteados en cada unidad. Las consignas, objetivos, requisitos y
criterios de evaluación específicos de cada trabajo se explicitarán durante el cursado.
Los criterios generales de evaluación en la presentación de los trabajos prácticos y parciales comprenden:
 ajuste a las consignas e indicaciones de trabajo;
 claridad y coherencia conceptual;
 capacidad de síntesis;
 competencia para generar relaciones;
 aptitud para buscar y recopilar información relevante en función de ciertos interrogantes;
 compromiso en el proceso de investigación;
 capacidad de transferencia de las categorías o conceptos trabajados al análisis de obras específicas.
8. Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres*:

Ajustados a la reglamentación vigente (Régimen de estudiantes en: https://artes.unc.edu.ar/regimen‐de‐
alumnos/ y Régimen de estudiantes trabajadores y/o con familiares a cargo en:
https://artes.unc.edu.ar/estudiantes/estudiantes‐trabajadores‐o‐con‐familiares‐a‐cargo/.) En el caso de
Elementos para una teoría del arte, corresponde lo indicado para "espacios curriculares teórico‐prácticos
puntuales".
IF-2022-00334496-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 7
 Aprobar el 80 % de los trabajos prácticos evaluativos con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio
mínimo de 7 (siete); aprobar la totalidad de las evaluaciones parciales, con calificaciones iguales o mayores a 6
(seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). Pudiendo recuperar al menos una evaluación parcial y una práctica para
acceder a la promoción. El 20% de los trabajos prácticos evaluativos restante no son promediables ni por

 Aprobar el 80% de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y aprobar el 80% de las
Evaluaciones Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar evaluaciones
parciales y prácticas para acceder a la regularidad. El 20% de los trabajos prácticos evaluativos y el 20% de los
parciales restantes no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo. Haber entregado los trabajos en tiempo
y forma según las indicaciones estipuladas por la cátedra.

La/el estudiante deberá aprobar con una calificación igual o mayor a 4 (cuatro). Puede preparar para el examen oral una
exposición de no más de 10 minutos que vincule al menos dos contenidos de unidades diferentes del programa que hayan
sido de su especial interés. El tribunal podrá hacer preguntas sobre esta presentación y el resto del programa.
Examen de alumna/o libre:

Quienes no cumplan con alguno de los requisitos anteriores será considerado alumna/o libre.
El día del examen la/el estudiante deberá aprobar con una calificación igual o mayor a 4 (cuatro) un examen teórico escrito
planteado a partir de la bibliografía del programa vigente para luego, realizar una defensa oral de su examen escrito. Si la
nota del escrito fuera igual o superior a 8 (ocho) podrá optar por no realizar la instancia oral.
9. Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene: No corresponde
IF-2022-00334496-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 7
10. Cronograma tentativo*
n° clase fecha ejes de trabajo

1 02/09/2020 present materia + present. U1 + indicac. lectura texto 1 (Bozal)
2 09/09/2020 present. texto 1 (Bozal) + consultas texto 1 + indicac. lectura texto
2 (Huyssen)
3 16/09/2020 present . texto 2 (Huyssen) + consultas texto 2 + consign.TP 1
4 23/09/2020 sínt. U1 + consultas + indicac. lectura texto 3 (Escobar)
25/09/2020 [pzo. entrega TP1]
5 30/09/2020 present. U2 + present. texto 3 (Escobar)
6 07/10/2020 consultas texto 3 (Escobar) + devoluc. TP1 [notas TP1] + consign.
Parcial 1
7 14/10/2020 consultas Parcial 1
16/10/2020 [pzo. entrega Parcial 1]
8 21/10/2020 present. U3 + indicac. lectura texto 4 (Benjamin)
9 28/10/2020 present. texto 4 (Benjamin) + consultas texto 4 + devoluc. Parcial1
[notas P1] + indicac. lectura texto 5 (Bourdieu)
10 04/11/2020 present. texto 5 (Bourdieu) + consultas texto 3 + consign. Parcial 2
11 11/11/2020 sínt. U3 + consultas parcial 2
13/11/2020 [pzo. entrega Parcial 2]
12 18/11/2020 consultas gral.
13 25/11/2020 [notas P2 + indicac. recuperatorios]
14 02/12/2020 consulta recuperatorios
04/12/2020 [pzo. entrega recuperatorios]
15 09/12/2020 [notas finales / condiciones]
* Aclaración: En virtud de las inusuales circunstancias generadas desde marzo de 2020 por el COVID‐19 y de las
resoluciones adoptadas al respecto por la Facultad de Artes, diversos aspectos del presente programa
(distribución horaria, bibliografía, propuesta metodológica, evaluación, cronograma), están sujetos a diversos
ajustes. No obstante, se pretenden conservar, en la medida de lo posible, los lineamientos generales de la
materia, su perspectiva de abordaje, contenidos y objetivos de trabajo, aun cuando estos deban adaptarse a
particulares condiciones de cursado.
Marta Fuentes
2020
IF-2022-00334496-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 7

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2012 - Elementos para una Teoría del Arte

Date: 2022.05.09 13:19:57 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:20:03 -03'00'
Departamento Académico:
Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales y Profesorado en Educación
Plástica y Visual
Asignatura: SISTEMAS DE REPRESENTACIÓN

Año Curricular: SEGUNDO AÑO
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular interina: Doctorada INÉS MARIETTI
Prof. Adjunto: Dra. FABIOLA DE LA PRECILLA
Prof. Asistente: Mag. SERGIO YONAHARA
Ayudantes Alumnos: JAVIER LORDA, DANIEL LUERE, MAGALÍ
MACHADO,PILAR CARRANZA
Y BERRINI LUZ FLORENCIA.
Turno único: Jueves de 13.00 a 16 Y 45hrs Consultas: miércoles de 17.30
horas a 18.30 horas, Aula virtual de la F.A.
PROGRAMA
1- FUNDAMENTACIÓN
Los sistemas gráficos de representación constituyen herramientas
indispensables para expresar
con precisión matemática la magnitud y disposición de objetos en el
espacio tridimensional.
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 1 de 9
1
Constituyen un lenguaje indispensable para quienes deben expresarse

acerca de volúmenes,
formas y relaciones entre ellas. La creación de un proyecto implica un
registro visual de acceso
común. Permite la materialización en la bidimensionalidad de un papel, y
después en una maqueta,
de una idea. El conocimiento y familiarización de los sistemas gráficos de
representación constituye
un soporte fundamental para el dibujo y la composición pictórica y
escultórica. El alumno
estructura los volúmenes y puede realizar propuestas vinculadas con un
realismo visual o a través
de la trasgresión representativa o utilizando sistemas no convencionales
de representación puede
abordar con procedimientos ópticos o matemáticos la deformación
reversible de la imagen Planos,
perspectivas, maquetas, cuando representan una idea no materializada,
dan forma a proyectos
modificables permanentemente, en una gimnasia posible por la agilidad
propia de estos sistemas
de representación, hoy potenciados por la tecnología digital. Esta
asignatura proporciona la
posibilidad de entender y utilizar los diferentes lenguajes técnicos de
representación de la imagen, y capacita al alumno para leer y relacionar
las diferentes formas de representación. La presencia y el sentido que
tiene en el currículo de Plástica es fundamentar analíticamente las claves
geométricas que permitan al alumno la comprensión y realización de las
tareas propias de esta modalidad, sirviendo de nexo de unión con otras
materias. Sus contenidos deben favorecer implícita y explícitamente
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 2 de 9
2
las tácticas que alienten en el alumno su curiosidad hacia el sentido
investigador de las formas, y que le sirvan como instrumento creador para
formalizar sus proyectos.
Departamento Académico: Carrera/s: PLAN 1985 Y PLAN 2014 Asignatura:
SISTEMAS DE
REPRESENTACIÓN
2- OBJETIVOS GENERALES DE LA SIGNATURA
- Adquirir las destrezas necesarias para comprender y utilizar los
diferentes procedimientos
gráficos de uso habitual en la arquitectura para "pensar" y representar el
espacio y las
formas.
- Desarrollar la capacidad para seleccionar el procedimiento más eficaz en
relación al tipo de
mensaje que se desea transmitir en el campo artístico, conociendo a la vez
los diferentes
modos de representación utilizados por otras culturas en otros tiempos y
lugares.
-Articular los conocimientos adquiridos con las asignaturas del mismo año
que desarrollan
contenidos donde se implica la tercera dimensión, Visión II, Pintura I,
Dibujo y Escultura I y
como antecedente de los contenidos de Diseño e Interrelación de las
Artes.
- Mediante la aplicación de los conocimientos adquiridos introducir al
alumno en problemáticas de diseño espacial como montajes de muestras
artísticas, escenografías, instalaciones como forma de expresión artística,
montajes en espacios urbanos.
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 3 de 9
- Preparar al alumno en la ejecución de legajos técnicos sobre proyectos
de su autoría, en propuestas emergentes de las demandas de su
profesión.
3- CONTENIDOS
UNIDAD 1: Los Sistemas de Representación en la historia
Formas de representación del espacio en la historia del arte. Bibliografía
específica: - Apuntes
elaborados por la cátedra: - Los juegos de mesa y las mesas de banquete.
Breve reseña de los
sistemas de representación en la historia del arte a través de imágenes
sobre el tema.
UNIDAD 2: Las perspectivas paralelas en la historia del arte
Las perspectivas paralelas: axonometrías Isométricas y caballeras.
Bibliografía específica: Apunte
elaborado por la cátedra sobre Perspectivas Paralelas.
UNIDAD 3: Normas para el dibujo de planos de arquitectura
Plantas, cortes y vistas. Planimetrías. Escalas. Bibliografía específica:
Apuntes elaborados por la
cátedra, Escala y normas para el dibujo de planos.
2
UNIDAD 4 : La perspectiva en la historia del arte. Perspectiva cónica.
Perspectivas cónicas con uno y dos puntos de fuga. Método de visuales.
Punto de distancia.
Perspectivas aéreas. Intuitivas, por reflexión especular El croquis
secuencial, centro de interés,
enfoque, encuadre. Análisis espacial. Iluminación. Punto de observación.
La perspectiva retardada y
la perspectiva acelerada en el arte. Fotomontaje.
Bibliografía específica: - Apuntes elaborados por la cátedra: - Perspectiva
cónica. Visuales y Punto de
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 4 de 9
distancia – Fotomontaje.
UNIDAD 5: Las sombras en la historia del arte
Las sombras y el espacio. Determinación gráfica de sombras.
Determinación de sombras en interiores
perspectivados con uno o más focos luminosos. Determinación de
sombras por incidencia de la luz solar.
Bibliografía específica: - Apuntes elaborados por la cátedra: - El Espacio de
las Sombras - SÁNCHEZ,
Severo. Guía práctica sobre sistemas de representación, Córdoba. UNC.
Bibliografía general (gráfica) - FERREYRA CENTENO, Raúl. El Croquis, 8ª.
Ed. Córdoba
- NAVILLI, Norma E, Encastre e inclusión, 2da. Ed. Córdoba, Talleres
Gráficos de la FAUUNC, 1990. -
PARRAMÓN, José M, El gran libro de la perspectiva, Barcelona, Parramón
Ediciones, 1991. -
QUAINTENNE, Esteban. Tratado Metódico de Perspectiva.3ra ed. Buenos
Aires. Editorial
Construcciones Sudamericanas, 1944.
4- METODOLOGÍA
Todas las unidades se desarrollan sobre proyectos específicos - posibles en
la vida profesional de un artista para lo cual el alumno desarrolla la
totalidad del legajo técnico correspondiente según las necesidades en
cada caso. Bocetos previos, planos, pliegos, maquetas. En las clases
teóricas se utiliza Power Point preparados para cada caso, los ejercicios de
construcción gráfica se realizan paso a paso, adecuados al aula virtual .
Los ejercicios se reformulan para ajustar los trabajos a la situación de
Pandemia.
- Compendio de fotocopias de autores varios Anamorfosis y perspectiva
forzada.
5. EVALUACIONES
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 5 de 9
Todos los temas son desarrollados en forma individual. Las correcciones y
la evaluación de cada
práctico se realizan en forma virtual, en PDF entregados en aula virtual.
Incluyendo a la materia dentro del grupo del espacio
curricular teórico práctico procesual Asincrónico.
Se evaluará tres instancias de trabajos prácticos y un parcial integrador de
las unidades. Los alumnos podrán recuperar las instancias evaluativas sin
perder la condición de cursado ya sea por inasistencias o aplazo.
Será considerado PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes
condiciones mínimas:
aprobar el 80 % de las instancias evaluativas. Con calificaciones mayores o
iguales a 6 seis y un promedio mínimo de 7 siete.
Se contempla un mínimo de asistencia virtual que no supere el 80 % del
total.
Se tendrá en cuenta al alumno trabajador y los requisitos normatizados.
Condiciones para la regularización: Son alumnos REGULARES aquellos que
cumplan las siguientes
condiciones: el 75% de instancias evaluativas con calificaciones iguales o
mayores a 4 cuatro. Podrá
recuperar una instancia evaluadora para acceder a la regularidad. El 25%
por ciento.
Tendrán una regularidad por tres años.
Los alumnos libres: Deberán desarrollar dos instancias una de carácter
escrito y otra de carácter oral. Contemplándose en ambos aspectos
teóricos y prácticos.
Los alumnos vocacionales: Según normas vigentes.
El Curso se regula por el régimen de alumno: OHCD 01/2018
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 6 de 9
Y a la reglamentación vigente del régimen de alumno trabajador:
https://artes.unc.edu.ar/estudiantes/estudiantes-trabajadores-o-con-
familiares-a-cargo/
Cronograma tentativo (de desarrollo de unidades, trabajos prácticos,
evaluaciones y recuperatorios)
Marzo 2020: Unidad 1: Los Sistemas de Representación en la historia
Presentación de la materia. Teórico-práctico. Diagnóstico de los sistemas
de representación espacial.
Abril 2020 Unidad 2: Las perspectivas paralelas en la historia del arte.
Teórico-Práctico. Las
perspectivas paralelas: axonometrías Isométrica. Desarrollo de una serie
de ejercicios con
perspectiva isométrica: particiones regulares de cubos, adición,
sustracción. Cono, cilindro, pirámide.
Volúmenes imposibles, espacio circundante. Primera instancia evaluativa.
Abril 2020: Unidad No. 3: Normas para el dibujo de planos de arquitectura
Sistemas Monge: Plantas, vistas laterales, cortes. Planimetrías. Escalas.
Aplicación de plantas, vistas
laterales y superiores, cotas de volúmenes simples representados en
perspectiva isométrica. Empleo de Escalas.
Bibliografía específica: Apuntes elaborados por la cátedra, Escala y normas

para el dibujo de planos
A partir de plantas y vistas laterales representación de espacios con
perspectivas isométricas y viceversa. Aplicación de medidas a Escala:
cotas. Arcos, pirámides y poliedros regulares. Evaluación
de Trabajos Prácticos 1, 2 y 3. Segunda instancia evaluativa.
Mayo 2020: Unidad 4: La perspectiva en la historia del arte. Perspectivas
cónicas con un punto de fuga. Intuitivas, por reflexión especular.
Representación de volúmenes simples en perspectiva con
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 7 de 9
1 Punto de Fuga (PF) de perspectiva intuitiva. Interiores.
4
Mayo 2020: Perspectivas cónicas con dos puntos de fuga. Perspectiva
intuitiva y por Método de visuales
Representación de poliedros en perspectiva polar con 2 PF. Tercera
instancia evaluativa
Junio 2020: Unidad 5: Las sombras en la historia del arte. Las sombras y el
espacio. Determinación
gráfica de sombras. Determinación de sombras en interiores
perspectivados con uno o más focos luminosos.
Determinación de sombras por incidencia de la luz solar. Ejercicios de
aplicación de sombras en espacios interior y exterior, método de
sombras.
Cada instancia evaluadora tendrá la posibilidad de recuperación.
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 8 de 9
5
IF-2022-00334521-UNC-DDG#FA
página 9 de 9

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2013 - Sistemas de Representación

Date: 2022.05.09 13:21:32 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:21:38 -03'00'
Programa de Pintura II.
Por: Alejandra Perié

Asignatura Pintura 2 y Profesorado en Educación Plástica
Año Curricular: 2do Año
Equipo Docente: y Visual
- Profesores:
Prof. Titular: Alejandra Perié (Comisión de la mañana)
Prof. Adjunta a cargo: Florencia Agüero (Comisión de la tarde)
Prof. JTP: Valeria López, Constanza Molina
- Ayudantes Alumnos y Adscriptos: (a precisar luego de la selección)
Distribución
Turno mañana: Miércoles y viernes de 9 a 13 hs
Turno tarde: Martes y miércoles de 16 a 20 hs
Contacto:
perie.alejandra@gmail.com (Titular), florenciaguero@gmail.com (Adjunta)
DEPARTAMENTO ACADÉMICO: Artes Visuales

CARGO Y DEDICACIÓN: Prof. Titular Dedicación Semiexclusiva
ASIGNATURA: Pintura II
CARRERA: Licenciatura en Artes Visuales
PLAN DE ESTUDIO: 2014
UBICACIÓN VERTICAL EN PLAN DE ESTUDIOS: Ciclo Básico- 22 año
Fundamentos.
“La toma de consciencia de la pintura, el nacimiento de la
concepción moderna de la imagen, y finalmente la aparición
de la imagen del artista, muestran perentoriamente que la
invención del cuadro, antes que incorporar un sueño de
pureza, fue el fruto de la dramática confrontación de la nueva
imagen con su propio status, con sus propios límites” Victor
Stoichita, La invención del cuadro.
El punto de partida para la elaboración de este programa ha sido volver a idear –con un sentido
analítico y lúdico al mismo tiempo- algunas de las líneas de trabajo que ya se vienen realizando
históricamente en este espacio curricular en relación también a los otros espacios que interactúan
en este trayecto del plan.
La problemática más tangible de este estadio –el de Pintura II- es dimensionar el estado actual en
que se halla la práctica pictórica en tanto práctica de representación y en tanto disciplina del arte
que reflexiona sobre sus propias capacidades, límites y posibilidades expansivas, en un territorio de
formación, como lo es la universidad.
¿Qué implica pensar y practicar la pintura en un segundo año de una currícula en artes que es a la
vez un cierre de un ciclo básico de licenciatura? Proponemos tres tópicos para responder este
interrogante:
(i) La pintura como ‘lenguaje’.
La pintura entendida como lenguaje o conjunto significante despliega por sí misma una
potencialidad analítica sobre sus propios procesos de producción, lo que podemos designar como
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 26
“pensar la pintura mientras se hace la pintura”. Dicho de otro modo, el propio hacer pictórico ha
desplegado desde los orígenes de la representación, una potencia analítica que implica la
producción de sentido de cada momento procedimental en sí mismo. El propio decurso de la
historia de la pintura es un sucesivo análisis dicha práctica sobre sus propios procedimientos y
posibilidades enunciativas.
Por otra parte la pintura no solo despliega significado a través de los recursos pictóricos que pone
en juego –signos plásticos e icónicos- sino que precisamente en tanto cuadro (tableau, o
representación) favorece la interacción de significados con otros textos (o conjuntos significantes)
de muy diversa índole, situados en muy variados contextos y producidos desde otros lenguajes. Por
lo que este Programa tendrá como propósito principal reflexionar sobre la pintura como lenguaje.
(ii) La pintura ¿es un tipo de problema? Superficie vs. Representación
Pintura, es un término que en sí, recuerda su propia especificidad: su nombre remite a la condición
material de un concepto, de su condición como materia prima. Aún cuando el término se emplee en
relación a un contexto artístico, su condición como sustancia matérica nos aproxima claramente a
su sentido técnico-material, y por tanto a la pintura como color. Más allá de la permeabilidad de la
pintura y su concepto, podemos considerar como una de las especificidades más tangibles de esta
práctica, al conjunto de problemas técnico-poéticos que suscita su condición matérico-cromática. El
color, si bien puede no ser exclusivo de la materia pictórica, ha sido en la tradición de la pintura un
rasgo diferencial. Será una de las razones por las que el Programa centrará sus intereses cognitivos
en dicha problemática: el tipo de situación que implica la pintura como color, como superficie y
como cuadro. La pintura es en sí una reducción a la superficie (respecto de la escultura por
ejemplo) reduce la realidad aparente creando un sistema que se rige por sus propias reglas (las del
color). En el otro extremo, la pintura también es un tableau, o un cuadro, como afirma Fililberto
Menna1. La pintura como lenguaje, plantea un problema: la relación dialéctica entre superficie y
representación, entre peinture y tableau. Cuando la pintura tiende al polo de la superficie o del
sistema, es cuando la práctica pictórica advierte la necesidad de una nueva formulación de su
propio lenguaje. Cuando, en cambio predomina la polaridad del cuadro o tableau, es como si la
pintura olvidara las bases sistemáticas de su lenguaje y se centra en su capacidad narrativa o su
condición de fábula pictórica. En medio, nos interesan en este Programa, todas las tensiones que
pueden ser exploradas dentro de esta polaridad.
(iii) El acontecimiento pictórico poético
La idea de arte implícita en toda manifestación artística a través del modo de formar es lo que
numerosos autores denominan poética. Este Programa tiene la intención de proponer el desafío de
pensar lo pictórico como un ejercicio de poética en el que lo técnico y procedimental es cada vez, un
problema de conocimiento específico del orden del hacer. Hacer pintura, reflexionando sobre cómo
es el modo de formar, contiene en sí el método de una poética que deberá dialogar con el pasado, el
presente y el futuro del arte.
Al mismo tiempo, la complejidad de la pintura como práctica hoy es su condición de funcionar

atravesada por la interacción de diversos modos de existencia que cruzan su naturaleza: por una
parte, el caudal de experiencias estéticas y la transmisión de conocimiento, y por otra, el universo
de objetos artísticos, su clasificación y valoración social. Los límites de la pintura, así como los del
arte, poseen rasgos que dibujan y desdibujan su territorio ampliado. El Programa aspira, por tanto,
a sentar las bases que promuevan la adquisición de un saber pictórico visualizando dicha
complejidad y sus potencialidades en el orden del hacer contemporáneo.
Esta documentación contiene información fundamental sobre objetivos, contenidos y metodología

para el dictado del curso cuatrimestral de la Cátedra de Pintura II, de acuerdo a los contenidos
mínimos establecidos en el Plan de estudios 2014, para el Departamento de Artes Visuales, Facultad
de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba. La lectura atenta de este documento es vital para el
desarrollo de la dinámica que se ha previsto en el cursado de Pintura II.
1Menna Filiberto, La opción analítica del arte moderno. Figuras e íconos. Gustavo Gilli, Barcelona,
1977 p. 24.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 26
Objetivos Generales:
Que el alumno sea capaz de :
 Adquirir la capacidad de reconocer las características que hacen de la pintura un lenguaje y una
práctica específica dentro de la tradición y actualidad del arte.
 Adquirir el dominio de aquellos procedimientos técnicos que permitan abordar la representación

pictórica desde una perspectiva contemporánea y reflexiva.
 Desarrollar la capacidad de observación y el análisis de las particularidades de los géneros pictóricos

más paradigmáticos de la historia y su permanente diálogo con la práctica de la pintura.
 Desarrollar el hábito de la reflexión y discernimiento crítico frente al problema de la elaboración

pictórica en función de diversas situaciones problemáticas.
 Realizar una práctica pictórica que sea consistente y coherente en términos materiales, técnicos y
procedimentales .
 Favorecer un permanente diálogo entre las propuestas de este espacio particular y los demás
espacios académicos curriculares.
 Analizar y referenciar sus procesos pictóricos en términos artísticos, culturales e históricos.
 Definir estrategias de configuración propuestas en el horizonte de las

expectativas y fundamentos del arte contemporáneo.
Contenidos
Unidad 1. La pintura como lenguaje. Superficie vs. Representación :
La pintura como sistema. Las unidades de base y las reglas combinatorias. La tela y el motivo. Las
técnicas pictóricas y sus potenciales campos procedimentales. La crisis de la representación.
Técnica y pintura. Soportes, materiales y condiciones de producción. El paisaje como género que
permite observar y analizar la crisis de la representación y su estatuto.
-Adquirir la capacidad de reconocer las características del género paisaje a partir del empleo de las
nociones de superficie y representación (F.Menna).
-Adquirir el dominio de aquellos procedimientos técnicos que permitan abordar la representación

pictórica del paisaje y géneros próximos desde una perspectiva contemporánea y reflexiva,
comenzando a explorar el color de un modo heurístico.
-Desarrollar la capacidad de observación y el análisis de las particularidades de un género pictórico

paradigmático de la historia a partir del contacto con un corpus de imágenes diversas.
Unidad 2. La configuración del espacio de representación vs. El color como configurador: el

archivo de la pintura:
-Composición y contexto de la pintura de representación. Encuadre o forma del espacio. Esquemas

compositivos y modalidades de representación. Formatos y proporciones. La organización del
plano. Tamaño y relación de los elementos. La ilusión de profundidad.
-El color como determinante y configurador del espacio plástico. El color como problema teórico.
Enfoques. Relación y oposición de tonos, valores y saturación. Posibilidades combinatorias. Dibujo
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 26
y color. Subordinación y tensiones. Color y composición. Color y forma. Materialidad del color. El
color en relación con el material y los procedimientos técnicos pictóricos.
-La escena pictórica. Experiencia de la imagen y experiencia del objeto. La pintura y sus géneros. La
naturaleza muerta como problema metapictórico.
-Adquirir la capacidad de identificar el conjunto de recursos (más bien gráficos que cromáticos) que
están a disposición del pintor al momento de planificar o idear su pintura.
-Adquirir el dominio de aquellos procedimientos técnicos que permitan abordar la representación

pictórica como un conjunto de partes que se organizan, distribuyen y distinguen de acuerdo a un
determinado sistema de la pintura.
-Desarrollar la capacidad de observación y el análisis de las particularidades de ciertos géneros

pictóricos en los que la composición y el color han sido coordinados de modos diversos y han
generado una problemática específica.
Unidad 3. La práctica pictórica desacralizada: nuevos modos de ver y de pintar. Géneros y

problemáticas:
-El cuerpo como problema de la representación. Retratos, autoretratos, escenas. El cuerpo y la

noción de sujeto en la vida cotidiana. El cuerpo como experiencia de movimiento en la ciudad.
Cuerpo, movimiento y objetos de la vida urbana. Hiperrealismo y cuerpo en la pintura
contemporánea.
Que el alumno sea capaz de:
-Favorecer la aproximación a la experiencia y exploración del concepto de cuerpo, como uno de los
problemas de representación más paradigmáticos de la historia del arte .
-Reflexionar y llevar a la práctica pictórica, una serie de técnicas y procedimientos

representacionales que el arte contemporáneo ha problematizado generando nuevos modos de ver.
Unidad 4. Tiempo, sujeto, entorno urbano, y escopicidad:
-La fotografía y la pintura en un campo de expansión. Reproductibilidad, singularidad y abstracción.

Producción individual y producción colectiva: tensiones. Técnicas, escalas, soportes y problemas de
la pintura contemporánea. Work in progress. Imágenes de reproducción. Análisis y metapintura.
Las paradojas icónico-pictóricas. Fotografía y pintura contemporánea. Hiperrealismo.
-La postpintura como campo contra-representacional.

El archivo de la pintura contemporánea. Géneros y expansiones genéricas. La pintura como
problema actual: ¿porqué seguimos pintando?. El material más allá de la forma dominante. El
proceso y sus etapas autoreflexivas como producto expositivo. Arte como idea y pluralidad de
medios.
-Favorecer las dinámicas que habiliten prácticas de investigación pictóricas colectivas

representacionales y autoreflexivas, que al mismo tiempo que diluyan la forma dominante, tengan
consistencia en términos materiales, técnicos y procedimentales .
-Definir estrategias de configuración propuestas en el horizonte de las

expectativas y fundamentos del arte contemporáneo, en este caso, en términos de construcción
colectiva y exploración del espacio instalativo.
-Analizar y referenciar sus procesos pictóricos en términos artísticos, culturales e históricos.

IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 26
-Desarrollar su sensibilidad valorativa mediante la toma de conciencia de nuevos aspectos de la
practica pictórica como género contemporáneo. Observando dicha práctica como posible campo de
investigación individual y colectiva.
Cursada 2020.
Aclaración importante: este año por razones múltiples hemos implementado una nueva
secuencia de trabajos prácticos cuya modalidad presencial incluiría actividades grupales
pero que, en la instancia virtual, serán individuales. Hemos diseñado 3 etapas realizativas
para las 4 unidades.
Trabajos Prácticos.
Importante: De acuerdo a las circunstancias que hacen a la instancia semipresencial de 2020, por el
Coronavirus, pediremos que los trabajos sean fotografiados o escaneados y con las imágenes (en la
mejor resolución que se pueda) se configuren los PDF , uno por cada etapa, agregando por escrito
todas las indicaciones que consideren pertinentes. Los PDF serán subidos al aula virtual y en caso
de no poder hacerlo, deberán subirlos al drive en la pestaña correspondiente indicado por la
Cátedra. Dada la situación de cuarentena por la que se atraviesa se comprenderá que el alumno no
cuente con los materiales necesarios para lo solicitado, razón por la cual se tendrá en cuenta este
aspecto en la evaluación de los trabajos.
Primeros comentarios:
Usaremos para nuestros trabajos prácticos, ejercicios de clase, y diálogos en general una
terminología específica que nos permita establecer ciertos denominadores comunes respecto de
cómo verbalizamos lo que hacemos.
Por ejemplo, cuando mencionemos “hacer una pintura” nos estamos refiriendo a lo que a veces se
designa como cuadro. Pero en nuestro caso, hacemos una referencia más amplia, que contempla la
expansión de la pintura hasta nuestros días. Una pintura es mucho más que un cuadro.
Etapa 1
Etapa 1 de trabajo
Pintura 2
Etapa 1. "El color como protagonista en la pintura.
Construcción/análisis de paletas."
Contenidos:
Problemáticas metapictóricas para un análisis minucioso y una familiarización con
el color como determinante. El color como problema teórico. Enfoques. Relación y
oposición de tonos, valores y saturación. Posibilidades combinatorias. Dibujo y
color. Subordinación y tensiones. Color y composición. Color y forma. Materialidad
del color. El color en relación con el material y los procedimientos técnicos
pictóricos.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 26
La escena pictórica. Experiencia de la imagen y experiencia del objeto. La pintura y
sus géneros. La naturaleza muerta, el paisaje y la figura humana como problemas
metapictóricos.
Trabajo Práctico 1. Grupal y/o individual2.

Parte a. De la fotografía al collage y del collage a la pintura.
-Conformamos un grupo de 3. Partimos del análisis de 3 fotografías

tangencialmente vinculables a 3 géneros pictóricos tradicionales pero revisados
desde una perspectiva contemporánea: el paisaje, la naturaleza muerta y el cuerpo
representado (es una foto por cada género).
-Cada integrante se quedará con una fotografía y buscará en revistas los colores
que le permitan reconstruir esa imagen desde el ejercicio de un collage en formato
A4. El collage es una interpretación “mimética” de la foto, compuesta por áreas
cromáticas conformadas por pedazos más o menos pequeños de los colores y
tonos recortados de las revistas (ver ejemplos de ejercicios de otros años). El
grado de mímesis será regulado por cada uno.
Lo importante es que el collage te permita dar cuenta la textura del paisaje o
motivo que te haya tocado (observar algunos de los casos históricos propuestos en
la clase teórica 1: impresionismo y post-impresionismo, siguiendo la línea analítica
de Seurat)3 . Seguirás el ejercicio de trazar zonas diferenciadas mediante la
identificación de las texturas (cielo, montañas, pradera, etc), pudiendo modificar
los colores en función de las gamas que encuentres en las revistas para recortar. El
grado de iconicidad de esta nueva imagen que estamos logrando con el collage,
dependerá de las decisiones de cada uno en su exploración de la representación.
-Una vez concluido este collage, se lo daremos a un compañero del grupo, tomando
el de otro y cada uno hará un estudio cromático ensayando con diversos
materiales, modos de hacer paletas cromáticas (ver ejemplos e instructivos) de
este collage hecho por otro. Este análisis del color nos permitirá el paso siguiente:
reproducir este collage con la mayor precisión posible en una hoja A4 de papel
entelado, teniendo en cuenta que estamos pintando ni más ni menos, los detalles
de la superficie del cuadro (texturas, tonos, gradientes, etc., como explica F.
Menna4) y no los íconos (árbol, montaña, paisaje).
Si bien esta parte es individual, es muy enriquecedor socializar lo que vamos
descubriendo en el proceso de trabajo (ver ejemplo).
Parte a: se entregan las fotografías, el análisis con las relaciones con la historia de
la pintura (anotaciones, esquemas, etc), un collage A4 y su reproducción pictórica,
y los estudios de paleta. Escribirán una página en forma individual explicando las
razones por las que tomaron las principales decisiones en el proceso.
Parte b. De la superficie del cuadro a al relato pictórico
2 Aclaramos que debido a las circunstancias específicas del cursado en el 2020, hemos
implementado la instancia como individual, cuando en circunstancias habituales habría dinámicas
grupales.
3 Ver en clase teórica 1 y en Archivo de casos ejemplares.
4 Ver PDF sobre su texto La opción analítica del arte moderno. Figuras e íconos. PDF_ Filiberto
Menna_indicaciones
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 26
-Volverán a observar el proceso, fundamentalmente las fotografías del punto de
partida, referidas a los géneros de la historia del arte (paisaje, naturaleza muerta y
cuerpo humano). Buscarán obras de arte pictóricas en la historia que
intuitivamente les parezcan vinculables con estas fotografías. Documentar lo
dialogado en una bitácora con bocetos y enunciados, es decir, empleando recursos
gráficos y de escritura, palabras, flechas, diagramas, todo medio que te permita
explicar las relaciones de un modo más claro y útil.
-Grupalmente desarrollarán una serie de imágenes al modo de viñetas (o un solo

trabajo que reúna elementos de una narración en simultáneo) que representen
escenas que se constituyan como una re-interpretación de las imágenes que ya
conforman el proceso (a partir del resultado de las pinturas de los 3 collages). Vale
decir, que las fotografías, los collages, las imágenes de la historia de la pintura nos
sirven para pensar en una historia contada con imágenes (contada en varias
escenas sucesivas o varias escenas en un gran y complejo trabajo que las cuenta
simultáneamente). Primero harán bocetos y anotaciones (con marcadores y
lápices) y finalmente las representaciones pictóricas (3 o 4 en formato A3 o una
sola más grande que A3) se harán con acrílico, tomando decisiones técnicas
acordes con el plan de la narración y los intereses pictóricos del grupo. Las
decisiones cromáticas son libres. Es importante que puedan explicar al finalizar el
trabajo, este tipo de decisiones por escrito y las imágenes de bitácora. Explicar
cómo es que uso esta imagen que pinté para contar esta historia. Es importante en
esta parte del trabajo, recurrir a los procedimientos ya estudiados en la
elaboración del punto a, sobre modos diversos de realizar pinceladas, el
tratamiento del color, la tensión entre superficie y representación, etc. Tomaremos
como un aspecto importante el tratamiento pictórico que no se apoya en el dibujo
como separador de figuras.
Parte b: se entregan los bocetos de la viñeta o gran trabajo, las anotaciones, el plan
de la narración, y las pinturas terminadas.
Conceptos importantes para los análisis del proceso: polaridad entre

superficie y representación, fábula pictórica, análisis de la pintura, contrastes
cromáticos, metapictórico, naturalismo, ilusionismo pictórico, iconicidad,
concreción, materialidad, paradoja de la pintura, visibilidad (en la pintura), forma
abierta, relación dialéctica entre figura-fondo.
Pautas de evaluación:
-Elaborar en tiempo en tiempo y forma el trabajo.
-Dar cuenta de los contenidos estudiados, tanto en el trabajo pictórico como en las anotaciones
escritas y las preguntas de clase.
-Trabajo contínuo, intensivo y sostenido a través de los medios virtuales o presenciales.
-Preocupación por la prolijidad de los trabajos terminados, y las consecuciones técnicas necesarias
para la propuesta del TP.
Bibliografía a consultar:
Bibliografía Específica principal:

-Berger, John, (2006) El sentido de la vista. Alianza, Madrid. PDF Cap. 31 y 32.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 26
-Charris, Angel Mateo (2012) “David Hockney. The charming king”. Artículo publicado en Arte y
parte, 04, p.18. PDF
-Menna, Filiberto (1977). La opción analítica del arte moderno: figuras e íconos. Barcelona: Gustavo
Gilli. (pp.1-16) PDF
Bibliografía Específica ampliatoria:
Hockney, David (2001). El Conocimiento secreto: El descubrimiento de las técnicas perdidas de los
grandes maestros. Barcelona: Ediciones Destino S.A. (la película y el PDF)
-Menna, Filiberto (1977). La opción analítica del arte moderno: figuras e íconos. Barcelona: Gustavo
Gilli. (pp.1-16)
-Tate, Elizabeth & Harrison Hazel (2011) Enciclopedia de Técnicas de la pintura. Barcelona: Editorial
Acanto. (Resumen/Paisaje)
-Nadeije Laneyrie- Dagen (2013). Leer la pintura. Larousse, Barcelona. (pp. 46-50)
-Kloosterboer, Lorena (2017) Guía completa de pintura al acrílico. Librero, Madrid. (resumen 1)
Etapa 2
Etapa 2 de trabajo
Pintura 2
Etapa 2. "El cuerpo como problema de la
representación y la experiencia del color"
Contenidos:
La práctica pictórica desacralizada: nuevos modos de ver y de pintar el cuerpo.

Géneros y problemáticas. El cuerpo como problema de la representación. Retratos,
autoretratos, escenas. El cuerpo y la noción de sujeto en la vida cotidiana. El
cuerpo como experiencia de movimiento en la ciudad. Cuerpo, movimiento y
objetos de la vida urbana. Hiperrealismo y cuerpo en la pintura contemporánea.

Parte a. El cuerpo en el espacio, visto desde ángulos poco habituales .
1. Ver los videos y leer la bibliografía de esta sección dedicada al cuerpo.
2. (Grupal) Teniendo en cuenta las reflexiones que has hecho después de ver los
tutoriales y videos subidos para este TP seleccionar dos obras pictóricas
contemporáneas (posteriores a 1960, preferentemente seleccionar al menos uno
de los pintores propuestos por la Cátedra) en las que puedas observar la relación
de la representación del cuerpo humano y los objetos que lo rodean en las
5Aclaramos que debido a las circunstancias específicas del cursado en el 2020, hemos
grupales.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 26
composiciones6. Responde y gráfica para llevar a cabo un estudio analítico: ¿Cómo
están representados los cuerpos? ¿En su totalidad o en partes? ¿Cuál es el punto de
mira del observador?. ¿cómo es la técnica de representación? ¿Cómo es el uso del
color? ¿Qué tipo de contrastes se han empleado? ¿El uso del color favorece la
apertura de la forma? ¿Cómo sería hacer un estudio del tratamiento del color para
representar la piel humana? ¿Qué tipo de discurso se ha generado a partir de esa
pintura? ¿qué interés encuentras en esta selección? Escribe tus ideas en la
bitácora. Haz estudios de paleta en diálogo con tu grupo de trabajo.
3. (Individual) Tomando como modelo a un compañero u otra persona cualquiera,

lleva a cabo dos conjuntos de ejercicios pictóricos:
[A] uno en el que representes la totalidad de su cuerpo y
[B] otro en la que representes una parte de su cuerpo.
Para ambos conjuntos, trabaja con fotografías y ampliaciones fotográficas diversas

y ten en cuenta que se evaluaran los bocetos de la bitácora que te permiten el
estudio de las representaciones. Realiza muchos estudios y exploraciones de modo
tal de familiarizarte con la experiencia. Recuerda que hay experiencias históricas
que pueden ayudarte en el ejercicio exploratorio7. La técnica y el material son
libres para estos conjuntos, pero haremos un uso del color restringido, decidiendo
una paleta de 4 colores .
Para esta consigna serán muy importantes algunas prescripciones del libro de
Elizabeth Tate y Hazel Harrison, Enciclopedia de técnicas de la pintura, capítulo
dedicado a Figuras en paisaje y Retratos (pp.134-157). También las referencias
históricas del texto de Nadeije Laneryrie-Dagen, Leer la pintura, pp.32-45.
Parte b. El cuerpo como experiencia y como problema de color .
4. Durante esta etapa, desarrollarás el primer parcial de la asignatura. Semi o

presencialmente (según nuevas indicaciones) realizarás una pintura en gran
formato de cada conjunto (2 en total), con acrílico y óleo, explorando y
combinando las diversas presentadas en las clases hasta el momento y otras que
hayas explorado por tu cuenta. En este parcial es muy importante tener en cuenta
lo que has aprendido en los estudios de obra, en la etapa 1, y en los cuadernillos
explicativos, la lectura de la bibliografía teórica y técnica y sobre todo los aportes
de los docentes en el proceso. Se tendrá en cuenta como asunto primordial, que la
pintura de cuenta de un estudio exhaustivo y previo del color y un tratamiento
pictórico de los volúmenes.
Entrega del primer parcial:

Estudios de bitácora (no menos de 10 bocetos exploratorios con anotaciones
adjuntas) y trabajos del parcial terminados.

6 Ver archivo de Cátedra.

7 Otros pintores que han trabajado estos problemas y ejercicios antes que tú.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 26
abierta, relación dialéctica entre figura-fondo, cuerpo, experiencia, tipos de
contrastes.
Bibliografía Específica:
-M-Godfrey, Tony (2014) La pintura hoy, Phaydon, Barcelona.
Menna, Filiberto (1977). La opción analítica del arte moderno: figuras e íconos. Barcelona: Gustavo
Gilli.
-Nadeije Laneyrie- Dagen (2013). Leer la pintura. Larousse, Barcelona.
-Rose-Marie&Rainer Hagen (2016). Los secretos de las obras de arte. 100 obras maestras en detalle.
Taschen, Barcelona.
-Wilson, Kate. Dibujo y Pintura. Una aproximación nueva y actual a las formas clásicas del arte
(2015). PromoPress, Barcelona.
Etapa 3
Etapa 3 de trabajo
Pintura 2
Etapa 3. Tiempo, sujeto, entorno urbano, y
escopicidad
Contenidos:
La fotografía y la pintura en un campo de expansión. Reproductibilidad,
singularidad y abstracción. Producción individual y producción colectiva:
tensiones. Técnicas, escalas, soportes y problemas de la pintura contemporánea.
Work in progress. Imágenes de reproducción. Análisis y metapintura. Las paradojas
icónico-pictóricas. Fotografía y pintura contemporánea. Hiperrealismo.
La postpintura como campo contra-representacional. El archivo de la pintura
contemporánea. Géneros y expansiones genéricas. La pintura como problema
actual: ¿porqué seguimos pintando?. El material más allá de la forma dominante. El
proceso y sus etapas autoreflexivas como producto expositivo. Arte como idea y
pluralidad de medios.
Técnicas y procedimientos representacionales que el arte contemporáneo ha
problematizado respecto de la idea de cuerpo generando nuevos modos de ver.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 26
Superficie, color, textura y composición en las escenas urbanas, autos
(grupal y en gran formato, o pequeño formato si es individual)
1-Leer los pasajes de los textos propuestos y analizar el corpus de artistas que
hemos reunido sobre imágenes urbanas pictóricas.
2- Conformar un grupo de 5 alumnos. Salir a la calle y tomar 10 fotografías de
escenas urbanas. Imprimirlas.
3-Llevar a cabo un proyecto colectivo pictórico que permita resolver en una
composición pictórica apaisada, una pintura fotográfica de la ciudad. La imagen
general puede estar compuesta por varias tomas. La resolución pictórica debe
poder combinar la técnica de bordes netos y clarooscuro, en forma libre. El
tratamiento deberá dar cuenta de los situaciones ópticas características de las
imágenes fotográficas urbanas. El soporte será tela imprimada, de 1 x 4 metros o
bien papel obra pintado con látex para la base y trabajado con colores de acrílico
(si los poseen o consiguen) o bien al látex. La paleta será limitada.
La consecución de la imagen general deberá incluir como parte del proceso, un
trabajo de proyección para el trazado de la/s imagen/es.
Qué se entrega:
-1 carpeta A4 que contenga las fotografías seleccionadas para el trabajo +
Respuestas de guía de lectura 4+ las reflexiones del grupo sobre el trabajo a
realizar.
-Bitácora
-Bocetos rápidos, de formato A4, materiales a elección..
-Pintura definitiva grupal de 4x1.

abierta, relación dialéctica entre figura-fondo.
8Aclaramos que debido a las circunstancias específicas del cursado en el 2020, hemos
grupales.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 26
-Godfrey, Tony (2014) La pintura hoy, Phaydon, Barcelona.
-Guasch, Anna María. El arte del siglo XX en sus exposiciones. 1945-1995. (1997) Ediciones del
Serbal, Barcelona.
-Groys, Boris, Arte en flujo, Ensayos sobre la evanescencia del presente (2016), Ediciones Caja Negra,
Buenos Aires.
-Anita Fricek: “La pintura contemporánea como mecanismo de crítica institucional.” PÁGS.: 34-48.
En: http://nomadas.ucentral.edu.co/nomadas/pdf/nomadas_30/30_3Z_AnitaFricek.pdf
-Trabajo en clase, intensivo y sostenido.
- Buren, Daniel. La postpintura en el campo expandido.
-Godfrey, Tony (2014) La pintura hoy, Phaydon, Barcelona.
-Hernández Sánchez, Domingo (2005). “Pintura de apariencias. Gerhard Richter y las imágenes
incompletas”. En: Imágenes incompletas. Materiales de arte y estética. Salamanca, Luso-Española de
Ediciones, 2005, pp. 57-118. (CL)
-Moxey, Keith, El tiempo de lo visual. La imagen en la historia (2016). Ed.Sans Soleil, Buenos Aires.
-Buchloh, Benjamin “Conversaciones con Gerhard Richter” (1994), en Gerhard Richter, Museo
Nacional Reina Sofía.
-Perié, María Alejandra. (2008) “Arte procedimental, metasemiosis e inorganicidad, desde los
orígenes del ars programa a la actualidad”. PDF
Otros textos bibliográficos de interés:
-Alpers Svetlana (1987) El arte de describir en el siglo XVII. Ed. Blume, Madrid.
-Alpers Svetlana (2001) La creación de Rubens. La balsa de la medusa, Madrid.
-Parramón, Paidotribo (2014) Manual Práctico del color para artistas. Ed. Parramón,
Barcelona.
-Pinotti, Andrea (2011). Estética de la pintura. La balsa de la medusa, Madrid.
-Stoichita, Victor. (2009) Como saborear un cuadro. Ed. Ensayos Cátedra, Madrid.
-Godfrey, Tony (2014) La pintura hoy, Phaydon, Barcelona. -Guasch, Anna María. El arte del
siglo XX en sus exposiciones. 1945-1995. (1997) Ediciones del Serbal, Barcelona.
-Groys, Boris, Arte en flujo, Ensayos sobre la evanescencia del presente (2016), Ediciones
Caja Negra, Buenos Aires.
Documentales:
-La emoción del natural. Vida y obra de Joaquín Sorolla. Dirigido por José Luis López Linares.
Museo del Prado.
-El Bosco, El Jardín de los sueños. Dirigido por José Luis López Linares. Museo del Prado.
-Gerarhd Richter Painting, Toronto.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 26
-El cielo en la tierra. Documental y entrevista a James Turrel.
Las clases contendrán una serie de dinámicas que intercalarán estratégicamente propuestas
teóricas expositivas, actividades de taller conjuntas y análisis del desarrollo de los alumnos.
Entre ellas mencionaremos:
-Propuestas de exposición teórica y explicación de conceptos centrales, perspectivas de
autores y contextualización de los trabajos prácticos. Las exposiciones teóricas estarán
centradas en el análisis comprensivo de los principales referentes de la pintura histórica y
contemporánea, partiendo del supuesto que este límite conceptual es difuso y requiere
siempre de un tratamiento crítico.
-Actividades que relacionan las exposiciones teóricas con el hacer del taller en sí. Visita a
talleres de pintores y artistas locales. Invitación de pintores a dialogar con la Cátedra.
-Realización de los trabajos prácticos en el espacio y tiempo del cursado y fuera de él y
realización de una bitácora personal que permita el registro del estado del proceso que el
alumno realiza individual y grupalmente.
-Análisis de los procesos y reflexión individual y conjunta sobre el horizonte que se espera
alcanzar en el tiempo de cursado.
Evaluación y entregas:
Cada etapa, 1,2,3 serán evaluadas individualmente en el tiempo y la forma que indica el cronograma
de trabajo, en forma presencial o semipresencial, según se vaya indicando por los medios de
comunicación vigentes. Se realizarán 3 Trabajos Prácticos de los cuales dos, los trabajos 2 y 3 serán
evaluados como parciales individuales. Las consignas de los trabajos podrán ser ajustadas y
enviadas con detalle particular durante el cursado, salvo la consigna del TP1 que ya está publicada
con todas las precisiones y cuadernillos explicativos (incluyendo la bibliografía). Los trabajos
podrán ser recuperados, en una fecha que será estipulada con tiempo para que el alumno pueda
preparar sus nuevos trabajos. El promedio de las calificaciones de los trabajos prácticos
corresponde al 40% del la nota final mientras que el promedio de las calificaciones de los Parciales
corresponde al 60% de la nota final.
Insistimos: De acuerdo a las circunstancias que hacen a la instancia semipresencial de 2020, por el
Coronavirus, pediremos que los trabajos sean fotografíados o escaneados y con las imágenes (en la
mejor resolución que se pueda) se configuren los PDF , uno por cada etapa, agregando por escrito
todas las indicaciones que consideren pertinentes. Los PDF serán subidos al aula virtual y en caso
de no poder hacerlo, deberán subirlos al drive en la pestaña correspondiente indicado por la
Cátedra. Dada la situación de cuarentena por la que se atraviesa se comprenderá que el alumno no
cuente con los materiales necesarios para lo solicitado, razón por la cual se tendrá en cuenta este
aspecto en la evaluación de los trabajos.
Requisitos de aprobación para promocionar , regularizar o rendir como libres :

-Contar con el 80% de asistencia a las clases. Se tomará asistencia a las clases 9.
-Aprobar el 80% de los trabajos prácticos con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y
un promedio mínimo de 7(siete). Aprobar el 100 % de las evaluaciones parciales con
calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7(siete).
-Haber realizado y presentado en tiempo y forma los trabajos y los parciales según las
indicaciones estipuladas por la Cátedra.
-Aprobar el 80% de los trabajos prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro)
y un promedio mínimo de 4 (cuatro) Aprobar el 100 % de las evaluaciones parciales con
9 sujeto a modificaciones, ver cronograma e indicaciones.

IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
13
página 13 de 26
calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y un promedio mínimo de 4 (cuatro) pudiendo
recuperar un solo parcial el día indicado por el docente.
-Haber realizado y presentado en tiempo y forma los trabajos y los parciales según las
indicaciones
Asistir al horario de consulta de la Cátedra para estipular el tiempo de realización de los

trabajos. Se pedirá la presentación de una bitácora del proceso que será fundamental para
la evaluación oral. Todos los trabajos y la bitácora serán presentados en la fecha de examen
final, inclusive una instancia teórica especial.
Examen final del alumno regular:

Aprobar con calificación igual o mayor a cuatro. Llevará todos los trabajos del cursado,
estén o no aprobados, desarrollando con mayor énfasis los trabajos que hayan requerido
ajustes.
Examen final del alumno libre:

El día del examen el alumno deberá aprobar con nota igual o mayor a cuatro. Deberá llevar
la totalidad de los trabajos, no se puede hacer en una semana.
Cronograma tentativo. Ver documento en los sitios virtuales que diga Cronograma 2020 Se
irá ajustando en función de las medidas.
Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene:
Los alumnos deberán trabajar con ventilación cuando usen solventes y deberán usar ropa acorde
que impida que ciertos solventes afecten su piel.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
14
página 14 de 26
UNC
FA
Dpto. Artes Visuales
Pintura 2
2020
Requisitos para regularidad y aprobación final de la asignatura
Considerando la Res. Decanal N°237/2020 que formula un Procedimiento de

readecuación de las materias de la FA cuyo dictado estaba previsto para el primer
semestre del año, donde se brindan pautas sobre la acreditación de dichas asignaturas en
este contexto particular de cursada, elaboramos el siguiente documento para
comunicarles cómo hemos definido aplicar estas indicaciones en la asignatura Pintura 2.
Requisitos para la aprobación de esta materia:
1. Entrega en tiempo y forma de los TP 1, 2 y 3, teniendo en cuenta quienes estén

atrasados y deban aún alguna parte de estos trabajos, tendrán tiempo hasta el
viernes 10 de julio de 2020 para entregar sus procesos mediante las plataformas
virtuales ya estipuladas.
2. El TP2 será considerado como Parcial 1.
3. Se tomará como Parcial Integrador la presentación de la carpeta en su conjunto
(TP1, TP2 y TP3 con todo el trabajo de bitácora) que se llevará adelante de forma
virtual mediante la presentación de un PDF con todo lo realizado. Quienes
obtengan en las instancias evaluativas mencionadas anteriormente una nota igual
o superior a 7 (o hasta un 6 en caso que el promedio final de 7), accederán a la
aprobación final de la asignatura. En caso de que esta instancia no fuera aprobada
con una nota igual o superior a 7 (siete) el/la estudiante quedará en condición de
alumnx regular. Lxs estudiantes que aprueben de manera definitiva la asignatura
mediante el sistema antes descripto, deberán inscribirse en la fecha de examen
hábil más cercana para acreditar mediante acta su aprobación (después del mes
de julio).
4. Quienes deban parte de la materia, o hayan tenido impedimentos técnicos u otros,
tendrán la posibilidad de quedar regularizados y serán asistidos e informados
respecto de los plazos para poder rendir la materia en los encuentros presenciales
que se desarrollarán en el lapso de un mes a partir de avisos/llamados formales
que realizará la Facultad de Artes una vez que se disponga el levantamiento del
ASPO.
5. Los alumnxs regulares durante 2020 rendirán el examen final con el sistema de
contenidos dictados este año, durante el tiempo que dure su regularidad de
acuerdo a la RES N°237/2020
6. Los alumnxs libres rendirán la materia con el sistema de contenidos dictados este
año, en caso que rindan este año.
Alejandra Perié, Florencia Agüero, Constanza Molina, Valeria López.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 15 de 26
Pintura 2_2020
Programa abreviado para estudiante en condición libre
Trabajos Prácticos.
Importante: de acuerdo a las circunstancias de pandemia y aislamiento social que

atravesamos durante 2020 y la modalidad virtual que asumió la enseñanza en la FA y UNC
en general, pediremos que los trabajos sean fotografiados o escaneados y con las imágenes
(en la mejor resolución que se pueda) se configure un archivo PDF , incluyendo todos los TP
y ejercicios de bitácora correspondientes a cada TP, agregando por escrito todas las
indicaciones que consideren pertinentes en este mismo documento. El PDF definitivo con
todo el material será subidos al Aula Virtual especialmente diseñada para la instancia de
examen en la tarea creada para el turno en el cual se hayan inscripto. Cuando el estudiante
se inscribe para la mesa de examen en el sistema guaraní, automáticamente se vincula a
este espacio virtual destinado para llevar a cabo la evaluación.
En caso de no poder acceder por algún motivo fortuito, deberán crear una carpeta
identificada con su nombre, en el drive de estudiantes libres: Estudiantes Libres 2020 Se
puede enviar también por correo electrónico a: catedrapintura2@gmail.com como
respaldo, al menos 7 días antes de la mesa de examen.
Dada la situación de cuarentena se considerará que lxs estudiantes no cuenten con los
materiales necesarios para lo solicitado, razón por la cual este aspecto será contemplado en
la evaluación de los trabajos. Sugerimos –no obstante- que revisen detenidamente el
Programa la asignatura y todo el Material General subido a nuestro google drive, para lograr
una mejor comprensión de los objetivos de la materia y poder completar sus tareas
acotadas para el examen libre 2020. Les pasamos el enlace al drive donde hemos subido el
material 2020 (contiene bibliografía, clases teóricas en PDF, clases grabadas en video,
trabajos de compañerxs que cursaron durante 2020, devoluciones que hicimos las docentes
sobre los ejercicios de sus compañeros y material muy valioso para preparar su examen):
Material General:
Pintura 2 Estudiantes 2020
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 16 de 26
Etapa 1
Etapa 1 de trabajo
Pintura 2

Contenidos:
Problemáticas metapictóricas para un análisis minucioso y una familiarización con el color
como determinante. El color como problema teórico. Enfoques. Relación y oposición de
tonos, valores y saturación. Posibilidades combinatorias. Dibujo y color. Subordinación y
tensiones. Color y composición. Color y forma. Materialidad del color. El color en relación
con el material y los procedimientos técnicos pictóricos.
La escena pictórica. Experiencia de la imagen y experiencia del objeto. La pintura y sus
géneros. La naturaleza muerta, el paisaje y la figura humana como problemas
metapictóricos.
Trabajo Práctico 1.

De la fotografía al collage y del collage a la pintura.
- Partimos del análisis de 3 fotografías tangencialmente vinculables a 3 géneros pictóricos

tradicionales pero revisados desde una perspectiva contemporánea: el paisaje, la naturaleza
muerta y el cuerpo representado (es una foto por cada género).
-Seleccionarás una fotografía y buscará en revistas los colores que le permitan reconstruir
esa imagen desde el ejercicio de un collage en formato A4. El collage es una interpretación
“mimética” de la foto, compuesta por áreas cromáticas conformadas por pedazos más o
menos pequeños de los colores y tonos recortados de las revistas (ver ejemplos de ejercicios
de otros años). El grado de mímesis será regulado por cada uno.
Lo importante es que el collage te permita dar cuenta la textura del paisaje o motivo que te
haya tocado (observar algunos de los casos históricos propuestos en la clase teórica 1:
[1]
impresionismo y post-impresionismo, siguiendo la línea analítica de Seurat) . Seguirás el
ejercicio de trazar zonas diferenciadas mediante la identificación de las texturas (cielo,
montañas, pradera, etc), pudiendo modificar los colores en función de las gamas que
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 17 de 26
encuentres en las revistas para recortar. El grado de iconicidad de esta nueva imagen que
estamos logrando con el collage, dependerá de las decisiones de cada uno en su exploración
de la representación.
-Una vez concluido este collage, se hará un estudio cromático ensayando con diversos
materiales, modos de hacer paletas cromáticas (ver ejemplos e instructivos) de este collage.
Este análisis del color nos permitirá el paso siguiente: reproducir este collage con la mayor
precisión posible en una hoja A4 de papel entelado, teniendo en cuenta que estamos
pintando ni más ni menos, los detalles de la superficie del cuadro (texturas, tonos,
[2]
gradientes, etc., como explica F. Menna ) y no los íconos (árbol, montaña, paisaje).
Se entregan: las fotografías, el análisis con las relaciones con la historia de la pintura
(anotaciones, esquemas, etc), un collage A4 y su reproducción pictórica, y los estudios de
paleta. Escribirán una página en forma individual explicando las razones por las que
tomaron las principales decisiones en el proceso.
Conceptos importantes para los análisis del proceso: polaridad entre superficie y
representación, fábula pictórica, análisis de la pintura, contrastes cromáticos, metapictórico,
naturalismo, ilusionismo pictórico, iconicidad, concreción, materialidad, paradoja de la
pintura, visibilidad (en la pintura), forma abierta, relación dialéctica entre figura-fondo.
-Dar cuenta de los contenidos estudiados, tanto en el trabajo pictórico como en las anotaciones escritas y las
preguntas de clase.
-Preocupación por la prolijidad de los trabajos terminados, y las consecuciones técnicas necesarias para la
propuesta del TP.
Bibliografía Específica principal:

-Berger, John, (2006) El sentido de la vista. Alianza, Madrid. PDF Cap. 31 y 32.
-Charris, Angel Mateo (2012) “David Hockney. The charming king”. Artículo publicado en Arte y parte, 04,
p.18. PDF
-Menna, Filiberto (1977). La opción analítica del arte moderno: figuras e íconos. Barcelona: Gustavo Gilli.
(pp.1-16) PDF
Bibliografía Específica ampliatoria:
Hockney, David (2001). El Conocimiento secreto: El descubrimiento de las técnicas perdidas de los grandes
maestros. Barcelona: Ediciones Destino S.A. (la película y el PDF)
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 18 de 26
(pp.1-16)
-Tate, Elizabeth & Harrison Hazel (2011) Enciclopedia de Técnicas de la pintura. Barcelona: Editorial Acanto.
(Resumen/Paisaje)
-Nadeije Laneyrie- Dagen (2013). Leer la pintura. Larousse, Barcelona. (pp. 46-50)
-Kloosterboer, Lorena (2017) Guía completa de pintura al acrílico. Librero, Madrid. (resumen 1)
Etapa 1
Etapa 1 de trabajo
Pintura 2

Contenidos:
Etapa 2 de
trabajo .
Pintura 2
Etapa 2. "El cuerpo como problema de la representación y la

experiencia del color"
Para esta etapa hemos preparado los siguientes archivos que deben ser leídos en este orden
(de ser posible)
-Etapa 2 . Guía de TP2 y PDF con Trabajos de estudiantes 2018 y 2019

-Teórico 1 y Teórico 2 Sobre el cuerpo como problema de representación.
-Bibliografía de esta etapa
Guía de TP2.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 19 de 26
Contenidos:
L a práctica pictórica desacralizada: nuevos modos de ver y de pintar el cuerpo. Géneros y
problemáticas. El cuerpo como problema de la representación. Retratos, autoretratos,
escenas. El cuerpo y la noción de sujeto en la vida cotidiana. El cuerpo como experiencia
de movimiento en la ciudad. Cuerpo, movimiento y objetos de la vida urbana.
Hiperrealismo y cuerpo en la pintura contemporánea.
Parte a. El cuerpo en el espacio, visto desde ángulos poco habituales .
1. Ver los videos y leer la bibliografía de esta sección dedicada al cuerpo, incluyendo los 2
pdf correspondientes a los teóricos de esta unidad y revisar detenidamente los trabajos
de los estudiantes de años anteriores (porque te pueden enriquecer mucho en este
trabajo).
1-https://www.youtube.com/watch?v=sbCP__QKxS0
Alex Kanevesky Meditations On Some Colors - Blue
2-https://www.youtube.com/watch?v=YsOuwrMDnVI&list=RDCMUCEHHsj2Imq3PoYu_p_OTGEQ&ind
ex=2
Alex Kanevesky Meditations On Some Colors - Flesh
3-https://en.videos2be.com/video?id=pTG4ftrybura3J
Pintar un retrato: Sabine
2. Teniendo en cuenta las reflexiones que has hecho después de ver los tutoriales, los
videos y el material en general subidos para este TP seleccionar dos obras pictóricas
contemporáneas (realizadas por alguno de lxs artistas propuestxs por la Cátedra, ver
Anexo 1) en las que puedas observar la relación de la representación del cuerpo
humano y los objetos que lo rodean en las composiciones. Responde y grafica en la
bitácora (y en otras hojas que te sirvan para ir probando pictóricamente) llevando a
cabo un estudio analítico: ¿Cómo están representados los cuerpos? ¿En su totalidad o
en partes? ¿Cuál es el punto de mira del observador?. ¿Cómo es la técnica de
representación? ¿Cómo es el uso del color? ¿Qué tipo de contrastes se han empleado?
¿El uso del color favorece la apertura de la forma? ¿Cómo sería hacer un estudio del
tratamiento del color para representar la piel humana? ¿Qué tipo de discurso se ha
generado a partir de esa pintura? ¿qué interés encuentras en esta selección? Escribe
tus ideas en la bitácora. Haz 2 estudios de obra en los que explores todo lo
interrogado y sobre todo haz estudios de paleta de todo lo que notes como
importante para esta unidad. Ver ejemplos en el Anexo 2, al final de este documento.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 20 de 26
3. Tomando como modelo a un compañero u otra persona cualquiera, lleva a cabo una
serie de ejercicios pictóricos que exploren ángulos poco habituales sobre el cuerpo y
realiza en formato más definitivo y luego realices pictóricamente (con acrílico)
[*] uno en el que representes la totalidad de su cuerpo eligiendo uno de los

ángulos menos habituales desde tu punto de vista.
Trabaja con fotografías tomadas previamente y ampliaciones fotográficas diversas y ten

en cuenta que se evaluarán los bocetos de la bitácora que te permiten el estudio de las
representaciones. Realiza muchos estudios y exploraciones de modo tal de familiarizarte
con la experiencia. Recuerda que hay experiencias históricas que pueden ayudarte en el
ejercicio exploratorio.
Utilizaremos soportes de tamaño A4.
La técnica y el material son libres para estos conjuntos, pero haremos un uso del color
restringido, decidiendo una paleta de 4 colores que no respondan al color local (por lo
que es útil partir de una foto en blanco y negro o grises (ya que al tener una paleta restringida,
deberás hacer una comparación "lumínica", es decir, que cada color de la pintura se corresponda con
un valor en la foto que tomas como punto de partida) y esperamos que puedas estudiar de un
modo complejo y sistemático el uso del color. Te mostramos algunos ejemplos o pasos
útiles para desplegar tus estudios en el Anexo 3 de este mismo documento. Ver Anexo 4
para comprender como sería la elección de 4 colores en una paleta restringida.
Tendremos muy en cuenta una exhaustiva exploración del color en los estudios de obra.
Parte b. El cuerpo como experiencia y como problema de color .
Realizarás:
-Un collage en A4. Harás un estudio de piel de un rostro o parte de un cuerpo desnudo
empleando la técnica del tp1 de cortar los valores o tonalidades necesarias en pedacitos
pequeños (rasgados o con tijeras).
-Realizarás 1 pintura en las copies su efecto de superficie componiendo libremente

mediante el trazado con lápices primero y pintura acrílica o témpera después. Lo
importante de esta parte ya pintada, es que puedas trabajar con muchas capas de
pintura y no solo de una vez, y que puedas hacer uso del color de manera tal que las
partes no queden separadas entre sí por una tonalidad (evitar que la piel sea de un
color, la ropa de otro, el fondo de otro). Es decir, que los colores aparezcan en muy
diversos lugares de la pintura, favoreciendo así la integración de las partes en una
totalidad cromática, haciendo uso de los contrastes aprendidos en todos los ejercicios
realizados.
En este trabajo es muy importante tener en cuenta lo que has aprendido en los estudios
de obra, en la etapa 1, y en los cuadernillos explicativos, la lectura de la bibliografía
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 21 de 26
teórica y técnica y sobre todo los aportes de los docentes en el proceso. Se tendrá en
cuenta como asunto primordial, que la pintura de cuenta de un estudio exhaustivo y
previo del color y un tratamiento pictórico de los volúmenes (a través de la demarcación de
zonas oscuras, medias y claras, es decir, a través de la asociación de los diferentes colores de tu
paleta con valores).
Se entregan:
parte a:
- 2 estudios de obra (terminados), estudios de bitácora (no menos de 10 bocetos
exploratorios con anotaciones adjuntas)
-1 pintura que representa la totalidad de un cuerpo fotografiado desde un ángulo no
habitual
parte b:
-y trabajo terminado de parte b (collage y pintura), con las exploraciones previas
terminadas.
Conceptos importantes para los análisis del proceso: polaridad entre superficie y
representación, fábula pictórica, análisis de la pintura, contrastes cromáticos,
metapictórico, naturalismo, ilusionismo pictórico, iconicidad, concreción, materialidad,
paradoja de la pintura, visibilidad (en la pintura), forma abierta, relación dialéctica entre
figura-fondo, cuerpo, experiencia, tipos de contrastes, régimen sensible, problemáticas
entre lo óptico y lo háptico en la pintura.
-Dar cuenta de los contenidos estudiados, tanto en el trabajo pictórico como en las anotaciones escritas y las
preguntas de clase.
-Preocupación por la prolijidad de los trabajos terminados, y las consecuciones técnicas necesarias para la
propuesta del TP.
-Teóricos para esta unidad (PDF 1 y 2)
-M-Godfrey, Tony (2014) La pintura hoy, Phaydon, Barcelona.
-Berger, John (1990) El sentido de la vista, Alianza Forma, Madrid.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 22 de 26
-Tesis de Valeria López (PDF)
Anexos
Anexo 1.
Artistas-pintorxs que recomendamos para el estudio del punto a:
Benjamin Borjklund
https://benjaminbjorklund.com/ https://www.instagram.com/benjaminbjorklund/?hl=es-la
Gerhardt Richter
https://www.gerhard-richter.com/
https://www.instagram.com/gerhard.richter/?hl=es-la
Catherine Murphy
https://www.wikiart.org/es/catherine-murphy
Jenny Saville
https://www.wikiart.org/es/jenny-saville/all-works#!#filterName:all-paintings-chronological
ly,resultType:masonry
Elizabeth Peyton
http://www.artnet.com/artists/elizabeth-peyton/
Chuck Close
https://www.wikiart.org/es/chuck-close
Alex Kanevesky
http://www.somepaintings.net/Alex.html
Claire Taburet
http://www.clairetabouret.com/en/works-painting/
Agnes Grochulska
https://www.instagram.com/agnesgrochulska/
Tim Benson
https://www.instagram.com/timbensonart/
Gideon Rubin
http://gideonrubin.com/gallery
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 23 de 26
Marina Ercole (Córdoba)
https://www.instagram.com/marina.ercole/
Majo Arrigoni (Córdoba)

https://www.instagram.com/majo_arrigoni/
Cecilia de Medeiros (Córdoba)

https://www.instagram.com/cecidmc/
Lucas Jalowski (Córdoba)

https://www.instagram.com/lucasjalowski/
(ver en drive los demás anexos y material complementario).
Pintura 2
Etapa 3 de
trabajo .
Etapa 3. "Tiempo, sujeto, entorno urbano y escopicidad"

Para esta etapa hemos preparado los siguientes archivos que deben ser leídos en este orden
(de ser posible)
-Etapa 3 . Guía de TP2 y PDF con Trabajos de estudiantes 2018 y 2019

-Teórico PDF
-Bibliografía de esta etapa
Contenidos:
La fotografía y la pintura en un campo de expansión. Reproductibilidad, singularidad y
abstracción. Producción individual y producción colectiva: tensiones. Técnicas, escalas,
soportes y problemas de la pintura contemporánea. Work in progress. Imágenes de
reproducción. Análisis y metapintura. Las paradojas icónico-pictóricas. Fotografía y pintura
contemporánea. Hiperrealismo. La postpintura como campo contra-representacional. El
archivo de la pintura contemporánea. Géneros y expansiones genéricas. La pintura como
problema actual:
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 24 de 26
¿porqué seguimos pintando?. El material más allá de la forma dominante. El proceso y sus
etapas autoreflexivas como producto expositivo. Arte como idea y pluralidad de medios.
Técnicas y procedimientos representacionales que el arte contemporáneo ha
problematizado respecto de la idea de cuerpo generando nuevos modos de ver.
Superficie, color, textura y composición en las escenas urbanas. La mirada en
torno al
cuerpo en la ciudad.
1-Leer el PDF con pasajes del texto propuesto para la lectura (Berger, ver bibliografía), el
PDF teórico para esta unidad (donde podrán acceder al corpus de artistas que hemos
reunido sobre imágenes urbanas pictóricas y analizarlas en sus bitácoras, como hemos
venido haciendo en los prácticos anteriores); y esta guía completa del TP.
2- Si les fuera posible, salir a la calle y tomar 10 fotografías de escenas urbanas desde muy
diversos ángulos, en los que preferentemente haya cuerpos en movimiento. Si no pueden
salir pueden tomar fotos desde las ventanas de sus casas o tomar fotos de internet.
Imprimirlas, observarlas y pasar al punto 3.
3-Llevar a cabo un proyecto pictórico que permita resolver en una composición pictórica de
formato apaisado, una pintura fotográfica de la ciudad que reflexione sobre algunos
aspectos de la escopicidad contemporánea. El primer paso es el collage:
la imagen general puede estar compuesta por varias tomas. Esto se resolverá mediante la
técnica del collage, el uso de los marcadores, lápices y otros recursos que te interesen. La
idea es que en este collage convivan cuerpos en movimiento (reales o yuxtapuestos
mediante el collage), edificios, calles, automóviles, etc. Los cuerpos pueden representarse
como siluetas, cuerpos con detalles, cuerpos nítidos o borrosos, cuerpos en primer plano y
cuerpos distantes, según la intención de la composición. Deben poder co-existir diversos
ángulos de mira, logrando la unicidad del todo mediante el trabajo con el color.
4- Al terminar el collage harás una pintura que re-interprete el collage, decidiendo cómo
resolver los efectos de superficie, las texturas y la perspectiva. La resolución pictórica debe
poder combinar estrategias pictóricas de colores planos, siluetas, espacios planos y
estrategias pictóricas relacionadas con el claroscuro, pinceladas sueltas o gestuales, texturas
visuales, etc. en forma libre. El tratamiento deberá dar cuenta de los situaciones ópticas
características de las imágenes fotográficas urbanas. El soporte debe respetar las
proporciones del collage pero la escala es libre.
Pueden emplear diversas técnicas para pasar el collage a la pintura: carbónico, alfileres para
marcar el soporte pinchando, la pantalla de la compu, proyección si tienen, etc.
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 25 de 26
Bibliografía:
-“Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo visible” en Algunos pasos hacia una
pequeña teoría de lo visible, Ardora, 2009, Madrid.
-Citas del PDF del teórico del TP3.
Tiempo de realización: hasta el 10 de julio
Se entrega:
-Fotografías tomadas.
-Bitácora con pruebas.
-Collage apaisado con los elementos solicitados, en color o blanco y negro o mixto.
-Bocetos rápidos, de formato A4, materiales a elección..
-Pintura definitiva (apaisada) que interpreta el collage apaisado.
[1]
Ver en clase teórica 1 y en Archivo de casos ejemplares.
[2]
Ver PDF sobre su texto La opción analítica del arte moderno. Figuras e íconos. PDF_ Filiberto
Menna_indicaciones
IF-2022-00334543-UNC-DDG#FA
página 26 de 26

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2014 - Pintura II

Date: 2022.05.09 13:22:58 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:23:04 -03'00'
Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales. PLAN 2014
Asignatura: GRABADO II.
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Lic. Eduardo Quintana. Dedicación semi exclusiva
Prof. Adjunta: Lic. Cecilia Conforti. Dedicación Simple
Prof. Asistente: Lic. Alejandra Escribano. Dedicación Semi exclusiva
Prof. Asistente: Lucía Álvarez Pérez.
Prof. Adscripta: Sofía Lausero
Ayudantes Alumnos:
Turno mañana:
Tomás Barlasina.
Vaslentina Zamora.
Sara María Lejter.
Turno Tarde:
Sofía Goldstein.
Turno mañana: lunes de 8:30 a 13:30 hs. y martes 8:30 a 11:30
Turno tarde: jueves 17:30 a 21 hs. Viernes de 16.30 a 21 hs.
Horario de consulta: lunes de 15 a 16hs. Martes de 11 a 12hs.
PROGRAMA
Consideraciones previas.
El GRABADO es una disciplina especial dentro de las Artes Visuales. De origen remoto
en oriente, su aparición en Europa data de la Edad Media y cumplió funciones
específicas como informar y trasmitir conocimientos que influyeron en la divulgación
de la religión, la ciencia, la tecnología, la especulación filosófica y los estilos artísticos a
través del libro y la ilustración.
El papel que desempeñó el grabado, hasta la invención de la fotografía, como único
medio de reproducción posible, derivó en la consideración de esta disciplina como un
arte menor, de carácter narrativo efectuada por artesanos.
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 1 de 20
Cuando el grabado es tomado por artistas de la talla de Durero, Rembrandt o Goya se
libera de aquella función mostrando las posibilidades técnico-expresivas que lo
identificaron como un lenguaje gráfico al nivel de la pintura y la escultura.
En el transcurso del tiempo, tuvo un rol protagónico en diversos movimientos
artísticos como el expresionismo y el surgimiento de las vanguardias. En el siglo XX el
grabado crece en posibilidades realizando importantes aportes no sólo técnicos, sino
de concepto, que influirán, de manera decisiva en el desarrollo del arte
contemporáneo.

El programa está confeccionado teniendo en cuenta la coordinación del área grabado
que establece la relación de los contenidos programáticos del ciclo básico y de la
licenciatura en esta especialidad.
La asignatura cumple un doble rol: Está ubicada en el segundo y último año del ciclo
básico (de preparación común a todas las licenciaturas) a partir del cual los alumnos
adoptarán la especialidad en que se graduarán. Para un grupo de ellos, (los que elijan
otras especialidades) será la oportunidad de aprender una disciplina que en un futuro
podrán complementar a su formación artística. Para los que elijan la Licenciatura en
Grabado tendrá un carácter de curso preliminar proporcionándoles un panorama
completo, de práctica e información, sobre los distintos procedimientos del grabado
en relieve, hueco y superficie (xilografía, grabado en metal, litografía, serigrafía) como
así también de los procesos alternativos que surgen a partir de estas técnicas
(monotipos, gofrados, collagraph, linóleo, esténcil,) y de los nuevos sistemas de
impresión (fotocopias, láser grafías, heliografías, plotters, grabado digital, fotograbado,
procesos de transferencia de imagen).
La producción artística y el soporte teórico de la asignatura apuntan a conceptualizar la
problemática actual del grabado y su inserción en nuestro medio.
Si algo caracteriza al grabado es su constante redefinición en concordancia con el
momento histórico. Es nuestro objetivo incursionar en un concepto ampliado de
grabado en la actual producción artística y enfocarla como una disciplina abierta a la
acción y experimentación dentro del más amplio concepto de arte gráfico impreso y
seriado.
2- Objetivos
Objetivos generales:
Valorar los aportes del grabado al desarrollo cultural y del arte visual en
particular.
Identificar las capacidades intrínsecas del lenguaje gráfico
Analizar el material de lectura proporcionado por la cátedra.
Incentivar la experimentación como una característica propia del grabado
contemporáneo.
2
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 2 de 20
Reconocer la obra gráfica impresa de artistas representativos a nivel local e
internacional.
Respetar las diferentes etapas del proceso desde la producción de bocetos a la
impresión final.
Adquirir hábitos de orden y respeto en las actividades de taller.
Reemplazar progresivamente los productos contaminantes por otros
inofensivos para la salud y el cuidado del medio ambiente.
Cumplir el cronograma programático y las normas de higiene y seguridad.
Incentivar el compromiso, el trabajo en grupo y disposición para compartir.

Núcleo temático 1
El Grabado. Contexto histórico /social. Unidad teórica
Clasificación de los procesos de impresión. Concepto de técnica en el Grabado.

Función histórica, aportes del grabado al desarrollo del arte visual Período Virreinal,
Renacimiento, expresionismo, modernismo, la estampa japonesa, Arte Pop. El Grabado
menos tóxico. El Grabado en el contexto contemporáneo. Hacia una gráfica expandida
(introducción)
Valorar el Grabado como disciplina original del arte visual.
Indagar sobre la función que cumplió el Grabado en el desarrollo histórico-
cultural.
Identificar las variables que lo convierten en un medio de expresión autónomo.
Reflexionar acerca de las posibilidades de inserción en el medio a través de la
multiplicación de la imagen.
Reconocer las características que identifican al grabado en relieve, hueco y
superficie.
Analizar la práctica del grabado en el contexto del arte contemporáneo.
Bibliografía
-El Grabado en Madera. Paul Westheim. Biblioteca Facultad de Artes. U.N.C.

-Un ensayo sobre el Grabado, a finales del siglo XX. Martínez Moro. Editorial Creática.
-Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia. A. Danto. Editorial
Paidós.
-La ilustración como categoría. Juan Martínez Moro. Ediciones Trea, S.L
-La Impresión como Arte. Técnicas contemporáneas y tradicionales. Huges- Morris. Editorial H.
Blume.
Núcleo temático 2
3
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 3 de 20
El lenguaje gráfico. Unidad teórica instrumental
Características. Cualidades técnico-expresivas, recursos gráficos tradicionales y

actuales. Concepto de línea, trama, textura, forma y contra forma. Cualidades
intrínsecas del grabado, multiplicidad, seriación, repetición, aspectos técnicos y
conceptuales (palimpsesto).
Producir bocetos traducibles al lenguaje gráfico- impreso.
Reconocer las cualidades expresivas de los elementos de la comunicación
visual.
Elaborar propuestas a partir de ejes temáticos.
Transferir conocimientos de otras asignaturas (Grabado I, Dibujo I, Visión I)
Aplicar leyes de percepción visual.
Practicar la línea en relación al desarrollo del proceso personal.
Reconocer las características expresivas del lenguaje gráfico.
Descubrir los distintos tipos de líneas.
Utilizar diferentes tipos de tramas, aguadas y texturas.
Bibliografía
-Un ensayo sobre el Grabado a finales del siglo XX. Juan Martínez Moro. Editorial Creática.
-La sintaxis de la Imagen. D. Dondis. Editorial Blume.
-Fundamentos del Diseño bi y tridimensional. W.Wong. Editorial. Gustavo Gilli.
-El extravío de los Límites. Claves para el arte contemporáneo. Jorge López Anaya. Editorial
emecé arte.
-El Lenguaje de la visión. Georgy Kepes. Editorial Infinito.
-Arte y Percepción Visual. Rudolf Arnheim, Editorial Alianza.
Núcleo temático 3
Procedimientos calcográficos. Unidad teórica-instrumental
Elementos de la comunicación visual. La línea, el valor y la textura como elementos
estructurales del producto visual. Boceto y proceso. Procedimientos calcográficos,
aguafuerte, aguatinta, y derivados. Tipos de entintados. El color: Métodos de
aplicación. Experimentación redefinición del soporte gráfico.
Objetivos Específicos
Analizar el material proporcionado por la cátedra
Producir bocetos traducibles a los procedimientos calcográficos.
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 4 de 20
Aplicar la línea, el valor y la textura en función al desarrollo del proceso
individual.
Aprender la técnica del aguafuerte y aguatinta.
Incorporar progresivamente materiales no tóxicos en la producción.
Experimentar otros procedimientos del huecograbado: Lápiz graso, fosa,
marmolado, técnica del azúcar, transfer sobre metal.
Analizar las características que identifican a cada uno de los procedimientos.
Emplear el color como elemento estructural de la composición.
Practicar métodos de entintado: simultáneo. Poupée, veladuras.
Producir técnicas mixtas en huecograbado.
Realizar un análisis escrito sobre la propia producción.
Redefinir la matriz en el proceso de impresión.
Bibliografía
-El Aguafuerte y técnicas afines. Centro Editor de América Latina
-Grabado y técnicas de impresión. Editorial Blume.
-Un Ensayo sobre Grabado a comienzos del siglo XXI. Martínez Moro. Editorial
Creática.
-Manual de Aguafuerte y Grabado. W. Chamberlain. Editorial H. Blume.
-La Impresión como Arte. Técnicas contemporáneas y tradicionales. Huges- Morris.
Editorial H. Blume.
Núcleo temático 4
Nuevos soportes, nuevos medios. Unidad teórica-instrumental
El proceso personal (bocetos, informes escritos e impresiones) como disparador para el

abordaje a nuevas posibilidades en la enseñanza y práctica del grabado. Concepto de
hibridación. Cruces con otras disciplinas del arte visual. Libro de artista. Arte
objetual. Performance, instalación (introducción)
Analizar el material teórico proporcionado por la cátedra
Incorporar conceptos propios de la práctica artística contemporánea.
Aplicar conceptos de módulo, partición de la matriz, repetición, fragmentación
y superposición en la obra gráfica impresa.
Generar una propuesta de trabajo a partir de los conocimientos adquiridos.
Utilizar el léxico técnico apropiado
Experimentar diversos soportes en la producción artística
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 5 de 20
Reflexionar sobre las posibilidades de fusión del grabado con otras modalidades
del arte visual.
-Apunte de Cátedra, Grabado II
-Guía completa del Grabado e Impresión”. John Dawson. Editora. Blume.
-“El collagraph completo”. Clare romano y john Ross. Texto proporcionado por el Prof. Ricardo
Moreno Villafuerte. Incluido en el Apunte de Cátedra de Grabado II. Editorial Brujas.
- “El Grabado en madera y técnicas afines”. López maya. Centro Editor de mérica Latina. -
“Enciclopedia de técnicas de impresión”. Judy Martin. Ediciones La Isla.
-“ rte y alienación”. Herbert Read. Zahar, Editores
-“Historia Mundial del rte”. Ediciones Daimon.
-La Enseñanza para la Diversidad. Anijovich-Malbergier-Sigal.Edit. Fondo de Cultura Económica.
-“Los Caprichos”. Francisco Goya. Dover Publications.
-“Lo Espiritual en el rte”. V Kandinsky. Editorial Paidós Ibérica.
- “Punto y línea sobre el plano”. V Kandinsky. Editorial Paidós Ibérica.
- “Pablo Picasso”. Obra Gráfica. Colección Comunicación Visual. Serie Gráfica. Editorial G. Gilli El
-Grabado y Técnicas de impresión. Editorial Blume.
La metodología aplicada será dinámica, activa, participativa, de modo que el alumno
sea protagonista de su propio aprendizaje.
La presentación de los contenidos de cada núcleo temático, se apoyará con la
proyección de imágenes y la exposición de originales en el aula taller.
Se realizarán demostraciones prácticas relativas a las técnicas que se desarrollan en
cada núcleo temático. El acompañamiento docente en el proceso individual será
permanente.
Se realizarán actividades de análisis y reflexión, sobre la función histórica del grabado y
de las producciones actuales que integran y representan el patrimonio visual local,
regional y universal. La realización de estos registros visuales servirá de manera
introductoria a la redefinición del grabado en la contemporaneidad.
Este caudal de información, plantea la toma de conciencia por parte del alumnado del
amplio campo de acción del grabado en la historia y en la actualidad. Considerando al
grabado en el más amplio concepto de arte gráfico seriado e impreso, valorando su
capacidad de adaptarse a los requerimientos de la actualidad.
Se enfocará la enseñanza del grabado como un lenguaje inserto en el campo
experimental siempre atento al surgimiento de las nuevas tecnologías, sin perder las
características que lo identifican desde sus orígenes: la multiplicación de la imagen, la
inserción en los diferentes niveles sociales y la apropiación de las nuevas tecnologías.
6
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 6 de 20
Cada alumno realizará un informe personal, que incluye escritos, bocetos y reflexiones a
partir de ejes temáticos propuestos por los docentes. Se conformarán bitácoras
incorporando sucesivamente, los contenidos de cada núcleo temático.
Este proceso de análisis y práctica contenido será condición obligatoria para el cursado
de la asignatura y tiene el propósito de facilitar un seguimiento personalizado, el
análisis de los procesos y el grado de compromiso individual.
Se afianzará el conocimiento técnico y las características expresivas de los
procedimientos calcográficos a partir del material didáctico contenido en las guías de
trabajos prácticos brindado por la cátedra, para cada núcleo temático.
Se confeccionarán matrices que ofrezcan alternativas para la experimentación,
procurando generar propuestas compositivas que no estén necesariamente contenidas
en contornos rígidos o regulares. Se intensificará la producción elaborando propuestas
de trabajo que permitan combinarse en el proceso de impresión, capaces de generar
diferentes alternativas compositivas, según su ubicación espacial, en el soporte de
impresión.
En el proceso de trabajo se orienta la producción hacia la elección e instrumentación
de los recursos que mejor vehiculicen las propuestas individuales.
Intercambiar opiniones acerca de las coincidencias o divergencias del grupo en
relación al material ofrecido por la cátedra.
Proyección de power point como recurso didáctico para cada núcleo temático.
Exposición de originales impresos en el aula taller, para el análisis y comparación de los
variados recursos que identifican a las técnicas de Grabado.
Confección de bitácoras individuales conteniendo bocetos, reflexiones y citas
bibliográficas como ejes para el desarrollo de los procesos personales exigiendo el
cumplimiento de las pautas de trabajo contenidas en las guías de trabajos prácticos para
cada eje temático.
Estrategias
Fomentar la experimentación como recurso en el proceso de “aprendizaje por
descubrimiento” a través del uso de recursos propios del grabado como
fragmentación, superposición, traslación, rotación, yuxtaposición de la matriz.
Brindar información sobre los nuevos sistemas de impresión y las nuevas tecnologías
aplicadas al arte visual.
Indagar en las características expresivas de cada una de las técnicas del grabado
calcográfico.
Utilizar collages y esténciles como medio de aproximación a los contenidos
programáticos.
Analizar las posibilidades de inserción en el medio a partir del concepto de imagen
múltiple identificando las variables que convierten al grabado, en un medio de
expresión autónomo.
Incentivar la transferencia de lo aprendido relacionando conceptos desarrollados
paralelamente en otras asignaturas (Visión, Dibujo) con el lenguaje del grabado
7
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 7 de 20
Será obligatorio y condición indispensable para el cursado de la asignatura, el uso de
elementos de protección para manipular las sustancias tóxicas se incorporará el uso de
materiales no contaminantes en la práctica artística.
7. Evaluación:
Seguimiento permanente y personalizado de cada alumno.
-Visualización del proceso individual al concluir cada unidad temática incluyendo la
opinión del docente y de cada alumno. Se evaluará un proceso de producción al
finalizar cada unidad temática (trabajos prácticos).
7.1 El criterio de evaluación incluye:
-Actitud del alumno en relación a su grado de compromiso y responsabilidad con las
actividades de taller.
-Respeto por las normas de seguridad, higiene impartidas por la cátedra y actitud para el
trabajo en grupo.
-Análisis crítico y capacidad de autoevaluación.
-Proceso de producción individual. 6.2 Modalidad: La modalidad de evaluación se
ajustará a la categoría de espacio curricular y sobre el "Régimen de Estudiantes"
vigente (Ver articulo artículo 16/b:
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751
&utm_medium=phpList&utm_content=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3
A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA
Espacio cuatrimestral
3 instancias evaluativas 1 instancia integradora final
7.2 Requisitos para la promoción:

La cátedra responde a un Espacio curricular teórico-práctico procesual: y tendrá en
cuenta:
&utm_medium=phpList&utm_content=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3
A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA
1. Aprobar el 80% de las instancias evaluativas considerando de mayor jerarquía la

instancia integradora final con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio
mínimo de 7 (siete). El 20% restante no es promediable ni por inasistencia ni por
aplazo.
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
2. Condición de un mínimo de asistencia a las clases, que no podrá superar el 80% del
total. Se entiende por asistencia a la presencia del estudiante en la clase, bajo ningún
8 página 8 de 20
motivo la misma se podrá acreditar mediante actividades ( instancias evaluativas -
jornadas -salidas a congresos - actividades extracurriculares, etc.)
3. La promoción tendrá vigencia por el semestre subsiguiente. Se entiende por
semestre subsiguiente el que sucede inmediatamente después del cursado, incluyendo
las fechas de exámenes correspondientes. Las exigencias mencionadas anteriormente
serán evaluadas en las correspondientes mesas de examen previstas por el calendario
académico.
7.3 Requisitos para la Regularidad:
Sobre el "Régimen de Estudiantes" vigente (Ver articulo25, 26, 27 y 28)
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&utm_medium=p
hpList&utm_content=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudi
antes+vigente+en+la+FA
Modalidad procesual:
1 Aprobar el 75% de las instancias evaluativas con calificaciones iguales o mayores a 4
(cuatro). Posibilidad de recuperar al una instancia evaluativa para acceder a la
regularidad. El 25% restante no es promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
2 Se deberá tener un mínimo del 60% de asistencia a las clases. Se entiende por
asistencia a la presencia del estudiante en la clase, bajo ningún motivo la misma se
podrá acreditar mediante actividades (instancias evaluativas - jornadas - salidas a
congresos - actividades extracurriculares, etc.)
3 La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años, a partir de que se deja
constancia fehaciente en actas de que el/la estudiante accede a esa condición. Si la
fecha de finalización de ese período no coincidiera con una fecha de examen de la
materia en cuestión, se extenderá hasta el turno de exámenes subsiguiente.
7.4 Condición de alumno libre:

La asignatura prioriza la actividad de taller y la asistencia a las clase teóricas, el
seguimiento del docente es esencial para lograr el objetivo en cuanto al aprendizaje de
los contenidos, el grado de compromiso con el aula taller y la actitud en relación a las
actividades grupales (proyecto final). Al contemplar a la cátedra como un espacio
curricular teórico-práctico procesual los seguimientos secuencializados recorridos que
el/la estudiante va desarrollando a lo son considerados fundamentales. De este modo
el proceso paulatino del alumna/o que decida por esta instancia deberá cumplir con la
mismas pautas de trabajo y producción que los demás alumnos (promocionales y
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 9 de 20
regulares) para lograr esto, deberá presentarse ante el profesor titular quien verificará
su producción a partir de un seguimiento en horarios y días a convenir. Es obligatorio
realizar al menos una consulta por cada unidad temática. "Régimen de Estudiantes"
vigente. (Ver articulo 29 y 30)
7.5 Estudiantes vocacionales: La cátedra contempla los estudiantes vocacionales

según el régimen de estudiantes en los Artículos 30 al 38
7.6 El régimen de alumnos trabajadores o con familiares a cargo

La cátedra contempla lo siguiente: - Justifica las llegadas tarde a clase y/o exámenes. -
Prevé otra instancia de evaluación que no puede ser considerada recuperatorio.
Justificación de hasta el 40% de las inasistencias. Nota: Para esto, se debe
cumplimentar los requisitos solicitados en dicho régimen y presentar fotocopia del
Certificado único (trámite cumplimentado en SAE) al Prof. Titular, Prof. Adjunta o
Profesoras Asistentes de la Cátedra. Sin esa constancia de trámite, no se valida este
régimen. Mayor información en: http://www.artes.unc.edu.ar/sae/secretaria-
deasuntosestudiantiles#alumnostrabaiadores
8. Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene Requisitos y disposiciones

sobre seguridad e higiene (cuando corresponda. En los casos donde se
presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras debe
incorporarse el siguiente recuadro.
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los exámenes que requieran montaje de obras deberán respetar las
normas de seguridad e higiene. No se pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos, escaleras de
emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas, emergencias, ingreso, etc). Los espacios de tránsito de uso
común deberán contar con las indicaciones pertinentes si interrumpen el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos los elementos de montaje (cintas, tanzas,
etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde han sido retirados.
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben hacerse a la Dirección del Departamento de Artes Visuales y
deben tener el aval del docente responsable.
Departamento.
8.1 Normas de higiene y seguridad:
10
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 10 de 20
El Grabado no tóxico, ya está instalado en las principales escuelas de arte del mundo,
como una forma de preservar el medio ambiente y el cuidado de la salud de quienes lo
practican.
La incorporación de materiales no contaminantes en la práctica del grabado es una
necesidad que debe ser atendida tanto por la institución, como por los docentes y
alumnos de nuestra escuela.
Uno de los objetivos fundamentales de esta cátedra, es incorporar esta modalidad en la
enseñanza. De esta manera pretendemos iniciar un camino de transición, para lograr a
través de la concientización, sensibilizar a las autoridades para invertir en nuevos
equipamientos y tecnologías que permitan incluir esta nueva modalidad en la
actualización del plan de estudios.
En el tránsito hacia este objetivo es requisito obligatorio, para cursar la materia,
cumplir con los siguientes requerimientos. La Cátedra Grabado I, es de carácter
instrumental. Esto significa que el alumno manipula materiales y herramientas que
pueden resultar nocivos para la salud. Por ese motivo y para evitar cualquier tipo de
accidente, es necesario tomar conciencia del grado de peligro y toxicidad de dichos
elementos.
Como forma de prevención, es indispensable que cada alumno posea elementos y
artículos que preserven su salud:
Máscara con pastillas protectoras de vapores tóxicos (ácido nítrico). Estas
máscaras protegen las vías respiratorias.
Guantes de goma, para protección de la piel.
Guardapolvo de algodón.
Anteojos protectores.
Guantes de látex.
Estos elementos son individuales (para evitar posibles contagios) y es obligatorio
usarlos antes de comenzar las actividades de taller.
El alumno que no posea o no utilice estos elementos no podrá cursar la asignatura. En
el aula taller no se permite fumar, ni ingerir ningún tipo de alimentos.
Es necesario informar sobre la peligrosidad de ciertos materiales que utilizamos en el
grabado en metal.
Los materiales que revisten mayor peligrosidad son:
Ácido nítrico. Se utiliza para grabar las chapas de hierro. El ácido que se emplea
es un ácido al 60 por ciento de pureza, y es el mismo que se emplea para
análisis clínicos.
Al sumergir la chapa en una batea con ácido nítrico y agua, la chapa emana
vapores venenosos. Por este motivo es necesario grabar en lugares ventilados y
protegidos con todos los elementos que se detallan a continuación: máscara,
lentes, guantes de goma y guardapolvo.
11
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 11 de 20
Diluyentes. Los diluyentes y solventes empleados son thiner, aguarás vegetales
y kerosén. Estos diluyentes también emanan vapores tóxicos y es necesario
tomar precauciones y saber que material utilizar de acuerdo a la necesidad:
1. El thiner reviste mayor peligro, pero tiene la ventaja de evaporar
rápidamente. Debe utilizarse solo para casos especiales indicado por el
docente. Los bidones o botellas de thiner deben estar claramente
identificados y rotulados. Siempre bien cerradas para evitar evaporaciones
tóxicas.
2. El aguarrás y el kerosén son materiales más grasos, no tan tóxicos como el
thiner, pero al ser grasosos tardan más tiempo en evaporar, impregnando
por más tiempo el ambiente. Los bidones y botellas que contengan estos
solventes deben estar claramente rotulados y siempre bien cerrados.
Deben utilizarse en lugares abiertos y bien ventilados, lejos de los
alimentos, y solo serán usados previa consulta con el docente.
Para todo lo que sea limpieza de restos de tintas y herramientas se usará
aceite comestible, que no reviste peligro alguno.
Resina vegetal. Se emplea para la técnica de la aguatinta. La resina se adquiere
en droguerías en forma de piedras, que son trituradas y colocadas en un
recipiente con un tamiz para espolvorear la misma sobre las chapas. Es un
material muy tóxico, que se adhiere a las paredes pulmonares al ser inhaladas y
absorbidas por los poros de la piel, las partículas al ser tan livianas quedan
flotando por muchas horas en el ambiente. Es obligatorio utilizarla bajo la
supervisión del docente.
Tintas de impresión. Por su composición química las tintas también poseen
agentes tóxicos. Esta característica es similar a cualquier otra tinta o pintura
artística o industrial (óleo, acrílico, látex, esmaltes, pintura asfáltica, etc.) Es
necesario protegerse con guantes de goma y lavarse con agua, detergente y
jabón en polvo, para evitar diluyentes que dañen la piel.
Es imprescindible tener conciencia que las actividades de taller son grupales y que los
actos irresponsables pueden perjudicar a nuestros compañeros.
La higiene, orden y limpieza ayudan a evitar cualquier tipo de accidente.
Datos útiles
Nunca olvidarse los elementos de trabajo individuales.

No compartir los elementos de uso obligatorio.
Jamás inhalar un bidón o botella para saber que contiene, ni sumergir la mano
en una batea sin la adecuada protección.
Los alumnos que padezcan algún tipo de alergia, deben informarle al docente
antes de comenzar las actividades de taller.
12
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 12 de 20
Se recomienda no utilizar anillos ni colgantes u objetos metálicos mientras se
realizan actividades en el taller.
Si todos tenemos precaución en el uso de los materiales podremos generar un clima de

seguridad y confianza, que nos permita aprender y crear libremente, sin dejar de lado
la experimentación, por eso es de suma importancia crear hábitos de limpieza, orden
y compromiso con el grupo.
NUCLEO NUCLEO NUCLEO EVALUACIÓN NUCLEO NUCLEO EVALUACIÓN

TEMÁTICO 1 TEMÁTICO 2 TEMÁTICO 3 TEMÁTICO 3 TEMÁTICO 4
31/07 al 14/08 14/08 al 28/08 29/ 08 al 26/09 26/9 al 14/10 14/10 al 30/10
Parcial I Parcial II
Contenidos Contenidos
TRABAJO TRABAJO Programáticos TRABAJO TRABAJO Programáticos
PRÁCTICO 1 PRÁCTICO PRÁCTICO 3 PRÁCTICO 4
2 NÚCLEO NÚCLEO
TEMÁTICO TEMÁTICO
1, 2 y 3 4
13
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 13 de 20
Anexo:
Se adjunta las condiciones que establece el Regimen de alumno vigente, a los fines
que los docentes puedan corroborar y transcribir lo que considere necesario.
ARTÍCULO 16: Las modalidades de evaluación se ajustarán a las categorías de
espacios curriculares. b- Los espacios curriculares teóricos-prácticos puntuales
evaluarán contenidos específicos desarrollados en las clases teóricas. Las instancias
evaluativas se dividen en trabajos prácticos (monografías, análisis, exposiciones
orales, producciones artísticas, etc.) y parciales (escritos, producciones artísticas
acompañadas de fundamentación, o alternativas de evaluación debidamente
justificadas en el programa). b- Los espacios curriculares teóricos-prácticos
procesuales evaluarán recorridos que el/la estudiante irá desarrollando a lo largo
del cursado, evaluando el proceso paulatino por lo cual habrán más instancias
evaluativas prácticas (trabajos prácticos) y un instancia final integradora (parcial).
Espacio curricular cuatrimestral Espacio curricular anual Mínimo 2 instancias
evaluativas 1 instancia integradora final obligatoria 3 instancias evaluativas 1
instancia integradora final obligatoria máximo 5 instancias evaluativas 1 instancia
integradora final obligatoria 7 instancias evaluativas 1 instancia integradora final
obligatoria ARTÍCULO 18: Los/las estudiantes tendrán derecho a recuperar las
instancias evaluativas en ambas modalidades, sin perder la condición de cursado ya
sea por inasistencia o aplazo. b- Para los espacios curriculares teóricos-prácticos
procesuales: se podrá recuperar la instancia integradora final. De ser necesario
el/la docente podrá pedir una instancia mas para que el/la estudiante no pierda su
condición de cursado. ARTÍCULO 19: Los/as docentes responsables de las
asignaturas deberán permitir el real y adecuado acceso de los/as estudiantes a las
instancias evaluativas corregidas y calificadas, durante el mes posterior, contando
desde la toma de la evaluación. CONDICIONES DE CURSADO ARTÍCULO 20: Se
consignan las siguientes modalidades de cursado: PROMOCIONAL, REGULAR y
LIBRE. ESTUDIANTES PROMOCIONALES ARTÍCULO 21: Todo/a estudiante
debidamente inscripto/a puede acceder a la condición de estudiante promocional.
ARTÍCULO 22: Será considerado/a promocional el/la estudiante que cumpla con las
siguientes condiciones: Espacios curriculares teóricos-prácticos procesuales:
aprobar el 80% de las instancias evaluativas considerando de mayor jerarquía la
instancia integradora final con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un
promedio mínimo de 7 (siete). El 20% restante no es promediable ni por
inasistencia ni por aplazo. ARTÍCULO 23: Los/las responsables de las asignaturas
podrán exigir la condición de un mínimo de asistencia a las clases, que no podrá
superar el 80% del total. Se entiende por asistencia a la presencia del estudiante en
la clase, bajo ningún motivo la misma se podrá acreditar mediante actividades (
instancias evaluativas - jornadas - salidas a congresos - actividades
14
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 14 de 20
extracurriculares, etc.) 16 ARTÍCULO 24: Las cátedras podrán incluir exigencias tales
como: coloquio final, monografía, práctica especializada, trabajo de campo, u otro
tipo de producción que impliquen un rol activo del estudiante. En estos casos la
promoción tendrá vigencia por el semestre subsiguiente. Se entiende por semestre
subsiguiente el que sucede inmediatamente después del cursado, incluyendo las
fechas de exámenes correspondientes. Las exigencias mencionadas anteriormente
deberán ser evaluadas en las correspondientes mesas de examen previstas por el
calendario académico. ESTUDIANTES REGULARES ARTÍCULO 25: Todo/a estudiante
debidamente inscripto/a puede acceder a la condición de estudiante regular, que
implica la posibilidad de inscripción para aprobar la asignatura accediendo a un
examen de una sola instancia, que podrá ser oral o escrita. ARTÍCULO 26: Son
estudiantes REGULARES aquellos/as que cumplan las siguientes condiciones:
Modalidad procesual: aprobar el 75% de las instancias evaluativas con
calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar al menos una
instancia evaluativa para acceder a la regularidad. El 25% restante no es
promediable ni por inasistencia ni por aplazo. ARTÍCULO 27: Los/las responsables
de las asignaturas podrán exigir sólo en la modalidad procesual, un mínimo del 60%
de asistencia a las clases. Se entiende por asistencia a la presencia del estudiante
en la clase, bajo ningún motivo la misma se podrá acreditar mediante actividades
(instancias evaluativas - jornadas - salidas a congresos - actividades
extracurriculares, etc.) ARTÍCULO 28: La regularidad se extiende por el término de
3 (tres) años, a partir de que se deja constancia fehaciente en actas de que el/la
estudiante accede a esa condición. Si la fecha de finalización de ese período no
coincidiera con una fecha de examen de la materia en cuestión, se extenderá hasta
el turno de exámenes subsiguiente. ESTUDIANTES LIBRES ARTÍCULO 29: Los/as
estudiantes que, estando debidamente inscriptos/as en el año académico, decidan
inscribirse a presentar exámenes finales en la condición de libres, accederán a un
examen de dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda oral,
contemplándose en ambas los aspectos teóricos y prácticos, en el caso que
hubiese. ARTÍCULO 30: Las cátedras podrán establecer encuentros o instancias
previas al día del examen con un máximo de un mes de antelación, debiendo
establecerse en el programa de cátedra. ESTUDIANTES VOCACIONALES ARTÍCULO
31: Son vocacionales aquellos/as que no siendo estudiantes de la carrera, son
debidamente inscriptos/as, registrados/as y admitidos/as, a fin de cursar alguna o
algunas asignaturas. ARTÍCULO 32: Podrán inscribirse en calidad de estudiantes
vocacionales en los Departamentos de esta Facultad, los/as estudiantes
universitarios/as o egresados/as de otras carreras universitarias provenientes de
universidades argentinas o Régimen de alumno trabajador. Consultar:
http://www.artes.unc.edu.ar/sae/secretariadeasuntosestudiantiles#alumnostrabai
adores
15
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 15 de 20
16
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 16 de 20
Asignatura: GRABADO II
Equipo Docente:
Prof. Titular: Eduardo C. Quintana
Prof. Adjunta: Cecilia N. Conforti
Prof. Asistentes: Alejandra Escribano. Lucía Álvarez Pérez
Ayudantes alumnos/nas:
Turno mañana: Tomás Barlasina, Valentina Zamora Vaslentina Zamora. Sara María Lejter.
Turno Tarde: Sofía Goldstein
Adecuación de Contenidos:
Los contenidos adecuados para el ciclo 2020 fueron organizados para ser desarrollados en formato
virtual. En la asignatura Grabado 2 el Núcleo Temático 1: El Grabado. Contexto histórico /social y
el Núcleo Temático 2: El lenguaje gráfico: Se mantuvieron en contenido y bibliografía. Los cambios
que se realizaron fueron en relación al dictado, presentación y evaluación de procesos en formato
virtual. Núcleo temático 3, Procedimientos calcográficos: se mantiene igual hasta el proceso de
boceto. Los procesos de traslado de bocetos, incisión e impresión de matrices para huecograbado
se quitaron. El Núcleo temático 4, Técnicas de experimentación gráfica y el Núcleo temático 5,
Nuevos soportes, nuevos medios se realizaron cambios en relación a las actividades. En relación
a la evaluación se realizaron cambios con respecto a la cantidad de producción requerida y se
realizaron cambios con respecto al formato de presentación.
Contenidos / Núcleos temáticos / Unidades 2020
Núcleo temático 1
El Grabado. Contexto histórico /social. Unidad teórica
Se mantiene igual al programa original: Clasificación de los procesos de impresión. Concepto de
técnica en el Grabado. Función histórica, aportes del grabado al desarrollo del arte visual Período
Virreinal, Renacimiento, expresionismo, modernismo, la estampa japonesa, Arte Pop. El Grabado
menos tóxico. El Grabado en el contexto contemporáneo. Hacia una gráfica expandida
(introducción).
Núcleo temático 2
El lenguaje gráfico. Unidad teórica instrumental.
Se corresponde al programa original: Características. Cualidades técnico-expresivas, recursos
gráficos tradicionales y actuales. Concepto de línea, trama, textura, forma y contra forma. Cualidades
intrínsecas del grabado, multiplicidad, seriación, repetición, aspectos técnicos y conceptuales
(palimpsesto). Se corresponde al programa original de la materia: Producir bocetos traducibles al
lenguaje gráfico- impreso. Reconocer las cualidades expresivas de los elementos de la comunicación
visual. Elaborar propuestas a partir de ejes temáticos. Transferir conocimientos de otras asignaturas
(Grabado I, Dibujo I, Visión I) Aplicar leyes de percepción visual. Practicar la línea en relación al
desarrollo del proceso personal. Reconocer las características expresivas del lenguaje gráfico.
Descubrir los distintos tipos de líneas. Utilizar diferentes tipos de tramas, aguadas y texturas.
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 17 de 20
Núcleo temático 3
Procedimientos calcográficos.
Se mantiene del programa original a nivel teórico: Elementos de la comunicación visual. La línea, el
valor y la textura como elementos estructurales del producto visual.
Se mantiene: proceso de Boceto aplicables a Procedimientos calcográficos, aguafuerte, aguatinta, y
derivados. Tipos de entintados a manera teórica. El color: Métodos de aplicación en bocetos
traducibles al grabado. Experimentación redefinición del soporte gráfico en bocetos traducibles a
técnicas de huecograbado.
Se excluyeron: Práctica del proceso de la técnica del aguafuerte y aguatinta (traslado de boceto,
incisión, impresión, experimentación en la la plancha de hierro). También Práctica de métodos de
entintado: simultáneo. Poupée, veladuras. técnicas mixtas en huecograbado. Redefinir la matriz en
el proceso de impresión.
Núcleo temático 4
Nuevos soportes, nuevos medios
Se mantiene igual al programa original: El proceso personal (bocetos, informes escritos) como
disparador para el abordaje a nuevas posibilidades en la enseñanza y práctica del grabado. Concepto
de hibridación. Cruces con otras disciplinas del arte visual. Libro de artista. Arte objetual.
Performance, instalación.
Se suplantan las impresiones por los bocetos adecuados para cada técnica.
Núcleo temático 1
- Un ensayo sobre el Grabado a finales del siglo XX. Juan Martínez Moro. Editorial Creática.
-Apunte de Cátedra, Grabado II
Núcleo temático 2
-Grabado y técnicas de impresión. Editorial Blume.
-Un Ensayo sobre Grabado a comienzos del siglo XXI. Martínez Moro. Editorial Creática.
-Manual de Aguafuerte y Grabado. W. Chamberlain. Editorial H. Blume.
-La Impresión como Arte. Técnicas contemporáneas y tradicionales. Huges- Morris. Editorial H. Blume.
Núcleo temático 3
- Un ensayo sobre el Grabado a finales del siglo XX. Juan Martínez Moro. Editorial Creática.
-“Lo Espiritual en el Arte”. V Kandinsky. Editorial Paidós Ibérica.
- “Punto y línea sobre el plano”. V Kandinsky. Editorial Paidós Ibérica.
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 18 de 20
-Guía completa del Grabado e Impresión”. John Dawson. Editora. Blume.
-“Arte y alienación”. Herbert Read. Zahar, Editores
-“Los Caprichos”. Francisco Goya. Dover Publications.
- “Pablo Picasso”. Obra Gráfica. Colección Comunicación Visual. Serie Gráfica. Editorial G.
Gilli.
-El -Grabado y Técnicas de impresión. Editorial Blume.
-Otro material disponible Power point, videos y clases virtuales grabadas subidas al aula virtual
en ambos turnos.
La presentación de los contenidos de cada núcleo temático, se apoya con la proyección de

imágenes y la exposición de contenidos teórico de forma virtual, utilizando la plataforma
meet: a) Demostraciones prácticas relativas a las técnicas que se desarrollan en cada núcleo
temático. b) Acompañamiento docente en el proceso individual permanente de las
actividades de análisis y reflexión, sobre la función histórica del grabado y de las
producciones actuales que integran y representan el patrimonio visual local, regional y
universal. c)Realización de registros visuales de manera introductoria a la redefinición del
grabado en la contemporaneidad.
Estrategias:
Clases virtuales se implementan como encuentros permanentes en los horarios de clase
correspondientes a cada turno. Tienen el objetivo de la enseñanza de teóricos, seguimiento
procesual de producción, información y orientación del estudiante.
Se implementa la utilización de mail, aula virtual y redes sociales Facebook e Instagram como
medios de difusión y canal de comunicación. Esta modalidad se tiene presente en relación a posible
discontinuidad de conectividad.
Se implementan herramientas para visualizar las acciones técnicas y procedimentales de los
trabajos, como recuso se establece drive y correo electrónico para cada turno de la cátedra. Los
contenidos a nivel teórico y conceptual se adecuaron para que se puedan desarrollar en sus espacios
hogareños, para la integración permanente.
Orientación y seguimiento virtual del proceso de trabajo relacionado a la producción: elección e
instrumentación de los recursos que mejor vehiculicen las propuestas individuales. Intercambio de
opiniones, coincidencias o divergencias del grupo en relación al material ofrecido por la cátedra.
Proyección de poder Paint como recurso didáctico para cada núcleo temático.
Confección de bitácoras individuales conteniendo bocetos, reflexiones y citas bibliográficas como
ejes para el desarrollo de los procesos personales según pautas de trabajo contenidas en las guías de
trabajos prácticos para cada eje temático.
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 19 de 20
Condiciones para examen de regulares 2020 y libres 2020
Condición de Evaluación:
Alumnas/os regulares 2020:
Presentación virtual de lo desarrollado durante el cuatrimestre. Realizar los trabajos prácticos-
teóricos que se reprobaron, teniendo en cuenta el seguimiento permanente y personalizado de los
docentes. Profundización de los contenidos desarrollados en cada núcleo temático. En relación a
mantenerse la modalidad virtual, el examen consistirá en la presentación de los trabajos a través del
drive propuesto en el aula virtual de examen. Para ello se darán pautas específicas comunicadas por
aula virtual y por mail (que figure en guaraní) a cada estudiante. Se dará una semana a partir de la
apertura del examen y luego cada alumna/o deberá presentar todo el proceso y se hará énfasis en
los procesos reprobados, incompletos o no realizados en la cursada en una instancia de defensa
virtual.
Alumnas/os libres 2020:

el cursado virtual de la asignatura en 2020. Presentación virtual de lo desarrollado durante el
cuatrimestre. Realizar los trabajos prácticos- teóricos en su totalidad. Profundización de los
contenidos desarrollados en cada núcleo temático. En relación a mantenerse la modalidad virtual, el
examen consistirá en la presentación de los trabajos a través del drive propuesto en el aula virtual
de examen. Para ello se darán pautas específicas comunicadas por aula virtual y por mail (que figure
en guaraní) a cada estudiante. Se dará una semana a partir de la apertura del examen y se hará
énfasis en cada núcleo temático, en una instancia de defensa virtual.
IF-2022-00334553-UNC-DDG#FA
página 20 de 20

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2015 - Grabado II

Date: 2022.05.09 13:24:16 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:24:22 -03'00'

Carrera/s: PLAN 2014 | Licenciatura
Todas las carreras del
en Departamento
Artes Visuales
Asignatura: PROBLEMÁTICA GENERAL DEL ARTE
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Fernando Fraenza
Prof. Asistente: Nicolás Yovino
Adscripto: Agustina Sirvent
Ayudante alumno: Valentino Indorato
Turno único: viernes 14.00 hs a 17.00 hs.
Consultas: viernes 17.00 hs a 18.00 hs por AV
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 54
Cátedra de Problemática general del arte
Elementos de semiótica, sociología & teoría crítica de las artes visuales
Conmemoramos 30 años de nuestro enfoque basado en la transformación
pragmático-semiótica de la teoría crítica | 1990-2020
Se creen mejores porque adoran esa porquería (un personaje acusado y

juzgado por el asesinato de una curadora en un capítulo de la tv-serie La
ley y el orden, Universal Channel, 2011)
…hacer arte es algo que está al alcance de casi todo el mundo. No es una
actividad altamente especializada, como lo es la física nuclear, que está
vedada a quienes carecen de un alto grado de habilidad matemática. Se
requieren diversas habilidades rudimentarias para hacer arte, así como la
capacidad para entender la naturaleza de la empresa. Tales habilidades y
tal comprensión están al alcance de niños muy pequeños. (George Dickie
en The Art Circle, Haven Publications, N.York, 1984)
El nominalismo, antes la novedad de unos pocos, hoy abarca a toda la

gente; su victoria es tan vasta y fundamental que su nombre es inútil.
Nadie se declara nominalista porque no hay quien sea otra cosa. (Jorge Luis
Borges, “De las alegorías a las novelas” en Otras inquisiciones, 1937-1952,
Editorial Sur: Buenos Aires)
1. Preámbulo
L A PRESENTE DOCUMENTACIÓN contiene información sobre objetivos, contenidos y metodología para el

dictado del curso anual de la Cátedra de Problemática general del arte, de acuerdo a los
contenidos mínimos establecidos en el plan de estudios 2014, para el Departamento de Artes
Visuales, Facultad de Artes, Universidad Nacional de Córdoba. Dicho curso se dicta para el tercer año de
todas las carreras del mencionado Departamento, bajo la modalidad “espacio pedagógico teórico-
práctico puntual”.1 La lectura atenta de este “Preámbulo” (o lo que de él conservamos en el capítulo “0.
Introducción” de nuestro libro El arte. Una pregunta. Escritos previos) es fundamental para conseguir
una comprensión básica de los encuadres bajo los cuales se ha confeccionado este Programa y en los
cuales adquiere sentido el conjunto de temas y referencias reunidas o –mejor aún- puestas a funcionar
en el presente curso.
El propósito fundamental de esta asignatura universitaria es hacer posible un espacio de reflexión y

crítica acerca del fenómeno de las artes (sobre todo visuales), especialmente en lo que refiere su estado
actual post-histórico. Enfocando un conjunto de creencias que, siendo supuestas con fuerza y sostenidas
acríticamente, estorban -como sucede habitualmente- cualquier conocimiento o contacto «profanador»
con la obra de arte o con la práctica artística; rebajando el carácter experto o especializado que se
1 Más que extraña y casi veleidosa designación asentada en el Artículo 12. del Régimen de estudiantes de la Facultad de Artes,
Res. del HCD, FA 0001/2018.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 54
debería esperar de una comunidad universitaria -como la nuestra- enfocada en el arte. Creencias que -
además-, vuelven ideológico (por ahora, esto significa: falso pero incuestionado) todo el comentario, el
análisis o la crítica de las acciones o productos del arte.
Nuestras inquietudes –como sugerimos arriba- refieren principalmente al contexto del debate acerca
del estado actual del sistema del arte, y de modo más específico a la observación –reciente pero ya
generalizada- de una especie de crisis de legitimidad que hace peligrar el desarrollo autónomo
(deseable, humanamente hablando) de las artes visuales o bellas artes dentro de las sociedades tardo-
capitalistas o post-burguesas. Es menester, al menos por parte de unos especialistas genuinos y
honestos, reconsiderar impíamente y con agudeza el papel que cumplen o que podrían cumplir las
disciplinas artísticas en las sociedades actuales. Problemática que convoca toda una constelación de
preguntas sobre la actual experiencia del arte, sobre la función del arte, sobre su naturaleza pública2 y
su carencia de efectividad histórica o social, sobre su estatuto mercantil y las plusvalías3 que promete,
sobre sus enlaces con la sociedad del espectáculo y –a la vez- con la representación democrática,4 sobre
el conflicto y la competencia de sus agentes persiguiendo (veladamente) ciertos beneficios
necesariamente privados, etc.
Más que catalogar en forma exhaustiva los antecedentes y las acepciones actuales o pretéritas del
concepto «arte», hemos intentado desde hace treinta años -e intentaremos ahora- realizar una serie de
cortes o encuadres teórico críticos selectivos referidos especialmente al conjunto de problemas propios
de las disciplinas que se han dado en llamar –históricamente- artes visuales o bellas artes. El curso
propuesto toma como objeto de estudio un compendio de diversos enfoques analíticos y/o teórico
críticos que, a su vez, toman diferentes aspectos, planos o dimensiones de la mencionada disciplina
artística como objeto-problema. Dicho compendio se compone de teorías que intentan interrogar y
analizar....
1 ...las obras de arte visual en relación al concepto –ya universal o bien convencional- de arte. Es decir,
las obras de arte visual en tanto objetos y acciones relacionados con los conceptos de esteticidad o,
simplemente, artisticidad. Unidad 1. La definición del arte.
2 ...las obras de arte visual en tanto artefactos. Es decir, en tanto estructuras o conjuntos organizados
de cualidades sensibles (llamados obras de arte). Unidad 2. Arte-orden.
3 ...las obras de arte visual en tanto signos o textos. Es decir, en tanto conjuntos significantes
(aparentemente pertenecientes a un tipo particular de signos). Unidad 3. Arte-texto.
4 ...las obras de arte visual en tanto ocasión de intercambios sociales y políticos entre los sujetos. Es
decir, en tanto fenómeno histórico enmarcado en la sociedad y en la cultura. Unidad 4. Arte-sociedad.
Expresado brutalmente: En 1., pensamos las razones por la cuales, en el pasado, pero también -si bien
solapadamente- en la actualidad (aún bajo el nominalismo y el relativismo cultural imperantes), solemos
creer que el «arte logrado» es aquel que posee ciertas propiedades y no otras; valiendo así un tipo de
arte más que otro, en función de algún criterio no del todo profano. En 2., pensamos acerca de tipo y
grado de ordenamiento sensible (visible) que las obras de arte deben tener, tuvieron, tienen o carecen,
cuando se ofrecen a los sentidos y al entendimiento; orden según el cual llegarían a diferenciarse de la
realidad no-artística circundante. En 3., pensamos cómo funcionan las obras de arte produciendo ciertos
efectos de sentido que median en las relaciones que mantienen los sujetos entre sí;5 efectos cuya
especificidad permitiría -tal vez- diferenciar estas obras de los demás signos no-artísticos. En 4., nos
metemos, de pleno, a pensar la función del arte en las sociedades pasadas y en la contemporánea, más
2 En el sentido kantiano y –sobre todo- habermasiano del término.

3 Respecto de otro tipo de consumo. Plusvalías que deben ser revisadas y reconsideradas ante el análisis experto.
4 Si existieran tales vínculos.
5 Por ejemplo: que benefician a uno y perjudican a otros; que establecen unas jerarquías determinadas entre sus identidades; que
realizan o no sus anhelos de posicionamiento social; etc.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 54
allá de las creencias y opiniones que sostienen los aficionados, los amantes o los interesados en el arte y
en sus posibles beneficios.
Tales perspectivas, que forman parte –principalmente- de la fenomenología, la semiótica, la teoría

crítica y la sociología de las artes, serán tomadas parcialmente como objeto y como instrumento en
cuanto puedan aportar a una comprensión del fenómeno de las artes6 en el desarrollo de la modernidad
occidental y sus consecuencias en el final-comienzo del siglo-milenio. Esto implica, y hemos de decirlo
claramente, con todas las letras, que los contenidos de este curso son –más bien- básicos e
introductorios a dichos enfoques, orientados ya a la formación de una suerte de especialista
universitario en bellas artes capaz de participar de consensos y perspectivas articuladas en otros campos
del saber (semiótica, sociología, teoría de la acción, estudios culturales, teorías textuales, teorías del
análisis del discurso, etc.), superadoras –en numerosos aspectos- de la necia e imprudente jerga que
caracteriza normalmente a los consumidores (inclusive a los buenos y selectos consumidores) de la
ideología del arte. Grupo de sujetos en el que se subsumen los mismos artistas, los promotores, los
amantes, los amigos y los connaisseurs de alguna/s líneas de las bellas artes.
Nuestra asignatura no tiene como fin una divagación diletante del tipo de las que sientan sus bases en lo
que ya suponemos u opinamos -acrítica y apresuradamente- respecto del arte, de sus deberes y de sus
posibilidades. Por el contrario –permítasenos insistir-, nuestro curso se endereza –en primer lugar- a
comprender los momentos o tramos de una teoría crítica que reflexiona implacablemente sobre la
acción, la significación y el domino político; aportando –en segundo lugar y si esto fuera posible- aquello
que la experiencia misma del arte sea capaz de proporcionar a tales discusiones.
La Cátedra se autodefine como un espacio de crecimiento7 y reflexión en el que se trabaja no sólo con y
para artistas (a secas) sino que, sus destinatarios -además de procurar ser (con cierta sencillez y
benevolencia social) artistas- habrán de convertirse (ahora sí, con dificultad y competencia) en
especialistas universitarios acerca del fenómeno arte. Vale decir, trabajaremos con universitarios de los
que se espera, conformen la comunidad de sujetos que más -y más pormenorizadamente- conocen
acerca de las bellas artes en nuestra sociedad. Ni la Universidad ni la Academia se reconocen hoy como
lugares privativos –ni fundamentales, ni siquiera como los más propicios- en los cuales se forman los
artistas de éxito (a nivel local, nacional o internacional). Por otra parte, la «formación» de un artista
contemporáneo (a secas), al no involucrar el desarrollo de destrezas, habilidades, ni conocimiento
específico alguno, no pertenecería ya al núcleo central de las posibilidades o capacidades de una
educación escolarizada (inclusive pública, sustentada económicamente por los contribuyentes, y entre
éstos: los procreadores de muchos de nuestros estudiantes). Luego, el perfil del artista que se forme
honestamente en una escuela universitaria (por el simple hecho de participar prolongadamente –
durante años- en la vida de la comunidad asociada a una institución educativa pública) deberá dar
cuenta de las condiciones intelectuales necesarias para formar, además, parte de la esfera especializada
del arte.
Entendemos, en este sentido, que el destino de una escuela universitaria de artes no puede ser, al
menos en lo que refiere al campo de las bellas artes, la mera formación de artistas contemporáneos. Es
más, tampoco el rol del artista universitario o –mejor, en este caso- del experto con formación
universitaria ha de quedar restringido al de buen consumidor o heroico reproductor del dogma del arte.
Es decir, no puede ceñirse a la figura de alguien que tozudamente está, sin saber muy bien por qué, «a
favor del arte». Pues entonces, ¿para qué la Universidad? No sólo ha de conocer en qué consiste creer
en el arte,8 sino también, ha de romper con dicha creencia para progresar en el conocimiento del
principio de existencia institucional o sociológica de las artes. Y más aún, debe calibrar dicha ruptura de
manera tal que tampoco –en la dirección contraria- se homologue –sin más- el fenómeno arte a un
hecho meramente sociológico de consumo cultural cualquiera tal como lo trabajara Pierre Bourdieu en
6 Es decir, «arte autónomo».

7 En el sentido de conseguir autonomía respecto de los «pensamientos obligados» (Kant) por la costumbre.
8 Creer en la existencia de un tipo u otro de arte legítimo; creer en que el arte es o ha de ser de una u otra manera según un
principio suprahistórico; creer en los beneficios que el arte promete a la sociedad o al individuo, etc.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 54
La distinción (1979). Al interior de un enfoque como el nuestro, que podríamos calificar ya de
pragmático o pragmatista, que el arte sea un mecanismo interesado o ideológico de dominio, de
identificación social, de distinción, de consumo, etc. no significa que todo en él sea relativo y
completamente histórico. La facultad de juzgar en materia de arte debe entenderse en orden a las
razones no puras de un juicio contextualmente relativo que aspira a trascender –sin embargo- el
horizonte de su contorno y convertirse en universal.
Por una parte, numerosos artistas y críticos de arte, procurando encontrar algún lugar nuevo, más o
menos prestigioso o reconocido socialmente, adoptan –en cuanto pueden, en cuanto la situación se los
permite- los modelos productivos e interpretativos del artista-curador,9 del empresario, del gestor
cultural, del investigador, del antropólogo, del artista-etnólogo, del comunicador mediático, del activista
político,10 etc. Por la otra, consolidada esta transferencia o esta suerte de enmascaramiento -y ya
conseguida una posición socialmente tipificada-11 se ha pagado un precio con la renuncia irreparable al
conocimiento del arte sobre sí mismo como saber autónomo. Renuncia que, entre otros silencios y
omisiones, hace posible el despliegue y funcionamiento de una suerte de intriga invisible (Bourdieu) que
forma parte de la institución arte, cuyos efectos tienen que ver con la producción y la reproducción
constante de una ilusión que mueve la adhesión colectiva al juego del arte. Ilusión que es a la vez, causa
y efecto de la existencia de dicho juego social, cuyos participantes creen o simulan creer que el arte es
trascendente (con mayúscula) y que en él no se juegan, principalmente, sus intereses también
económicos.
Nuestro encuadre intenta comprender –en lo que se pueda- por qué la discusión sobre el
reconocimiento, la crítica y la interpretación legítima de las obras de arte consagradas excluyen la
cuestión de los intereses puestos en juego y la cuestión de la propia legitimidad de tales discusiones (o
enfoques), así como la de las condiciones sociales –más o menos concretas- que las hacen posibles.
Este curso es el resultado de una secuencia de estudio e investigación que ya lleva una treintena de
años,12 y que ha dado como resultado la consolidación de un espacio de pensamiento acerca de los
fenómenos arte y artes visuales, libre de toda convicción estética y de todo ingenuo amor por el arte y
los artistas. Puede decirse que esta prolongada fase de la historia de la Cátedra de Problemática general
del arte ha conseguido agenciar una comprensión de la teoría crítica que, en estrecho y despiadado
contacto con la práctica de la producción artística (porque se trata, en parte, de una institución para la
formación profesional de artistas visuales), ha visto aumentada su agudeza en un grado de
inconveniencia artística jamás alcanzado por los filósofos de profesión, quienes –tal vez por su propia
situación de extranjería disciplinar- no han sido claramente impíos, persistiendo muchos de ellos en
algún tipo de apuesta o creencia en el arte o en sus poderes. Filósofos del lenguaje, analistas del
discurso y sociólogos se han movido con agudeza crítica, descomponiendo sacrílega y fieramente una
serie de acciones y productos no artísticos (la prensa, el discurso político, el advertising, etc.), pero
actuaron luego, con prudencia y -también- con oportunismo, frente a lo que se tiene por arte. Por el
contrario, dentro del territorio artístico, en sus institutos superiores o universitarios, las teorías han
gozado de un cierto prestigio y de una cierta influencia en la medida en que sirvieron a la consolidación
y difusión del dogma del arte, pero no a su crítica.
9 Ejemplo de esto es la migración generalizada –en nuestro y en otros entornos- hacia el rol del artista-curador. Aquellos actores
que son capaces de reconocer o –por lo menos- entrever ciertos rasgos de insensatez (o flojera y oportunismo) en buena parte de
la producción más actual y pura de arte posaurático mudan de una participación activa en el mundo del arte a una participación
aparentemente más etnográfica y distanciada, como curadores u organizadores.
10 Las más de las veces, se adopta el modelo del tipo de activista político que puede ser fácilmente reconocido como tal, investido
del capital simbólico que le compete. Otras, inclusive, el artista adopta el modelo del activista radical puro, cuyo llamamiento es
inaceptable, indistinguible, irrelevante o incomprensible para la representación burguesa del mundo.
11 Inclusive al momento de solicitar becas, admisiones, etc.
12 Desde los años setenta, esta Cátedra ha sido beneficiada por el trabajo en ella de figuras que, seguidas con atención, han sido
relevantes para la mejor historia de nuestra unidad académica y base para los actuales enfoques de nuestra Cátedra. Nos
referimos en primer lugar, a los profesores Oscar Moraña y Tania (Bonona) Larrauri, que transformaron el curso de estética en
problemática (laica) del arte a comienzos de los setenta. Luego, debe saberse que el armazón último de la actual Cátedra se debe,
en gran medida, al efecto de los memorables cursos planificados y dictados por el profesor Gabriel Blanco hacia los años ochenta.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 54
Localmente, hemos logrado –después de un tiempo- consolidar un lugar inexistente y sin equivalentes
en otros institutos de formación artística (ya metropolitanos o bien periféricos, del mundo); un espacio
para pensar el sistema del arte sin compromisos, y darle así, a la comunidad del arte, la oportunidad de
producir un conocimiento de sí, más allá del amor al arte, es decir, del interés y la conveniencia privada.
Expresado de otra manera: tenemos aquí -en el curso de nuestra Cátedra- un complemento de la
religión artística, necesario para articular una comprensión universitaria y plural del concepto en torno
al cual hemos sido convocados en tanto académicos o especialistas: las artes. Desde luego, estamos
persuadidos de que, en el fragor de los enfrentamientos propios del choque entre devociones y
apostasías diversas, nuestro encuadre es no sólo minoritario, sino escaso o –tal vez- inexistente en el
común de los trayectos o programas de estudios superiores o universitarios en artes, en centros de
importancia y a nivel mundial, inclusive. Conocemos el carácter adelantado y desamparado de nuestro
proyecto, motivo por el cual lo valoramos como patrimonio local y universal, persistiendo, luego de
treinta años, en el mismo.
De la lectura cuidadosa de este Programa se puede inferir un enfoque teórico crítico enlazado de una
manera heterodoxa con el marxismo occidental y la crítica ideológica desplegada por la Escuela de
Frankfurt,13 más bien basado en la llamada transformación pragmático-comunicativa de dicha teoría
crítica, tal vez uno de los esfuerzos más notorios de elaboración de una filosofía –junto a una semiótica-
a la altura del espíritu postmetafísico que caracteriza nuestro tiempo.14 Una herencia intelectual llena
de enmiendas, acotaciones y salvedades,15 pero nunca privada de la prodigalidad que le otorga el
haberse empeñado en hacer real aquel proyecto ilustrado de que la razón ocupe un lugar de privilegio
en la historia humana, aunque sea –luego de la crítica o deconstrucción llevada a cabo por los filósofos
de la sospecha- una razón (y una realidad) con minúscula, no instrumental, sino orientada al
entendimiento, que se haría –tal vez, con suerte- presente en el marco de la acción artística, en el
aspecto en que ésta se constituya -al menos en parte- como comunicación no distorsionada.
Fernando Fraenza, 2020
13 Y en algún sentido, «suficientemente incorrecto», tal como los propusiera Albrecht Wellmer, en una conferencia valenciana, y
como no podría ser de otra manera, según lo amerita una interpretación actual de los textos de filósofos como Theodor W.
Adorno, Herbert Marcuse, etc.
14 Sostenida por filósofos como Karl Apel, Jurgen Habermas o Albrecht Wellmer; continuada por críticos de arte como Gerard
Vilar, José Luis Brea o Vicente Jarque
15 Y de cláusulas ceteris paribus.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 54
2. Objetivos
En función de las anteriores consideraciones, e indicando una atención especial para con las metas que
–por una razón argumentativa- hemos puesto en quinto y sexto lugar, nos proponemos los siguientes
objetivos generales:
Lograr que el alumno…
1. …adquiera los elementos conceptuales que le permitan iniciarse o disciplinarse en la tarea de

determinar el sentido de su actividad creadora o productora de objetos, ideas o acciones de
arte.
2. …Sintetice destrezas y conocimientos adquiridos a lo largo de la carrera en el marco de una

teoría general del arte.
3. …sea capaz de afianzar y profundizar, toda vez que el caso lo requiera, su tarea de creación
y/o producción artística por medio del manejo reflexivo de conceptos referidos a diferentes
aspectos del fenómeno arte.
4. …detecte, observe y comprenda la existencia de diferentes niveles de realidad del arte.

Entendiendo tales prácticas o productos como…
…comunicación, como modos históricos específicos de intercambio de signos (de trato

discursivo a través de signos);
…estructuras, como conjuntos ordenados de elementos sensibles, creados mediante

operaciones artísticas;
…objetos, como un tipo específico de objetos construidos e intercambiados

interesadamente (Habermas) por las comunidades humanas;
…información, como un intento por generar auténtico orden, destinado a oponerse al

inexorable aumento de la entropía general del universo;
…función de un modelo de relación arte-realidad, en la definición de un rol

presentativo o representativo del arte en la sociedad y la cultura.
5. …sea capaz de analizar, criticar y –por lo tanto- superar las siguientes creencias (habituales
en la comunidad de especialistas en arte o artistas en formación, y muy débilmente fundadas) :
5a. «La obra de arte es concebida por su autor con el fin o el proyecto principal de
expresar, transmitir o comunicar algo.»
5b. «La obra de arte significa o expresa contenidos que el artista voluntaria, consciente
o intencionalmente, ha concebido, imaginado o determinado para su creación.»
6. …sea capaz de reconocer dichas creencias como parte del juego del arte, alimentando su
capacidad de imponer, como sostiene Baudrillard (1972) o Bourdieu (1992), los intereses
aparentemente más desinteresados.
7. …desarrolle su sensibilidad valorativa mediante la toma de conciencia de nuevos aspectos o

dimensiones del hecho (idea, objeto, acción, etc.) artístico. Observando las artes visuales
actuales también como posible campo de investigación individual
8. …adquiera (finalmente) el hábito de la reflexión y el discernimiento crítico.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 54
3. Contenidos y lecturas | Programa analítico
El programa de nuestra asignatura, analíticamente, puede dividirse en cuatro unidades o conjuntos

temáticos, relativos a las cuatro preguntas o encuadres mencionados en nuestro Preámbulo.
Unidad 2 | Arte-orden
Unidad 1 | La definición del arte Las obras de arte como
conjuntos sensibles organizados
Unidad 4 | Arte-Sociedad
Unidad 3 | Arte-texto
El fenómeno del arte en el marco
Las obras de arte como artefactos significantes
de la sociedad y la cultura
Unidad 1 | Arte, belleza, esteticidad, artisticidad
El problema de la definición general del arte (Eco, 1962; Formaggio, 1973, Introducción; Danto, 1981 y
1997; Fraenza, 1999; y Pierantoni, 1983, 5.). Bibliografía fundamental: Fraenza, 2018, 2.3.
Comentario breve: Puede considerarse que un estudio de las ideas estéticas16 –
fundamental para una historia de la filosofía- implica contenidos que, en orden al
estado ya desencantado del arte actual y ante la imposibilidad de articular una
definición universal,17 se convierten en indagaciones históricas (de la filosofía) de gran
especificidad que poco aportarían a la consecución de nuestros objetivos. Sin
embargo, es posible recurrir a la estética del pasado desde una perspectiva científica
corriente y contemporánea con el objeto de enmarcar, definir y contrastar la
preocupación genuina por establecer una definición general del arte, o bien de
circunscribir sus cualidades esenciales o diagnósticas. Dino Formaggio y Umberto Eco
acometieron el problema y formularon una serie de hipótesis en torno al posible
reemplazo del concepto de belleza (expresión, intuición, idea, forma, manifestación de
piedad o armonía, etc.) por la noción laica de artisticidad para comprender el
fenómeno arte, para reconstruir su lógica institucional, para explicar las leyes de su
funcionamiento social; o también, para investigar el tipo de «alquimia social» (Pierre
Bourdieu, Op.cit.) del cual surge el arte, procedimiento que consigue –en la práctica-
trasmutar el mero enfrentamiento de intereses particulares (de artistas y público que
buscan su propia consagración) en esencia sublimada de lo universal. En sus diversos
aspectos, el tratamiento de este tema involucra las nociones de muerte del arte
(Hegel) y fin del arte (Arthur Danto) en algunos de los sentidos en que éstas han sido
propuestas. Otro elemento a considerar frente al problema de la artisticidad de las
obras de arte es la denominada inflexión metasemiótica que caracteriza el arte hacia
el fin del milenio; tema que se precisará en la Unidad 3.
16 O de conceptos relacionados con el de arte, como suele hacerse, en este tipo de asignaturas, en referencia a un célebre libro
de W.Tatarkiewicz (1976, III.1., Conceptos actuales de arte y conceptos griegos; III.2., El concepto de arte; III.3., El concepto de
poesía; III.4., El concepto de belleza; III.5., El concepto de creatividad; III.6., Apate, katarsis, mímesis)
17 En la filosofía poskantiana.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 54
Unidad 2 | El orden de la obra de arte
Estructura y obra de arte. La obra de arte como conjunto ordenado de cualidades sensibles (Junker,
1971). La totalidad y el orden inmanente como constantes estéticas. La reducción de la estructura
estética en el arte del siglo XX (Junker, op.cit., Marchán, 1972 y Danto, op.cits.). La dimensión política (o
no-política) del arte y el proceso de atrofia del modus estructural de sus obras (Junker, op.cit., Möller,
1972, Fraenza, op.cit. y Fraenza et alt., 2009). La superstición de lo orgánico (el símbolo) y su crítica (la
alegoría), en relación a la constitución sensible de los especímenes artísticos (Bürger, 1974; Buchloh,
1982 y 1995; Grasskamp 1995; Brea, 1988). Bibliografía fundamental: Fraenza, 2018, 2.2. y 3.2.4.
Comentario breve: El concepto de forma-estructura, implicando las cualidades de
totalidad y orden inmanente, aparece históricamente como una constante estética
esencial de las obras de arte, al menos hasta cierto momento de la historia del arte
occidental. Hans Dieter Junker (un profesor de arte de la RFA) observa y describe
cómo las prácticas artísticas del siglo veinte (vanguardistas y no vanguardistas)
comienzan a desbaratar el mencionado orden estructural (orgánico o simbólico) hasta
atrofiarlo totalmente en el marco de las poéticas de neovanguardia (contemporáneas
a su artículo, de 1971). Seguir este proceso de disolución obliga a un conocimiento
breve pero profundo de las más diversas poéticas del siglo XX, en su relación con la
representación y con otros diversos nexos de unidad formal e integración
(postimpresionismo, cubismo, DaDá, principio collage, concretismo, combinatoria
programada, pop art, arte mínimo, arte óptico, estructuras multimediales, arte
terrestre, arte conceptual, arte post-conceptual).
Unidad 3 | El Arte como texto | Elementos de semiótica de las artes visuales.
El arte como signo, como texto, como discurso (Eco, 1962, 1968, A.3., 1975, 3.7., 1979, 3., 1991, 1.,
Fraenza et alt.,, 2009).18 El arte como sistema de comunicación, de la obra abierta a la cooperación
textual (Eco, op.cits; Llovet, 1979, 4.; Schmidt, 1971). Recepción sintagmática y recepción no-
sintagmática de la obra de arte (Bürger, 1974; ; Fraenza, 2003 y 2003a; Buchloh, 1982 y 1995;
Grasskamp 1995; Brea, 1988; Fraenza et alt., 2007; Foster, 1996; Harrison & Wood, 1993). El nacimiento
de la artisticidad comunicativa humana como ideal de una praxis desalienada (Eco, op.cits; Formaggio,
1983, 1.16./18.) La imagen y el modo de existencia referencial de la obra de arte, niveles de contenido y
significación (Barthes, 1960 y 1963; Eco, 1968, B., 1975, y 1985). El arte reciente y su conciencia inflexiva
(Menna, 1975). Bibliografía fundamental: Fraenza, 2018, 1.
Comentario breve: Las obras de arte son conjuntos significantes, es decir, textos. Esto
debe ser argumentado y explicado en un marco de categorías que provienen de la
semiótica (general), en sus diversas instancias de consolidación disciplinar
(semiología, teorías textuales, teoría del discurso). Se ha de especificar –también, si la
hubiera- las particularidades de los textos artísticos respecto de los textos que se
originan en el resto de la comunicación, no artística. Por otra parte, buena parte de la
historia del arte autónomo depende del rol cumplido por la representación a través
de imágenes. Por lo tanto, es necesario ajustar una comprensión básica del
funcionamiento de las imágenes. Filiberto Menna expone la hipótesis de que el arte
de los siglos XIX y XX despliega (o completa el despliegue de) una inflexión
autoanalítica de orden metalingüístico.
Unidad 4 | Arte y sociedad. Elementos de sociología de las artes visuales.
El fenómeno del arte en el marco de la sociedad y la cultura. Las tesis de la Escuela de Frankfurt en la
Teoría de la vanguardia (Bürger, 1974; Möller, 1972). Lo artístico y lo político (Bürger, op.cit., Schmidt,
Op.cit.; Junker, op.cit.; Fraenza, op.cit.). La superstición de lo orgánico y las estrategias alegóricas, como
aperturas de mundo (saber del arte) y como acción estratégica (Bürger, 1974; Fraenza et alt., 2009,
18 Esto implica un background de contenidos teóricos e históricos relativos al curso de constitución disciplinar de los estudios
semióticos. El que contempla -fundamentalmente- las perspectivas europea y americana que dan lugar a objetos de estudio como
el signo, los textos y el discurso.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 54
Fraenza, 2003 y 2003a; Buchloh, 1982 y 1995; Grasskamp 1995; Brea, 1988; Fraenza et alt., 2007;
Foster, 1996; Harrison & Wood, 1993). La dialéctica vanguardia-Kitsch y las relaciones entre arte y
diseño y entre arte e industria del entretenimiento (Llovet, 1979; Eco, Op.cits.; Bürger, op.cit.). Las
reglas del arte después del fin del arte (Danto, op.cits., Bourdieu, 1992, Fraenza, op.cit.) Bibliografía
fundamental: Fraenza, 2018, 1.3.2.; 2.1. y 3.
Breve comentario: El propósito de esta unidad es reflexionar acerca de la función (oculta,
disimulada o ignorada) del arte en la sociedad contemporánea. Se intenta establecer un
esquema de las interacciones entre el arte y su contexto social cultural. Se intenta establecer una
delimitación entre los fenómenos arte autónomo y cultura de masas (falsa superación de la
alienación entre arte y sociedad). Se procura analizar la carencia típica de efectividad histórica o
social del arte. Principalmente, de analizar el carácter ideológico del arte autónomo como parte
del carácter afirmativo de la producción cultural de la sociedad burguesa (tal como fue explicado
por Herbert Marcuse). Luego, como decimos arriba, procuraremos reflexionar sobre la lógica
institucional particular de las disciplinas del arte autónomo. Explicar las leyes de su
funcionamiento, leyes que regulan la «alquimia social» que consigue trasmutar el mero
enfrentamiento de intereses particulares en esencia sublimada de un arte universal
(aparentemente) beneficioso para el género humano.
4. Bibliografía
4.1. Obligatoria: FRAENZA, FERNANDO (2018) El arte. Una pregunta. Escritos previos (Córdoba: Brujas)
4.2. Ampliatoria, por unidades de contenidos:
Unidad 1 | Arte, belleza, esteticidad, artisticidad. Eco, 1962; Formaggio, 1973, Introducción; Danto,
1981 y 1997; Fraenza, 1999; y Pierantoni, 1983, 5.).
Unidad 2 | El orden de la obra de arte. Junker, 1971; Marchán, 1972; Danto1981 y 1997; Möller, 1972,
Fraenza, 1999 y Fraenza et alt., 2009; Bürger, 1974; Buchloh, 1982 y 1995; Grasskamp 1995; Brea, 1988.
Unidad 3 | El Arte como texto | Elementos de semiótica de las artes visuales. Eco, 1962, 1968, A.3.,
1975, 3.7., 1979, 3., 1991, 1., Fraenza et alt.,, 2009; Llovet, 1979, 4.; Schmidt, 1971; Bürger, 1974;
Fraenza, 2003 y 2003a; Buchloh, 1982 y 1995; Grasskamp 1995; Brea, 1988; Fraenza et alt., 2007;
Foster, 1996; Harrison & Wood, 1993; Formaggio, 1983, 1.16./18; Barthes, 1960 y 1963; Eco, 1968, B.,
1975, y 1985; Menna, 1975.
Unidad 4 | Arte y sociedad. Elementos de sociología de las artes visuales. Bürger, 1974; Schmidt, 1971;
Junker, 1971; Bürger, 1974; Fraenza et alt., 2009, Fraenza, 2003 y 2003a; Buchloh, 1982 y 1995;
Grasskamp 1995; Brea, 1988; Fraenza et alt., 2007; Foster, 1996; Harrison & Wood, 1993; Llovet, 1979;
Danto, op.cits., Bourdieu, 1992.
4.3. Referencias bibliográficas:
BARTHES, ROLAND
1961. “Le message photographique”, en Communications 1. Traducción castellana “El mensaje
fotográfico”, en Barthes Roland et Alt. (1973), El análisis de las imágenes (Buenos Aires: Tiempo
contemporáneo).
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 54
1963. “Rhétorique de l’image”, en Communications 4. Traducción castellana “Retórica de la imagen”, en
Barthes Roland et Alt. (1973), El análisis de las imágenes (Buenos Aires: Tiempo contemporáneo).
1964. “Eléments de sémiologie” en Communications 4. Traducción castellana “Elementos de semiología”,
en Barthes Roland et Alt. (1972), La semiología (Buenos Aires: Tiempo contemporáneo). Cap.I.; III. y IV.
(No el II.).
1972. La semiología (Buenos Aires: Tiempo contemporáneo).
1973. El análisis de las imágenes (Buenos Aires: Tiempo contemporáneo).
BAUDRILLARD, JEAN
1972. Pour une critique de l’economie politique du signe (Paris: Gallimard). Traducción castellana de
Aurelio Garzón del Camino, Crítica de la economía política del signo (México: Siglo, 1974).
BOURDIEU, PIERRE
1992. Le regles de l’art (Paris: du Senil). Traducción castellana de Thomas Kauf, Las reglas del arte
(Barcelona: Anagrama, 1995).
BUCHLOH, BENJAMIN & WALTER GRASSKAMP

1995. Hans Haacke: Obra Social (Barcelona: Fundació Antoni Tàpies).
BÜRGER, PETER
1974. Theorie der Avantgarde (Frankfurt: Suhrkamp). Traducción castellana de J.García, Teoría de la
Vanguardia (Barcelona: Península, 1987).
CALABRESE, OMAR
1984. “L’intertestualità in pittura. Una lettura degli Ambasciatori di Holbein” (Urbino: Centro di semiotica
e linguistica), Traducción castellana de Anna Giordano, “La intertextualidad en pintura. Una lectura de Los
Embajadores de Holbein” (pp.29-56) en Cómo se lee una obra de arte (Madrid: Cátedra, 1993).
1985. Il linguaggio dell’arte (Milano: Bompiani). Traducción castellana de Rosa Premat, El lenguaje del arte
(Barcelona: Paidós, 1986).
1993. Cómo se lee una obra de arte (Madrid: Cátedra).
CHARTIER, ROGER
1991 Espacio público, crítica y desacralización en el siglo XVIII. Los orígenes culturales de la revolución
Francesa, Gedisa, Barcelona, 1995. Trad.de Beatriz Lonné, del original Les origines culturelles de la
revolution française, Duke University Press, 1991.
DANTO, ARTHUR
1981. The Tranfiguration of the Commonplace (Cambridge: Harvard Press). Traducción castellana de Angel
y Aurora Mollá, La transfiguración del lugar común (Barcelona: Paidós, 2002).
1997. After of the End of Art (Princeton University Press, New Jersey). Traducción castellana de Elena
Neerman, Después del fin del arte (Barcelona, Paidós, 1999).
DUFRENNE, MIKEL
1953. Phénoménologie de léxpérience esthétique (Paris: PUF). Fenomenología de la experiencia estética,
tomo primero, parte XII, Ch.IV.
ECO, UMBERTO
1963. "El problema para una definición general del arte", en ECO, 1963a, pp.127-154.
1963ª. La definizione dell’arte (Milano: U.Mursia). Traducción castellana de R.de la Iglesia, La definición del
arte, (Barcelona: Martinez-Roca, 1968).
1968. La struttura assente (Milano: Bompiani). Traducción castellana de Francesc Serra Cantarell, La
estructura ausente (Barcelona: Lumen, 1971).
1975. A Theory of Semiotics (Milano: Bompiani). Traducción castellana de C.Manzano, Tratado de
semiótica general (Barcelona: Lumen,1977).
1979. Lector in fabula (Milano, Bompiani). Traducción castellana de Ricardo Pochtar, Lector in fabula
(Barcelona: Lumen, 1981).
1984. “On Fish and Buttons” (Semiótica 48, 1/2, 1984) 1985. Sugli specchi e altri saggi (Milano: Bompiani).
Traducción castellana de Cárdenas Moyano, “Signos, peces y botones. Apuntes sobre semiótica, filosoía y
ciencias humanas”, en Sobre los espejos y otros ensayos (Buenos Aires: Lumen, 1992); pp.323-357.
1985. Sugli specchi e altri saggi (Milano: Bompiani). Traducción castellana de Cárdenas Moyano, Sobre los
espejos y otros ensayos (Buenos Aires: Lumen, 1992).
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 54
1990. I limiti dell’interpretazione (Milano: Bompiani). Traducción de Helena Lozano, Los límites de la
interpretación (Barcelona: Lumen, 1992).
EHMER, HERMANN.K. et alt. (Ed.)

1971. Visuelle Kommunication. Beitrage zur Kritik der Bewusstseinsindustrie (Köln: DuMont). Traducción
castellana de Eduardo Subirats, Miseria de la comunicación visual (Barcelona: GGilli, 1977).
FORMAGGIO, DINO
1973. L’arte (Milano: ISEDI). Traducción castellana Arte (Barcelona: Labor, 1976).
1983. La morte dell’arte e l’estetica (Bologna: Il Mulino). Traducción castellana de M.Arbolí, La muerte del
arte y la estética (México: Ed.Grijalbo, 1992).
FOSTER, HAL
1996. “Who’s Afraid of the Neo-Avant-Garde?”, en The Return of the Real. The Avant-Garde at the End of
the Century (Cambridge, MITPress). Traducción castellana de Alfredo Brotons, El retorno de lo real. La
vanguardia a finales de siglo (Madrid: Akal, 2001).
FOUCAULT, MICHEL
1969. L’archéologie du savoir (Paris: Gallimard). Traducción castellana de Aurelio Garzón del Camino. La
arqueología del saber (Madrid: Siglo XXI, 1972).
1972. L’ordre du discours. Traducción castellana de A.Gonzáles Troyano, El orden del discurso (Barcelona:
Tusquets, 1973).
FRAENZA, FERNANDO.
1999. “De la historia del arte a su post-historia”. Universidad de Castilla-La Mancha, Cuenca.
2003. “Carácter social de la ciencia y carácter pretérito del arte” en Representación en ciencia y arte,
Compilado por L.Minhot y A.Testa, Facultad de Filosofía y Humanidades, Facultad de Psicología,
Universidad Nacional de Córdoba, Córdoba.
2003a. “Otro carácter pretérito del arte contemporáneo”, en Actas IX Jornadas Interescuelas /
Departamentos de Historia. 2003/Setiembre. Escuela de Historia, Facultad de Filosofía y Humanidades,
Universidad Nacional de Córdoba, Córdoba.
2018. El arte. Una pregunta. Escritos previos (Córdoba: Brujas)
FRAENZA, FERNANDO & ALEJANDRA PERIÉ

2007. “Representando no sólo el arte sino la vanguardia misma”, en www. comunidadoffline.com.ar.
2010. Diseño, esteticidad y discurso (Córdoba: Advocatus-Universidad Blas Pascal).
2011. “2. De la superstición de lo orgánico a la crisis de la obra de arte" En MOLINA, Manuel et alt, 2011,
Pintura & aledaños (Córdoba: Brujas), pp.59 y ss.
FRAENZA, FERNANDO et alt.

2009. Ver y estimar arte apreciándonos a nosotros mismos, a comienzos del tercer milenio, y sobre todo,
en regiones periféricas del mundo (Córdoba: Brujas).
HABERMAS, JURGEN
1962. Strukturwandel der Offentlichkeit. Untersuchungen zu einer Kategorie der bürgerlichen Gesellschaft
(Darmstadt: H.Luchterhand). Traducción castellana de Historia y crítica de la opinión pública (Barcelona:
G.Gilli, 1981).
1973. Legitimationsprobleme in Spätkapitalismus (Frankfurt am Main: Suhrkamp). Traducción castellana
de José Luis Etcheverry, Problemas de legitimación en el capitalismo tardío (Buenos Aires: Amorrortu,
1975).
1981ª. “Modernity versus post-modernity” en New German Critique, N.22, 1981. Traducción castellana
“Modernidad, un proyecto incompleto” en Puntos de Vista, N.21 (Ago), 1984, Buenos Aires. Compilado en
Casullo Nicolás et Alt, El debate Modernidad-Postmodernidad (Buenos Aires: Puntosur, 1989), pp 131-144.
HARRISON, CHARLES & PAUL WOOD

1993. “Modernidad y modernismo”, Parágrafo “Historia”, en WOOD Paul, FRASCINA Francis, HARRIS
Johnatan & HARRISON Charles (1993), Modernism in dispute (New York: The Open University). Traducción
castellana (1999) La modernidad al debate. El arte desde los cuarenta (Madrid: Akal), pp. 249-259.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 54
HJELMSLEV, LOUIS
1943. Omkring sprogteoriens grundlaeggelse (Kobenhaus: Universitet). Traducción castellana de J.L.Diaz
de Llano, Prolegómenos a una teoría del lenguaje (Madrid: Gredos, 1984, 2da.Ed.). Cap.XIII., pp.73-89 y ;
Cap.XXII., pp.160-173
JUNKER, HANS DIETER

1971. "La reducción de la estructura estética: un aspecto del arte actual", en Ehmer et alt. Visuelle
Kommunication. Beitrage zur Kritik der Bewusstseinsindustrie (Köln: DuMont). Traducción castellana de
Eduardo Subirats, Miseria de la comunicación visual (Barcelona: G.Gilli, 1977) pp.27-76.
LLOVET, JORDI
1979. Ideología y metodología del diseño; una introducción crítica a la teoría proyectual (Barcelona:
G.Gilli).
MALDONADO, TOMÁS
1987. Il futuro della modernità (Milano: Feltrinelli). Traducción castellana de Francisco Diaz Padilla, El
futuro de la modernidad (Madrid, Júcar Universitaria, 1990).
MARCHÁN, SIMON
1972. Del arte objetual al arte de concepto. 1960-1974 (Barcelona Akal).
MENNA, FILIBERTO
1975. La linea analitica dell'arte moderna: le figure e le icone (Torino: Einaudi). Traducción castellana de
Francesc Serra i Cantarell & Joaquim Romaguera i Ramió, La Opción Analítica en el Arte Moderno. Figuras
e íconos. (Barcelona: Gustavo Gilli, 1977).
MOLINA, MANUEL; FERNANDO FRAENZA & ALEJANDRA PERIÉ

2011. Pintura y aledaños. Para una crítica de la institución arte en Córdoba, Argentina (Córdoba: Brujas).
MÖLLER, HEINO
1971. "El arte como ideología" (1971), en Ehmer et alt. Visuelle Kommunication. Beitrage zur Kritik der
Bewusstseinsindustrie (Köln: DuMont). Traducción castellana de Eduardo Subirats, Miseria de la
comunicación visual (Barcelona: G.Gilli, 1977), pp.77-115.
PIERANTONI, RUGGERO
1979. L'occhio e l'idea. Fisiologia e storia della visione (Milano: Boringhieri). Traducción castellana de Rosa
Premat, El ojo y la idea. Fisiología e historia de la visión (Barcelona, Paidos, 1984).
SAUSSURE, FERDINAND
1916. Cours de linguistique general (Paris). Traducción castellana Curso de lingüística general (Buenos
Aires: Losada, 1946). Introducción.III., pp.33-51; 1ro..I., pp.99-108; 2do.I./VI., pp.145-185.).
SCHMIDTH SIEGFRED
1971. “Lo estético y lo político; la función de lo estético en el desarrollo social”, en revista Humboldt
N1/445, 1971, pp.11-20, Uber-See, Hamburg.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
13
página 13 de 54
5. Metodología
Con el fin de desarrollar los contenidos y lograr los objetivos ya detallados, proponemos una
metodología de enseñanza-aprendizaje basada en la tríada lectura (i), investigación bibliográfica (ii)19 y
escritura (iii). Este arco metodológico se extiende entre la lectura (i) y la escritura (ii). Vale decir, entre (i)
la razón de ser de las primeras universidades europeas de la plena edad media20 y (ii) la moderna
propuesta kantiana para conseguir hacer un uso público y desinteresado de la razón, libre de toda
sujeción externa.21
Instamos, además, a que dichas prácticas de lectura, investigación bibliográfica y escritura alcancen un
alto grado de socialización (comunicación y cooperación en la solución de problemas, trabajo en equipo,
pluralismo de puntos de vista) y de cogestión (ponderación de la función docente como formulación
primera de objetivos, estímulo y orientación, referencia y evaluación constante).
Estas actividades se llevarán a cabo en tres módulos (1) Clases teórico-prácticas (obligatorias para todos
los alumnos, cada dos semanas); (2) Investigación bibliográfica y escritura de un artículo (requisito para
alumnos promocionales, aproximadamente a partir de septiembre) y (3) Taller de lectura (opcional, para
alumnos interesados).
(1) Clases teórico prácticas. Se llevarán a cabo –semana de por medio- a lo largo del año y en
ellas deberán participar la totalidad de alumnos (regulares y promocionales). Los encuentros
serán 8 (mencionados en el cronograma con los números de 1 a 8) y durarán 3 horas: un
teórico de 2 horas y un práctico de 1 hora. En la exposición teórica, el docente brindará
información sobre los contenidos y propondrá un armazón conceptual básico. En el trabajo
práctico, los alumnos, a partir de la bibliografía, su lectura, análisis y crítica, completarán el
desarrollo de los temas en cuestión, debatiendo y respondiendo luego, en equipo,22 por escrito,
una serie de preguntas. Las dos semanas que median entre los encuentros han de emplearse
para leer, comprender y estudiar –por anticipado- los contenidos previstos para cada siguiente
clase teórico-práctica. La participación en las clases teórico prácticas requiere, antes que nada,
un trabajo domiciliario previo, de poderosa lectura y minucioso seguimiento de los textos. La
evaluación del contenido de estas clases se llevará a cabo mediante dos exámenes parciales
individuales escritos (mencionados en el cronograma como P1 y P2) y dos presentaciones de los
trabajos prácticos escritos, mencionadas como TP1 (en el encuentro 3) y TP2 (en el encuentro
6). Tanto los exámenes parciales (individuales) como los trabajos prácticos (grupales) tendrán el
propósito de verificar en el alumno: capacidad de análisis y síntesis; adecuada profundización
de contenidos; claridad conceptual; expresión oral y escrita; retención (mnemónica) de los
datos esenciales.
19 Creemos que este anclaje en la lectura de textos especializados se vuelve imprescindible hacia el tercer año de una carrera en
la cual, un primer momento de atención sobre el factor artesanal del arte es sucedido por un tiempo en el que se prescribe
enfatizar los «aspectos conceptuales del arte», derivando esto (lamentablemente) hacia el mero comentario banal e inexperto
sobre los factores subjetivos que –supuestamente- darían origen a la obra (ahora descuidada también en sus aspectos técnicos).
Creemos que es importante desarrollar el hábito de la lectura activa y disciplinada, orientada hacia la intersubjetividad y el
entendimiento.
20 Las escuelas monásticas y cardenalicias de las que nacen las primeras universidades durante el siglo XII (Bologna, Salamanca,
etc.) tenían principalmente el propósito de asegurar los medios (fondos y profesores) para leer y entender los libros (griegos y
latinos) del mundo antiguo o sus traducciones árabes.
21 Inmanoel Kant, en su artículo de 1784 sobre la ilustración (“Beantwortung der Frage: Was ist Aufklärung?”) asigna al texto
escrito un papel emancipador respecto del dominio político en función de propiciar, por su propio dispositivo textual (la no
proximidad entre autor y lector), el uso libre de la razón ante un público universal. Esto es importante pues, en este contexto,
surge la moderna acepción del concepto de lo público.
22 En lo posible, grupos estables de tres estudiantes. No queda excluida la posibilidad de realizar de manera individual tanto los
trabajos prácticos como la investigación bibliográfica y el artículo.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
14
página 14 de 54
(2) Investigación bibliográfica y escritura de un artículo. Esta actividad se realizará durante el
segundo semestre (a partir del 7mo. encuentro) y, en esta tarea (básicamente no-presencial)
participarán todos los alumnos candidatos a promocionar el curso, preferentemente agrupados
en equipos de tres integrantes. Se trata de un ejercicio de investigación bibliográfica,
composición y escritura cuyo destino es la redacción de un artículo universitario, tomando
como base una guía (adjuntada en este mismo cuaderno, a continuación de este Programa) y
utilizando -en su conjunto- la bibliografía de la Cátedra (tanto nuestro libro, así como la
bibliografía de referencia). En adelante, lo llamaremos coloquialmente: «trabajo de
investigación». El tema será especificado siguiendo la mencionada guía, pero -ya podemos
decirlo- consistirá en el análisis o lectura comparativa (o sucesiva), mediante los elementos
teóricos del curso, de un par de obras de bellas artes o arte visual. El enfoque estará en relación
directa con los contenidos del curso y su metodología será comunicada con precisión en el
instructivo que -como decimos- se adjunta hacia el final de este cuaderno.
El trabajo será realizado con la posibilidad de realizar preguntas (correctamente formuladas)

por escrito, que serán comentadas y respondidas por correo-e y por la cuenta de la Cátedra en
la red social Facebook. La presentación de este trabajo se llevará a cabo por medio de una
breve exposición oral audiovisual en el mes de octubre. Sin embargo, de acuerdo al Régimen de
alumnos de esta Facultad (RHCD-1-2018, Art. 24), la promoción no se define en esta última
instancia y mantiene su vigencia el semestre subsiguiente; es decir: el que sucede
inmediatamente después del cursado, incluyendo las fechas de exámenes correspondientes
hasta julio del año siguiente. Por ende, los trabajos de investigación podrán ser evaluados o
recuperados en las correspondientes mesas de examen previstas por el calendario académico.
(3) Taller de lectura. Se llevará a cabo semana de por medio, en la semana libre que intermedia
entre las clases teórico-prácticas. El taller se centrará en la lectura atenta y crítica del volumen
FRAENZA, FERNANDO (2018) El arte. Una pregunta. Escritos previos (Córdoba: Brujas), para
complementarse con la lectura de buena parte de sus textos de referencia: los artículos y los
libros en cuyos enfoques y categorías se fundamenta. En este taller, participarán aquellos
alumnos que voluntariamente se inscriban en función de tener un interés particular y encontrar
un cierto gusto por nuestro enfoque general y por nuestro volumen, en función de haber
realizado ya una exploración preliminar del libro y una lectura concienzuda de su “0.
Introducción”. Los encuentros serán 8 (mencionados en el cronograma con los números de 1 a
8) y durarán 3 horas. Para que sea de utilidad a los efectos del desarrollo de la asignatura, cada
encuentro abordaremos la lectura de los tramos del libro que refieren a los temas tratados en
la clase teórico práctica de la semana anterior. Complementaremos la actividad, como decimos,
con lecturas de otros textos, de otros autores, en los que -de alguna manera- se fundamenta el
enfoque de nuestra Cátedra, y a los que refiere o remite nuestro volumen El arte. Una
pregunta. Escritos previos.
La intervención y el trabajo de los alumnos en el taller de lectura será considerada y evaluada

en función de su constancia, atención y participación activa. De acuerdo a dicha evaluación, la
Cátedra podrá eximir, a los alumnos voluntarios que tengan una participación destacada en el
taller, de otras instancias de evaluación más rasas y elementales (tales como podrían serlo
algún examen o bien, algún trabajo práctico).
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
15
página 15 de 54
6. Criterios de evaluación
De las evaluaciones parciales escritas: Comprensión y reproducción de los contenidos, capacidad de

reflexión, expresión oral y escrita.
De los trabajos de composición escrita: Ajuste al tiempo asignado, comprensión de los contenidos,
capacidad de reflexión, expresión escrita y adecuación a las pautas formales para la escritura de trabajos
científicos. Estas pautas de evaluación son reunidas y resumidas en el documento Evaluando lo que
escribimos, que se adjunta en este mismo cuaderno (pp.25 y ss.) y organiza los criterios en cuatro
grupos: 1. Conocimiento del tema a discutir; 2. Construcción del argumento e interpretación de la
información; 3. Composición; 4. Calidad del uso del lenguaje.
7. Requisitos de aprobación
7.1. Alumnos regulares.
De acuerdo al Régimen de alumnos de esta Facultad (RHCD-1-2018, Arts. 25/28), son alumnos REGULARES
aquellos que cumplan las siguientes dos condiciones: (i) aprobar el 80% de las evaluaciones parciales
con calificaciones iguales o mayores a 4 y (ii) aprobar el 80 % de los trabajos prácticos (en nuestro caso:
la participación en las clases teórico prácticas) con un promedio igual o mayor a 4. Dicho reglamento
también establece que se podrá recuperar un parcial y la mitad de los trabajos prácticos para acceder a
la regularidad. También establece que el 20% de los trabajos prácticos y el 20% de los parciales
restantes no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo.
Ahora bien, ¿cómo tomamos y adaptamos dichas normas a nuestra asignatura? Para nosotros, son
alumnos REGULARES aquellos que obtienen calificaciones iguales o mayores a 4, tanto en uno de los dos
exámenes parciales (P1 ó P2) como en uno de los dos trabajos prácticos escritos (TP1 ó Tp2).23 Los
alumnos podrán recuperar todos los parciales y trabajos prácticos.24 El examen parcial P1 evalúa los
contenidos de los encuentros 1/3 y el examen parcial P2 evalúa los contenidos de los encuentros 4/6
(véase el cronograma). El alumno que haya sido reprobado en ambos exámenes P1 y P2 podrá recuperar
los contenidos de alguno de ellos25 en la fecha indicada en el cronograma. La calificación que se obtenga
en examen o en práctico recuperatorios substituirá a la obtenida en la evaluación recuperada. La
regularidad se extiende por el término de 3 años, a partir de que se deja constancia de esa condición.
Teniendo en cuenta el régimen -especial- de alumno trabajador y/o con familiares a cargo (RHCD-91-
2012), los alumnos que se encuentren en dicha situación y cuenten con la certificación adecuada
deberán, por su propia cuenta, confeccionar una planilla en la que anotarán (con fecha, número y título
de referencia) todos aquellos exámenes y trabajos prácticos recuperatorios que hayan sido reprobados
23 En este aspecto, nuestra propuesta cumple sobradamente con el Régimen de alumnos. Respecto de los trabajos prácticos
obtendremos el promedio del 50% mejor calificado o meramente realizado (la calificación de uno de los dos trabajos prácticos).
Un 50% no será promediable, ni por inasistencia ni por aplazo. Respecto de los exámenes parciales tendremos en cuenta el 50%
mejor calificado o meramente realizado. Otro 50% no será promediable, ni por inasistencia ni por aplazo.
24 Hemos previsto la posibilidad de recuperar el 100% de exámenes parciales y trabajos prácticos, ya que, en el primer caso, un
examen parcial recuperable (uno de los 2 exámenes) representa ya nuestra exigencia de aprobación; y en el segundo, un trabajo
práctico recuperable (50% de los trabajos prácticos) representa también nuestra exigencia de aprobación.
25 O de ambos, en caso de aspirar a la promoción directa.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
16
página 16 de 54
(es decir, los casos en que exámenes o prácticos hayan sido reprobados en primera y también en
segunda instancia). Al finalizar el curso, en fecha convenida –durante el mes de noviembre- se
substanciarán los «recuperatorios de recuperatorios» establecidos por la RHCD 91-2012.
7.2. Alumnos promocionales
De acuerdo al mencionado Régimen de alumnos (RHCD-1-2018, Arts. 21/24), son alumnos

PROMOCIONALES aquellos que cumplan las siguientes dos condiciones: (i) aprobar la totalidad de las
evaluaciones parciales, con calificaciones iguales o mayores a 6 y un promedio mínimo de 7; (ii)
aprobar el 80 % de los trabajos prácticos (en nuestro caso: la participación en las clases teórico
prácticas) con calificaciones iguales o mayores a 6 y un promedio mínimo de 7. Dicho reglamento
también establece que se podrá recuperar -al menos- un examen parcial y un trabajo práctico para
acceder a la promoción. También establece que el 20% de los trabajos prácticos y el 20% de los parciales
restantes no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo. Finalmente, (iii) establece que las
cátedras podrán incluir exigencias tales como: coloquio final, monografía, práctica especializada,
trabajo de campo, u otro tipo de producción que impliquen un rol activo del estudiante.
¿Cómo tomamos y adaptamos dichas normas a nuestra asignatura? Para nosotros, son alumnos
PROMOCIONALES aquellos que (i) obtienen en todos los exámenes parciales (P1 y P2) calificaciones iguales
o mayores a 6 y un promedio mínimo de 7; (ii) obtienen en uno de los dos trabajos prácticos escritos
(TP1 ó Tp2) una calificación igual o mayor que 7;26 y (iii) obtienen en el trabajo de investigación (sólo
para alumnos promocionales) una calificación igual o mayor que 7.27 Los alumnos podrán recuperar
todos los parciales y trabajos prácticos.28 El examen parcial P1 evalúa los contenidos de los encuentros
1/3 y el examen parcial P2 evalúa los contenidos de los encuentros 4/6 (véase el cronograma). El
alumno que haya obtenido calificaciones bajas (menores que 6) en parciales o prácticos podrá
recuperarlos en la fecha indicada en el cronograma. La calificación que se obtenga en examen o en
práctico recuperatorio substituirá a la obtenida en la evaluación recuperada.
7.3. Alumnos libres
Los alumnos que decidan inscribirse para presentarse a exámenes finales en la condición de LIBRES,
accederán a un examen de dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda oral,
contemplándose en el primero, predominantemente, aspectos teóricos y, en el segundo, más bien
26 También aquí, cumpliendo sobradamente con el Régimen de alumnos, respecto de los trabajos prácticos necesarios de aprobar
para acceder a la promoción, obtendremos el promedio del 50% mejor calificado o meramente realizado (la calificación de uno de
los dos trabajos prácticos). Un 50% no será promediable, ni por inasistencia ni por aplazo.
27 En caso de reprobar o aprobar esta última exigencia sin alcanzar los 7 puntos, el alumno quedará como alumno REGULAR. Cabe
recordar que -como hemos dicho arriba- este trabajo se presentará cerca del final del cursado o durante semestre subsiguiente en
las mesas de examen previstas por el calendario académico.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
17
página 17 de 54
prácticos.29 Una vez aprobada la instancia escrita se procederá al examen oral. En esta segunda instancia
se evaluará, además de los contenidos de la asignatura, un trabajo práctico escrito realizado previa y
domiciliariamente. Este trabajo deberá seguir las mismas indicaciones e instructivos del trabajo practico
escrito que realizan los alumnos REGULARES. La Cátedra aconseja, a fin de evitar desilusiones, que dicho
trabajo sea facultativamente presentado –con antelación- para su aprobación previa (no para su
seguimiento) uno o dos turnos antes. Cuando el tribunal examinador considere que el resultado del
examen escrito merece la calificación de 8 (ocho) o más, podrá obviar la instancia oral, previo acuerdo
expreso de alumno. En cuanto aspectos teóricos, pretendemos que el alumno pueda dar cuenta del
conocimiento profundo de las categorías y conceptos a los que refiere el curso. En cuanto aspectos
prácticos, pretendemos que el alumno pueda leer, comprender, discutir y argumentar acerca de textos y
enfoques teóricos, así como de obras de arte tomadas como objeto. Esto último también deberá ser
demostrado mediante la defensa del trabajo escrito realizado previamente al examen.
29 Esto no implica que en ambas instancias se combinen aspectos teóricos y prácticos, por ejemplo, la redacción, en el primero, o
el dominio de los diferentes temas, en el segundo.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
18
página 18 de 54
8. Contenidos | Programa cronológico
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
19
página 19 de 54
9. Metodología | Adecuación por ASPO
Con el fin de desarrollar los contenidos y lograr los objetivos ya detallados, proponemos una
metodología de enseñanza-aprendizaje basada en la tríada lectura (i), investigación bibliográfica (ii) y
escritura (iii). Este arco metodológico se extiende entre la lectura (i) y la escritura (ii). Instamos, además,
a que dichas prácticas de lectura, investigación bibliográfica y escritura alcancen un alto grado de
socialización (comunicación y cooperación en la solución de problemas, trabajo en equipo, pluralismo
de puntos de vista) y de cogestión (ponderación de la función docente como formulación primera de
objetivos, estímulo y orientación, referencia y evaluación constante).
Estas actividades se llevarán a cabo en tres módulos (1) Clases teórico-prácticas semanales e (2)
Investigación bibliográfica y escritura de un artículo (requisito para alumnos promocionales,
aproximadamente a partir de septiembre).
(1) Clases teórico prácticas. Se llevarán a cabo –semana de por medio- a lo largo del año y en
ellas deberán participar la totalidad de alumnos (regulares y promocionales). Los encuentros
serán 8 (mencionados en el cronograma con los números de 1 a 8) y durarán 3 horas: un
teórico de 2 horas y un práctico de 1 hora. En la exposición teórica, el docente brindará
información sobre los contenidos y propondrá un armazón conceptual básico. En el trabajo
práctico, los alumnos, a partir de la bibliografía, su lectura, análisis y crítica, completarán el
desarrollo de los temas en cuestión, debatiendo y respondiendo luego, en equipo, por escrito,
una serie de preguntas. Las dos semanas que median entre los encuentros han de emplearse
para leer, comprender y estudiar –por anticipado- los contenidos previstos para cada siguiente
clase teórico-práctica. La participación en las clases teórico prácticas requiere, antes que nada,
un trabajo domiciliario previo, de poderosa lectura y minucioso seguimiento de los textos. La
evaluación del contenido de estas clases se llevará a cabo mediante dos exámenes parciales
individuales escritos (mencionados en el cronograma como P1 y P2) y dos presentaciones de los
trabajos prácticos escritos, mencionadas como TP1 (aproximadamente, en la semana del
encuentro 3) y TP2 (aproximadamente, en la semana del encuentro 6). Tanto los exámenes
parciales (individuales) como los trabajos prácticos (grupales) tendrán el propósito de verificar
en el alumno: capacidad de análisis y síntesis; adecuada profundización de contenidos; claridad
conceptual; expresión oral y escrita.
(2) Investigación bibliográfica y escritura de un artículo. Esta actividad se realizará durante el

segundo semestre (a partir del 7mo. encuentro) y, en esta tarea participarán todos los alumnos
candidatos a promocionar el curso, preferentemente agrupados en equipos de tres integrantes.
Se trata de un ejercicio de investigación bibliográfica, composición y escritura cuyo destino es la
redacción de un artículo universitario, tomando como base una guía (adjuntada en este mismo
cuaderno, a continuación de este Programa) y utilizando -en su conjunto- la bibliografía de la
Cátedra (tanto nuestro libro, así como la bibliografía de referencia). En adelante, lo llamaremos
coloquialmente: «trabajo de investigación». El tema será especificado siguiendo la mencionada
guía, pero -ya podemos decirlo- consistirá en el análisis o lectura comparativa (o sucesiva),
mediante los elementos teóricos del curso, de un par de obras de bellas artes o arte visual. El
enfoque estará en relación directa con los contenidos del curso y su metodología será
comunicada con precisión en el instructivo que -como decimos- se adjunta hacia el final de este
cuaderno.
El trabajo será realizado con la posibilidad de realizar preguntas (correctamente formuladas)

por escrito, que serán comentadas y respondidas por correo-e y por la cuenta de la Cátedra en
la red social Facebook. La presentación de este trabajo se llevará a cabo por medio de una
breve exposición oral audiovisual en el mes de octubre. Sin embargo, de acuerdo al Régimen de
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
20
página 20 de 54
alumnos de esta Facultad (RHCD-1-2018, Art. 24), la promoción no se define en esta última
instancia y mantiene su vigencia el semestre subsiguiente; es decir: el que sucede
inmediatamente después del cursado, incluyendo las fechas de exámenes correspondientes
hasta julio del año siguiente. Por ende, los trabajos de investigación podrán ser evaluados o
recuperados en las correspondientes mesas de examen previstas por el calendario académico.
10. Criterios de evaluación | Adecuación por ASPO
De las evaluaciones parciales escritas: Comprensión y reproducción de los contenidos, capacidad de

reflexión, expresión oral y escrita.
De los trabajos de composición escrita: Ajuste al tiempo asignado, comprensión de los contenidos,
capacidad de reflexión, expresión escrita y adecuación a las pautas formales para la escritura de trabajos
científicos. Estas pautas de evaluación son reunidas y resumidas en el documento Evaluando lo que
escribimos, que se adjunta en este mismo cuaderno (pp.25 y ss.) y organiza los criterios en cuatro
grupos: 1. Conocimiento del tema a discutir; 2. Construcción del argumento e interpretación de la
información; 3. Composición; 4. Calidad del uso del lenguaje.
11. Requisitos de aprobación | Adecuación por ASPO
11.1. Alumnos regulares.
De acuerdo al Régimen de alumnos de esta Facultad (RHCD-1-2018, Arts. 25/28), son alumnos REGULARES
aquellos que cumplan las siguientes dos condiciones: (i) aprobar el 80% de las evaluaciones parciales
con calificaciones iguales o mayores a 4 y (ii) aprobar el 80 % de los trabajos prácticos (en nuestro caso:
la participación en las clases teórico prácticas) con un promedio igual o mayor a 4. Dicho reglamento
también establece que se podrá recuperar un parcial y la mitad de los trabajos prácticos para acceder a
la regularidad. También establece que el 20% de los trabajos prácticos y el 20% de los parciales
restantes no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo.
Ahora bien, ¿cómo tomamos y adaptamos dichas normas a nuestra asignatura? Para nosotros, son
alumnos REGULARES aquellos que obtienen calificaciones iguales o mayores a 4, tanto en uno de los dos
exámenes parciales (P1 ó P2) como en uno de los dos trabajos prácticos escritos (TP1 ó Tp2).30 Los
alumnos podrán recuperar todos los parciales y trabajos prácticos.31 El examen parcial P1 evalúa los
contenidos de los encuentros 1/3 y el examen parcial P2 evalúa los contenidos de los encuentros 4/6
(véase el cronograma). El alumno que haya sido reprobado en ambos exámenes P1 y P2 podrá recuperar
los contenidos de alguno de ellos32 en la fecha indicada en el cronograma. La calificación que se obtenga
30 En este aspecto, nuestra propuesta cumple sobradamente con el Régimen de alumnos. Respecto de los trabajos prácticos
obtendremos el promedio del 50% mejor calificado o meramente realizado (la calificación de uno de los dos trabajos prácticos).
Un 50% no será promediable, ni por inasistencia ni por aplazo. Respecto de los exámenes parciales tendremos en cuenta el 50%
mejor calificado o meramente realizado. Otro 50% no será promediable, ni por inasistencia ni por aplazo.
32 O de ambos, en caso de aspirar a la promoción directa.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
21
página 21 de 54
en examen o en práctico recuperatorios substituirá a la obtenida en la evaluación recuperada. La
regularidad se extiende por el término de 3 años, a partir de que se deja constancia de esa condición.
11.2. Alumnos promocionales
De acuerdo al mencionado Régimen de alumnos (RHCD-1-2018, Arts. 21/24), son alumnos

PROMOCIONALES aquellos que cumplan las siguientes dos condiciones: (i) aprobar la totalidad de las
evaluaciones parciales, con calificaciones iguales o mayores a 6 y un promedio mínimo de 7; (ii)
aprobar el 80 % de los trabajos prácticos (en nuestro caso: la participación en las clases teórico
prácticas) con calificaciones iguales o mayores a 6 y un promedio mínimo de 7. Dicho reglamento
también establece que se podrá recuperar -al menos- un examen parcial y un trabajo práctico para
acceder a la promoción. También establece que el 20% de los trabajos prácticos y el 20% de los parciales
restantes no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo. Finalmente, (iii) establece que las
cátedras podrán incluir exigencias tales como: coloquio final, monografía, práctica especializada,
trabajo de campo, u otro tipo de producción que impliquen un rol activo del estudiante.
¿Cómo tomamos y adaptamos dichas normas a nuestra asignatura? Para nosotros, son alumnos
PROMOCIONALES aquellos que (i) obtienen en todos los exámenes parciales (P1 y P2) calificaciones iguales
o mayores a 6 y un promedio mínimo de 7; (ii) obtienen en uno de los dos trabajos prácticos escritos
(TP1 ó Tp2) una calificación igual o mayor que 7;33 y (iii) obtienen en el trabajo de investigación (sólo
para alumnos promocionales) una calificación igual o mayor que 7.34 Los alumnos podrán recuperar
todos los parciales y trabajos prácticos.35 El examen parcial P1 evalúa los contenidos de los encuentros
1/3 y el examen parcial P2 evalúa los contenidos de los encuentros 4/6 (véase el cronograma). El
alumno que haya obtenido calificaciones bajas (menores que 6) en parciales o prácticos podrá
recuperarlos en la fecha indicada en el cronograma. La calificación que se obtenga en examen o en
práctico recuperatorio substituirá a la obtenida en la evaluación recuperada.
33 También aquí, cumpliendo sobradamente con el Régimen de alumnos, respecto de los trabajos prácticos necesarios de aprobar
para acceder a la promoción, obtendremos el promedio del 50% mejor calificado o meramente realizado (la calificación de uno de
los dos trabajos prácticos). Un 50% no será promediable, ni por inasistencia ni por aplazo.
34 En caso de reprobar o aprobar esta última exigencia sin alcanzar los 7 puntos, el alumno quedará como alumno REGULAR. Cabe
recordar que -como hemos dicho arriba- este trabajo se presentará cerca del final del cursado o durante semestre subsiguiente en
las mesas de examen previstas por el calendario académico.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
22
página 22 de 54
11.3. Alumnos libres
Los alumnos que decidan inscribirse para presentarse a exámenes finales en la condición de LIBRES,
accederán a un examen de dos instancias: la primera de carácter teórico y la segunda práctica. En la
segunda instancia se evaluará, además de los contenidos de la asignatura, un trabajo práctico escrito
realizado previa y domiciliariamente, y enviado con por correo electrónico a catedrapgda@gmail.com.
Este trabajo deberá seguir las mismas indicaciones e instructivos del trabajo practico escrito que
realizan los alumnos REGULARES. La Cátedra aconseja, a fin de evitar desilusiones, que dicho trabajo sea
facultativamente presentado por correo-e –con antelación- para su aprobación previa (no para su
seguimiento) uno o dos turnos antes. Cuando el tribunal examinador considere que el resultado del
examen escrito merece la calificación de 8 (ocho) o más, podrá obviar la instancia oral, previo acuerdo
expreso de alumno. En cuanto aspectos teóricos, pretendemos que el alumno pueda dar cuenta del
conocimiento profundo de las categorías y conceptos a los que refiere el curso. En cuanto aspectos
prácticos, pretendemos que el alumno pueda leer, comprender, discutir y argumentar acerca de textos y
enfoques teóricos, así como de obras de arte tomadas como objeto. Esto último también deberá ser
demostrado mediante la defensa del trabajo escrito realizado previamente al examen.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
23
página 23 de 54
12. Contenidos | Programa cronológico | Adecuación por ASPO
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
24
página 24 de 54
Instructivo
Para la realización del trabajo práctico Escritura del artículo o ensayo
Instrucciones generales
L AS SIGUIENTES PÁGINAS contienen el instructivo para la realización del trabajo que hemos
denominado e bibliográfica y escritura de un artículo, a realizarse -domiciliariamente- en el
segundo semestre del año. Este trabajo práctico consiste –básicamente- en la redacción, en
equipo,36 de un artículo o ensayo más o menos breve que deberá ser entregado hacia fin del semestre
(octubre). Encontrará indicaciones y sugerencias para realizar este trabajo práctico -que hacen a
diversos aspectos tanto formales como de contenido- a continuación de la transcripción de algunos
segmentos tomados de un artículo de Heather Dubrow (en “The Art and Craft of Teaching”, 1993,
Morganroth, Margaret ed., Harvard-Danford Center for Teaching and Learning). Tales sugerencias
deberán leerse con atención luego de hacer lo mismo con el mencionado artículo, cuya presencia y
lectura tiene como destino formarnos una idea del papel y los propósitos de un trabajo de reflexión y
redacción como el hemos de realizar.
“Enseñando a escribir ensayos dentro de un curriculum de Artes Liberales”
Por Heather Dubrow
La composición de ensayos, en muchos aspectos, se parece al patinaje artístico, ya que si no se practica

asiduamente pronto se pierde la habilidad de hacerlo. Un estudio ha demostrado que muchos estudiantes
escriben mejor poco después de haber terminado sus cursos de enseñanza media que cuando finalmente se
gradúan en la Universidad, aparentemente porque durante esta última etapa no escriben ensayos con tanta
frecuencia como lo hacen durante los primeros años. Las habilidades que se adquieren en un curso de
escritura se van a mantener y a incrementar si, y solamente, si otros cursos hacen uso de las mismas.
36 En lo posible, equipos de tres estudiantes, no quedando excluida la posibilidad de realizar este trabajo de manera individual.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
25
página 25 de 54
Es ésta una de las muchas razones por las que los docentes de todas las áreas, incluso aquellas
completamente alejadas de lo que es la composición, como economía, ingeniería o bellas artes deberían
tomar un compromiso activo junto a sus colegas de letras, en lo que concierne a ayudar a los estudiantes a
escribir bien. Uno de los objetivos de la educación dentro de las artes liberales es infundir el deseo y la
habilidad de escribir claramente, lo cual se transforma entonces en responsabilidad común a todos los
miembros del cuerpo de profesores. Tampoco se puede decir que las aptitudes involucradas en la composición
estén desconectadas de aquéllas que se adquieren en cursos de ingeniería, bellas artes o economía: la
habilidad de ordenar la evidencia, de organizar las ideas y sobre todo, de pensar lógicamente, se desarrolla
cuando uno hace un trabajo escrito. Además, al enseñar a nuestros estudiantes el arte de escribir, les estamos
enseñando el tema del que trata el ensayo, cualquiera que sea: tal como los docentes de cursos de
composición frecuentemente recuerdan a sus alumnos: el contenido y el estilo no se pueden separar. Una
idea que se presenta de forma incoherente al lector es una idea perdida; aquello que se expresa oscuramente
no es más que el reflejo de un pensamiento concebido oscuramente. Al verse obligados a escribir con
coherencia los estudiantes se ven también obligados a repasar sus ideas concienzudamente. La producción de
un buen ensayo puede servir para aumentar el entusiasmo por el tema en general y la confianza en sí mismo y
en el trabajo que uno está haciendo. Todas estas reacciones pueden ¡levar al estudiante a aprender más de las
clases teóricas y de las lecturas complementarias y a participar más de las discusiones.
Últimamente la maternidad ha sido atacada por muchas feministas y el pastel de manzanas ha merecido el
desprecio de los nutricionistas, pero la prosa clara se mantiene como una virtud inatacable dentro de las
mentes de la mayoría de los docentes universitarios. ¿Por qué entonces muchos profesores evitan tomar
responsabilidades para ayudar a sus alumnos a desarrollar habilidades en la composición y no les piden o les
piden pocos trabajos escritos aún en cursos que parecen invitar a la escritura? Es verdad que el tiempo que se
dedica a mejorar la escritura de los estudiantes es tiempo que se roba a otro material más específico del curso
que se está dictando. (…) Además, una sobrevaloración de la capacidad de los alumnos, puede llevar al
docente a creer que el tiempo dedicado a la composición es tiempo perdido. (Especialmente las grandes
universidades promueven una conspiración de silencio: los docentes suponen que alguien debe haber
enseñado a este selecto grupo de estudiantes los secretos de la puntuación, la prosodia, la primogenitura,
mientras que los alumnos se manejan con la suposición que ellos ya tienen elementos básicos cuando en
realidad se dan cuenta de que no saben todo y se sienten avergonzados de admitirlo por lo cual no buscan
soluciones para cubrir la deficiencia). Otra razón por la que nos mostramos reacios a ayudar a nuestros
estudiantes a mejorar sus estilos compositivos es que los cursos de composición son generalmente los
hijastros de los cuerpos docentes universitarios. Desafortunadamente, algunos docentes creen que quienes
son capaces, enseñan, mientras que los que no lo son, enseñan a escribir; conscientes de este prejuicio, los
profesores a veces, dudan en expresar verdadero interés por la composición. Tal vez el conflicto más sutil que
surge cuando tratamos de mejorar las habilidades de nuestros alumnos en la escritura es el que viene de la
poca confianza que tenemos en nuestra propia habilidad en el tema. Aquí, como en tantas otras áreas de la
enseñanza, la apertura para admitir nuestros puntos débiles o limitaciones nos hace ganar más de la mitad de
la batalla: un estudiante va a aprender mucho más con el ejemplo y el precepto de un profesor que reconoce
no estar seguro de un principio estilístico o gramatical y prefiere revisarlos, que de otro profesor que pasa el
tema por el costadito, nerviosamente, cuando se encuentra discutiendo o corrigiendo su trabajo.
Debido a que los ensayos sirven para tantos fines diversos, se pueden integrar a nuestros cursos de varias
formas. ¿Se deberían pedir varios trabajos cortos o uno solo y largo? ¿En qué momento del semestre se
deberían exigir? Detrás de estas preguntas existe una cuestión pedagógica más amplia: ¿hasta qué punto
consideramos que los trabajos escritos sirven para corregir y educar a nuestros alumnos y hasta qué punto
consideramos que sirven para evaluarlos? El primer caso nos lleva a exigir varios trabajos escritos, uno al
principio del semestre, a fin de que los alumnos midan nuestra reacción frente a sus ensayos y la tengan en
cuenta para los subsiguientes. Muchos docentes eligen pedir un ensayo durante el primer mes de clases, lo
cual compromete a los estudiantes con la materia y a la vez ayuda al instructor a identificar a aquéllos que
puedan tener problemas con el material antes de que el término esté demasiado avanzado. Si, por el otro
lado, los ensayos van a pesar solamente para clasificar a los alumnos, algunos docentes argumentan que con
uno al final del curso es suficiente ya que en ese momento se puede apreciar con justicia el manejo que tiene
el alumno del material estudiado. (…)
Otra decisión complicada es la referente al tema a elegir para un ensayo y si uno debiera elegir un tema o no.
Algunos cursos exigen solamente trabajos de investigación, otros los excluyen totalmente, mientras que en el
resto encontramos gran libertad. Nuevamente aquí, un compromiso puede ser útil: otra razón para pedirles a
los alumnos que escriban más de un ensayo es la experiencia que ganan al escribir bajo diferentes enfoques.
Algunos docentes apoyan firmemente la idea de temas previamente asignados argumentando que así los
alumnos van a escribir sobre temas que son significativos y manejables, mientras que otros aseveran que la
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
26
página 26 de 54
elección de temas por parte del estudiante lo ayuda a definir y delimitar el material y los entusiasma más por
lo que están haciendo.
Otra posibilidad es suministrarles una lista con temas alternativos y aclarar que también pueden incluir uno de
su propio interés, en tanto y en cuanto lo comuniquen al docente antes de comenzar. Cuando se pone tal
condición, se debe hacer con firmeza y claramente porque muchos alumnos se acuerdan de ver al docente
cuando el ensayo ya está terminado.
Pero si el alumno no sabe preparar su trabajo con eficacia, el tema mejor elegido es tema perdido. Uno de los
primeros pasos a dar para ayudar a nuestros alumnos a escribir bien es tratar de anticipar los problemas que
pueden encontrar tanto psicológicos como prácticos. Un problema importante y no el menor es el de
postergar el trabajo. Tal como nos recuerda el Dr. Johnson en su ensayo sobre la dilación: “aún quienes más le
hacen frente, encuentran que la dilación es, si no la más violenta, la más pertinaz de las pasiones.” Esta pasión
pertinaz se ve muchas veces exacerbada por un mito común entre los alumnos de los primeros años a saber: la
idea de que los estudiantes verdaderamente brillantes preparan sus ensayos a último momento. De acuerdo a
este mito que no es más que la versión contemporánea del ideal renacentista de la sprezzatura, o facilidad
cultivada, los elegidos no necesitan trabajar duro para escribir sus ensayos, o para cualquier otra cosa, y aún
así sus resultados son óptimos. Sus trabajos fluyen suavemente de sus máquinas de escribir en una hora nada
más, la noche o el día antes del plazo final de entrega (…)
Los estudiantes pueden dilatar sus ensayos por tener demasiados a la vez para entregar en una misma fecha y
por no tener experiencia suficiente para planificar su tiempo. En otros casos los escritores empiezan a último
momento para tener una buena excusa si el ensayo no les sale bien: se convencen a sí mismos de que si
hubieran tenido el tiempo suficiente podrían haber evitado los defectos que ya son propios de sus trabajos, tal
como ellos ya lo sospechan. El tener dificultades con la preparación de ensayos puede estar dando la alerta
para otros problemas más profundos tales como un deseo obsesivo de perfección (estos estudiantes vuelven a
tipear cada página aún cuando hagan un pequeño error) o una falta de confianza en el juicio propio sobre
detalles menores de escritura.
Todas estas cuestiones nos recuerdan que los consejos a nivel informal son inseparables de la enseñanza. Una
de las formas principales de ayudar al grupo en su conjunto a escribir bien es previniéndolos sobre la
necesidad de empezar los trabajos temprano y sobre la tentación de hacer lo opuesto; y una de las formas
principales de ayudarlas a nivel individual es alertarlos sobre la posibilidad de que por un sinnúmero de
razones pueden encontrar que no es fácil ponerse a preparar un ensayo. (…)
Justice Brandeis, dijo una vez que no existe la buena composición sino la buena recomposición. Esta puede ser
la verdad única y más importante acerca de la escritura de exposición que podemos ofrecer a nuestros
estudiantes. Aquel mito del trabajo hecho a última hora y bien, puede llevamos a no revisar cuidadosamente
nuestras obras: aún los estudiantes que están comprometidos con la elaboración de buenos ensayos,
frecuentemente suponen que la compaginación final sólo requiere una mirada a vuelo de pájaro sobre la copia
borrador, antes de volver a tipearlo, añadiendo solamente unas pocas comas a medida que uno lo va leyendo.
Una de las maneras fundamentales de ayudar a los alumnos es explicarles sencillamente por qué la revisión,
aún cuando sea un trabajo tedioso y que lleva tiempo, tiene su recompensa.
El próximo paso es anticipar y tratar de aliviar los aspectos más técnicos que enfrentan los alumnos. Los
problemas que van a tener van a ser sorprendentemente parecidos aunque hablemos de disciplinas
sorprendentemente diferentes. Cualquiera sea el tema del curso muchos miembros del grupo se van a
beneficiar con consejos sobre la argumentación correcta de las ideas. Tal como lo hacen los escritores de
todos los niveles, los alumnos de los primeros años, están frecuentemente tan involucrados en sus temas que
no aciertan a explicar sus opiniones de manera suficientemente completa o a fundamentar teorías
controvertidas; hay que recordarles que las ideas con las que ellos han convivido durante semanas pueden
resultarles mucho menos familiares al lector. Cuando se piden trabajos de investigación, vale la pena subrayar
la idea que esos ensayos ciertamente no excluyen, si no que invitan a ejercer el pensamiento original: sin esta
advertencia, muchos estudiantes tienen la tendencia de reproducir textualmente las ideas de otras personas
sobre el tema, más que evaluarlas y extenderlas. (…)
Muchos ensayos están plagados de imperfecciones que provienen de otro tipo de jerga: la que propone la
cultura popular. Los alumnos se sienten seducidos y a la vez son traicionados por los medios de comunicación,
los discursos políticos, etc. y tienden a repetir todos los errores que escuchan, desde palabras deformadas
hasta frases hechas tales como: “¿esto va a funcionar?”. Otros problemas de lenguaje tienen sus raíces en la
creencia que uno puede hacer brillar su escritura (o simplemente impresionar bien al docente) consultando
constantemente un diccionario. Se debe prevenir a los alumnos sobre los peligros de usar “sinónimos” cuyas
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
27
página 27 de 54
connotaciones pueden ser ampliamente diferentes de la que tenía la palabra que inicialmente iban a usar.
Hay problemas todavía más fundamentales y más técnicos que los estudiantes deben enfrentar. Muchos
nunca aprendieron las reglas básicas de la puntuación; otros tantos tienen problemas con la división en
párrafos. Problemas localizados como los mencionados pueden acarrear otros más profundos. Por ejemplo
cuando se dan cuenta que no saben nada sobre el uso de la coma, los alumnos pueden perder la confianza en
su capacidad para escribir y en consecuencia se abocan a la tarea con considerable turbación. Y en la
composición como en el patinaje artístico, una pérdida de confianza nos lleva rápidamente a una pérdida de
habilidad.
Dado que las dificultades que he mencionado son tan profundas como omnipresentes, ¿cómo se puede
prestarles atención durante el dictado de un curso sin robarle una cantidad de tiempo excesivo a la clase sobre
la crisis de la aristocracia o la estructura de la célula? Muchos docentes eligen agregar pautas guía para los
temas de ensayo ("Si eliges este tema, ten cuidado en no perder demasiado tiempo en resumir el argumento")
o les ponen a todos los temas una pequeña introducción con sugerencias generales.
("Mucho de lo que se ha investigado sobre este tema es de naturaleza controvertida así que ten cuidado de
considerar los prejuicios escondidos en los estudios que cites"). Algunos docentes, en lugar o además de esto,
suministran una hoja aparte con instrucciones para redactar un buen ensayo. Ésta se puede diseñar de
manera tal que se pueda adaptar a todos nuestros cursos y las instrucciones pueden incluir reglas generales
sobre la composición de buenos ensayos ("Asegúrense de incluir citas que respalden de manera suficiente sus
afirmaciones"), recordatorios de principios gramaticales o estilísticos ("Mantengan una política consistente
con la forma que adopten para referirse a ustedes mismos"), y consejos prácticos ("Dejen márgenes de al
menos 1 1/2 pulgadas en todos los costados para que yo pueda escribir mis comentarios"). (…)
(Fin de cita de Dubrow, 1993)
Actividades
Deberá escribir un artículo o ensayo universitario en el que aborde, comparativa o sucesivamente el
análisis de dos obras de arte visual, en su funcionamiento como conjuntos de signos, como textos y -
finalmente- como discursos, realizando una lectura semántica (del contenido) y una lectura
semiótica de las estrategias (de esas obras particulares en relación al género al que pertenecerían).
Entiéndase, deberá imaginar a qué sistemas o formas (Hjelmslev) pertenecen sus substancias (de la
expresión y del contenido), tanto a nivel de sus códigos de base (hipocodificaciones más
denotacionales) como de sus representaciones sociales (hipercodificaciones relativas a sus
connotaciones simbólicas y a sus estrategias discursivas). Deberá imaginar y reconstruir dichas
formas-redes. Todo esto, a la vez que se coopera con el texto (Eco), validando el sentido total o
parcial en función de las relaciones contextuales e intertextuales. Es posible, si así lo desea,
acompañar el ensayo de uno o más esquemas o gráficos que den cuenta del campo de sentido de las
obras en cuestión. Tal vez la actividad más importante en la concepción de este ensayo sea
reconstruir la puesta en escena discursiva (¡no deje de hacerlo!) de esta obra a fin de establecer una
hipótesis respecto de las regularidades y el contrato que caracteriza esta obra, su género, o el gran
género de obras en el que se enmarcaría. ¿Cómo prefigura los roles de interlocución? ¿Qué
imágenes postula del enunciador y del destinatario? ¿Cómo define una particular relación con este
último, la que supone un cierto verosímil y un cierto recorrido de interpretación? ¿Cuáles son sus
objetivos y propósitos discursivos concretos? ¿Cómo es la organización esquemática específica de las
circunstancias de enunciación en las que estadísticamente se inserta este tipo o género de obras?
Luego, ¿despliega alguna dimensión metasemiótica? ¿Cuál? ¿Su recepción es sintagmática o no-
sintagmática? ¿Qué tipo o grado de novedad, esteticidad o artisticidad posee? ¿Interrumpe o facilita
el sentido, sirviéndose de la circularidad hermenéutica? Todas estas indicaciones y preguntas no
agotan el aparato nocional provisto por el curso, emplee aquellas categorías que le parecen más
productivas respecto de su objeto. ¿La obra está hecha de imágenes? ¿De qué tipo? ¿La obra es
principalmente símbolo en el sentido peirciano del término y, por ende, también en un sentido
estético? ¿La obra pretende ser índice, como pudo suceder con buena parte de la pretensiones
político-democráticas del arte más o menos reciente? ¿Es esta indicialidad la base de algún tipo de
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
28
página 28 de 54
inorganicidad o alegoría? (ahora en el sentido frankfurtiano del término).
Deberá seleccionar “libremente” un par de los artistas que mencionamos a continuación y unas obras
por ellos realizadas. Ponemos esta palabra entre comillas pues se requiere tener en cuenta tanto las
características de las obras (seleccionar una que sea en sí misma relevante o valorable por alguna razón)
como de los instrumentos de análisis (habrá que seleccionar una obra que se oportuna y adecuada para
poner a funcionar los instrumentos de análisis) para tomar una opción correcta y productiva. El análisis
deberá exponerse en un ensayo o artículo, que deberá tener un título seleccionado y escrito ex profeso.
Deberá incluir alguna documentación visual, la necesaria para complementar la comprensión de la
lectura. Esta documentación deberá ser esmeradamente seleccionada y preparada, se trate de una
fotografía, un dibujo, una representación esquemática, etc.
Si no se decide por alguno que a usted le interese –lo que es raro-, le sugerimos algunos de estos
autores: Quentin Blake | Richard Serra | Joseph Kosuth | Niklaus Troxler | Lord Frederick Leighton |
Hank Herron | Jason Harding |Chris Burden | James Rosenquist | Eva Hesse | Nam June Paik | Lawrence
Weiner | Rosemarie Trockel | Michael Asher | David Gentleman | Donald Judd | Norman Rockwell |
Roman Opalka | Sol LeWitt | Andera Mantegna | Alan Fletcher | Ian Dibbets | James Hobbs | Vito
Acconci | Jean Pierre Raynaud | Osang Wong | Michael Asher | Bas Jan Ader | George Maciunas |
Richard Schur | Augusto Ferrer-Dalmau | Dan Graham | Pierre Huyghe | Mark Tansey | Hans Holbein |
Michael Johansson | Mark Dion | Johannes Vermeer van Delft | Brian Jungen | Michael Asher | Pierre
Huyghe | Robert Mangold | Richard Serra | Robert Rayman | James Turrell | Pablos Siquier | Anish
Kapoor | Julian Opie | Tony Cragg | Bill Woodrow |Anne Barriball | Bertrand Lavier | Tadashi Kawamata
| Michael Elmgreen & Ingar Dragset | Jeffrey Milstein | Gregor Schneider |Harry Stooshinoff | Christo &
Jean Claude | Ichwan Noor | Philippe Froesch | David Hockney | Giuseppe Penone | Robert Smithson |
Vito Aconcci | Ai Weiwei | Shusaku Arakawa | Lothar Baumgarten | Ashley Bickerton | Walter de María
| Marcel Broodthaers | Aldo van Eyck | Öyvind Fahlström | Richard Hamilton | Gordon Matta-Clark |
Michelangelo Pistoletto | Gerhard Richter | Ian Hamilton Finlay |Bernd & Hilla Becher | Per Kirkeby |
Bill Viola | Nam June Paik | Bruce Nauman | Aldo Rossi
Cabe decir, por si no ha quedado claro, que excluiremos el tipo de referencias más habituales en el
comentario de las obras de arte que realiza normalmente la prensa o la historia del arte. No nos interesa
la biografía de los artistas empíricos (salvo aquello que haga falta para poner en funcionamiento mla
semántica de la pieza analizada), aún cuando sus nombres y su situación histórica deba mencionarse
como cortesía para con el lector del ensayo. No nos interesan los méritos o valores propiamente
artísticos. Tampoco “las influencias” a menos que estas sean tratadas en términos de regularidades
genéricas o estilísticas. Mucho menos, salvo en cuanto objeto de análisis, los propósitos y sentidos
manifestados por los artistas respecto de sus obras.
Como guía, simplemente, pensemos que este artículo en su conjunto deberá tener, aproximadamente
una extensión entre seis y diez páginas (a4 y cuerpo de 10 u 11 puntos, marginadas a la izquierda) y será
entregado, preliminarmente, como título y abstract (o breve resumen de propósitos) y, finalmente,
como paper, a los fines de la promoción (como lo establece el Régimen de alumnos), entre finales del
curso y los siguientes tres turnos de examen.
Deberá ayudarse, si hiciera falta, con el material metodológico complementario incluido en nuestros
cuadernos (fotocopiados) de bibliografía ampliatoria, que van desde notas y apuntes compilados por la
Cátedra (sobre distintos procedimientos y sobre distintos géneros o tipologías de escritos universitarios)
hasta un segmento de un muy difundido libro de José Luis Caivano: (1995) Guía para realizar, escribir y
publicar trabajos de investigación (Buenos Aires: Arquim). No se tome demasiado a pecho lo que en
algunos de estos materiales se dice tajantemente (o que repiten algunos metodólogos) respecto de que
un ensayo no debe llevar aparato crítico ni referencias bibliográficas. Tal afirmación no vale para nuestro
caso, en función de lo cual, nuestro artículo o ensayo deberá cumplir con los requisitos formales de todo
paper universitario (en materia de citas, referencias, bibliografía, etc.). Complementariamente, puede
seguir algunas indicaciones del documento metodológico “Escribiendo ensayos en la Universidad” que
adjuntamos al final de este cuaderno, pp.28 y ss.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
29
página 29 de 54
Al escribir, tendrá presente -asintiendo o criticando- el papel que Inmanoel Kant (en su artículo sobre la
ilustración [“Beantwortung der Frage: Was ist Aufklärung?” Berlinische Monatschrift, 1784]) asigna al
texto escrito. Empleará fundamentalmente la bibliografía del programa de la Cátedra, tanto la que ha
sido previamente trabajada en clase como la que no. Uno de los propósitos de la composición de este
artículo es la exploración de la bibliografía del curso y un principio de familiarización con ella.
Pude servir de ejemplo la comparación que Pierre Bourdieu, en Las reglas del arte (1992) realiza entre
los movimientos creativos de Marcel Duchamp y Henry Rousseau. Podemos decir lo mismo tanto del
artículo de Omar Calabrese sobre Los embajadores (1525), de Hans Holbein, así como de la
documentación que hemos preparado en torno al caso de Germania (1993), una obra de Hans Haacke
(analizada por los críticos B.Buchloh y W.Grasskamp).
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
30
página 30 de 54
Instructivo
Así evaluamos lo que escribimos
Las siguientes páginas contienen una guía destinada tanto a la evaluación como a la auto-evaluación de
trabajos escritos de diversa índole, especialmente artículos y reseñas. Cada cuadro detalla las
características del escrito que ameritarían una calificación alta, media o baja; teniendo en cuenta –por
separado- el conocimiento del tema (1); la construcción del argumento y la interpretación de la
información (2); la composición del texto (3); la calidad en cuanto uso del lenguaje (4).
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
31
página 31 de 54
1. Conocimiento del tema a discutir
Evaluación
Manejo precario del tema

• El estudiante demuestra tener un conocimiento exiguo sobre el tema, al exhibir un desconocimiento de los
datos básicos exigidos por la tarea.
baja • Pocas o ninguna referencia a las fuentes sugeridas para apoyar la presentación.
• Casi no se percibe que maneje alguno de los elementos que integran el tema en cuestión.
• El texto exhibe falta de mérito, de honestidad y de inteligencia al extraer mecánicamente oraciones o párrafos
de un texto sin reconocerlo.
Cumple con lo encargado al manejar adecuadamente el tema
media • El estudiante demuestra tener un conocimiento suficiente del tema.

• Exhibe suficientes referencias confiables para apoyar la presentación, aunque algunas son poco relevantes.
• Quedan pocas referencias sin reconocimiento sobre su origen.
Excelente conocimiento del tema

• El estudiante demuestra tener un conocimiento amplio, perceptivo y sensible sobre el tema, que incluye
contenidos de diversas disciplinas relevantes.
alta • La selección de la Información denota una perspectiva sensatamente original y con nexos Interesantes entre
ellas.
• La exhibición de numerosas referencias siempre detalladas, relevantes y persuasivas denota una asimilación
perspicaz del discurso ajeno para apoyar sus propias Ideas sobre el tema.
2. Construcción del argumento e interpretación de la información.
Evaluación
Construcción muy precaria de la opinión
baja • El estudiante exhibe un manejo muy pobre de elementos en la construcción de una opinión (no plantea ningún
problema a discutir ni argumentos que sostengan una posición reconocible).
• El texto consiste en una sucesión caótica de asuntos sin ninguna dirección ni relación clara.
Construcción suficiente de una opinión
• El trabajo manifiesta algunos fundamentos sobre una opinión propia.

• Define el problema a tratar con base en algunas referencias válidas que denotan la comprensión de las fortalezas del
media argumento.
• El alumno interpreta algunos de los datos en función de un objetivo claro y conciso.
• La interpretación sirve de base para relacionar algunas ideas en torno a un argumento con respecto al problema a
tratar.
Excelente argumentación e interpretación
• El texto defiende una posición clara y precisa, a través de la construcción de una argumentación sólida y convincente.
• La interpretación de los datos es siempre significativa y lúcida, lo que demuestra un pensamiento maduro e
alta independiente.
• Demuestra una capacidad sorprendente para Integrar la información y sus argumentos en relación con su sentido en
la disciplina, sus implicaciones y sus posibilidades, desplegando un lenguaje a la altura de una interpretación critica e
independiente.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
32
página 32 de 54
3. Composición.
Evaluación
Presentación caótica del material y de los resultados
• El texto no plantea ningún objetivo inicial.

baja • El estudiante yuxtapone azarosa y caótica mente frases, palabras, imágenes e información.
• No se observa ninguna conclusión
(Debe saberse la falta de mérito, de honestidad y de inteligencia que conlleva extraer mecánicamente oraciones o
párrafos de un texto sin reconocerlo)
Construcción suficientemente clara y ordenada
• El texto exhibe una presentación breve.

• El planteamiento parte de un objetivo claro.
media • El desarrollo consiste en el tratamiento de dos o tres aspectos del tema.
• El trabajo exhibe unidad y claridad. Las cuales se integran por voces, imágenes y datos que reflejan una familiaridad y
un manejo adecuados para la tarea en cuestión.
• El orden de exposición guarda un sentido comprensible y en general las referencias están bien integradas al texto.
• La conclusión consiste en una recapitulación suficiente del tema tratado.
Excelente construcción
• El texto exhibe una justificación, así como una presentación clara, detallada y racional sobre los alcances del trabajo.
• La tesis y los aspectos de la argumentación anunciados revelan una compresión personal sorprendente del efecto de
la estructura del texto en el lector.
alta • El desarrollo es muy ordenado y claro. El texto siempre subraya la importancia de los diversos puntos que trata
durante la argumentación.
• La integración de las referencias y de los datos a través de cuadros y gráficas están siempre justificadas y son
claramente comentados en cuanto a su alcance y pertinencia en el texto.
• La conclusión rescata de los argumentos lo necesario para llevar al lector a la reflexión de las implicaciones más
importantes del texto con el fin de establecer nuevas preguntas o enfoques aún no revisados del problema.
4. Calidad del uso del lenguaje
Evaluación
Uso de un lenguaje inapropiado

• Hace un uso generalmente inapropiado del lenguaje y transcripciones copiadas.
baja • Uso de palabras de moda en un contexto para el que resultan inadecuadas (resignificación, otredad,
etcétera).
• Aparecen constante repeticiones de palabras y/o cacofonías.
Uso adecuado de un lenguaje apropiado
media • Ortografía, puntuación, gramática y vocabulario apropiado para la disciplina en el momento actual.
• Intenta evitar repeticiones y cacofonías recurriendo a sinónimos o frases.
• Lenguaje claro.
El uso del lenguaje es altamente efectivo y apropiado

• Ortografía, puntuación, gramática y vocabulario altamente apropiados para la disciplina.
alta • Su discurso es claro, variado, preciso y conciso.
• Se observa un aprovechamiento efectivo y sensible del ritmo y del tono, así como un discurso rico en
expresiones v recursos retóricos.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
33
página 33 de 54
Instrucciones
…para la realización trabajos escritos, en general
0. UN COMPENDIO DE PRESCRIPCIONES BÁSICAS
A continuación, hemos reunido una serie de criterios apropiados para la presentación escrita de informes, ensayos,
artículos y monografías en el espacio académico. Los criterios no son unánimes. Por lo tanto, estos que se exponen
a continuación –y se hacen valer rigurosamente para una presentación particular- han sido seleccionados con el
criterio más bien pedagógico de entrenar a los autores en vista a un trabajo mayor, tal como un libro o una tesis. En
comparación con el conjunto de normas y prescripciones habituales para la realización de trabajos académicos, las
que aquí seleccionamos destacan por ser precisas y exhaustivas, así como por estar mejor orientadas a conservar y
aclarar toda la información que podría ser de utilidad científica, dejando de lado los aspectos más “maestreriles”,
más bien dirigidos a mostrar una indignación hipócrita y exagerada ante la violación de los derechos de un supuesto
autor o a favor de la custodia de una supuesta ética de la investigación.
1. CRITERIOS GRÁFICOS
1.1. MÁRGENES
En un paper candidato a sumarse como “manuscrito” a otros trabajos mayores (del propio autor o de compiladores)
se requieren márgenes amplios. Lo usual es dejar 3 cm de margen, arriba, abajo y a los costados (incluye esto la
previsión de que las hojas normalmente se van a abrochar, encarpetar o encuadernar por el borde izquierdo). Lo
recomendable es, en todo caso en que el autor no sea además un diseñador gráfico o editorial, escribir marginando
el texto hacia la izquierda y dejando la mancha de texto embanderada hacia la derecha. Todo esto, sin cortar
palabras (véase corte de palabras o hyphenation en su ordenador). Entiéndase, se recomienda no “justificar” el
texto en ambos márgenes, a menos que dicha operación sea hecha por un experto.
1.2. FORMATO DE LOS PARÁGRAFOS Y SANGRÍAS
Básicamente hay dos formatos generales para los parágrafos: 1) No se utiliza sangría y se separan los distintos
parágrafos por un espacio mayor que el interlineado normal. 2) Se utiliza sangría y entonces, los distintos
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
34
página 34 de 54
parágrafos se escriben sin aumentar el interlineado entre uno y otro. Es obligatorio hacerlo de una manera o de la
otra pero no de ambas a la vez. El primero de los modelos es el que se recomienda toda vez que el texto no esté en
su etapa final de publicación física y permanezca aún siendo una suerte de manuscrito; es decir, como lo son, por lo
general, los escritos académicos.
Utilice una tipografía que, siendo común a buena parte de los sistemas operativos (de Apple-Macintosh y de
Microsoft), sea –además- de calidad. Se recomienda Georgia –si se quiere escribir con romanas- o Verdana, si se
quiere escribir con sans. Ambas han sido diseñadas por un gran tipógrafo británico, Mattheu Carter.
1.3. ESPACIADO
Tratándose de manuscritos, artículos para acreditar cursos, trabajos que se van a leer en un congreso, artículos para
publicación –inclusive tesis para optar por un grado académico-, se recomienda un espaciado simple entre líneas, es
decir. Lo más parecido a un libro posible.
1.4. TÍTULOS & SUBTÍTULOS
Deben diferenciarse distintas jerarquías de títulos y mantenerse el mismo criterio a lo largo de todo el trabajo. En la
actualidad, con los procesadores de texto electrónicos conviene optar por los formatos de título que indicamos a
continuación (tomados de Bringhurst, 1992):
CAPÍTULOS:
4. MAYÚSCULAS, CENTRADOS O MARGINADOS A LA IZQUIERDA
PARÁGRAFOS DE 1ER NIVEL:
4.2. VERSALITAS,37 MARGINADOS A LA IZQUIERDA
4.2.1. Parágrafos de 2do nivel:

Minúsculas, cursivas (no los números), marginados a la izquierda
Parágrafos de 3er nivel (sin numeración)

Minúsculas, negritas, marginados a la izquierda
No porque el trabajo se haga con un procesador de textos en el cual es posible utilizar otros formatos las
posibilidades deberían ampliarse irresponsablemente. No debe usarse el subrayado, y, salvo el caso que se acaba
de mencionar no deben usarse negritas.
Es opcional numerar las secciones según un sistema decimal, colocando el número antes del título o subtítulo. No
obstante, esto no exime de la necesidad de jerarquizar por formato; más aún, debe cuidarse especialmente que
numeraciones con la misma jerarquía lleven el mismo formato. No es necesario que todas las jerarquías de
subsecciones o subtítulos lleven la numeración, la misma puede hacerse hasta un nivel determinado y dejar los
subtítulos de menor jerarquía sin numerar. Esto último es particularmente aconsejable en trabajos donde hay dos o
tres jerarquías de títulos y subtítulos, para evitar que se formen cifras demasiado largas (es aconsejable un número
menor o igual a tres: 4.2.1.).
37 Las VERSALITAS son unos caracteres en mayúscula pero de cuerpo menor que las mayúsculas corrientes. Se utilizan en
publicaciones impresas, pero también hoy las tienen muchos procesadores de texto (Word, etc.)
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
35
página 35 de 54
2. ORTO-TIPOGRAFÍA ELEMENTAL
2.1. MAYÚSCULAS Y MINÚSCULAS
Resumiremos aquí algunas pautas habituales sobre el uso de mayúsculas y minúsculas. Se escribe con mayúscula
inicial: el nombre de organismos e instituciones, la denominación de congresos y simposios, los nombres de países y
regiones, los puntos cardinales o adjetivos que acompañan a un topónimo (América del Sur, Alto Paraná), los
nombres de diarios y revistas y los textos religiosos clásicos (La Voz del Interior, la Biblia), los nombres de textos
legales (Código Civil), los cargos únicos cuando no van seguidos de nombre propio (el Papa, el papa Benedetto XVI),
los nombres de planetas, cuando después de dos puntos sigue una cita o una enumeración que comprende varias
frases.
En cambio, se escriben con minúscula inicial: los títulos y grados (arquitecto, coronel), los nombres de religiones,
razas y etnias (budismo, esquimales), los períodos históricos (edad media), los gentilicios (argentino, español), los
títulos de libros, películas, etc., salvo la inicial de la primera palabra, las disciplinas académicas o científicas (física,
arquitectura), los movimientos artísticos (clasicismo, puntillismo), los nombres comunes de vías de circulación (el
boulevard San Juan, la calle del General J.B. Bustos), los nombres comunes de divisiones administrativas o políticas
(la provincia de Córdoba, la región Campana), los nombres comunes de guerras, batallas, etc. (la primera guerra
mundial, la batalla de Somme), los días de la semana, meses y estaciones, cuando después de dos puntos sigue una
enumeración sencilla separada por comas.
2.2. NEGRITAS, CURSIVA & VERSALITAS
Las negritas no se utilizan jamás para enfatizar palabras o frases en el texto corriente, solamente en títulos de
parágrafos. Para poner énfasis se utiliza la cursiva (ya sean bastardillas o itálicas). Este tipo de caracteres también se
emplea para los nombres de libros, revistas y obras de arte, las palabras extranjeras no castellanizadas y los
nombres científicos.
Las VERSALITAS son de uso corriente en la denominación de los siglos con números romanos (siglo XX) y en las siglas.
2.3. LETRAS & CIFRAS
Podemos dar dos reglas generales en cuanto al uso de letras y cifras para expresar cantidades. Una es que los
números hasta el nueve se escriben en letras mientras que los mayores de nueve en cifras, y la otra, que hay que
evitar el uso excesivo de cifras. No obstante, hay varias excepciones. Se escriben en letras: las cantidades que
forman parte de una descripción o que son cantidades redondas (un ejército de mil hombres), las edades de las
personas (tenía cincuenta y cinco años), las décadas (el estilo de los años sesenta), las cantidades que comienzan
una oración, los números ordinales y las fracciones simples (el tercer milenio, la octava parte).
Se escriben en números, aun siendo menores que nueve: las fechas (4 de junio), las cantidades con decimales
(costaba 23,50 pesos), las fracciones horarias (se despertó a las 9.15), los grados de temperatura y de latitud y
longitud (se solidificó a los 33 grados centígrados), las denominaciones que tienen número de modelo o serie, los
números de publicaciones periódicas, página, etc.
Sobre este tema puede encontrarse información en Eco (1977, IV.1.2 [1988: pp.245-246]).
2.4. ABREVIATURAS & SIGLAS
En texto corriente se debe evitar, en lo posible, la utilización de abreviaturas y siglas. Para las siglas, siempre que
sólo sean unas pocas y que aparezcan consistentemente a lo largo del escrito, o que sean siglas de uso bastante
difundido, puede optarse por aclarar la descripción completa la primera vez que aparecen y utilizarlas luego
directamente. Hay que notar que algunas siglas se han hecho tan familiares que se pueden utilizar sin aclaración.
Con respecto al uso o no de puntos para separar las letras de una sigla, es preferible escribirlas sin puntos. Hay
casos que son en realidad abreviaturas dobles y no siglas (AA.VV, TT.CC, EE.UU, FF.CC), y se escriben siempre separadas
por puntos cada dos letras y sin espacios intermedios.
En relación a las abreviaturas propiamente dichas, si bien es conveniente evitarlas en texto, sí deben utilizarse en
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
36
página 36 de 54
notas y material de referencia. Esta es una lista de las más necesarias:
AA.VV = autores varios

cfr., cf. = confróntese
cit. = citado
comp., comps. = compilador, compiladores
ed., eds. = editor, editores
ed. = edición
ej. = ejemplo
etc. = etcétera
ib., ibíd. Ibídem = en el mismo lugar
íd. Ídem = lo mismo
infra = véase más adelante
n. = nota, nacido
op. cit. opere citato = obra citada
p. ej. = por ejemplo
p., pp. = página, páginas
sic. = así, tal cual
s., ss. = siguiente, siguientes
v. = ver, véase
v.t. = véase también
vs. = versus: en oposición a
3. PRESCRIPCIONES ACERCA DE LA INCORPORACIÓN
DE MATERIAL DE SUSTENTO Y DE SU REFERENCIA
3.1. EMPLEAR IDEAS DE OTRO
Es común que las ideas desarrolladas en un trabajo académico deban sustentarse -en buena parte- en otras
investigaciones, ideas o teorías de otros autores. Es ingenuo pretender que cuando se hace un trabajo de
investigación o reflexión se está creando algo de la nada o que no necesita apelar a conocimientos producidos por
otros. Normalmente, las deudas que tenemos con otros autores son mayores de lo que estamos acostumbrados a
admitir. Es una práctica científica reconocer esas deudas, no tanto para dar crédito al productor “original” de una
idea sino, mejor, para orientar al lector en cuanto a la construcción de lo que lee. Es imposible hacer alguna
investigación o llevar a cabo una reflexión científica que no requiera del sustento de otras.
Todo lo que en un escrito científico no tiene una referencia a otro autor se da por sentado que es “elaboración
propia” del autor. Está exento de esto todo aquello que constituye el cuerpo de saber común de una sociedad o una
cultura, que es compartido más o menos por muchos.
Salvo el conocimiento común y nuestras propias creaciones (principalmente combinaciones novedosas [aunque
previsibles] de ideas de otros), todo otro saber que utilicemos en nuestro paper requiere que se de crédito a quien
lo produjo originalmente. Y como vimos, es prácticamente
Hay tres maneras convencionales de incorporar material publicado y dado a conocer por otros (sea este material,
una idea, una hipótesis, una teoría, una afirmación concreta, etc.) a un escrito propio: la cita, la paráfrasis o el
resumen.
3.1.1. Cita
Se trata de la incorporación textual de escritos ajenos en un trabajo. Vale decir, implica la transcripción fiel al
original, no sólo la reproducción de palabras sino también de cualquier otro tipo de signos. Hay buenas razones
para citar, y por lo tanto resulta apropiado y necesario –a veces- hacerlo, si la información que contiene se relaciona
directamente con el tema de nuestro trabajo, o si avala alguna de sus ideas. Sobre todo, de aquellas que resultaría
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
37
página 37 de 54
inusual o difícil aceptar sin el aval directo de una autoridad. También suele se necesario citar si el fragmento
incorporado expresa un punto sobre el cual se está en desacuerdo y al cual se pretende analizar y criticar
expresamente.
Por el contrario, no hay motivos para citar en los casos en que la información lo es sobre un hecho bien conocido
que no requiere de la corroboración de ninguna autoridad. Tampoco debería citarse en desacuerdo con el
argumento de la monografía, a menos que la cita esté precedida o seguida de la crítica y o argumentación contraria
correspondiente. Tampoco hay que repetir, con cita, información ya dada con palabras propias. En ningún caso, se
debe recurrir a la cita cuando, como autores, no entendemos cabalmente el significado de la fuente original y nos
sentimos incapaces de parafrasear correctamente sus ideas.
Toda cita debe ser bastante fiel al original en cuanto debe seguir palabras, signos de puntuación, mayúsculas,
subrayados o cursivas originales, etc. (en lo posible, aún cuando no nos agraden los criterios orto-tipográficos del
original)
Una cita debe ser ubicada próxima al punto que avala y debe encadenarse de manera lógica (argumentativa o
narrativa) con el desarrollo del paper. Debería percibirse como integrada a la estructura del texto propio, mediante
una frase o puntuación que la encadene. Si se desea omitir parte inútil del texto de la fuente debería (en lo posible)
no cambiarse o destruir el significado del original. La omisión se hace usando puntos suspensivos (en número de
tres, al final y al comienzo de los fragmentos que se unen o, en número de tres, entre paréntesis) o encadenando
los fragmentos del original con palabras propias (marcadas entre corchetes).
Una cita corta, de menos de cuatro renglones, debe combinarse con el texto propio y señalarse entre comillas. Una
cita larga, de más de cuatro renglones, debe diferenciarse del texto propio mediante un doble espaciado arriba y
abajo, y aumentando el margen izquierdo, estableciendo una sangría continua. En este caso no se usan comillas y se
reduce el cuerpo del texto.
Toda cita debe enviar a una referencia (sea nota al pie o bibliografía), de manera que quede documentado el autor
de la misma y la fuente de la cual se obtuvo. Si se cita a un autor de lengua extranjera, aún sin ser necesario que la
cita se escriba en su idioma original, su referencia debe ser doble: a la edición original y a la edición en la propia
lengua (cfr.infra). En caso de citarse en lengua extranjera, continuación (y entre corchetes) puede agregarse la
traducción.
3.1.2. Resumen & paráfrasis
Se utilizan para incorporar en el escrito propio ideas de otras personas sin apelmazar el texto utilizando las palabras
textuales y los mismos giros o construcciones gramaticales. Resumir o parafrasear significa convertir lo que otro ha
escrito en nuestras propias y mejores palabras, sin distorsionar demasiado la idea original, escabullendo a las
palabras exactas del autor, a veces, por ruidosas e inadecuadas. El resumen condensa la información esencial de un
trozo escrito seleccionado en un grupo de oraciones unificadas. Contiene las principales ideas , puestas en palabras
más adecuadas para la nueva inserción. Varias oraciones pueden ser resumidas en una. La paráfrasis expresa una
idea y los detalles que la acompañan. En contraste con el resumen, es más específica y cercana al original en cuanto
a la longitud, inclusive más extensa y deshilvanada que éste. Una buena paráfrasis debe diferenciarse notablemente
del original, mas desde el punto de vista formal que del contenido. Para ello pueden utilizarse sinónimos o palabras
más adecuadas, alterar el orden o la construcción gramatical de las frases, cambiar verbos, etc. La manera de
hacerla es –luego de leer el texto original- comprender perfectamente la idea para olvidarse de cómo estaba
expresada verbalmente y tratar de redactarla con palabras y giros característicos de nuestro propio desarrollo en
curso.
3.2. HACER REFERENCIA
Todas las citas, resúmenes o paráfrasis deberían ir acompañadas por la mención de la fuente original
correspondiente. Debido a que la mención de todos los datos útiles de la fuente en cada pasaje donde se hace una
cita o se utiliza una idea ajena interrumpiría el texto y atentaría contra la fluidez de la lectura, suelen utilizarse
envíos a secciones específicas en las cuales se consignan todos los datos. Secciones ubicadas al final del escrito y
denominadas Referencias bibliográficas o simplemente Bibliografía. Estos envíos y referencias pueden hacerse
según dos sistemas básicos: el sistema de notas y el sistema autor-fecha.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
38
página 38 de 54
3.2.1. El sistema de notas
Lo característico de este sistema –y su debilidad- es que tanto las notas aclaratorias como las referencias
bibliográficas reciben el mismo tratamiento. Cada vez que se quiere ofrecer al lector algún comentario, aclaración o
ampliación que no interrumpa el texto principal, así como toda vez que se hace una cita, paráfrasis o resumen y se
necesita mencionar la fuente de origen, se coloca un envío a nota (en el pasado mediante asteriscos y hoy mediante
un número, ya [entre corchetes] o, si el programa de edición lo permite, en superíndices) y se escribe la información en
cuestión al pie de la página o al final del escrito, en un capítulo de Notas (esto último se hizo con exclusividad en el
pasado, cuando en escritos en los mecanografiados resultaba engorroso prever el espacio necesario para las notas
en la misma página). En algunos libros, las notas también suelen aparecer al final de cada capítulo. A continuación,
en romanas, unos ejemplos de cómo lucirían un par de notas al pie de página:
Parece algo ingenua la observación de Einstein de que el motor fundamental que impulsa toda creación
científica es la creencia en la posibilidad de aprehender la realidad a través de las construcciones
teóricas.38 Esto resulta extraño en un contexto donde ellos demuestran que, durante la evolución de la
física, fueron creándose nuevas realidades y que la realidad creada por la física moderna dista mucho de
la realidad primitiva. N.Bohr, en cambio, asume que los científicos no tratan con la realidad39 y expresa su
concepción en una máxima citada por Sebeok: “Nos encontramos suspendidos del lenguaje de tal forma
que no podemos decir qué está arriba y qué está abajo. La palabra 'realidad' es también una palabra, una
palabra que debemos aprender a usar correctamente”.40
3.2.2. El sistema autor-fecha
El sistema autor-fecha utiliza como forma de envío el apellido del autor y el año de publicación de la obra,
agregándose en el envío —si corresponde— el número de página o algún otro dato. Este sistema lleva
necesariamente un listado bibliográfico al final, ordenado alfabéticamente por el apellido del autor y con el año de
publicación inmediatamente después del nombre del autor, ya que es el otro dato que identifica a la fuente.
Además de los envíos a bibliografía, este sistema permite utilizar las notas al pie para hacer otros comentarios
colaterales, ampliación de conceptos. Inclusive, en estas notas pueden aparecer también otros envíos a bibliografía
por autor-fecha.
Con respecto al sistema de notas que vimos anteriormente, el sistema autor-fecha es bastante más racional y
económico, ya que evita la repetición de la referencia a una fuente (o el uso del op. cit. o el ibídem) cada vez que se
la vuelve a utilizar. No importa cuantos envíos se hagan, los datos de la fuente aparecen una sola vez en un único
listado de referencias al final del trabajo.
…el problema ha sido ampliamente tratado por Kuhn (1971),

Monserrat (1987), Muguerza (1971), Quintanilla (1976), Colacicchi
(1968), Poggibonsi (1972) y Gzbiniewsky (1975); en cambio, es totalmente
ignorado por Barbapedana (1975), Fugazza (1967) e Ingrassia (1970).
Si para cada una de estas citas hubiéramos tenido que poner una nota individual con las indicaciones de la obra, habríamos
atiborrado la página. Sin embargo, este sistema sólo funciona bajo ciertas condiciones: que se trate de una bibliografía moderna
(no se acostumbra a citar un libro de Aristóteles según el año de publicación) y que se trate de una bibliografía científico-erudita
(no se acostumbra decir «Borges, 1944» para indicar Ficciones. Si un paper satisface estas estas condiciones y responde a estos
límites, entonces el sistema autor-fecha es el más aconsejable.
Todos estos ejemplos son muestra del criterio de tomar la fuente de acceso, es decir aquella que el investigador consultó
concretamente, y no -necesariamente- la fuente original. Así, por ejemplo, si bien la edición de Monserrat (1987), Muguerza
(1971) y Quintanilla (1976) podrían se las originales (castellanas), con seguridad que la edición original de Kuhn (1971), en caso de
tratarse de La estructura de las revoluciones científicas, o la mencionada de Einstein & Infeld (1939) no son las castellanas sino que
fueron publicadas en inglés, en 1962 y 1938 respectivamente.
El otro criterio más ajustado es tomar principalmente en cuenta la fuente original y, además, mencionar la fuente de acceso. Esta
38 Albert Einstein & Leopold Infeld, La física, aventura del pensamiento (Buenos Aires: Losada, 1939), p. 252.
39 Thomas A. Sebeok, A sign is just a sign (Bloomington: Indiana University Press, 1991), p. 72.
40 Sebeok, op. cit., pp. 12, 143. Véase además: American signatures (Norman: University of Oklahoma Press, 1991), p. 26, y
Semiotics in the United States (Bloomington: Indiana University Press, 1991), p. 13.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
39
página 39 de 54
posibilidad es la que ofrece más precisión y mayor cantidad de información. Se da prioridad a las primeras ediciones o a las fechas
originales de producción de un texto.
3.2.3. Referencias bibliográficas
La lista se hace por orden alfabético a partir de los apellidos de los autores. Apellido con mayúsculas, coma, y luego
el nombre con minúsculas. Si los autores son varios, solamente el primero se escribe en orden invertido, es decir,
apellido primero y nombre después. Esto se hace simplemente para el ordenamiento alfabético, de manera que no
tiene sentido hacerlo también para los restantes autores, los que van por nombre primero y apellido después. Si de
un mismo autor se lista más de una obra dentro del mismo año, las subsiguientes a la primera se identifican con el
agregado de una letra por orden alfabético (ej. 1974, 1974a, 1974b, etc.).
Luego va el año de publicación. Este debe corresponder —por una cuestión de documentación histórica— al año de
la edición original, en el idioma que sea. Esto se cumple, aunque la fuente utilizada concretamente sea una edición
posterior ya traducida, lo cual -luego- se indica.
Luego se escribe el título de la obra, en el idioma original, y los datos de edición. Si se trata de un libro, el título va
en cursivas. Si se usa una edición ya traducida, se colocan en primer lugar todos los datos de la edición original y no
de la traducción. Luego se aclara que se utilizó la traducción castellana (o cualquier otra), con el nombre del
traductor y a continuación todos los datos de dicha edición traducida. El lugar (la ciudad, pero jamás el país) de
publicación y la editorial suelen colocarse entre paréntesis; primero va la ciudad (si no es muy conocida o si hay
varias con el mismo nombre, se aclara la provincia o el estado al que pertenece) y a continuación, generalmente
separada por dos puntos, la editorial. Si la edición utilizada no es la original, luego de la editorial va el año
correspondiente. Obsérvese los siguientes ejemplos:
KERBRAT-ORECCHIONI, Catherine
1970. L’énonciation. De la subjectivité dans le langage (Paris: Armand Colin). Traducción castellana de Gladys Anfora y
Emma Gregores, La enunciación: de la subjetividad en el lenguaje (Buenos Aires: Hachette, 1985).
MAGARIÑOS DE MORENTIN, Juan Ángel

1984. Del caos al lenguaje (Buenos Aires: Tres Tiempos).
1984a. El mensaje publicitario (Buenos Aires: Hachette).
NICOLLE, Jacques
1957. La symétrie (Paris: Presses Universitaires de France). Traducción castellana de Rodolfo Alonso, La simetría
(Buenos Aires: Compañía General Fabril Editora, 1961).
Si se trata de un artículo aparecido en una revista o en un periódico, el título del artículo va en caracteres normales
regulares y “entre dobles comillas”. Luego de una coma va el nombre de la revista o periódico en cursivas, el
volumen y/o número, la fecha (si corresponde), excluyendo el año (que ya figura con anterioridad), y finalmente los
números de páginas correspondientes al artículo separados por un guión. Por ejemplo:
UNGER, Gerard
1979. “The design of a typeface”, Visible Language, Vol. XIII, No. 2, Cleveland, pp.134-149
BOHM, David.
1968. "On creativity", Leonardo 1, pp.137-49.
Si se trata de un artículo publicado en una antología o compilación, el título del artículo va en caracteres normales y
entre dobles comillas. Luego de una coma va la palabra en y el nombre del libro (subrayado o en cursiva), otra coma
y el nombre del compilador, editor, o de quien está al cuidado de la edición. Luego, como en el caso de un libro, la
ciudad y editorial, pero al final se agregan las páginas que ocupa el artículo. Ejemplo:
KINDERSLEY, David
1960. “Motorway sign lettering. Traffic Engineering and Control”, 1960; 2: 463–5, en Moore, R L, & Christie, A W,
Research on Traffic Signs. Proceedings of Conference on Engineering for Traffic (London: Printer Hall Ltd., 1963) pp.113-
123.
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
40
página 40 de 54
LOEB, Arthur L.
1966. “The architecture of crystals”, en Module, proportion, symmetry, rhythm, ed. Gyorgy Kepes (Nueva York: George
Braziller), pp.38-63.
Si lo que se cita no es una parte de la antología, sino todo el libro, entonces se pone como autor al compilador o
editor, aclarándolo. Así para el caso anterior sería:
MOORE, R.L., & A.W. Christie, eds.

1963. Research on Traffic Signs. Proceedings of Conference on Engineering for Traffic (London: Printer Hall Ltd.)
KEPES, Gyorgy, ed.

1966. Module, proportion, symmetry, rhythm (Nueva York: George Braziller).
Si se trata de una ponencia publicada en las actas de un congreso, el modelo es similar, pero se incluye el lugar y
fecha en que se realizó el congreso.
3.2.4. Envíos
En el sistema autor-fecha, los envíos a la bibliografía se hacen mediante el nombre del autor seguido de coma y del
año de publicación. Luego dos puntos (hay quienes utilizan coma) y el número de página, todo entre paréntesis. En
ocasiones, el apellido del autor antecede el paréntesis. En ocasiones, como Lester (1987: p.212), suele resultar
apropiado colocar el nombre del autor fuera del paréntesis para que el discurso resulte fluido. En ocasiones, si
fuese necesario, entre la fecha y el paginado se incluyen datos de sección, capítulo y/o parágrafo en el siguiente
modo: (Lester, 1987: I.2.c., p.212),
Cuando se cita de una edición que no es la original, en el envío se agrega el año de esta edición y los números de
página entre corchetes, tal como se podría ocurrir en el ejemplo anterior si su autor hubiera escrito en inglés y los
datos de página estuvieran tomados de la traducción española: (Lester, 1987: I.2.c., [p.212]).
3.2.5. Sin embargo, subsisten las notas en el sistema autor-fecha
En el sistema autor-fecha, las notas (al pie, al final del libro, o al final del capítulo) pueden emplearse cuando se
quiere ampliar un concepto o agregar un comentario sin que esto apelmace la continuidad discursiva o si se quiere
enviar a lecturas adicionales sobre un tema. No se utilizarán ya las notas para colocar en ellas la bibliografía
utilizada. Salvo como referencia de una cita tomada de una fuente que es significativamente ajena a la bibliografía
de nuestro paper.
Los envíos a notas, como dijimos arriba, se indican en el texto por medio de un número o asterisco entre corchetes
o un superíndice sin dejar espacio a continuación de la palabra correspondiente. En caso de haber cualquier signo
de puntuación (.,:;)]?!), el número va luego y jamás antes del signo. Cada nota se ubica al pie de la página donde se
encuentra el envío, o bien se agrupan todas juntas al final del artículo, antes de la bibliografía.
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS (ahora, reales)
BRINGHURST, Robert
1992. Elements of typographic style, (Vancouver: Hartley & Marks). Traducción castellana de Márgara Averbach
(Méjico: FCE, 2008)
ECO, Umberto
1977. Come si fa una tesi di laurea (Milano: Tascabili Bompiani). Traducción castellana de L. Baranda y A. Clavería
Ibáñez, Cómo se hace una tesis (Barcelona: Gedisa, 1988).
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
41
página 41 de 54
Guías de estudio
…de más de 200 preguntas, indicadas para cada uno de los diversos encuentros
Clase 1. Signo (+imagen +metasemiótica)

1.1. (pp.23-1140). Excepto 1.1.3.4. (pp.54-66) y 1.1.2.A (pp.47-50)
Sobre una ciencia general de los signos

1) Tomamos como objeto ciertas creencias acerca del arte. ¿Cuáles? ¿Cómo son y qué efectos tienen?
2) ¿Qué preguntas convoca la cuestión del rol que cumplen o podrían cumplir las artes en las sociedades
actuales?
3) Según lo que decimos en esta Introducción ¿Cómo debería ser un especialista universitario en bellas
artes?
4) Según lo que se infiere de esta Introducción ¿Cómo piensa el arte el mencionado Pierre Bourdieu?
¿Qué supone que es –según lo poco que se dice- el arte o cómo funciona?
5) ¿A qué llamamos buen consumidor o heroico reproductor del dogma del arte?
6) ¿Por qué decimos que las obras de artes son signos o textos?
7) ¿Por qué las obras de arte, en cuanto signos, implicarían una contravención de la norma establecida?
8) ¿Qué es la lengua y qué el habla en lingüística?
9) ¿Qué quiere decir que una lengua es un sistema de valores y no una nomenclatura?
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
42
página 42 de 54
10) ¿Qué significa que lo definitorio del habla (lingüística) es su aspecto combinatorio? ¿Por qué otras
“hablas” semiológicas generales no serían combinatorias?
11) ¿Cuáles son las diferencias principales entre las dialécticas lengua-habla en lingüística y en
semiología general?
12) ¿Cómo es el signo lingüístico? ¿Qué cosa designan las nociones de significante y significado? ¿Por
qué son ambos, asuntos psicológicos?
13) ¿Cuáles son las propiedades del signo lingüístico?
14) ¿Qué es el valor lingüístico? ¿Por qué dicha noción parece ser asunto propio de la “economía”?
15) ¿Por qué la noción de valor despsicologiza la noción de signo?
16) ¿Qué significa que en la lengua no hay más que oposciones?
17) ¿Qué significa que nada es distinto antes de la lengua?
18) ¿Qué es la función semiótica? ¿En qué consisten sus diversos estratos?
19) ¿En qué sentido la noción de valor lingüístico anticipa la de función semiótica?
20) ¿En qué sentido la noción de función semiótica hace posible o propicia una semiótica general?
21) ¿Es la lengua un sistema modelador primario? ¿Si, no, por qué?
22) En perspectiva semiológica general, ¿cómo sería la función semiótica de la obra de bellas artes?
23) ¿Cuáles y cómo son los dos ejes relacionales del lenguaje?
24) ¿Cómo cambian las relaciones sintagmáticas y paradigmáticas entre el lenguaje y los signos
semiológico generales?
25) ¿Qué son semióticas bi-planares? ¿Qué son semióticas connotacionales? ¿Qué son metasemióticas?
Sobre las imágenes

26) ¿Cómo se da, básicamente, la relación denotación-connotación en las imágenes visuales? ¿Cuál es la
relación entre ícono y símbolo en la imagen?
27) ¿Qué dice Barthes respecto de la denotación de la imagen, sobre todo de la fotografía?
28) ¿Qué es la paradoja de la imagen o la paradoja fotográfica?
29) ¿Cuál es la crítica del joven Umberto Eco al modelo de imagen visual de Roland Barthes y a la idea de
la denotación icónica?
30) ¿Es la imagen doblemente articulada? ¿Debe serlo para ser reconocida como signo?
31) ¿Cómo se llaman los elementos de primera y de segunda articulación en la imagen visual?
32) ¿Cómo formula Tomás Maldonado su defensa de la iconicidad?
33) ¿Qué es la semejanza cuantitativa? ¿Cómo se relaciona esto con la indicialidad?
34) ¿Qué se dice en 1.1.4.5. sobre la noción de invención (Eco)?
35) ¿La imagen (como ícono, y además sus facetas indiciales) qué sugerencias depara para abordar el
problema del referente (y del contacto del signo con el mundo)?
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
43
página 43 de 54
Sobre el giro metasemiótico en las artes
36) ¿A qué llamamos el giro metasemiótico de las artes? (o: ¿desempeño analítico del arte moderno?)
37) ¿Por qué el arte moderno sería sucesor directo del criticismo filosófico del siglo XVIII (Kant)? ¿A qué
llamamos aquí arte moderno?
38) ¿En qué consiste la tarea –de G. Seurat- de descubrir las unidades invariantes de un supuesto código
pictórico? ¿Cómo se expresa esto en función del concepto de una articulación doble?
39) ¿Cuál sería el inconveniente o la dificultad para que la pintura sea objeto (metasemiótico) de sí
misma? (R. Carnap)
40) ¿En qué consisten los conceptos de superficie (peinture) y cuadro-representación (tableau)?
41) ¿En qué consiste la tarea –de P. Cézanne- de descubrir las unidades invariantes de un supuesto
código pictórico? ¿Cómo se expresa esto en función del concepto de una articulación doble?
42) ¿Cómo se resuelve la tensión de superficie y representación en el cubismo?
43) ¿En qué sentido es metasemiótico el principio collage?
44) ¿En qué sentido es metasemiótico el ready-made?
45) ¿Cómo es la operación metasemiótica del hiperrealismo? ¿Cuál es la diferencia con la obra de
artistas como Yves Klein, George Segal o Phillipe Pearlstein?
46) ¿Cómo Magritte plantea radicalmente la cuestión del ilusionismo pictórico?
47) ¿Por qué hablamos de una línea anicónica? ¿En qué consiste? ¿Por qué hablamos de una
“reducción”?
48) ¿En qué consiste la operación metasemiótica de K. Malevitch, A. Reinhardt y el arte mínimo?
49) ¿En qué consiste la operación metasemiótica (axiomática) de De Stijl, Th. Van Doesburg, G.
Vantogerloo, M. Bill y S. LeWitt?
50) ¿En qué consiste la operación metasemiótica de L. Moholy Nagy y J. Albers?
51) ¿En qué consiste la operación metasemiótica de la “abstracción” postpictórica?
52) ¿En qué consiste la operación metasemiótica del arte conceptual?
Clase 2. Signo, texto & realidad

1.2. (pp.141-168) + 1.1.2.A. (pp.47-50). Opcional: 1.1.2.B (pp.168-176)
Sobre las teorías textuales

53) ¿Por qué una teoría del texto y no ya una semiología general? ¿En qué se diferencia el signo del
texto?
54) ¿Qué es el co-texto y qué la circunstancia de enunciación?
55) ¿Cómo es el modelo triádico de Charles S. Peirce? ¿Cuál es la razón por la que hay un elemento más
que en el signo bifásico estructuralista?
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
44
página 44 de 54
56) ¿Qué es el interpretante y qué la semiosis ilimitada?
57) ¿Por qué hablamos de la variedad de interpretantes?
58) ¿Se refieren los signos a las cosas? ¿el objeto dinámico o mediato, es la cosa misma, el continuum?
59) ¿Qué es no ser ingenuamente una cosa (el OD) pero ser una prescripción para realizar operaciones
exitosas en el mundo?
60) ¿A qué llamamos enciclopedia (como precepto operativo)?
61) ¿Qué es la interrupción pragmática de la semiosis ilimitada y qué el interpretante final? ¿Cómo
actúa el contexto (co-texto y circunstancia) en esta interrupción?
Sobre la interpretación del mundo como texto

62) ¿Qué es la abducción? ¿Cuáles son los dos procedimientos abductivos?
63) ¿Por qué la abducción se relaciona con la interpretación, sobre todo, de la obra de arte auténtica?
64) ¿Cómo se clasifican los tipos de producción semiótica según el tipo de trabajo que se realiza?
65) ¿Cuál es la diferencia entre ratio facilis y ratio difficilis?
66) ¿En qué consisten los signos de reconocimiento, de ostensión, de reproducción de unidades y de
estilización?
67) ¿Qué es la invención, tanto moderada como radicalizada?
68) ¿Cómo es la invención en la imagen (en las cercanías de la percepción visual)?
69) ¿Cómo es la invención en la obra de arte auténtica (en las cercanías de nuevas formas de
comprender la realidad)? ¿Por qué la invención es el modelo de obra de arte auténtica?
70) Coteje las definiciones de invención del capítulo 1.2.3.1. con las de las páginas 319, 332 (nota 29) y
342 (nota 37).
71) ¿Cuál es la diferencia entre el uso y la interpretación de un texto? ¿Cuál es la diferencia entre una
interpretación semántica (semiósica) y una interpretación crítica (semiótica)?
3. Arte & signo (función poética + invención)

1.1.3.4. (pp.54-66) + 1.2.3. (pp.177-196). Excepto 1.2.2.B. (pp.168-176)
Sobre los signos artísticos y/o poéticos

72) ¿Qué características particulares tiene la biaxialidad de la obra de arte?
73) ¿En qué consiste la función artística (en realidad estética o poética) según Jakobson y sus
seguidores?
74) ¿Qué es el principio de equivalencia entre ejes del que habla Jakobson? ¿Cómo interpretan esto
Umberto Eco y Siegfred Schmidt?
Preguntas relacionadas, que merece la pena volver a considerarlas:

Repite 7) ¿Por qué las obras de arte, en cuanto signos, implicarían una contravención de la norma
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
45
página 45 de 54
Repite 22) En perspectiva semiológica general, ¿cómo sería la función semiótica de la obra de bellas artes?
Repite 34) ¿Qué se dice en 1.1.4.5. sobre la noción de invención (Eco)?
Repite 63) ¿Por qué la abducción se relaciona con la interpretación, sobre todo, de la obra de arte auténtica?
Repite 67) ¿Qué es la invención, tanto moderada como radicalizada?
Repite 69) ¿Cómo es la invención en la obra de arte auténtica (en las cercanías de nuevas formas de comprender la
realidad)? ¿Por qué la invención es el modelo de obra de arte auténtica?
3. Discurso y sociología del arte

1.3. + (pp.197-253)
Sobre los signos artísticos y sus efectos

74) ¿Qué idea opone Michel Foucault a la verdad muda socrática?
75) ¿De qué tres o cuatro maneras definimos la noción de discurso?
76) ¿Cómo propone Eliseo Verón “leer” el discurso? ¿Levantando huellas de qué?
77) ¿Qué implicancias tiene no refutar la creencia o noción “clásica” de comunicación?
78) ¿Qué significa que el análisis no deberá enfocar los signos codificados según los sistemas (simbólicos
[reproducciones y estilizaciones]) operantes sino, más bien las huellas (indiciales [o invenciones]) de la
organización sociocultural en las que se enraíza el discurso.?
79) ¿Qué estudia una teoría de la enunciación? ¿En qué se diferencian las que son más formalistas de las
que son más empíricas?
80) ¿Qué significan los conceptos de deixis y de anáfora? ¿A qué llamamos deícticos, en qué se
emparientan a los índices y a las invenciones?
81) ¿Cuáles son los cuatro participantes (o las cuatro subjetividades) del discurso?
82) ¿En qué espacios se mueven y actúan dichas subjetividades?
83) ¿Qué significa que a un sujeto solo lo podemos conocer por su discurso, que su identidad está hecha
por el discurso?
84) ¿En qué factores y condicionantes piensa el autor empírico a la hora de decidir y dar forma a la
puesta en escena discursiva? ¿Qué hace para crear o fortalecer su identidad?
85) ¿Cómo es la típica puesta en escena de la obra de arte? ¿La relación entre autores empíricos y
textuales es de transparencia o de opacidad? ¿Por qué la obra de arte se parece a una súplica?
86) ¿Qué condicionantes operan en ambos espacios o circuitos? ¿Cómo interviene en esto el género
discursivo?
87) ¿Qué es un género discursivo? ¿Qué aportó Mijail Bajtín a la comprensión de dicha noción?
88) ¿Por qué tanto empeño en resistirse al conocimiento científico corriente del arte? ¿Qué dice Pierre
Bourdieu al respecto? ¿Qué sería una ciencia corriente?
89) ¿Qué dicen Bourdieu, Goethe y Kant a los defensores de lo incognoscible?
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
46
página 46 de 54
90) ¿Qué dice Pierre Bourdieu del tipo de economía que caracteriza a las artes y a otros bienes
simbólicos?
91) ¿Qué significa que Bourdieu propone tratar la obra de arte como un signo intencional habitado y
regulado por algo distinto, de lo cual también es síntoma (inintencional)?
92) ¿Por qué, para Bourdieu, el arte sería una colusión?
93) ¿En qué se parece el arte a la magia? ¿Por qué el saber sobre el arte sería un desconocimiento
colectivo colectivamente mantenido?
94) ¿Por qué el talento del artista, según Bourdieu, sería una impostura legítima?
95) ¿Qué sucede o qué se demuestra, según Bourdieu, cuando el artista, escribiendo su nombre en un
ready-made, o “realizando” una obra conceptual o apropiacionista le confiere al escombro real un
precio de mercado sin proporción con su costo o esfuerzo (inclusive mental) de fabricación?
96) ¿Por qué el arte es producto no del artista (figura carismática) sino de una enorme empresa
colectiva de alquimia simbólica?
97) ¿Qué es la ideología de la figura carismática del artista?
98) ¿Qué correspondería, según Bourdieu, a un desmontaje impío de la ficción artística? ¿Qué es una
visión esencialista de las obras de arte?
99) ¿Por qué según Bourdieu la ciencia corriente del arte está en pañales?
Sobre los signos artísticos y sus consensos

100) ¿Qué es la acción teleológica? ¿Y qué la acción estratégica? ¿Cómo se enjuician y valoran? ¿Por
qué las llamamos también de medios a fines?
101) ¿Qué es una acción enderezada por normas?
102) ¿Qué es una acción comunicativa u orientada al entendimiento?
103) ¿Cómo se dice, en estás páginas (pp.224-225), que actuaron los artistas modernos desde el 1500,
en relación a estos tipos de acciones?
104) ¿Es el entendimiento interesado?
105) ¿Son las obras de arte eslabones de procesos dialógicos de entendimiento? ¿Por qué? ¿Cómo?
106) ¿Qué significa que la propuesta de obras de arte va asociada a una pretensión de validez (que
puede ser asentida o rechazada)?
107) ¿Por qué tanto los cálculos egocéntricos de utilidad (en la acción teleológica y estratégica); como
un acuerdo de normas y valores regulados por la tradición (en la acción regulada por normas); como la
relación consensual y proceso cooperativo de interpretación de una situación del mundo que se ha
vuelto problemática (en la acción orientada al entendimiento), presuponen aún una estructura
teleológica común? ¿En qué sentido el concepto de acción comunicativa no prescinde de la estructura
teleológica fundamental de todo tipo de acción?
108) ¿Por qué la obra auténtica de arte podría ser un tipo de producción semiótica que vuelve
comprensible el mundo (o un aspecto o parte del mundo) de una manera inédita?
109) ¿Cómo se explican en 1.3.3.2. los procesos de entendimiento? ¿Qué significa que tales procesos de
entendimiento no tienen como meta una simple coincidencia puramente fáctica, sino que tienden a un
acuerdo que satisfaga las condiciones de un asentimiento -racionalmente motivado- al contenido de
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
47
página 47 de 54
una emisión? ¿Cómo sucedería esto por medio de las obras de arte?
110) Explique por qué, cuando el artista diseña una obra, propone, explica o expone algo como su obra,
busca una suerte de acuerdo con el fruente sobre la base de un posible reconocimiento de una
pretensión de verdad o validez.
111) ¿Qué sería ese inferencialismo del que habla Gerard Vilar? ¿Qué cosas lo condicionan o mejor, lo
desacreditan? (a dicho inferencialismo).
112) Observe el esquema de la p.232: ¿Con cuál de estos cuatro tipos de acción (comunicativa,
abiertamente estratégica, engaño consciente [manipulación] o engaño inconsciente [ideología]) con
cuerda la creación de una obra de arte visual?
113) ¿A qué llamamos una expresión realizativa? ¿Qué significa que toda acción constatativa o asertiva
va asociada a la preferencia de un verbo realizativo?
114) ¿A qué realizativo (inclusive verbal) se asociará la postulación de un artefacto como obra de arte?
115) ¿Qué es un acto ilocucionario y cómo constituye la base de toda posible comunicación simétrica?
116) ¿Qué significa la noción de esfera o espacio público?
117) ¿Cómo puede hacerse uso público de la razón; en qué se diferencia del uso privado?
118) ¿En qué sentido el uso publico (desinteresado) de la razón sólo podría hacerse a nombre propio
ante una comunidad ilimitada (universal)?
119) ¿Las obras de arte son parte de la razón pública o de la razón privada?
120) ¿En qué sentido es floja o poco convincente la tesis Kantiana de que, lo que escribe el sabio ante la
comunidad universal de lectores es uso publico de la razón? ¿Qué pasa con el lenguaje? ¿Cómo se
solucionaría este problema?
121) ¿En qué consiste un concepto dialógico de verdad? ¿En qué sentido Jürgen Habermas supera el
concepto de verdad de la vieja filosofía de la consciencia o del sujeto?
122) ¿Cómo podríamos redefinir en términos más actuales los dos tipos de intercambio que Kant pensó
como usos privado y público de la razón?
4. La era del arte

2.1. + 2.2. (pp.243-277)
Sobre la modernidad europea

123) ¿Qué significa el término moderno?
124) ¿Cuándo comienza la modernidad, al menos la modernidad temprana? ¿Cuándo emerge la idea
radical de modernidad?
125) ¿Por qué decimos que la modernidad es una época que formula gran cantidad de proyectos para
transformar positivamente la historia y la sociedad?
126) ¿Qué sucede con esos proyectos? ¿Qué es que los medios se independicen de los fines? ¿Qué
relación tiene esto con la refutación de la tesis clásica de Max Weber acerca de una relación directa
entre la racionalidad teleológica de las organizaciones y la racionalidad teleológica de cada uno de sus
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
48
página 48 de 54
miembros?
127) ¿Qué idea toma Habermas del neoconservador Daniel Bell, y para qué le sirve?
128) ¿En qué consiste la diferencia entre modernidad cultural (proyectos fracasados – fines manifiestos)
y modernización societal (procesos exitosos – medios liberados de sus fines)?
129) ¿Qué tres resultados de los proyectos artísticos podrían considerarse modernización societal?
130) ¿En qué consiste la tesis weberiana de la escisión de las esferas de valor experto a partir de una
original imagen religioso-metafísica de mundo?
131) ¿Cómo se combinan, a lo largo de la modernidad, los procesos de secularización y racionalización?
132) ¿Cómo se separan y cómo evolucionan cada una de las esferas y cuál es el resultado? ¿Cuál es el
resultado general del proceso de especialización?
133) ¿Qué es la capacidad de síntesis de la hermenéutica cotidiana?
134) ¿Qué es el proyecto de la ilustración y por qué, dice Habermas que es extravagante? ¿Qué
promete?
135) ¿Por qué puede decirse que la vanguardia es el momento de radicalización de lo moderno en el
arte?
136) ¿Cómo Habermas relata de manera harto simplificada la historia moderna de las artes?
137) ¿En qué sentido la vanguardia es un programa de negación de la cultura experta?
138) En este contexto de negación generalizada (que menciona Habermas como una negación de
cultura experta), ¿cuáles serían las dos vertientes principales de la vanguardia?
139) ¿Qué piensa Habermas que debe hacerse con la modernidad? ¿Es optimista o pesimista? ¿A
quiénes y por qué acusa de jóvenes conservadores?
Sobre la organización sensible de las obras de arte visual

140) ¿Qué significa que unas teorías artísticas hayan sido elaboradas ya inductivamente o bien
deductivamente? ¿Qué es la inducción y la deducción? (consulte esto último en otro lado, por ejemplo:
Wikipedia)
141) ¿Cómo dice Hans D. Junker que se determinó tradicionalmente la estructura artística? ¿Por qué
decimos que el modo de ser de la obra de arte es un modus estructural? ¿Qué significa decir que el valor
artístico debe comprenderse en la misma inmanencia (en el “en si”) de la obra? ¿Qué significa decir que
las partes de una obra lograda están integradas orgánicamente por la fuerza de la denotación icónica?
142) Explique la expresión de Gabriel Blanco (nuestro antecesor en la Cátedra, y nuestro ejemplo de
agudeza y honestidad intelectual).
143) ¿Por qué la obra de arte tradicional o aurática está constituida desde el modelo estructural
sintagmático: las partes y el todo forman una unidad dialéctica? ¿Por qué sintagmático?
144) ¿Qué implicancia tuvo para la integración de las partes la aparición o producción de obras de bellas
artes que ya no eran imágenes? ¿Se trató acaso de un giro hacia la subjetividad del artista?
145) ¿Cómo es el tipo de composición que resta o queda luego de la desaparición de la imagen?
146) ¿Cómo es el proceso en el que, además quedar tan sólo un ordenamiento sintáctico, los elementos
múltiples de éste comienzan asimismo a reducirse hasta casi su desaparición?
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
49
página 49 de 54
147) ¿En qué caso la integración ya no es integración y el todo no es más que la mera a acumulación
simétrica de las partes?
148) También en el informalismo de postguerra se reduce la estructura integral. ¿De qué manera?
149) ¿Cómo afecta el collage, de diversas maneras, al orden de la obra?
150) ¿A qué llamamos ambigüedad o indiscernibilidad entre arte y realidad?
151) ¿Cómo evoluciona la pura presentación de la realidad entre el ready-made, pasando por el objet-
trouvé, las acumulaciones de objetos, la acumulación de materiales y el comportamiento de los
materiales, hasta el happening y las acciones?
152) Según Junker. ¿Con qué han sido remplazados los artefactos ordenados icónicamente?
153) ¿Qué se pensó que pasaría (ya en el flanco político del arte) cuando se identificasen plenamente
arte y realidad, o cuando la ambigüedad arte-realidad sea total? ¿Sucedió lo esperado?
154) ¿Los artistas pop representan o reproducen la realidad? ¿Con qué efectos (por lo menos
metasemióticos)?
155) ¿En qué consiste la reducción máxima de la postpintura, el minimal art, el arte terrestre y el arte
conceptual?
156) ¿Qué puede decirse del éxito o del fracaso de la nueva relación arte-realidad adquirida por el arte a
lo largo del siglo veinte?
157) ¿Qué es que la obra de arte icónica sea una representación idealizadora de la realidad con efectos
afirmativos? ¿Qué significa que el gran arte se ha llevado bien con una realidad atroz?
158) Aparentemente la obra ya no sería, luego del proceso de reducción del orden, una representación
idealizadora de la realidad. En dicho contexto ¿Ha visto aumentarse su efectividad histórica o social?
¿Cómo es la nueva relación entre arte y realidad? ¿En qué aspectos es nueva yen cuáles no?
5. Racionalidad artística
2.3. (pp.277-295)
Sobre el carácter afirmativo del arte burgués

159) ¿Qué es que la obra de arte icónica sea una representación idealizadora de la realidad con efectos
afirmativos? ¿Qué significa que el gran arte se ha llevado bien con una realidad atroz?
160) ¿En qué sentido, los filósofos críticos atribuyen al arte burgués un papel compensador respecto al
cosmos reificado del siglo XIX? ¿Por qué Habermas sostiene que el arte media como defensa,
complemento y emancipación intramundana pero virtuales, circunscritos al momento fugaz del trato
cultivado con las obras y escindidos de la praxis cotidiana?
161) ¿Qué es ese desnivel de racionalización entre el arte y las demás esferas o ese componente
residual de lo sacro que se mantiene en el arte (que no se ha secularizado completamente) hasta el siglo
XIX? ¿Qué quiere decir que no se había secularizado completamente y por esto podía cumplir con la
función afirmativa denunciada por los filósofos críticos?
Sobre el tipo de racionalidad que caracterizó al arte y su desembrujamiento
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
50
página 50 de 54
162) ¿Qué sostiene Habermas sobre cómo pasan los intercambios comunicativos desde los patrones
heredados del medievo hacia procesos semióticos de entendimiento o formación de consenso? ¿Cómo
ocurre esto, por ejemplo, en el arte?
163) ¿Qué era entendimiento y acción comunicativa? Recordemos y resumamos lo que decimos al
respecto en p.279.
164) ¿Qué dice la última oración de la p.279 y las primeras de la p.280 al respecto de la relación de la
pretensión de verdad asociada a la presentación de una obra de arte y la evolución de la historia del
arte? ¿Qué es eso de que la historia del arte es una suerte de banco de pruebas? (como ya lo dijera
Rainer Rocklitz)
165) ¿Cómo es el cambio de coordinación de la acción –a lo largo de la modernidad- tanto en el arte

como en las demás esferas?
166) ¿Cuál es la secuencia de entendimiento, o racionalización o destrascendentalización de la esfera

del arte?
167) ¿Por qué hablamos –con Formaggio, Eco y Hegel- de mortal autoconsciencia del arte?
168) ¿En qué sentido Arthur Danto está diciendo que la producción artística misma fue más importante
que la filosofía estética para llegar a conocer (a un consenso sobre) lo que el arte es?
169) ¿Cómo el arte produce entendimiento filosófico de sí mismo? ¿Qué tiene que ver esto con Austin y
los actos semióticos ilocucionarios? ¿Qué hacía Duchamp según Danto?
170) La historia de las prácticas sucesivas del arte moderno, para nosotros y para Danto: ¿qué tipo de
proceso es? (cfr. p.283)
171) ¿Cómo entiende, básicamente, G.W.F Hegel el despliegue de la historia en tres fases de
reconciliación?
180) ¿Qué quiere decir que el arte sea –entre otros- un agente mediador de la realidad en dirección a su
autoconsciencia?
181) ¿Cómo divide G.W.F. Hegel la historia del arte? ¿En qué consiste y que características tiene en cada
período?
182) ¿Por qué sostiene que el arte griego clásico está en el centro de la historia del arte?
183) ¿En qué sentido la historia del arte posterior al clásico (digamos, el arte, desde el cristianismo) es la
búsqueda de su justificación y su razón de ser?
184) ¿Qué es el consenso sobre el carácter heteróclito de la noción de obra de arte? ¿Cómo se arriba a
este consenso o saber?
185) ¿Qué relación hay entre muerte y saber del arte?
186) ¿Por qué el arte es un asunto del pasado (según Hegel, Danto, etc.)?
187) ¿Qué es la autodestrucción verificante del arte por su propia mano? ¿Por qué no en manos de los
filósofos? ¿Cómo interviene en esto el componente ilocucionario de los actos semióticos?
188) ¿Qué significa que el tramo vacío entre aquello que es verdadero y aquello que para nosotros vale
como justificado o aceptable pudo reducirse en la pragmática del mundo del arte (tal como lo
imaginara, en algún sentido, Peirce, Habermas o Eco) mediante el tránsito racionalmente motivado
desde el discurso a la acción?
189) ¿Llegan los intercambios entre los sujetos de la esfera del arte (obras, comentarios, textos de
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
51
página 51 de 54
catálogos, críticas, lecturas, etc.) a un nivel de discusión pública, de consenso e intersubjetividad
suficiente? ¿Por qué razón?
190) ¿Una vez desencantada o secularizada por completo, la esfera autónoma del arte (una vez
descubierto, gracias a las obras producidas y a los filósofos críticos, que el arte es innecesario y libre)
carece éste ya del poder ideológico necesario para prometer felicidad o completitud de algún tipo como
lo hacía el arte simbólico de antaño? ¿Cómo es la falsa promesa del nuevo arte?
191) El mundo del arte una vez desencantado –tal vez- perdería las posibilidades estructurales que el
gradiente de lo sacro ofrecía para la formación de ideologías o para formular falsas promesas de
felicidad (hasta antes de la vanguardia). Luego, ¿cabría esperar que la instrumentalización de la
naturaleza humana (como lo pensaba Adorno) o la competencia y pugna entre integración sistémica y
social (como lo piensa lo Habermas) se manifestaran abiertamente dentro del mundo del arte?
192) ¿Cuál es el equivalente funcional de la formación de ideologías en una sociedad desembrujada

como la actual? ¿Cómo sucede esto dentro del fenómeno arte?
193) ¿Qué significa decir que en las sociedades tardomodernas, las bellas artes distribuyen artisticidad
de un modo “desmundanizado”?
194) ¿A qué llamamos en 2.3.4. coacciones sistémicas? ¿A qué llamamos medios de comunicación
deslingüistizados?
195) Hasta la vanguardia, la historia del arte autónomo es la historia de su autoconocimiento (su
autoconsciencia o metasemiosis) como proceso de entendimiento (además de aceptación de reglas y
comportamiento estratégico interesado). Luego de la vanguardia... ¿qué sucede con el entendimiento?
¿Acaso sólo queda el comportamiento estratégico interesado?
6. Teoría crítica
3.1. + 3.2.1. + 3.2.2. (pp.295-324)
Sobre la crítica de la razón instrumental

196) ¿Qué dice el punto 3.1.1.1. de la institución arte?
197) ¿Qué se dice sobre las tesis centrales de Dialéctica de la ilustración (Adorno y Horkheimer, 1944)?
198) ¿Qué es la razón instrumental y qué la identificación o el pensamiento identificante? (inclusive en

3.1.1.3.) En esto, Adorno ¿coincide o se enfrenta al Foucault de El orden del discurso (1972)?
199) ¿Qué se dice de la mímesis en 3.1.1.2.?
200) ¿Qué significa decir que los autores de Dialéctica de la ilustración (Adorno y Horkheimer, 1944)
ampliaron o retrotrajeron el proceso de reificación en comparación con Max Weber?
201) ¿Por qué se aplaza la revolución y qué es la sociedad de masas?
202) ¿Por qué el arte sería una razón sin dominio?
203) ¿Por qué puede decirse que el arte es una formación ideológica que hace posible la manipulación y
la apropiación de un cierto poder ilegítimo? (en 3.1.1.4.)
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
52
página 52 de 54
7. Teoría de la vanguardia
3.2.3. + 3.2.4. + 3.2.5. + 3.2.6. (pp.324-372). Excepto 3.2.3.4. (pp.335-340) y 3.2.4.E (p.354-362)
Sobre la religión artística y su crítica.

204) ¿Cuáles son las diferencias principales entre una ciencia hermenéutica y una ciencia crítica?
205) ¿Por qué el modelo marxiano de crítica a la religión es aplicable a los procesos y productos
artísticos? ¿Por qué a los productos artísticos auráticos? Pero también,... ¿por qué a los productos
artísticos posauráticos?
206) En nota 17 (p.316). ¿Qué dice Max weber del surgimiento de las grandes religiones?
207) ¿Qué es la ideología para el creyente? Tanto la ideología de la religión como su sucedánea, la
ideología del arte.
208) ¿Qué es la ideología para el crítico? Tanto la ideología de la religión como su sucedánea, la del arte.
209) ¿Por qué la ideología no es simple o puramente un engaño?
210) ¿La obra de arte es, para el consumidor de la ideología del arte (para el creyente) un signo de qué
tipo?
211) ¿La obra de arte es, para el no creyente en el arte, para el crítico de su ideología, un signo de qué
tipo?
212) ¿Por qué el arte posaurático, que ya no es una representación idealizada de la realidad, es
igualmente ideológico?
213) ¿Por qué decimos que toda obra de arte auténtico es una invención (mimética) o un trozo de
realidad que plantea una pretensión de reconocimiento en tanto que forma de comunicación y
entendimiento?
214) ¿Qué implica decir que, con la vanguardia, el sistema artístico alcanza su estado de
autoconsciencia?
Sobre la autonomía del arte

215) ¿A qué cosa le llama Peter Bürger esteticismo, y cómo impulsa o hace posible la vanguardia?
216) ¿Cómo reconstruye Bürger el proceso de autonomía del arte?
217) ¿Por qué razón no es autónomo? ¿En qué comienza a serlo el arte del renacimiento?
218) ¿En qué aspectos es autónomo y en cuales no, el arte cortesano?
219) ¿Qué pasa con el arte del siglo XIX en materia de autonomía? ¿En qué sentido habría dos tipos de
arte burgués?
Sobre el fin del arte y sobre el arte avanzado

220) ¿Qué tres tipos de muerte del arte menciona Gianni Vattimo?
221) ¿Cómo niega la vanguardia, en cada una de las subcategorías producción, recepción y finalidad, la
autonomía del arte?
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
53
página 53 de 54
222) ¿La neovanguardia es vanguardia auténtica o industria cultural de segunda mano? (en 3.2.2.; 3.2.3.
y 3.2.4.)
223) ¿Cómo definiríamos el concepto de arte avanzado? (p.338)
224) Comente y aclare la expresión de Benjamin Buchloh: “Lo mínimo que espero del arte es que se
responsabilice de las afirmaciones de carácter mítico, una condición muy extendida en la cultura…”
Sobre las anti-obras auténticas y sobre el kitsch

225) ¿Qué implicancias tiene la afirmación de Theodor W. Adorno en Filosofía de la nueva música (1949)
respecto de que… “las únicas obras que cuentan actualmente son aquellas que ya no son obras.”? ¿Qué
implicancias tiene en lo que se tiene por crisis de la categoría de obra de arte?
226) ¿En qué sentido se dice que una representación orgánica o “viva” es sin mediaciones?
227) ¿En qué consiste la superstición tradicional de las bellas artes? (3.2.4.1.)
228) ¿Existen manifestaciones (obras) de un alto grado de inorganicidad pero conducidas y motivadas
por aspiraciones artístico-institucionales de orden empírico? ¿Cuál es la razón por la que llegaran a ser
reconocidas o valoradas como obras?
229) ¿En qué se oponen el símbolo estético de la alegoría? Según lo que decimos en 3.2.4.1.
230) ¿Qué es el modernismo domesticado o estilizado?
231) ¿Según 3.2.4.1., en qué se diferencia la vanguardia heroica del silencio neovanguardista?
232) ¿Qué habría pasado en el último siglo y medio con el dominio de aplicabilidad (el denotatum o
designatum, o Bedeutung) del concepto obra de arte? ¿Cómo esto influye en la historia del arte? ¿en su
fin y en la posibilidad de que siga produciéndose un arte avanzado?
233) ¿En qué sentido las nociones de montaje y alegoría sirven para dar cuenta del arte posaurático?
¿En qué se diferencian dichas nociones?
234) ¿A qué se refiere Bürger con la expresión recepción sintagmática? ¿Cómo el montaje la impide?
¿Qué pasa con el shock?
235) Resuma en una o dos oraciones los aspectos más importantes de las lecturas sobre los resultados
de las vanguardias para el arte futuro.
Fernando Fraenza & Nicolás Yovino

2020 pgda
IF-2022-00334564-UNC-DDG#FA
54
página 54 de 54

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2016 - Problemática General del Arte

Date: 2022.05.09 13:25:48 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:25:54 -03'00'

Carrera/s: Licencia tura en ARTES VISUALES Plan 2014
y Profesorado en Educación Plástica y Visual
Asignatura: PLÁSTICA EXPERIMENTAL
Anual
Equipo Docente:
- Profesores
Prof. Titular: Mariana del Val
Prof. Adjunto: Hernán Bula
Prof. Adscripto: Luz Novillo Corvalán
Ayudantes alumno: Eugenia Pérez, Ángeles Torino
Turno único: martes de 14 a 17 hs. Aula C. Cepia
Horario de atención: martes de 17 a 19 hs y jueves de 11 a 13 hs.
Turnos rotativos territoriales de lunes a sábado 2 hs.
Comunicación con los alumnos: aula virtual de la cátedra.
Anual.
PROGRAMA

Damos comienzo en 2020 con nuestras prácticas artísticas y académicas bajo
circunstancias absolutamente diferentes a las previstas por nosotros e impensables
hasta hace muy poco tiempo, esta realidad nos obliga por razones de salud y cuidados
ciudadanos a proponer cambios estructurales en el dictado anual de la materia.
Pensamos que las instalaciones, activismos, e intercambios se harán de un modo virtual
o teórico según sea posible en el transcurso del año. Advertimos que nuestra conciencia
de artistas no nos aleja de los acontecimientos que nos rodean, así como nos pone ante
el desafío de ingeniar para poder transitar los recorridos de una u otra manera apelando
a nuestros alcances tecnológicos y virtuales.
Los parámetros de la modernidad definían “cultura” como un conjunto articulado de
teorías explicitas y saberes tácitos, mediados por instituciones, con formas de
objetividad y prácticas que pensaba las obras como objetos para ser contemplados y
admirados por un espectador silencioso (lo que Foucault denomina el campo
disciplinar).La contemporaneidad traza sus parámetros desde muy diversos lugares. Por
un lado, las modificaciones que ha sufrido la institución “arte”, en los modos de
organizarse, circular y legitimar las obras artísticas. Por otro, un proceso expansivo que
amplía el mundo del arte en sus modos de producción. Los nuevos parámetros de
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 10
exhibición (documentas, bienales, mass media, redes sociales, entre otros) ofrecen
nuevas oportunidad de producción, comunicación, exposición y análisis. En tanto que
los modos de producción sufrieron cambios que se traducen en obras de bordes
abiertos1, difícilmente encasillables bajo parámetros de configuración moderna. El tipo
de obras que se proponen en esta materia suponen articulaciones, o modos de vida
social artificial2que abordan saberes, recuperan rituales, prácticas y situaciones
inesperadas, traduciéndose en experiencias colectivas y multidisciplinares. La
perspectiva del arte contemporáneo donde se inscribe esta práctica está basada en
conceptos de estética relacional y las nociones de post-diciplinariedad. Este tipo de
prácticas en las que lo estético y lo sensible se moviliza en torno a las experiencias. A
partir de estos planteos se va configurando un nuevo régimen estético en el que autores
como Jacques Ranciere, Reinaldo Laddaga o Nicolás Bourriaud, comienzan a analizar
ciertas prácticas desplazadas de las habituales en el campo del arte.
Las prácticas territoriales se definen como estados de encuentro en el que se
promueven diversas acciones alejadas muchas veces de objetos o producciones
materiales más bien emparentadas con búsquedas estéticas y sensibles. Laddaga
denomina a estos encuentros como fragmentos de ficción, habla de “ecologías
culturales”, son pequeñas comunidades experimentales que, mediante procesos
abiertos y cooperativos, habitan espacios creativos comunes (Laddaga 3). En estos
fragmentos de ficción, un grupo se propone experimentar una posibilidad de
coexistencia, de convivencia, por un tiempo acotado y transitar una experiencia de
producción y debate estético.
Para pensar la producción, hablamos de desplazamientos y de ciertos cambios de
paradigma, como el cambio de concepción de roles de artista y espectador, tal como lo
definían los procesos artísticos de la modernidad, el artista se transforma en mediador
de una comunidad, un programador, puede funcionar como facilitador de procesos
creativos, en las que un grupo de personas trabajará formas no siempre identificables,
sonidos, encuentros, emociones, palabras, o capitalizarse simplemente en experiencias
esporádicas irrepetibles, o a producir encuentros con otras agrupaciones y
comunidades. El espectador se transforma en un sujeto activo que forma parte de la
comunidad productiva, su participación es central, no periférica. Para Ranciere no se
trata de emancipar al espectador, sino de reconocer su actividad de interpretación
activa, y por qué no, participativa. Reconocer para conceder importancia al proceso y no
sólo al resultado, abandonar concepciones de autoría y su desplazamiento hacia
nociones múltiples y diversas que circulan en espacios y con métodos alternativos
define estas estéticas comunitarias.
Esta propuesta pedagógica no solo recupera espacios de trabajo grupal sino que se
plantea como un juego, en el que los procesos se van articulando y analizando a medida
que se construyen.
Este espacio curricular plantea momentos de planeamiento, producción y análisis con
metodologías que promueven debates, articulan acciones y las ponen en dialogo con
1
Categoría propuesta por Reinaldo Laddaga, que hace alusión a personas reales pero con situaciones
creadas
2
Laddaga, Reinaldo. Estética de la emergencia. Adriana Hidalgo. Bs As. 2010.
3
Laddaga, Reinaldo. Estética de la emergencia. Adriana Hidalgo. 2010
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 10
autores que reflexionan sobre producciones situadas en experiencias, para poder
inscribirlas en un contexto.
Plástica Experimental se ubica en tercer año, común a todas las áreas, anual y con una
carga horaria de cursado y otra de práctica.
2- Objetivos
Que el alumnos sea capaz de
- Pensar a partir de los postulados de la materia que existen otro tipo de
producciones artísticas no solo por las tecnologías que incorporan sino por los
contenidos que abordan.
- Ampliar la conciencia estética de producción objetual a la producción de sentido.
- Proponer prácticas artísticas cuya esencia sea el diseño de dispositivos que
promuevan relaciones entre sujetos.
- Habitar el espacio público como escenario de acción y producción.
- Abordar el trabajo en equipo como un modo de producción y análisis.
3- Núcleos temáticos
- Núcleo 1- el objeto artístico, sus derivaciones de artefacto (evocado y
evocable) y la incorporación del espectador como constructor de sentido.
La reestructuración del mundo artístico del ready made al objeto surrealista con sus
preguntas sobre ¿qué es arte? Y sus nociones de autoría, y sus preguntas a cerca de
la legitimación, a sus desplazamientos de: manipulación, cuerpo y acción.
- Trabajo práctico Nº1- El objeto en el mundo del arte. Sus búsquedas estéticas en
el mundo del arte. La negación de los estilos convencionales. El artefacto y sus
implicancias estéticas.
- Trabajo práctico Nº2- El objeto como inventor de conexiones. Objetos

manipulables, experimentales. Adentro afuera, manipulación, cuerpo y acción.
- Trabajo práctico Nº3.- El registro audio visual como modo de transmisión y

exploración de experiencias.
- Bibliografia obligatoria
- Barthes, Roland. Lo obvio y lo obtuso. Imagenes, gestos, voces. Paidós

Comunicación. Barcelona 1986.
- LLovet, Jordi. Ideología y metodología del diseño. Gustavo Gili. 1979.
- Núcleo 2- Lo político y lo comunitario en el espacio público. Intervenciones

urbanas de mínima repercusión.
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 10
Las urbanizaciones dieron lugar a los grandes intercambios sociales, manifestaciones,
conflictos, protestas, procesos instituyentes. Asistimos a una época interconectada
permanentemente con aumento de la movilidad, aumento de las comunicaciones y
conexión de sitios aislados, así como transdiciplinar, con vertiginosos cambios estéticos,
culturales y políticos; proponemos pensar el espacio público para habitar la producción
artística como pequeñas interferencias programadas, sin recurrir a la producción
objetual, apelando a recursos devenidos de prácticas performáticas y poéticas, pensadas
y diseñadas en forma grupal.
Trabajo práctico Nº 4- El cuerpo y el espacio

El lenguaje y el gesto. Cuerpo, gesto, imagen. Habitar el espacio como reconocimiento
corporal. Acciones performáticas en el espacio áulico como modos de producción
artística alejadas del objeto.
Análisis de situaciones, demandas, problemáticas sociales.
Trabajo práctico Nº5- Espacio público y acción callejera.
Abrirse a la trama urbana: reglas de convivencia y protocolos. Pensar el contexto de

referencia. Pequeñas interferencias, como eventos emergentes y extraordinarios.
El espacio público como soporte de propuestas grupales, acción y reacción. Dispositivos

mínimos de acción callejera en las que se pondrán en juego los diseños propuestos por el
colectivo con las dinámicas de los lugares y las reacciones de los transeúntes, rescatando lo
lúdico como perspectiva de producción.
Registro y documentación.
Baudrillard, Jean (1997) Cultura y simulacro, Taurus, Madrid.
Groys, Boris. ARTE EN FLUJO. Ensayos sobre la evanescencia del presente. Ed. Caja
Negra. 2016.
Groys, Boris. Volverse Público. Las transformaciones del arte en el ágora

contemporánea. Ed Caja Negra. 2014.
Núcleo 3- El arte como estado de encuentro e intercambio de saberes.

La esencia de la práctica artística residiría así en la invención de las relaciones
entre sujetos; cada obra de arte en particular sería la propuesta para habitar un
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 10
mundo común y el trabajo de cada artista, un haz de relaciones con el mundo, que
genera a su vez otras relaciones y así infinitamente.
Reinaldo Laddaga
Las propuestas artísticas de esta unidad suponen articulaciones, o modos de vida social
artificial que abordan saberes, recuperan rituales, prácticas y situaciones inesperadas,
traduciéndose en experiencias colectivas y multidisciplinares.
Proponemos como punto de partida reconocer aquellos intereses de cada comunidad y
organizar encuentros, a fin de establecer un intercambio de experiencias “artísticas”.
Reconocer para conceder importancia al proceso y no sólo al resultado, abandonar
concepciones de autoría y su desplazamiento hacia nociones múltiples y diversas que
circulan en espacios y con métodos alternativos define estas estéticas comunitarias.
Estas pequeñas comunidades ficcionales 4 se planifican respetando ciertos principios y
activando dinámicas (de encuentro, convivencia y traslado), pero de ningún modo
pueden mantener estructuras fijas. Por tratarse de procesos experimentales, abiertos, y
cooperativos que van capitalizando singularidades sin anular las distancias, mantienen
procesos fluctuantes y diversos. Se parte de una idea, se la va consensuando, el orden
está sujeto al bien común, pero manteniendo y respetando los intereses individuales.
Estar abierto a lo que acontece, capitalizar lo que pueda ir sumando al proyecto en el
proceso
El desafío de este año será proponer prácticas de intercambios virtuales entre

comunidades y sus alcances a través de mass media, videos, redes, etc.
Trabajo práctico Nº 6- Los alumnos:

- Se propondrá un plan de trabajo con la comunidad que incluya diseño y desarrollo de
una intervención artística, con cronograma y distribución de roles.
Bourdieu, Pierre. El sentido social del gusto. Elementos para una sociología de la cultura. Ed.
Siglo veintiuno. 2010
Bourriaud, Nicolás. Estética Relacional. Adriana Hidalgo Editora. Argentina. 2008.
Laddaga, Reinaldo. Estética de la emergencia. Adriana Hidalgo. 2010.
Olaechea C. y Georg E. (2007). Arte y Tranformación Social. Saberes y Prácticas de Crear
vale la pena. Ciudad territorio, lugar... URL. 2018
Lafuente, Antonio y otros. Cómo hacer un mapeo colectivo. Proyecto. Gobierno de
España. 2017
Santos, Milton. Manual de Mapeo Colectivo. "El territorio es el espacio socialmente
construido". 2018
4
Ecologías culturales. Laddaga, Reinaldo.
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 10
Trabajo práctico Nº7 – Video presentación del proyecto. La obra audiovisual como registro
de experiencia.
El objetivo de este práctico es que cada grupo pueda presentar su proyecto mediante un
formato audiovisual que resuma y sintetice qué, quiénes, cuándo, dónde, por qué, para qué
y cómo. La importancia de explorar el formato para acompañar presentaciones.
La experiencia de lo real transformada en datos para un guión. La construcción con imágenes

y sonidos. Edición y montaje. Breve pieza audiovisual que permite describir aspectos
procesuales mediante recursos que proporciona el formato (fotos, imágenes, mapas, videos,
breves testimonios de los actores, textos, documentos, dibujos, material de archivo, etc).
Bourdieu, Pierre. La miseria del Mundo. Cap. EFECTOS DE LUGAR. Akal. 1999.
Gilardi, Ana. Memoria de un relingo. Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura.
México DF. 2013
La cátedra plantea las categorías teóricas de cada unidad y trabajo práctico
desarrollando aspectos generales teóricos y referentes artísticos de cada caso.
Se utiliza el aula virtual como soporte para cada trabajo práctico, con consigna extensa y
bibliografía específica.
Cada trabajo práctico tiene una fecha de presentación en la mencionada aula virtual.
3- Evaluación: la evaluación se ajusta a la reglamentación vigente, consiste en seis
trabajos prácticos con evaluación. Dos parciales y coloquio final en el que se defiende el
proyecto desarrollado en la unidad 2 ( Régimen de alumnos y alumno trabajador en:
http://www.artes.unc.edu.ar/sae/secretaria-de-asuntos-estudiantiles#regalumnos
Bourdieu, Pierre. El sentido social del gusto. Elementos para una sociología de la cultura. Ed.
Siglo veintiuno. 2010
Bourriaud, Nicolás. Estética Relacional. Adriana Hidalgo Editora. Argentina. 2008.
Laddaga, Reinaldo. Estética de la emergencia. Adriana Hidalgo. 2010.
Olaechea C. y Georg E. (2007). Arte y Tranformación Social. Saberes y Prácticas de Crear
vale la pena. Ciudad territorio, lugar... URL. 2018
Lafuente,Antonio y otros. Cómo hacer un mapeo colectivo. Proyecto. Gobierno de España.
2017
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 10
Santos, Milton. Manual de Mapeo Colectivo. "El territorio es el espacio socialmente
construido". 2018
6- Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar: (según normativa vigente –)
CRONOGRAMA TENTATIVO
Unidad Nº1. Abril- Mayo- Junio

Trabajos Prácticos 1 y 2. Con un parcial al final de la unidad.
Fecha de recuperatorio a los 15 días.
Unidad Nº2. junio- Agosto- Setiembre
Trabajos Prácticos 3,4, 5 y 6.

Evaluación final coloquio- Parcial
Recuperatorio.
Unidad Nº3- Abri- Setiembre- Octubre- Noviembre
Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene (cuando corresponda. En los casos

donde se presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras debe incorporarse el
siguiente
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los exámenes que

requieran montaje de obras deberán respetar las normas de seguridad
e higiene. No se pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor,
techos, escaleras de emergencia, como así también obstruir puertas
(oficinas, emergencias, ingreso, etc). Los espacios de tránsito de uso
común deberán contar con las indicaciones pertinentes si interrumpen
el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando
todos los elementos de montaje (cintas,
7 tanzas,IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
etc.). Si se utilizan
muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde han sido
retirados.
página 7 de 10
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben hacerse a la
Dirección del Departamento de Artes Visuales y deben tener el aval del
Anexo:
Se adjunta las condiciones que establece el Régimen de alumno vigente a los fines que los
docentes puedan corroborar y transcribir lo que considere necesario.
CONDICIONES DE ALUMNO Y MODALIDADES DE CURSADO
ARTICULO 8°) Se definen las siguientes condiciones: PROMOCIONALES, REGULARES, LIBRES y VOCACIONALES.
ALUMNOS PROMOCIONALES
ARTICULO 9°) Las diversas asignaturas ofrecerán posibilidades a la condición de alumno PROMOCIONAL para los
alumnos inscriptos. El H. Consejo Directivo podrá exceptuar expresamente este sistema en aquellos casos en
que así se apruebe, a solicitud fundada del profesor Titular o docente a cargo y los Consejos de Escuela.
ARTICULO 10°) Será considerado PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes condiciones mínimas:
aprobar el 80 % de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo
de 7 (siete); aprobar el 100% de las Evaluaciones Parciales, con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un
promedio mínimo de 7 (siete). Las calificaciones promediadas de evaluaciones parciales y trabajos prácticos
serán consideradas separadamente y no serán promediables a los fines de la PROMOCION.
ARTICULO 11°) Los responsables de las asignaturas podrán exigir la condición de un mínimo de asistencia a las
clases prácticas y teórico-prácticas, que no podrá superar el 80% del total. Se entiende por clase teórica
aquella donde se desarrolla en forma expositiva una temática propia de la disciplina, y por clase teórico-
práctica aquella que articula la modalidad del curso teórico con una actividad de la práctica con relación a la
temática de estudio.
ARTICULO 12°) Las cátedras deberán incluir para los alumnos promocionales exigencias extras, tales como: o
coloquio final, o monografias, o prácticas especializadas, o trabajos de campo, u otro tipo de producciones que
impliquen un rol activo del estudiante, en orden a que la condición de promocional no quede restringida a la
mera asistencia a clases prácticas y teórico-prácticas y aprobación de Parciales y Prácticos. En tales casos se
deberán prever y poner en vigencia instancias que permitan al alumno recuperar dichas exigencias incluyendo
opciones sustitutivas para las exigencias que no puedan recuperarse en condiciones similares a las
originalmente planteadas.
ARTICULO 13°) Las Evaluaciones Parciales serán no menos de 2 (dos) por asignatura.
ARTICULO 14°) Las condiciones para aprobar una asignatura en la condición de alumno PROMOCIONAL, deberán
ser claramente explicitados en el Programa de la asignatura y no podrán ser modificadas en el transcurso del
cursado. Los programas de las asignaturas deberán estar a disposición de los alumnos en la primera semana de
clases. Asimismo, deberán estar aprobados por el Consejo de Escuela respectivo y de acuerdo a las
especificaciones que se establezcan
ARTICULO 15°) Los docentes responsables de las asignaturas deberán permitir el real y adecuado acceso de los
alumnos a las Evaluaciones Parciales corregidas y calificadas, a fin de que dicha etapa cumpla con su función
pedagógica específica de reconstrucción del error.
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 10
ARTICULO 16°) Los profesores encargados de cátedra deberán prever el derecho de los alumnos a recuperar
como mínimo el 25% de las evaluaciones. En caso de que el número de evaluaciones fuera igual o menor a 3
(tres) los alumnos tendrán derecho a recuperar al menos una de ellas. La calificación que se obtenga
substituirá a la obtenida en la evaluación recuperada y deberá ser promediada con las previamente obtenidas.
ARTICULO 17°) Los alumnos tendrán derecho a recuperar como mínimo el 33 % de los Trabajos Prácticos, las
calificaciones de los mismos serán promediadas de acuerdo a la modalidad establecida. En caso de que la
aplicación de 33 % al número de trabajos prácticos recuperables diera un número fraccionario, se considerará
que el derecho a la recuperación se extiende al número inmediato superior.
ARTICULO 18°) Las evaluaciones finales de los alumnos promocionales se llevarán a cabo en fechas distintas de
los exámenes finales regulares, las cátedras deberán comunicar a las Escuelas respectivas las correspondientes
fechas y la lista de alumnos en condiciones de rendir. La promoción tendrá vigencia por el semestre
subsiguiente y se elaborará un acta por cada fecha de evaluación final fijada por la cátedra.. Se entiende por
semestre subsiguiente el que sucede inmediatamente después del cursado, incluyendo las fechas de exámenes
correspondientes.
ALUMNOS REGULARES
ARTICULO 19°) Todo alumno debidamente matriculado puede acceder a la CONDICION DE ALUMNO REGULAR,
que implica la posibilidad de inscripción para aprobar la asignatura accediendo a un examen de una sola
instancia, que podrá ser oral o escrita.
ARTICULO 20°) Son alumnos REGULARES aquellos que cumplan las siguientes condiciones: aprobar el 80 % de los
Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y aprobar el 80% de las Evaluaciones
Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Las calificaciones deevaluaciones parciales y
trabajos prácticos serán consideradas separadamente y no serán promediadas a los fines de la aprobación de la
condición de alumno REGULAR.
ARTICULO 21°) Los profesores encargados de cátedra deberán prever el derecho de los alumnos a recuperar
como mínimo el 25% de las evaluaciones. En caso de que el número de evaluaciones fuera igual o menor a 3
(tres) los alumnos tendrán derecho a recuperar al menos una de ellas. La calificación que se obtenga
substituirá a la obtenida en la evaluación recuperada.
ARTICULO 22°) Los alumnos tendrán derecho a recuperar como mínimo el 33 % de los Trabajos Prácticos. En
caso de que la aplicación de 33 % al número de trabajos prácticos recuperables diera un número fraccionario se
considerará que el derecho a la recuperación se extiende al número inmediato superior.
ARTICULO 23°) La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años, a partir de que se deja constancia
fehaciente de que el alumno accede a esa condición. Si la fecha de finalización de ese período no coincidiera
con una fecha de examen de la materia en cuestión, se extenderá hasta el turno de exámenes subsiguiente.
Prof Mariana del Val
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 10
Adenda- Programa 2020
Procesos de producción y análisis I- Pintura

Equipo Docente:
- Profesores:
-Profesores Adjunto:
Prof. Hernán Bula
Debido a las circunstancias de emergencia social sanitaria covid 19 atravesada durante

el periodo lectivo 2020 y la imposibilidad de la presencialidad, la Cátedra debió hacer
adecuaciones tecnológicas para poder mantener el dictado de la materia.
La materia contempla en sus postulados de intercambio territorial y acciones callejeras
debido a las circunstancias de pandemia todos los formatos de intercambio fueron
virtuales (redes sociales) y las acciones callejeras se transformaron en activismos por
burbujas o virtuales.
Condiciones para examen de alumnos promocionales, regulares 2020 y libres 2020
Los alumnos promocionales pudieron terminar la materia mediante un coloquio
virtual en el que expusieron su proceso final con un simulador de exposiciones.
Se tomaron exámenes durante el periodo 2020 de modo virtual.
Prof: Mariana del Val
IF-2022-00334579-UNC-DDG#FA
página 10 de 10

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2017 - Plástica Experimental

Date: 2022.05.09 13:27:29 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:27:35 -03'00'

Asignatura: ANTROPOLOGÍA DEL ARTE
Año Curricular: Tercer Año (cuatrimestral)
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Clementina Zablosky
Prof. Adjunto:
Ayudantes-alumnxs:
Adscriptxs: Natalia Estarellas, Elena Pontnau, Manuela Sonzini Astudillo
Turno único: Miércoles, 14hs a 18hs.
Horario de atención de alumnos: Miércoles, 18hs a 19hs.
Correo electrónico: antropologiadelartefa@gmail.com
PROGRAMA
1- Fundamentación
Esta asignatura integra el ciclo profesional del plan de estudios vigente. Introduce a los
alumnos en el estudio de las artes desde la perspectiva de la antropología y propone el
análisis de las nociones de arte, cultura y etnografía, como herramientas de abordaje e
interpretación de objetos y prácticas estéticas y culturales en contextos específicos.
La revisión de dichas nociones busca aportar al alumno elementos teóricos y
metodológicos para el abordaje, el análisis, la comprensión y el uso de un concepto
ampliado de arte considerado en un sentido social e histórico.
La “refiguración del pensamiento social”, iniciada a fines de la década de 1960, ha
llevado a una reflexión sobre el modo en el que pensamos y se ha manifestado en la
mezcla de géneros y discursos provenientes de las ciencias sociales, las humanidades y
las artes (Geertz [1983]1994; Rosaldo, 1986). En este marco, la antropología del arte,
como ciencia social, no se limita al estudio de las “obras de arte”, un tipo de objetos
“autónomos”, “emancipados”. Es decir, un tipo de objetos definidos institucionalmente
a priori, dentro de procesos de producción, circulación y recepción especializados que
los convierten exclusivamente en objetos de arte. Aborda también el análisis de
“objetos” que se mezclan con la gente, en situaciones particulares, y plantean diferentes
relaciones sociales entre las personas y las cosas, y las personas con las personas a
través de las cosas (Gell, 1996)
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 13
En esta asignatura, una mirada de los “objetos” artísticos o cotidianos, centrada en las
relaciones sociales, se aleja de una tradición dominante en los estudios estéticos, que
considera y valora a las producciones por su forma y contenido intrínsecos, para
aproximarse y adentrarse en la interpretación de los procesos, las intenciones y los
modos de uso de dichos objetos. Esta aproximación a los objetos situándolos en el
contexto de las prácticas posibilita una comprensión de los mismos como
configuraciones y como agentes configuradores de las formaciones de significados e
intersecciones culturales heterogéneas, específicas y diversas en las cuales se producen,
circulan y apropian.
Desde esta perspectiva, los casos que, particularmente, se consideran en el programa
comprenden objetos y prácticas de grupos indígenas y sectores populares, situadas en
diferentes contextos históricos y geográficos. Para su estudio se propone, por un lado,
una familiarización con las formas y significados de las producciones artísticas y
culturales, cuyos aspectos estéticos están en interacción con aspectos religiosos,
económicos, políticos, morales. Por otro, un examen crítico de categorías que han sido
creadas y utilizadas para clasificar estas producciones en distintos momentos históricos.
Las nociones “arte primitivo”, “arte indígena”, “arte popular”, “arte masivo”, son
categorías complejas que, al designar ciertos objetos y prácticas, evidencian posiciones
ideológicas, teóricas y metodológicas que surgen y proceden en el marco de procesos
culturales hegemónicos.
La revisión de textos teóricos de la antropología, de la antropología del arte y de la
historia del arte, y estudios de casos posibilitan el acceso a un repertorio de
herramientas y ejemplos para su aplicación en la crítica de procesos artísticos y
culturales así como en el ensayo de un método de trabajo posible para la producción
artística.
La materia, de carácter puntual según el régimen de alumnos vigente, ofrece la
presentación de perspectivas teóricas y un modo de trabajo para la interpretación de
casos y la enunciación de propuestas creativas que contribuyan en una formación del
alumno orientada tanto a la investigación en artes visuales como a la producción
artística.
2- Objetivos
. Articular nuevos conocimientos con conocimientos existentes
. Generar espacios de reflexión crítica y creativa con respecto a las disciplinas de la
antropología y la historia del arte.
. Concientizar al alumno sobre el carácter social del arte en tanto construcción cultural y
práctica histórica
. Generar instrumentos críticos para la interpretación histórica de posiciones teóricas y
perspectivas disciplinares
. Generar habilidades para la comprensión de métodos de la antropología y la historia
del arte
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 13
. Introducir en el conocimiento de prácticas de grupos indígenas y populares que
amplíen la percepción de lo artístico y permitan la comprensión de otros modos
culturales
. Ampliar el repertorio de recursos perceptivos, compositivos y técnicos a partir de los
casos estudiados
. Articular teoría y práctica en la elaboración experimental de registros y producciones
que den cuenta de los conceptos y métodos desarrollados
3- Contenidos
Los contenidos se organizan en tres núcleos temáticos, con objetivos y bibliografía
específicos. El primer núcleo introduce el enfoque de la asignatura y el trabajo
etnográfico para el análisis social/cultural y la producción artística. El segundo y el tercer
núcleo abordan estudios de casos sobre las prácticas de grupos indígenas y populares
abordando la discusión conceptual de perspectivas y categorías así como el ejercicio
metodológico planteado en el núcleo 1.
Núcleo temático 1 / Arte y antropología

. Comprender la antropología del arte como ciencia social interdisciplinaria
. Introducir el enfoque de la asignatura mediante la conceptualización de las nociones de
cultura y etnografía
. Proveer instrumentos analíticos-críticos para la interpretación y comprensión de autores y
perspectivas
. Desarrollar herramientas para la interpretación de textos etnográficos
. Analizar la relación de la teoría y la práctica en la descripción e interpretación etnográficas
Contenidos
La antropología como ciencia social. La antropología del arte: interdisciplina, perspectivas y
alcances. Arte, cultura y etnografía. Cuestiones conceptuales y metodológicas: “sistemas”,
“procesos”, “prácticas”. La cultura como concepto científico. El concepto de arte desde una
perspectiva antropológica. El análisis social contemporáneo: el objetivo del análisis, el
lenguaje del análisis, la posición del analista. Arte y etnografía. La “descripción densa” como
método de interpretación. La etnografía como modo de conocimiento mixto y herramienta
para la producción artística: posibilidades y limitaciones.
Núcleo temático 2 / Artes y culturas indígenas

. Analizar las tensiones estéticas y culturales en la noción “arte indígena”
. Identificar y caracterizar perspectivas teóricas y categorías de objetos a partir de estudios
de casos
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 13
. Detectar y describir tácticas posibles para abordar el estudio de producciones estéticas -
culturales
. Examinar relaciones entre la interpretación etnográfica y diferentes estrategias de
museificación
Contenidos
Perspectivas. Intersecciones de lo “otro” y lo “moderno”: “primitivismo”, “orientalismo”. La
noción “arte indígena”. Arte y rito. Cuerpo y arte. La vida social de las cosas: producción,
intercambios y usos de los objetos. Categorías: “obras de arte”, “artefactos etnográficos”,
“piezas arqueológicas”. Perspectiva relacional vs definiciones ontologizantes. Estrategias de
museificación. Estudios de casos.
Núcleo temático 3 / Artes y culturas populares

. Analizar críticamente el concepto de “lo popular” identificando perspectivas e implicancias
conceptuales y metodológicas
. Examinar las tensiones estéticas y culturales de “lo popular” en estudios de casos del arte y
las culturas moderna y contemporánea
. Ejercitar el análisis de casos artísticos y culturales configurados por “lo popular”
. Practicar el registro etnográfico de producciones estéticas y artísticas locales
Contenidos
Lo “popular”: perspectivas y aproximaciones teóricas. Perspectivas “maximalista” y
“minimalista”. El enfoque folclorista. El concepto de hegemonía. Implicancias conceptuales
e ideológicas de las nociones “arte popular”, “cultura popular”, “culturas populares”,
“cultura de masas”, “arte masivo”: alcances y limitaciones. Estudios de casos.

. Sobre antropología y antropología del arte
- MÉNDEZ Lourdes (1995) “Enfoques teóricos: de la cultura material a los estilos y
lenguajes del arte” en Antropología de la producción artística, Madrid, Síntesis, pp61-93.
- ROSALDO, Renato (1991) “La erosión de las normas clásicas” y “Poniendo en marcha la
cultura” en Cultura y verdad. Nueva propuesta de análisis social, México, Grijalbo, pp35-
51 y pp91-105.
. Sobre arte, cultura y etnografia

-CARDOSO DE OLIVEIRA, Roberto (1996) “El trabajo de antropólogo: mirar, escuchar,
escribir”. En: Revista de Antropología, vol. 39, (1), pp13-37.
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 13
- CUCHE, Denys (1996), “Introducción“ y “La invención del concepto científico de
cultura“ en La noción de cultura en las Ciencias Sociales, Buenos Aires, Nueva Visión,
1999, pp7-10; 21-64.
- GEERTZ, Clifford (1994) “El arte como sistema cultural” en Conocimiento local,
Barcelona, Paidós, pp117-146.
- ROSALDO, Renato (1991) “La erosión de las normas clásicas” y “Poniendo en marcha la
cultura” en Cultura y verdad. Nueva propuesta de análisis social, México, Grijalbo, pp35-
51 y pp91-105.
- ZABLOSKY, Clementina (2015) “Cultura y etnografía: aproximaciones”, Córdoba.
. Sobre estudios de casos

- DAVENPORT, William, “Dos tipos de valor en la porción oriental de las Islas Salomón”
en APPADURAI, Arjun ed. (1986) La vida social de las cosas. Perspectiva cultural de las
mercancías, México, Grijalbo, 1991, pp.

. Sobre perspectivas
- BOVISIO, María Alba (2013) “El dilema de las definiciones ontologizantes: obras de
arte, artefactos etnográficos, piezas arqueológicas”, en Caiana, Revista de Historia del
Arte y cultura visual del Centro Argentino de Investigadores de Arte (CAIA). Nº 3.
-ESCOBAR, Ticio (2010) “Arte indígena: zozobras, pesares y perspectivas” en BOVISIO,
María Alba y Marta PENHOS (coord.) Arte indígena: categorías, prácticas, objetos,
Córdoba, Encuentro Grupo Editor, pp17-31.
-RHODES, Colin (1994) “Introducción” en Primitivism and modern art. London, Thames
and Hudson.
-SAID, Edward (2009) “Introducción” en Orientalismo, Barcelona, De Bolsillo, pp19-29.

- CLIFFORD, James (1995) “Historias de lo tribal y lo moderno” en Dilemas de la cultura.
Antropología, literatura y arte en la perspectiva posmoderna, Barcelona, Gedisa, pp229-
256.

. Sobre los conceptos
- CUCHE, Denys (1996), “Jerarquías sociales y jerarquías culturales” en La noción de
cultura en las Ciencias Sociales, Buenos Aires, Nueva Visión, 1999, pp87-106.
- GARCÍA CANCLINI, Néstor (1989) “La puesta en escena” en Culturas Híbridas.
Estrategias para entrar y salir de la modernidad, México, Ed. Grijalbo, 1990, pp191-235.
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 13
- RICHARD, Nelly, (2008) "Categorías impuras y definiciones en suspenso" en El mito del
arte y el mito del pueblo. Cuestiones sobre arte popular, Buenos Aires, Ariel, 2014, pp15-
21.

- ZABLOSKY, Clementina. Prácticas estéticas, prácticas turísticas. Revista Avances del
Área Artes del Centro de Investigaciones de la Facultad de Filosofía y Humanidades.
Universidad Nacional de Córdoba. 2004-2005. Volumen 1. Nº 8. Páginas 140– 157.
Editorial Brujas. Córdoba, Noviembre de 2005. ISSN 1667-927X.
- COLOMBINO, Lía. El Museo del Barro. Un laberinto para perderse.
http://www.altairmagazine.com/el-museo-del-barro
-AMEGEIRAS, Aldo Rubén (2006) “El abordaje etnográfico en la investigación social” en
VASILACHIS DE GIALDINO, I. (coord.) Estrategias de investigación cualitativa, Barcelona,
Gedisa, pp107-149.
- BOAS, Franz (1927) “Introducción” en Arte primitivo, México, FCE, 1947.
- DANTO, Arthur (2003) “Arte y artefacto en África” en Más allá de la Caja de Brillo. Las
artes visuales desde la perspectiva poshistórica, Madrid, Akal, pp.95-115.
- FOSTER, Hal, “El artista como etnógrafo” en El retorno de lo real. La vanguardia a
finales de siglo, Madrid, Akal, pp175-208.
- GEERTZ, Clifford, “Descripción densa. Hacia una teoría interpretativa de la cultura” en
La interpretación de las culturas, Barcelona, Gedisa, 1989, pp19-40.
- GELL, Alfred, “The Theory of the Art Nexus” en Art and Agency. An Anthropological
Theory, Clarendon Press, Oxford, 1998, pp12-27. Capítulo 2, “La teoría del nexo del
arte”. Traducción: Andrés Laguens, abril 2015.
-GRIGNON, Claude y Jean-Claude PASSERON (1991) Lo culto y lo popular. Miserabilismo
y populismo en sociología y literatura, Buenos Aires, Nueva Visión.
- GUBER, Rosana (2011) La etnografía. Método, campo y reflexividad, Buenos Aires, Siglo
Veintiuno.
- LÉVI- STRAUSS, Claude y Georges CHARBONNIER (1971) Arte, lenguaje, etnología.
Entrevistas de Georges Charbonier con Claude Lévi-Strauss, México D.F., Siglo Veintiuno.
- ORTNER, Sherry (1982) “La teoría antropológica desde los años sesenta”. Traducción
de Rubén Páez, pp1-26.
- RESTREPO, Eduardo (2009) “Escuelas francesas de mediados del siglo XX.
Estructuralismo”. Texto extraído de Escuelas de pensamiento antropológico 1/ Clásicos
Programa de Antropología, Fundación Universitaria Claretiana, Quibdó.
- ROCKWELL, Elsie (2008) La experiencia etnográfica: historia y cultura en los procesos
educativos, Buenos Aires, Paidós.
- WILLIAMS, Raymond (2000) “Cultura” en Palabras clave. Un vocabulario de la cultura y
la sociedad, Buenos Aires, Nueva Visión, pp87-93.
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 13
--------------------------- (2000) “La hegemonía” en Marxismo y literatura, Barcelona,
Península.

- CERECEDA, Verónica y otros (1987) Tres reflexiones sobre el pensamiento andino, La
Paz, Hisbol.
- CLIFFORD, James (1995) “Sobre la recolección de arte y cultura” en Dilemas de la
cultura. Antropología, literatura y arte en la perspectiva posmoderna, Barcelona, Gedisa,
pp257-299.
---------------------- (1999) “Los museos como zonas de contacto” en Itinerarios
transculturales, Barcelona, Gedisa, pp233-270.
- ESCOBAR, Ticio, La belleza de los otros. Arte indígena del Paraguay, Asunción,
Litocolor, s/d.
- LEVÍ STRAUSS, Claude, La vía de las máscaras, México, Siglo XXI, pp11-128.
------------------------------ (1995) “El desdoblamiento de la representación” y “La serpiente
con el cuerpo lleno de peces” en Antropología estructural, Barcelona, Paidós, pp263-
296.
-MAUSS, Marcel, “Ensayo sobre los dones. Razón y forma del cambio en las sociedades
primitivas” en Sociología y antropología, Madrid, Tecnos, 1971, pp155-258.
- ORTNER, Sherry B. (1999) “Thick Resistance: Death and the Cultural Construction of
Agency in Himalayan Mountaineering”, en ORTNER, Sherry B. (ed.), The fate of ‘Culture’:
Clifford Geertz and beyond, Berkeley/Los Angeles: University of California Press,
“Resistencia densa: muerte y construcción cultural de agencia en el montañismo
himalayo”. Traducción: M. Cecilia Ferraudi Curto.
- TURNER, Víctor (1999) “Símbolos en el ritual ndembu” en La selva de los símbolos,
México, Siglo XXI, pp21-52.

- BLÁZQUEZ, Gustavo y Marcelo NUSENOVICH (1995) “La fiesta o el juego de lo público
y privado. Reflexiones sobre una experiencia allí (1991/1994)” en El arte entre lo público
y lo privado. VI Jornadas de teoría e historia de las artes, Buenos Aires, UBA, CAIA, pp5-
23.
-DE CERTEAU, Michel (1990) La invención de lo cotidiano. Artes del hacer, México,
Universidad Iberoamericana, 2000.
---------------------------- (1999) La cultura en plural, Buenos Aires, Nueva Visión.
- ESCOBAR, Ticio (2014) El mito del arte y el mito del pueblo. Cuestiones sobre arte
popular, Buenos Aires, Ariel.
- GARCÍA CANCLINI, Néstor (1986) Las culturas populares en el capitalismo, México,
Nueva imagen.
- WILLIAMS, Raymond (2000) “La hegemonía” en Marxismo y literatura, Barcelona,
Península, 2000, pp129-136.
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 13
- ZABLOSKY, Clementina (2009) `Recuerdos de Carlos Paz´. Análisis de los objetos
souvenir y otras prácticas turísticas”, Tesis de maestría, Parte 3. Córdoba, mimeo.
- ZUBIETA, Ana María y otros (2000) Cultura popular y cultura de masas, Buenos Aires,
Paidós.
6- Propuesta metodológica
Según las actividades planificadas, las clases se desarrollarán en dos instancias
presenciales, una teórica y otra teórica-práctica. La primera instancia consiste en la
exposición oral de los contenidos teóricos y el análisis de ejemplos, con proyección de
imágenes y presentación de esquemas explicativos, por parte del docente. La segunda
se asienta en la modalidad de taller basada en la realización de actividades en forma
grupal, por parte de los alumnos, consistentes en la elaboración teórica de los
contenidos específicos y el análisis de casos a partir de materiales bibliográficos (textos
obligatorios o fragmentos de etnografías) y audiovisuales (videos) complementarios. Se
prevé una puesta en común 7 del trabajo de lectura y análisis grupales en el aula. El
plenario permite un espacio de debate y reflexión crítica sobre las perspectivas,
conceptos y casos presentados. Asimismo se prevé un cierre de todo lo analizado en
clase denominado “Palabras clave”. Este es un espacio a cargo de ayudantes alumnxs y
adscriptxs, supervisado por las profesoras de la cátedra, que tiene por objetivo
establecer y definir un vocabulario con los conceptos principales vistos en cada clase.
Consiste en la elaboración conjunta, de los alumnxs junto con el equipo docente en
formación, de una síntesis que fije las palabras centrales de cada tema y sus significados
de acuerdo a las perspectivas y nociones de los autores analizados. De esta manera se
busca elaborar colectivamente un material de estudio que oriente la lectura y la
comprensión de la bibliografía específica a partir de la identificación de los ejes
conceptuales y la confección de un mapa de los contenidos y sus posibles conexiones.
7- Evaluación: Descripción de la propuesta de evaluación ajustada a la reglamentación

vigente (Régimen de alumnos y régimen alumno trabajador):
Los contenidos teóricos se evaluarán mediante dos (2) parciales de carácter escrito e
individual. El primero, será tomado al finalizar los contenidos del núcleo temático 1 y el
segundo, al terminar el desarrollo de los núcleos 2 y 3. La evaluación de los parciales
tendrá en cuenta la comprensión y aplicación de los contenidos y los conceptos
estudiados, la capacidad de síntesis, la habilidad de transferir los conceptos a ejemplos
particulares, a través de la expresión escrita y gráfica. Asimismo se prevé la realización
de un trabajo práctico grupal (TP1) que consiste en el análisis de un caso. A partir del
registro fotográfico o audiovisual de producciones /prácticas estéticas/artísticas
configuradas por “lo popular”, los alumnxs deberán elaborar una fundamentación
considerando las palabras clave del núcleo temático 3, en particular, y de los núcleos 1 y
2, en general. La evaluación tendrá en cuenta la claridad conceptual y la calidad visual y
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 13
técnica en la producción del registro, así como el grado de apropiación por parte del
alumno de los conceptos clave y la transferencia en la fundamentación del análisis. Se
evaluará también la predisposición y el compromiso para el trabajo en grupo como la
participación en la recepción y debate de las lecturas y propuestas de los compañeros. La
evaluación final de los contenidos se realiza mediante la modalidad de coloquio para
alumnos promocionales, de examen oral para alumnos regulares y de examen oral y
escrito para los alumnos libres en las fechas correspondientes.
8. Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres: Según

Régimen de estudiantes de la Facultad de Artes vigente: https://artes.unc.edu.ar/wp-
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf; y Régimen de Estudiantes
trabajadores/as o con familiares a cargo según Resolución del Honorable Consejo
Directivo de la FA RHCD_91_2012: http://www.digesto.unc.edu.ar/facultad-de-
artes/honorable-consejo-
directivo/resolucion/152_2017/?searchterm=estudiante%20trabajador
9. Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene
deberán respetar las normas de seguridad e higiene. No se pueden utilizar los espacios: escaleras,
ascensor, techos, escaleras de emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas,
emergencias, ingreso, etc). Los espacios de tránsito de uso común deberán contar con las
indicaciones pertinentes si interrumpen el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos los elementos de montaje
(cintas, tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde han sido
retirados.
Cronograma tentativo (de desarrollo de unidades, trabajos prácticos y evaluaciones)
MARZO 18 Presentación / Arte y Antropología

Rosaldo / Williams/ Davenport /Zablosky
Clase teórica. Taller. Cierre: palabras clave.
25 Arte y Antropología / teórico-práctico
Méndez / Cuche
ABRIL 1 Arte y Antropología / teórico-práctico
Méndez / Cuche
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 13
8 Arte y Antropología / teórico-práctico
Lévi Strauss/ Cuche / Restrepo
15 Arte / cultura / etnografía / teórico-práctico
Geertz / Méndez
22 Arte / cultura / etnografía / teórico-práctico
Rosaldo / Cardoso de Oliveira
29 Parcial 1
MAYO 6 Artes y culturas indígenas / teórico-práctico
Said / Rhodes/ Clifford
13 Artes y culturas indígenas / teórico-práctico
Escobar / Colombino / Bovisio
18 al 22 Exámenes finales
27 Artes y culturas populares / teórico-práctico
Cuche (De Certeau, Grignon y Passeron) / Zablosky
JUNIO 3 Artes y culturas populares / teórico-práctico
Richard / García Canclini
10 TP1 / Artes y culturas populares
Taller. Cierre: palabras clave.
17 Parcial 2
24 Recuperatorio / Parciales 1 y 2 / TP1
JULIO 1 Firma de libretas
6 al 18 Receso Invernal
21 al 31 Exámenes finales
Prof. Clementina Zablosky
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 13

Asignatura: ANTROPOLOGÍA DEL ARTE
Año Curricular: Tercer Año (cuatrimestral)
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Adjunto: Suyai Virginillo (por licencia de Prof. Lucía Tamagnini)
Prof. Asistente: Barbara Chretien (por complementación de funciones, HdA 1)
Ayudantes-alumnxs:
Adscriptas: Natalia Estarellas, Elena Pontnau, Manuela Sonzini Astudillo
Turno único: miércoles, 14hs a 18hs.
Horario de atención de alumnos: miércoles, 18hs a 19hs.
Correo electrónico: antropologiadelartefa@gmail.com
ADENDA PROGRAMA 2020
De acuerdo a la adhesión de la Facultad de Artes a las medidas de prevención

comunitarias e individuales dispuestas por el gobierno nacional y la UNC ante la situación
epidemiológica del Coronavirus (COVID-19) se reprograman los ítem 4 Bibliografía
obligatoria; 6-Metodología de trabajo y 7-Evaluación, del programa de la asignatura.
4-Bibliografía obligatoria
Los siguientes textos no serán trabajados en el dictado de la materia en 2020. Pasan a
bibliografía ampliatoria.
-- DAVENPORT, William, “Dos tipos de valor en la porción oriental de las Islas
Salomón” en APPADURAI, Arjun ed. (1986) La vida social de las cosas. Perspectiva
cultural de las mercancías, México, Grijalbo, 1991, pp.
- CLIFFORD, James (1995) “Sobre la recolección de arte y cultura” en Dilemas de la
cultura. Antropología, literatura y arte en la perspectiva posmoderna, Barcelona,
Gedisa, pp257-299.
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
página 11 de 13
- ZABLOSKY, Clementina. Prácticas estéticas, prácticas turísticas. Revista Avances del
Área Artes del Centro de Investigaciones de la Facultad de Filosofía y Humanidades.
Universidad Nacional de Córdoba. 2004-2005. Volumen 1. Nº 8. Páginas 140– 157.
Editorial Brujas. Córdoba, Noviembre de 2005.
6-Propuesta metodológica
El dictado del primer cuatrimestre del ciclo lectivo 2020 se desarrollará de manera remota
con clases a través de la Aula Virtual. Las actividades planificadas para la asignatura
comprenderán las modalidades de clases teóricas y teóricas- prácticas para el desarrollo
de los contenidos específicos así como la realización de ejercicios que contribuyan a la
comprensión de la bibliografía propuesta. La primera instancia consiste en la exposición
de los temas mediante la presentación de esquemas explicativos (pizarrones-ppt.) y el
análisis de ejemplos e imágenes (videos, fotografías) por parte del docente. Se
presentarán síntesis y articulaciones de los contenidos vistos en encuentros sincrónicos al
término de cada módulo de contenidos. La segunda instancia teórico-práctica consistirá
en la realización de actividades en el aula virtual (cuestionarios), a resolver por los
alumnos de manera individual, para el estudio de los contenidos vistos y el análisis de
algunos casos, basadas en los materiales bibliográficos y audiovisuales que se encuentran
disponibles en el aula virtual.
En los encuentros sincrónicos se prevé una puesta en común de los contenidos trabajados
permitiendo un espacio de debate y reflexión crítica sobre las perspectivas, conceptos y
casos presentados así como de consulta por parte de los y las estudiantes. Además de los
encuentros sincrónicos, se establecen espacios de consultas del correo electrónico de la
cátedra, el foro y la mensajería del aula virtual.
7- Evaluación
Se ajusta a la reglamentación vigente (Régimen de alumnos y régimen alumno
trabajador): Los contenidos teóricos se evaluarán mediante (1) trabajo práctico grupal y
(1) parcial individual de carácter escrito. Ambos a desarrollar en la plataforma del aula
virtual. El primero, abarcará algunos contenidos del Núcleo temático 1. El segundo, de
carácter integrador, comprenderá contenidos de los Núcleos temáticos 1, 2 y 3. La
evaluación del trabajo práctico y del parcial será cuantitativa. Se tendrá en cuenta el
manejo de los contenidos; la claridad conceptual y el grado de apropiación, por parte de
los y las estudiantes, de los conceptos clave como en el planteo de relaciones entre las
perspectivas y propuestas de diferentes autore/a/s; la habilidad de transferir los
conceptos a ejemplos particulares; la capacidad de síntesis y la claridad en la expresión
escrita. En el trabajo práctico se evaluará también la predisposición y el compromiso para
el trabajo en grupo. Ambas instancias de evaluación se podrán recuperar.
Asimismo se prevé la realización de ejercicios teórico-prácticos individuales, cuestionarios
a trabajar en el aula virtual, que ayuden a la comprensión de los contenidos y contribuyan
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
página 12 de 13
con el seguimiento de la materia, que no serán calificados con nota, pero si tenidos en
cuenta como participación en la materia.
La evaluación final de los contenidos se realizará mediante la aprobación de las
evaluaciones planificadas para alumnos promocionales con la nota exigida por el régimen
de alumno vigente, la modalidad de examen oral para alumnos regulares y de examen oral
y escrito para los alumnos libres en las fechas correspondientes.
IF-2022-00334597-UNC-DDG#FA
página 13 de 13

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2018 - Antropología del Arte

Date: 2022.05.09 13:28:50 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:28:56 -03'00'
Departamento Académico Artes Visuales

Carrera/s:
Lic. en Artes Visuales orientaciones: a) Escultura, b) Grabado, c) Pintura, d) Medios
Múltiples) 2014 RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS 16/2012. Res. Ministerial
987/2013
Asignatura: DIBUJO III

Anual/cuatrimestral: Cuatrimestral
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular Semi Dedicación: Lic. Rubén Menas
Prof. Adjunto Simple a cargo: Lic. Cecilia Crocsel (Turno mañana)
Prof. Asistente Simple: Lic. Guillermo Alessio (Turno mañana)
- Adscriptos: Lic. Juan Juares
- Ayudantes Alumnos: Jazmín López, Vicente Almonacid
Distribución Horaria: Lunes

Turno mañana: 8 a 12 hs – Atención alumnos: de 12 a 13.30 hs
Turno tarde: 14.30 a 18.30 hs – Atención alumnos: de 18.30 a 20 hs
Virtual: Facebook Dibujo III UNC
___________________________________________________________________________
PROPUESTA DE CÁTEDRA
“Así dispuesta y entendida, la historia natural tiene como condición de posibilidad la

pertenencia común de las cosas y del lenguaje a la representación; pero no existe como
tarea sino en la medida en que las cosas y el lenguaje se encuentran separados. Así, pues,
deberá reducir esta distancia para llevar al lenguaje lo más cerca posible de la mirada, y a
las cosas miradas lo más cerca de las palabras. La historia natural no es otra cosa que la
denominación de lo visible…”
Michel Foucault
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 1 de 11
A
“El aprendizaje real es siempre un proceso continuo de reconocimiento de las nuevas
relaciones surgidas entre las palabras y las cosas. Dibujar es por lo tanto un hecho
conflictivo, sometido a las palabras y a sus corrimientos de significados, no sólo por las
transformaciones posibles de sus articulaciones, sino también por sus referencia a los
segmentos de realidad nombrable que la línea establece entre las figuras que lo
determinan.”
J.J. Gómez Molina
PROGRAMA
Fundamentación / Enfoques / Presentación:

Esta propuesta de trabajo abarca un cuatrimestre intenso de trabajo. La cátedra se propone ampliar
el discurso y recursos técnicos del dibujo para lograr un aprendizaje que amalgame, profundice y revise
lo ya adquirido en años anteriores, con la expectativa de incrementar los saberes y certezas de orden
teórico y técnico-procedimental que se ponen en juego a través de la práctica de taller. Las búsquedas
se orientan a la visualización de los aciertos y errores que se logran a partir de la misma. La
representación mimética es la orientación inicial y se propone un incremento de los procesos reflexivos
(técnicos, teóricos) para cimentar el dibujo como herramienta autónoma de representación y sentido.
Objetivos
-Puesta en valor no sólo de aquellos recursos y elementos del dibujo anclados en la
representación mimética y realista
-Destacar la importancia de la imagen generada a partir de indagaciones personales, de las
propias limitaciones y aciertos, recursos y habilidades, durante el cuatrimestre.
- Ampliar y reafirmar conceptos del dibujo como lenguaje autónomo.
- Promover la variación de recursos técnicos (materiales y soportes) en la representación.
- Profundizar en la valoración del trabajo de taller intensivo.
- Incrementar la autoevaluación y la reflexión crítica sobre el propio proceso de trabajo.
Contenidos / Núcleos temáticos / Unidades

Contenidos:
Representación: a) Fig. Humana completa con modelo vivo - b) Paisaje exterior- interior - c)
Imagen personal interpretativa de metáforas diversas
Técnicas: a) Dibujo lineal - b) Claroscuro – Grisallas – Técnicas secas - c) Tintas - Aguadas –
Técnicas húmedas d) Collages – Digital – Técnicas libres
Materiales: a) Lápiz – Carbón – Grafito - b) Carbonillas – Pasteles - c) Tintas – Acrílicos - d)
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 2 de 11
A
Materiales alternativos – Digitales
Soportes: a) Papel sulfito – Papel obra – Cartón - 70 x 100 cm - b) Telas – Bastidores - c)
Copias papel de trabajos digitales
Núcleos Temáticos:
1) Estructura y superficie del modelo vivo – entorno. Taller
2) Paisaje (externo – interno). Taller
3) Trabajo práctico “Voyeur”. Taller
4) Trabajo práctico “Inestabilidad”. Taller
5) Experimentación sobre la imagen personal (Elección del modelo de representación,
soporte y técnica con temáticas subjetivas propuestas por la cátedra) Abarca las temáticas
de los puntos 3 y 4. Taller
6) Teórico: Texto sobre lectura de “La Metáfora en el Arte, retórica y filosofía de la imagen”,
(capítulos 1, 2, 3 y 9) de Elena Oliveras
Unidades:
1: Introducción. Objetivos de la materia. Materiales a utilizar.
2: Taller intensivo de figura humana completa y detalles. Clave lumínicas, valores,
contrastes. Técnicas húmedas y secas
3: Figura – fondo. Tratamiento de la forma abierta y cerrada.
4: Figura humana y espacio real-afectivo.
1° Parcial
5: Paisaje. Externo – interno. Real – Mental. Técnicas húmedas y secas.
6: Trabajo práctico “Voyeur”. Técnicas húmedas y secas.
7: Trabajo práctico: “Inestabilidad”. Avances sobre la imagen personal. Collages, tramas,
texturas, técnicas mixtas.
2° Parcial
8: Presentación de carpetas. Análisis y crítica, gráfica, técnica y conceptual
Gómez Molina, J.J., L. Cabezas, J. Bordes, 2001, El manual de dibujo, estrategias de su
enseñanza en el siglo XX, Madrid, Cátedra (Arte, grandes temas) 654, II- La construcción del
sentido, (Lino Cabezas)
Oliveras, Elena, 2007, La Metáfora en el Arte, retórica y filosofía de la imagen, cap. 1, 2, 3 y
9
Bibliografía Ampliatoria
Oliveras, Elena, 2004, Estética, la cuestión del arte, Grupo Editorial Planeta S.A.I.C. / Ariel,
399, Capítulo II. Los conceptos principales. Capitulo III, Teorías sobre la creatividad.
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 3 de 11
A
Oliveras, Elena, 2009, Cuestiones de arte contemporáneo, Emecé, Buenos Aires, 272.
Metodología de taller.
Exposición del equipo docente referido a los aspectos técnicos y temáticos de cada clase.
Esta exposición puede estar acompañada o referenciada a través de libros, medios
audiovisuales (PowerPoint, etc.) y obras de producción del equipo de cátedra y ex alumnos.
Acompañamiento y seguimiento del aprendizaje a través de grupo virtual en las redes
sociales creado para tal fin. (Facebook: Dibujo III UNC)
Seguimiento individual de los procesos de enseñanza – aprendizaje
Clases teóricas – exposición de cada uno de los ejes temáticos.
Revisión y discusión de la producción (grupales)
Trabajos prácticos guiados
Parciales (2) y un recuperatorio para quien no pudo en tiempo y forma efectuar uno de los
parciales a los fines de obtener la promoción.
Evaluación. Criterios en general / por Unidad/por Prácticos elegir lo que corresponda.

La evaluación será de tipo teórico-práctico puntual con las siguientes instancias:
Dos parciales y dos trabajos prácticos más un teórico sobre bibliografía propuesta.
En los parciales se evalúan los trabajos hechos en el parcial, según la propuesta de cátedra:
1er Parcial) Al menos 4 trabajos en los que se verifican la utilización de las técnicas
propuestas con alternancia entre medios húmedos y secos en tamaños grandes de soportes
(1m x 70). Las poses de modelo duran 30 minutos. Tiempo total estimado: 2 horas. Los
trabajos realizados son evaluados a la clase siguiente, permaneciendo en guarda (no se
retiran)
2do Parcial) Al menos 4 cuatro trabajos sobre la temática de figura humana sin modelo. La
propuesta es aplicar conceptos adquiridos en relación a la figura humana y el entorno, con
menciones al paisaje, interpretaciones subjetivas, cambios técnicos, derivadas de los
prácticos “Inestabilidad”, “Voyeur”. Técnicas húmedas y secas - Mixtas
Trabajos prácticos) Específicamente referidos a los trabajos prácticos “Paisaje: interior –
exterior”, “Inestabilidad” y “Voyeur” que deberán ser presentados en la evaluación de
carpetas.
Guía de teórico
Texto: “La Metáfora en el arte, retórica y filosofía de la imagen” (Cap. 1, 2, 3 y 9)
Autor: Elena Oliveras. Emecé Editores S.A., 2007 1° Edición Bs. As.
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 4 de 11
A
1- Apuntar los aspectos comunes y diferencias entre Metáfora, Símbolo y Alegoría
2- Nombre y describa los tipos de metáfora que refiere Oliveras en el texto. ¿Aplica alguna a
las producciones plásticas requeridas en por la cátedra? ¿Cuál? ¿A través de qué recurso?
Explique. (Responder con tipografía Arial o Times New Roman, cuerpo 12)
Evaluación de carpetas: Se realiza en el último tramo de cursada debiendo presentar el

alumno: Los dos parciales y una serie de trabajos seleccionados sobre los comienzos,
intermedio y final de cursada. Deben incluir las carpetas los prácticos sobre los temas Paisaje
(interior – exterior), Inestabilidad, Voyeur.
Se tendrán en cuenta las siguientes pautas:
Manejo de técnicas de representación
Conocimiento de las consignas de trabajo reflexivas (no solo enunciativas)
Calidad gráfica de representación
Monto de trabajos
Presentación
Explicitación de conceptos de orden teóricos aplicados
Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar: (según normativa vigente –

Consultar Régimen de alumnos) Descripción de la propuesta de evaluación ajustada a la
reglamentación vigente (Régimen de alumnos y alumno trabajador en:
Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres: (según
normativa vigente)
Modalidad puntual:
- Será considerado PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes condiciones
mínimas: aprobar el 80 % de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 6
(seis) y un promedio mínimo de 7 (siete); aprobar el 100% de las Evaluaciones Parciales, con
calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). Pudiendo
recuperar al menos una evaluación parcial y un práctico para acceder a la promoción. El 20%
de lo trabajos prácticos evaluativos restante no son promediables ni por inasistencia ni por
aplazo. (Art 22 Régimen de alumnos)
Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir u mínimo de asistencia a clases, que no
podrá superar el 80% del total. Se entiende por asistencia la presencia del estudiante en la
clase, bajo ningún motivo la misma se podrá acreditar mediante actividades (Instancias
evaluativas-jornadas-salidas a congresos- actividades extracurriculares-etc) (Art 23. Régimen
de alumnos)
- Será considerado REGULAR el alumno que cumpla con las siguientes condiciones mínimas:
Aprobar el 80% de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 5 de 11
A
aprobar el 80% de las Evaluaciones Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4
(cuatro). Pudiendo recuperar evaluaciones parciales y prácticas para acceder a la
regularidad. El 20% de los trabajos prácticos evaluativos y el 20% de lo parciales restantes no
son promediables por inasistencia ni por aplazo. (Art. 26, Régimen de alumnos)
- Son alumnos LIBRES: Aquellos alumnos cuya asistencia fuera menor al 60% de clases sin
justificar, no realización de parciales o su correspondiente recuperatorio.
EXAMEN DE ALUMNO REGULAR - LIBRE

Pautas Generales
El examen se desarrolla durante una semana. En la fecha de examen se dictan los temas y se
entregan los trabajos a la semana. Se reúne el tribunal y se evalúa.
1) Técnicas secas (Grafito- barras- carbonilla): Figura humana completa - Lineal y claroscuro -
70 x 100 cm - 2 trabajos
2) Técnicas Húmedas (Tinta- Aguada -Pincel –Pluma): Figura humana completa – Lineal y
claroscuro – 70 x 100 cm – 2 trabajos
3) Paisajes (Interior- Exterior): Interior (sobre la casa propia)- Exterior (urbano- bucólico-
rural)- 50 x 70 cm – 4 trabajos (2 y2)
4) Figura humana: Trabajos con vistas parciales (close-up) de cabezas, manos y pies y con el
tema de oposiciones (frío-calor / alegría- tristeza / dolor- placer, etc.) Técnica libre - 50 x 70
cm – 2 oposiciones (4 trabajos)
5) Figura humana y espacio: Contraste figura fondo / Alternancia de claridad- oscuridad
entre la figura y el fondo – 50 x 70 cm. – Técnica libre – 2 trabajos
6) Inestabilidad: Trabajos en modo “inestable”, (sin apoyarse), en hojas tamaño máximo A4,
temática figura humana, vistas parciales, detalles, generales. Mínimo 5 trabajos. Técnica
libre.
7) Texto: Breve texto sobre el proceso personal en hoja A4
Alumnos Libres: Se suma a lo solicitado para alumnos regulares la presentación de no

menos de 10 dibujos (técnica libre) de la obra personal
Evaluación: El tribunal de examen evaluará el manejo de las técnicas propuestas, la
representación expresiva y personal y los aspectos compositivos de los trabajos realizados.
El alumno deberá exponer sobre el trabajo realizado, acompañado de un texto reflexivo
sobre el mismo.
Escala: 0-3 Reprobados / 4-10 Aprobados.
donde se presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras debe incorporarse
el siguiente recuadro.
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 6 de 11
A
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los
exámenes que requieran montaje de obras deberán
respetar las normas de seguridad e higiene. No se pueden
utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos,
escaleras de emergencia, como así también obstruir
puertas (oficinas, emergencias, ingreso, etc). Los espacios
de tránsito de uso común deberán contar con las
indicaciones pertinentes si interrumpen el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones,
retirando todos los elementos de montaje (cintas, tranzas,
etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser
devueltos de donde han sido retirados.
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben
hacerse a la Dirección del Departamento de Artes Visuales
y deben tener el aval del docente responsable.
10. Cronograma detallado:
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la
Facultad 16deberá
MARZO contar con
U 1- Presentación. el deaval
Propuesta trabajode
en la la Dirección
materia. del
Ejes y enfoques.
Indicación de textos sobre los que se trabajará como soporte teórico
Departamento.
23 U 2- Se comienza con modelo vivo, trabajos de corto tiempo de realización
para captar en líneas generales la forma y el espacio. Técnicas secas. Práctico
ABRIL 30 Propuesta de texto teórico sobre “La Metáfora en el arte” de E. Oliveras
Trabajos lineales y claroscuros. Forma y espacio. Modelo vivo. Materiales
secos
06 U 2- Trabajos lineales y claroscuros. Forma y espacio. Modelo vivo. Materiales
secos. Grisallas, tramas.
húmedos. Manchas, grisallas. Soportes papel obra
20 U 3- Entrega del trabajo teórico. Trabajos lineales y claroscuros. Forma y
espacio. Modelo vivo. Materiales húmedos. Manchas, grisallas. Soportes papel
obra
húmedos. Manchas, grisallas. Soportes papel obra
MAYO 04 Parcial 1. Modelo vivo. Técnicas secas y húmedas. Gran tamaño. Soportes
varios. Tiempos variables
11 Evaluación del parcial. Recuperatorio.
18 Semana de exámenes
25 U 5- Evaluación y recuperatorio de parcial. Enunciación del trabajo práctico
“Paisaje interior –exterior”
JUNIO 01 U 6- T.P. “Voyeur”. Sobre el tiempo y la memoria
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 7 de 11
A
08 U 7- T.P. “Inestabilidad”. Sobre la precisión y el sentido del enfoque.
Autoevaluación y crítica.
15 U 7- Preparación para parcial – Revisión de trabajos de bitácora
22 Parcial 2. Sobre la figura humana sin modelo. Técnicas mixtas. Evaluación
29 U 8- Recuperatorio Parcial 2. Evaluación final de proceso, carpeta y parciales.
Cronograma Tentativo General:

El cuatrimestre consta aproximadamente de 16 clases, descontando feriados.
Las primeras 5 clases son intensivas en relación a la aplicación de técnicas secas y húmedas
teniendo modelo vivo como eje de temático de representación.
En las clases 6 y 7 se realiza el 1er. Parcial y su evaluación
De la 8 a la 12 se dictan los prácticos sobre Paisaje (interior- exterior), Voyeur e
Inestabilidad
En la 13 y 14 se realiza el 2do. Parcial y su evaluación.
En la 15 y 16 se evalúan carpetas y se otorga la nota de promoción, regular o libre, si
correspondiere.
GUÍA DE TRABAJOS PRÁCTICOS
Representación: a) Fig. Humana completa con modelo vivo - b) Paisaje exterior- interior - c)
Imagen personal interpretativa de metáforas diversas
Técnicas: a) Dibujo lineal - b) Claroscuro – Grisallas – Técnicas secas - c) Tintas - Aguadas –
Técnicas húmedas d) Collages – Digital – Técnicas libres
Materiales: a) Lápiz – Carbón – Grafito - b) Carbonillas – Pasteles - c) Tintas – Acrílicos - d)
Materiales alternativos – Digitales
Soportes: a) Papel sulfito – Papel obra – Cartón - 70 x 100 cm - b) Telas – Bastidores - c)
Copias papel de trabajos digitales
Guía de Teórico:
Texto: “La Metáfora en el arte, retórica y filosofía de la imagen” (Cap. 1, 2, 3 y 9)
Autor: Elena Oliveras. Emecé Editores S.A., 2007 1° Edición Bs. As.
1- Apuntar los aspectos comunes y diferencias entre Metáfora, Símbolo y Alegoría
2- Nombre y describa los tipos de metáfora que refiere Oliveras en el texto. ¿Aplica alguna a
las producciones plásticas requeridas en por la cátedra? ¿Cuál? ¿A través de qué recurso?
Explique. (Responder con tipografía Arial o Times New Roman, cuerpo 12)
Unidades (T.P.):
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 8 de 11
A
1) Se comienza con modelo vivo, trabajos de corto tiempo de realización para captar en
líneas generales la forma y el espacio. Práctico
2) Se sigue con modelo vivo, trabajos de mayor tiempo de elaboración con claroscuro
grisallas, texturas. Práctico
3) Continúa modelo vivo, trabajos en aguadas, tintas, pincel seco. Práctico
- Teórico sobre “La metáfora en el arte” de Elena Oliveras. Módulo de tres preguntas sobre
el texto. Se entrega a la quinta clase.
4) Figura humana y el espacio real-afectivo
1er. Parcial) Figura humana con modelo vivo
Trabajos lineales (3), claroscuros (3), técnicas secas y húmedas alternadas. Tiempos
variables. 6 (seis) Trabajos. Una clase.
5) Trabajo de representación de paisaje (interior – exterior). Técnicas húmedas y secas a
elección del alumno.
6) Práctico “Voyeur” Trabajo de representación con modelo vivo. Sobre el tiempo y la
memoria. Variación de soportes pautados. Técnicas libre.
7) Práctico “Inestabilidad” Trabajo con modelo vivo. Soporte A4 máximo. Técnica libre.
2do. Parcial) Figura humana sin modelo.
A) Primeros planos de figura humana con entorno-contexto (texturas, elementos que rodean
la observación, memoria)
B) Figura humana completa- entorno trágico- alegre- intermedio (interpretación)
C) Figura humana completa y espacio - idea de movimiento a través del gesto/ texturas/
manchas
D) Percepción a través de un contexto no figurativo, líneas, manchas, abstracción posible de
la idea de lo humano.
Elegir 3 (tres) temas de representación. Una clase.
8) Evaluación Final con los 2 (dos) parciales y no menos de 10 trabajos prácticos a elección
del alumno o más. Consideración de progreso en las técnicas aplicadas. Se evaluará el
manejo de las técnicas propuestas, la representación expresiva y personal y los aspectos
compositivos de los trabajos realizados. El montaje será simple.
El alumno deberá exponer sobre el trabajo realizado en el año, acompañado de un texto

reflexivo sobre el mismo.
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 9 de 11
A
Lic. Rubén Menas
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
P página 10 de 11
A
ADENDA DIBUJO III 2020
Departamento Académico Artes Visuales

Carrera/s:
. Lic. en Artes Visuales orientaciones: a) Escultura, b) Grabado, c) Pintura, d) Medios
987/2013
Asignatura: DIBUJO III

Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular Semi Dedicación: Lic. Rubén Menas
Prof. Adjunto Simple a cargo: Lic. Cecilia Crocsel (Turno mañana)
Prof. Asistente Simple: Lic. Guillermo Alessio (Turno mañana)
- Adscriptos: Lic. Juan Juares, Lic. Nuria Agüero
- Ayudantes Alumnos: Jazmín López, Vicente Almonacid, Julieta Magnasco,
Guillermo Blanco
Aula Virtual: D3Menas20
Contenidos:
- Se mantienen los del programa 2020, exceptuando el Trabajo Práctico “Voyeur” por
imposibilidad práctica de desarrollo del mismo.
- Clases por Meet a través de Aula Virtual de al menos 4 horas de duración, respuesta a
consultas a través de Aula Virtual y grupo de Dibujo III en Facebook.
Examen Regular 2020: Se enunciarán los contenidos siguientes el día del examen (ya
están previstos en el programa). Se realiza durante una semana.
Se solicita una presentación en PDF a través de Aula Virtual que contenga los
siguientes trabajos:
- Paisaje exterior-interior
- Detalles de figura humana en modo “inestable”
- Trabajos lineales y claroscuros sobre figura humana y espacio, con modelo vivo o
virtual con modelo de la Facultad.
- Breve texto sobre la lectura de “La Metáfora en el Arte” de Elena Oliveras, cap.
1,3,9,11 atendiendo a las dos preguntas enunciadas en el Programa.
Los materiales, soportes, tamaños y cantidad de trabajos están indicados en el
Programa 2020 de Dibujo III
Examen Libre 2020: Los mismos contenidos que para el examen regular, mas una
presentación de al menos 10 trabajos, en modo informal o como bitácora, de
producciones dibujísticas con abordajes personales de representación.
IF-2022-00334611-UNC-DDG#FA
página 11 de 11

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2019 - Dibujo III

Date: 2022.05.09 13:30:13 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:30:19 -03'00'
Departamento Académico de Artes Visuales
Carrera/s:
Múltiples) RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS 16/2012. Res. Ministerial 987/2013
. Profesorado de Educación Plástica y Visual. Res. HCD 93/2014. Aprob. Res. HCS 1037/2014.
Res. Ministerial 1220/2016.
Asignatura: HISTORIA DEL ARTE 1

Cuatrimestral
Equipo Docente
- Profesores:
Prof. Asistente: Bárbara Chretien
Prof. Adjunta: Suyai Virginillo (por complementación de funciones)
Ayudantes alumnxs:
Nicolás Ahumada
Guadalupe Dean Eguía
Malena Herrera Piñeiro
Turno único: Miércoles 14hs. a 18hs.
Horario de atención de alumnos: Miércoles 18hs. a 19hs.
Aula Virtual “Historia del Arte 1”.
PROGRAMA
1. Fundamentación
La asignatura, de carácter puntual según el régimen de alumnos vigente, inicia el ciclo de

la licenciatura del plan de estudios vigente. Comprende el desarrollo histórico de los
diferentes procesos estéticos y culturales que dieron lugar a la formación del arte
occidental desde la antigüedad grecorromana hasta la modernidad europea de los siglos
XV y XVI.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 1 de 12
La organización de los contenidos específicos que integran este programa se basa en la
articulación de un enfoque conceptual-metodológico y un eje temático.
Para delimitar el abordaje se recurre a los conceptos de estilo e iconografía, cuyos
métodos provenientes de la historia del arte y otras ciencias humanas y sociales, son
adoptados como material y herramienta de estudio de los temas.
Se propone un análisis estilístico a partir de una concepción de estilo que comprende los
aspectos materiales y simbólicos constantes que lo constituyen (Schapiro). Esto
involucra la descripción de la forma en sí, el tratamiento del color, el espacio, el soporte,
la materia y la técnica, entre otros, y su puesta en relación con el sentido cultural. Es
decir, el estilo o forma constante como vehículo de significados, situado en un contexto
de usos y agencias particulares, en el cual se entraman lo estético, lo social, lo religioso,
lo económico, lo político, entre otros.
Desde esta perspectiva, el estilo es entendido como una herramienta de interpretación
cultural que permite abordar las relaciones entre el arte y la cultura. Ésta última
entendida en términos de hegemonía, es decir, como un proceso que abarca toda la
experiencia humana y las relaciones sociales de dominación y subordinación por las
distribuciones específicas del poder (Williams). Mediante el estilo, tanto en su carácter
colectivo (cultura, período, escuela) como en su carácter individual (artista, creador), se
intenta captar las diferencias y tensiones que emergen en los contextos de producción
de las obras como en la recepción de los procesos artísticos/ culturales estudiados.
Esta concepción del estilo, que atiende la vida social de las producciones artísticas o
estéticas, viene a complementar la mirada de los estudios iconográficos-iconológicos
(Panofsky), cuya interpretación del arte y la cultura se concentra en el análisis de las
ideas filosóficas, literarias, religiosas, etc. que portan las imágenes, relegando, a veces,
la experiencia estética y social de las prácticas, sin dar cuenta de contradicciones o
antagonismos en la cultura.
Desde la perspectiva del estilo presentada, los contenidos específicos se organizan en un
eje temático, lo clásico, siendo analizados como momentos dominantes y momentos de
discordancia, distanciamiento, ajenidad, respecto a lo clásico, procurando aprehender
especialmente la heterogeneidad, los cambios, la densidad y complejidad de los
procesos artísticos y sociales, coexistentes y sucesivos, que van conformando el “arte
occidental europeo” en los contextos de las culturas antigua, medieval y moderna. Éstas
últimas constituyen los marcos temporales operativos, dentro de los cuales se
seleccionan y ordenan los contenidos específicos.
La incorporación del estilo y la iconografía como contenidos de la asignatura, se
relaciona con la importancia que tienen estos conceptos dentro de los estudios
históricos del arte en general, y en particular, en relación con los contenidos específicos
de la materia.
Tanto el estilo como la iconografía, se han afianzado como métodos de estudio de las
obras de arte al interpretar las producciones estéticas provenientes de la antigüedad
clásica, del arte cristiano temprano y medieval, del arte del renacimiento y del
manierismo, entre otros, tendientes a elaborar las trayectorias del arte occidental en sus
procesos de formación y crisis.
En la asignatura, el tratamiento del método considerando sus posibilidades y
limitaciones permite captar diferentes perspectivas teóricas que van construyendo el
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 2 de 12
objeto de estudio y condicionando su apreciación y valoración. Y a la vez, el abordaje de
los contenidos desde una mirada crítica de los métodos, permite comprender y situar el
punto de vista de algunos de los autores propuestos como bibliografía específica.
En este sentido, la presentación de herramientas conceptuales y metodológicas busca
promover una aptitud general para plantear y analizar problemas respecto al arte, la
historia, la cultura, y así contribuir a la formación crítica de los estudiantes de la
licenciatura y el profesorado.
2. Objetivos
2.1 Objetivos Conceptuales Generales
- Articular nuevos conocimientos con conocimientos existentes.
- Comprender el carácter social del arte en tanto construcción cultural y práctica
histórica.
- Problematizar las nociones de estilo e iconografía considerando sus alcances y sus
limitaciones conceptuales y metodológicas.
- Conocer estilos artísticos de diferentes contextos histórico-culturales y sus procesos
particulares de producción y recepción.
- Articular las nociones de clásico y “no clásico” en el desarrollo de los contenidos
específicos.
- Interpretar el punto de vista de los autores sugeridos como bibliografía.
2.2 Objetivos Procedimentales Generales

- Aplicar las herramientas conceptuales y metodológicas de la historia del arte en el
análisis de las obras y sus contextos culturales.
- Generar instrumentos críticos para la interpretación histórica de posiciones teóricas
y perspectivas disciplinares.
- Articular los contenidos teóricos, metodológicos y específicos con la práctica
artística.
- Transferir instrumentos compositivos y técnicos de las artes estudiadas para la
elaboración de producciones gráficas de análisis.
2.3 Objetivos Actitudinales Generales

- Desarrollar la integración de los conocimientos adquiridos para la reflexión
permanente sobre el propio proceso creativo.
- Potenciar la capacidad de reflexión crítica y autocrítica.
- Generar actitudes de colaboración grupal.
3. Contenidos
Los contenidos se organizan en cuatro módulos didácticos, con objetivos y
bibliografía específica. El primer módulo introduce el enfoque de la asignatura. Los
tres siguientes retoman el primero y abordan problemáticas específicas que se van
articulando en el desarrollo de los contenidos del programa.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 3 de 12
3.1 Contenido 1 / Estilo e Iconografía
- Introducir conceptos y métodos que permiten abordar el estudio de las relaciones entre el
arte, la historia y la cultura.
- Analizar las posibilidades y limitaciones del estilo y la iconografía como métodos de la
historia del arte y otras ciencias humanas y sociales.
- Integrar los conocimientos adquiridos en la asignatura de primer año sobre el concepto de
clásico.
Contenidos Específicos
El concepto de estilo. Estilo clásico y estilos “anti- clásicos”: la construcción de un modelo y
sus implicancias para el estudio de otras formas artísticas.
El método iconográfico e iconológico de Panofsky: una historia de las ideas en imágenes
visuales. Alcances y limitaciones del método.
La tesis de Baxandall: el estilo como material de estudio para la historia social y la historia
del arte.
La propuesta conceptual y metodológica de Williams: la hegemonía como dimensión
cultural. Los estilos como formaciones estéticas y sociales. Las categorías de “emergente”,
“dominante”, “residual” y “arcaico” aplicadas en el estudio de los procesos estilísticos,
artísticos y sociales.
El estilo como instrumento de interpretación cultural.
BAXANDALL, Michael (1972) “Prefacio” en Pintura y vida cotidiana en el renacimiento. 2000.
Barcelona: Gustavo Gili. 2000.
PANOFSKY, Erwin. (1962) “Introducción” en Estudios sobre iconología. Madrid: Alianza
Universidad. 1994.
WILLIAMS, Raymond. “La hegemonía”; “Dominante, residual y emergente” en Marxismo y
literatura. Barcelona: Península. 2000.
ZABLOSKY Clementina y Joaquín PERALTA. “El estilo como instrumento de interpretación
cultural” en Actas IX Jornadas Interescuelas y Departamentos de Historia "a veinte años...”.
Escuela de Historia. Facultad de Filosofía y Humanidades. Universidad Nacional de Córdoba.
Córdoba, Argentina, 2003.
Bibliografía ampliatoria
BELTING, Hans. Antropología de la imagen. Buenos Aires. Buenos Aires: Katz. 2007.
BURUCÚA, José Emilio. Historia, arte, cultura. Buenos Aires: FCE. 2003.
CLIFFORD, James. Dilemas de la cultura. Barcelona: Paidós. 1995.
CROW, Thomas. La inteligencia del arte. México: FCE. 2008.
GOMBRICH, Ernst H. Los usos de las imágenes. Estudios sobre la función social del arte y la
comunicación visual. México: FCE. 2003.
PÄCHT, Otto. (1977) Historia del arte y metodología. Madrid: Alianza Forma. 1989.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 4 de 12
3.2 Contenido 2 / Arte y cultura en la Antigüedad grecolatina
- Integrar los contenidos específicos adquiridos en la asignatura de primer año sobre el arte
clásico en Grecia antigua.
- Analizar las nociones de clásico como estilo y período histórico particular en la antigüedad.
- Conocer las condiciones históricas y sociales de producción y recepción de las imágenes y
estilos del arte en el Imperio romano.
Contenidos específicos
- Periodización de la antigüedad. Ubicación geográfica de las culturas griega y romana.
- El arte clásico en Grecia antigua.
Conceptos de clásico. Estilo: la forma clásica. Principios y reglas de composición. Orden y
canon. Materiales y técnicas. Iconografía: los temas clásicos. Arte y experiencia en Atenas.
Principales obras y representantes griegos.
- El arte “clásico” en el Imperio Romano.
Roma, ciudad cosmopolita y centro político. El arte y el estado.
El legado griego: los estilos clásico y helenístico. El arte como experiencia pública y personal.
El arte romano. El realismo como estilo. El retrato. Los relieves históricos. El sentido del
espacio romano: el Panteón. Decoración mural: técnicas y materiales.
- La “crisis” del estilo clásico en el Bajo Imperio Romano.
El cristianismo, ideas y prácticas religiosas. Las catacumbas. El primer arte cristiano: temas y
estilos. La imagen de Cristo. Arte cristiano y estado romano: primeras imágenes “oficiales”.
Arquitectura y decoración mural.
PANOFSKY, Erwin. (1962) “Introducción” en Estudios sobre iconología. Madrid: Alianza
Universidad. 1994.
POLLIT J. J. Arte y experiencia en la Grecia Clásica. Bilbao: Xarait. 1984.
STERN, Henri. “El arte cristiano desde las catacumbas a Bizancio” en HUGYHE, René. El arte y
el hombre. Barcelona: Planeta. 1974.
WOODFORD, Susan. “El mundo romano” en Grecia y Roma. Barcelona: Gustavo Gili. 1985.
BIANCHI BANDINELLI, R. Roma, centro del poder. Madrid: Aguilar. 1970.
GRABAR, André. Las vías de la creación en la iconografía cristiana. Madrid: Alianza Editorial.
1998.
HONOUR. H y J. FLEMING. Historia del arte. Barcelona: Reverté SA. 1987.
NUSENOVICH, Marcelo. Introducción a la Historia de las artes. Manual de cátedra. Córdoba:
Brujas, 2009.
TATARKIEWICZ, Wladyslaw. Historia de seis ideas. Madrid, Tecnos, 1992.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 5 de 12
3.3 Contenido 3 / Arte y cultura en la Edad Media
- Integrar los contenidos específicos adquiridos en la asignatura de primer año sobre el arte
en la Plena y Baja Edad Media.
- Estudiar procesos estilísticos en la Alta Edad Media considerando cambios y continuidades
respecto al arte antiguo grecorromano.
- Conocer las condiciones de producción y apropiación de las imágenes y estilos del arte en
la Alta Edad Media.
- Transferir categorías analíticas de emergente, dominante, residual y arcaico en el estudio
histórico y social de los estilos.
- Periodización y concepto de Edad Media. Ubicación geográfica de las culturas “bárbaras”,
cristianas (arte bizantino y carolingio, románico y gótico) e islámicas.
- La crisis del estilo clásico. Lo clásico como residual.
Constantinopla, capital cristiana del Imperio. El arte bizantino: cristianismo, cultura griega e
imperio romano. La experiencia del espacio bizantino: la arquitectura religiosa. Las imágenes
de la corte. Estilos. Materiales y técnicas. El movimiento iconoclasta. La ortodoxia y el
programa iconográfico. Obras clave.
- La “abstracción” como estilo. Lo clásico como residual.
Los inicios del arte islámico. La religión del Islam. Arquitectura religiosa y decoración
islámicas. Estilo: motivos, materiales y técnicas. La experiencia del espacio y cualidades del
paisaje. Aportes al arte y la cultura occidental europea.
El arte de los llamados pueblos “bárbaros” 1. Celtas y germanos. Estilos y temas. Técnicas y
materiales. Aportes a la cultura occidental grecolatina.
- La renovación de lo romano, el estilo clásico como emergente.
El arte carolingio y la vida en el Sacro Imperio Romano Germánico. Concepto de
renacimiento carolingio. El arte en los talleres. Arquitectura y manuscritos: cuestiones de
estilo e imaginería religiosa imperial.
- El estilo románico, lo clásico como arcaico y residual.
La vida rural. Los monasterios. Las peregrinaciones. La influencia de San Agustín. La actitud
estética del románico: las órdenes de Cluny y Císter. Los estilos regionales. Los temas.
Escultura y pintura. Técnicas y materiales.
- El estilo gótico, el clásico de lo residual a lo emergente
La vida en la ciudad. Las catedrales: arquitectura y escolástica. Santo Tomás. Artistas y
gremios. Los temas. Materiales y técnicas. Vitrales y tapicería.
La escuela de Florencia y la escuela de Siena en la pintura del siglo XIV. La pintura en
Flandes. Cuestiones de estilo. Principales representantes en la Baja Edad Media.
ARIÈS, Philippe y Georges DUBY. Historia de la vida privada. Tomo 2. La Alta Edad Media.
Madrid: Taurus. 1987.
1
Culturas no romanizadas.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 6 de 12
DUBY, Georges. Europa en la Edad Media. Barcelona: Paidós.
HAUSER Arnold. Historia social de la literatura y el arte. Madrid: Guadarrama. 1969.
HUGYHE, René. El arte y el hombre. Barcelona: Planeta. 1974.
LIEBICH Hayat S. El arte islámico. Cuenca mediterránea. Barcelona: Paidós. 1983.
Brujas, 2009.
SCHAPIRO, Meyer. Estudios sobre el románico. Madrid: Alianza. 1985.
VELMANS, Tania. El mundo bizantino (siglos IX y XV). Madrid: Alianza. 1985.
WILLIAMS, Raymond. Marxismo y literatura. Barcelona: Península. 2000.
CLARAMUNT, Salvador. Las claves del Imperio bizantino (395-1453). Barcelona: Planeta.
1992.
GRABAR, Oleg. La formación del arte islámico. Madrid: Cátedra. 2000.
HATJE, Úrsula. Historia de los estilos artísticos. Tomo1. Madrid: Itsmo.
HUBERT J., J PORCHER y W. VOLBACH. El imperio carolingio. Madrid Aguilar. 1968.
PANOFSKY, Erwin. Renacimientos y renacimiento en el arte occidental. Madrid: Alianza.
1986.
3. 4 Contenido 4 / Arte y cultura en la Edad Moderna
- Analizar la noción de Edad Moderna como período histórico particular.
- Estudiar los procesos estilísticos e iconográficos analizando cambios y continuidades
respecto del arte grecolatino y medieval.
- Integrar los conocimientos adquiridos en la asignatura de primer año sobre el arte en el
Renacimiento.
- Conocer las condiciones sociales de producción y recepción de las imágenes y estilos del
Manierismo en Europa.
- El estilo clásico como dominante
Concepto de Renacimiento: antiguos y modernos. La vida moderna en los siglos XV y XVI.
Humanismo y antropocentrismo. Individualismo y capitalismo. El mecenazgo.
El arte clásico. La perspectiva monofocal como símbolo. Relaciones entre arte y ciencia. Los
tratados. El arte en Italia y Flandes. Temas y estilos. Materiales y técnicas. Artistas
principales.
- El estilo clásico como dominante y residual
Conceptos de Manierismo. El arte manierista: clásico y anti-clásico. La vida espiritual a partir
de la Reforma. Las relaciones entre artistas y comitentes. El mundo del arte: conceptos de
arte y artista, las primeras academias en Italia. El arte en Europa y colonias. Temas y estilos.
Principales obras y artistas.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 7 de 12
CALINESCU, Matei. “La idea de modernidad” en Cinco caras de la modernidad. Modernismo,
vanguardia, decadencia, kitsch, posmodernismo, Madrid, Tecnos, 1991.
HAUSER Arnold “El concepto de manierismo” en Historia social de la literatura y el arte.
Madrid: Guadarrama. 1969.
HONOUR. H y J. FLEMING. Historia del arte. Barcelona: Reverté SA. 1987.
SHEARMAN, John, Manierismo. Barcelona: Xarait. 1984.
WILLIAMS, Raymond. Marxismo y literatura. Barcelona: Península. 2000.
BAXANDALL Michael. Pintura y vida cotidiana en el renacimiento. Barcelona: Gustavo Gili.
2000.
BELTING, Hans. Antropología de la imagen. Buenos Aires. Buenos Aires: Katz. 2007.
BERNALES BALLESTEROS, Jorge. Historia del arte hispanoamericano. Siglos XVI a XVIII.
Madrid: Alambra.
BURKE, PETER, El Renacimiento europeo. Barcelona: Crítica. 2000.
Brujas, 2009.
PANOFSKY, Erwin. La perspectiva como forma simbólica. Barcelona: Tusquets Editores. 1995.
WÖLFFLIN, Heinrich. El arte clásico. Una introducción al Renacimiento italiano. Madrid:
Alianza.
ZABLOSKY, Clementina. “Notas sobre Leon Battista Alberti”, Córdoba, 2014, mimeo.
4. Propuesta metodológica
Según las actividades planificadas, las clases se desarrollarán en dos instancias, una teórica y
otra teórica-práctica. En la primera instancia, de carácter expositivo se desarrollarán los
contenidos teóricos y se analizarán ejemplos, con proyección de imágenes y presentación de
esquemas explicativos, por parte del docente. La segunda, consistirá en la realización de
actividades en forma individual o grupal, por parte de lxs alumnxs, como la elaboración
teórica de contenidos específicos, el análisis de obras clave y la producción de esquemas
gráficos o escritos breves que sinteticen los principales temas y conceptos desarrollados en
la clase. Se proponen dos tipos de ejercicios teórico-prácticos (ETP): uno, de elaboración de
esquemas conceptuales a partir de la lectura comprensiva de bibliografía específica; dos, de
análisis gráfico de aspectos estilísticos e iconográficos de obras clave del arte en los
diferentes contextos históricos y culturales estudiados. Estas actividades requieren por parte
de lxs estudiantes, el trabajo individual y/o grupal de exploración y búsqueda de información
bibliográfica y material visual que deberá ser usado para la elaboración de los ejercicios.
Para el análisis de las obras clave se utilizarán los instrumentos metodológicos ofrecidos por
los estudios estilísticos e iconográficos y la transferencia de los conceptos y contenidos
estudiados durante el cursado.
El aula virtual albergará los materiales de estudio, como la selección bibliográfica, guías y
fichas de lectura y contará con los recursos pertinentes para el desarrollo y la comprensión
de los temas del programa.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 8 de 12
5. Evaluación
Los contenidos teóricos se evaluarán mediante instancias de evaluación grupal y/o
individual. Para las evaluaciones parciales individuales y escritas (P1 y P2) se tendrán en
cuenta el manejo de los contenidos y los conceptos estudiados, la capacidad de síntesis, la
capacidad de transferencia de conceptos en el análisis de ejemplos particulares como la
expresión escrita. Se podrá recuperar uno de los exámenes parciales.
En el TP grupal, gráfico y escrito, se evaluará el manejo de conceptos, es decir, el grado de
apropiación por parte del alumno de los conceptos instrumentales y del desarrollo de las
habilidades para el procesamiento de la información, la claridad conceptual, la capacidad de
análisis, la transferencia al lenguaje gráfico y la resolución técnica.
Se considerará lo actitudinal tanto en la responsabilidad y compromiso con el trabajo
propuesto como en el cumplimiento de las consignas y pautas en el proceso de elaboración:
búsqueda bibliográfica, búsqueda de ejemplos artísticos y la presentación.
La evaluación final de los contenidos se realizará mediante la modalidad de coloquio para
alumnos promocionales, de examen oral para alumnos regulares y de examen oral y escrito
para los alumnos libres en las fechas correspondientes.
6. Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar
Ver Régimen de estudiantes de la Facultad de Artes vigente:

https://artes.unc.edu.ar/wp-content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf
Régimen de Estudiantes trabajadores/as o con familiares a cargo según Resolución del
Honorable Consejo Directivo de la FA RHCD_91_2012:
http://www.digesto.unc.edu.ar/facultad-de-artes/honorable-consejo-
directivo/resolucion/152_2017/?searchterm=estudiante%20trabajador
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los exámenes que requieran montaje de obras deberán
respetar las normas de seguridad e higiene. No se pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos,
escaleras de emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas, emergencias, ingreso, etc). Los espacios
de tránsito de uso común deberán contar con las indicaciones pertinentes si interrumpen el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos los elementos de montaje (cintas,
tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde han sido retirados.
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben hacerse a la Dirección del Departamento de Artes
Visuales y deben tener el aval del docente responsable.
Departamento.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 9 de 12
SEPTIEMBRE 2 Virtual Presentación / Iconografía y Estilo (ETP)

9 Virtual . Concepto de Clásico
Arte y cultura en la Antigüedad grecolatina
. Estilos e iconografías griega y romana (ETP)
16 Virtual Arte y cultura en el Bajo Imperio Romano y el Imperio
Romano de Oriente
. Estilos e iconografías paleocristiana y bizantina (ETP)
23 Virtual Arte y cultura en la Alta Edad Media
. Estilos e iconografías bárbara e islámica (ETP)
30 Virtual Feriado. Ciudad de Córdoba.
OCTUBRE 7 Virtual Arte y cultura en la Alta Edad Media
. Estilos y motivos de renacimiento carolingio (ETP)
14 Sin clases Semana de Exámenes finales
21 Virtual Parcial 1 (cuestionario)
28 Virtual Arte y cultura en la Plena y Baja Edad Media
. Estilos y motivos románicos y góticos (ETP)
NOVIEMBRE 4 Virtual Arte y cultura en la Modernidad del siglo XVI
. Estilos e iconografías de renacimiento (ETP)
NOVIEMBRE 11 Virtual Arte y cultura en la Modernidad del siglo XVI
.Estilos e iconografías de manierismo
Entrega ETP 7
18 Virtual Reunión- Consulta Meet
Parcial2 Consignas a desarrollar
25 Virtual Parcial 2 / Entrega de parcial
DICIEMBRE 2 Virtual Recuperatorios Parcial 1 y Parcial 2
Cierre de cuatrimestre
30/11 Virtual Exámenes finales /2º turno
al 12/12
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 10 de 12
Departamento Académico de Artes Visuales
Carrera/s:
Múltiples) RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS 16/2012. Res. Ministerial 987/2013
Res. Ministerial 1220/2016.
Asignatura: HISTORIA DEL ARTE 1

Cuatrimestral
Equipo Docente
- Profesores:
Prof. Asistente: Bárbara Chretien
Prof. Adjunta Suyai Virginillo (por complementación de funciones)
Ayudantes alumnxs:
Nicolás Ahumada
Guadalupe Dean Eguía
Malena Herrera Piñeiro
Turno único: Miércoles 14hs. a 18hs.
Horario de atención de alumnos: Miércoles 18hs. a 19hs.
Aula Virtual “Historia del Arte 1”.
Email: historiadelarte1.fa@gmail.com
De acuerdo a la adhesión de la Facultad de Artes a las medidas de prevención

comunitarias e individuales dispuestas por el gobierno nacional y la UNC ante la
situación epidemiológica del Coronavirus (COVID-19) se reprograman los ítem 4-
Propuesta Metodológica y 5-Evaluación, del programa de la asignatura.
4-Propuesta metodológica
El dictado de la materia correspondiente al segundo cuatrimestre del ciclo lectivo
2020 se desarrollará de manera remota con clases a través de la Aula Virtual. Las
actividades planificadas para la asignatura comprenderán las modalidades de clases
teóricas y teóricas- prácticas para el desarrollo de los contenidos específicos así como
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 11 de 12
la realización de ejercicios que contribuyan a la comprensión de la bibliografía
propuesta. La primera instancia consiste en la exposición de los temas mediante la
presentación de esquemas explicativos y el análisis de ejemplos e imágenes (videos,
fotografías) por parte del docente (ppt). Estas clases serán grabadas y cargadas en el
aula virtual. La segunda instancia teórico-práctica consistirá en la realización de
actividades en dicha plataforma (cuestionarios) a resolver por los alumnos de manera
individual, para el estudio de los contenidos vistos y el análisis de obras clave en
contextos históricos culturales particulares. La formulación de los ejercicios teóricos
prácticos estará basada en los materiales bibliográficos y audiovisuales que se
encuentran disponibles en el aula virtual. Se prevén encuentros sincrónicos para una
puesta en común de los contenidos trabajados permitiendo un espacio de consulta
acerca de las perspectivas, conceptos y casos presentados por parte de los y las
estudiantes. Además de los encuentros sincrónicos, se establecen espacios de
consultas del correo electrónico de la cátedra, el foro y la mensajería del aula virtual.
5- Evaluación
Se ajusta a la reglamentación vigente (Régimen de alumnos y régimen alumno
trabajador).
Los contenidos teóricos se evaluarán mediante (2) parciales, uno individual y otro
grupal de carácter escrito. Ambos a desarrollar en la plataforma del aula virtual. El
primero, abarcará contenidos de los Núcleos temáticos 2 y 3. El segundo comprenderá
contenidos de los Núcleos temáticos 1 y 4. La evaluación de los parciales será
cuantitativa. Se tendrá en cuenta el manejo de conceptos instrumentales y contenidos
específicos así como la claridad conceptual, la capacidad de síntesis y de transferencia
de conceptos en el análisis de ejemplos particulares como la expresión escrita.
Para seguimiento del desarrollo de los contenidos por parte de los estudiantes se
efectuarán instancias de evaluación individual. Estas consisten en Ejercicios Teóricos
Prácticos (ETP) que serán evaluados de manera cualitativa considerando el manejo de
los contenidos y la bibliografía estudiados. Se podrá recuperar un (1) de los ETP y uno
(1) de los exámenes parciales.
La evaluación final de los contenidos se realizará mediante la aprobación de las
instancias de evaluación previstas para alumnos promocionales, de examen oral para
alumnos regulares y de examen oral y escrito para los alumnos libres en las fechas
correspondientes.
IF-2022-00334637-UNC-DDG#FA
página 12 de 12

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2020 Historia del Arte I

Date: 2022.05.09 13:33:28 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:35:49 -03'00'

Carrera/s:
. Lic. en Artes Visuales orientaciones: c) Pintura - 2014 RHCD 429/2011 FFyH aprobado por
RHCS 16/2012. Res. Ministerial 987/2013
Asignatura: PROCESOS DE PRODUCCIÓN Y ANÁLISIS I- PINTURA

Año curricular: TERCER AÑO
Anual
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Esp. Mariana del Val
Prof. Asistente: Lic. Valeria López
- Ayudantes alumnos: Vicente Almonacid, Paloma Ludueña
Distribución Horaria (días asignados para el desarrollo de la asignatura y horario de atención

a alumnos, se puede incluir el correo electrónico a través del cual se comunican con los
estudiantes).
Turno único: martes de 8 a 13 hs y jueves de 8 a 11 hs

Horario de consulta: jueves de 11 a 13 hs
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 11
PROGRAMA

La materia se inscribe en tercer año de Licenciatura, con una orientación en Pintura,
planificada bajo parámetros que sustentan que esta orientación adhiere a los
desplazamientos que ofrece la contemporaneidad.
Los procesos de hibridación del arte actual, obras de bordes difusos, modelos
fluctuantes de procesos y prácticas que constituyen los modelos post disciplinares
comenzarán sus primeros ensayos en esta asignatura. Vienen de cursar una materia el
año inmediato anterior en los que analizan los procesos históricos de construcción
pictórica, desde la edad media a las rupturas que proponen los artistas de la
modernidad.
Tendremos dos desafíos al transitar esta materia, en principio consolidar aprendizajes
de años anteriores en los que técnicas y materiales, con sus implicancias históricas,
fueron estructurando sus aprendizajes, y en segundo lugar comenzar a pensar en
aquellos procesos propios que nos constituyen como artistas productores de sentido.
Esto implica entonces, operar sobre conocimientos técnicos, iconográficos y
conceptuales que deberán tener sustento en el marco de prácticas eminentemente
subjetivas ya que se trata de promover el reconocimiento de identidades. Sólo en el
horizonte de estas premisas es que se entenderán los aspectos siguientes del programa.
2- Objetivos
Esta propuesta programática se propone:

- Favorecer la comprensión de los procesos de producción pictórica así como ponerlos
en práctica.( Técnicas, procedimientos, elementos del lenguaje)
- Desarrollar hábitos propuestas para la materialización de ideas e imágenes.
- Propiciar la capacidad de observación y del sentido crítico frente a las producciones
propias y las de sus compañeros.
- Favorecer el reconocimiento y el análisis de trayectorias culturales dentro de la
pintura como género histórico; al igual que el reconocimiento de la impronta
interpretativa y expresiva de cada alumno.
Al terminar al cursado el alumno deberá estar en condiciones de :

- Representar en términos plásticos situaciones visuales y conceptuales.
- Reconocer intereses particulares y definir estrategias de producción para
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 11
alcanzarlos.
- Manifestar capacidad crítica y autoconciencia sobre lo realizado.
- Ubicar sus producciones en contextos de recepción adecuados.
- Construir pequeños relatos y textos que trabajen el análisis y construcción de
poéticas propias y de sus compañeros.
- Comenzar a pensar en aquellos procesos propios que nos constituyen como artistas
productores de sentido.
1- Representación icónica de la imagen: orden compositivo desde la figuración.

La escena como estructura de composición. Color. Luz. Espacio. El trabajo de campo.
La relación con la fotografía. El estudio de los espacios y las formas. Los distintos
cánones de representación y rupturas en las historia del arte.
2- La Presentación en la pintura: Materia, gesto, soportes. Informalismo. ( Color y

Espacio. Cambios de escalas y formatos)
3- Estructura compositiva y tratamiento pictórico en abstracciones de bordes netos.

Geometría, estructuras fragmentadas y de construcción mixta. ( Color y Espacio.
Cambios de escalas y formatos)
4- Estrategias de producción personales. Configuración a partir de procesos de

significación. Autorreferencialidad. Relatos.
5 - Configuración de las obras en los procesos de recepción: exposición y montaje.
4- Bibliografía obligatoria discriminada por núcleos temáticos o unidades. Detallar los

capítulos obligatorios cuando corresponda.
- J. Sureda/ A. Ma Guasch. La Trama de lo Moderno. Editorial Akal.
- Bettino, Carla. El Gran Otro. Apuntes para el arte Contemporáneo.
Autorreferencialidad. Artes visuales. Agosto, 2013.
Oliveras, Elena Cuestiones de arte contemporáneo, Emecé, Buenos Aires. 2009
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 11
Januszczak Waldemar, Técnicas de los grandes pintores, Editorial Blume. 1981
Wlasdyslaw Tatarkiewicz. “Historia de seis ideas. Arte , belleza, forma, creatividad,
mimesis, experiencia estética.” Editorial Tecnos.
Para la puesta en práctica se plantean dos etapas con dos orientaciones distintas y se
plantean como cronograma:
1º Cuatrimestre:
1º etapa: En esta instancia se pretende reconocer la articulación de variables para que el

alumno pueda determinar una estrategia de reconocimiento de imágenes y técnicas que
toman algunos modelos de la historia del arte. Dichas variables tienen que ver con los
diferentes modos de representación, la relación entre la luz, la forma y el tiempo, la
aplicación de modelos racionalistas y caóticos en el arte, la manifestación de la subjetividad
de autor, las transformaciones materiales y conceptuales en los modos de producción, la
importancia del contexto. (Abril- Mayo)
- Primer trabajo práctico: Escenas. Búsqueda de imágenes a partir de registros fotográficos y

gráficos en el territorio. Trabajos a partir de entornos sociales. Atmosfera, escenas, síntesis
morfológicas intuitivas, paletas, etc. Se trata de traducir contextos de “realidad” a formas
pictóricas.
- Segundo trabajo práctico: Escenas en el espacio áulico. Construcción ficcional de escenas

en el espacio áulico para construir variables de representación, síntesis, color, luz, tiempo,
espacio en una jornada de taller. La mímesis como proceso de construcción de la identidad
pictórica. Articulación de variables que implican observación, composición, análisis
cromático y procedimientos técnicos que profundizan contenidos trabajados en las
asignaturas del Ciclo Básico. Todo esto está vinculado con la comprensión de la imagen y su
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 11
expresión en el dibujo y su articulación con la pintura como estructura de base; el color y su
implicancia en la totalidad de la imagen en términos pictóricos. En este proceso el alumno
puede reconocer objetivamente sus limitaciones y logros como también cuál es el modo
particular que define su interpretación. Es decir como utiliza el lenguaje frente a un mismo
tema. Entonces el modelo, la figura humana como tema, es un pretexto para reconocerse en
el lenguaje pictórico que mantiene cierta continuidad con el proceso anterior
- 15 clases (mayo a octubre).
- Tercer trabajo práctico: la mancha como configuración de sentido. La abstracción como

construcción caos-representacion. Informalismos. Comportamiento de la materia vs control
del caos. La relación entre procesos experimentales y las búsquedas expresivas inesperadas.
Técnicas mixtas. Experimentación con soportes, materiales y herramientas. Varias escalas.

Finalizar con tres trabajos de 1x1m. Informalismo, Abstraccion postpictórica, lírica etc -
Importancia del soporte, sensibilización ante lo “encontrado” el azar, estructuras pictóricas
en materiales variados. Dadaísmo, tachismo, constructivismo, surrealismo etc ( Junio)
- Cuarto trabajo práctico: abstracciones netas y geométricas. Procesos técnicos, espaciales y

cromáticos. (junio).
- Quinto trabajo práctico: análisis bibliográfico de desplazamientos a partir de la

modernidad de nociones de tiempo, espacio, composición, y búsquedas de sentido. (teórico)
2º Cuatrimestre:
- Sexto trabajo practico: Autorreferencialidad en el arte: procesos de metáfora y

significación . Presentación/Representación Marcel Duchamp, Frida Kalo, Durero, Van
Gogh, Bruce Nauman, Sindy Sherman, Alfredo Greco, etc. ( Julio/Agosto)
- Séptimo Trabajo practico: Procesos de producción personal. Síntesis de ideas
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 11
propias. Configuración de proyectos. Metodología de lo procesual en el arte.
Procesos individuales vs grupales.
Definición proyectos y realización de los mismos.
Estrategias de montaje en el espacio áulico/ espacio expositivo. (Setiembre- Octubre-

Noviembre)
- En la configuración de estrategias propias para la producción pictórica el alumno deberá:
- Definir líneas de problemáticas a trabajar. Buscar referencias. Presentar proyectos
- Investigar materiales y procedimientos adecuados. Realizar pruebas
- Interrelacionar factores expresivos con los técnicos y los propios del lenguaje visual.
Realizar pruebas
- Realizar un proceso de trabajo que se ubique dentro de las problemáticas actuales de la

pintura. Fundamentarlo.
- Presentación final de por lo menos 10 obras que sostengan ideas coherentes en el plano
técnico, formal y conceptual. Análisis de la obra realizada por un compañero en forma de
ensayo.
7- Evaluación: Régimen de cursado: Promocional, Regular o Libre según consta en el

Reglamento de alumnos. Ordenanza Nº 0001/2018 HCD. Facultad de Artes). Se tendrá en
cuenta el Régimen de alumno Trabajador.
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 11
Como materia de taller se evalúa la práctica: los trabajos prácticos son considerados
aquellos que se realizan en clase y los que se piden para realizar fuera de ella. Se tendrá en
cuenta el proceso de desarrollo de los mismos, el cumplimiento de las propuestas y
objetivos, y el cuidado en la presentación. Cada práctico está constituido por una serie de
producciones; es decir implica un breve proceso en si mismo. Algunos prácticos son de
orden teórico y se refieren a conceptos a trabajar o a análisis de lo producido. Se toman dos
parciales en el momento de cierre de cada una de las dos etapas diferenciadas. La nota final
surge del proceso general realizado a lo largo del año, que se verifica en las notas obtenidas
y en la presentación final. Se pide a cada alumno a modo de bitácora la construcción de un
blog personal que va sistematizando sus producciones visuales y sus escritos en torno a ellas.
- La cátedra usa como soporte tecnológico Aula Virtual de la Facultad e Artes UNC, así
como Faceboock (PPyA 1 pintura 2020).
Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres: (según normativa
vigente)
8- ESTUDIANTES PROMOCIONALES
Será considerado PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes condiciones mínimas:
aprobar el 80 % de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un
promedio mínimo de 7 (siete); aprobar el 100% de las Evaluaciones Parciales, con calificaciones
iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). Los alumnos tendrán derecho a
recuperar como mínimo el 33 % de los Trabajos Prácticos.
Los alumnos que estén en condiciones de promocionar presentarán un proceso de producción final
donde se pondrán en juego los conocimientos adquiridos. El proceso constará de un mínimo de 10
trabajos, un informe donde se expliciten los elementos y los criterios utilizados que se presenta en
un blog en la web con toda la documentación del proceso Los alumnos tendrán derecho a recuperar
como mínimo el 33 % de los Trabajos Prácticos.
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 11
ARTÍCULO 25: Todo/a estudiante debidamente inscripto/a puede acceder a la condición de

estudiante regular, que implica la posibilidad de inscripción para aprobar la asignatura accediendo a
un examen de una sola instancia, que podrá ser oral o escrita.
ARTÍCULO 26: Son estudiantes REGULARES aquellos/as que cumplan las siguientes condiciones:
Modalidad puntual: aprobar el 80% de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4
(cuatro) y aprobar el 80% de las Evaluaciones Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4
(cuatro). Pudiendo recuperar evaluaciones parciales y prácticas para acceder a la regularidad. El 20%
de los trabajos prácticos evaluativos y el 20% de los parciales restantes no son promediables ni por
mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar al menos una instancia.
ESTUDIANTES LIBRES
ARTÍCULO 29: Los/as estudiantes que, estando debidamente inscriptos/as en el año académico,
decidan inscribirse a presentar exámenes finales en la condición de libres, accederán a un examen de
dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda oral, contemplándose en ambas los
aspectos teóricos y prácticos, en el caso que hubiese.
ARTÍCULO 30: Las cátedras podrán establecer encuentros o instancias previas al día del examen con
un máximo de un mes de antelación, debiendo establecerse en el programa de cátedra.
ESTUDIANTES VOCACIONALES
ARTÍCULO 31: Son vocacionales aquellos/as que no siendo estudiantes de la carrera, son
debidamente inscriptos/as, registrados/as y admitidos/as, a fin de cursar alguna o algunas
asignaturas.
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 11
ARTÍCULO 32: Podrán inscribirse en calidad de estudiantes vocacionales en los Departamentos de
esta Facultad, los/as estudiantes universitarios/as o egresados/as de otras carreras universitarias
provenientes de universidades argentinas o extranjeras reconocidas, como así también estudiantes o
egresados/as de terciarios provinciales reconocidos oficialmente.
En todo el régimen de cursado se tendrán en cuenta las necesidades y los derechos de los alumnos
que trabajan, de acuerdo a la reglamentación vigente.
La cátedra estará disponible (durante el año lectivo) para asesorar a aquellos alumnos que por
circunstancias especiales no hayan podido cursar la materia en forma regular. Está abierta la consulta
en todo momento en la página de facebook, así como aula virtual.
Horario de consulta: Jueves de 11 a 13 hs-

elementos de montaje (cintas, tanzas, etc). Si se utilizan muebles de la Facultad
responsable.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad deberá contar
con el aval de la Dirección del Departamento .
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 11
10- Cronograma tentativo:
Unidad 1 Unidad 2 Unidad 3 Unidad 4 Unidad 5

Marzo 8 clases
Abril 9 clases
Mayo 4 clases 4clases
Junio 2 clases 5 clases 2 clases
Julio 1 clase 2 clases
Agosto 4 clases 4 clases
Setiembre 4 clases 4 clases
Octubre 4 clases 4 clases
Noviembre 2 clases
La última clase de cada unidad es una instancia de evaluación Parcial, debidamente

notificada. Con fecha de recuperación en dentro de las dos semana siguientes, son su debida
notificación acordada con les alumnes.
Prof. Mariana del Val
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 11
Procesos de producción y análisis I- Pintura

Equipo Docente:
- Profesores:
-Profesores Asistente:
Prof. Valeria López

El único trabajo práctico que debió suspenderse durante el 2020 fue pintura con
modelo en vivo, ya que las circunstancias de virtualidad no permitieron concretar esa
experiencia.
Los contenidos fueron abordados en su totalidad con la salvedad de que en los tres
primeros meses de cuarentena (marzo, abril y mayo) se dificultaba conseguir
materiales para trabajar. Debimos por tanto adecuar técnicas y materiales a los
existentes en cada hogar.
No se tomaron exámenes durante el periodo 2020.
IF-2022-00334680-UNC-DDG#FA
página 11 de 11

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2021 - Procesos de Producción y Análisis I c) Pintura

Date: 2022.05.09 13:41:27 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:39:17 -03'00'
Asignatura: PROCESOS DE PRODUCCIÓN Y ANÁLISIS I GRABADO
Año Curricular: Tercer año
Anual
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Adjunta: Sandra Mutal
Ayudantes Alumnos
Adscriptos:
Agustín Begueri
Turno mañana: Miércoles 9 a 13 hs.
Turno tarde: Lunes 14 a 18hs.
Horario de consulta: lunes de 18 a 19hs. Miércoles de 13 a 14 hs.
Correo electrónico eduardoquintana@artes.unc.edu.ar
PROGRAMA

El grabado surge en Europa, el valor mediático y el poder expresivo le son propios, integrados en la
industria y en el comercio, por la importancia de cambio o de mercado. Antes del siglo XIV, la iglesia
lo utilizó como medio de propagación y de fijación icónica, las fuentes históricas al final de ese siglo,
confirman la venta de estampas religiosas, paisajes y barajas xilográficas. La imprenta con la era
Gutemberg y hasta el final de la Edad Media pone a la Europa de los siglos XIV y XV, tensión e
inestabilidad en donde el grabado, como paralelismo se desarrolla en la transformación social,
económica e ideológica, que implica la entrada al Renacimiento.
Desde el hecho histórico, el grabado aparece con criterios que son vigentes, como instrumento
técnico, instrumento de comunicación e instrumento artístico.
El grabado, desde que entra a formar parte del proceso de la edición impresa, se convierte en un
medio comunicativo de destinatario colectivo. De ahí, que lo debemos considerar dentro del ámbito
de la comunicación, y a partir del siglo XV, formando parte de los media.
El grabado y la imprenta, comportan en si mismos un hecho social y de sociabilización, es donde la
obra gráfica refleja la capacidad del hombre para transmitir, belleza, sensaciones y sentimientos. Sus
formas se adaptaron a las corrientes plásticas de cada momento histórico, y de toda implicación
personal, en donde el artista es consciente, de que el nivel de iconicidad depende del grado de
realismo y en la coincidencia o similitud reside su efectividad.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 22
Los comienzos del siglo XX, la fotografía libera totalmente al grabado de la sumisión de la
reproducción, a la ilustración y a la industria editorial, en esta época de transición de avances
científicos y cambios sociales, es cuando la obra gráfica adquiere de pleno status, dentro de las
artes plásticas. El original múltiple, a través de sus técnicas y procedimientos, se convierte en un
hecho linguístico comunicativo de primer orden en manos de sus creadores.
El ser ontológico y material de la obra gráfica con medios tecnológicos, mecánicos y electrónicos,
constituyen en ésta cátedra, una lectura unificada y de vital importancia en los contenidos a
desarrollar, para que nuestros alumnos artistas puedan utilizarlos para acercarse al gran público y
hacerlo partícipe de las transformaciones plásticas y sociales.
2- Objetivos
- Investigar el rol del grabado en el desarrollo histórico y lenguaje del arte.
- Conceptualizar el grabado y su función en la sociedad como paradigma de la gráfica
actual, en el arte moderno y post moderno.
- Analizar la obra gráfica de artistas representativos en el arte contemporáneo.
- Valorar las producciones gráficas propias como las ajenas.
- Incorporar los productos no tóxicos en el aula taller, en un marco institucional que
comprometa a docente, alumnos y a la propia facultad.
- Concientizar sobre el cumplimiento de las normas de higiene y seguridad en el desarrollo
del trabajo áulico.
- Adquirir hábitos de orden, limpieza y cooperación en el trabajo individual como el grupal.
- Cumplir en tiempo y forma con la presentación de los contenidos desarrollados por la
cátedra para su evaluación.

3.1 Núcleo temático 1: “El Grabado en el contexto del arte contemporáneo”
El Grabado menos-tóxico
Carácter. Teórico
- El grabado como construcción, procedimientos y teoría en el texto gráfico.
- Modos de producción y relación del grabado actual con el signo visual en la obra gráfica.
- Redefinición del grabado a partir de los movimientos de vanguardia.
- Desarrollo del Grabado en la transición moderno - pos-moderno.
- Aportes del grabado a través de artistas argentinos y latinoamericanos en el desarrollo del
arte contemporáneo.
- El grabado menos tóxico, aspectos técnicos y conceptuales. Grabado en filme polímero.
- Nuevas tecnologías, soportes en la impresión y experimentación de la gráfica
contemporánea.
- Investigar el rol del Grabado en el desarrollo histórico del arte.
- Conceptualizar el Grabado en el contexto del arte contemporáneo.
- Incorporar conceptos de hibridación y gráfica expandida.
- Identificar la relación imagen-texto en producciones gráficas y en la obra de artistas
representativos.
- Conocer los nuevos materiales para la práctica del grabado menos tóxico
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 22
- Concientizar sobre la importancia del cumplimiento de las normas de higiene y seguridad
en el aula Taller.
- Continuar el proceso de integración entre las cualidades expresivas del Grabado y el modo
propio de expresión.
-Apunte de cátedra. Grabado III. Edición Nueva. Año 2016.
-JOSEF MULLER- BROCKAMM. Historia de la comunicación visual. Editorial Gustavo Gili, SA.
Barcelona. España. Año 1988.
-D.DONDIS. La sintaxis de la Imagen. Editorial Gustavo .Gilli. 1990
-G, KEPES. El Lenguaje de la Visión. Ediciones Infinito 1976
-JUAN MATINEZ MORO. La Ilustración como categoría. Una teoría unificada sobre arte y
conocimiento. Editorial Trea. S.L.
-ARTHUR DANTO. Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia. Paidós..
Buenos Aires.2002.
-JOSÉ LÓPEZ ANAYA. El extravío de los límites. Claves para el arte contemporáneo, Emecé Arte
-JUAN MARTINEZ MORO. Un ensayo sobre el Grabado, a comienzos del siglo XXI. Editorial Creática
2002
-HENRIK BOEGH. Manual de Manual de Grabado en Hueco. No Tóxico. Traducción de Ignacio López
Moreno y Juan Carlos Ramos Guadix.
3.2 Núcleo temático 2: “Profundizando en la matriz”

Grabado en hueco
Carácter: teórico/ práctico
- Diferenciación entre técnicas directas e indirectas.
- Manera negra o mezzotinta, técnica calcográfica directa. El graneado de la plancha y las
distintas formas de lograr medias tintas. El correcto uso de las herramientas adecuadas y
sistemas alternativos para el graneado. Confección de matrices en distintos soportes: hierro,
aluminio, alto impacto. El traspaso de la imagen, la importancia de la línea y la mordida
adecuada. El punto y el valor como elementos estructurales en la realización de la imagen.
Los mordientes en el nivel de definición de la imagen y los metales que determinan el grado
de dilución. La estampación y la importancia del entintado.
- El barniz blando, transferencia del dibujo sobre la plancha. El modo de grabar las texturas, la
aplicación del barniz y la impresión de texturas. El mordido de la plancha con distintos
mordientes según los metales. Estampación, la importancia de la limpieza de la matriz y
papeles.
El entintado intaglio, puzzle o método de Munch, a la poupée, sobreimpresión. Entintados
simultáneos, veladuras. Método de registro, la importancia del papel, la numeración y el
límite del tiraje. Un nuevo mundo dentro del universo del grabado. Matrices con libertad de
ejecución y con métodos no convencionales, con procesos aditivos y experimentación con
nuevos soportes. Las firmas, las inscripciones, las marcas y la certificación.
- Elaborar propuestas personales a partir de ejes temáticos.
- Realizar un análisis escrito sobre la producción individual.
- Experimentar las técnicas sugeridas por la cátedra
- Producir técnicas mixtas en huecograbado.
- Incorporar lo menos tóxico en las prácticas de taller.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 22
- Utilizar variados procedimientos técnicos y soportes en función al desarrollo del proceso
individual.
- Analizar la obra gráfica de artistas representativos.
- Distinguir las cualidades que identifican a cada una de los procedimientos practicados.
- Afianzar conocimientos técnicos del huecograbado
- Aprender el léxico técnico apropiado
- Imprimir pruebas de estado.
- Garantizar un tiraje mínimo homogéneo.
- Redefinir la obra en el proceso de impresión.
- Asumir la experimentación como característica propia de la gráfica contemporánea
- Crear hábitos de orden e higiene en el taller.
-Apunte proporcionado por la cátedra
-WALTER CHAMBERLAIN. Manual de Aguafuerte y Grabado. Hermann Blume Edic.1995
El Grabado y Técnicas de Impresión. Editorial Blume
-JOHN DAWSON. Guía completa del Grabado e Impresión. Ed. Blume.
-RICARDO MORENO VILLAFUERTE-ADRIANA MIRANDA: “Ampliación del campo gráfico artístico-
técnicas de grabado sobre alto impacto”. Secretaría de Extensión Universitaria, Facultad de Filosofía
y Humanidades de la UNC. 2002. (Bibliografía de cátedra).
-ANN D ARCY HUGHES – HEBE VERNON-MORRIS. La Impresión como Arte. Editorial Blume.
-JUAN MARTINEZ MORO. Un ensayo sobre el Grabado. A comienzos del siglo XXI Creática 2002.
3.3 Núcleo temático 3. “Incorporando lo menos tóxico”

Grabado en Hueco. Film polímero
Carácter: teórico/ práctico
- La importancia de las potencialidades artísticas del hueco grabado en el filme polímero,
como un nuevo recurso en la gráfica actual.
- La tecnología no contaminante y los nuevos materiales producidos por la industria, en una
visión general de las prácticas de impresión contemporáneas.
- Los nuevos modos de impresión, campo dinámico y cambiante de la discusión técnica, dentro
del contexto más vasto de la práctica artística.
- Los procesos digitales, que existen con el fin de hacer realidad una idea de la creación
artística, el "como" y el "porque" del concepto de matriz generativa.
- Los métodos digitales y sus características visuales e iconográficas como proceso visible y
parte de la obra gráfica.
- El código informático y la propia matriz, imagen fotográfica, conjunto de datos visuales:
películas gráficas y las tramas por pixeles en la formación del color o el tono.
- La creación de la impresión digital con sus etapas básicas: la entrada, la manipulación de la
imagen y la producción.
- El boceto y el soporte, laminados, positivos y mecánicos.
- Las soluciones, diversas formas de preparación. Limpieza y conservación de la plancha.
- La técnica gráfica realizada teniendo en cuenta la seguridad y limpieza del aula taller .
- Incorporar el grabado en film polímero en la enseñanza.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 22
- Generar conciencia sobre la necesidad de incorporar nuevos materiales menos tóxicos
- Introducir conocimientos de la gráfica digital.
- Analizar la posibilidad de reemplazar los materiales nocivos para la salud sin empobrecer o
desvirtuar las características técnicas y expresivas del grabado.
- Adquirir conocimientos acerca de la difusión del cuidado y conservación del medio
ambiente.
- Lograr que el alumno adquiera políticas de sustentabilidad que le permitan conocer el nivel
de toxicidad de cada producto.
- Conocer el funcionamiento del film polímero.
- Investigar las cualidades técnicas y expresivas utilizando tanto los recursos artesanales como
digitales para la realización de fotograbados.
- Comparar las cualidades técnicas y expresivas en relación a los procesos tradicionales.
- Elaborar propuestas personales.
-KEITH HOWARD, Non-toxic Intaglio Printmaking, Printmaking Resources, Editorial Alberta, Canada,
1998.
-KEITH HOWARD, The Contemporary Printmaker, Intaglio Type & Acrylic Resist Etching, Write-Cross
Press, New York, 2003
-JAN PETTERSON Photogravure a Research, with additive notes thoughts on the process,
Hannevik & Sunday, Bergen, Noruega, 2000
-EVA FIGUERAS FERRER (Editor). Grabado No Tóxico, nuevos procedimientos y materiales.
-EVA FIGUERAS FERRER / ISABEL P+EREZ MORALES. La Manipulación segura de productos químicos
en Grabado. Editorial UBE.
-HENRIK BOEGH. Manual de Grabado en Hueco. No Tóxico. Traducción de Ignacio López Moreno y
Juan Carlos Ramos Guadix.
3.4 Núcleo temático 4: “Definiendo relieves”

Cromoxilografía. Taco perdido
Carácter teórico/ práctico
- Definición de obra gráfica y clasificación de las técnicas y procedimientos. Técnicas de
relieve.
- La xilografía y su influencia en el arte occidental. La xilografía en latino amèrica, la estampa
en la época virreinal. Materiales y distintos soportes, para la realización de la matriz.
Herramientas para cortes e incisiones, creando el tipo de línea o marcas deseadas. El boceto
y el desvaste, adecuando el uso de planos, tramas y texturas en la composición de la imagen.
La obra gráfica y su culminación, a través de la creación de un proceso de valores y colores
en la impresión seriada.
- La cromoxilografía, desarrollo de la técnica. Preparación de las distintas matrices por color.
Tipos de registro. La impresión por superposición y la preparación de las tintas para lograr la
transparencia deseada.
- La cromoxilografía a taco perdido. Desarrollo técnico y experimentación.
- Diversos soportes para la impresión de la técnica y la realización del mural en el espacio
público. Aspectos relacionados con la edición, la numeración, la autentificación, el peritaje y
la conservación de la obra gráfica.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 22
- Indagar sobre la función de la xilografía en la época virreinal.
- Integrar contenidos de asignaturas anteriores.
- Realizar bocetos proyectuales.
- Aprender a usar correctamente las herramientas y materiales para el grabado en relieve.
- Conocer los diferentes pasos en el proceso de grabado e impresión en relieve.
- Experimentar diferentes soportes.
- Emplear el color como elemento estructural de la imagen.
- Analizar el desarrollo histórico de la xilografía y sus aportes al arte y la cultura.
- Valorar la práctica xilografía en el contexto actual.
- Concientizar sobre los aportes de este procedimiento a los movimientos de vanguardia.
- Estudiar la obra de los artistas más significativos.
- Asumir la máxima responsabilidad en las actividades de taller.
- Indagar las posibilidades artísticas y la inserción en nuestro medio.
- CÈCILE MICHAUD y JOSÉ TORRES DELLA PINA. El Grabado europeo como fuente del arte
virreinal. Colección Barbosa Stern.
-Apunte proporcionado por la cátedra,
-PAUL WESTHEIM. El Grabado en Madera.
-LÓPEZ AMAYA. El Grabado en madera y técnicas afines. Centro Editor de América
Latina. 1975.
-El Grabado y Técnicas de Impresión. Editorial Blume
-Guía completa del Grabado e Impresión. John Dawson. Ed. Blume.
-PABLO PICASSO. Obra Gráfica. Editorial G. Gilli.1989
-ANTONIO BERNI. Obra gráfica
-M. ESCHER. Obra gráfica
3.5 Núcleo temático 5: “Generando proyectos”

Carácter teórico/práctico
- Elaborar un proyecto con una nueva estética gráfico-plástico, incorporando y jerarquizando
- nuevos lenguajes entre los que se destacan la xilopegatina.
- La imagen digital, la infografía, técnicas mixtas como nuevos recursos que revalidan la
importancia de la imagen visual de gran formato y de creación del soporte gráfico en el
imaginario colectivo, como obra única.
- La obra grupal temática como discurso, validación creativa en el desarrollo urbanístico de la
relación del grabado con el medio ambiente. Transferencia de las producciones artísticas a
diferentes contextos, espacio público, espacio edilicio. Vinculados a la realidad productiva.
- Lograr aspectos parciales o totales pero significativos del proyecto grupal de los alumnos de
acuerdo a los contenidos a desarrollar propuestos por la cátedra.
- Enunciar diferentes etapas y fases del trabajo.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 22
- Plantear si existen problemas técnicos y de interacción personal como proceso cognitivo y de
metodología de la propuesta.
- Obtener resultados ideales por medio de los aprendizajes correspondientes a cada grupo de
trabajo, con capacidades desarrolladas para las técnicas gráficas.
- Analizar sugerencias sobre tamaños, materiales, costos, procesos de elaboración y valores
estéticos.
- Incentivar los procesos de creatividad y productividad.
- Proponer términos organizativos, en etapas o en actividades del proyecto.
- Lograr nuevas aperturas en la interpretación de la obra gráfica, por medio de la reflexión
teórica, de autores actuales.
- Analizar desde la relación histórica y contemporánea de la estética y la plástica moderna, el
grabado y su inserción en el medio.
- Entender la producción artística como un lugar crítico que permite articular procesos de
formación en la educación, a través de autores de mentes múltiples en la aplicación del arte
más reciente.
- Valorar la importancia de la gráfica como imagen visual en nuestra cultura.
- Generar compromiso en la actividad grupal produciendo obras colectivas de gran formato.
-JOHN BERGER. Modos de ver. Editorial Gustavo Gilli, SA. Barcelona. España. Año 2000.
-JUAN MARTINEZ MORO. La ilustración como categoría. Una teoría unificada sobre arte y
conocimiento. Ediciones Trea, S.L. España. Año 2004.
-D. DONDIS. La sintaxis de la imagen. Editorial G. Gilli.
-JEROME BRUNER. Actos de Significado, Mas allá de la revolución cognitiva. Alianza Editorial, S.A.,
1999
-HANS GEORG GADAMER La actualidad de lo bello El arte como juego, símbolo y fiesta Paidos/ I.C.E.-
U.A.B
-WALTER BENJAMÍN. La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. Publicado en
Benjamín, Walter Discursos Interrumpidos I, Taurus, Buenos Aires, 1989.
-JUAN MARTINEZ MORO. El grabado como paradigma en el arte contemporáneo. Cultura Visual.
Revista do Curso de Pós-Graduaçao ́ da Escola de Belas Artes. Universidad Federal de Bahía, Brasil,
2000, pp. 41-54 ISSN: 1516-893X.
-JORGE LÓPEZ AMAYA.El extravío de límites. Emecé arte.
4 Bibliografía Ampliatoria:
-GEORGY KEPES. El Lenguaje de la Visión. Ediciones Infinito 1976
Los Caprichos. Francisco Goya. Dover Publications.1999
-HERBERT READ. Arte y alienación. Zahar, Editores 1968
-ALFONSO CRUJERA. Manual de Grabado en Hueco Electrolítico. No Tóxico.
-NELLY RICHARD, Dialogos Latinoamericanos en las Fronteras del Arte, Leonor Arfuch, Ticio Escobar, -
-Andrea Giunta, Colección Pensamiento Visual. 2014,ISBN: 978-956-314-104-7
-WLADYSLAW TATARKIEWICZ, Historia de seis ideas: arte, belleza, forma, creatividad, mímesis y
experiencia estética, colección Metropolis.
5 Propuesta metodológica:
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 22
Los alumnos realizarán actividades de análisis y reflexión en relación a las producciones
que integran y representan el patrimonio visual local, regional y universal, con el objeto de
comprender la situación actual del grabado, su redefinición a lo largo de la historia y como
concepto ampliado en la actualidad.
A partir del material teórico brindado por la cátedra el alumno logrará tomar conciencia de
la redefinición del grabado incorporando a su producción, conceptos como repetición,
fragmentación, re elaboración de la idea inicial en el proceso de impresión, acción y
experimentación como características que identifican al grabado contemporáneo, hasta la
propia destrucción de la matriz.
Se analizarán las posibilidades de relacionar las producciones personales con otras
modalidades y lenguajes del arte visual, estableciendo relaciones con conceptos de
hibridación y gráfica expandida.
Se resaltará el amplio campo de acción del grabado valorando su capacidad de adaptarse a
los requerimientos actuales, enfocando como un lenguaje inserto en el campo
experimental y siempre atento al surgimiento de las nuevas tecnologías y a la
incorporación de materiales inocuos para la salud sin perder las características que lo
identifican desde sus orígenes: la multiplicación de la imagen, la inserción en los diferentes
niveles sociales y la exploración de los recursos expresivos.
Conocer la historia del grabado y su situación actual, brinda la posibilidad de valorar la
importancia de la gráfica en el desarrollo del arte contemporáneo.
Se retomará lo producido en el ciclo básico como estrategia para la continuidad y
transferencia de las experiencias sobre lo aprendido, a través de las actividades de taller,
con el objeto de adquirir seguridad y destreza en el manejo de las técnicas y materiales,
facilitando la producción y la generación de propuestas artísticas amplias y diversas.
Se incluye la producción de bocetos empleando técnicas y elementos factibles de ser
traducidos al grabado, con el fin de abordar ejes temáticos ofrecidos por el docente o
propuestos por el alumno.
Posteriormente (unidad 3) se reemplazarán los materiales contaminantes por aquellos
inofensivos para la salud con la incorporación del filme polímero aplicado a la enseñanza
del huecograbado. Se analizará, comparativamente; las ventajas técnicas y logísticas de los
métodos menos tóxicos. En una primera instancia, de carácter teórico, se conocerán los
nuevos materiales para el grabado menos tóxico, las formas de utilización, las
características técnicas y las potencialidades artísticas. Se repasarán obras de artistas
representativos en esta modalidad.
Se dictarán seminarios estableciendo vínculos con talleres y centros de producción gráfica
que tienen experiencia y conocimiento en el tema.
Se establecerán los lineamientos para crear y dejar funcionando un espacio de taller para la
investigación en técnicas menos tóxicas.
Se afianzará el conocimiento de las técnicas de relieve y se impartirán otras no practicadas
hasta el momento. Se incluirá, los recursos de la gráfica impresa actual: películas gráficas,
separación de colores e impresión fotomecánica.
Finalmente se abordarán contenidos vinculados a la aplicación de conceptos referidos a la
composición y distribución de los elementos visuales en un determinado campo gráfico,
como punto de partida para la realización de un trabajo colectivo e integrador. Se aspira
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 22
alcanzar unidad de criterios, a partir de charlas y debates, donde los alumnos puedan
volcar lo aprendido en una propuesta gráfica de carácter colectivo a ser emplazada e
intervenida en el espacio público.
5.1 Estrategias:
- Discernir, intercambiar opiniones, sacar conclusiones acerca de las coincidencias o
divergencias del grupo en relación al material ofrecido desde la cátedra.
- Proyectar diapositivas y PowerPoint analizando el Grabado desde sus orígenes a la
actualidad.
- Analizar las relaciones del lenguaje gráfico actual con otros medios del arte visual y con la
incorporación de materiales menos tóxicos en la práctica y enseñanza del grabado.
- Recorrer la exposición colgada en el taller, analizando y comparando los variados recursos
que identifican a las técnicas de Grabado.
- Indagar la función que cumplió el Grabado en el desarrollo histórico-cultural.
- Analizar las posibilidades de inserción en el medio a partir del concepto de imagen múltiple.
- Identificar las variables que lo convierten en un medio de expresión autónomo.
- Valorar el Grabado como disciplina original dentro de las artes visuales.
- Brindar información sobre los nuevos sistemas de impresión y las nuevas tecnologías
- Producir bocetos aplicando lo aprendido en otras materias y de acuerdo a cada unidad
temática
- Experimentar posibilidades de superposición, traslación, rotación, yuxtaposición de la matriz
en grabado en hueco y relieve.
- Reconocer las características expresivas de cada una de las técnicas de grabado.
- Relacionar los conceptos de grafismo, textura, trama, ritmo desarrollados en otras materias
(Visión, Dibujo) con el lenguaje del grabado.
- Realizar trabajos prácticos conceptuales según guía de trabajos prácticos.
- Resaltar los aportes del grabado al desarrollo del arte contemporáneo.
- Reflexionar sobre la inserción del grabado en el mercado del arte actual.
- Analizar ejemplos de impresión fotomecánica, películas gráficas y separación de
colores.
- Incentivar del trabajo en grupo.
- Cumplir con la producción en clase y presentación a tiempo.
- Reconocer los elementos de la comunicación visual.
- Redefinir la obra en el proceso de impresión.
- Garantizar tirajes homogéneos en la impresión en hueco y relieve.
- Investigar los recursos expresivos del color.
- Realizar técnicas mixtas en grabado.
- Informar por escrito las ideas a desarrollar.
- Producir bocetos y gráficos del proyecto colectivo a realizar.
- Brindar la información necesaria para la correcta comprensión del mismo.
- Proponer alternativas de montaje y exposición.
6 Evaluación:
Seguimiento permanente y personalizado de cada alumno. Visualización del proceso
individual al concluir cada unidad temática incluyendo la opinión del docente y de cada
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 22
alumno. Se evaluará un proceso de producción al finalizar cada unidad temática (trabajos
prácticos)
6.1 El criterio de evaluación incluye:
-Actitud del alumno en relación a su grado de compromiso y responsabilidad con las

actividades de taller.
-Respeto por las normas de seguridad, higiene impartidas por la cátedra y actitud para el
trabajo en grupo.
-Análisis crítico y capacidad de autoevaluación.
-Proceso de producción individual.
6.2 Modalidad:
La modalidad de evaluación se ajustará a la categoría de espacio curricular y sobre el "Régimen de
Estudiantes" vigente (Ver articulo artículo 16/b: https://artes.unc.edu.ar/wp-
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&utm_mediu
m=phpList&utm_content=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3A%3A+R%C3%A9gimen+de
+Estudiantes+vigente+en+la+FA
Espacio curricular anual
3 instancias 1 instancia
evaluativas integradora
final
obligatoria
6.3 Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres:

sobre el "Régimen de Estudiantes" vigente (Ver articulo 21, 22, 23 y 24) https://artes.unc.edu.ar/wp-
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&utm_medium=phpList&utm_content=HTMLemail&
utm_campaign=IMPORTANTE+%3A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA
Requisitos para la promoción:.

La cátedra responde a un Espacio curricular teórico-práctico procesual: y tendrá en cuenta:
1. Aprobar el 80% de las instancias evaluativas considerando de mayor jerarquía la instancia
integradora final con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7
(siete). El 20% restante no es promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
2. Condición de un mínimo de asistencia a las clases, que no podrá superar el 80% del total. Se
entiende por asistencia a la presencia del estudiante en la clase, bajo ningún motivo la misma
se podrá acreditar mediante actividades ( instancias evaluativas - jornadas -salidas a
3. La promoción tendrá vigencia por el semestre subsiguiente. Se entiende por semestre
subsiguiente el que sucede inmediatamente después del cursado, incluyendo las fechas de
exámenes correspondientes. Las exigencias mencionadas anteriormente serán evaluadas en
las correspondientes mesas de examen previstas por el calendario académico.
Requisitos para la Regularidad:
Sobre el "Régimen de Estudiantes" vigente (Ver articulo25, 26, 27 y 28) https://artes.unc.edu.ar/wp-
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&utm_medium=phpList&utm_content=HTMLemail&
utm_campaign=IMPORTANTE+%3A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 22
1 Aprobar el 75% de las instancias evaluativas con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro).
Posibilidad de recuperar al una instancia evaluativa para acceder a la regularidad. El 25%
restante no es promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
2 Se deberá tener un mínimo del 60% de asistencia a las clases. Se entiende por asistencia a la
presencia del estudiante en la clase, bajo ningún motivo la misma se podrá acreditar
mediante actividades (instancias evaluativas - jornadas - salidas a congresos – actividades
extracurriculares, etc.)
3 La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años, a partir de que se deja constancia
fehaciente en actas de que el/la estudiante accede a esa condición. Si la fecha de finalización
de ese período no coincidiera con una fecha de examen de la materia en cuestión, se
extenderá hasta el turno de exámenes subsiguiente.
Condición de alumno libre:
La asignatura prioriza la actividad de taller y la asistencia a las clase teóricas, el seguimiento del
docente es esencial para lograr el objetivo en cuanto al aprendizaje de los contenidos, el grado de
compromiso con el aula taller y la actitud en relación a las actividades grupales (proyecto final). Al
contemplar a la cátedra como un espacio curricular teórico-práctico procesual los seguimientos
secuencializados recorridos que el/la estudiante va desarrollando a lo son considerados
fundamentales. De este modo el proceso paulatino del alumna/o que decida por esta instancia
deberá cumplir con la mismas pautas de trabajo y producción que los demás alumnos (promocionales
y regulares) para lograr esto, deberá presentarse ante el profesor titular quien verificará su
producción a partir de un seguimiento en horarios y días a convenir. Es obligatorio realizar al menos
una consulta por cada unidad temática. "Régimen de Estudiantes" vigente(Ver articulo 29 y 30)
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&utm_medium=phpList&utm_conte
nt=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA
Estudiantes vocacionales:
La cátedra contempla los estudiantes vocacionales según el régimen de estudiantes en los Artículos
30 al 38 https://artes.unc.edu.ar/wp-
content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&utm_medium=phpList&utm_conte
nt=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA
7 El régimen de alumnos trabajadores o con familiares a cargo

La cátedra contempla lo siguiente:
- Justifica las llegadas tarde a clase y/o exámenes.
- Prevé otra instancia de evaluación que no puede ser considerada recuperatorio. Justificación
de hasta el 40% de las inasistencias.
Nota: Para esto, se debe cumplimentar los requisitos solicitados en dicho régimen y presentar
fotocopia del Certificado único (trámite cumplimentado en SAE) al Prof. Titular, Prof. Adjunta o
Profesoras Asistentes de la Cátedra. Sin esa constancia de trámite, no se valida este régimen.
Mayor información en: http://www.artes.unc.edu.ar/sae/secretaria-
deasuntosestudiantiles#alumnostrabaiadores
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 22
8 Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene (cuando corresponda. En los casos
donde se presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras debe

responsable.
8.1 Normas de seguridad e higiene:

El Grabado no tóxico, ya está instalado en las principales escuelas de arte del mundo, como una
forma de preservar el medio ambiente y el cuidado de la salud de quienes lo practican. La
incorporación de materiales no contaminantes en la práctica del grabado es una necesidad que debe
ser atendida tanto por la institución, como por los docentes y alumnos de nuestra escuela. Uno de
los objetivos fundamentales de esta cátedra, es incorporar esta modalidad en la enseñanza. De esta
manera pretendemos iniciar un camino de transición, para lograr a través de la concientización,
sensibilizar a las autoridades para invertir en nuevos equipamientos y tecnologías que permitan
incluir esta nueva modalidad en la actualización del plan de estudios. En el tránsito hacia este
objetivo es requisito obligatorio, para cursar la materia, cumplir con los siguientes requerimientos.
La Cátedra Grabado III, tiene un alto contenido instrumental. Esto significa que el alumno manipula
materiales y herramientas que pueden resultar nocivos para la salud. Por ese motivo y para evitar
cualquier tipo de accidente, es necesario tomar conciencia del grado de peligro y toxicidad de dichos
elementos. Como forma de prevención, es indispensable que cada alumno posea elementos y
artículos que preserven su salud:
- Máscara con pastillas protectoras de vapores tóxicos (ácido nítrico). Estas máscaras
protegen las vías respiratorias.
- Guantes de goma, para protección de la piel.
- Guardapolvo de algodón.
- Anteojos protectores.
- Guantes de látex.
Estos elementos son individuales (para evitar posibles contagios) y es obligatorio usarlos antes de
comenzar las actividades de taller. El alumno que no posea o no utilice estos elementos no podrá
cursar la asignatura.
En el aula taller no se permite fumar, ni ingerir ningún tipo de alimentos.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 22
Es necesario informar sobre la peligrosidad de ciertos materiales que utilizamos en el grabado en
metal. Los materiales que revisten mayor peligrosidad son:
Acido nítrico. Se utiliza para grabar las chapas de hierro. El ácido que se emplea es un ácido al 60 por
ciento de pureza, y es el mismo que se emplea para análisis clínicos.
Al sumergir la chapa en una batea con ácido nítrico y agua, la chapa emana vapores venenosos. Por
este motivo es necesario grabar en lugares ventilados y protegidos con todos los elementos que se
detallan a continuación: máscara, lentes, guantes de goma y guardapolvo.
Diluyentes. Los diluyentes y solventes empleados son thiner, aguarás vegetal y kerosén. Estos
diluyentes también emanan vapores tóxicos y es necesario tomar precauciones y saber que material
utilizar de acuerdo a la necesidad. El thiner reviste mayor peligro pero tiene la ventaja de evaporar
rápidamente. Debe utilizarse solo para casos especiales indicado por el docente. Los bidones o
botellas de thiner deben estar claramente identificados y rotulados. Siempre bien cerradas para
evitar evaporaciones tóxicas. El aguarrás y el kerosén son materiales más grasos, no tan tóxicos como
el thiner pero al ser grasosos tardan más tiempo en evaporar, impregnando por más tiempo el
ambiente. Los bidones y botellas que contengan estos solventes deben estar claramente rotulados y
siempre bien cerrados. Deben utilizarse en lugares abiertos y bien ventilados, lejos de los alimentos,
y solo serán usados previa consulta con el docente.
Para todo lo que sea limpieza de restos de tintas y herramientas se usará aceite comestible, que no
reviste peligro alguno.
Resina vegetal. Se emplea para la técnica de la aguatinta. La resina se adquiere en droguerías en
forma de piedras, que son trituradas y colocadas en un recipiente con un tamiz para espolvorear la
misma sobre las chapas. Es un material muy tóxico, que se adhiere a las paredes pulmonares al ser
inhaladas y absorbidas por los poros de la piel, las partículas al ser tan livianas quedan flotando por
muchas horas en el ambiente. Es obligatorio utilizarla bajo la supervización del docente.
Tintas de impresión. Por su composición química las tintas también poseen agentes tóxicos. Esta
característica es similar a cualquier otra tinta o pintura artística o industrial (óleo, acrílico, látex,
esmaltes, pintura asfáltica, etc.) Es necesario protegerse con guantes de goma y lavarse con agua,
detergente y jabón en polvo, para evitar diluyentes que dañen la piel.
Es imprescindible tener conciencia que las actividades de taller son grupales y que los actos
irresponsables pueden perjudicar a nuestros compañeros. La higiene, orden y limpieza ayudan a
evitar cualquier tipo de accidente.
Datos útiles.
- Nunca olvidarse los elementos de trabajo individuales.
- No compartir los elementos de uso obligatorio.
- Jamás inhalar un bidón o botella para saber que contiene.
- Jamás sumergir la mano en una batea sin la adecuada protección.
Los alumnos que padezcan algún tipo de alergia, deben informarle al docente antes de comenzar
sus actividades de taller. Se recomienda no utilizar anillos ni colgantes u objetos metálicos
mientras se realizan actividades en el taller.
Si todos tenemos precaución en el uso de los materiales podremos generar un clima de seguridad y
confianza, que nos permita aprender y crear libremente, sin dejar de lado la experimentación,
cualidad que identifica al grabado contemporáneo, por eso es de suma importancia crear hábitos de
limpieza, orden y compromiso con el grupo.
8.2 Medidas de precaución:
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
13
página 13 de 22
Cumplir con las normas de higiene y seguridad impartidas por la cátedra. Extremar el cuidado en el
uso de materiales tóxicos. Verificar que los bidones y botellas estén rotulados. No abrir los mismos
sin previa consulta al docente.
Cada alumno cumplirá los pasos señalados provistos de guantes de goma, máscaras con pastillas
adecuadas para trabajar con ácidos, gafas, guardapolvos y delantal de hule. Se recuerda que estos
elementos son de uso individual. Quien no cumpla estos requisitos no podrá acceder a esta
instrumentación.
8.3 Materiales y Herramientas
Tintas y diluyentes. Barnices y mordientes .Punzones de diferentes diámetros, rascadores,
bruñidores, maniguetas, tarlatán, poupeé. Sustancias ácido-resistentes, esmalte sintético. Matrices:
hierro, zinc, cobre. Bateas y bidones. Guantes protectores, máscaras, Gafas, detergente, artículos de
limpieza y prevención. Guardapolvos.
Pinceles, rodillos y tintas de impresión, pasta gel y blanco transparente. Diluyentes. Aceite. Resina
vegetal, esmalte sintético.
Chapas de hierro. Ácido nítrico. Lijas al agua. Limas. Pinturas aislantes, lápiz graso, crayones y lápiz
dermográfico. Fotocopias. Thiner y aguarrás. Goma arábiga, tinta china y azúcar. Film polímero.
Pinceles, rodillos y tintas de impresión. Pasta deslizante. Papel de impresión y papel sulfito. Fieltros.
Elementos de protección. Máscaras, guantes de goma, delantal de hule
Fibrofácil de 5mm de espesor. Pinceles nº 4,6 12. telas, arpilleras, arena, hilos, tejidos sintéticos,
puntillas, carborundum, vegetales, cortezas, y otros materiales factibles de ser impresos cuyo
espesor no sea mayor al de la matriz, aguarrás, papel reciclado y hecho a mano, lijas. Espátulas,
trincheta y tijeras, cinta de enmascarar, puntas de distinto grosor.
9 Actividades de Extensión
Exposición anual de la Cátedra. Muestra de carácter didáctico con la participación de docentes,
ayudantes y alumnos.
Charlas con profesionales y artistas invitados sobre producción artística y Grabado menos tóxico.
Material didáctico confeccionado por la cátedra. Diapositivas, videos y PowerPoint.
Apunte de Cátedra.
Portfolios de obras profesionales, que sirvan como material de consulta para los alumnos.
Formación de un grupo de investigación, conformado por docentes y ayudantes de cátedra, sobre la
práctica del grabado menos tóxico.
9 Cronograma tentativo
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
14
página 14 de 22
UNIDAD I UNIDADII UNIDAD III EVALUACIÓN UNIDAD IV UNIDAD V EVALUACIÓN
Marzo-abril Abril-mayo Mayo-junio Junio. julio Agosto-septiembre Septiembre- noviembre
octubre
Grabado en Técnicas mixtas
El Grabado en el hueco en huecograbado Cromoxilografía- Proyecto grupal
contexto del arte Manera negra – Taco perdido integrador
contemporáneo braniz blando
Parcial I
Contenidos Parcial II
Aspectos Técnicos Aspectos Técnicos Aspectos Programáticos Aspectos Técnicos y Formulación del Contenidos
y Conceptuales. y Expresivos Técnicos y Expresivos proyecto Programáticos
Expresivos Unidad I II y III
Unidad IV y V
Aportes del
grabado al arte Producción de Producción de Producción de Producción de
contemporáneo Bocetos a partir Bocetos a partir Bocetos a partir de Bocetos.
de Ejes Temáticos de Ejes Temáticos Ejes Temáticos
Nuevas Proceso de Proceso de Proceso de Grabado Ejecución del

Tecnologías Grabado e Grabado e Impresión proyecto
Impresión Impresión
No se pudo No se pudo
concretar concretar
Anexo:
Se adjunta las condiciones que establece el Regimen de alumno vigente, a los fines que los docentes puedan
corroborar y transcribir lo que considere necesario.
ARTÍCULO 16: Las modalidades de evaluación se ajustarán a las categorías de espacios curriculares.
b- Los espacios curriculares teóricos-prácticos puntuales evaluarán contenidos específicos
desarrollados en las clases teóricas. Las instancias evaluativas se dividen en trabajos prácticos
(monografías, análisis, exposiciones orales, producciones artísticas, etc.) y parciales (escritos,
producciones artísticas acompañadas de fundamentación, o alternativas de evaluación debidamente
justificadas en el programa).
b- Los espacios curriculares teóricos-prácticos procesuales evaluarán recorridos que
el/la estudiante irá desarrollando a lo largo del cursado, evaluando el proceso paulatino por lo cual
habrán más instancias evaluativas prácticas (trabajos prácticos)
y un instancia final integradora (parcial).
Espacio curricular cuatrimestral Espacio curricular anual
Mínimo 2 instancias 1 instancia 3 instancias 1 instancia
evaluativas integradora final evaluativas integradora
obligatoria final
obligatoria
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
15
página 15 de 22
máximo 5 instancias 1 instancia 7 instancias 1 instancia
evaluativas integradora final evaluativas integradora final
obligatoria obligatoria
ARTÍCULO 18: Los/las estudiantes tendrán derecho a recuperar las instancias evaluativas en ambas
modalidades, sin perder la condición de cursado ya sea por inasistencia o aplazo.
b- Para los espacios curriculares teóricos-prácticos procesuales: se podrá recuperar la instancia
integradora final. De ser necesario el/la docente podrá pedir una instancia mas para que el/la
estudiante no pierda su condición de cursado.
ARTÍCULO 19: Los/as docentes responsables de las asignaturas deberán permitir el real y adecuado
acceso de los/as estudiantes a las instancias evaluativas corregidas y calificadas, durante el mes
posterior, contando desde la toma de la evaluación.
CONDICIONES DE CURSADO
ARTÍCULO 20: Se consignan las siguientes modalidades de cursado: PROMOCIONAL, REGULAR y
LIBRE. ESTUDIANTES PROMOCIONALES
estudiante promocional.
ARTÍCULO 22: Será considerado/a promocional el/la estudiante que cumpla con las siguientes
condiciones:
Espacios curriculares teóricos-prácticos procesuales: aprobar el 80% de las instancias evaluativas
considerando de mayor jerarquía la instancia integradora final con calificaciones iguales o mayores a
6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). El 20% restante no es promediable ni por inasistencia ni
por aplazo.
ARTÍCULO 23: Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir la condición de un mínimo de
asistencia a las clases, que no podrá superar el 80% del total. Se entiende por asistencia a la
presencia del estudiante en la clase, bajo ningún motivo la misma se podrá acreditar mediante
actividades ( instancias evaluativas - jornadas - salidas a congresos - actividades extracurriculares,
etc.)
ARTÍCULO 24: Las cátedras podrán incluir exigencias tales como: coloquio final, monografía, práctica
especializada, trabajo de campo, u otro tipo de producción que impliquen un rol activo del
estudiante. En estos casos la promoción tendrá vigencia por el semestre subsiguiente. Se entiende
por semestre subsiguiente el que sucede inmediatamente después del cursado, incluyendo las fechas
de exámenes correspondientes. Las exigencias mencionadas anteriormente deberán ser evaluadas
en las correspondientes mesas de examen previstas por el calendario académico.
estudiante regular, que implica la posibilidad de inscripción para aprobar la asignatura accediendo a
un examen de una sola instancia, que podrá ser oral o escrita.
ARTÍCULO 26: Son estudiantes REGULARES aquellos/as que cumplan las siguientes condiciones:
mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar al menos una instancia evaluativa para acceder a la
regularidad. El 25% restante no es promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
ARTÍCULO 27: Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir sólo en la modalidad procesual,
un mínimo del 60% de asistencia a las clases. Se entiende por asistencia a la presencia del estudiante
en la clase, bajo ningún motivo la misma se podrá acreditar mediante actividades (instancias
evaluativas - jornadas - salidas a congresos - actividades extracurriculares, etc.)
ARTÍCULO 28: La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años, a partir de que se deja
constancia fehaciente en actas de que el/la estudiante accede a esa condición. Si la fecha de
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
16
página 16 de 22
finalización de ese período no coincidiera con una fecha de examen de la materia en cuestión, se
extenderá hasta el turno de exámenes subsiguiente.
ESTUDIANTES LIBRES
ARTÍCULO 29: Los/as estudiantes que, estando debidamente inscriptos/as en el año académico,
decidan inscribirse a presentar exámenes finales en la condición de libres, accederán a un examen de
dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda oral, contemplándose en ambas los
aspectos teóricos y prácticos, en el caso que hubiese.
ARTÍCULO 30: Las cátedras podrán establecer encuentros o instancias previas al día del examen con
un máximo de un mes de antelación, debiendo establecerse en el programa de cátedra.
ARTÍCULO 31: Son vocacionales aquellos/as que no siendo estudiantes de la carrera, son
debidamente inscriptos/as, registrados/as y admitidos/as, a fin de cursar alguna o algunas
asignaturas.
ARTÍCULO 32: Podrán inscribirse en calidad de estudiantes vocacionales en los
Departamentos de esta Facultad, los/as estudiantes universitarios/as o egresados/as de otras
carreras universitarias provenientes de universidades argentinas o
Régimen de alumno trabajador. Consultar:
http://www.artes.unc.edu.ar/sae/secretaria-deasuntosestudiantiles#alumnostrabaiadores
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
17
página 17 de 22
Asignatura: PROCESOS DE PRODUCCIÓN Y ANÁLISIS 1 GRABADO

Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales- Grabado
PLAN 2014
Equipo Docente:
Prof. Adjunta: Sandra Mutal
Adscriptos: Agustín Begueri
Ayudante alumna: Iris Loza
1. Adecuación de Contenidos:
Los contenidos adecuados para el ciclo 2020 fueron organizados para ser desarrollados en formato
virtual. En la asignatura Grabado 2 el Núcleo Temático 1: El Grabado en el contexto del arte
contemporáneo: se mantuvieron en contenido y bibliografía. Los cambios que se realizaron fueron
en relación al dictado, presentación y evaluación de procesos en formato virtual. El Núcleo Temático
2: Profundizando en la matriz: se mantiene igual hasta el proceso de boceto. Los procesos de
traslado de bocetos, incisión e impresión de matrices para huecograbado se quitaron. El Núcleo
temático 3: “Incorporando lo menos tóxico” Grabado en Hueco. Film polímero Técnicas de
experimentación gráfica: se suprimió. Núcleo temático 4: “Definiendo relieves” Cromoxilografía.
Taco perdido: se mantuvieron en contenido y bibliografía. Los cambios que se realizaron fueron en
relación al dictado, presentación y evaluación de procesos en formato virtual. Núcleo temático 5:
“Generando proyectos” Carácter teórico/práctico: se mantuvieron en contenido y bibliografía. Los
cambios que se realizaron fueron en relación al dictado, presentación y evaluación de procesos en
formato virtual. En relación a la evaluación se realizaron cambios con respecto a la cantidad de
producción requerida y se realizaron cambios con respecto al formato de presentación.
1.1 Contenidos / Núcleos temáticos / Unidades 2020
Núcleo temático 1
El Grabado en el contexto del arte contemporáneo :
Se mantiene igual al programa original: El grabado como construcción, procedimientos y teoría en
el texto gráfico. Modos de producción y relación del grabado actual con el signo visual en la obra
gráfica. Redefinición del grabado a partir de los movimientos de vanguardia. Desarrollo del Grabado
en la transición moderno - pos-moderno. Aportes del grabado a través de artistas argentinos y
latinoamericanos en el desarrollo del arte contemporáneo. El grabado menos tóxico, aspectos
técnicos y conceptuales. Grabado en filme polímero. Nuevas tecnologías, soportes en la impresión y
experimentación de la gráfica contemporánea.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
página 18 de 22
Núcleo temático 2: Profundizando en la matriz:
Se corresponde al programa original: Elaborar propuestas personales a partir de ejes temáticos.
Realizar un análisis escrito sobre la producción individual. Analizar la obra gráfica de artistas
representativos. Aprender el léxico técnico apropiado.
Cambios: Experimentar las técnicas sugeridas mixtas en huecograbado. Se suplanta por bocetos
susceptibles de ser aplicados a técnicas sugeridas mixtas en huecograbado.
Incorporar lo menos tóxico en las prácticas de taller. Se cambia a clase teórica de los cuidados en la
práctica de taller.
Se suprime: Imprimir pruebas de estado. Garantizar un tiraje mínimo homogéneo. Redefinir la obra
en el proceso de impresión.
Núcleo temático 3: “Incorporando lo menos tóxico” Grabado en Hueco. Film polímero Técnicas de
experimentación gráfica: se suprimió.
Se excluyeron: Práctica del proceso de la técnica debido a la complejidad del proceso.
Núcleo temático 4
“Definiendo relieves”
Se mantiene igual al programa original: Definición de obra gráfica y clasificación de las técnicas y
procedimientos. Técnicas de relieve.
La xilografía y su influencia en el arte occidental. La xilografía en latino América, la estampa en la
época virreinal. Materiales y distintos soportes, para la realización de la matriz. Herramientas para
cortes e incisiones, creando el tipo de línea o marcas deseadas. El boceto y el desbaste, adecuando
el uso de planos, tramas y texturas en la composición de la imagen. La obra gráfica y su culminación,
a través de la creación de un proceso de valores y colores en la impresión seriada. La cromoxilografía,
desarrollo de la técnica. Preparación de las distintas matrices por color. Tipos de registro. La
impresión por superposición y la preparación de las tintas para lograr la transparencia deseada.
La cromoxilografía a taco perdido. Desarrollo técnico y experimentación. Diversos soportes para la
impresión de la técnica y la realización del mural en el espacio público. Aspectos relacionados con la
edición, la numeración, la autentificación, el peritaje y la conservación de la obra gráfica.
Cambios: Los cambios que se realizaron fueron en relación al dictado, presentación y evaluación de
procesos en formato virtual. La cantidad de impresiones fueron adecuadas a la situación de
pandemia.
Núcleo temático 5: “Generando proyectos” Carácter teórico/práctico:

Se mantiene con respecto al programa original: Elaborar un proyecto con una nueva estética
gráfico-plástico, incorporando y jerarquizando nuevos lenguajes entre los que se destacan la
xilopegatina. La imagen digital, la infografía, técnicas mixtas como nuevos recursos que revalidan la
importancia de la imagen visual de gran formato y de creación del soporte gráfico en el imaginario
colectivo, como obra única. La obra grupal temática como discurso, validación creativa en el
desarrollo urbanístico de la relación del grabado con el medio ambiente. Transferencia de las
producciones artísticas a diferentes contextos, espacio público, espacio edilicio de manera virtual.
Vinculados a la realidad productiva.
Cambios: Los cambios que se realizaron fueron en relación al dictado, presentación y evaluación
de procesos en formato virtual. En relación a la evaluación se realizaron cambios con respecto al
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
formato proyecto y en página web.
página 19 de 22
2. Bibliografía obligatoria:
Núcleo temático 1
-Apunte de cátedra. Grabado III. Edición Nueva. Año 2016.
-D.DONDIS. La sintaxis de la Imagen. Editorial Gustavo. Gilli. 1990
-G, KEPES. El Lenguaje de la Visión. Ediciones Infinito 1976
-ARTHUR DANTO. Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia. Paidós.
Buenos Aires.2002.
-JOSÉ LÓPEZ ANAYA. El extravío de los límites. Claves para el arte contemporáneo, Emecé Arte
-JUAN MARTINEZ MORO. Un ensayo sobre el Grabado, a comienzos del siglo XXI. Editorial Creática
2002
Núcleo temático 2
-Apunte proporcionado por la cátedra
-JOHN DAWSON. Guía completa del Grabado e Impresión. Ed. Blume.
RICARDO MORENO VILLAFUERTE-ADRIANA MIRANDA: “Ampliación del campo gráfico artístico-
técnicas de grabado sobre alto impacto”. Secretaría de Extensión Universitaria, Facultad de
Filosofía y Humanidades de la UNC. 2002. (Bibliografía de cátedra).
-ANN D ARCY HUGHES – HEBE VERNON-MORRIS. La Impresión como Arte. Editorial Blume.
-JUAN MARTINEZ MORO. Un ensayo sobre el Grabado. A comienzos del siglo XXI Creática 2002.
Núcleo temático 3
No corresponde
Núcleo temático 4
- CÈCILE MICHAUD y JOSÉ TORRES DELLA PINA. El Grabado europeo como fuente del arte
virreinal. Colección Barbosa Stern.
-PAUL WESTHEIM. El Grabado en Madera.
-LÓPEZ AMAYA. El Grabado en madera y técnicas afines. Centro Editor de América
Latina. 1975.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
página 20 de 22
Núcleo temático 5
-JOHN BERGER. Modos de ver. Editorial Gustavo Gilli, SA. Barcelona. España. Año 2000.
-JUAN MARTINEZ MORO. La ilustración como categoría. Una teoría unificada sobre arte y
conocimiento. Ediciones Trea, S.L. España. Año 2004.
-D. DONDIS. La sintaxis de la imagen. Editorial G. Gilli.
-JEROME BRUNER. Actos de Significado, Mas allá de la revolución cognitiva. Alianza Editorial, S.A.,
1999
-HANS GEORG GADAMER La actualidad de lo bello El arte como juego, símbolo y fiesta Paidós/
I.C.E.-U.A. B
-WALTER BENJAMÍN. La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. Publicado en
Benjamín, Walter Discursos Interrumpidos I, Taurus, Buenos Aires, 1989.
-JUAN MARTINEZ MORO. El grabado como paradigma en el arte contemporáneo. Cultura Visual.
Revista do Curso de Pós-Graduaçáo da Escola de Belas Artes. Universidad Federal de Bahía, Brasil,
2000, pp. 41-54 ISSN: 1516-893X.
-JORGE LÓPEZ AMAYA.El extravío de límites. Emecé arte.
2.1 Bibliografía Ampliatória:
-GEORGY KEPES. El Lenguaje de la Visión. Ediciones Infinito 1976

-Los Caprichos. Francisco Goya. Dover Publications.1999
-HERBERT READ. Arte y alienación. Zahar, Editores 1968
-ALFONSO CRUJERA. Manual de Grabado en Hueco Electrolítico. No Tóxico.
-NELLY RICHARD, Dialogos Latinoamericanos en las Fronteras del Arte, Leonor Arfuch, Ticio
Escobar, --Andrea Giunta, Colección Pensamiento Visual. 2014,ISBN: 978-956-314-104-7
-WLADYSLAW TATARKIEWICZ, Historia de seis ideas: arte, belleza, forma, creatividad, mímesis y
experiencia estética, colección Metropolis.
3. Metodología de trabajo:
La presentación de los contenidos de cada núcleo temático, se apoya con la proyección de

imágenes y la exposición de contenidos teórico de forma virtual, utilizando la plataforma
meet: a) Demostraciones prácticas relativas a las técnicas que se desarrollan en cada núcleo
temático. b) Acompañamiento docente en el proceso individual permanente de las
actividades de análisis y reflexión. c)Realización de registros visuales de manera introductoria
a la redefinición del grabado en la contemporaneidad.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
página 21 de 22
3.1 Estrategias:
Clases virtuales se implementan como encuentros permanentes en los horarios de clase
correspondientes a cada turno. Tienen el objetivo de la enseñanza de teóricos, seguimiento procesual
de producción, información y orientación del estudiante.
Se implementa la utilización de mail, aula virtual y redes sociales Facebook e Instagram como medios
de difusión y canal de comunicación. Esta modalidad se tiene presente en relación a posible
discontinuidad de conectividad.
Se implementan herramientas para visualizar las acciones técnicas y procedimentales de los trabajos,
como recuso se establece drive y correo electrónico de la cátedra. Los contenidos a nivel teórico y
conceptual se adecuaron para que se puedan desarrollar en sus espacios hogareños, para la
integración permanente.
Orientación y seguimiento virtual del proceso de trabajo relacionado a la producción: elección e
instrumentación de los recursos que mejor vehiculicen las propuestas individuales. Intercambio de
opiniones, coincidencias o divergencias del grupo en relación al material ofrecido por la cátedra.
Proyección de power Point como recurso didáctico para cada núcleo temático.
Confección de bitácoras individuales conteniendo bocetos, reflexiones y citas bibliográficas como ejes
para el desarrollo de los procesos personales según pautas de trabajo contenidas en las guías de
trabajos prácticos para cada eje temático.
4. Condiciones para examen de regulares 2020 y libres 2020

Condición de Evaluación:
Alumnas/os regulares 2020:

Presentación virtual de lo desarrollado durante el cuatrimestre. Realizar los trabajos prácticos-teóricos
que se reprobaron, teniendo en cuenta el seguimiento permanente y personalizado de los docentes.
Profundización de los contenidos desarrollados en cada núcleo temático. En relación a mantenerse la
modalidad virtual, el examen consistirá en la presentación de los trabajos a través del drive propuesto
en el aula virtual de examen. Para ello se darán pautas específicas comunicadas por aula virtual y por
mail (que figure en guaraní) a cada estudiante. Se dará una semana a partir de la apertura del examen
y luego cada alumna/o deberá presentar todo el proceso y se hará énfasis en los procesos reprobados,
incompletos o no realizados en la cursada en una instancia de defensa virtual.
Alumnas/os libres 2020:

el cursado virtual de la asignatura en 2020. Presentación virtual de lo desarrollado durante el
cuatrimestre. Realizar los trabajos prácticos- teóricos en su totalidad. Profundización de los
contenidos desarrollados en cada núcleo temático. En relación a mantenerse la modalidad virtual, el
examen consistirá en la presentación de los trabajos a través del drive propuesto en el aula virtual de
examen. Para ello se darán pautas específicas comunicadas por aula virtual y por mail (que figure en
guaraní) a cada estudiante. Se dará una semana a partir de la apertura del examen y se hará énfasis
en cada núcleo temático, en una instancia de defensa virtual.
IF-2022-00334691-UNC-DDG#FA
página 22 de 22

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2022 - Procesos de Producción y Análisis I b) Grabado

Date: 2022.05.09 13:40:39 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.09 13:40:45 -03'00'
PROGRAMA
1- FUNDAMENTACIÓN
El presente programa fue pensado teniendo en cuenta los contenidos desarrollados
“Escultura I y II”. Permitiendo hacer consciente sus producciones encuadrando dichas
experiencias en categoría u estrategias de configuración como son la representación
recuperándose para dar lugar a experiencias del cuerpo e Instalación. Así mismo se tiene en
cuenta los contenidos de la Licenciatura en Artes Visuales.
Es importante desarrollar estrategias de aprendizaje que lleven a plantearse problemas, buscar
soluciones, propiciar un pensamiento crítico.
Abordar una idea y su posterior materialización otorgando la máxima atención a todas las
dimensiones, tarea primordial para esta etapa de formación en la escultura permitiendo un
desarrollo del alumno en lo conceptual, técnico y formal.
El aprendizaje se realizará en la interacción de teoría y práctica, para asegurar posibilitar la
construcción de nuevos conocimientos en el trabajo de taller, dando lugar a los aportes
creativos de los alumnos y a sus inquietudes.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 12
El trabajo con materiales no convencionales implica no sólo un desafío técnico, formal sino
también a nivel simbólico. Permitiendo la concreción de obras enmarcadas en el arte
contemporáneo.
Este tipo de trabajo con los materiales contribuye al entrenamiento para la práctica profesional
mencionada al principio y con ella se relacionan también los contenidos y los trabajos
prácticos referidos a las relaciones de la obra con su entorno.
Por otra parte, posibilitará la comprensión de cómo cada propuesta arraiga en profundos
cuestionamientos y posicionamientos acerca de la realidad en general y de la entidad del
arte y de la escultura en particular, y una visión del mundo, descartando la gratuidad de las
soluciones plásticas y contribuyendo de esta manera al establecimiento de un contacto
íntimo con la propia producción.
La asignatura está encaminada a potenciar las capacidades de percepción, sensibilización y
creatividad mediante el conocimiento que proporciona el método y la experimentación
(saber ver) y por otro lado mediante la praxis escultórica (conocimiento y correcto empleo
1
de los materiales) .
PROPÓSITOS.
• Proveer los elementos conceptuales y técnicos para la comprensión y desarrollo de los
procesos de análisis de una realidad tangible, como principio básico en el trabajo
tridimensional entendiéndolo como instrumento fundamental para una práctica creativa de
la escultura.
• Analizar conceptos y principios sobre arte de cuerpo, representación, presentación e
instalación.
• Introducir al alumno en la conceptualización compositiva de la Instalación.
• Fomentar la sensibilización perceptiva en el proceso de materialización de la obra y la
capacidad creativa en la utilización del lenguaje de las prácticas contemporáneas.
• Promover el uso de herramientas y maquinarias teniendo en cuenta las reglas de seguridad
para la utilización de estos.
2- OBJETIVOS GENERALES.
• Desarrollar el sentido crítico y reflexivo en el proceso personal.
• Formular a partir de un marco teórico una idea acorde con la práctica.
• Desarrollar diferentes vías de materializar ideas.
• Adquirir el vocabulario específico de la materia.
1
Karel Kosik, se puede entender las operaciones sensitivas no como una práctica pura, sino más bien como un
ensamble de la dimensión cognitiva intelectual con la práctica, por lo cual el arte no es solo un “saber hacer” (tekne)
sino un conocer haciendo, es decir un “hacer conciente”.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 12
• Conocer las características de los materiales y sus posibilidades expresivas.
• Manejar adecuadamente cada uno de los útiles que intervienen en las distintas técnicas y
equipamiento del taller.

UNIDAD I
TEMAS:
• Enfoques acerca del cuerpo en la escultura contemporánea.
• Estrategias de configuración: representación y presentación.
• Enfoques del cuerpo abordados por la escultura contemporánea.
CONTENIDOS
El arte del cuerpo. Laboratorio con nuevos materiales: látex, caucho, alginato, cola de pescado,
poliuretano flexible etc.
ACTIVIDADES
• Instancia evaluativa Nº1: A partir de tres acciones con el cuerpo elaborar un proyecto de
obra. Experimentación con materiales de acuerdo con la necesidad del proyecto.
• Instancia evaluativa Nº2: Desarrollo de un proyecto incorporando las prácticas del
laboratorio en la construcción de uno o varios objetos.
UNIDAD II
TEMA: Escultura/Fotografía.
CONTENIDOS
• Híbridos entre escultura y fotografía en la década de los ochenta.
• Proceso, proyecto y puesta. Experimentación.
ACTIVIDADES
• Instancia evaluativa Nº3: Desarrollo de un proyecto buscando, experimentando estrategias
de configuración para con el binomio Escultura/Fotografía.
Desarrollo en las unidades I y II.

LABORATORIOS:
● NUEVOS MATERIALES
Laboratorio de experimentación con materiales y técnicas: Látex, caucho, cola de pescado,
alginato, poliuretano flexible etc.
● RESINA
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 12
Laminado, transparencias, inclusión de objetos y vaciados con carga.
CONTENIDOS
• Característica de los materiales y formas de trabajo.
ACTIVIDADES
• Instancia evaluativa N.º 1: Experimentación. Realización de calcos de piel, confección de
máscaras y postizos con técnicas para lograr híper realismo en el acabado de las piezas.
• Instancia evaluativa N.º 4: Experimentación con resina. Realización de pequeños objetos con
resina en sus distintas formas de trabajo.
LABORATORIO TÉCNICO
SOLDADURA.
Desarrollo en unidad III.
TEMA: soldadura.
CONTENIDOS
• Soldadura: costura, textura y construcción.
ACTIVIDADES
• Instancia evaluativa Nº5: Laboratorio Técnica de Soldadura. Experimentación: punto, costura
y textura. Construcción de una estructura para realización de una maqueta.
UNIDAD III
TEMA: Instalación.
CONTENIDOS
● Proyecto y espacio expositivo. Maqueta.
● Introducción al espacio. Objeto Instalado.
● Instalación.
● Adecuación entre procedimientos técnicos y poéticos.
● Experimentación en materiales y medios.
ACTIVIDADES
• Instancia evaluativa Nº6 Selección de un objeto realizado en alguno de los laboratorios de
cauchos y látex o resina. Instalarlo en la sala de exposiciones del Cepia. Proyecto Virtual.
Realización de una Maqueta del Proyecto. Mediante la técnica de soldadura en su
estructura.
● Instancia evaluativa N° 7 Proceso, proyecto y puesta de una Instalación trabajo grupal.
● Instancia integradora final obligatoria. Evaluación del proceso.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 12
4- Bibliografía de lectura obligatoria.
En apunte de cátedra se incluyen textos de los siguientes autores.
Unidad N°1
● Alonso, Rodrigo. En los confines del cuerpo y de sus actos. Publicado en Mediapolis, año 3,
N° 5, Buenos Aires, agosto 1998.
http://www.roalonso.net/es/arte_cont/cibertronic.php
● De Blas Ortega, Mariano. El cuerpo en el Arte como noción social y de fragmento.
Universidad Complutense de Madrid. España.
http://institucional.us.es/revistas/themata/46/art_63.pdf
● Paez, Sodely. El cuerpo y sus usos en el arte contemporáneo. texto presentado en el
Congreso de COWAP, Buenos Aires, 2011.
http://criticalatinoamericana.com/el-cuerpo-y-sus-usos-en-el-arte-contemporaneo/
● Escudero, Jesús Adrián. El cuerpo y sus representaciones. Universitat Autónoma
deBarcelona.Jesus.adrian@uab.es
https://ddd.uab.cat/pub/enrahonar/0211402Xn38-39/0211402Xn38-39p141.pdf
Unidad N°2
• Mauleón, Mau. La experiencia de los límites. Colección Formas Plásticas.
Unidad N°3
● Groys, Boris. Politicas de la Instalación. Publicado en la revista e-flux:

http://www.e-flux.com/journal/view/31
● Larrañaga, Josu. “Instalaciones” Ed. Nerea. 2001.
● Valesini, Silvina. La instalación como dispositivo expositivo y comunicacional. Facultad de
Bellas Artes. Universidad de la Plata.
https://bellasartesestetica.files.wordpress.com/2012/08/silvina-valesini-la-instalacion-como-disp
ositivo.pdf
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 12
● Alonso, Rodrigo, Lawrence Alloway, Roy Ascott, John Chandler, Cristina Freire, Michael
Fried, Jorge Glusberg, Lucy R. Lippard, Oscar Masotta. Curador. Sistemas, Acciones y
Procesos 1965 - 1975. Ed. Proa.
● David Le Bretón, Cuerpo Sensible, Ediciones Metales Pesados, www.metalespesados.cl
● Valesin, Silvina. La instalación como dispositivo escénico y el nuevo rol del espectador.
http://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/44601
● Oliveras, Elena. Estéticas de lo extremo. Ed. Emecé Editores
● Richard, Nelly. Diálogos Latinoamericanos en las fronteras del arte. Ed udp.
● Marchán Fiz, Simón. Del arte objetual al arte de concepto. ED Akal. 2012
• Enseñanza personalizada. Los alumnos se dividen en comisiones a cargo del docente titular y
jefes de trabajos prácticos. Los ayudantes alumnos y adscriptos irán rotando en las
comisiones con el objetivo de observar variedad de enfoques en la implementación de los
prácticos. Participando en reuniones de cátedra y evaluaciones como parte de su formación.
• Plantear la necesidad de generar un clima para la realización de las producciones.
• Dejar cierta capacidad de maniobra y de movilidad que permita mirar, ver y sentir.
• Dictado de clases teóricas sobre los contenidos de cada unidad con diapositivas o material
digital.
• El docente proveerá de un apunte de cátedra sobre los contenidos de cada unidad y medidas
de seguridad para el uso del taller, materiales para cada técnica, herramientas y
maquinarias.
• Se proveerá asistencia técnica en el uso de las herramientas, materiales y maquinarias.
• Seguimiento y asesoramiento en procesos personales.
6- Evaluación: Espacios curriculares teóricos-prácticos procesuales:

• Se evaluará la capacidad de aprendizaje del alumno desde la perspectiva de una evaluación
formativa de carácter continuo: se partirá de una evaluación inicial, se evaluará la coherencia
el método de aprendizaje y la capacidad autoevaluativa.
Criterios de evaluación:
• Se evaluará el proceso global seguido para el desarrollo y elaboración de la propuesta
escultórica, y no el mero resultado final.
• Planteamiento inicial, adecuación de la idea al ejercicio propuesto.
• Manejo de procesos, procedimientos y materiales para la realización de la propuesta
Escultórica.
• El resultado final del proyecto escultórico. Resolución técnica y creativa. Coherencia del
lenguaje con la técnica.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 12
• Comprensión de los conceptos desarrollados.
• Grado de comprensión del compromiso asumido en el proceso de aprendizaje.
8-Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres:

Prácticos-Parciales.
• Promoción, el alumno deberá aprobar el 80% de las instancias evaluativas considerando de
mayor jerarquía la instancia integradora final con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y
un promedio mínimo de 7 (siete). El 80% de asistencia a clases y el 100% de los trabajos
prácticos y parciales aprobados con seis o más de seis siempre que el promedio final sea
igual o mayor que siete. El 20% restante no es promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
Se puede recuperar 2 (dos) prácticos y 1 (una) instancia integradora final.
• Regularidad, Modalidad procesual: aprobar el 75% de las instancias evaluativas con
calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar al menos una instancia
evaluativa para acceder a la regularidad. El 25% restante no es promediable ni por
inasistencia ni por aplazo. El 60% de asistencia a clases. La regularidad se extiende por el
término de 3 (tres) años, a partir de que se deja constancia fehaciente en actas de que el/la
estudiante accede a esa condición. Si la fecha de finalización de ese período no coincidiera
con una fecha de examen de la materia en cuestión, se extenderá hasta el turno de
exámenes subsiguiente.
Examen Libre
• El examen bajo la condición de alumnos libres se hará sobre el total de los contenidos y
condiciones del programa pautado inicialmente por la cátedra se aconseja hacer consulta
previa al examen. En dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda práctica.
Requisitos para el cursado de la materia.
• Deberán tener las materias correlativas (1° año completo 8, 9, 10, 13, 14 y 15) regularizadas
para cursar en carácter de alumno regular.
• Los alumnos deberán aportar los materiales, herramientas y elementos de seguridad
solicitados por el docente para cada práctico.
Estudiante Trabajador y/o familiares a cargo y/o en Discapacidad.

La Facultad dispone de un régimen especial de cursado para los/as estudiantes que trabajan y/o
tienen familiares a cargo y/o se encuentran en situación de discapacidad, que también
incluye a trabajadores/as informales. El mismo contempla lo siguiente:
● Justificación de las llegadas tarde a clase y/o exámenes;
● Habilita la posibilidad de reprogramación de al menos el 50% de las evaluaciones;
● Prevé otra instancia de evaluación que no puede ser considerada recuperatorio;
● Justificación de hasta el 40% de las inasistencias;
● Solicitar extensión de la condición (regularidad o promoción);
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 12
● Pueden presentarse de manera individual los trabajos grupales.
Para encuadrarse a dicho régimen, los/as estudiantes deben acercarse a la SAE a solicitar el
Certificado Único de Estudiantes Trabajadores y/o con Familiares a Cargo y/o en Situación de
Discapacidad.
7- Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene.
UNIDAD I
MARZO
• Clase 1: Presentación de la materia y del equipo docente.
• Clase 2: Desarrollo de unidad I clase teórico-práctico
• Clase 3 y 4: Elaboración del proyecto.
ABRIL
• Clase 5, 6, 7, 8, 9 y 10: Laboratorio de nuevos materiales látex y cauchos.
• Clase 11 y 12: IE N°1. Instancia Evaluativa N°1 Proyecto/Laboratorio de nuevos

materiales.
MAYO
• Clase 13, 14, 15,16, 17 y 18 Proyecto y realización de objetos.
• Clase 19 y 20: Instancia Evaluativa N°2. Proyecto y objetos realizados.
JUNIO
UNIDAD II
• Clase 21: Presentación de la unidad IE N°3 Proyecto Escultura/Fotografía.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 12
• Clase 22, 23, 24, 25 y 26. IE N°4 Laboratorio de nuevos materiales: Resina
• Clase 27 y 28: Instancia Evaluativa N°3
JULIO
• Clase 28 Y 29: Instancia Evaluativa N°4. Recuperación de IE N° 1, 2 y 3.
AGOSTO
UNIDAD III
• Clase 30 : Presentación de la unidad clase teórico-práctico.
• Clase 31, 32, 33, 34, 35, 36 y 37: Elaboración del proyecto IE N° 6. Laboratorio Técnica de
soldadura IE N°5.
SEPTIEMBRE
• Clase 38, 39 40: Realización de una maqueta.
• Clase 41 y 42: Instancia Evaluativa N°6.
• Clase 43 y 44: Instancia Evaluativa N°5.
OCTUBRE
• Clase 45, 46, 47, 48, 49, 50 y 51: Proyecto grupal IE N°7
• Clase 52 y 53 Instancia Evaluativa N°7
NOVIEMBRE
• Clase 57 58: Instancia integradora final obligatoria. Evaluación del proceso.
• Clase 59: Recuperatorios de las IE N° 4, 5, 6, y 7.
• Clase 60: Recuperatorio de Instancia final obligatoria. Firma de libretas.
Lic. Liliana Di Negro.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 12
Debido a las circunstancias de emergencia social sanitaria covid 19 atravesada durante el

periodo lectivo 2020 y la imposibilidad de la presencialidad, la Cátedra debió hacer
adecuaciones de alguno de sus contenidos para posibilitar el trabajo desde la virtualidad.
Abordamos como cátedra un trabajo de sistematización de material didáctico para el
desarrollo de las unidades para el desarrollo en la virtualidad. Pensando estrategias,
metodologías para las prácticas de taller en sus hogares. Material que fue expuesto en las
clases virtuales grabadas y luego subido al aula virtual por unidad. De esta manera aquellos
que no podían conectarse eventualmente y/o volver a verlo pudieron acceder a la clase
grabada y el material allí presentado.
UNIDAD I
CONTENIDOS
El arte del cuerpo. Laboratorio con nuevos materiales: látex, caucho, alginato, cola de
pescado, poliuretano flexible etc.
El Laboratorio con nuevos materiales: fue enfocado a los materiales que les estudiantes
tuvieran en sus hogares y que sirvieran para calcos de la piel. El proceso fue muy rico y
variado lo cual permitió experimentar con materiales nuevos muchos no usados para la
práctica artística.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
página 10 de 12
UNIDAD II
TEMA: Escultura/Fotografía.
CONTENIDOS
• Híbridos entre escultura y fotografía en la década de los ochenta.
• Proceso, proyecto y puesta. Experimentación.
La unidad II se pudo desarrollar como estaba planificado.
Los Laboratorios de Resina y Soldadura no pudieron desarrollarse. Son técnicas que
necesitan del taller como espacio para su realización por la complejidad. Sumado a que los
materiales son de costo elevado que les estudiantes acceden a través de las becas de
materiales que ofrece la SAE lo cual permite que todes pudieran experimentar. Para
desarrollar la técnica de Soldadura es necesario tener maquina de soldar y equipamiento y
asesoramiento personalizado para su realización.
UNIDAD III
TEMA: Instalación.
CONTENIDOS
● Proyecto y espacio expositivo. Maqueta.
● Introducción al espacio. Objeto Instalado.
● Instalación.
● Adecuación entre procedimientos técnicos y poéticos.
● Experimentación en materiales y medios.
La unidad III se pudo desarrollar en su totalidad sus contenidos con la modificación que
todas las maquetas fueron desarrolladas en programas que trabajan en 3D abriendo un
panorama muy rico de investigación y experimentación.
CRONOGRAMA DESARROLLADO
UNIDAD I
MARZO
• Clase 1: Presentación de la materia y del equipo docente.
• Clase 2: Desarrollo de unidad I clase teórico-práctico
• Clase 3 y 4: Elaboración del proyecto.
ABRIL
• Clase 5, 6, 7, 8, 9 y 10: Laboratorio de nuevos materiales.
• Clase 11 y 12: IE N°1. Instancia Evaluativa N°1 Proyecto/Laboratorio de nuevos

materiales.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
página 11 de 12
MAYO
• Clase 13, 14, 15,16, 17 y 18 Proyecto y realización de objetos.
• Clase 19 y 20: Instancia Evaluativa N°2. Proyecto y objetos realizados.
JUNIO
UNIDAD II
• Clase 21: Presentación de la unidad IE N°3 Proyecto Escultura/Fotografía.
• Clase 22, 23, 24, 25 y 26. Seguimiento de procesos individuales e instancias de
debate colectivo con la interacción de les estudiantes vía aula virtual.
• Clase 27 y 28: Instancia Evaluativa N°3
JULIO
• Clase 28 Y 29: Recuperación de IE N° 1, 2 y 3.
AGOSTO
UNIDAD III
• Clase 30 : Presentación de la unidad teórico-práctica.
• Clase 31, 32, 33, 34, 35, 36 y 37: Elaboración del proyecto IE N° 6. Seguimiento de
procesos individuales e instancias de debate colectivo con la interacción de les estudiantes
vía por aula virtual.
SEPTIEMBRE
• Clase 38, 39 y 40: Realización de una maqueta.
• Clase 41, 42, 43 y 44: Seguimiento de procesos individuales e instancias de debate
colectivo con la interacción de les estudiantes vía aula virtual.
OCTUBRE
• Clase 45, 46, 47, 48, 49, 50 y 51: Seguimiento de procesos individuales e instancias
de debate colectivo con la interacción de les estudiantes vía aula virtual.
• Clase 52 y 53 Instancia Evaluativa N°6
NOVIEMBRE
• Clase 57 58: Instancia integradora final obligatoria. Evaluación del proceso.
• Clase 59: Recuperatorios de las IE N° 4, 5, y 6.
• Clase 60: Recuperatorio de Instancia final obligatoria. Firma de libretas.
Lic. Liliana Di Negro.
IF-2022-00336434-UNC-DDG#FA
página 12 de 12

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Martes 10 de Mayo de 2022
Referencia: 2023 - Procesos de Producción y Análisis I (a) Escultura

Date: 2022.05.10 07:57:55 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:00:17 -03'00'

Carrera/s:
Múltiples) 2014 RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS 16/2012. Res. Ministerial 987/2013
Res. Ministerial 1220/2016. (NUEVO)
Asignatura: HISTORIA DEL ARTE II - CUATRIMESTRAL

Año curricular: 4° año de la carrera
Equipo docente:
- Profesores
- Profesora Titular: Mónica Mercado
- Profesora Asistente: Florencia Agüero
Turno único: martes de 9.30 a 14 hs.
Horario de atención a alumnos: se acuerda previamente a través de correo electrónico
Prof. Mónica Mercado: monicamercado@artes.unc.edu.ar
Prof. Florencia Agüero: catedrahistoria3@gmail.com
PROGRAMA
1- Fundamentación:
La cátedra propone generar un espacio de estudio, reflexión y crítica en torno a algunos

aspectos del desarrollo del arte en Occidente a partir de un conjunto de dimensiones que
tensionan lo que entendemos por arte moderno.
El término modernidad acogerá en el presente curso dos fases diferenciadas. La primera
fase está referido a la construcción de lo moderno o período de formación que se extiende
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 1 de 14
desde finales del siglo XVII, promovido por el debate conocido como la “querelle” entre
antiguos y modernos, hasta el primer tercio del siglo XIX.
La segunda fase o "modernidad" en su sentido más estricto, se localiza a mediados del
siglo XIX y es encumbrada por el poeta francés, Charles Baudelaire (1821-1867) a la
categoría de una nueva estética. En su ensayo titulado “El pintor de la vida moderna”
concebía la modernidad tanto una cualidad de la vida de su época como un nuevo objeto de
esfuerzo artístico. Este sería el momento de plena autonomía del arte, es decir, cuando el
arte se desvincula de las otras actividades de la vida, aunque ya a fines del siglo XVIII la
“institución arte” tiene un funcionamiento autónomo, es Peter Bürguer, quien propone este
concepto para referirse tanto al aparato de producción y distribución del arte como a las
ideas que sobre el arte dominan en una época dada y que determinan la recepción de las
obras.
En el tránsito de la Edad Media al Renacimiento con la aparición de los artistas que firman
sus obras, se modifica la categoría de producción, ésta pasa de artesana colectiva a
individual. Paralelamente Vasari se interesa por la vida de los artistas, lo que sería un
antecedente de la historia del arte y esto ya supone un paso importante en la consideración
del arte como una actividad independiente de la vida sagrada y cortesana. Con la categoría
de recepción se da un proceso semejante, si bien, todavía en el arte cortesano sigue siendo
colectiva, lo es de un modo más restringido que en el arte de carácter sagrado. Es a partir
del siglo XVIII, con la creación de los museos, que la recepción se transforma en un hecho
absolutamente individual y contemplativo de la obra de arte. Estos cambios en la
producción y en la recepción de las prácticas artísticas serán decisivos en la construcción
del concepto "arte" en el Occidente moderno, cuya comprensión es uno de los objetivos de
este curso, por lo tanto, nos referiremos a los procesos acaecidos, en el campo del arte,
durante los siglos XVII, XVIII y XIX, particularmente a las técnicas de producción y análisis
de las artes visuales.
El arte durante la modernidad se constituyó en una de las formas privilegiadas para
experimentar no sólo la belleza sino también los sentimientos y sensaciones que las nuevas
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 2 de 14
formas sociales producían en los hombres y mujeres del nuevo tiempo, En tal sentido, más
que catalogar en forma exhaustiva los estilos que se sucedieron desde el siglo XVII hasta
fines del XIX, intentaremos una serie de cortes o enfoques selectivos acerca de la relación
existente entre arte, artistas, obras y sus condiciones sociales de producción.
2- Objetivos
 Que conozcan la historia de los saberes, prácticas y producciones del campo estético y
artístico durante el proceso de la modernidad.
 Que comprendan la historicidad de las categorías estéticas y del fenómeno llamado arte.
 Que evalúen los hechos artísticos desde una perspectiva crítica y con las herramientas
conceptuales adecuadas.
 Que identifiquen las producciones artísticas/estéticas de la modernidad en su
articulación cultural.
 Que analicen algunos hitos, históricos y conceptuales, a los fines de no hacer pasar por
determinaciones conceptuales a los recortes históricos.
 Que superen la instancia meramente descriptiva a través del pensamiento crítico y
reflexivo.
 Que adquieran capacidad para participar activamente en los debates sobre el arte.
3- Unidades
Unidad A: Modernidad
Modernidad: concepto
Modernidad: dialéctica modernización/modernismo
Moderno vs. Antiguo
Etapas de la modernidad
Modernidad artística/estética: transformaciones en el espacio plástico
Unidad B: El Barroco
Las tendencias protobarrocas: clasicismo y naturalismo. El barroco en las cortes católicas y en
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 3 de 14
los países protestantes burgueses.
Discusiones historiográficas en torno a la noción de barroco: historia del arte formalista.
(Wölfflin) versus historia social del arte (Hauser)
La Querelle entre antiguos y modernos. El problema de la representación en el discurso
artístico y estético del clasicismo.
Unidad C: El siglo de la Ilustración

El lenguaje de la Ilustración: sujeto, arte y estética en sus procesos de autonomía.
La disolución del arte cortesano: rococó en la encrucijada de lo público y lo privado.
Las reacciones a la pintura en clave erótica: corrientes emocionalistas y racionalistas. La
nostalgia del clasicismo.
Autonomía del arte como correlato del arte burgués. El Romanticismo y la estética del
genio. El Romanticismo y la estetización del territorio: el paisaje y lo sublime. La
invención de la libertad artística. La "perfectibilidad" y la espiral como metáfora de lo
moderno.
Unidad D: Arte y Revolución

La Revolución Francesa: surgimiento de un nuevo imaginario, emblemas y arquetipos.
La búsqueda de la contemporaneidad. Revolución Industrial y nuevos alineamientos.
El impulso realista: de los “panoramas” a la fotografía. La ciudad como matriz del imaginario
modernista.
Unidad E: La modernidad estética

La realidad de la pintura en la obra de Manet. El Impresionismo y la realidad de la percepción.
La noción de serie y de motivo en la obra de Monet.
El posimpresionismo y el estallido de los referenciales. La reacción simbolista en sus distintas
manifestaciones.
Modernismo como estilo de fin de siglo y esteticismo como condición previa de la ruptura
vanguardista.
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 4 de 14
Unidad A
Berman, Marshal (1988) Todo lo sólido se desvanece en el aire. La experiencia de la
modernidad. Buenos Aires: Siglo XXI. Introducción. La modernidad: ayer, hoy y mañana.
Francastel, Pierre (1954) Sociología del arte, Buenos Aires, Emecé. Destrucción de un espacio
plástico.
Unidad B
Hauser, Arnold (1968) Historia social de la literatura y el arte. Madrid: Guadarrama. Vol. II El
concepto de Barroco
Wolfflin Henrich (1991) Conceptos fundamentales de historia del Arte. Madrid: Espasa Calpe.
Introducción
---------------------- (1986) Renacimiento y Barroco. Barcelona: Paidós. Introducción
Unidad C
Hauser, Arnold (1968) Historia social de la literatura y el arte, Madrid, Guadarrama. Vol. II.
La disolución del arte cortesano
Crow, Thomas (1989) Pintura y Sociedad en el Paris del siglo XVIII, Madrid, Nerea. Cap.II:
Fetes galantes y fetes publiques.
Marchán Fiz, Simón (1987) La estética en la cultura moderna, Madrid, Alianza. Cap. IV: La
estética y la “progresión” poética universal.
Unidad D
Crow, Thomas (1989) Pintura y Sociedad en el Paris del siglo XVIII, Madrid, Nerea. David y
el salón.
Nochlin, Linda (1991) El realismo. Madrid: Alianza. Cap. 1: La naturaleza del realismo; Cap.
3: Il faut étre de son temps: El realismo y la exigencia de contemporaneidad.
Unidad E
De Micheli, Mario (2001) Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid: Alianza. Cap. 2:
Los signos de la crisis; Cap. 3: Los mitos de la evasión.
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 5 de 14
Marchán Fiz, Simón (1986) Contaminaciones Figurativas. Madrid: Alianza. Cap. 1: El canto
del cisne y otras figuras de lo moderno.
Schmutzler, Robert (1980) El modernismo, Madrid: Alianza. Forma y estructura del
modernismo; El modernismo temprano.
Aumont, Jacques (1992) La imagen. Barcelona: Paidós.
Benjamín, Walter (1980) Iluminaciones II. Poesía y Capitalismo. Madrid: Taurus. París capital
del siglo XIX
---------------------- (1973) Discursos interrumpidos I. Madrid: Taurus. La obra de arte en la
época de la reproductibilidad técnica; Pequeña historia de la fotografía.
Berman, Marshal (1998) Todo lo sólido se desvanece en el aire. La experiencia de la
modernidad. Buenos Aires: Siglo XXI.
Bocola, Sandro (1999) El arte de la modernidad. Estructura y dinámica de su evolución de
Goya a Beuys. Barcelona: Ediciones del Serbal.
Bourdieu, Pierre (1995) Las reglas del arte. Génesis y estructura del campo literario.
Barcelona: Anagrama.
Buck-Mors, Susan (1989) Dialéctica de la mirada. Walter Benjamín y el proyecto de los
Pasajes. Madrid: Visor.
Bürguer, Peter (1987) Teoría de la vanguardia, Barcelona: Península. II. El problema de la
autonomía del arte en la sociedad burguesa; III. La obra de arte vanguardista.
Cassirer, Ernst (1997) La filosofía de la Ilustración. México: FCE.
Crow, Thomas (1989) Pintura y Sociedad en el Paris del siglo XVIII. Madrid: Nerea.
Chartier, Roger, (1995) Espacio público y desacralización en el Siglo XVIII. Barcelona:
Gedisa.
---------------------- (1996) Escribir las prácticas. Buenos Aires: Manantial, 1996.
De Micheli, Mario (2001) Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid: Alianza.
Didi-Huberman, Georges (2005) Ante el tiempo. Buenos Aires: Adriana Hidalgo editora.
Enaudeau, Corinne (1999) La paradoja de la representación. Buenos Aires: Paidós.
Francastel, Pierre (1960) Pintura y sociedad. Buenos Aires: Emecé
-------------------- (1954) Sociología del arte. Buenos Aires: Emecé
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 6 de 14
-------------------- (1989) Historia de la pintura francesa. Madrid: Alianza.
Fried, Michael (2003) El realismo de Courbet. Madrid: Machado Libros, 2003.
Frisby, David (1992) Modernidad y postmodernidad. Josep Picó comp., Madrid: Alianza.
Modernidad y Postmodernidad. Georg Simmel, primer sociólogo de la modernidad.
Gehlen, Arnold (1994) Imágenes de época. Sociología y Estética de la pintura moderna.
Barcelona: Península.
Habermas, Jurgen, (1992) Modernidad y postmodernidad. Josep Picó comp., Madrid: Alianza.
Modernidad versus postmodernidad.
Harvey, David (1998) La condición de la posmodernidad. Investigación sobre los orígenes del
cambio cultural, Buenos Aires, Amorrortu. Tercera parte. 14: El tiempo y el espacio en el
proyecto de la Ilustración.
Hauser, Arnold, (1968) Historia social de la literatura y el arte. Tomo II. Madrid:
Guadarrama.
Malosetti Costa, Laura (2001) Los primeros modernos. Arte y sociedad en Buenos Aires a fines
del siglo XIX. Buenos Aires: FCE.
Marchán Fiz, Simón (1987) La estética en la cultura moderna. Madrid: Alianza.
----------------------- (1986) Contaminaciones Figurativas. Alianza: Madrid.
--------------------------- (1996) Summa Artis. Historia general del arte. vol. XXXVIII. Madrid:
Espasa Calpe. Fin de siglo y los primeros “ismos”del XX (1880-1917)
Nochlin, Linda (1991) El realismo. Madrid: Alianza.
Panofsky, Erwin (1985) La perspectiva como forma simbólica. Barcelona: Tusquets.
Schmutzler, Robert (1980) El modernismo. Madrid: Alianza.
Sebastián, Santiago (1989) Contrarreforma y barroco. Madrid: Alianza.
Sontag, Susan (1973) Sobre la fotografía. Buenos Aires: Sudamericana.
Sternberger, Dolf (1996) Panoramas du XIX siécle. París: Le Promeneur (Gallimard).
Williams Raymond (1997) La política del modernismo. Buenos Aires: Ediciones Manantial.
Winckelmann, Johann (1987) Reflexiones sobre la imitación del Arte Griego en la Pintura y la
Escultura. Barcelona: Nexos.
Wolfflin Henrich (1991) Conceptos fundamentales de historia del Arte. Madrid: Espasa Calpe
--------------------- (1986) Renacimiento y Barroco. Barcelona: Paidós.
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 7 de 14
Partimos de considerar a los textos artísticos, como el lugar de una condensación de sentidos,
Cuando hablamos de textos artísticos nos referimos a las imágenes producidas en los
diferentes períodos históricos, por artistas que utilizaron métodos, procedimientos y técnicas
específicas, produciendo obras de diferentes disciplinas: pintura, dibujo, escultura. En
consecuencia, desarrollaremos un encuadre conceptual que permita a las y los estudiantes
apropiarse de los contenidos de la materia haciendo eje en el vínculo entre discursos sobre el
arte, textos artísticos y representaciones.
Estimularemos, en las clases, la participación activa de las y los estudiantes, motivando a que
dicha participación se ejerza en el pleno ejercicio del respeto por las diferencias de todos los
integrantes. Planteamos que, tanto las diferentes posiciones teóricas de los miembros de la
cátedra, como las diversas perspectivas de la bibliografía seleccionada se orienten a cuestionar
el objeto mismo de estudio. A la vez que, nos proponemos que la investigación bibliográfica
alcance un alto grado de socialización, a través de:
 Trabajo en grupo.
 Comunicación y cooperación en la solución de problemas.
 Pluralismo de puntos de vista.
Como actividades generales en la resolución de problemas, se proponen las siguientes
operaciones básicas:
Lectura crítica de la bibliografía seleccionada, profundizando en relación con los objetivos
propuestos para cada caso y desarrollando el siguiente proceso:
 Extracción de las hipótesis principales.
 Síntesis de una estructura conceptual que interprete y explique el tema propuesto.
 Confrontación de las hipótesis generales de los textos seleccionados con el corpus de
imágenes.
 Identificación de ideas, problemas y/o el núcleo central de los artículos bibliográficos,
utilizando las guías de lecturas preparadas por la cátedra.
 Elaboración de comunicaciones escritas y/ o visuales tal como sean requeridas por la
guía de trabajos prácticos.
Se contemplan dos modalidades de trabajo en clase: "grupo clase total" y la conformación de
subgrupos. El abordaje de carácter teórico-práctico se realiza desde las exposiciones de los
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 8 de 14
docentes en combinación con las propuestas de trabajo grupal, a partir del planteo de distintas
situaciones tendientes a recuperar conocimientos previos, profundizar en la comprensión de los
aportes teóricos, intercambiar posturas y elaborar producciones compartidas.
7- Evaluación: Criterios en general / por Unidad/por Prácticos elegir lo que corresponda
8- Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar: (según normativa vigente

Consultar Régimen de alumnos). Descripción de la propuesta de evaluación ajustada a
la reglamentación vigente (Régimen de alumnos y alumno trabajador en:
Régimen de promoción directa

Será considerado PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes condiciones
mínimas: aprobar el 80 % de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 6
(seis) y un promedio mínimo de 7 (siete); aprobar el 100% de las Evaluaciones Parciales, con
calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). Las
calificaciones promediadas de evaluaciones parciales y trabajos prácticos serán consideradas
separadamente y no serán promediables a los fines de la PROMOCION.
Rendir un coloquio final con una calificación mínima de 7 (siete).
Régimen de alumno regular

Son alumnos REGULARES aquellos que cumplan las siguientes condiciones: aprobar el 80 %
de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y aprobar el 80% de
las Evaluaciones Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Las calificaciones
de evaluaciones parciales y trabajos prácticos serán consideradas separadamente y no serán
promediadas a los fines de la aprobación de la condición de alumno REGULAR.
Examen de alumno libre

Los alumnos que se presenten a rendir en la condición de IBRES deberán rendir un examen de
dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda oral, en ambas se tendrán en cuenta
los aspectos teóricos y prácticos. Una vez aprobada la instancia escrita se procederá al examen
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 9 de 14
oral, esta instancia podrá obviarse si el tribunal considera que el resultado de la parte escrita
merece la calificación de 8 (ocho).
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 10 de 14
Historia del Arte II
Equipo Docente:
Prof. Titular: Mónica Mercado
Prof. Asistente: Florencia Agüero

el periodo lectivo 2020 y la imposibilidad de la presencialidad, la Cátedra debió realizar
adecuaciones metodológicas y revisar la bibliografía, lo cual implicó el desarrollo de
material de estudio sistematizado y adaptado a la virtualidad.
A continuación, se detalla la bibliografía obligatoria para la acreditación de la materia.
Respecto a algunos textos que figuran en el programa se tomó la decisión de suprimirlos
ya sea por la dificultad de su digitalización o por la complejidad de su perspectiva teórico-
metodológico. A los fines de subsanar esta dificultad se elaboraron materiales escritos
que se incorporaron a la bibliografía obligatoria.
Por otra parte, todas las clases teóricas y prácticas fueron dadas en modo virtual
sincrónico respetando el horario de la presencialidad.
A continuación, se detalla la primera clase a modo de ejemplo de la forma en que se
hicieron los ajustes metodológicos en función de la virtualidad.
Forma de presentación de los contenidos
La primera clase es presentada a través de un escrito que introduce el tema y sintetiza los
aspectos más relevantes de la bibliografía propuesta para el desarrollo del recorrido
didáctico.
A los fines de reflexionar sobre la bibliografía para esta clase se sugieren algunas pautas
de lectura que les posibiliten articular los conceptos con la narratividad desarrollada en el
video “Mi amigo Nietzsche”
La segunda clase es en formato teórico a través de jitsi. La clase se desarrolla a través de
un power point de modo tal de articular los conceptos fundamentales con las imágenes.
La parte práctica de esta segunda clase se trabaja sobre la deconstrucción del espacio
plástico desde una perspectiva más específica, referida al lenguaje visual, que
ejemplifique y analice los cambios producidos en la superficie pictórica a los fines de que
cuenten con las herramientas técnicas del análisis visual.
Recursos educativos incorporados
Teórico escrito por la docente: tiene la función de ser introductorio al recorrido

propuesto. Se les envía con anterioridad a los estudiantes a los fines de que puedan
participar a través del foro. Se valora en esta instancia los saberes previos respecto al tema
principal. Se les sugiere la participación a través del debate de ideas vinculadas a esos
saberes previos.
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 11 de 14
Bibliografía de lectura obligatoria: Se les pide a los estudiantes que extraigan la hipótesis
principal del autor y que la confronten con otras posiciones historiográficas.
Video el objetivo es que sean capaces de valorar narrativas de formato estético visual y
comparar con otro tipo de narrativas: literarias, históricas, etc.
Clase teórica en Plataforma virtual desarrollo de la bibliografía, explicación de
lenguaje técnico y de aspectos (hitos históricos, por ejemplo) que el autor menciona sin
desarrollarlos.
Power point a modo de integración de los contenidos desarrollados se pide a los
estudiantes que reflexionen sobre la modernidad a partir de caracterizar sus distintos
umbrales, articulando imagen y texto.
Unidad A
 Clase teórica escrita (introductoria a la materia). Prof. Mónica Mercado
 Berman, Marshal (1988) Todo lo sólido se desvanece en el aire. La experiencia
de la modernidad. Buenos Aires: Siglo XXI. Introducción. La modernidad: ayer,
hoy y mañana.
Unidad C
 Hauser, Arnold (1968) Historia social de la literatura y el arte, Madrid, Guadarrama.
Vol. II. La disolución del arte cortesano
 Crow, Thomas (1989) Pintura y Sociedad en el Paris del siglo XVIII, Madrid, Nerea.
Cap.II: Fetes galantes y fetes publiques.
 Clase teórica escrita sobre clasicismo. Prof. Mónica Mercado
 Clase teórica escrita sobre romanticismo. Prof. Mónica Mercado
Unidad D
 Nochlin, Linda (1991) El realismo. Madrid: Alianza. Cap. 1: La naturaleza del
realismo; Cap. 3: Il faut étre de son temps: El realismo y la exigencia de
contemporaneidad.
Unidad E
 Marchán Fiz, Simón (1986) Contaminaciones Figurativas. Madrid: Alianza. Cap. 1:
El canto del cisne y otras figuras de lo moderno.
 Francastel, Pierre (1954) Sociología del arte, Buenos Aires, Emecé. Destrucción de
un espacio plástico
Las condiciones para acceder a la regularidad o promoción de la materia se rigen de

acuerdo a la normativa vigente para la situación del ASPO.
Se detalla la evaluación final de la materia adaptada a la virtualidad.
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 12 de 14
Evaluación Final para acreditar la materia teniendo ya aprobados los trabajos
prácticos obligatorios.
 La evaluación es asincrónica y el plazo de entrega será de quince días.
 Se prevén mecanismos que den cuenta de la capacidad de integrar los contenidos
desarrollados en el recorrido didáctico.
 La evaluación consistirá en la realización de un ensayo visual que, de cuenta de
ciertas figuras de lo moderno, cuyos rasgos distintivos radican en su calidad de
presente. (10 o 12 imágenes como máximo)
 Para lo cual deberán tener en cuenta, la/s marca/s de modernidad que la obra
despliega, tales como:
1. Temas que fueran excusa para una nueva pintura.
2. La visión que se produce desde las alturas del boulevard parisino con
respecto a la representación espacial de la ciudad.
3. Rasgos de la imagen fotográfica que se filtran en el lenguaje pictórico.
4. Las relaciones que se establecen entre las transformaciones en el espacio

plástico euclidiano y la comprensión de Baudelaire de la modernidad
como transitoria y fugitiva.
El ensayo visual va acompañado de una fundamentación para lo cual deberán elaborar un

escrito (máximo 5 páginas) que recupere los puntos fundamentales de la bibliografía
propuesta sobre la nueva visión surgida durante la modernidad estética.
El escrito deberá mantener coherencia y cohesión en su desarrollo, es decir, la actividad
no busca que se responda a cada punto expuesto en las guías de lecturas, sino que los
puntos sirvan efectivamente de guía para la realización de una reseña razonada de las
lecturas. En este sentido, buscamos que el escrito no se conforme de fragmentos citados
e hilvanados de los textos, sino que resulte expositivo del proceso de comprensión de
cada uno. Si fuera necesario realizar una cita textual de la bibliografía esta debe respetar
las normas de citación.
 Articulación entre imágenes y texto
 Claridad conceptual
 Capacidad de síntesis
 Profundidad en el análisis
 Utilización de lenguaje técnico
Prof. Mónica Mercado
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 13 de 14
IF-2022-00336440-UNC-DDG#FA
página 14 de 14

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2027 - Historia del Arte I

Date: 2022.05.10 07:59:26 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:01:48 -03'00'

Carrera/s:
Lic. en Artes Visuales orientaciones: a) Escultura, b) Grabado, c) Pintura, d) Medios
987/2013
Asignatura: DIBUJO IV
Año curricular: Cuarto año
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular Semi Dedicación: Lic. Rubén Oscar Menas
Prof. Adjunto Semi Dedicación: Arq. Miguel Ángel Rodríguez
Prof. Adjunto Simple: Lic. Lucas Di Pascuale
Turno único: Martes de 14.30 a 18.30 hs – Atención Alumnos: de 18.30 a 20 hs
Presencial/Virtual: Facebook: DIBUJO4 (UNC)
___________________________________________________________________________
PROGRAMA
Presentación:
“La idea de la erosión y de la temporalidad que se manifiesta en los cuerpos en
movimiento me ha interesado por la manera de percibir y sentir la obra del tiempo a través
de la degradación constante de las cosas. Para mí, una escultura o un objeto en movimiento
debe ser representado por una esfera que, del hecho de su forma orgánica y similar a un
planeta, es imperfecta. Me interesa el accidente y el accidente como tendencia a degradar
las estructuras”
Gabriel Orozco (entrevista con Jean-Pierre Criqui, 15/9/2010)
IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
P página 1 de 9
A
“Según su punto de vista, la obra de arte produce discusiones, de modo que “cuando
se le pide a un artista que la explique en palabras, surge solo un discurso paralelo. Más aun,
a menudo los artistas no terminan de entender lo que han hecho, y las lecturas de los otros
pueden ayudarlos a “ver, en un nivel consciente”, de qué se trata su propia obra.”
Mary Kelly (Siete días en el mundo del arte)
Fundamentación
La condición de autonomía del dibujo, su inmediatez, las diferentes variables técnicas de
trabajo y la incidencia de su valorización en el campo de la producción contemporánea
constituyen un campo fértil para la indagación y construcción de las poéticas personales de
los alumnos como temática principal, utilizando estrategias de producción, análisis de obra y
procesos reflexivos de lectura atinentes al campo de acción del dibujo.
Enfoques
El enfoque principal para esta Cátedra está asentado en el desarrollo intensivo de la imagen
personal del alumno. Para ello se producen acciones que conducen a ampliar los campos de
experimentación con los materiales del dibujo, las nuevas tecnologías y el incremento de la
formación teórica con lecturas y discusiones sobre textos afines y la mirada al mundo
contemporáneo circundante.
Objetivos:
- Afianzar lo aprendido en años anteriores
- Lograr el ajuste y desarrollo conceptual, técnico y compositivo de la imagen personal del
alumno
- Afinación en el manejo de los elementos del dibujo
- Dominio de la técnica y el material correspondiente para la configuración de la imagen
personal
- Planificación de las estrategias personales para ese fin
La Cátedra está orientada a afirmar la búsqueda de una plasmación a través del dibujo y sus
herramientas de lo que se considera la imagen personal. Este concepto de imagen personal
no se ciñe a un tema determinado, donde se apuntan las expectativas de logro, sino que es
“el” tema sobre lo que pivoteará la producción. Durante el cursado de la carrera, las
producciones plásticas responden a un temario de representación (objetos simples,
composiciones en el plano, figura humana, paisaje) que va puliendo, en su devenir, los
argumentos técnicos del dibujo. El taller, la práctica intensa del dibujo y las reflexiones
teóricas, desnudan de a poco una línea de afinidad con maneras propias de dibujar.
Potenciar ese contacto con lo personal es el eje a través del cual se implementan durante el
año las estrategias personales de trabajo.
El campo de experimentación en la producción tenderá a ampliarse, incluyendo desde lo
IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
P página 2 de 9
A
tradicional en la práctica del dibujo a lo contemporáneo con nuevas maneras de utilizar los
materiales, nuevas herramientas (analógicas, digitales, virtuales) y amplios espacios de
discusión sobre la imagen, ideas y modos de representación.
Contenidos
- Taller de producción y análisis de obra
- Núcleo temático principal: La Imagen Personal / Medios de producción de obra (técnicos,
conceptuales)
- Estrategias de producción
- Utilización de medios virtuales de conexión para intercambio de información, textos,
videos, etc.
- Asistencia a muestras en el medio local, análisis y reflexiones sobre el contexto general
(Autor, obra, montaje, difusión)
Núcleos temáticos
Imagen personal - Análisis reflexivo de la propia producción –Taxonomías particulares
Unidades
1- Análisis de las últimas producciones de los alumnos, tratando de fijar objetivos afines a su
temática de preferencia y modos de realización. Texto de Luis F. Noé “Algunas
aproximaciones al dibujo” – Eduardo Stupía “Me interesa la incomodidad”, entrevista de
Victoria Márquez para EL Gran Otro.
2- Taxonomías: Trabajo práctico sobre la producción de diferentes autores del medio local-
nacional- internacional, con un fin orientativo para la temática de imagen personal.
Producción taller. Dura todo el cuatrimestre. Citas de textos de: Michel Foucault - Eduardo
Stupía y Boris Groys.
3- Texto sobre la imagen personal, con preguntas: a) ¿Qué entiende por imagen personal? b)
¿Cómo desarrollaría su propia imagen personal?, idea, contexto, procedimientos técnicos a
utilizar (herramientas, soportes físicos – digitales, etc.) Éste trabajo debe entregarse en 15
días. Apuntes de Yves Michaud “Filosofía del arte y estética”, Gabriel Gutnisky sobre la
alegoría (J.L. Brea), Roland Barthes, “La muerte del autor”, Sara Thornton, “Siete días en el
mundo del arte, 2, La crit, pág. 55 a 83.
4- Parcial: Sobre la producción personal. Obra o cuerpo de obras que alumbren las
experimentaciones realizadas hasta el momento.5- Sigue la producción de obras, breve texto
sobre el concepto de lo contemporáneo, opinión personal y cita de fuentes al respecto.
Textos: Jacques Ranciere, “El destino de las imágenes”, La pintura en el texto pág. 83 a 101 -
Boris Groys, “Arte en flujo”, cap. Sobre el realismo / Conceptualismo global: el regreso /
Modernidad y Contemporaneidad, reproducción mecánica vs digital. Páginas 131 a 164 / El
arte en internet, pág, 195 a 213. – Gilles Deleuze, “Pintura, el concepto de diagrama” 1.
Germen y catástrofe – Introducción al diagrama pictórico y también “El Arte como acto de
IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
P página 3 de 9
A
resistencia” Vídeo traducido de Gilles Deleuze, (YouTube) Grupo DIBUJO4 UNC – Facebook
6- Evaluación: Análisis técnico conceptual sobre la producción en el cuatrimestre, muestra
de los procesos personales con un mínimo de 20 trabajos más un texto referencial a la
producción personal.
Deleuze Gilles, 2007, “Pintura, el concepto de diagrama” 1. Germen y catástrofe –
Introducción al diagrama pictórico 31/03/1981
Didi-Huberman, Georges, 2008, “Cuando las Imágenes toman posición”, A. Machado Libros,
322 p
Gómez Molina, J.J., L. Cabezas, J. Bordes, 2001, El manual de dibujo, estrategias de su
enseñanza en el siglo XX, Madrid, Cátedra (Arte, grandes temas) 654p., II- La construcción
del sentido, (Lino Cabezas)
Groys, Boris, 2016, “Arte en flujo, ensayos sobre la evanescencia del presente”, Buenos Aires,
Caja Negra, 224p.
Michaud, Yves, 2007, “El arte en estado gaseoso, Ensayo sobre el triunfo de la estética”,
México, Fondo de Cultura Económica, 169 p.
Oliveras, Elena, 2004, Estética, la cuestión del arte, Grupo Editorial Planeta S.A.I.C. / Ariel,
399p., Capítulo II. Los conceptos principales. Capitulo III, Teorías sobre la creatividad.
Oliveras, Elena, 2009, Cuestiones de arte contemporáneo, Emecé, Buenos Aires, 272 p.
Wallis, Bryan (ed.), 2001, Arte después de la modernidad, nuevos planteamientos en torno a
la representación, Última salida: La Pintura (Thomas Lawson), Ediciones Akal, Madrid,
España, 465p.
Ranciere, Jacques, “El destino de las imágenes”, La pintura en el texto pág. 83 a 101,
Prometeo Libros, 2011, Bs. As. 144 p.
Eduardo Stupía, “Me interesa la incomodidad”, entrevista de Victoria Márquez para EL Gran
Otro.
Boris Groys, “Arte en flujo”, cap. Sobre el realismo / Conceptualismo global: el regreso /
Modernidad y Contemporaneidad, reproducción mecánica vs digital. Páginas 131 a 164 / El
arte en internet, pág, 195 a 213.
Luis Felipe Noé, “Noescritos” (1996-2006) Cap. 26, 27, 28.
Benjamin H.D. Buchloh, “Conversación con Gabriel Orozco en Los Angeles”.
“Terminal”, Conversación entre Guillermo Kuitca y Lynne Cooke.
Pierre Bourdieu, “El sentido social del gusto”, capítulos 1 a 4.
Pierre Bourdieu, “Creencia artística y bienes simbólicos”, trad. Alicia Gutiérrez, pág 19 a 48,
apunte.
Susan Sontag, “Sobre la fotografía”, “El mundo de la imagen”, cap., pág.1 a 18, apunte.
Thornton, Sara, 2009, Siete días en el mundo del arte, 2 La crit, pág. 55 a 83, apunte, Edhasa,
Buenos Aires 256p
IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
P página 4 de 9
A
Yves Michaud, “Filosofía del arte y estética”, 2009, apunte, Disturbis (Ensayo)
Gabriel Gutnisky, “Clasificación tentativa de los distintos procedimientos enunciativos
actuales” (Guía de lectura ampliada de J.L. Brea sobre la alegoría en “Noli me legere”) 2014
“El Arte como acto de resistencia” Vídeo traducido de Gilles Deleuze, (YouTube) Grupo
DIBUJO4 UNC – Facebook
Roland Barthes, “La muerte del autor” Apunte
- Taller y Análisis de obra.
- Producción, análisis y crítica de obra (anterior y producida en la cátedra)
- Lecturas y análisis de textos sugeridos y provistos por la cátedra.
- Configuración de estrategias particulares para la producción con la temática de la imagen
personal.
- Análisis de muestras en el medio local con asistencia y posterior discusión sobre las
mismas.
- Intercambio a través de redes sociales de novedades y aspectos concernientes a la Cátedra
y la producción propia. [Facebook: DIBUJO4 (UNC)]
La modalidad de trabajo en taller consiste en una introducción coloquial sobre textos y
reflexiones en torno al dibujo y a la producción artística. Se trata de inducir a reflexiones
mínimas sobre los mismos. Luego se procede a analizar en detalle e individualmente las
propuestas de trabajo, los avances sobre las propias ideas y modos de operar, con aportes
del equipo de cátedra y de los propios compañeros. Podemos decir que son una especie de
“clínicas” sucesivas de análisis de obra, que conviven con la producción en taller.
El alumno comienza a trabajar en la dirección y con los materiales que ha propuesto en un
primer texto reflexivo sobre la imagen personal, que incluye modalidad de trabajo, medios y
técnicas a utilizar y el germen de la idea que piensa desarrollar durante el año. La atención
del alumno es constante e individual.
En algún momento del cuatrimestre se invita a artistas del medio local y nacional a hablar
sobre su obra y producir un breve encuentro a la obra de alumnos que estén dispuestos a
discutir sobre ella, como modo de acercamiento al escenario de la plástica y configurar
posibles estrategias de producción.
Existe un grupo virtual en Facebook, DIBUJO4 (UNC), en que los alumnos y la cátedra
postean artículos, textos, comentarios de clase, horarios, consultas, etc. Además se lleva un
registro fotográfico de obras presentadas a análisis por los alumnos que se realiza con el
equipo de cátedra.
También se promueve la asistencia a muestras relevantes en el medio local y posterior
análisis de lo observado.
Evaluación. Criterios en general / por Unidad/por Prácticos elegir lo que corresponda.

La evaluación consiste en la presentación del parcial rendido durante el cuatrimestre y un
IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
P página 5 de 9
A
cuerpo de obras que acrediten el trabajo realizado y monitoreado por la cátedra en su
ejecución durante el dictado de clases.
El escrito sobre la imagen personal es un trabajo práctico y debe presentarse en la fecha
asignada en el cuatrimestre.
Los trabajos prácticos se evalúan en una presentación de carpeta.
Parciales: 1 parcial, 1 evaluación final de carpeta
Se tendrán en cuenta las siguientes pautas:
- Manejo de técnicas de representación
- Conocimiento de las consignas de trabajo reflexivas (no solo enunciativas)
- Calidad gráfica de representación
- Monto de trabajos
- Presentación y montaje de las obras
- Explicitación de conceptos de orden teóricos aplicados a través de exposiciones orales y
textos creados por el alumno
Recuperatorios: Los recuperatorios tendrán una fecha a designar (cercana a la realización
del examen) en consenso con el alumno que deberá justificar su inasistencia a la fecha
propuesta de examen.
Los trabajos prácticos son considerados aquellos que se realizan en clase y los que se piden
para realizar fuera de ella. Estos constituyen la carpeta. La carpeta se evaluará al finalizar
cada cuatrimestre. Se tendrá en cuenta el proceso de desarrollo de los mismos, el
cumplimiento de las propuestas y objetivos, y el cuidado en la presentación.
Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar: (según normativa vigente –

Consultar Régimen de alumnos) (Régimen de alumnos y alumno trabajador en:
- Será considerado PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes condiciones
mínimas: aprobar el 80 % de las instancias evaluativas con calificaciones iguales o mayores a
6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete); Pudiendo recuperar al menos una evaluación
parcial y un práctico para acceder a la promoción. El 20% de los trabajos prácticos
evaluativos restante no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo. (Art 22 Régimen
de alumnos)
Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir u mínimo de asistencia a clases, que no
podrá superar el 80% del total. Se entiende por asistencia la presencia del estudiante en la
clase, bajo ningún motivo la misma se podrá acreditar mediante actividades (Instancias
evaluativas-jornadas-salidas a congresos- actividades extracurriculares-etc) (Art 23. Régimen
de alumnos)
- Será considerado REGULAR el alumno que cumpla con las siguientes condiciones mínimas:
IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
P página 6 de 9
A
Aprobar el 75% de las instancias evaluativas con calificaciones iguales o mayores a 4
(cuatro). Pudiendo recuperar al menos una instancia evaluativa para acceder a la
regularidad. El 25% restantes no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo. (Art. 26,
Régimen de alumnos). Podrá exigirse un mínimo de 60% de asistencia a clases. Bajo ningún
motivo la misma podrá acreditarse mediante actividades (Inst. evaluativas, jornadas, salidas
a congresos, actividades extracurriculares, etc.)
- Son alumnos LIBRES: Aquellos alumnos cuya asistencia fuera menor al 60% de clases sin
justificar, no realización de parciales o su correspondiente recuperatorio.
Cronograma detallado:
MARZO 17 U 1- Presentación. Propuesta de trabajo en la materia. Ejes y enfoques.
Indicación de textos sobre los que se trabajará como soporte teórico
24 Feriado-
31 Análisis de las últimas producciones de los alumnos, tratando de fijar objetivos
afines a su temática de preferencia y modos de realización.
ABRIL 7 U 2- “Taxonomías”: Teórico con ppt y discusión posterior sobre lo presentado.
Enunciación del Trabajo práctico a realizar sobre la producción de diferentes
autores del medio local- nacional- internacional, con un fin orientativo para la
temática de imagen personal. Producción taller. Dura todo el cuatrimestre.
(Textos de Eduardo Stupía y Luis Felipe Noé).
14 U 3-Taller de producción sobre Taxonomías
21 Taller de producción sobre Taxonomías. Análisis sobre avances
28 Taller de producción sobre Taxonomías. Análisis sobre avances
MAYO 05 Parcial 1. Revisión sobre la producción personal de acuerdo a Taxonomías.
Obra o cuerpo de obras que alumbren las experimentaciones realizadas hasta
el momento.
12 Evaluación y replanteo (si es necesario)
19 Semana de exámenes
26 Evaluación y recuperatorio de parcial
JUNIO 02 U 4-Sigue la producción de obras, breve texto sobre el concepto de lo
contemporáneo, opinión personal y cita de fuentes al respecto
09 Análisis de procesos, producción de obra.
Revisión de los materiales utilizados.
16 Análisis de procesos y producción de obra.
23 U 5- Evaluación sobre el proceso de Taxonomías (específico)
30 Evaluación final de proceso, carpeta y parciales más el texto sobre Taxonomías
y la producción personal del alumno
Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene
Las presentaciones de los trabajos prácticos y de los

exámenes que requieran montaje de obras deberán respetar
las normas de seguridad e higiene. No IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
se pueden utilizar los
espacios: escaleras, ascensor, techos, escaleras de
emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas,
página 7 de 9
emergencias, ingreso, etc). P
Los espacios de tránsito de uso
A
10- Cronograma tentativo: deben consignar los siguientes puntos
Unidades:
1) Presentación y puesta en contexto de los objetivos de la cátedra. Análisis de producciones
ligadas a la imagen personal. Determinación de posibles rumbos a seguir en la
representación, materiales, recursos, etc. Pedido del texto sobre imagen personal a
desarrollar y presentar en el parcial.
2) Power point sobre “Taxonomías” donde se explica el proceso a llevar a cabo durante el
cuatrimestre basado en esta enunciación. Primeros análisis de producciones anteriores de
los alumnos
3) Producción y análisis de obra continuo. Revisión de estrategias, materialidades, relación
con la idea a desarrollar.
Parcial – Corrección del teórico
4) Producción y análisis de obra continuo. Revisión de estrategias, materialidades, relación
con la idea a desarrollar.
5) Evaluación y análisis de producción. Contexto, materialidades, monto de producción y
calidad de las operaciones de representación ceñidas al objetivo enunciado en “Taxonomías”
y el escrito sobre lo personal.
Se evaluará el teórico sobre Imagen Personal, el cual hará referencias sobre una idea o varias
a desarrollar, que se entiendan como de producción personal del alumno explicitando
posibles materiales, soportes, volumen espacial – virtual, que se verán comprometidos en su
elaboración. Deberá citar fuentes, si las hubiera, referentes, etc.
El alumno deberá exponer sobre el trabajo realizado con un montaje discreto, acompañado
de un texto reflexivo sobre su producción
Lic. Rubén menas
IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
P página 8 de 9
A
ADENDA CICLO LECTIVO 2020

Carrera/s:
Asignatura: DIBUJO IV
Año curricular: Cuarto año
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular Semi Dedicación: Lic. Rubén Oscar Menas
Prof. Adjunto Semi Dedicación: Arq. Miguel Ángel Rodríguez
Prof. Adjunto Simple: Lic. Lucas Di Pascuale
- Ayudantes Alumnos: Milagros García Vieyra
- Adscripto: Lic. Daniel Cerutti
Aula Virtual: D4Menas20 - Facebook: DIBUJO4 (UNC)
Contenidos:
Se mantienen los del Programa 2020
- Clases por Meet a través de Aula Virtual de al menos 4 horas de duración, respuesta a
consultas a través de Aula Virtual y grupo de Dibujo IV en Facebook.
Examen Regular 2020:

Se accede al Aula Virtual para conocer la presentación de “Taxonomías” luego de
anotarse para examen. Esta temática es explicado en el momento del examen
también.
El examen consiste en la presentación de un PDF que contiene:
- Cuerpo de obras producidas en relación a “Taxonomías”, su versión, procedimientos,
materialidades y desarrollo de proceso, fundadas en el dibujo como método principal
de trabajo.
- Texto sobre “Taxonomías” detallando la elección de uno más taxones o la creación de
uno propio, luego de haber analizado la propuesta de trabajo de la Cátedra sobre el
tema.1 o 2 carillas.
Examen Libre 2020:

Presentación de piezas producidas desde lo personal que se relacionen con lo
producido en Taxonomías. Posibles derivas textuales que aporten al proceso
desarrollado.
IF-2022-00336444-UNC-DDG#FA
página 9 de 9

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2028 - Dibujo IV

Date: 2022.05.10 08:02:59 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:00:49 -03'00'

Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales /Plan 2014
Asignatura: HISTORIA DEL ARTE III
Año lectivo: 4° año.
PROGRAMA
Equipo Docente:
- Profesoras:
Prof. Adjunta a cargo: Mgter. Carolina Romano
Prof. Asistente: Dra. Ana Sol Alderete
-Profesoras adscriptas:
Pra. Abril Cleve
Lic. Paulina Iglesias
Lic. María Belén Messina
Lic. Ana Laura Santillán
-Ayudantes Alumnos:
Emilia Molina
Lugar
Por las disposiciones de ASPO: Aula Virtual de la Asignatura hasta que se suspenda la vigencia de
las disposiciones.
Turno único: Miércoles de 9 a 13 hs.
Consultas: (previa concertación vía correo electrónico)
Profesora Ana Sol Alderete: martes de 14 a 15 hs

Profesora Carolina Romano: lunes de 11 hs. a 12:30 hs.
Sala de videoconferencia: https://meet.jit.si/Clase_consulta_historia_3_2020
Clave de ingreso a la sesión: historia3 .
Correo electrónico: HYPERLINK "mailto:historia_cuatro@yahoo.com.ar"

historia_cuatro@yahoo.com.ar
IF-2022-00336452-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 8
Breve presentación
La materia Historia del Arte III espera generar un ámbito de int ercambio en el cual reflexionar y debatir ac erc a
de algunos de los desarrollos más significativos de la historia de las artes visuales en Argentina y sus vínculos
con otros contextos regionales e internacionales durante el siglo XX y lo que va del siglo XXI.
Esta asignatura cuatrimestral, ubicada en el 4° año del Ciclo Profesional de la Licenciatura en Art es Visuales y
el Profesorado en Educación Plástica y Visual integra, a su vez, el Área de Estudios Histórico Culturales.
Comparte con otras materias del Área la preocupación por reflexionar sobre el arte considerando el aporte de
diferent es espacios disciplinares como la antropología, la filosofía, la sociología y, fundamentalmente, la
historia del arte y la cultura.
La cátedra propone su programa como selección consciente de contenidos efectuada desde un contexto
particular que posibilita y condiciona una perspectiva sobre la historia del arte. Con esto, queremos decir que
al mismo tiempo que la materia abarcará ciertas manifestaciones del art e argentino moderno y
contemporáneo y algunos de sus problemas más relevantes, reflexionará sobre la forma en que la historia del
arte se concibe como espacio de conocimiento.
Fundamentación del Programa
El programa de la materia se estructura a partir de la intersección de dos ejes: uno diacrónico que centra su
atención en tres momentos o etapas -los modernismos y vanguardias de comienzos del Siglo XX, las
neovanguardias y posvanguardias ulteriores a la segunda Gran Guerra y el arte post-autonómico o post-
aurático de fines del siglo XX y lo que va del XXI- con otro sincrónico que reflexiona sobre los diálogos, por
cierto asimétricos y no siempre concordantes, ent re lo local, lo nacional, lo regional o lo internacional. La
atención dada a estos diálogos se efectúa desde la premisa que supone que los proc esos de concentración y
circulación de bienes culturales y los intercambios dispares que los producen son de vital importancia para
comprender la elaboración de los lenguajes visuales modernos y contemporáneos. A partir del estudio de
obras y prácticas culturales, figuras intelectuales y artistas, formaciones e instituciones, procuraremos centrar
nuestra atención en los diversos desarrollos que tuvieron los estilos, tendencias o movimientos estéticos
(según se razonen) con una mirada dirigida tanto a las transformaciones de esos desarrollos durante el último
siglo como atenta a los hechos de contacto y circulación cultural que los posibilitaron.
De tal suerte las relaciones entre centros/ periferias, las discusiones acerca de la identidad/ alteridad y los
abordajes ac erca de los límites/ fronteras del arte argentino y latinoamericano serán tensiones privilegiadas a la
hora de pensar las tres unidades en las que se organiza este programa. Así en la Unidad I se estudiarán los
modernismos y vanguardias del espacio nacional y latinoamericano como procesos que no fueron
unidireccionales sino que implicaron elementos complejos, contradictorios, con temporalidades no siempre
coincidentes en donde las preocupaciones por construir una visualidad nacional o regional encontraron, según
la tendencia o movimiento de la cual se trate, diferentes puntos de acuerdo o de tensión con los desarrollos
visuales de las metrópolis europeas. En la Unidad II la atención se centrará en describir un nuevo mapa de
relaciones internacionales donde los centros europeos que tuvieron una gravitación indiscutida en el desarrollo
del arte argentino y latinoamericano de la primera mitad de siglo XX ceden o pierden esa centralidad ante
Nueva York y otros c entros emergentes. En concordancia con tales cambios se estudiarán los procesos
sociales y económicos desplegados en el contexto de la guerra fría que condicionarán y posibilitarán las
neovanguardias o posvanguardias de la segunda mitad del siglo XX . Aquí, como en la primera unidad del
programa, se estudiarán algunos de sus desarrollos visuales cuestionando los abordajes de la historia del arte
que los definieron como copias, desarrollos epigonales o estilos derivativos de los centros metropolitanos. En
la Unidad III se analizará como la tardo-modernidad o globalización, según la definición a la que se adscriba,
imprime cambios en lo que se ha denominado art e post-autonómico o post-a urático. Los nuevos modos de
concebir al artist a, las prácticas de producción, circulación, etcét era serán los problemas privilegiados de esta
IF-2022-00336452-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 8
unidad para reflexionar sobre fronteras difusas entre lo que es o no arte y el dinamismo que esto imprime
tanto a las tradiciones (la idealidad de un canon), los campos (en tanto sistemas relacionales de posiciones en
un ámbito específico) y los sistemas (en tanto mediaciones institucionales) artísticos actuales. A pesar de que
cada unidad tiene sus núcleos de interés, compart en un tratamiento que propone articular las caract erístic as
morfológic as de las art es visuales que se analizan con las modalidades de su circulación y los contextos
sociales, políticos y culturales donde tienen ocurrencia.
2. Objetivos
Objetivo general:
▪ Procurar el conocimiento y la comprensión de herramientas conceptuales que permitan a los alumnos

iniciarse en los debates atinentes a la Historia del arte argentina y latinoamericana del Siglo XX y lo que va del
XXI.
▪ Reflexionar sobre los procesos de autonomización del arte moderno y las embestidas a esa
autonomía por parte de las vanguardias de comienzo de siglo, así como por los procesos de radicalización de
los años ’60 o los movimientos contemporáneos de principios del siglo XXI.
▪ Ponderar críticamente los aportes de perspectivas que consideran la circulación y los hechos de
contacto como elementos nodales de los procesos estéticos y culturales.
▪ Articular las características formales de los modernismos, vanguardias, neovanguardias y

manifestaciones post-autonómicas latinoamericanos analizados con sus contextos de ocurrencia y despliegue.
▪ Precisar las designaciones epocales dadas a estilos, prácticas artístico-intelectuales y tipos de artist a e
intelectual, intentando reconst ruir la historicidad de tales términos y conceptos. Diferenciar esas
nominaciones epocales de los abordajes historiográficos que las analizan.
▪ Construir criterios para debatir y argument ar acerca de los diferent es objetos de la Historia del Arte
argentino y latinoamericano, así como para la historización y comprensión de la propia práctica artística.

Unidad I: Modernismos y vanguardias
Vanguardias, tecnología y cultura de masas. Arte e ideologías sociales y políticas en las vanguardias de
comienzos de siglo. Emergencia del modernismo en los centros metropolit anos. Estrategias de la modernidad
en Améric a Latina. Modernismos y vanguardias: productos de diálogos –asimétricos- entre centros y periferia.
Las vanguardias en Argentina: décadas del ‘20 y ‘30. Debates en torno a la conceptualización y alcances de la
noción de vanguardia en el mundo contemporáneo.
Unidad II: Neo-vanguardia, posvanguardia y artes visuales en los ’60 y ’70 en Argentina
Las artes visuales después de la segunda posguerra: de París a Nueva York. Discusiones sobre las nociones de
vanguardia y neovanguardia en la segunda mitad del S XX. Arte y estrat egias de internacionalización en la
cultura latinoamericana y argentina. Arte, modernización y guerra fría en Córdoba: Bienales y Antibienal.
Radicalización y posiciones anti-institucionales: art e y revolución. Circuitos masivos, desmat erialización y
conceptualismos.
IF-2022-00336452-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 8
Unidad III: La encrucijada del arte actual: arte post-autonómico
Circuitos globales: nuevas relaciones y redes de circulación de las art es visuales contemporáneas. La función
centro. Politización de los cont enidos, reflexividad crítica de la forma. Crítica al naturalismo y la transparencia
referencial de lo subalterno. Ubicuidad del margen y emplazamientos contingentes. Acciones contra
hegemónicas en el arte contemporáneo.
4. Bibliografía obligatoria [discriminada por Unidades y organizada según se trabaja en los teóricos]
Unidad I
HUYSSEN, Andreas, “La dialéctica oculta: vanguardia t ecnología y cultura de masas”, pp. 19-41 en Después de
la gran división. Modernismo, cultura de masas, posmodernismo, Buenos Aires, Adriana Hidalgo, 2006.
WILLIAMS, Raymond, “Las percepciones metropolitanas y la emergencia del modernismo”, pp. 57-69 en La
política del modernismo. Contra los nuevos conformistas, Buenos Aires, Manantial, 1997.
WECHSLER, Diana, “Melancolía, presagio y perplejidad. Los años 30 entre los realismos y lo surreal”, pp. 17-35
en Territorios de diálogo. España, México y Argentina 1930-1945, Buenos Aires: Fundación Mundo Nuevo, 2006.
FANTONI, Guillermo, El realismo como vanguardia. Berni y la mutualidad en los ’30, Buenos Aires: Fundación
OSDE, 2014.
GIUNTA, Andrea, “Estrategias de la modernidad en América Latina”, pp. 285-303 en Escribir las imágenes.
Ensayos sobre arte argentino y latinoamericano, Buenos Aires: Siglo XXI Editores, 2011
GORELIK Adrián, “Notas sobre la actualidad de la vanguardia” pp.135-139 en AAVV, Vanguardias argentinas.
Buenos Aires: Libros del Rojas, 2003.
Unidad II
GUILBAULT, Serge, “Introducción”, pp. 13-38 en De cómo Nueva York robó la idea de arte moderno, Valencia:
Tirant lo Blanche, 2007.
FOSTER, Hal, “¿Quién teme a la neovanguardia?” pp. 3-36 en El retorno de lo real. La vanguardia a finales de
siglo, Madrid: Ediciones Akal, 2001.
ROCCA, M. Cristina, “Introducción” pp. 21-32 , Cap. XI. “En la Bienal Joven o la III Bienal” pp.263-302 y C ap. XII.
“’Bichos raros’ en el centro de la cuidad. La antibienal pop” en Arte, modernización y Guerra Fría. Las Bienales
de Córdoba en los ´60. Córdoba: Editorial UNC, 2009.
GIUNTA, Andrea: Estrategias de internacionalización pp. 237-294 en Vanguardia, internacionalismo, política.
Arte argentino en los años sesenta, Buenos Aires: Paidós, 2001.
VINDEL, Jaime, Tretiakov en Argentina. Factografía y operatividad en la vanguardia de los años sesenta pp. 1-
15, En línea: http://eipcp.net/transversal/0910/vindel/es/#_ftnref24
LONGONI, Ana, Capítulo I. Vanguardia y revolución como ideas fuerza, pp.21-54 en Vanguardia y revolución.
Arte de izquierdas en Argentina de los sesenta-setenta, Buenos Aires: Ariel, 2014.
Unidad III
RICHARD, Nelly: El régimen crítico-estético del arte en tiempos de globalización cultural en Fracturas de la
memoria. Arte y pensamiento crítico, Buenos Aires: Siglo XXI Editores, 2007.
RICHARD, Nelly, “Ticio Escobar” pp. 81-122 en Diálogos latinoamericanos en las fronteras del arte. Leonor
Arfuch, Ticio Escobar, Néstor García Canclini, Andrea Giunta, Santiago de Chile: Ediciones Universidad Diego
Portales, 2014.
ROSLER, Marta, “El arte contemporáneo en el centro y en la periferia” pp. 227-255, en ROSLER, Marta, Clase
cultural. Arte y gentrificación, Buenos Aires: Caja Negra Editora, 2013.
SQUIBB, St ephen, “Introducción” pp.19-33, en ROSLER, M art a, Clase cultural. Arte y gent rificación, Buenos
Aires: Caja Negra Editora, 2013.
IF-2022-00336452-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 8
5. Bibliografía Ampliatoria [discriminada por Unidades y organizada por orden alfabético]
Unidad I:
AMARAL, Aracy. Prólogo. Arte y arquitectura del modernismo brasileño (1917-1930). Traducci ón Marta Traba. Caracas:
Biblioteca Ayacucho, 1978. p. IX-XXXI.
BATCHELOR, David, WOOD, Paul y FER, Briony, Realismo, Racionalismo y Surrealismo. El arte de entreguerras (1914-
1945), Madrid: Ediciones Akal, 1999.
BURUCUA, José Emilio (director de tomo). Nueva Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Vol. I y II. Buenos Aires:
Sudamericana, 1999.
CIPPOLINI, Rafael. Manifiestos argentinos. Políticas de lo visual 1900-2000. Buenos Aires: Adriana Hidalgo editora, 2003.
DE MICHELLI, Mario. Las vanguardias artísticas del siglo XX. 1ra. reimpresión. Madrid: Alianza Editorial, 2004.
SARLO, Beatriz. Una modernidad periférica: Buenos Aires 1920 y 1930. Buenos Aires: Nueva Visión, 1988.
SCHWARTZ, Jorge. Las vanguardias latinoamericanas. México: FCE, 2006
Unidad II:
BURUCUA, José Emilio (director de tomo). Nueva Historia Argentina. Arte, sociedad y política. Vol. I y II. Buenos Aires:
Sudamericana, 1999.
FANTONI, Guillermo. Arte, vanguardia y política en los años sesenta. Conversaciones con Juan Pablo Renzi. Buenos Aires: El
cielo por asalto, 1998.
FREIRE, Cristina. “Artistas/curadores/archivistas: políticas de archivo y la construcci ón de las memorias del arte
contemporáneo” en FREIRE, Cristina y Ana Longoni (Org.) Conceptualismos del Sul/Sur. Sao Paulo: Annablume/USP-
MAC/AECID, 2009. p. 199-212
JIMÉNEZ BLANCO, María Dolores [et. al.], Medio siglo de arte: últimas tendencias, 1955-2005, Madrid: Abada, 2006.
LONGONI, Ana y M. MESTMAN. Del Di Tella a Tucumán Arde. Vanguardia artística y política del ’68 argentino. Buenos Aires:
El cielo por asalto, 2000.
TRABA, Marta, Dos décadas vulnerables en las Artes Plásticas Latinoamericanas, Buenos Aires: Siglo XXI Editores, 2005.
Unidad III:
GIUNTA, Andrea. Poscrisis. Arte argentino después de 2001, Buenos Aires: Siglo XXI editores, 2009.
GUASCH, Anna María, La crítica dialogada: entrevistas sobre arte y pensamiento actual, 2000-2006, Murcia: Cendeac, 2006
LADDAGA, Reinaldo, Estética de la emergencia. La formación de otra cultura en las artes, Buenos Aires: Adriana Hi dalgo
editora, 2006.
LONGONI, Ana y Gustavo BRUZZONE (Comp.), El Siluetazo, Buenos Aires: Adriana Hidalgo editora, 2008.
MEDINA, Cuauhtémoc (Editor) Sur, sur, sur, sur...Séptimo Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo,
México DF: Patronato de Arte Contemporáneo A.C., 2010.
MUÑOZ, Cristian y David ROMERO, La puesta a prueba de lo común. Una aproximación a los discontinuos trazos de la
dimensión colectiva en el arte contemporáneo penquista, Concepción: Ediciones Plus, 2014.
El trabajo que se propone desde esta asignatura intercalará diversas actividades y metodologías de trabajo
según los conceptos propuestos y los objetivos planteados:
▪ Actividades de exposición y explicación de conceptos nodales, perspectivas de los autores

analizados, contextualización de sus propuestas que permitan un espacio de acuerdo básico sobre el cual
plantear las actividades de cada encuentro.
▪ Actividades de orientación para la lectura: en estas instancias se realizarán actividades de muestreo
o identificación de las palabras clave de un texto, comprensión o identificación de las estructuras gramaticales
y sus significados proposicionales e interpretación tendiente a desarrollar habilidades para receptar los textos
IF-2022-00336452-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 8
como mensajes organizados que conectan det erminada intención del autor con determinada estructuración y
realización discursiva.
▪ Actividades de descripción e interpretación de imágenes: en estas actividades se contrastarán la
descripción de algunos elementos formales presentes en las imágenes con la descripción de su tema o topos.
Se analizará la técnica y procedimientos con las que fueron realizadas para aproximarse y comenzar a inferir
algunos elementos de su poética.
▪ Actividades de escritura con pautas de desarrollo según el texto que deba elaborarse: memos, notas,
comunicaciones, artículos breves.
▪ Debates y puestas en común que colaboren en la revisión, elaboración de ajustes y construcción de
nuevos interrogantes.
7. Evaluación:
Descripción de la propuesta de evaluación ajustada a la reglament ación prevista por el Régimen de
Estudiantes de la Facultad de Artes (OHCD 1-2018). Como establece dicha reglamentación (Art. 12) se definen
dos categorías de los espacios curriculares atendiendo a la especificidad de la evaluación de las prácticas
artísticas: espacio curricular teórico-práctico puntual y espacio curricular teórico-práctico procesual. La
materia Historia del Art e III se define como espacio curricular teórico práctico puntual. En función de lo
anterior se realizarán 4 (cuatro) instancias de acreditación: dos Trabajos Prácticos y dos Parciales. Las
consignas, objetivos, requisitos y crit erios de evaluación específicos de cada trabajo se entregarán a las y los
alumnas/os durante el cursado, al menos 7 días antes de cada evaluación.
Los criterios generales de evaluación en la presentación de los trabajos prácticos esc ritos y orales y del parcial
tendrán en cuenta:
- claridad y coherencia conceptual;
- capacidad de síntesis;
- competencia para generar relaciones
- aptitud para buscar y recopilar información relevante en función de ciertos interrogantes;
- compromiso en el proceso de estudio e investigación;
- corrección en la redacción y presentación de trabajos;
-capacidad de transferencia de las categorías o conceptos trabajados al análisis de obras.

Espacios curriculares teóricos-prácticos puntuales: aprobar el 80 % de los trabajos prácticos evaluativos con
calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete); aprobar la totalidad de las
evaluaciones parciales, con calificaciones iguales o mayores a 7 (siete). Pudiendo recuperar al menos una
evaluación parcial y una práctica para acceder a la promoción. El 20% de los trabajos prácticos evaluativos
restante no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo.
Aprobar el 80% de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y aprobar el 80% de
las Evaluaciones Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar evaluaciones
parciales y prácticas para acceder a la regularidad. El 20% de los trabajos prácticos evaluativos y el 20% de los
parciales restantes no son promediables ni por inasistencia ni por aplazo.
Aprobar la instancia escrita y oral del examen final.
IF-2022-00336452-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 8
La/el estudiante deberá aprobar con una calificación igual o mayor a 4 (cuatro). Puede preparar para el examen oral una
exposición de no más de cuatro minutos que vincule al menos dos contenidos de Unidades diferentes del programa que
hayan sido de su especial interés. El tribunal podrá hacer preguntas sobre la ponencia y el resto del programa.
Examen de alumna/o libre:

Quienes no cumplan con alguno de los requisitos anteriores serán considerados alumnas/os libres.
El día del examen la/el estudiante deberá aprobar con una calificación igual o mayor a 4 (cuatro) un EXAMEN teórico
escrito planteado a partir de la bibliografía del programa para luego realizar una defensa oral de su examen escrito. Si la
nota del escrito fuera igual o superior a 8 (ocho) podrá optar por no realizar la instancia oral.
9. Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene: No corresponden
Esquema general UI U II U III

Unidad
*Vanguardias, tecnología y *Desplazamiento del centro: *Circuitos globales: nuevas
cultura de masas. de París a Nueva York. relaciones y redes de las artes
*Emergencia del * posvanguardia y visuales contemporáneas.
modernismo en los centros neovanguardia en la segunda *La función centro.
metropolitanos. mitad del S XX. *Politización de los
*Estrategias de la *Arte y estrategias de contenidos y reflexividad
Contenidos modernidad en América internacionalización. crítica de la forma.
Latina. *Radicalización y posiciones *Crítica al naturalismo y la
específicos *Las vanguardias en anti-institucionales: arte y transparencia referencial de
argentina revolución. lo subalterno.
*Debates en torno a la *Circuitos masivos, * Acciones contra
noción de vanguardia en el desmaterialización y hegemónicas en el arte
mundo contemporáneo. conceptualismos. contemporáneo.
▪ Procesos de lectura de textos: estrategias de comprensión, contextualización e

Contenidos interpretación.
transversales ▪ Procesos de análisis e interpretación de producciones visuales modernas y
contemporáneas.
▪ Síntesis, sistematización, comparación, contrastación y relación de nociones
teóricas para la interpretación de producciones estéticas.
▪ Procesos de ajuste de los contenidos trabajados y formulación de nuevos
interrogantes.
*Modernismos *Neovanguardia *Tardo modernidad

Palabras clave *Vanguardias *Posvanguardia *Postmodernidad
*Tecnología *Internacionalización *Arte post-autonómico
*Cultura de Masas *Circuitos y posiciones *Arte post-aurático
*Centros metropolitanos/ alternativas/ circuitos y *Circuitos globales
periferias posiciones anti- *Régimen crítico
institucionales (oposición) *Función centro
*Desmaterialización
IF-2022-00336452-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 8
Cronograma Unidad I: Unidad II: Unidad III:
11 agosto 08 septiembre 06 octubre
tentativo de
18 agosto 15 septiembre 13 octubre
Teóricos: 25 agosto
01 de septiembre. 15 septiembre. 20 octubre.

Cronograma de
Trabajo Práctico n° 1 Parcial n° 1 Trabajo Práctico n°2
Evaluaciones: (entrega el 07 de septiembre) (entrega el 22 de septiembre) (entrega el 26 de octubre)
Fechas finales de la cátedra:

Recuperatorios de Trabajos Prácticos y Parciales: 03 noviembre (entrega el 09 de noviembre)
▪ Devolución de recuperatorios. Comunicación de condiciones y notas: 17 de noviembre
Mgter. Carolina Romano
IF-2022-00336452-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 8

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2029 - Historia del Arte III

Date: 2022.05.10 08:01:47 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:01:53 -03'00'

Carrera/s: Licencia tura en ARTES VISUALES Plan 2014
Asignatura: PROCESOS DE PRODUCCIÓN Y ANÁLISIS II- PINTURA
Anual
Cuarto Año
Equipo Docente:
- Profesores
Prof Adscripto: Luz Novillo Corvalán
Turno único: lunes 15 a 18 hs.
Horario de atención: jueves de 17 a 19 hs
Comunicación con los alumnos: aula virtual de la cátedra.
Anual.
PROGRAMA

Desde el año 2020 transitamos nuestras prácticas artísticas y académicas bajo
circunstancias absolutamente diferentes a las previstas por nosotros e impensables
hasta hace muy poco tiempo. Esta realidad nos obliga por razones de salud y cuidados
ciudadanos a proponer cambios estructurales en el dictado anual de la materia con una
modalidad virtual.
La materia se inscribe en cuarto año de Licenciatura, con una orientación en Pintura,
planificada bajo parámetros que sustentan que esta orientación adhiere a los
desplazamientos que ofrece la contemporaneidad.
Los artistas producen objetos, discursos, prácticas y construyen nexos entre personas.
Coordinar y enlazar teorías con prácticas, pensar estrategias diseñar dispositivos son
partes del campo disciplinar. Pensar la producción artística como un lugar para la
pregunta, la duda y para promover la diversidad es nuestro desafío.
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 12
Los parámetros de la modernidad definían cultura como un conjunto articulado de
teorías explicitas y saberes tácitos, mediados por instituciones, con formas de
objetividad y prácticas, que pensaba las obras como objetos para ser contemplados y
admirados por un espectador silencioso (lo que Foucalt denomina el campo disciplinar),
la contemporaneidad, piensa sus parámetros desde muy diversos lugares. Por un lado
las modificaciones que ha sufrido la institución arte, en los modos de organizarse,
circular y legitimar la obra, y por otro un proceso expansivo que amplía el mundo del
arte en sus modos de producción. Los nuevos parámetros de exhibición (documentas,
bienales, mass media, redes sociales, entre otros) ofrece nuevas oportunidades de
producción, comunicación, exhibición y análisis. En tanto que los modos de producción
sufrieron cambios que se traducen en obras de bordes abiertos, difícilmente
encasillables bajo parámetros de configuración moderna.
El arte contemporáneo se caracteriza por producciones que llamaremos de bordes

difusos, alejados de categorías a las que nos acostumbramos hasta la modernidad, al
analizarlo entramos en un campo en lo que todo es posible. Obras multidisciplinares,
diversas, muchas de ellas incluso alejadas de lo material (obras comunitarias,
relacionales), obras en las que prima la experiencia. El mundo es un repertorio de
materia prima para producir obra.
El arte se expande y abre fronteras, en permanente disputa y territorialidad global,
abierto a la posibilidad permanente de que ocurra todo lo contrario, las instituciones
son un fiel reflejo de esos términos epocales.
El cursado de la materia supone una primera etapa hasta julio de exploraciones a través
de consignas pautadas como un ejercicio para pensar y poner en tensión los intereses
de cada estudiante; y una segunda etapa después del receso invernal con producciones
relacionadas con búsquedas personales y reflexiones a cerca de las mismas.
2- Objetivos
Que el alumnos sea capaz de
- Pensar a partir de los postulados de la materia que existen diversos modos de
producciones artísticas no solo por las tecnologías y materialidades que
incorporan sino por los contenidos que abordan.
- Ampliar la conciencia estética de producción visual a la producción de sentido.
- Proponer prácticas artísticas diversas inclusivas y abiertas.
- Abordar el trabajo en equipo como un método de producción y análisis crítico.
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 12
- Finalizar la materia afianzando procesos artísticos propios cuyos procesos de
reflexión acompañen sus recorridos.
3- Núcleos temáticos
- Núcleo 1. Producción artística.

- Producción, crítica y circulación de obras
- Producción artística a partir de los propios intereses
-
- 1º etapa: En esta instancia se pretende reconocer la articulación de variables
para que el alumno pueda determinar una estrategia de reconocimiento de
imágenes y técnicas que le permitan expresar a través de sus producciones
artísticas procesos subjetivos y variables poéticas.
- Dichas variables tienen que ver con los diferentes modos de representación, la
relación entre los modelos experimentados en años anteriores, la manifestación
de la subjetividad de autor, las transformaciones materiales y conceptuales en
los modos de producción, la importancia del contexto.
- Este primer abordaje plantea un presente atravesado por los rastros de otras
temporalidades y rastros transdisciplinares.
- Análisis de producciones en tanto discurso y práctica artística. Descriptivo e
interpertativo
- Relevamiento de los diferentes parámetros de exhibición, circulación y montaje
adecuado a cada producción artística.
-
- 1º trabajo práctico: construcción de procesos productivos. Bocetos, ensayos,
registros. Plan de montaje.
- Producción de al menos 5 obras con una misma variable.
- Cronograma: 8 clases. 2 presentaciones teóricas y 6 prácticas.
- Evaluaciones parciales al menos 3,
- Final: parcial Nº 1 que incluye obras, textos y montaje. 2 clases
- Recuperatorio: 2 clases
- Núcleo 2- Proceso de postproducción
- Abordaremos las obras como un conjunto de procesos efectuados sobre

material o estructuras preexistentes. Pensaremos arte desde una postura que
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 12
consiste en producir relaciones con el mundo, materializando de una forma u
otra sus vínculos con el espacio y con el tiempo.
La obra pensada como un ensamblaje de procesos preexistentes, mutaciones.
Una forma de uso del mundo, una negociación infinita entre puntos de vista.
Arte y vida cotidiana. Activismos. Lo ambiguo, lo personal, lo efímero, lo intimo,
lo austero, etc. La participación social. Manipulación de formas , relatos. El
espacio de exhibición como un lugar para participar y construir. La estructura y el
concepto: el arte contemporáneo como operador de formas y relatos. El arte
para dar formas y lecturas del mundo.
- Tipologías: Reprogramar obras ya existentes- Habitar estilos y formas

historizadas – Construir mediante el uso de imágenes- La sociedad como
repertorio de formas – los medios de comunicación como materia prima.
- Trabajo práctico Nº2- Elección de artistas y análisis de sus procesos (dos clases)
- Bocetos, ensayos, registros. Plan de montaje.
- Producción de al menos 3 propuestas con diferentes variables.
- Cronograma: 4 clases. Evaluaciones parciales al menos 3,
-
- Trabajo práctico Nº 3- Conexiones con el mundo del arte. Lenguaje y
representación simbólica. – Bocetos y diseño de estrategias de producción
artística
- Cronograma: 4 clases
- Evaluaciones parciales
- Un parcial al finalizar el núcleo
- Trabajo práctico Nº4.- Vinculaciones entre enunciados y representaciones

visuales. Produccion artística final. 5 obras finales. Montaje y critica a la
produccion de un compañero.
- Cronograma: 7 clases
- Evaluaciones parciales y un parcial final.
- Bibliografia
-
- Bourriaud, Nicolas. Postproducción. Adriana Hidalgo Editora. 2007
- Oliveras, Elena Cuestiones de arte contemporáneo, Emecé, Buenos Aires. 2009
-
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 12
- Núcleo 3- Proceso de producción para construir un relato procesual
- Desarrollar un ejercicio de producción que permita asumir el reto de un hábito

de producción casi automático y en un tiempo acotado por cada une como
metodología y a partir de ella elaborar un dispositivo de análisis y producción.
- Trabajo práctico Nº5. Uno por día.
- Temporalidad acotada por cada une en horario fijo para producir una obra. A fin
de construir un procesos seriado y constante.
- Modalidad de evaluación: presentación de los trabajos y análisis procesual para

utilizar en la última propuesta del año.
- Cronograma: 4 clases de presentación y análisis
- Evaluación final: 2 clases
Núcleo 4- Proceso final.
1- Producción de obras.
El conjunto final de obras tiene como objetivo trabajar un conjunto que culmine los
recorridos académicos de cada une. En esta etapa cada unedeberá desplegar una propuesta
personal.
Existen dos alternativas: trabajar en una serie de obras o con un proyecto artístico,
entendido este último como una red discursiva (Hal Foster) que va tramando significados y
que muchas veces incluye actores diversos con una apertura ilimitada.
Si se proponen trabajar a partir de un tema transversal y a partir de allí producir una serie de
al menos 10 obras con que vayan desarrollando y profundizando técnicamente esa
problemática.
Es posible que también la opción sea trabajar a partir de un proyecto que trabaje a partir de
un contenido, concepto o tema y con ello pensar en intercambios o materialidades.
En ambos casos es importante que cada uno explicite en su blog:
• Conjunto de obras (serie) en la que se tenga registro de procesos, bocetos y obras
finales
• En el caso de proyectos el tema, los recursos, los participantes, cronograma y obras

finales.
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 12
- Cronograma 2 clases teóricas, 7 clases con producción y análisis grupales
- Evaluación 4 clases con presentación de proyectos
- Recuperatorio 2 clases
2- Proceso interpretativo.
• Nombre de la serie, proyecto o exposición
• Texto de presentación
• Memoria descriptiva de las obras (qué es)
• Imágenes con su ficha técnica.
• Corpus teórico (autores que trabajan y ponen en contexto mis ideas) + mis
reflexiones como artista
• Reflexión Final. Cierre o conclusión
• Diseño expositivo
• Texto interpretativo. Cada uno elegirá un artista compañero y hará una crítica de
arte. ( y a su vez cada uno tendrá una crítica)
3- Diseño Expositivo:
• Presentaciones en el espacio: público y privado (ficticio- planos). Emplazamiento de

obras
• Alternativas de montaje y requerimientos técnicos. Accesorios expositivos: vitrinas,

bases, caballetes, repisas, etc.
• Proyecto curatorial
• Textos de sala (breve)
• Paratextos- Epígrafes- textos adicionales
• Diseño de piezas gráficas (opcional): folleto, catálogo, postal, hoja de sala, etc
- Bibliografía obligatoria
- Foster, Hal. El retorno de lo real. Akal. 1996

IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 12
- Barthes, Roland. Lo obvio y lo obtuso. Imágenes, gestos, voces. Paidós
Comunicación. Barcelona 1986.
- Groys, Boris. ARTE EN FLUJO. Ensayos sobre la evanescencia del presente. Ed.
Caja Negra. 2016.
- Groys, Boris. Volverse Público. Las transformaciones del arte en el ágora

contemporánea. Ed Caja Negra. 2014.
- Vilar, Gerard. El Arte Contemporáneo y la precariedad. Cap. 3
3- Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar: (según normativa vigente –)
CRONOGRAMA TENTATIVO
10- Cronograma tentativo:
Núcleo 1 Núcleo 2 Núcleo 3 Núcleo 4 Final Recuperatorios

Marzo 5 clases
Abril 8 clases 2 clases 2 clases
Mayo 1 clase 3clases 2 clases
evaluación
Junio 7 clases 2 clases 2 clases
Julio 2 clases
Agosto 5 clases 2 clases 2 clases
Setiembre 6 clases
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 12
Octubre 7 clases 2 clases 2 clases
Noviembre 2 clases 2 clases

donde se presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras debe incorporarse
el siguiente

requieran montaje de obras deberán respetar las normas de seguridad
e higiene. No se pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor,
techos, escaleras de emergencia, como así también obstruir puertas
(oficinas, emergencias, ingreso, etc). Los espacios de tránsito de uso
común deberán contar con las indicaciones pertinentes si interrumpen
el paso.
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando
todos los elementos de montaje (cintas, tanzas, etc.). Si se utilizan
muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde han sido
retirados.
docente responsable.
Cualquier actividad que se realice fuera del ámbito de la Facultad
deberá contar con el aval de la Dirección del Departamento.
Anexo:
Se adjunta las condiciones que establece el Régimen de alumno vigente a los fines que los
docentes puedan corroborar y transcribir lo que considere necesario.
ARTICULO 8°) Se definen las siguientes condiciones: PROMOCIONALES, REGULARES, LIBRES y

VOCACIONALES.
ALUMNOS PROMOCIONALES
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 12
ARTICULO 9°) Las diversas asignaturas ofrecerán posibilidades a la condición de alumno
PROMOCIONAL para los alumnos inscriptos. El H. Consejo Directivo podrá exceptuar
expresamente este sistema en aquellos casos en que así se apruebe, a solicitud fundada del
profesor Titular o docente a cargo y los Consejos de Escuela.
ARTICULO 10°) Será considerado PROMOCIONAL el alumno que cumpla con las siguientes
condiciones mínimas: aprobar el 80 % de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o
mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete); aprobar el 100% de las Evaluaciones
Parciales, con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete).
Las calificaciones promediadas de evaluaciones parciales y trabajos prácticos serán
consideradas separadamente y no serán promediables a los fines de la PROMOCION.
ARTICULO 11°) Los responsables de las asignaturas podrán exigir la condición de un mínimo
de asistencia a las clases prácticas y teórico-prácticas, que no podrá superar el 80% del total.
Se entiende por clase teórica aquella donde se desarrolla en forma expositiva una temática
propia de la disciplina, y por clase teórico-práctica aquella que articula la modalidad del
curso teórico con una actividad de la práctica con relación a la temática de estudio.
ARTICULO 12°) Las cátedras deberán incluir para los alumnos promocionales exigencias
extras, tales como: o coloquio final, o monografias, o prácticas especializadas, o trabajos de
campo, u otro tipo de producciones que impliquen un rol activo del estudiante, en orden a
que la condición de promocional no quede restringida a la mera asistencia a clases prácticas
y teórico-prácticas y aprobación de Parciales y Prácticos. En tales casos se deberán prever y
poner en vigencia instancias que permitan al alumno recuperar dichas exigencias incluyendo
opciones sustitutivas para las exigencias que no puedan recuperarse en condiciones
similares a las originalmente planteadas.
ARTICULO 13°) Las Evaluaciones Parciales serán no menos de 2 (dos) por asignatura.
ARTICULO 14°) Las condiciones para aprobar una asignatura en la condición de alumno
PROMOCIONAL, deberán ser claramente explicitados en el Programa de la asignatura y no
podrán ser modificadas en el transcurso del cursado. Los programas de las asignaturas
deberán estar a disposición de los alumnos en la primera semana de clases. Asimismo,
deberán estar aprobados por el Consejo de Escuela respectivo y de acuerdo a las
especificaciones que se establezcan
ARTICULO 15°) Los docentes responsables de las asignaturas deberán permitir el real y
adecuado acceso de los alumnos a las Evaluaciones Parciales corregidas y calificadas, a fin de
que dicha etapa cumpla con su función pedagógica específica de reconstrucción del error.
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 12
ARTICULO 16°) Los profesores encargados de cátedra deberán prever el derecho de los
alumnos a recuperar como mínimo el 25% de las evaluaciones. En caso de que el número de
evaluaciones fuera igual o menor a 3 (tres) los alumnos tendrán derecho a recuperar al
menos una de ellas. La calificación que se obtenga substituirá a la obtenida en la evaluación
recuperada y deberá ser promediada con las previamente obtenidas.
ARTICULO 17°) Los alumnos tendrán derecho a recuperar como mínimo el 33 % de los
Trabajos Prácticos, las calificaciones de los mismos serán promediadas de acuerdo a la
modalidad establecida. En caso de que la aplicación de 33 % al número de trabajos prácticos
recuperables diera un número fraccionario, se considerará que el derecho a la recuperación
se extiende al número inmediato superior.
ARTICULO 18°) Las evaluaciones finales de los alumnos promocionales se llevarán a cabo en
fechas distintas de los exámenes finales regulares, las cátedras deberán comunicar a las
Escuelas respectivas las correspondientes fechas y la lista de alumnos en condiciones de
rendir. La promoción tendrá vigencia por el semestre subsiguiente y se elaborará un acta por
cada fecha de evaluación final fijada por la cátedra.. Se entiende por semestre subsiguiente
el que sucede inmediatamente después del cursado, incluyendo las fechas de exámenes
correspondientes.
ALUMNOS REGULARES
ARTICULO 19°) Todo alumno debidamente matriculado puede acceder a la CONDICION DE

ALUMNO REGULAR, que implica la posibilidad de inscripción para aprobar la asignatura
accediendo a un examen de una sola instancia, que podrá ser oral o escrita.
ARTICULO 20°) Son alumnos REGULARES aquellos que cumplan las siguientes condiciones:
aprobar el 80 % de los Trabajos Prácticos con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro) y
aprobar el 80% de las Evaluaciones Parciales con calificaciones iguales o mayores a 4
(cuatro). Las calificaciones deevaluaciones parciales y trabajos prácticos serán consideradas
separadamente y no serán promediadas a los fines de la aprobación de la condición de
alumno REGULAR.
ARTICULO 21°) Los profesores encargados de cátedra deberán prever el derecho de los
alumnos a recuperar como mínimo el 25% de las evaluaciones. En caso de que el número de
evaluaciones fuera igual o menor a 3 (tres) los alumnos tendrán derecho a recuperar al
menos una de ellas. La calificación que se obtenga substituirá a la obtenida en la evaluación
recuperada.
ARTICULO 22°) Los alumnos tendrán derecho a recuperar como mínimo el 33 % de los
Trabajos Prácticos. En caso de que la aplicación de 33 % al número de trabajos prácticos
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 12
recuperables diera un número fraccionario se considerará que el derecho a la recuperación
se extiende al número inmediato superior.
ARTICULO 23°) La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años, a partir de que se
deja constancia fehaciente de que el alumno accede a esa condición. Si la fecha de
finalización de ese período no coincidiera con una fecha de examen de la materia en
cuestión, se extenderá hasta el turno de exámenes subsiguiente.
Prof Mariana del Val
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 12
Procesos de producción y análisis II- Pintura

Equipo Docente:
- Profesores:
-Profesores Adscriptos:
Prof.Adscripta: Luz Novillo Corvalán

Los contenidos fueron abordados en su totalidad con la salvedad de que en los dtres
primeros meses de cuarentena (marzo, abril y mayo) se dificultaba conseguir
materiales para trabajar. Debimos por tanto adecuar técnicas y materiales a los
existentes en cada hogar.
No se tomaron exámenes durante el periodo 2020.
IF-2022-00336460-UNC-DDG#FA
página 12 de 12

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2030 - Procesos de Producción y Análisis II c) Pintura

Date: 2022.05.10 08:05:18 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:03:08 -03'00'
Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales Orientaciones: Grabado. Plan 2014
Asignatura: Procesos de Producción y Análisis II Grabado,

Anual
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Celia Marco del Pont
Prof. Asistente: Micaela Trocello
Turno tarde:
Martes Miércoles Jueves

15:00 a 20:00 15:00 a 20:00 9:00 a 12:00
Presencial (desarrollo de Presencial Virtual/Presencial
la asignatura) (desarrollo de la (atención de alumnos)
asignatura)
Pabellón Cepia, Aula B. Ciudad Universitaria. UNC.
Programa
Espacio curricular teórico-práctico procesual
Fundamentación
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 17
En el núcleo de la materia Procesos de Producción y Análisis II
Grabado, nos hemos propuesto problematizar los términos grabado y estampa,
que a nuestro entender han quedado sesgados en muchos casos por variadas
circunstancias a técnicas y conceptos cerrados por problemáticas de políticas
institucionales y de época.
Estas prácticas a nuestro entender han sufrido cambios sustanciales de los que
no podemos quedar ajenos, y si grabar conlleva la acción de incidir en una
superficie, ¿Dónde se colocan técnicas tan variadas como la colagrafia,
carborundo (J.Miro) en las que la acción de grabar no es necesaria?; o si por
otro lado se prescinde de la presión, que es el fenómeno que posibilita la
transmisión del relieve y la tinta de la matriz al papel, ¿dónde se colocarían los
procesos de moldes como los de la obra de Rufino Tamayo, o los métodos
electro gráficos?
Estos cambios en las técnicas tradicionales han sido revisados y
adaptados, y por otro han aparecido nuevas técnicas experimentales debidas,
en gran medida, a la difusión de nuevos productos industriales; como los
plásticos, polímetros etc. De esta manera el grabado sigue abriendo una gran
red de relaciones técnico- procedimentales, cruzadas por nuevos materiales y
productos de la industria, en la que se observan migraciones de materiales de
diversas procedencias para constituir un amplio campo de repertorio iconográfico
y conceptual.
Las experimentaciones son múltiples y constantes, esto no es nuevo,
desde el siglo XIX con la incorporación de la fotografía y litografía, la mayoría de
los artistas van a investigar técnicas gráficas para la construcción de diferentes
conceptos de producción en arte. En el marco de las vanguardias artísticas de la
primera mitad del siglo XX, la experimentación es aún mayor, por una parte se
buscan medios nuevos y mixtos, y por otra se produce una desacralización de
los materiales más convencionales, asimismo se amplían los límites entre las
disciplinas artísticas (enmarcadas en la superación de la tradición del arte y de
la especificidad de la experiencia estética).
Estas experimentaciones intervienen en nuestra realidad, produciendo
teorías y prácticas que desembocan en un viaje transformador de la disciplina. A
través del tiempo y la historia no lineal, donde se re-descubre su potencial
transformador, como característica esencial, por esto “El arte, por ser creador,
es afirmativo, incluso cuando involucra una crítica virulenta del lenguaje
establecido, una demolición de los clichés dominantes. Si el artista experimenta
con sus materiales, con sus procedimientos de configuración, con su estilo, no
es por un prurito de novedad sino por un deseo genuino de explorar las
posibilidades que abre la vida –el acontecimiento por excelencia“.1
Enfoques
La materia centra su metodología de trabajo en la relación de las formas
de producción de los alumnos con el grabado, pensando las prácticas como
hipertexto, es decir desde el carácter procesual asumida por cada alumno en
particular. De acuerdo con Nelson (1995), “cada estructura de conocimiento en
1
Ordóñez Díaz, Leonardo (2011) “Arte y acontecimiento. Una aproximación a la estética deleuziana” Rev.
latinoam. filos. Vol.37 no.1 Ciudad Autónoma de Buenos Aires
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 17
cada sujeto es única, basada tanto en experiencias y capacidades únicas, como
en formas particulares de acceso, interacción e interrelación con el conocimiento.
La integración de nueva información a la estructura de conocimiento es un
proceso individual. En consecuencia, es el texto el que debe acomodarse al
lector y no el lector al texto”2.
Haciendo una transposición a nuestra área de conocimiento podemos
decir que una técnica es la suma de conocimientos de diferentes procedencias
que no son recetas fijas, sino que son tomadas por los alumnos y transformadas
a su modo de hacer. Por esto es que "en el hipertexto la última palabra no existe.
No puede haber una última versión, un último pensamiento. Siempre hay una
visión, una idea, una interpretación nueva"3.
Estas operaciones artísticas-conceptuales, pueden leerse como agentes
modificadores de la materia que actúan en el grabado, muchas veces de origen
químico o físico, no son controlables en su totalidad por la intención del artista.
Es decir, implican la posibilidad de pensar las operaciones técnicas desde una
perspectiva ampliada al dominio calculado de la materia plástica, la selección de
productos industriales y de desecho, como parte constitutiva de los
procedimientos artísticos. Implican entonces, una reflexión sobre un segmento
de la realidad que opera mas allá de las intenciones, aportando desde afuera
una influencia modificadora de los resultados esperados. A esto se agrega el
factor intrínseco de las operaciones previas de pensar una imagen grafica, refleja
e invertida y de negativo a positivo. Por ello, el tipo de asociaciones que
establecemos en la formas de pensar el hacer, en nuestra materia
correspondería en la actualidad, a lo que Deleuze y Guattari (1977) denominaron
pensamiento rizomático, pensando el rizoma como metáfora hipertextual.
“Así se plantea una verdad que nunca cierra, siempre en proceso de
extensión y multiplicación sin puntos ni posiciones fijas, pero si en extensiones
que conectan nuevos eslabones de significados y prácticas, atiende a un cambio
constante, en la que siempre hay mucho que experimentar e investigar”. El
grabado, en su principal característica de posibilitar la multiplicidad, remite a
este concepto, no sólo en la estampa sino en sus formas de producción
contemporánea. Hoy no podemos encasillar nuestra disciplina en pasos
programados tradicionalmente, con una finalidad cerrada y comprobada por
otros previamente, sino que es “posible conectar un punto cualquiera del proceso
de producción con otro punto cualquiera en el mismo proceso.
.
Prácticos
_______________________________________________
Los trabajos prácticos consistirán en brindar a los alumnos una aproximación a

los lenguajes de la gráfica contemporánea y sus nuevas prácticas, un
conocimiento profundizado de los elementos conformadores de cada práctica y
sus técnicas y de los medios necesarios para su realización y reconocimiento.
Actividades planificadas
2
Carles Tomàs i Puig Del hipertexto al hipermedia. Una aproximación al desarrollo de las obras abiertas,
http://www.iua.upf.edu/formats/menu_e.htm
3
Nelson, Theodor. (1981). Literary Machines. Swarthmore,
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 17
Las actividades planificadas incluyen:
a) Exposiciones de los contenidos del programa de clases teóricas y prácticas
por parte de las docentes a cargo de la materia (doce horas semanales).
b) Dictado de clases de trabajos prácticos a cargo de los docentes asistente (seis
horas semanales). En estas clases se desarrollarán algunos contenidos de orden
teórico-procedimental, así como se propondrán modelos de análisis de los
proyectos.
La participación de los alumnos incluirá en estas clases: la lectura de la
bibliografía, la visión del material audiovisual necesario y la participación
mediante el desarrollo del trabajo de producción gráfico.
Objetivos
_______________________________________________
Impulsar la creación de obra con una propuesta de calidad y creatividad de
alto nivel, a través de la investigación y la experimentación de medios
tradicionales y alternativos, vinculando teoría y práctica en un proyecto de
investigación, que le permita al alumno analizar y evaluar su producción plástica
en el ámbito de la gráfica contemporánea; propiciando que dicho proyecto sea
una práctica previa, de iniciación a la elaboración de la tesis para la obtención
del grado.
Contenidos
_______________________________________________________________
Núcleos temáticos_1
Repetición y Diferencia: La estampa como dispositivo de hibridación

______________________________________________________________
Definición del campo “el grabado”: Redefinición. Grabado Expandido.

La estampa como recurso de imagen previa, y estampas hibridas.
Técnicas aditiva y sustractiva, policromía a la goma, Gell Plate.
Técnica de viscosidad .Hectografía.
Plantillas y estarcido en estampas múltiples y diferentes.
Estrategias mixtas: collage, transfer y estarcido. Frottage.
Bibliografía
_Castro Bringas. Tomas H. (2012) La grafica en el discurso contemporáneo.

Universidad Autónoma de México.
https://issuu.com/tomasbringas/docs/memoria_uno
_ Baustista Traci. (2014) Printmaking Unleashed: More Than 50 Techniques for

Expressive Mark Making. Edit North Light Books.
EEUU.https://issuu.com/pomada4/docs/printmaking_unleashed_-_traci_bauti
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 17
_Bernal María del Mar (2013) Tecnicasdegrabado.es. Cuadernos de Bellas
Artes/14. Edit: José Luis Crespo- España
https://issuu.com/revistalatinadecomunicacion/docs/14cba
_ Bess Joan ( 2014) Gelli Plate Printing: Mixed-Media Monoprinting Without a

Press. Edit North Light Books. EEUU.
_Bunkers Traci (2010) Print &Stamp. Edit. Quarry. EEUU
https://issuu.com/brc94/docs/print_and_stamp_lab
_ Darlene Olivia McElory (2009) Imagen Transfer. Edit North Light Books.
EEUU. https://issuu.com/brc94/docs/imagetransferworkshop
_Flck Bill (2015) El Grabado y La Impresión. Edit Blumen. España
https://issuu.com/editorialblume/docs/issuu_el_grabado_y_la_impresi__n
Mayor Mellado Justo. (2014)El Concepto de Desplazamiento del Grabado.

Informe de campo. Porto Alegre.
http://www.portalguarani.com/1755_justo_pastor_mellado/7436_el_concepto_d
e_desplazamiento_del_grabado_informe_de_campo__por_justo_mayor_mellad
o_.html
_Revista de Grabado. Rinoceronte – N4 -N6. (2015) Universidad Pontificia de

Perú. Publicación anual de la especialidad de Grabado de la Facultad de Arte.
https://issuu.com/olgaofelia/docs/rino_4
https://issuu.com/olgaofelia/docs/rinoceronte_6_3_13febrero
Núcleos temáticos 2
Múltiples y migrantes en la gráfica contemporánea:

_____________________________________________________________
Definición del campo “Múltiples y Migrantes”

Las estrategias generativas: recurso de hibridación y collage.
Los nuevos soportes y la transformación de la materia: recurso, estrategias e
investigación.
Aspectos técnicos “Grabado verde”: grabado sobre tetra pak, cartón y
materiales reciclables.
Grabado matrérico: Grabado a vase de silicona: Collagraf, Carborundo, y
utilización de materiales mixtos: Siliconas, lijas, arena, tiza, fibras orgánicas e
inorgánicas.
Bibliografía.
Almela Ramón 2005 Original y Reproducción en La Gráfica del siglo XXI 5ª
Bienal Puebla de los Ángeles
http://www.criticarte.com/Page/file/art2005/VBienalIBERO1.html
Candiani Alicia (2012) Revista nº 35 de Grabado y edición España
Edward Shanken 2011-Nuevos medios, arte-ciencia y arte contemporáneo:
¿hacia un discurso híbrido? Universitat Oberta de Catalunya
http://artnodes.uoc.edu
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 17
Goetz, H.( 1992) Gravure au carborundum. Nouvelle technique de 1'estampe
Granada.
González Vázquez Margarita Mª. (2009) Nuevos procesos de transferencia
mediante tóner y su aplicación al grabado calcográfico, Tesis doctoral,
Universidad Complutense de Madrid Facultad de Bellas Artes, Madrid
Marco del Pont Celia: (2012) Experiencias Hipertextuales: “El grabado con
Silicona en el Taller de Grabado III”. 1° Simposio iberoamericano de arte
impreso, Facultad de Artes Universidad Nacional de Tucumán.
Méndez Liopis, Carles. 2010 “Grafica Viva: Ampliación de la imagen múltiple en

el mundo contemporáneo” en Acta de diseño n° 9 Facultad de diseño y
comunicación Universidad de Palermo. Bs.As.
Ramírez, Juan Antonio & Carrillo, Jesús (eds.) (2004) Tendencias del arte, arte
de tendencias a principios del siglo XXI. Cap. II: “Visiones de la naturaleza: el
arte y la sensibilidad ecológica” de Javier Hernando. Madrid: Ensayos Arte
Cátedra.
Vives Piqué María Rosa (2010) Implementación de los plásticos en el grabado

y la Estampación
Tecnología y técnicas, renovadas y renovables

_______________________________________________________________
La gráfica digital, intervención con procesadores gráficos: fotomontaje,

apropiación, mestizaje, hibridación.
Grabado y arte impreso: su correspondencia y su actualización a partir de los
nuevos medios tecnológicos.
Técnicas Planográficas: Xerografía, litografía-ofsset, litografía poliéster.
Litografía sin agua / Waterless lithography / Litografía en seco.
Serigrafía y fotograbado: procesos de transferencia de imagen de origen
fotográfico. La estampa sobre soportes múltiples no convencionales.
Bibliografía:
Dawson John Coordinado por. 2010 *Guía completa de Grabado e Impresión.
Técnicas y Materiales. Ediciones H. BlumeUniversitat de Barcelona.
Figueras Ferrer, Eva (coord.) (2004) El grabado no tóxico: Nuevos

procedimientos y materiales. Barcelona: Publicacions i Edicions de la
Hernández-Chavarría F, Arias O, Murillo A. 2008 De la alquimia al grabado
metálico sin ácido: I. Una guía simple para el grabado electrolítico o anódico. El
Artista
Marco del Pont Celia. otros 2010, Apunte de Cátedra. Las técnicas en metal.
Del planograf al fotograbado.
Mínguez García, Hortensia; Méndez Llopis, , (2014)Carles La siligrafía. Un

proceso alternativo en la gráfica múltiple contemporánea El Artista, núm. 11,
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 17
diciembre, 2014, pp. 159-180 Universidad Distrital Francisco José de Caldas
Pamplona, Colombia http://www.redalyc.org/pdf/874/87432695009.pdf Novo,
María (coord.) (2002) Ciencia, arte y medio ambiente. Cap. XI: “Innovaciones
tecnológicas, cultura y comportamientos culturales” de Francisco Cánovas.
Madrid: Caja de Ahorros del Mediterránea (CAM) & Ediciones MundiPrensa
Rosa Vives Piqué (2000) Del cobre al papel: la imagen multiplicada, Edit. Icaria.
Barcelona.
Semenoff N, (2007) “Semenoff, New directions in printmaking: the technical

side. Safer and environmentally friendly printmaking processes, using common
materials available in every community” Disponible desde:
http://homepage.usask.ca/~nis715/
Wolf Lieser Arte Digital (2010) nuevos caminos en el arte, Edit.; H.F. ullmann,
España.
El grabado expandido – lo multidisciplinar
_____________________________________________________________
Composición de múltiples, concepto de mural gráfico y ambientaciones.

El grabado como objeto, lo tridimensional.
Libro de artista. Poesía visual, arte correo, ilustración.
Ex libris y Mini print.
Instalaciones, performance e intervención.
Gráfica política y callejera, artistas activistas.
Bibliografía
Martínez Moro, Juan. 2008 Un ensayo sobre grabado (A principios del siglo
XXI). Escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM México
Méndez Liopis, Carles. 2010 “Grafica Viva: Ampliación de la imagen múltiple en

el mundo contemporáneo” en Acta de diseño n° 9 Facultad de diseño y
comunicación Universidad de Palermo. Bs.As.
Baurriaud, Nicolás (2006) Estética relacional. Ed. Adriana Hidalgo. Bs As.
Estampa Arte Múltiple (2011) 19ª Feria Internacional de Arte Múltiple

Contemporáneo, libro de actas, Primer Foro de Arte Múltiple. Madrid.
Juan Carlos Romero, Fernando Davis, Ana Longoni 2010 “Romero” Fundación
Espigas, Bs. As
Aproximaciones a la historia y teoría de la gráfica contemporánea
_____________________________________________________________
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 17
El grabado y arte impreso en la Argentina y Córdoba, durante la segunda mitas
del siglo XX y la actualidad del siglo XXI.
Hibridaciones en la gráfica contemporánea.
Estrategias de producción y posproducción en las prácticas actuales.
Bibliografía:
Benjamin, Walter (1973) El arte en la era de su reproductibilidad técnica,
Traducción de Jesús Aguirre, Taurus, Madrid (1936).
Carrete Parrondo, Juan, 2000 Diccionario del dibujo y la estampa. Calcografía

Nalcional. España
De Amberes al Cusco- El grabado Europeo como fuente del arte Virreinal

(2009) Centro cultural Pontificia Universidad Católica del Perú
Dolinko Silvia 2003 Arte para todos. Edit. PROA fundación.
Dolinko Silvia 2012 "El grabado, una producción híbrida como problema para el
relato modernista", Crítica cultural entre 1960 y 1990. - 1a ed. – Buenos Aires:
Fundación OSDE
Giunta, Andrea (2001) Vanguardia, internacionalismo y política. Arte Argentino

en los años sesenta. Paidós, Buenos Aires.
Marín, Matilde 2012 Discursos gráficos: artistas y grupos de producción gráfic
Metodología
_______________________________________________
La Metodología está concebido no sólo para que el alumno,
progresivamente, se acerque al "Análisis teórico- práctico del grabado en las
manifestaciones actuales", sino que también pueda realizar su propia
investigación experimental con diversos materiales y técnicas. La metodología
nunca pretende ser cerrada, se adaptará a las circunstancias y problemas
didácticos que nos podamos encontrar en cada grupo de alumnos. Debe
relacionar e integrar las dos vertientes que ofrece la asignatura: la teórica y la
práctica, que por las características de la materia dominará en el tiempo. Los
contenidos del programa se presentan en bloques temáticos íntimamente
relacionados que en la realidad no se pueden individualizar sino que deben ir
complementándose unos con otros para la participación de este proceso en la
formación del alumno.
A lo largo del curso, el alumno realizará actividades y trabajos de
complejidad progresiva, en los que conocimientos y realización práctica irán
integrados, y que le conducirán hacia la elaboración -desde el planteamiento de
la idea hasta su realización- de un Ensayo que de cuenta de Investigación
personal.( Proyecto) Además de asistir a las clases teóricas y prácticas y
participar en las distintas actividades que le sean propuestas, los alumnos
necesitan integrar los conocimientos de la asignatura mediante el estudio
individual y el esfuerzo personal. Es aquí donde se les ofrece la acción tutorial
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 17
de los profesores, individualizada para cada uno de ellos, no sólo sobre la
especificidad de la materia sino también como un proceso de orientación
personal.
Presenciales
Realización de los diferentes ejercicios propuestos de carácter individual.
El alumno deberá partir de una idea inicial, elaborada y desarrollada según los
criterios personales del mismo, debiendo el profesor aconsejar los métodos más
eficaces para la resolución de la obra, analizando distintas soluciones y las
dificultades que pudieran presentarse.
Tutorías
A través del correo electrónico de la materia celiamdp63@gmail.com se
llevará a cabo un seguimiento individualizado y directo de la actividad del alumno
y orientación de sus trabajos, estimulando sus iniciativas y auxiliando al alumno
en los posibles problemas derivados de la práctica.
Se tratará de suministrar toda la información complementaria necesaria en
la disciplina que impartimos y se posibilitará la interdisciplinaridad.
Propuesta de evaluación ajustada a la reglamentación

vigente: Regimen de Estudiantes (OHCD/01/2018 ) que rige en la Facultad de Artes para
su conocimiento y aplicación. Ordenanza Régimen de Estudiantes - OHCD 01/2018
El espacios curriculares se define como teóricos-prácticos procesuales

se evaluarán recorridos que el/la estudiante irá desarrollando a lo largo
del cursado, evaluando el proceso paulatino por lo cual habrán más
instancias evaluativas prácticas (trabajos prácticos) y un instancia final
integradora (parcial).

PROMOCIONALES, REGULARES, LIBRES y VOCACIONALES.
ARTÍCULO 25: Todo/a estudiante debidamente inscripto/a puede acceder a la
condición de estudiante regular, que implica la posibilidad de inscripción para
aprobar la asignatura accediendo a un examen de una sola instancia, que
podrá ser oral o escrita.
ARTÍCULO 26: Son estudiantes REGULARES aquellos/as que cumplan las
siguientes condiciones:
Modalidad puntual: aprobar el 80% de los Trabajos Prácticos con calificaciones
iguales o mayores a 4 (cuatro) y aprobar el 80% de las Evaluaciones Parciales
con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar
evaluaciones parciales y prácticas para acceder a la regularidad. El 20% de los
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 17
trabajos prácticos evaluativos y el 20% de los parciales restantes no son
promediables ni por inasistencia ni por aplazo.
Modalidad procesual: aprobar el 75% de las instancias evaluativas con
instancia evaluativa para acceder a la regularidad. El 25% restante no es
promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
ARTÍCULO 27: Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir sólo en la
modalidad procesual, un mínimo del 60% de asistencia a las clases. Se
entiende por asistencia a la presencia del estudiante en la clase, bajo ningún
motivo la misma se podrá acreditar mediante actividades (instancias
evaluativas - jornadas - salidas a congresos - actividades extracurriculares,
etc.)
ARTÍCULO 28: La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años, a
partir de que se deja constancia fehaciente en actas de que el/la estudiante
accede a esa condición. Si la fecha de finalización de ese período no
coincidiera con una fecha de examen de la materia en cuestión, se extenderá
hasta el turno de exámenes subsiguiente.
ESTUDIANTES LIBRES
ARTÍCULO 29: Los/as estudiantes que, estando debidamente inscriptos/as en
el año académico, decidan inscribirse a presentar exámenes finales en la
condición de libres, accederán a un examen de dos instancias: la primera de
carácter escrito y la segunda oral, contemplándose en ambas los aspectos
teóricos y prácticos, en el caso que hubiese.
ARTÍCULO 30: Las cátedras podrán establecer encuentros o instancias previas
al día del examen con un máximo de un mes de antelación, debiendo
establecerse en el programa de cátedra.
ARTÍCULO 31: Son vocacionales aquellos/as que no siendo estudiantes de la
carrera, son debidamente inscriptos/as, registrados/as y admitidos/as, a fin de
cursar alguna o algunas asignaturas.
ARTÍCULO 32: Podrán inscribirse en calidad de estudiantes vocacionales en
los Departamentos de esta Facultad, los/as estudiantes universitarios/as o
egresados/as de otras carreras universitarias provenientes de universidades
argentinas o extranjeras reconocidas, como así también estudiantes o
egresados/as de terciarios provinciales reconocidos oficialmente.
ARTÍCULO 33: Los/as estudiantes que soliciten inscribirse en la condición de
vocacional, deberán hacerlo mediante declaración jurada en la que manifiesten
si lo hacen en el marco de convenio existente entre su país de origen y/o su
unidad académica de origen y la Universidad y/o esta Facultad. Igualmente,
deberán hacer constar en su declaración jurada si las asignaturas en que se
inscriben serán acreditadas para algún curso y/o carrera de grado o posgrado,
así como la unidad académica correspondiente.
ARTÍCULO 34: Los Departamentos deberán publicar y hacer conocer al H.
Consejo Directivo, a más tardar el 15 de octubre de cada año, el listado de
asignaturas donde no serán admitidos estudiantes vocacionales durante al año
académico siguiente. La falta de publicación implica que se considerarán las
del año precedente.
ARTÍCULO 35: Las Comisiones Asesoras de Departamentos Académicos
establecerán las pautas para la aceptación de estudiantes vocacionales en las
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 17
asignaturas correspondientes a sus respectivas carreras, sobre la base de
estas normas y las contenidas en las Ordenanzas 5/99, 1146/2000 y 17/2008
del H. Consejo Superior o las que las sustituyeran o ampliarán. En todos los
casos, las solicitudes de inscripciones de estudiantes vocacionales se
realizarán por Mesa de Entradas de la Facultad en los plazos y formas
establecidos por el calendario académico. El número de materias a cursar bajo
esta modalidad no podrá exceder de 5 (cinco) anuales, salvo resoluciones
expresamente fundadas del HCD.
ARTÍCULO 36: En caso de que un/a estudiante vocacional decidiera regularizar
su inscripción en la carrera, para la cual le son válidas las asignaturas
aprobadas, deberá cumplir con todos los requisitos exigidos para ingresar a
cada carrera de la Facultad, observando el régimen de correlatividades vigente.
Criterios aplicables a: Entrega/Presentación
 Originalidad y nivel de complejidad de la propuesta.

 Desarrollo de las competencias que se plantearon en relación al trabajo
técnico.
 Control de los procedimientos desarrollados en cada una de las
técnicas.
 Aplicación de las pautas de trabajo indicadas y justificación de sus
variables.
 Adecuación de la propuesta de imagen al procedimiento técnico
combinado.
 Corrección técnica de las estampaciones (limpieza, registros, etc.).
 Capacidad para el desarrollo experimental.
 Corrección y calidad en la presentación
 Coherencia e interés del trabajo en relación con la realidad artística actual.
 Adecuación de las propuestas al lenguaje de cada procedimiento.
 Redacción clara, concisa y rigurosa de los argumentos.
 Correcta presentación y justificación del tema.
 Uso correcto del lenguaje.
 Interés que suscita la presentación en el grupo de clase.
 Capacidad de análisis.
 Asimilación de los conceptos teóricos/técnicos.
 Dominio de los conceptos desarrollados en cada unidad temática.
 Adecuación en el uso de la terminología específica del ámbito de la grafica
contemporánea
 Coherencia discursiva entre las distintas propuestas desde lo
interdisciplinar.
 Interés y cohesión de los contenidos y referencias que argumentan el
trabajo.
 Corrección en la presentación de los textos e imágenes que conforman el
trabajo.
 Calidad de las presentaciones: de los proyectos de producción de las
imágenes presentadas, coherencia, claridad y corrección de los textos
explicativos. Interés, coherencia, claridad y corrección sobre las fuentes
de información consultadas.
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 17
Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene
_______________________________________________
Es necesario utilizar amplias medidas de seguridad como:
-Mascarilla anti gases
-Gafas para químicos
-Guantes para ácido
-Ropa protectora – calzado cerrado e impermeable
Con los mordientes a base de sales, y los aceites como sustituto de los
disolventes, solo es necesario: utilizar guantes
Requerimiento del taller

-Zona para guardar químicos etiquetados correctamente: tipo de químico o
disolvente, nivel de toxicidad, fecha
-Utilizar la sala de ácidos para trabajos con químicos: disolventes y ácidos no
mezclar recipientes para usos químicos.
Localización y correcta utilización de la zona de lavado de rostro y cuerpo en
caso de contaminación con ácido. (Estas siempre deben estar libres de muebles
y objetos, para su utilización en caso de urgencias.
-Trabajar siempre con extractores de olores y aire, mantener ventilada toda la
sala de trabajo.
-Es obligación de los alumnos, utilizar todas las medidas de seguridad, y en caso
de sufrir problemas de salud, como alergias y/o problemas respiratorios
comunicarlo al docente con certificado médico que lo habilite a las tareas de
taller, del mismo modo se requiere a las alumnas que estén embarazadas que lo
comuniquen, a fin de extremar las medidas de prevención
- No almacenar alimentos en los armarios donde se guardan los químicos (yerba
mate, té, azúcar, etc.)
-La utilización de herramientas eléctricas y cortantes, siempre deberán estar
supervisadas y autorizadas por los docentes a cargo.
MAZO__________________________________________________________
-Presentación de los contenidos de la materia y modalidad de trabajo, análisis y
diagnóstico de las producciones de los estudiantes.
-Se refuerza las prácticas seguras de taller.
1-T/P
Producción práctica técnico conceptual, memoria descriptiva del primer núcleo
temático
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 17
ABRIL__________________________________________________________
Desarrollo de la primera unidad: Múltiples y migrantes en la gráfica
contemporánea
Primera parte Polímeros Biodegradable
2-T/P Producción escrita y práctica del segundo núcleo temático
MAYO__________________________________________________________
Desarrollo de la primera unidad Múltiples y migrantes en la gráfica
contemporánea
(Segunda parte Polímeros Biodegradable, Mixografias)
3 -T/P Producción escrita y practica tercer núcleo temático
Primer Parcial: Presentación de producción, reflexión teórica escrita.
JUNIO__________________________________________________________
El grabado expandido – lo multidisciplinar
Propuesta de proyecto de producción escrita, Individual y/o colectivas
Procesos litográficos
Charla: Artista Invitada: Noel Loeschbor,
JULIO: Receso invernal, Exámenes _________________________________
AGOSTO_______________________________________________________
Técnicas Planográficas: litografía poliéster. Construcción de matriz, manual,
digital, fotográfica.
Charla Artista invitada: Betina Polliotto
4-T/P Producción escrita y practica tercer núcleo temático
(Primera parte)
SETIEMBRE_____________________________________________________
Litografía sin agua / Waterless , Fotograbado: procesos de transferencia de
imagen de origen fotográfico
Presentación de proyecto personal
5-T/P Producción escrita y práctica tercer núcleo temático
(Segunda parte parte)
OCRUBRE______________________________________________________
Desarrollo de proyecto personal y/o colectivo (Teórico práctico) seguimiento de
cada propuesta
NOVIEMBRE ____________________________________________________
Desarrollo de proyecto personal (Teórico práctico) seguimiento de cada
propuesta
6 t/P producción gráfica, seguimiento de proyecto
Instancia integradora final presentación de proyecto.
DICIEMBRE_____________________________________________________
Recuperatorio la instancia integradora final.
Bibliografía General
Se aclara, que la bibliografía es general. Las bibliografías específicas y capítulos especiales, se
brindan en particular a cada alumno según sus proyectos personales, en horarios de consulta y
on-line: celiamdp63@yahoo.com.ar
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
13
página 13 de 17

A. Huyssen y Otros, Heterocronias. Tiempo Arte y Arqueología del Presente, Edit.,
Sendeaic, España 2008
Alex Krejca, Técnicas de grabado. Libsa. 1990
Alfonso E. Pérez-Sánchez, Goya, Caprichos, Desastres, Tauromaquia y Disparates,
Fundación Juan March.
Alfonso Crujera, Manual del Grabado Electrolítico,(No toxico) Edit. Obra social la caja
de Canarias, España 2008
Amaya López, F., El Grabado. Centro Editor de América Latina. B. Aires 1975
Andre Begin( Michel Melot), El Grabado. Skira-Carrogio, Barcelona, 1984
Aparici, Roberto y García-Matilla, Agustín: Lectura de Imágenes, Madrid, Ediciones de
la Torres, 1989.
Cabo de la Sierra, G., Grabados Litografías y serigrafías. Técnicas y procedimientos.
Estiarte. Madrid, 1981.
Carrete Parrondo, Juan, Diccionario del dibujo y la estampa. Calcografía Nal.
Castagna, R., El aguafuerte y técnicas afines. Centro Editor América Latina. B. Aires1968
Cochet, G., El Grabado Historia y técnica. Poseidón. Buenos Aires, 1947
Chéroux Clément, Breve Historia del error fotográfico. Edit. Serieve, México 2009
Diego Levis, Arte y computadora, Del Pigmento al Bit, Edit, Norma, Buenos Aires 2001.
Dominique Baqué, La Fotografía Plástica, Edit, Gustavo Gili, Barcelona, 2003
 Elena Oliveras, La metáfora en el arte, Edit. EMECE, Buenos Aires, 2007
Eva Figueras Ferrer, La manipulación segura de productos químicos en grabado, edit.
UBE, España, 2008
Fernando López Anaya. Américo A. Balán. Rodolfo Castagna.
El Grabado: Pueblos, hombres y formas en el arte. Centro Editor de América Latina.
Francisco Esteve Botey, Historia del Grabado, Edit. Labor, Madrid 1997
Frizot Michel, el Imaginario Fotográfico, Edit. Serieve, México, 2009
Guido Indij, Grafica política de izquierdas, Argentina 1890 – 2001- Edit. la Marca,
Buenos Aires, 2006
Herik Boegh, Manual de grabado en hueco no toxico, Edit. Universidad de Granada,
España, 2004
Jaime Pla, Técnicas del grabado calcográfico. Omega. Barcelona, 1986
Jean – Claude Lemagny, La sombra y el Tiempo, La Fotografía como Arte, Edit. la
Marca, Buenos Aires 2008
Jesusa Vega, El aguafuerte en el siglo XIX. Técnicas y tendencias. R Academia BBAA
S. Fernando. Madrid 1985
John Dawson Coordinado por *Guía completa de Grabado e Impresión. Técnicas y
Materiales. Ediciones H. Blume. 2010
John Pultz, La fotografía y el Cuerpo, Edit. Akal, Madrid 2003
Joint, Conittee. ‘’Normas de evaluación para programas, proyectos y material educativo’’.
Edit. Trillas.- 1997
Juan Martínez Moro, La Ilustración como Categoría, Edit. Trea España, 2004
Juan Martínez Moro, Un ensayo sobre grabado (A finales del siglo XX). Creática 2002
Juan Martínez Moro, Un ensayo sobre grabado (A finales del siglo XXI). México, UNAM,
Escuela Nacional de Artes Plásticas 2008
 Marc Augé, Los no lugares, Espacios del anonimato, Una antropología de la
sobremodernidad. Edit. Gedisa, Barcelona 2008
M.R.Fly, México: Esténcil: Propa, Edit. RM, SA, México 2008
Melor, M., El Grabado. Skira. Ginebra, 1981
Mirauda, Maria Angélica- De la Torre, Marcela, Grabado Verde, Santiago de Chile, Edic.
Mar del Plata, 2008
 Nicolas Bourriaud, Estética relacional, Edit. Adriana Hidalgo, Buenos Aires 2008
 Nicolas Bourriaud, Posproducción, Edit. Adriana Hidalgo, Buenos Aires 2009
Pierre Bourdieu, La fotografía, Un Arte Intermedio, Edit. Patria,SA, México, 1989
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
14
página 14 de 17
Ramos Guadix, Juan Carlos, Técnicas Aditivas en el grabado contemporáneo.
Imprenta Serrano, 1991
 Rina Melcoñian-Pamela Villamar, Artefactos invisibles, El libro objeto, Edit. Nobuko, Buenos
Aires 2008
Roland Barthes, La Cámara Lúcida, Nota sobre la fotografía, Edit. Paidos, Buenos Aires
2004.
Rosa Vives Piqué, Del cobre al papel, La imagen multiplicada. Icaria. Barcelona, 1994.
Rosalind Krauss, Lo Fotográfico, Por una Teoría de los Desplazamientos, Edit., Gustavo
Gili, España.2002
Silvia Dolinko, Arte para Todos, Edit Proa, Buenos Aires 2003
Suárez Gerrini Florencia y Otros, Usos de la Ciencia en el Arte Argentino
Contemporáneo, Edit.: Mpapers, Argentina, 2010.
Susan Sontag, Sobre la Fotografía, Edit. Alfaguara, Buenos aires 2006
Susan Tallman, The Contemporary Print, Edit Thames and Hudson, New York, 1996
Verónica Rojas, Apuntes sobre técnicas y tecnología del Grabado. Universidad de
Chile
W.M.Ivins, Jr. Imagen impresa y conocimiento, Análisis de la Imagen Pre Fotográfica,
Edit Gustavo Gili, SA. Barcelona.
Walter Camberlain Grabado en madera y técnicas afines Edit. Herman Blumen
España1998.
Walter Camberlain Manual de aguafuerte y Grabado Edit. Herman Blumen España1998.
Wolf Lieser Arte Digital (nuevos caminos en el arte, Edit.; H.F. ullmann, España. 2010
Esp: Celia Marco del Pont
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
15
página 15 de 17
Procesos de producción y análisis II Grabado

Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Celia Marco del Pont.
Prof. Asistente: Micaela Trocello.
-Profesores Adscriptos:
Prof. Adscripta: Laura Alejandra Lucero.
-Ayudantes de Alumnos:
Gabriel Bude
Mariela Almada.

adecuaciones de alguno de sus contenidos para posibilitar el trabajo desde la
virtualidad.
Esto implico el desarrollo de material de estudio sistematizado y adaptado a la
virtualidad y su adecuación a una práctica descentralizada de taller.
Este material estará disponible para los alumnos libres, solicitándolos con anterioridad
a la fecha de examen al mail del docente titular: Celiamdp63@gmail.com
El Núcleo temático N°2 no fue desarrollado porque los contenidos para ser trabajados
necesitaban de la presencialidad e infraestructura del taller. Por este motivo, se le
otorgó mayor énfasis a los otros núcleos temáticos.
Contenidos Núcleo temático N°2 no desarrollado
-Múltiples y migrantes en la gráfica contemporánea: Definición del

campo “Múltiples y Migrantes”.
-Las estrategias generativas: recurso de hibridación y collage.

-Los nuevos soportes y la transformación de la materia: recurso,
estrategias e investigación.
-Aspectos técnicos “Grabado verde”: grabado sobre tetra pak, cartón
y materiales reciclables.
-Grabado matérico: Grabado a base de silicona: Collagraf,
Carborundo, y utilización de materiales mixtos: Siliconas, lijas, arena,
tiza, fibras orgánicas e inorgánicas.
Con respecto al núcleo temático N°3 Tecnología y técnicas, renovadas y renovables,
perteneciente al programa 2020:
IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
página 16 de 17
-La gráfica digital, intervención con procesadores gráficos:
fotomontaje, apropiación, mestizaje, hibridación.
-Grabado y arte impreso: su correspondencia y su actualización a partir
de los nuevos medios tecnológicos.
-Técnicas Planográficas: Xerografía, litografía-ofsset, litografía
poliéster. Litografía sin agua / Waterlesslithography / Litografía en
seco.
-Serigrafía y fotograbado: procesos de transferencia de imagen de
origen fotográfico. La estampa sobre soportes múltiples no
convencionales.
Tuvo las siguientes modificaciones, el contenido de técnicas planográficas por:
La litografía diferentes procesos y derivaciones de la técnica.Utilización de soportes
alternativos a la piedra tradicional: Gres, Mármol de Carrara y locales, Porcelanato.
Formas de impresión manual.La estampa sobre soportes múltiples no convencionales.
Serigrafía Sustentable Reciclaje de herramientas y materiales, este contenido se

centró en el concepto de reciclaje para poder desarrollar la técnica con materiales
caseros: fabricación de tintas artesanales, bastidores, racletas entre otros materiales
necesarios para eldesarrollo de la técnica. El proceso fotográfico no fue desarrollado.
Los demás contenidos fueron desarrollados con normalidad.
Condiciones para examen de alumnos regulares 2020 y libres 2020

Los alumnos regulares al momento del examen deberán presentar los trabajos
prácticos que adeudan, más su proyecto final, en formato PDF, con un tiempo de cinco
días antes a la fecha del examen. Pudiendo hacer consultas al mail de la docente titular
celiamdp63@gmail.com
No se aceptaran consultas en el periodo de vacaciones 2021.
Los alumnos Libres al momento del examen deberán presentar los trabajos
correspondientes al programa 2020 en PDF, teniendo en cuenta la presente adenda.
Deberán comunicarse previamente con la docente titular al mail
celiamdp63@gmail.com a fin de recibir el material didáctico sistematizado
correspondiente a las unidades modificadas.
No se aceptaran consultas en el periodo de vacaciones 2021.
Prof: Celia Marco del Pont

IF-2022-00336470-UNC-DDG#FA
página 17 de 17

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2031 - Procesos de Producción y Análisis II b) Grabado

Date: 2022.05.10 08:06:37 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:04:27 -03'00'
__________________________________________________________________________

Carrera/s: Licenciatura en Artes Visuales: orientaciones a) Escultura, b) Grabado, c)
Pintura, d)Medios Múltiples - 2014 RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS 16/2012.
Res Ministerial 987/2013
Asignatura: PROCESOS DE PRODUCCIÓN Y ANÁLISIS II – a) ESCULTURA
Año Curricular: 4º año de la carrera
Anual/ Cuatrimestral: Anual
Equipo Docente:
Prof. Titular: Magui Lucero
Turno único: Lunes y Miércoles de 15 a 19 hs.
Atención de alumnos: Jueves de 16 a 17 hs. Previa reserva de consulta
Contacto: maguiluar@yahoo.com.ar
PROGRAMA

PPyA II-Escultura- es una materia correspondiente a 4º año de la Licenciatura en Artes Visuales.
Pertenece al grupo de materias que integran el Área Técnicas de los Lenguajes Visuales (junto a
PPyA II-Pintura, PPyA II-Grabado y PPyA II-Medios múltiples) y se encuadra en la categoría de
espacio curricular teórico práctico procesual (según OHCD 01/2018). Como tal, es una materia de
taller, de contenido teórico-práctico donde la teoría y la práctica se dan en forma interrelacionada.
La materia se orienta a dos objetivos principales: la configuración artística y el análisis de las
producciones en dicho campo.
En esta dirección, el eje del planteo de la asignatura es el desarrollo del lenguaje poético y plástico
del alumno en vinculación a su contexto de actuación. En torno a él nos proponemos tramar los
distintos ejes de actividad (desarrollo de proyectos, reflexión y debate, desarrollos técnicos) y los
bloques de contenido (elementos para la producción, la escultura como categoría histórica y su
rebasamiento, elementos para el análisis de la producción).
El planteo de la asignatura atiende a la necesidad de integrar a la práctica creativa, la
reflexión sobre la propia producción y los conocimientos teóricos y prácticos adquiridos en el cursado
de la carrera. Asimismo, se propone profundizar los conocimientos y comprensión acerca de los
desarrollos de la escultura moderna y contemporánea, esto es, el campo expandido de la escultura.
¿A qué nos referimos con ello? Para delimitar y comprender mejor lo que será nuestro campo de
conocimiento y de prácticas propositivas de creación y producción es necesario recuperar la
memoria de las prácticas artísticas que desde comienzo del siglo XX desafiaron las fronteras tanto de
la escultura como del arte. Entendemos que ese campo se corresponde con el análisis y producción
de aquellas propuestas artísticas que se resuelven en la tridimensión o suponen una intervención del
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 13
espacio y en el espacio. Desde las prácticas descriptas por Rosalind Krauss como parte del campo
expandido de la escultura hasta las incluidas por José Luis Brea en “Ornamento y Utopía”, que
expande asimismo la inicial idea de espacio como componente concreto o material, a la de espacio
como espacio social y ámbito del pensamiento. También considerando otros ejes de análisis y como
para describir más precisamente parte de nuestro campo, podemos intentar una enumeración que
comience por la escultura en sentido tradicional y el objeto escultura, la instalación y la intervención
(ya constituidas en medios canónicos del arte contemporáneo y no solo o específicamente de la
escultura) con su amplísima variedad de concreciones, las materializaciones extremas y atípicas de la
escultura social, la performance o el cuerpo como escultura, y las producciones en las que se
traspasan los límites de los lenguajes, que suponen abordajes inter, trans y multidisciplinares (como
la video-escultura, el paisaje sonoro, o experiencias de convivencia temporaria).
Es así que nuestra propuesta se aparta de una óptica centrada en aspectos puramente formales y de
la consideración de la objetualidad, para abordar la complejidad de las problemáticas que se
articulan en el arte contemporáneo y dar lugar a acciones creativas y propositivas que continúen
cuestionando las fronteras, extendiendo los límites de los lenguajes, cruzando, hibridando y
expandiendo a través de nuestras prácticas de producción y conceptualización, el campo de las
mismas.
El primer bloque o unidad de trabajo propone tareas de apropiación del espacio de taller, integración
de los estudiantes, docente y equipo de cátedra a través de tres tareas principales; 1) revisar las
prácticas previas de cada uno de los estudiantes, sus aprendizajes y sus intereses, en puestas en
común y diálogos grupales que dan inicio al propósito del año de develar y/o construir un
pensamiento propio sobre el arte y las propias prácticas; 2) realizar una práctica y aprendizaje
técnico-material guiado como aporte al bagaje de recursos para la materialización en la tridimensión
y el ejercicio profesional de la escultura como oficio, en un ritmo intenso de taller; y 3)compartir y
profundizar conocimientos sobre el arte y la escultura en particular, sus desarrollos desde comienzos
del S.XX hasta la actualidad, atendiendo sobre todo a los planteos de los cuales resultan y a los
nuevos problemas que formulan.
El segundo bloque o unidad propone reflexionar y producir de manera grupal en torno a la noción de
lo público en la modalidad de proyecto profesional; y se continuará con la reflexión acerca de la
propia concepción de la práctica artística.
El tercer bloque o unidad propone comenzar con el desarrollo de procesos personales a través del
diseño y realización de un proyecto de producción en diálogo con alguna categoría o paradigma
propios de la producción artística contemporánea (en el campo ampliado de la escultura) para el cual
cada estudiante planteará sus propios puntos de partida. Se trabajará en la consideración de los
diferentes aspectos de la producción, desde los puntos de vista práctico y conceptual. Al mismo
tiempo, se propone su contextualización respecto de las prácticas contemporáneas y locales en la
forma de visitas a exposiciones, y diálogo con artistas.
De esta manera la tercera unidad (que incluye dos producciones personales) se encamina a la
concientización de los propios procesos creativos y preocupaciones en cuanto a la producción, y a un
aprendizaje metodológico para el sostenimiento de estos procesos. Introduce más plenamente en el
desafío de construir una poética propia y los argumentos que acompañan el sostenimiento y
postulación de la producción personal. Propone un periodo más prolongado para la realización de
los procesos, de modo de profundizar en los planteos, de permitir elevar la calidad de las
realizaciones y desarrollar la producción escrita que anticipe la formulación del Trabajo final de
Carrera y la práctica profesional en el mundo contemporáneo.
2- Objetivos
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 13
Que el alumno
- Desarrolle y explicite una postura propia frente al hacer, a partir de las experiencias
realizadas hasta el momento y de la reflexión acerca de su inserción en el contexto
histórico, social y cultural a que pertenece.
- Logre plantear sus propios puntos de partida, articular una metodología propia y
sostener los procesos de concreción de sus propuestas de obra.
- Desarrolle la capacidad crítica frente a la relación de sus planteos conceptuales,

propuestas y resultados alcanzados ( materialización y recepción )
- Valore y ejerza la posibilidad de intercambio y reflexión conjunta con sus pares.
- Logre comunicar sus ideas en un lenguaje especializado, con claridad y coherencia, en la

manifestación verbal y escrita.
- Valore y se comprometa con la calidad material y técnica de sus producciones.
- Contextualice sus prácticas a partir de la profundización en el conocimiento de los

desarrollos de la escultura en la contemporaneidad y de los conceptos fundamentales de
la producción en el campo ampliado de la escultura (local e internacional).
2.1 – Objetivos Específicos
- Genere y concrete proyectos de producción de obras dentro de las modalidades y

operatorias propias de la escultura en la contemporaneidad (campo expandido de la
escultura)
- Identifique los elementos y recursos puestos en juego en la articulación de una poética

propia
- Explore materiales, técnicas y procedimientos, estrategias de configuración e inserción

de la obra, conformes a sus preocupaciones, intereses y planteos conceptuales.
- Diseñe planes de trabajo propios que atiendan a las particularidades de cada proyecto y
a los plazos estipulados
- Se ejercite en la búsqueda y organización de fuentes bibliográficas como tarea auxiliar en

el proceso creativo.
- Se ejercite en la manifestación por escrito de sus reflexiones y planteos conceptuales.
- Integre y amplíe los conocimientos técnicos y recursos auxiliares necesarios para

concretar sus proyectos
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 13
- Explore alternativas respecto de la edición, montaje y contextualización de sus
propuestas.
Se proponen tres ejes que serán trabajados simultáneamente a lo largo del curso y que se
organizarán a su vez en tres bloques o unidades.
3.1 - Ejes:
A - Actividades de producción en la tridimensión
Durante el año se desarrollarán tres trabajos de producción (elaboración y concreción de
propuestas), correspondientes a tres Bloques de actividad o Unidades
I- Producir un grupo de pequeñas piezas en cerámica resueltas en cada una de las técnicas
básicas de producción con ese material.
II- Elaborar y formular en calidad de proyecto y de forma grupal, una propuesta de obra
enmarcada en el ámbito del Arte Público.
III- Elaborar y concretar un proyecto personal de producción (que incluirá al menos dos
producciones individuales) enmarcado en el campo ampliado de la escultura (Escultura,
Objeto escultórico, Instalación, Video instalación, Intervención, Proyecto Site Specific,
etc.) y definido por cada estudiante en función de sus intereses personales (en cuanto a
tema, operatoria, relación con el espectador, etc.).
Se partirá de la reflexión sobre los procesos y las producciones previas de cada uno y los
posicionamientos personales en torno al arte y la práctica artística.
B- Reflexión, debate y producción de material escrito: acerca de la escultura contemporánea y de las

producciones propias.
-Síntesis y/o reseñas de material de estudio provisto por la cátedra, de investigaciones

bibliográficas y de material de interés para la investigación que se desprende de cada
propuesta particular.
-Textos en formato ensayo sobre y desde la producción abordando aspectos de la misma y
del arte en general que se desprendan de las problemáticas que cada caso particular
plantea.
-Formulación de las propuestas en formato de Proyecto (como herramienta de
proyectación y como instrumento formal para el ejercicio profesional)
-Síntesis y reseña de instancias de contacto con el medio local: visitas a espacios
expositivos, visitas de artistas, análisis de obra propia y de artistas contemporáneos.
C- Materiales y desarrollos técnicos

- Cerámica: Materiales y técnicas.
- Otros materiales y técnicas (tradicionales y no tradicionales) en función de las propuestas
- Recursos multidisciplinares.
3.2 Contenidos
- La producción.
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 13
- Fases y aspectos a considerar: proyecto y ejecución. Dialéctica entre fases y aspectos.
Punto de partida. Estudio del referente. Planteo de problemas. Análisis de componentes
espaciales y temporales. Experimentación y conceptualización. Referentes artísticos
- El problema de la materialización. La elección de materiales y técnicas. Nuevas
tecnologías incorporadas a la praxis escultórica. Necesidad de aportes especializados y/o
multidisciplinares.
- Posproducción. Problemáticas técnicas y semánticas respecto de la edición, montaje,
exposición y contextualización de la obra.
-
– La escultura como categoría histórica y su rebasamiento.
- El campo expandido de la escultura.
- Representación, presentación y señalamiento. Objeto, instalación e intervención.
- El arte público después de la modernidad. Revisión de la idea de monumento.
Intervenciones efímeras.
- Espacio público. Reconsideraciones sobre contexto y lugar: espacio-lugar-tiempo, medio
social.
- Poéticas procesuales.
-Elementos para la reflexión y el análisis de la producción artística.

- Conceptos fundamentales del lenguaje escultórico y de los lenguajes artísticos
contemporáneos.
- La poética. Proyecto personal y proceso de producción.
- Seguridad e higiene
- Medidas de seguridad en el taller.
- Elementos de protección personal.
- Qué hacer en casos de emergencias
Bloque I
 Brea, J. L.- Ornamento y Utopía. Evoluciones de la escultura en los años 80 y 90, en “Arte:
proyectos e ideas” N| 4 Mayo 1996. Ed. UPV, Valencia.
 Fernández Chiti, J.- “El libro del ceramista”, Ediciones Condorhuasi, Buenos Aires, 1994. Pág. 43 a
48 y 157 a 164.
 Fernández Chiti, J.- “Curso de escultura y mural cerámicos” Tomo 1, Ediciones Condorhuasi,
Buenos Aires, 2004. Pág. 5 a 31 y 45 a 61.
 Krauss, R. – “La escultura en el campo Expandido” en “La originalidad de la Vanguardia y otros
mitos modernos”, Ed. Alianza 1996.
 Krauss, Rosalind – “Pasajes de la Escultura Moderna”, Akal. Madrid, 2002
 Maderuelo, J. – “La pérdida del pedestal”, Círculo de Bellas Artes, Madrid, 1994. Pág. 35 a 78.
 Maderuelo, J.- “Medio siglo de arte. Últimas tendencias 1955-2005”, Abada Editores, Madrid,
2006. Pág. 89 a 105.
 Mattison, S- “Guía completa del ceramista. Herramientas, materiales y técnicas” Ed. Blume.
Madrid, 2004. Pág 172 a 177 y 254 a 260.
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 13
Bloque II
 Ardenne, P. - “Un arte contextual”, CENDEAC, Murcia, 2006.
 EQUIPOS FIAMBRERA. s.f.e. “Para una discusión sobre el estatuto de la Intervención.” (en línea)
Equipos fiambrera. http://www.sindominio.net/fiambrera/teoricos.htm (consulta: 02/ 2014)
 Crow, T. – “Arte específico de um lugar: lo fuerte y lo débil” en “El arte moderno en la cultura de
lo cotidiano”, Akal, Madrid, 1996.
 Gomez Aguilera, F. – “Arte ciudadanía y espacio público”, Fundación César Manrique.
http://revistes.ub.edu/index.php/waterfront/article/view/18957
 Masó, A.- El boceto o proyecto en “Qué puede ser una escultura”, Ed. Universidad de Granada,
Granada, 2004. Pág 59 a 65.
 Perea, C. – “Antonio Seguí, arte público en Córdoba (Argentina)”, en Asociación Aragonesa de
Críticos de Arte, Nº 4, Septiembre 2008.
http://www.aacadigital.com/contenido.php?idarticulo=123
 Romano, C.- La escultura ecuestre de Juan B. Bustos- Preguntas sobre los monumentos y la
memoria, en “Deodoro.Gaceta de crítica y cultura”- Año 1, Nº 1, Editorial UNC, Córdoba,
Septiembre 2010
Bloque III
 Expósito, M.- “Entrar y salir de la institución: autovalorización y montaje en el arte
contemporáneo”, EIPCP Instituto europeo para políticas culturales progresivas.
http://eipcp.net/transversal/0407/exposito/es
 Fernandez, L.A., Isabel García Fernández.- “Diseño De Exposiciones. Concepto, instalación y
montaje”, Alianza Forma, 2010.
http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/blog/docentes/trabajos/14058_47095.pdf
 Groys, B.- “La topología del arte contemporáneo”. 2008 (en línea)
http://lapizynube.blogspot.com.ar/2009/05/boris-groys-la-topologia-del-arte_175.html
 Groys, B.- “Políticas de la Instalación” en “Volverse público: las transformaciones del arte en el
ágora contemporánea”. Caja Negra Editora, Cdad Autónoma de Bs As. 2014.
 Hernández, J.L.- “Bases para una metodología de detección de poéticas procesuales”, Primer
Encuentro Iberoamericano de Estética y Teoría de las Artes, REAL/VIRTUAL, Fundación Carolina y
la UNED, 2004. www.arteinformado.com/documentos/artistas/1515/comunicacionpro.doc
 Rojas Reyes, C.- “Estéticas Caníbales : del canon posmoderno a las estéticas caníbales ”,
Fundación Municipal Bienal de Cuenca, Cuenca, 2011. Pág. 111 a 133.
 Zabala, H.- Proyecto y estrategia en “Marcel Duchamp y los restos del Ready Made”, Laborde
Editor, Rosario, 2000. Pág. 27 a 33.
• Diversos catálogos, revistas de arte actual, artículos, etc.
Bloque I
 Fernández Chiti, J.- “Diccionario de cerámica/Enciclopedia del Ceramista” (3 tomos), Ediciones
Condorhuasi, Buenos Aires
 Fernández Chiti, J.- “Curso práctico de cerámica” (4 tomos), Ediciones Condorhuasi, Bs.As.
 Maderuelo, J.- “La Idea de Espacio en la arquitectura y el arte contemporáneos”, Akal, Madrid,
2008. Pág. 31, 42 a 54, 55, 66 a 76, 83 a 121.
 Matía, P., Elena Blanch y otros.- “Conceptos fundamentales del lenguaje escultórico”, Ediciones
Akal, Madrid, 2006. Pág. 170-200.
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 13
Bloques II y III
 Armajani S.- “Manifiesto. La escultura pública en el contexto de la democracia norteamericana,
en Siah Armajani. Espacios de lectura, MACBA, Barcelona, 1995.
 Alonso, R.- “Sistemas , Acciones y Procesos”, Fundación PROA, Bs. As., 2011.
 Blanco, P; Carrillo, J, y otros - “Modos de Hacer. Arte crítico, esfera pública y acción directa”,
Ediciones Universidad de Salamanca, Salamanca, 2001. Pag.73 a 93.
 Giunta, A.- “Escribir las imágenes. Ensayos sobre arte argentino y latinoamericano”, Siglo
Veintiuno eD., Buenos Aires, 2011.
 Guasch, A.M.– “Los manifiestos del arte posmoderno”. AKAL, Madrid, 2000.
 Larrañaga, J. – “Instalaciones”. Ed Nerea, Madrid. S.f.e.
 Laddaga, R.- “Estética de la emergencia”, Adriana Hidalgo editora, Buenos Aires, 2006.
 Laddaga, R.- “Estética de laboratorio”, Adriana Hidalgo editora, Buenos Aires, 2010.
 Marchan Fiz, S. – “Del Arte Objetual al Arte de Concepto”, Ed. Akal, Madrid, 1988.
 Monleon Pradas, M.- “La experiencia de los límites.:Hobridos entre escultura y fotografía en la
década de los ‘80”, Institució Alfons el magnànim-Diputació de València, Valencia, 1999.
 Moraza, J. L - “Otra territorialidad (instalaciones, asentamientos, demarcaciones, espacios)”:
1995. (en línea) http://www.fundacionstart.org/home/anunciantes/interferencia/moraza.html
 VVAA “Un paqueño deseo”, Ed Casa 13, Publicación periódica, Córdoba, s/f.
Ampliatoria General
 Bachelard, G. – “La Poética del Espacio”, Fondo de Cultura Económica, Madrid, 1993.
 Cippolini R., comp. - “Manifiestos Argentinos. Políticas de lo visual, 1900-2000” Adriana Hidalgo
Editora, Buenos Aires, 2003
 Chipp, H. B. - "Teorías del Arte Contemporáneo. Fuentes artísticas y opiniones críticas", Akal,
Madrid, 1995.
 Guasch, A. M. – “El Arte Ultimo de Siglo XX – Del posminimalismo a lo multicultural” Alianza
Editorial, Madrid, 2001.
Publicaciones periódicas varias, material aportado por el docente y los alumnos en función de
los trayectos específicos propuestos.
Se adoptará la modalidad de enseñanza personalizada y la metodología de taller.
Se proponen actividades individuales y grupales: las individuales, relacionadas con las
propuestas personales de obra, trabajos por escrito: análisis, síntesis de clases, etc.; las grupales
serán de cuatro tipos: a) estudio y propuesta de proyectos; b) debates; c) análisis de obra,
evaluaciones d) estudio debate sobre material bibliográfico.
- El docente problematizará y orientará las propuestas y procesos.
- Dictará clases sobre los contenidos propuestos con apoyatura de material gráfico y
audiovisual.
- Proveerá guías de trabajo y de lectura.
- Implementará y asistirá técnicamente a los alumnos en función de las necesidades de
cada proyecto y atenderá especialmente a los casos que requieran nuevos
conocimientos.
- Coordinará instancias grupales de debate, evaluación y puesta en común de los
proyectos individuales.
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 13
Se implementarán vías de comunicación virtual para consultas, recurso para la enseñanza y la
información en la medida en que los alumnos tengan efectivo acceso a los recursos necesarios.
7- Evaluación:
- Evaluación de diagnóstico sobre lo producido hasta el momento y el nivel de análisis y
comprensión alcanzado acerca de esta producción.
-Evaluación formativa y continua. Individual y grupal. Atenderá a: relación entre planteamientos,
métodos de trabajo y resultados obtenidos; grado de integración de los conocimientos
adquiridos, a la producción y su análisis; grado de dificultad planteada y resuelta, así como la
valoración de procesos, resultados y auto evaluación de los estudiantes.
-En la producción de obra: calidad en el tratamiento de los materiales y en la resolución técnica.
-En la producción escrita: claridad y coherencia conceptual. Síntesis. Pertinencia. Sintaxis y
ortografía.
-Evaluación final de carácter integrador, tendrá en cuenta los datos de la evaluación formativa y
continua (instancias evaluativas prácticas (trabajos prácticos), así como el grado de participación,
reflexión y compromiso en las actividades grupales; la aproximación al logro de los objetivos de
la asignatura y los propuestos por cada alumno en sus proyectos.
8- Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres: (según

normativa vigente
Requisitos para el cursado de la materia

De acuerdo a la reglamentación vigente, podrán cursar la materia todos los estudiantes que
estén debidamente inscriptos en ella. Para cursar en condición de regulares y aspirar a la
regularidad, deberán tener aprobadas o al menos regularizadas las materia correlativas. Podrán
aspirar a la promoción, sólo aquellos alumnos que tengan las correlativas aprobadas.
ACREDITACIÓN (acorde a la reglamentación vigente)
Requisitos para promocionar la materia:

 80% de asistencia a clases teórico-prácticas y prácticas
 80 % de las instancias evaluativas aprobadas con 6 o más de 6 puntos, siempre que el promedio
de las calificaciones obtenidas no sea menor de 7 puntos.
 Aprobar la instancia integradora final con un mínimo de 7 puntos.
Requisitos para regularizar la materia:

 80% de asistencia a clases teórico-prácticas y prácticas
 75% de las instancias evaluativas aprobadas con 4 o más.
Importante:
 El alumno podrá recuperar las instancias evaluativas sin perder la condición de cursado.
 La Regularidad se extiende por el término de tres años (según reglamentación)
 Sólo podrán presentarse a examen aquellos alumnos que tengan todas las correlativas
aprobadas.
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 13
 Los alumnos que cuenten con el Certificado Único de alumnos trabajadores y/o con familiares a
cargo tendrán derecho a las condiciones especiales de cursado expresadas en la resolución
correspondiente (Res. HCD Nº 91/2012). (http://artes.unc.edu.ar/estudiantes/estudiantes-
trabajadores-o-con-familiares-a-cargo/). Para encuadrarse a dicho régimen y solicitar el
Certificado Único, los estudiantes deben acercarse a la Secretaría de Asuntos Estudiantiles de la
Facultad a la brevedad.
Requisitos Examen Regular

 El estudiante presentará en examen regular los trabajos que hayan sido previamente acordados
con el docente y los mismos se corresponderán con aquellos contenidos y prácticas en los que su
rendimiento haya sido menor.
 En caso de que corresponda evaluar todo o parte del material de estudio de la asignatura, se
tomará una prueba escrita presencial el día de comienzo del examen.
 En fecha que se establecerá en el momento de comienzo del examen y en un plazo de entre 4 y 7
días, el alumno deberá presentar los trabajos prácticos acordados. En la fecha establecida tendrá
lugar la defensa por parte del alumno ante el tribunal examinador, de las presentaciones
efectuadas.
Requisitos Examen Libre

 El estudiante que aspire a rendir libre deberá concertar una consulta con el docente, con
anticipación, para acordar detalles de la modalidad y material a presentar en el examen.
 El examen bajo la condición de alumnos libres, se hará sobre el total de los contenidos y
condiciones del programa pautado inicialmente por la cátedra e incluirá los contenidos tanto
teóricos como prácticos.
 El alumno rendirá el día de comienzo del examen, una prueba presencial por escrito sobre el
material de estudio trabajado durante al curso lectivo inmediato anterior al examen. El resto de
los elementos a ser evaluados, podrán ser realizados por el alumno con anterioridad a la fecha de
su presentación en examen.
 El alumno presentará el día de comienzo del examen, para su evaluación, todos los Trabajos
requeridos con anterioridad por el docente.
 En fecha que se acordará en ese momento y en un plazo de entre 4 y 7 días, el alumno deberá
presentar los tres trabajos de producción descriptos en el programa. En la fecha acordada tendrá
lugar la defensa por parte del alumno ante el tribunal examinador, de las presentaciones
efectuadas.

a) Asistir con vestimenta y calzado apropiados para la actividad a realizar;
b) Aportar materiales y elementos de seguridad y protección personal necesarios para el
desarrollo de las técnicas que se aborden y las maquinarias que se utilicen (guantes, máscara,
barbijo, antiparras, delantal, etc.), según corresponda. Los mismos serán especificados en cada
caso.
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 13
con el aval de la Dirección del Departamento
Cronograma tentativo (de desarrollo de unidades, trabajos prácticos y evaluaciones)
Nota: el orden en que aparecen de las actividades no implica necesariamente un orden en el tiempo,
pudiendo desarrollarse algunas de ellas en forma paralela. Se contempla asimismo la introducción de
variantes en función de la respuesta del grupo y de los requerimientos de los procesos personales.
BLOQUE I - Marzo- Abril –Mayo (aprox. 16 clases)

-Actividades de diagnóstico y puesta en común de realizaciones personales. Integración,
reconocimiento e introducción al debate conjunto en el grupo de estudiantes.
-Desarrollo técnico guiado: Cerámica- materiales y técnicas para la construcción de piezas
aptas para ser cochuradas. Evaluación (27/4) y recuperatorio dentro de los 15 días siguientes.
-Clases teóricas, teórico prácticas y prácticas; estudio y puestas en común sobre el tema La
escultura como categoría histórica y su rebasamiento.
BLOQUE II- Mayo- Junio (aprox. 16 clases)
-Clases teóricas, teórico prácticas y prácticas; estudio y puestas en común sobre Arte público
e Intervención.
-Desarrollo del proyecto de producción correspondiente al Bloque II: Propuesta de Arte
Público / Intervención en formato Proyecto. Actividad grupal. Primer planteo/
reconocimiento del contexto de intervención, avances y replanteo,
desarrollo/materialización. Evaluación (25/6)y su recuperatorio dentro de los 15 días
siguientes.
-Clases teóricas, teórico prácticas y prácticas; estudio y puestas en común sobre el tema La
escultura como categoría histórica y su rebasamiento. Evaluación (1/7) y después del receso
invernal.
- Debate y reflexión por escrito acerca de posicionamientos personales en torno al sentido de
la práctica artística (rol, función del arte, relación del artista con el medio cultural y social).
- Diálogo con artistas. Lecturas.
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 13
BLOQUE III- Julio-Agosto-Septiembre-Octubre- Noviembre (aprox. 27 clases)
-Desarrollo de un primer proyecto de producción correspondiente al Bloque III: planteo,
avances y replanteo, desarrollo/materialización, producción escrita. Evaluación (7/9) y su
recuperatorio dentro de los 7 días siguientes (aprox. 12 clases)
-Análisis de obra en contexto. Montaje, edición, publicación. Visita a exposiciones en museos
y otros espacios expositivos del medio local. Diálogo con artistas invitados. Lecturas.
Producción escrita. Evaluación (21/10)y su recuperatorio dentro de los 7 días siguientes.
- Desarrollo de un segundo proyecto de producción correspondiente al Bloque III- Trabajo
Final de la asignatura: planteo, avances y replanteo, desarrollo/materialización, producción
escrita. Evaluación (28/10) y su recuperatorio dentro de los 7 días siguientes. (aprox. 15
clases).
-Evaluación Integradora (2/11).
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 13
Asignatura: PROCESOS DE Producción y Análisis II (a) ESCULTURA

Equipo Docente:
Contenidos: Los contenidos fueron adecuados para el dictado virtual de la asignatura.

La producción correspondiente al Bloque II-Arte Público, prevista para modalidad grupal, se realizó
en forma individual.
Se desarrollaron todos los contenidos, sólo dos de ellos de forma restringida, a saber:
-Cerámica: materiales y técnicas
-Posproducción. Problemáticas técnicas y semánticas respecto de la edición, montaje, exposición y
contextualización de la obra.
Se incorporó la siguiente bibliografía
- Bernárdez Sanchís, C.- “Historia del Arte contemporáneo y materialidad” , en Historia del arte en
España, pág 219 a 271, Ediciones Polifemo, Madrid, 2016.
https://www.museoreinasofia.es/sites/default/files/actividades/programas/carmen_bernardez.pdf
El Aula virtual concentró todas las acciones y materiales intercambiados en el proceso de enseñanza
aprendizaje.
Durante todo el ciclo lectivo se sostuvieron encuentros virtuales en los horarios establecidos para la
materia. En ellos se impartieron clases teóricas, clases introductorias para el tratamiento de los
contenidos y de las diferentes actividades y clases de consulta permanente para el desarrollo de los
procesos de trabajo de les estudiantes.
Se desarrollaron actividades grupales en la virtualidad apelando a recursos como documentos
compartidos en Drive, foros y video llamadas grupales. Éstas fueron del tipo de debate y
comentarios acerca de material bibliográfico y temáticas emergentes de los procesos de trabajo, así
como la elaboración conjunta de síntesis conceptuales.
Las producciones materiales fueron realizadas por las estudiantes en sus entornos particulares y
compartidas a través de registros fotográficos en el aula virtual.
f) Condiciones para examen de regulares 2020 y libres 2020

El examen para alumnos regulares 2020 consistirá en la realización del o de los Trabajos (TP y/o
Parcial integrador) que el estudiante adeude o en el/los cuales presente calificación más baja,
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
1
página 12 de 13
atendiendo para su selección a un criterio de relevancia de los contenidos para el cumplimiento de
los objetivos propuestos para la materia.
el cursado virtual de la asignatura en 2020.
En ambos casos, de mantenerse la modalidad virtual, el examen consistirá en la presentación de los
trabajos a través del aula virtual y una instancia de defensa oral de los mismos.
Les alumnes deberán comunicarse con la docente para consultas previas para establecer con mayor
precisión en cada caso, las tareas a desarrollar para el examen, aclarar dudas y orientar las
presentaciones.
IF-2022-00336473-UNC-DDG#FA
2
página 13 de 13

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2032 - Procesos de Producción y Análisis II a) Escultura

Date: 2022.05.10 08:05:32 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:05:38 -03'00'

Carrera/s: Lic. en Artes Visuales (orientaciones: a) Escultura, b) Grabado, c) Pintura, d)
Medios Múltiples) 2014 RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS 16/2012. Res. Ministerial
987/2013
Asignatura: PROCESOS DE PRODUCCIÓN Y ANÁLISIS II: MEDIOS MÚLTIPLES

Anual/cuatrimestral: Anual
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Lic. Carina Cagnolo
Prof. Adjunta: Dra. Alejandra Perié / Lic. Valeria López (Sup.)
Prof. Asistente:
Prof. Adscripta: Lic. Victoria Gatica
Ayudante Alumno: Diego Iparraguirre Triay
Turno mañana:
Turno tarde:
Turno único: Lunes y miércoles, 14 a 18hs.
Horario de consulta: Viernes de 13 a 14 hs.
carinacagnolo@gmail.com / alejandraperie@gmail.com
PROGRAMA

El curso anual de la Cátedra de Medios múltiples ha sido concebido en el contexto
del conjunto de situaciones a las que se enfrenta el arte en su camino de
especialización en su fase contemporánea. El mismo propone una serie de
prácticas centradas en los procesos creativos que rigen el arte actual: la reflexión,
la puesta en escena del trabajo propiamente artístico y la contextualización
histórico-cultural de dichas prácticas. En este sentido, nos interesa el ejercicio
crítico que media en la construcción material de la obra; para lo que se requiere
una aproximación aguda y comprometida a los contenidos teóricos relativos al
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 1 de 17
A
arte. El carácter auto-reflexivo del arte es –y ha sido a lo largo de la historia de
la asignatura q u e p re c ed e a e st e n ue vo e s p ac io p e da gó gi c o universitario-
una suerte de eje epistémico a partir del cual se propone la práctica artística.
Desde los trabajos prácticos se articulan c o n metodologías orientadas hacia
modus operandis sistemáticos, apriorísticos, proyectuales y críticos; nociones
estas que ponen en estrecha relación las prácticas actuales con los conceptos que
constituyeron esta asignatura desde sus comienzos, en los años sesenta. Es esta
una de las razones por la cual Medios Múltiples adquiere su especificidad dentro
del conjunto de asignaturas curriculares y prácticas artísticas dentro del
Departamento de Plástica de la ahora Facultad de Artes de la UNC.
En esta Cátedra abrimos un espacio que tiene la intención de constituirse como
una instancia de realización a largo plazo de un conjunto de producciones
próximas al concepto de obra artística, y la reflexión que dicha producción
requeriría como ejercicio académico crítico.
Como lo muestra el esquema, entre ambos extremos, se hallaría un complejo

poliedro que contiene las más diversas prácticas artísticas desarrolladas y
continuadas hasta la actualidad. Como es natural, no es posible reducirlas con
completitud a un gráfico, siendo éste un mero ejemplo de cómo podría pensarse
dicho poliedro.
2. Objetivos
El enfoque de esta nueva asignatura de taller específico, tiene como metas:

IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 2 de 17
A
1. Desarrollar investigaciones heurísticas sobre el par “materialidad-
inmaterialidad” en el campo artístico y sus lindes.
2. Propiciar tanto las dimensiones concretas (y experimentales) de la

investigación como sus instancias de reflexión teórica; empleando –en
diversos momentos previamente estipulados- métodos de trabajo que
prioricen ya sea la búsqueda experimental de la horizontalidad1 del proceso
o bien la concentración en la instancia de verticalidad2 y consecución de
obra situada en contexto.
3. Propiciar una reflexión crítica en torno a las prácticas artísticas o próximas

a ellas, abordando la llamada “crisis de la relación
realidad/representación”.
Como objetivos específicos se propone que el alumno:

▪ Adquiera la capacidad de análisis heurístico de las propuestas y proyectos
artísticos de su autoría.
▪ Pueda concebir una poética auto-reflexiva y trabajar el/los sentido/s de
sus obras dentro de ella.
▪ Analice críticamente las relaciones de significación y sentido entre las
ideas y los objetos estéticos producidos.
▪ Tome contacto con los saberes implícitos en la producción artística
contemporánea, y en la interacción con su respectiva contextualización.
▪ Interrogue con agudeza productos y prácticas del arte reciente y
reflexione sobre ellos a partir de la lectura de las obras y de los discursos
paratextuales que entorno a ella se suscitan (críticas, manifiestos,
ensayos, etc.).
▪ Emplee la terminología adecuada para la discusión y crítica de su obra.
▪ Realice la aproximación a una modalidad particular de construcción de la
obra de arte: la que se realiza partiendo de la reflexión sobre los propios
intereses, referidos a un contexto histórico, social y artístico determinado.
▪ Analice los aspectos de la recepción de sus prácticas artísticas, en
particular, y del arte, en general, sobre todo en relación al contexto
1Los procesos centrados en la horizontalidad propician búsquedas heurísticas aleatorias y no jerárquicas.

2Las instancias de verticalidad se orientan a producir una síntesis operativa de lo poético, en las que
prima el logro o consecución de lo que entendemos social y artísticamente como obra de arte.
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 3 de 17
A
global-local
Unidad 1
Contra-representación a partir de la materialidad de base
¿Qué entendemos por el carácter representacional del arte o de las obras de
arte (visual)? Y en todo caso: ¿dónde y cómo se despliega este arte en una
dirección contra- representacional? Y, además, ¿por qué razones? Actualmente
las posibilidades de la representación no se asientan –como en el pasado- en el
régimen de la ilusión iconográfica y la transparencia de lo simbólico, la metáfora
y el signo orgánico, sino en la complejidad, auto-reflexión, desplazamiento,
inflexión, discontinuidad, etc, de lo alegórico, lo metonímico y la ausencia de
promesas. En los actuales regímenes representacionales (complejos o
avanzados), la conexión tradicional sujeto-objeto se vuelve sino impracticable,
al menos escurridiza. Podemos acceder al espacio de la representación (utilizarla
o analizarla) tan sólo si asumimos su crisis o clausura; si aceptamos el actual
déficit de su organización jerárquica (según el orden de lo natural). Los espacios
de representación no habrían sido efectivamente clausurados, numerosas obras
de arte aún siguen articulándose como representaciones o –al menos en parte-
imágenes. No obstante, lo que no puede ya realizarse, es abordar el espacio de
representación, sea cual fuere, sin tener en cuenta su dimensión de clausura y
su negatividad intrínseca, es decir, ignorando con ingenuidad el saber crítico
producido al respecto.
Lo informe sobre lo formal; la materialidad de base sobre la objetualidad; los
aspectos horizontales y sincréticos sobre la verticalidad y la dimensión
diacrónica –la Historia del Arte-. Alegoría y montaje, son algunos de los ejes
que trabajaremos en esta unidad con la finalidad de abordar una posible línea
contra-representacional del arte actual. El proceso comienza por una
materialidad llevada a un punto radical, dónde las nociones de forma y
composición se obturan en favor de operaciones experimentales con la materia.
Esto librará, sostenemos, un abanico de potencialidades poéticas que deberán
ser guiadas, seleccionadas y sostenidas a lo largo del ciclo de trabajo.
Durante esta unidad se trabajará en torno a conceptos específicos, inscriptos en
las prácticas y los discursos del arte contemporáneo. No se tratará de propuestas
temáticas a ser representadas, ni de técnicas determinadas (sobre las técnicas se
reflexionará en profundidad, pero cada estudiante seguirá su propio camino
procedimental); sino de conceptos que aparten a les estudiantes potencias
críticas, reflexivas en estrecha relación con la praxis. Así, los conceptos
propuestos parten de los ya descriptos (lo informe, materialidad de base, pulsión,
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 4 de 17
A
horizontalidad, performatividad de la práctica, entropía), a los que se agregarán
abyección, precariedad.
Unidad 2
De la materialidad de base hacia la construcción poética
Estaríamos en condiciones de afirmar que la exploración de esta dimensión
ma t e r i a l propiciará la apertura hacia nuevas formas de práctica artística. Por
ende, exploraremos en esta segunda unidad, aquellos modos de abordar el
trabajo artístico comprometiendo avances sobre los aspectos constructivos,
estructurales, formales y procedimentales de la obra. Necesariamente, las
significaciones sobre la materialidad comienzan posibilitar otras lecturas sobre
los objetos y los procedimientos. De los procesos sobre la materialidad, es posible
transitar diversos estadios hacia la inmaterialidad; o, en algunos casos, otorgando
nuevas razones poéticas a otras materialidades. Los aspectos auto-reflexivos
serán propiciados en esta unidad, ahora en vistas a indagar sobre conceptos tales
como la fragmentación, las relaciones entre materia, forma, significantes,
significados. Al adentrarnos en estas búsquedas poéticas, les estudiantes estarán
en condiciones de avanzar sobre conceptos como el de mímesis. En cuanto a las
posibilidades técnicas, se avanzará hacia los límites, a veces difusos, entre la
fotografía y la pintura o las artes gráficas. Se propondrán diferentes técnicas de
trabajo sobre la selección consciente de las singularidades obtenidas en la unidad
1.
Trabajo sobre técnicas, disciplinas y géneros en el contexto de la
contemporaneidad de las prácticas artísticas.
El eje conceptual en torno al cual proponemos el ejercicio de la

reflexión y la producción se formularía de la siguiente manera: Desde
la búsqueda heurística sobre la materia a la selección
poético/procedimental.
Unidad 3
Auto-consciencia poética / verticalidad del proceso en contexto
En esta unidad se trabajará sobre las elecciones y configuraciones que se hayan

tomado durante el proceso de trabajo. Estos procesos podrán dirigirse hacia la
configuración de nuevas estrategias procedimentales, hacia otro grado de
inmaterialidad o materialidades significantes -según sea el camino
procedimental elegido-: la performance, el video, el texto, lo auditivo, etc. Sin
embargo, en la búsqueda de su manifestación sensible como obra, será preciso
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 5 de 17
A
ajustar el carácter auto-reflexivo para indagar en las intencionalidades autorales
o de las obras mismas, y desde allí tomar las decisiones poéticas finales sobre
los medios, técnicas, lenguajes, necesarios a su concreción estética. Algunos
conceptos tratados en esta etapa final serán la pulsión archivística del arte
contemporáneo y la actitud etnográfica, ambos en relación directa.
Se considerarán las relaciones entre objeto y contexto, la apariencia estética y
sus posibles interpretaciones. El marco de la recepción: la exposición, los
paratextos, la construcción discursiva alrededor de la obra. Las condiciones de
posibilidad de las obras en el/los espacio/s.
5. Bibliografía obligatoria discriminada por núcleos temáticos o unidades. Detallar los

capítulos obligatorios cuando corresponda.
Unidad 1
FOSTER, Hal (2017) Malos Nuevos Tiempos. Arte, crítica y emergencia. Madrid:
Akal. (Capítulos: “Abyecto”; “Precario”)
SEDOFSKY, Lauren (1996) “Down and dirty”, en ArtForum, Summer, 1996 y

en catálogo L'Informe: mode d'emploi, exposición en Centre Georges
Pompidou, Paris, agosto, 1996
SENNETT, Richard (2008) El artesano. Barcelona: Anagrama. Fragmentos.
Unidad 2:
FOSTER, Hal (1996) “Who’s Afraid of the Neo-Avant-Garde?”, en The Return of

the Real. The Avant-Garde at the End of the Century (Cambridge, MITPress).
Traducción castellana de Alfredo Brotons, El retorno de lo real. La vanguardia
a finales de siglo (Madrid: Akal, 2001).
FOSTER, Hal (1996) The Return of the Real. The Avant-Garde at the End of
the Century (Cambridge, MITPress). Traducción castellana de Alfredo Brotons,
El retorno de lo real. La vanguardia a finales de siglo (Madrid: Akal, 2001).
GROYS, Boris (2014). Volverse Público. Las transformaciones del arte en el

ágora contemporánea. Buenos Aires: Caja negra. (Cap. “Introducción: Poética
vs. Estética”)
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 6 de 17
A
GROYS, Boris (2016). In the flow. Edic. Cast. Arte en flujo. Trad. Paola
Cortes Rocca. Buenos Aires: Caja Negra, 2016. (Cap. “Sobre el realismo”)
MOXEY, Keith. Visual time: The image in History. Duke University Press.
Trad. Cast. El tiempo de lo visual: la imagen en la Historia. Ander Gondra
Aguirre. Buenos Aires: Sans Soleil Ediciones, 2016. (Capítulos: “Los estudios
visuales y el giro icónico”; “Los cuervos de Brueguel”; “Mímesis e
iconoclasia”)
Akal. (Capítulo: “Mimético”)
Unidad 3:
REBENTISCH, Juliane (2018) Estética de la instalación. Buenos Aires: Caja

Negra. Fragmentos.
GROYS, Boris (2014). Volverse Público. Las transformaciones del arte en el

ágora contemporánea. Buenos Aires: Caja negra. (Cap “Política de la
instalación”)
Akal. (Capítulo “Archivístico”)
FOSTER, Hal (1996) “El artista como etnógrafo” (Cambridge, MITPress).

Traducción castellana de Alfredo Brotons, En El retorno de lo real. La
vanguardia a finales de siglo (Madrid: Akal, 2001).
6. Bibliografía Ampliatoria
BREA, José Luis (1989) Nuevas Estrategias Alegóricas. (Madrid: Tecnos)
BUCHLOH, Benjamin (1993) Formalism and Historicity: Essays on American and

European Art Since 1945 (Cambridge: MIT Press). Traducción castellana
Formalismo e Historicidad. Modelos y métodos en el arte del siglo XX. (Madrid:
Akal, 2004)
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 7 de 17
A
ECO, Umberto (1968) La struttura assente (Milano: Bompiani). Traducción
castellana de Francesc Serra Cantarell, La estructura ausente (Barcelona:
Lumen, 1971).
FLUSSER, Vilém (2015) EL universo de las imágenes técnicas. Elogio de la

superficialidad. Buenos Aires: Caja Negra.
NANCY, Jean-Luc (2013) El sintiente y el sentido. Buenos Aires: Quadrata.
OBRIST, Hans Ulrich (2014) Conversaciones con artistas contemporáneos.

Santiago de Chile: Ediciones Universidad Diego Portales.
PRADA, Juan Martín (2001) “La Crítica al discurso histórico tradicional”

en La Apropiación posmoderna. Arte, Práctica apropiacionista y teoría
de la posmodernidad (Madrid: Fundamentos)
SÁNCHEZ BIOSCA, Vicente (1991) Teoría del montaje cinematográfico

(Valencia: Filmoteca de la Generalitat Valenciana)
7. Propuesta metodológica: consignar las metodologías, las formas de trabajo y los

recursos para la enseñanza y/o para la información y orientación del estudiante (el uso
de aulas virtuales, recursos audiovisuales en aula, laboratorio de informática, así como
blogs, bases de datos de bibliotecas, videoconferencias, otros)
Se dividirá el tiempo de cursado de la materia en 5 ejes metodológicos que se

describen en orden decreciente en dedicación horaria: a) Taller: producción en
clase sobre las consignas; experimentación, avances heurísticos; b) Análisis de la
producción: discusión, evaluación y auto-evaluación de los procesos de trabajo; c)
Lecturas: clases teóricas que acompañen la lectura y el debate de la bibliografía
obligatoria y ampliada, y de textos propuestos por los mismos estudiantes; d)
Escritura: Ensayos escriturales que articulen lecturas, análisis y práctica artística;
e) Debate: Espacio para la invitación de artistas, teóricos, curadores, etc., que
puedan comentar, debatir sus propias prácticas y/o las producciones de los
estudiantes; este espacio prevé además la posibilidad de visitar exposiciones y
talleres.
A lo largo del curso, se indica el trabajo sobre los conceptos y prácticas

IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 8 de 17
A
circunscritos en cada unidad mediante las siguientes herramientas:
• Lectura y estudio de textos, discursos sobre el arte de tipo crítico y
teórico, referidos en bibliografía. Ejercitación escritural sobre las
reflexiones poéticas.
• El trabajo de producción artística personal constante y consciente,
elaborando conceptualizaciones propias en torno a cada una de estas
prácticas y productos.
• El debate crítico sobre los trabajos presentados en clase, donde se
requerirá y evaluará la participación activa de todo el grupo.
Participación constante en mesas de debates con invitados a
discusiones críticas.
• Asistencia y participación en clases teóricas -expositivas- que abordarán
tópicos, conceptos o categorías para iniciar una producción artística de
carácter auto-consciente.
• Observación y análisis en sesiones de proyección de imágenes de obras
de arte visual, principalmente contemporáneas y recientes que
problematicen los conceptos analizados.
• La evaluación y autoevaluación de trabajos.
• Los procesos de trabajo serán analizados individualmente en clase.
A continuación, resumimos los instructivos de los trabajos prácticos

correspondientes a cada unidad:
Proceso de trabajo de la Unidad 1 (Trabajo Práctico 1 / Parcial 1).
TP1
1. Se comenzará el proceso de trabajo desde la noción de
constricción: Proponemos iniciar un proceso que indague aspectos
de horizontalidad, materialidad de base, lo informe (siguiendo las
lecturas obligatorias “Bajo y sucio” de L. Sedofsky, El Artesano, de
R. Sennett -y lectura complementaria-).
2. Se indagarán los alcances de la experimentación con este único
material con la finalidad de reflexionar sobre sus posibilidades
procedimentales y aspectos de lenguaje. La potencial crítica a cánones
estilísticos / académicos será el tópico de avance de esta búsqueda
heurística.
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 9 de 17
A
3. Se analizarán los aspectos concernientes a las categorías de abyección,
performatividad en el proceso de trabajo, relaciones entre la
materialidad de base y la significación incipiente.
4. En paralelo, se trabajará en un escrito que reflexione sobre las prácticas

realizadas.
Se evaluará:
• La capacidad de realizar un análisis crítico del proceso en
relación a los conceptos, categorías y problemáticas estudiados.
• El resultado de la investigación como proceso heurístico; es decir,
en su potencia horizontal de expandirse sobre nuevas posibilidades
de trabajo.
• Por lo tanto, lo satisfactorio o no satisfactorio del proceso de
experimentación sobre los ejes planteados se determinará en base al
grado de autoconciencia sobre lo realizado.
• La puesta en discurso de las vinculaciones conceptuales entre los
procesos de trabajo y las lecturas teóricas.
• El resultado completo de esta investigación se evaluará como Trabajo
Práctico Nº1.
Nota: El Trabajo tendrá instancias de evaluación parcial, tales como diagnósticos
de estado de los procesos; ensayos escriturales; trabajo sobre lecturas. La
asistencia a clases dentro del ítem e) Debate, mencionado arriba, será una
variable en la evaluación.
TP 2
1. Conseguido cierto avance en torno a este ítem heurístico –TP1-, se
reflexionará sobre c uáles son los límites de esta constricción; ¿Cómo se
articula la praxis –el cuerpo, el uso del tiempo, las herramientas de
trabajo, etc.- con las ideas? ¿De qué modo estos procedimientos y
lenguajes se proponen como contra-representacionales? Se analizarán
los aspectos concernientes a las categorías de montaje, alegoría,
objetualidad, auto-reflexividad frente al género, estilo, canon.
8. R e a l i z a d a e s t a r e f l e x i ó n , e l e s t u d i a n t e d e b e r á t o m a r
decisiones poéticas. ¿Hacia dónde continuar el proceso de
trabajo?; ¿Cómo construir el sentido a partir de los
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 10 de 17
A
significantes obtenidos durante la primera unidad?
9. Los ejes sugeridos para la indagación serán los conceptos de:

temporalidad, presencialidad del objeto estético, precariedad, mímesis.
El estudiante podrá sugerir algunos otros que considere pertinentes a la
problemática planteada.
10. El desarrollo de esta investigación se realizará en materiales y

técnicas pertinentes a indagaciones procedimentales rápidas, que no
requieran de procesos de elaboración y producción costosos. La Cátedra
sugiere: a) Indagar mediante la fotografía; b) Añadir un nuevo material; c)
Comenzar un proceso de pintura, dibujo, técnicas gráficas; d)
construcciones en materiales maleables como cartón, etc.
Se evaluará:
• Lo satisfactorio o no satisfactorio de cada trabajo práctico estará

directamente relacionado con: la propuesta técnica de los trabajos, la
cantidad suficiente de trabajo, la pertinencia entre ideas,
procedimientos y resultados finales.
• La capacidad práctica de resolución de problemas surgidos (las ideas
deben ser optimizadas a las posibilidades prácticas de realización –
aspectos técnicos, materiales, económicos, de tiempo disponible, etc.)
• El proceso estará constantemente expuesto a ser interrogado por el
mismo artista y por sus pares.
• La cantidad a evaluar dependerá del grado de profundización con que se
aborde el análisis y la realización del proceso y con el proyecto que el
estudiante piense realizar. Se evaluará la dedicación y exigencia de cada
caso.
TP 3:
1. Este trabajo práctico se diseña como una continuación de los anteriores,
hacia la verticalidad. Es decir, se espera de este último avance, una
concreción poética como piezas expuestas.
2. Se tendrá en cuenta el espacio expositivo, las condiciones y obstáculos de

trabajo, el contexto, los elementos paratextuales que compongan la
propuesta.
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 11 de 17
A
3. Aquí, el estudiante tendrá una nueva posibilidad de seleccionar nuevos
medios para continuar su proceso, teniendo en cuenta los sentidos hacia
dónde el trabajo se direcciona. Se orientará el acompañamiento teórico
hacia los conceptos relativos a archivo, etnografía, instalación,
intermedialidad, teatralidad, espacio específico.
Se evaluará:
• Los resultados en su formato objetual de piezas expositivas. Se
tendrán en cuenta aspectos relacionados al montaje, iluminación y
recepción de la obra o serie de obras. Es decir, el resultado del trabajo
se evaluará como pieza artística y no en su carácter de ejercitación o
experimentación sobre los contenidos.
• Lo satisfactorio o no satisfactorio de cada trabajo práctico estará
directamente relacionado con: la calidad técnica de los trabajos, la
cantidad suficiente de trabajo, la pertinencia entre ideas,
procedimientos y resultados finales.
• La capacidad práctica de resolución de problemas surgidos (las ideas
deben ser optimizadas a las posibilidades prácticas de realización –
aspectos técnicos, materiales, económicos, de tiempo disponible, etc.)
• El proceso estará constantemente expuesto a ser interrogado por el
mismo productor y por sus pares.
11. Evaluación. Criterios en general según: https://artes.unc.edu.ar/wp-

1&utm_medium=phpList&utm_content=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+
%3A%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA+
Se trata de una materia ANUAL. (Art. 11 Régimen de alumnos)
Según el ARTÍCULO 12: b- Se considera este espacio curricular como teórico-práctico
procesual, ya que aplican contenidos teóricos a la producción artística.
Según ARTÍCULO 14: Tanto para Exámenes Finales o parciales, como para Trabajos
prácticos u otro tipo de evaluaciones, se considerará la siguiente escala de
calificaciones: O (cero) REPROBADO, menos de 4 (cuatro) INSUFICIENTE, 4 (cuatro)
SUFICIENTE, 5 (cinco) y 6 (seis) BUENO, 7 (siete), 8(ocho) y 9 (nueve) DISTINGUIDO,
10 (diez) SOBRESALIENTE.
Según el ARTÍCULO 15: Se considera la siguiente escala:
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 12 de 17
A
CALIFICACIÓN PORCENTAJE:
0(cero) 0%, 1 (uno) 1% al 30%, 2 (dos) 31% al 45%, 3 (tres) 46% al 59%, 4 (cuatro)
60% al 65%, 5 (cinco) 66% al 70%, 6 (seis) 71% al 75%, 7 (siete) 76% al 80%, 8 (ocho)
81% al 87%, 9 (nueve) 88% al 95%, 10 (diez) 96% al 100%.
Según ARTÍCULO 16: Las modalidades de evaluación se ajustarán a la categoría de
espacios curricular b: Los espacios curriculares teóricos-prácticos procesuales
evaluarán recorridos que el/la estudiante irá desarrollando a lo largo del cursado,
evaluando el proceso paulatino por lo cual habrá más instancias evaluativas prácticas
(trabajos prácticos) y una instancia final integradora (parcial).
Según ARTÍCULO 17: b- Para las evaluaciones de tipo teóricos-prácticos procesuales
se establecerá la siguiente cantidad de instancias:
Espacio curricular anual: 3 instancias evaluativas; 1 instancia integradora final
obligatoria.
Según el ARTÍCULO 18: Los/las estudiantes tendrán derecho a recuperar las
instancias evaluativas, sin perder la condición de cursado ya sea por inasistencia o
aplazo.
b- Para los espacios curriculares teórico-prácticos procesuales: se podrá recuperar la
instancia integradora final. De ser necesario el/la docente podrá pedir una instancia
más para que el/la estudiante no pierda su condición de cursado.
Según el ARTÍCULO 19: Los/as docentes responsables de las asignaturas permitirán el
real y adecuado acceso de los/as estudiantes a las instancias evaluativas corregidas y
calificadas, durante el mes posterior, contando desde la toma de la evaluación.
12. Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar: Descripción de la

propuesta de evaluación ajustada a la reglamentación vigente (Régimen de alumnos
y alumno trabajador en: https://artes.unc.edu.ar/estudiantes/estudiantes-
trabajadores-o-con-familiares-a-cargo/
Según el ARTÍCULO 20: Se consignan las siguientes modalidades de cursado:
PROMOCIONAL, REGULAR y LIBRE. ESTUDIANTES PROMOCIONALES
ARTÍCULO 21: Todo/a estudiante debidamente inscripto/a puede acceder a la condición
de estudiante promocional.
Según la modalidad de Espacio curricular teórico-práctico procesual: aprobar el 80% de
las instancias evaluativas considerando de mayor jerarquía la instancia integradora final
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 13 de 17
A
con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). El 20%
restante no es promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
ARTÍCULO 23: Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir la condición de un
mínimo de asistencia a las clases, que no podrá superar el 80% del total. Se entiende por
asistencia a la presencia del estudiante en la clase, bajo ningún motivo la misma se
podrá acreditar mediante actividades (instancias evaluativas - jornadas - salidas a
ARTÍCULO 25: Todo/a estudiante debidamente inscripto/a puede acceder a la condición
de estudiante regular, que implica la posibilidad de inscripción para aprobar la
asignatura accediendo a un examen de una sola instancia.
ARTÍCULO 26: Son estudiantes REGULARES aquellos/as que cumplan las siguientes
condiciones:
Según la Modalidad procesual: aprobar el 75% de las instancias evaluativas con
calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar al menos una instancia
evaluativa para acceder a la regularidad. El 25% restante no es promediable ni por
Según el ARTÍCULO 28: La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años, a
partir de que se deja constancia fehaciente en actas de que el/la estudiante accede a
esa condición. Si la fecha de finalización de ese período no coincidiera con una fecha de
examen de la materia en cuestión, se extenderá hasta el turno de exámenes
subsiguiente.
ESTUDIANTES LIBRES
ARTÍCULO 29: Los/as estudiantes que, estando debidamente inscriptos/as en el año
académico, decidan inscribirse a presentar exámenes finales en la condición de libres,
accederán a un examen de dos instancias: la primera de carácter escrito y la segunda
oral, contemplándose en ambas los aspectos teóricos y prácticos, en el caso que
hubiese.
Según el ARTÍCULO 30: La cátedra establecerá encuentros o instancias previas al día del
examen con un máximo de un mes de antelación, según días y horarios de consulta
consignados en este programa.
13. Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene (cuando corresponda. En los

casos donde se presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras debe
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 14 de 17
A
requieran montaje de obras deberán respetar las normas de seguridad e
higiene. No se pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos,
escaleras de emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas,
emergencias, ingreso, etc). Los espacios de tránsito de uso común deberán
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos
los elementos de montaje (cintas, tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la
Facultad deben ser devueltos de donde han sido retirados.
10- Cronograma tentativo

mencionando las fechas de acuerdo a la cantidad de clases.
Fecha Unidad Contenido Práctica

16.03 Introducción Presentación Pedido material y lectura
textos
18.03 Trabajo teórico con obras
de autores elegidos por
estudiantes
25.03 Trabajo de taller con material
elegido
30.03 Unidad 1 Clase teórica txt Ejercicio sobre el concepto
Sedofsky
01.04 Análisis trabajado Créditos para evaluación
06.04 Análisis textos para ejercicio de escritura
08.04 Ejercicio de escritura
13.04 Clase sobre concepto Ejercicio. Visita artista
15.04 específico: Pulsión
20.04 Trabajo con el texto R.
Sennet
22.04 Análisis de los avances Créditos para evaluación
05.05 Clase concepto Ejercicio: Materialidad de la
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 15 de 17
A
27.04 específico: Materialidad escritura
de base (texto Suárez)
29.04 Trabajo con escritura
04.05 Clase concepto ejercicios
específico: Entropía
06.05 Trabajo en taller sobre conceptos analizados
11.05
13.05 Análisis avances. Créditos
27.05 Análisis avances escritura
01.06 Clase sobre concepto específico: Abyecto
03.06 Ejercicios.
08.06 Visita Pedido de textos artistas
10.06 Análisis de textos
elegidos
17.06 Clase sobre concepto específico: Precario
22.06 Ejercicio
24.06 Evaluaciones final cuatrimestre
29.06
01.07
27.07 Unidad II Síntesis avances. Evaluaciones trabajo con la

29.07 Diagnóstico escritura
03.08 Visita
05.08 Trabajo de taller
10.08 Clase sobre concepto Ejercicio
12.08 específico: Mímesis
24.08 Lectura textos artistas Escritura
26.08 Clase concepto específico: Archivo / etnografías
31.08 Ejercicio
07.09 Visita
08.09 Trabajo sobre la escritura
09.09
14.09 Clase sobre concepto específico: Intermedialidad /
16.09 Espacio específico
28.09
30.09 Unidad III
05.10 Visita
07.10 Taller escritura
14.10 Análisis avances
19.10 Clase concepto específico: Archivo
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 16 de 17
A
21.10 Ejercicio
26.10
28.10 Aspectos de la Ejercicio
02.11 instalación
04.11 Evaluaciones finales
09.11
11.11 Evaluaciones finales textos
IF-2022-00336478-UNC-DDG#FA
P página 17 de 17
A

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2033 - Procesos de Producción y Análisis II d) Medios Múltiples

Date: 2022.05.10 08:08:58 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:06:48 -03'00'

Carrera/s:
. Lic. en Artes Visuales (orientaciones: a) Escultura, b) Grabado, c) Pintura, d) Medios
Asignatura: GESTIÓN Y POSPRODUCCIÓN ARTÍSTICA

Año curricular: 5° año
Anual/cuatrimestral: anual
Equipo Docente:
- Profesores:
Prof. Titular: Lic. Carina Cagnolo
Prof. Adjunto:
Prof. Asistente: Esp. Juan C. Der Hairabedian
Prof. Ayudante:
Ayudantes alumnos:
Distribución Horaria (días asignados para el desarrollo de la asignatura y horario de

atención a alumnos, se puede incluir el correo electrónico a través del cual se
comunican con los estudiantes).
Turno mañana:
Turno tarde:
Turno único: Viernes de 14 a 17 hs. Consultas: Viernes 13 a 14hs
carinacagnolo@gmail.com / juanderxl@gmail.com
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
1
página 1 de 24
1. Enfoque / presentación
La producción del arte encuentra, en los contenidos curriculares de las distintas

carreras del Departamento de Artes visuales de la Facultad de Artes de la UNC,
un amplio desarrollo a lo largo de los 5 años de cursado del estudiante. Desde los
talleres disciplinares se propone, mediante el abordaje de diversos
procedimientos técnicos, un armazón de saberes sobre materiales y técnicas que
sustentan la producción artística y los conocimientos necesarios en relación a la
práctica del arte. Por otro lado, el ámbito académico y su pertenencia a él,
implican el desarrollo de la investigación teórica e histórica en relación a la
problemática artística, desde diferentes paradigmas.
En este marco, consideramos pertinente que la materia Gestión y
Posproducción, del Plan 2014, se presente como un acercamiento metodológico a
la producción de conocimiento transversal, vinculando la práctica y el saber
disciplinar de los talleres y la investigación y conocimiento teóricos de las
materias de historia y problemática del arte, en articulación con el proceso de
trabajo final que los estudiantes deben realizar para finalizar su carrera de grado.
El impulso de esta transversalidad articula: los discursos teóricos sobre la
producción artística contemporánea, el diseño y gestión de exposiciones y la
práctica de la crítica1; tipos de agencias inscriptas en el campo del arte y en
contacto directo con la producción artística y su problemática actual, pero
también con los aspectos metodológicos y científicos de acceso al conocimiento.
La práctica curatorial y el diseño expositivo, son activos elementos productores

de discurso -crítico a veces, afirmativo y banalizado, otras- en el sistema del arte.
1
En cuanto a los discursos teóricos propios de la producción en un contexto determinado, nos referimos a
toda clase de elemento paratextual que acompañe, en diversas dimensiones y con diferentes estatutos, esas
prácticas artísticas. El universo “teórico” de las producciones será entonces el discurso textual que
inmediatamente emerge de la práctica y de la recepción del arte. Comprenderemos las distintas maneras –
pero cercanas desde un punto de vista metodológico- de elaborar discursos que aporten al sentido de las
prácticas y su recepción, que actúen como mediadores y como, a plazos menos inmediatos, portadores de
plataformas de investigaciones futuras. Capaces, finalmente, de dar cuenta de estados parciales del campo y
de las doxas construidas en él.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
2
página 2 de 24
Estos cobran importancia desde los años `70 del siglo XX, con la emergencia de
la porción más radical del arte conceptual, dentro de las neovanguardias de
posguerra, y sus derivaciones futuras. Desde entonces, su creciente protagonismo
se atribuye a la falta de certezas teóricas en el arte contemporáneo. En momento
de mayor auge de la curaduría, en los años `90, se constituyó muchas veces en
una figura tendiente a contribuir a la auto-reproducción totalitarista del
pluralismo indiferenciado del arte contemporáneo, fomentando la dimensión de
espectáculo de la recepción artística.
Sin embargo, las agencias, tanto del curador como de la gestión expositiva,
se han perfilado también como instrumentos críticos, capaces de interpretar la
cultura y el arte y de proponer perspectivas teóricas innovadoras. Abogamos por
una dimensión teórica de la curaduría, de la gestión y de la crítica, en este
sentido.
Dentro de la historia de las exposiciones de artes visuales más reciente, se
podrían mencionar algunos casos paradigmáticos de una curaduría crítica, como
el de Sieth Siegelaub, mentor del arte conceptual tautológico en los años `70;
Harald Szeemann, desde su aporte de canalizador de un estado particular del
arte, en torno a los años ´70s, comprendiendo y comunicando las inflexiones
conceptuales de las prácticas en torno a exposiciones clave para comprender
cambios históricos dentro del arte avanzado. O el caso de Lucy Lippard, en torno
a la gestión de exposiciones desde un discurso feminista. En Latinoamérica, las
prácticas curatoriales y expositivas han fomentado una actitud crítica respecto de
los aspectos hegemónico-dominantes de la cultura, proponiendo abordajes
capaces de interpretar y dar a conocer nuevas lecturas del estatus del arte en el
contexto, sea este local, regional o nacional. Por otro lado, curadores como José
Roca, Cuauhtémoc Medina, Ivo Mesquita, Justo Pastor Mellado, Walter Zanini,
han intentado desde sus prácticas, dar cuenta de estados del arte en contextos
regionales, como así también sentar posiciones en torno a la misma práctica de la
curaduría, el diseño expositivo y la crítica.
En este sentido, por ejemplo, un tema de debate ha sido la tensión e
interpelación que la práctica expositiva en las artes visuales ha generado respecto
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
3
página 3 de 24
del museo y su crisis. En este punto, Justo Pastor Mellado distingue dos tipos de
práctica curatorial. Aquella que denomina “curaduría de servicio” y la que llama
“curaduría de producción de infraestructura”.
Los primeros se encuentran encargados del diseño de los museos-espectáculos;

los segundos buscan activar mecanismos de inscripción histórica y trazo político
a través de propuestas movilizadoras de sentido colectivo.”
“La curaduría crece ante esta necesidad [de transformar el museo tradicional];
se vuelve un agente útil para trabajar discursos que descentren el museo, lo
vinculen con las comunidades y lo provean del contigente conceptual que
requieren hoy todas las instituciones del arte (…).2
En estos últimos años, la ciudad de Córdoba ha visto crecer con rapidez su

patrimonio arquitectónico/urbanístico en relación a las artes visuales, con la
creación de nuevos espacios culturales (Paseo del Buen Pastor, Auditorio Ciudad
de las Artes, Sala Ernesto Farina, CAC, Sala de Artes Visuales del Cepia), centros
de educación (Ciudad de las Artes) y museos (Museo Emilio Caraffa, Museo S. de
Bellas Artes Evita – Palacio Ferreyra-; Museo Dionisi). Las relaciones entre los
espacios dedicados al estudio, documentación, colección, crítica y difusión de las
artes visuales como los museos y el lugar de la academia son constitutivas a la
historia de las instituciones. La participación de las universidades constituyó un
elemento fundamental para pensar las prácticas, producciones y discursos en
torno al arte, en sus formas de comunicación pública.
Si bien el Departamento de Artes Visuales y la Facultad de Artes en su conjunto

tienen como uno de sus objetivos la formación de artistas, las prácticas y
conocimientos adyacentes a la producción de obras de arte son tan necesarios y
complejos como esta. Así, prácticas como el diseño expositivo, la curaduría y la
museología, y las tareas que a estas implica como el tratamiento interpretativo de
las poéticas, la escritura crítica, la formulación de hipótesis de diagnósticos, el
tratamiento escritural, la gestión en torno a la exposición, el diseño de montaje
2Ambas citas: Ticio Escobar. “Los desafíos del museo. El caso del Museo del Barro.” En Américo
Castilla, El museo en escena. Política y cultura en América Latina. Paidós, 2010.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
4
página 4 de 24
expositivo y gráfico, la museografía, como también el estudio de un corpus
particular a ser investigado, constituyen, a nuestro criterio, un alcance curricular
necesario de acuerdo a la actual dinámica del contexto local. La academia,
precisamente desde la Facultad de Artes, podría reflexionar desde múltiples
posiciones, sobre estos aspectos en términos generales, y desde nuestro ámbito,
particularmente.
Históricamente, la materia Gestión y Posproducción (antes Diseño e
Interrelación de las artes) se ha concentrado en una definición de la práctica
curatorial enmarcada en los últimos tramos del proceso: en aquellos aspectos
enfocados en el diseño expositivo y de material impreso; en el diseño de montaje.
Además de poner especial atención en la producción individual y la difusión /
comunicación de una imagen estratégica de artista contemporáneo.
La visión de la materia que proponemos se posiciona en una proyección de
la reflexión sobre la producción individual y sus modos estratégicos de hacerse
público en el sistema del arte local. Consideramos aquí la pertinencia de partir de
profundas reflexiones sobre el tipo de producción desarrollada por los
estudiantes hacia la presentación de su trabajo final. Nuestro enfoque curricular
presenta un viraje desde la centralidad dada a la producción individual hacia la
interpretación del diseño expositivo, de los alcances posibles de la poética en la
interrelación contextual. Estos conocimientos implicarán, sin dudas, proyectar el
foco hiperdesarrollado hasta ahora, a lo largo del cursado de la carrera, en la
producción individual de objetos postulados como “obras de arte”, hacia el
espacio de recepción y estudio sobre los complejos aspectos que este implica,
inmersos en la sociedad actual.
Por lo dicho se propone:
2. Objetivos:
Que el estudiante…
1. Con el fin de apoyar la producción de su trabajo final y concluir la carrera
de grado, ensaye conocimiento transversal respecto de: (a) su producción
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
5
página 5 de 24
artística desde la perspectiva técnico-práctica inserta en los contenidos
curriculares de las carreras de licenciaturas y profesorados; y (b) la
investigación teórica e histórica en el ámbito académico.
2. Interprete y proyecte el ámbito de acción –discurso, sentido, propedéutica,
crítica, y sus posibles relaciones contextuales - que dicha producción
genera mediante la producción de propuestas expositivas y escriturales.
3. Conozca los aspectos propios de un proyecto de exposición, su gestión y
diseño.
Esto implica los siguientes objetivos específicos:

1. Analice los aspectos institucionales en los cuales las poéticas circulan y
aspiran a ser valoradas.
2. Estudie los tipos de espacios expositivos, las condiciones de
institucionalización de las obras y su proyección y alcance en el ámbito
cultural local.
3. Analice tipos de producciones artísticas, espacios de recepción y tipos de
exposiciones desde aspectos de la teoría del arte y de la gestión de
exposiciones.
4. Elabore puntos de partida heurísticos para la concreción de su proyecto de
trabajo final, formulando un corpus capaz de ser publicado / expuesto
desde la perspectiva de la recepción de su producción.
5. Adquiera las herramientas para elaborar un proyecto expositivo que de
cuenta de la investigación realizada proponiendo la fundamentación
teórica en relación a las obras. Esto implicará:
a. Adquirir la capacitación necesaria para elaborar un guion curatorial a
partir del corpus estudiado.
b. Alcanzar los conocimientos para realizar la maquetación de: un diseño
de montaje en el espacio expositivo específico; un diseño de catálogo /
pieza impresa de mano.
c. Obtener herramientas para ensayar dicha práctica expositiva en
función del montaje expositivo concreto.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
6
página 6 de 24
d. Reconocer técnicas y procedimientos museográficos y formas
alternativas de montajes en relación a espacios expositivos alternativos
al museo o “cubo blanco” convencional.
e. Alcanzar saberes específicos sobre discurso crítico a partir de la
exposición y elaborar estrategias de publicación.
Los contenidos de la materia se organizarán bajo la siguiente estructura:
Unidad I:
Aspectos institucionales en artes visuales. El espacio expositivo, circulación y
valoración de las poéticas. Análisis del campo del arte a nivel local / regional.
I.1. Elementos para la realización de un proyecto expositivo. Prácticas de gestión

y organización implicadas. Herramientas de trabajo. ¿Qué es necesario saber al
realizar una exposición?
I.2. Revisión de paradigmas sociológicos aplicados a la recepción y el discurso
sobre el arte, con el horizonte de la práctica expositiva presente. Inscripción
sociológica de las poéticas en el campo. Problematización de situaciones
concretas del campo local a partir de poéticas específicas. Cotejar la teoría con las
propias experiencias.
I.3. Características socioculturales de los espacios expositivos y tipos de
exposiciones de artes visuales: exposiciones museográficas, en centros culturales,
en espacios alternativos, sitios específicos, intervenciones urbanas, residencias,
etc.
I.4. La exposición como dispositivo. Recepción, discurso, narrativa curatorial.
Unidad II:
Museología y curaduría. Circulación de las artes visuales en los espacios
expositivos. Gestión, curaduría y educación en museos.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
7
página 7 de 24
II.1. Introducción a la historia de la exposición en relación con el museo.
Paradigmas museológicos. Del gabinete de curiosidades a la “museología crítica”:
museología; museografía; cultura institucional.
II.2. Organigrama y funciones dentro del museo. Matrices de organización de
tareas. Actividades y profesionales del museo. Análisis de casos locales.
II.3. Curaduría y mediación. Curaduría educativa. Relación de la práctica de la
curaduría dentro del museo con las áreas de educación. El “giro pedagógico” en la
recepción de arte contemporáneo.
II.4. Historia contemporánea de la curaduría en relación con las poéticas y los
cambios de paradigmas en la recepción de las artes visuales. Manifiestos
curatoriales contemporáneos.
II.5. ¿Qué funciones tiene la práctica curatorial dentro de las instituciones de
artes visuales? Diferencias entre curaduría en museos y curaduría
“independiente”.
Unidad III:
Diseño de exposición y divulgación del trabajo final.
Contenidos:
III.1. Análisis del discurso implícito en el proyecto de trabajo final.
III.2. Definición y contenidos de etapas expositivas: Proyecto, posibles guiones,
diseño, montaje, acción cultural, escritura.
III.3. Redacción de textos expositivos: análisis del guion, problematización de la
obra, enfoques teóricos, escritura analítica en relación a la producción artística
contextualizada.
III.4. Elaboración de guión técnico y propuestas de diseño de montaje en el
espacio expositivo: técnicas de maquetación en muro, planta y cinta; sistemas de
representación gráfica del espacio expositivo.
III.6. Realización de maquetas de piezas gráficas: catálogo, pieza impresa de
mano, etc.
III.7. Técnicas y procedimientos museográficos. Tipos de dispositivos de montaje
(epígrafes de obras, conservación de objetos en exposición, técnicas de montaje,
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
8
página 8 de 24
textos en muro, etc.), iluminación. Formas alternativas de montajes en relación a
espacios expositivos alternativos al museo o “cubo blanco” convencional. Textos
en el espacio expositivo. Elementos paratextuales en la exposición.
III.8. Diseño de proyectos de mediación y comunicación en relación a la
exposición.
Unidad Tema Palabras clave

I I.1; I.2; I.3; I.4 Poética – producción artística – práctica
artística – dimensión sincrónica –
dimensión diacrónica - Sociología –
campo del arte – espacio expositivo –
producción y recepción del arte –
dimensión pragmática – mundo del arte
– dominante – residual – emergente –
sistema del arte – teoría del arte
Investigación – heurística –
hermenéutica – curaduría
II II.1; II.2; II.3; Museología – museografía – museología
II.4; II.5 crítica – giro pedagógico –gestión –
curaduría – funciones de la curaduría –
matriz de gestión – conservación –
museo – nueva museología
III III.1; III.2; III.3; exposición – escritura– proyecto
III.4; III.5; III.6; curatorial - guion conceptual – guion
III.7; III.8 técnico - maquetación - diseño de
montaje – montaje de exposiciones –
dispositivos técnicos – iluminación -
museografía – museología – site
specífics – arte urbano - Acción cultural–
historia – discurso expositivo
4. Bibliografía obligatoria:
Unidad I:
Bourdieu, Pierre. Las Reglas del Arte. Anagrama, Barcelona. 1997.

-----Creencia artística y bienes simbólicos. Elementos para una sociología de la
cultura. Aurelia Rivera. Buenos Aires, 2003.
Groys, Boris. Volverse público. Las transformaciones del arte en el ágora

contemporánea. Buenos Aires: Caja negra, 2014.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
9
página 9 de 24
Jimenez, Carlos. La bienalización: Del espectador ilustrado al internauta.
(publicado por el propia autor, 2015).
Smith, Terry. What is Contemporary Art? The University of Chicago Press,

Chicago, Illinois, USA. 2009. Traducción al castellano: Hugo Salas. ¿Qué es el
arte contemporáneo? Siglo XXI Editores, arte y pensamiento. Buenos Aires,
Argentina, 2012.
Vilar, Gerard. Las razones del arte. Madrid: La Balsa de la medusa, 2005.
Unidad II:
AAVV. Circuitos Latinoamericanos. Circuitos internacionales. Interacción,

roles y perspectivas. Auditorio ArteBA, Buenos Aires. 2005.
---- Museos y Coleccionismos ante el desafío del Bicentenario. Auditorio ArteBA,
Buenos Aires. 2009.
Bishop, Claire. ¿Qué es un curador? El Ascenso y (caída?) del curador auteur.
Centro teórico cultural – Criterios nº 7, mayo de 2011. Trad cast: Desiderio
Navarro
Groys, Boris. Políticas de la instalación. e-flux journal No. 2, enero de 2009.

http://e-flux.com/journal/view/31Traducción: Iván Ordóñez.
http://esferapublica.org/nfblog/?p=4220
----- El curador como iconoclasta. CENTRO Teórico de cultura. Criterios Nº2, La
Habana, 15 de febrero de 2011.
Castilla, Américo (comp.). El Museo en escena. Política y cultura en América

Latina. Paidós, Buenos Aires, 2010.
Lorente, Jesús Pedro (director) / Almazán, David (coord.). Museología crítica

y Arte contemporáneo. Prensas universitarias de Zaragoza, España, 2003.
Medina, Cuauhtémoc. Sobre la curaduría en la periferia

http://salonkritik.net/08-09/2008/09/sobre_la_curaduria_en_la_perif_1.php
(2008)
Mesquita, Ivo (1993). El curador como cartógrafo. En Cartographies, texto

central del catálogo de la exposición Cartographies Winnipeg Art Gallery.
Molina, Juan Antonio. La curaduría como (in)disciplina. S/d.
Roca, José. Curar el museo. Texto web: Archivo X, 1997.

----- Curaduría crítica. Ponencia s/d.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
10
página 10 de 24
Unidad III:
AAVV. Manual de curaduría en museos. Colombia: Ministerio de cultura /

Museo Nacional de Colombia / Programa Red Nacional de Museos, 2009.
Alonso Fernández, Luis & García Fernández, Isabel. Diseño de

Exposiciones. Concepto, instalación y montaje. Alianza Editorial. Madrid, 2005
[1999].
Lagnado, Lisette. As tarefas do curador. Publicado en 22/4/2008 en el Trópico.

Disponible: <http://p.php.uol.com.br/tropico/html/textos/2974,1.shl>.
Lord, Barry / Dexter Lord, Gail. Manual de Gestión de museos. Editorial

Ariel, Barcelona. 1998.
Obrist, Hans Ulrich. Breve historia del comisariado. Ed. Exit. Madrid, 2009.
O`Doherty, Brian. Dentro del cubo blanco. La ideología del espacio expositivo.
Murcia: Centro de documentación y estudios avanzados de arte contemporáneo,
2011.
5. Bibliografía ampliatoria:
Alonso Fernández, Luis. Museología. Introducción a la Teoría y Práctica del

Museo. Fundamentos Maior. Madrid, 1993.
Becker, Howard. Los mundos del arte. Sociología del trabajo artístico. Ed.
Universidad Nacional de Quilmes. Argentina, 2008 [1982].
Bellido Gant, María Luisa. Arte, Museos y Nuevas tecnologías. Ed. Trea.
Madrid, 2001.
Cauquelin, Anne. Las teorías del arte. Buenos Aires: Adriana Hidalgo, 2012.
Danto, Arthur C. Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la
historia. Buenos Aires: Paidós, 1999 [1997].
Dickie, George. El círculo del arte. Buenos Aires: Paidós, 2005 [1997]
Fernández Vega, José. Lo contrario de la infelicidad. Promesas estéticas y
mutaciones políticas en el arte actual. Buenos Aires: Prometo, 2009.
Heinich, Nathalie. La Sociología del arte. Ed. Nueva Visión. Buenos Aires, 2004
[2001]
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
11
página 11 de 24
Hernández Hernández, Francisca. Manual de Museología. Ed. Síntesis.
Madrid, 1998.
Foster, Hal. El retorno de lo real. La vanguardia a finales de siglo. Madrid:

Akal, 2001. (1996)
Figuerero Torres, María José / Horwitz, Victoria. Pautas de presentación y

financiamientos para proyectos de artistas. Cuaderno práctico. Trama. Buenos
Aires, 2004.
García Canclini, Néstor / Urteaga, Maritza (coords.). Cultura y Desarrollo.

Una visión crítica desde los jóvenes. Paidós. México, 2010.
Herrera, María José (ed.). Exposiciones de Arte Argentino. 1956-2006.

AAMNBA. Buenos Aires, 2009.
----- Exposiciones de Arte Argentino y Latinoamericano. Curaduría, diseño y
políticas culturales. ESBA Figueroa Alcorta, 2011Sedofsky, Lauren. Bajo y
Sucio. Conversación sobre la exposición Lìnforme: Mode dèmploi. Centro
Georges Pompidou, Paris. 1996.
Laddaga, Reinaldo. Estética de la emergencia. Buenos Aires: Adriana Hidalgo,

2006
Pacheco, Marcelo. Campos de batalla… Historia del Arte vs. Práctica

curatorial. Texto en la web.
Pastor Mellado, Justo. Producción de Infraestructura. Texto en la web.
Nota: se utilizarán numerosos sitios en Internet y catálogos de exposiciones.
6.1. El conjunto general de las clases presenciales estará organizado en dos

módulos: Módulo teórico y Módulo práctico; ambos en intensa relación.
El módulo teórico estará acompañado de la lectura obligatoria por unidad, según
la clase, y por la realización de las diferentes etapas del proceso de trabajo
comprometido por los equipos.
Las clases teóricas estarán acompañadas de material visual, videos y gráficos
explicativos. El desarrollo de las clases teóricas se concentrará en relacionar
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
12
página 12 de 24
permanentemente los temas del proceso de investigación que los
equipos/estudiantes vayan llevando adelante.
6.2. Módulo práctico:

Dada la extensión de los contenidos y la complejidad de los trabajos prácticos
solicitados, estos serán realizados de manera grupal, para las unidades I y II, y de
manera individual para la unidad III. El módulo práctico incluye la visita a casos
específicos dentro de la ciudad (exposiciones, talleres, museos, archivos, etc.). El
cursado y la aprobación de la materia implica la realización de los siguientes
trabajos prácticos y parciales.
Unidad I:
Trabajo Práctico Nº1.

Tiempo de desarrollo: marzo / abril.
Trabajo grupal: de 3 a 5 estudiantes (condición inapelable).
Se solicitará a los equipos de trabajo que visiten una exposición en el contexto de

la ciudad. Esta visita requerirá una conciencia crítica y reflexiva por parte de los
estudiantes, quienes deberán reconocer diversas dimensiones de la producción y
circulación del arte, desde la manifestación de las poéticas a los aspectos
sociológicos e institucionales inscriptos en la exposición:
- Describir de qué se trata este objeto de trabajo.

- Analizar la dimensión institucional: ¿cómo se inscriben las poéticas,
prácticas y producciones en el campo del arte? ¿cómo se las valora?, ¿qué
tipo de recepción implican?
- Revisar los tipos/modelos de cultura institucional presentes en los
diferentes modos de circulación/recepción del corpus seleccionado.
Este análisis será puesto en común en clase, o bien, según se valore en su

momento por la cátedra, en el mismo espacio expositivo elegido.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
13
página 13 de 24
Unidad II:
Trabajo Práctico Nº2.
Tiempo de desarrollo: mayo/julio
Trabajo grupal: de 3 a 5 estudiantes
A partir de la visualización de producciones de artistas locales y/o regionales, que

den cuenta de ideas, materialidades e intereses diversos, cada equipo de trabajo
deberá seleccionar una o algunas poéticas de su interés con la finalidad de
preparar una idea curatorial.
El equipo deberá realizar:
a. Una lectura/interpretación analítica de la/s poética/s seleccionada/s, en
profundidad, teniendo en cuenta conceptos, medios utilizados, relaciones
contextuales e intertextuales. Del análisis surgirán asociaciones y
relaciones entre obras que se constituirán en una idea curatorial.
a. Investigar y seleccionar otras producciones que compongan, con la

primera selección, esta idea curatorial.
b. A partir de allí, el equipo de trabajo deberá:
- Desarrollar una breve fundamentación de la idea curatorial. (Guion
curatorial)
- Realizar un esquema de diseño expositivo fundamentando las razones del
relato curatorial y de la elección del espacio.
- Proponer un monotipo de la imagen y el diseño que formarán parte de la
exposición. Material de folletería y comunicación digital.
Material que los equipos de trabajo deberán presentar a la cátedra y compañeros:
- Carpeta digital en un solo PDF conteniendo: Guion conceptual y técnico,

textos de comunicación al público (texto de pieza gráfica, texto de muro,
etc.), maquetación del diseño de montaje, maquetación del diseño de pieza
gráfica. Se podrán utilizar medios analógicos y digitales. Los estudiantes
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
14
página 14 de 24
tendrán la posibilidad de utilizar software específico, como Adobe
Illustrator; Photoshop; Corel Draw; Skecht Up.
- Presentar públicamente en clase la idea/hipótesis; su justificación
conceptual; el corpus seleccionado y guión; el diseño de montaje (lo más
aconsejable es utilizar medios digitales); un monotipo de la pieza gráfica;
descripción de la acción cultural.
La puesta en común en clases de este primer proyecto será considerado el

parcial A. A partir del análisis de éstas y de las primeras lecturas bibliográficas,
los estudiantes estarán en condiciones de realizar el proyecto expositivo de su
trabajo final.
En este proyecto, el corpus de producción artística será “construído”

analíticamente por los propios estudiantes y comprometerá una poética o
conjunto de poéticas; la problematización sobre los tipos de lenguajes artísticos
implícitos; sobre las relaciones sincrónicas de las poéticas en el espacio social-
cultural; sobre los modos de circulación, valoración, etc. Lo importante es que los
equipos de trabajo puedan reconocer objetos de estudio (análisis crítico,
problematización, conceptualización, etc.) en este corpus. A partir de esta
construcción, el grupo podrá:
- Poner las distintas poéticas en relación: mirar al otro para volver a ver la
propia práctica.
- Ensayar fundamentos mediante la escritura, para fundamental en la
elaboración de un proyecto de trabajo final, y de producción artística.
El proyecto que el equipo llevará adelante comprenderá las siguientes etapas:

- Heurística – trabajo de campo: visualización de obras, realización de entrevistas
(si fuera necesario), revisión de bibliografía específica, etc.
- Descripción densa / Análisis interpretativo –trabajo de análisis y escritura:
Interpretación de la documentación, escritos, corpus de obras, etc.; escritura del
desarrollo de este análisis.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
15
página 15 de 24
parcial A: De carácter grupal.
- Se tomará como parcial la presentación primera del proyecto del equipo.
Se evaluará la claridad, la profundidad del análisis y la síntesis expositiva.
Unidad III:
Trabajo Práctico Nº3

Tiempo de desarrollo: Agosto/noviembre. Este práctico acompañará el proceso
de desarrollo del trabajo final de grado. Se dedicará el segundo cuatrimestre al
acompañamiento de la práctica final de grado.
Trabajo individual: Con la excepción de aquellos casos que decidan realizar sus
trabajos finales en grupo o pares.
Proyecto de exposición.
El proyecto implicará el desarrollo de los siguientes pasos:
1) Proponer un posible diseño expositivo en función del trabajo final de la

carrera.
2) Redactar un texto breve explicando los fundamentos conceptuales de la
exposición. La realización de los puntos 1 y 2 serán considerados el
Parcial B.
3) Desarrollar un monotipo de la pieza gráfica.
Se propone el trabajo intensivo sobre los conceptos y prácticas planteados en

cada unidad mediante las siguientes herramientas metodológicas:
• Lectura y estudio de los textos, discursos sobre el arte de tipo crítico y teórico,
referidos en bibliografía.
• El trabajo de producción de cada una de las etapas prácticas, en el primer
cuatrimestre, donde se delimitarán los roles de cada participante del equipo.
Esto abre la posibilidad de que el estudiante perfile intereses dentro de los
trabajos del arte.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
16
página 16 de 24
• El debate crítico sobre los trabajos presentados en clase, donde se requerirá y
evaluará la participación activa de todos los grupos y estudiantes.
• Se trabajará a partir de clases teóricas que abordarán tópicos, conceptos,
categorías con el fin de generar el conocimiento necesario de partida hacia las
producciones y desarrollos prácticos de cada trabajo;
• La evaluación y autoevaluación de trabajos.
• Se proyectarán ejemplos de proyectos con resultado expositivo de diferentes
modos de exhibición de obra visual y ensayos críticos, donde se problematicen
los conceptos y procesos analizados.
• Los procesos de trabajo serán analizados en clase y en clases de consulta.
7. Evaluación:
Las evaluaciones estarán referidas al contenido y las prácticas de cada unidad.
Pautas generales de evaluación:
a) Claridad, rigor y coherencia conceptual. (Se espera del alumno un nivel

correspondiente a un quinto año de una Licenciatura universitaria).
b) Interés por aspectos vinculados al saber especializado acerca de la
investigación y espacio de recepción de la producción artística.
c) Autonomía en el proceso de investigación, pensamiento crítico acerca del
corpus, exploración y búsqueda de datos y desarrollo de la práctica curatorial
y expositiva.
d) Puntualidad en la fecha prevista de presentación (a convenir en clase con
el docente).
e) Capacidad de síntesis, claridad conceptual, redacción y ortografía en
escritos.
f) Capacidad del equipo de trabajo para otorgar responsabilidades específicas
a cada integrante del grupo, en caso de trabajos grupales.
Unidades I y II:
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
17
página 17 de 24
Se evaluará puntualmente:
a) La pertinencia en la formulación de herramientas del trabajo

de campo.
b) La pertinencia en la elección y recorte del tema y la
formulación de un corpus de trabajo.
c) El desarrollo metodológico en relación al tema.
d) La capacidad para analizar el corpus de producciones
artísticas y construir discurso a partir de este análisis.
e) La estructura, inteligibilidad, ortografía y redacción de los
textos resultantes del proyecto.
f) La presentación oral en clase de los resultados obtenidos:
Síntesis, claridad, análisis.
Unidad III:
Se evaluará puntualmente:
a) La capacidad para traducir el resultado de la investigación de

trabajo final a un guion expositivo en un espacio concreto.
b) La realización técnica de la maquetación del diseño
expositivo.
c) La maquetación del diseño de catálogo: la pertinencia en la
inclusión de imágenes, textos, biografías, gráficos,
fotografías, etc.
d) La realización efectiva del montaje en el espacio real,
dependerá de las posibilidades de gestión de esos espacios.
En caso de que fuera posible, se evaluará la relación entre el
guion, el diseño y el montaje final, teniendo en cuenta los
dispositivos utilizados, la elaboración de paratextos (textos
explicativos, epígrafes, flyers, etc.). La narrativa de la
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
18
página 18 de 24
exposición (en cualquier formato y espacio) deberá tener en
cuenta las posibles lecturas y recorridos que el espectador
pudiera realizar.
e) El desarrollo de actividades y elementos de divulgación y su
pertinencia, tales como: material de mediación,
comunicación, crítica, etc.
f) La dinámica para elaborar acciones culturales tales como:
conversaciones con artistas, con público, con expertos, etc.
g) La presentación oral en clase de los resultados obtenidos.
Criterios en general según: https://artes.unc.edu.ar/wp-

content/blogs.dir/2/files/sites/2/OHCD_1_2018.pdf?utm_source=emailcampaign8751&ut
m_medium=phpList&utm_content=HTMLemail&utm_campaign=IMPORTANTE+%3A
%3A+R%C3%A9gimen+de+Estudiantes+vigente+en+la+FA+
Se trata de una materia ANUAL. (Art. 11 Régimen de alumnos)
Según el ARTÍCULO 12: b- Se considera este espacio curricular como teórico-
práctico procesual, ya que aplican contenidos teóricos a la producción artística.
Según ARTÍCULO 14: Tanto para Exámenes Finales o parciales, como para
Trabajos prácticos u otro tipo de evaluaciones, se considerará la siguiente escala
de calificaciones: O (cero) REPROBADO, menos de 4 (cuatro) INSUFICIENTE,
4 (cuatro) SUFICIENTE, 5 (cinco) y 6 (seis) BUENO, 7 (siete), 8(ocho) y 9
(nueve) DISTINGUIDO, 10 (diez) SOBRESALIENTE.
Según el ARTÍCULO 15: Se considera la siguiente escala:
CALIFICACIÓN PORCENTAJE:
0(cero) 0%, 1 (uno) 1% al 30%, 2 (dos) 31% al 45%, 3 (tres) 46% al 59%, 4
(cuatro) 60% al 65%, 5 (cinco) 66% al 70%, 6 (seis) 71% al 75%, 7 (siete) 76% al
80%, 8 (ocho) 81% al 87%, 9 (nueve) 88% al 95%, 10 (diez) 96% al 100%.
Según ARTÍCULO 16: Las modalidades de evaluación se ajustarán a la categoría
de espacios curricular b: Los espacios curriculares teóricos-prácticos procesuales
evaluarán recorridos que el/la estudiante irá desarrollando a lo largo del cursado,
evaluando el proceso paulatino por lo cual habrá más instancias evaluativas
prácticas (trabajos prácticos) y una instancia final integradora (parcial).
Según ARTÍCULO 17: b- Para las evaluaciones de tipo teóricos-prácticos
procesuales se establecerá la siguiente cantidad de instancias:
Espacio curricular anual: 3 instancias evaluativas; 1 instancia integradora final
obligatoria.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
19
página 19 de 24
Según el ARTÍCULO 18: Los/las estudiantes tendrán derecho a recuperar las
instancias evaluativas, sin perder la condición de cursado ya sea por inasistencia o
aplazo.
b- Para los espacios curriculares teórico-prácticos procesuales: se podrá recuperar
la instancia integradora final. De ser necesario el/la docente podrá pedir una
instancia más para que el/la estudiante no pierda su condición de cursado.
Según el ARTÍCULO 19: Los/as docentes responsables de las asignaturas
permitirán el real y adecuado acceso de los/as estudiantes a las instancias
evaluativas corregidas y calificadas, durante el mes posterior, contando desde la
toma de la evaluación.
Descripción de la propuesta de evaluación ajustada a la reglamentación vigente (Régimen

de alumnos y alumno trabajador en: https://artes.unc.edu.ar/estudiantes/estudiantes-
trabajadores-o-con-familiares-a-cargo/
Según el ARTÍCULO 20: Se consignan las siguientes modalidades de cursado:

PROMOCIONAL, REGULAR y LIBRE. ESTUDIANTES PROMOCIONALES
condición de estudiante promocional.
Según la modalidad de Espacio curricular teórico-práctico procesual: aprobar el 80%
de las instancias evaluativas considerando de mayor jerarquía la instancia integradora
final con calificaciones iguales o mayores a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7
(siete). El 20% restante no es promediable ni por inasistencia ni por aplazo.
ARTÍCULO 23: Los/las responsables de las asignaturas podrán exigir la condición
de un mínimo de asistencia a las clases, que no podrá superar el 80% del total. Se
entiende por asistencia a la presencia del estudiante en la clase, bajo ningún motivo
la misma se podrá acreditar mediante actividades (instancias evaluativas - jornadas -
salidas a congresos - actividades extracurriculares, etc.)
condición de estudiante regular, que implica la posibilidad de inscripción para
aprobar la asignatura accediendo a un examen de una sola instancia.
ARTÍCULO 26: Son estudiantes REGULARES aquellos/as que cumplan las
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
20
página 20 de 24
Según la Modalidad procesual: aprobar el 75% de las instancias evaluativas con
instancia evaluativa para acceder a la regularidad. El 25% restante no es promediable
ni por inasistencia ni por aplazo.
Según el ARTÍCULO 28: La regularidad se extiende por el término de 3 (tres) años,
a partir de que se deja constancia fehaciente en actas de que el/la estudiante accede a
esa condición. Si la fecha de finalización de ese período no coincidiera con una fecha
de examen de la materia en cuestión, se extenderá hasta el turno de exámenes
subsiguiente.
ESTUDIANTES LIBRES
ARTÍCULO 29: Los/as estudiantes que, estando debidamente inscriptos/as en el año
académico, decidan inscribirse a presentar exámenes finales en la condición de
libres, accederán a un examen de dos instancias: la primera de carácter escrito y la
segunda oral, contemplándose en ambas los aspectos teóricos y prácticos, en el caso
que hubiese.
Según el ARTÍCULO 30: La cátedra establecerá encuentros o instancias previas al
día del examen con un máximo de un mes de antelación, según días y horarios de
consulta consignados en este programa.

requieran montaje de obras deberán respetar las normas de seguridad e
higiene. No se pueden utilizar los espacios: escaleras, ascensor, techos,
escaleras de emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas,
emergencias, ingreso, etc). Los espacios de tránsito de uso común deberán
Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones, retirando todos
los elementos de montaje (cintas, tanzas, etc.). Si se utilizan muebles de la
Facultad deben ser devueltos de donde han sido retirados.
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
21
página 21 de 24
10. CRONOGRAMA TENTATIVO:
Fecha Unidad/ Teórico A cargo de: Práctico A cargo de:

estima etapa
tiva
20/3 Unidad I Presentación Prof. Cagnolo Conformación Prof. Der Hairabedian
, objetivos de de grupos de
la materia. trabajo.
Modos de Listado de
comunicació estudiantes
n. Pedido de
Metodología. análisis de
caso: Visita a
exposición.
27/3 Análisis del Prof. Cagnolo Análisis de los Prof. Der Hairabedian
sistema casos / Cagnolo
artístico en obtenidos en el
relación a su TPn1
circulación y
puesta en
valor.
Nociones
sobre los
aspectos
institucional
es y de la
circulación
de las artes
visuales.
3/4 Circulación Prof. Cagnolo Puesta en Prof. Der Hairabedian
de las artes común de los
visuales. equipos:
Tipos de análisis de
Unidad I espacios casos.
expositivos y
sus Pedido
implicancias Trabajo
sociológicas. Práctico Nº1:
Corpus de
poéticas a
seleccionar.
17/4 Prof. Der Hairabedian
Visita a exposición: Análisis de caso Nº2. / Cagnolo
24/4 Introducción Prof. Cagnolo Consigna Prof. Der Hairabedian

Unidad a la TPN2
8/5 II museología.
Paradigmas
museológico
s. Historia de
la curaduría
en relación al
museo
(dentro y
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
22
página 22 de 24
fuera de él).
Narrativas
curatoriales
Curaduría.
Definición.
15.5 Elementos
para la
concreción
de proyectos
expositivos.
Circulación
de un
proyecto
curatorial.
29.5 Clase de consulta TPN2 Prof. Der Hairabedian
Parcial A:
Puesta en común de los equipos. Inicio TPNº2: Prof. /Der
5.6 corpus de poéticas seleccionadas para trabajar. Hairabedian / Cagnolo
12.6 Exposición Consulta TPN2 Prof. /Der

como Prof. Cagnolo Hairabedian / Cagnolo
dispositivo.
19.6
Evaluación TPN2 /instancia análisis de
procesos Prof. Cagnolo /Der
26.6 Evaluación TPN2 / instancia análisis de Hairabedian
procesos
3.7 Evaluación TPN2/ instancia análisis de
procesos
31.07 Unidad Manifiestos Prof. Cagnolo Propuesta
III curatoriales TPNº3 /
en el arte instancia
contemporán análisis
eo. producciones
Tratamiento individuales Prof. Der Hairabedian
escritural.
7.8 Visita
exposición
14.8 Concepto de TPNº3 / Prof. Cagnolo /Der
Mediación Instancia de Hairabedian
en el arte análisis de
contemporán producciones
eo individuales
21/8 Clase TPNº3 /
teórica: Instancia de
historia de Prof. Cagnolo análisis de
las producciones
exposiciones. individuales
Paradigmas
IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
23
página 23 de 24
28.8 Taller
Herramienta
s de la
práctica
expositiva.
Tipos de
guiones.
4/9 Diseño de Clase Práctica Prof. Der Hairabedian
montaje. sobre recursos
Ejemplos. de diseño
Codificación. digital:
Herramienta eleboración de
s para la diseños de
comunicació montaje.
n del diseño
de
exposiciones.
Gestión
expositiva.
11/9 Parcial B: Ensayos escriturales Prof. Der Hairabedian
18.9 / Cagnolo /
Análisis de Prof. Cagnolo Ensayo de Prof. Der Hairabedian

2/10 diferentes escritura / Cagnolo
tipos de
textos.
Ejemplos.
9/10 Consulta general / Taller Prof. Cagnolo /Der
Hairabedian
16.10
23.10 Evaluaciones TP2: instancia exposición Prof. Cagnolo /Der
30.10 Hairabedian
6.11 Evaluaciones Cierre de libretas /
13.11 TPNº3 Recuperatorios
9. Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene (cuando corresponda. En

los casos donde se presenten trabajos prácticos o exámenes con montajes de obras
debe incorporarse el siguiente recuadro.

Los espacios utilizados deben ser dejados en condiciones,IF-2022-00336489-UNC-DDG#FA
retirando todos los
deben ser devueltos de donde han sido retirados. 24
Montajes que requieran autorización, los pedidos deben página 24 de a24la Dirección
hacerse

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2036 - Gestión y Posproducción Artística

Date: 2022.05.10 08:07:52 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:07:58 -03'00'

Carrera/s:. Lic. en Artes Visuales (orientaciones: a) Escultura, b) Grabado, c) Pintura,
d) Medios Múltiples) 2014 RHCD 429/2011 FFyH aprobado por RHCS 16/2012. Res. Mi-
nisterial 987/2013
Asignatura: SEMINARIO DE TRABAJO FINAL
Equipo Docente:
Profesor Titular: Lucas Di Pascuale
Profesora Adjunta: Carolina Sen Martín
Adscriptes: Florencia Walter, Aylén Bartolino Luna, Lucrecia Requena, Paula Roqué
Buguñá, Melisa Gutiérrez, Rocío Pérez, David Baulina Guzmán, Julieta Díaz.
Ayudante alumno: Nehuén Moyano Cortéz
Distribución Horaria: Miércoles de 15 a 18 hs

Consultas: miércoles de 13 a 15 hs. Solicitar turno a lucasdiapscuale@gmail.com
Clave aula virtual: tfinal2020
1) Fundamentación / Enfoques / Presentación:
En su libro Para salir de lo posmoderno Henri Meschonnic postula como tentativa la vigencia de
la Modernidad, nos habla de una actualidad en el arte donde las intenciones suelen suplantar a
las realizaciones, donde lo sabido en relación a qué es el arte suele no dejar lugar a eso por des-
cubrir, que es en definitiva de lo que el arte trata. Meschonnic propone que el Sujeto es la Moder-
nidad, que las teorías del sujeto y las teorías de la modernidad son solidarias y correlativas unas
con otras. No nos habla de un sujeto integrado, sino que por el contrario, se refiere a una colección
de sujetos: el sujeto del conocimiento conquistador del mundo, el del conocimiento filosófico, el
sujeto del conocimiento de los otros, el sujeto sicológico a partir del sicoanálisis, el sujeto del de-
recho... Cada uno con su especificidad. Se detiene particularmente en un sujeto que está ausente
de todos los otros, inclusive del sujeto filosófico, nos dice. Lo llama el sujeto del poema. O del
arte. Y lo define como un sujeto ético, porque su actividad es tal que la subjetivación generalizada
del lenguaje, de las materias, de las formas –formas no cosas, formas del ver, del sentir, del com-
prender, invenciones de relaciones con uno mismo y con los otros, corporales e intelectuales–
hace advenir al estatuto de sujeto que por esta subjetivación es sujeto1.
Al pensar un perfil de egresado de las Licenciaturas en Artes Visuales de la Universidad Nacional

de Córdoba imaginamos ese mismo sujeto, el del poema o del arte, y es en tal sentido que propo-
nemos el presente programa de trabajo. Nuestro íntimo propósito es el de colaborar con esa sub-
1 MESCHONNIC, Henri, Para salir de lo postmoderno, Editorial Cactus y Tinta Limón Ediciones, Buenos Aires, 2017.
IF-2022-00336495-UNC-DDG#FA
página 1 de 7
jetivación de la que nos habla Meschonnic. Auspiciamos estudiantes que continuando con lo rea-
lizado a lo largo de la carrera, encaren una producción –en vistas de su Trabajo Final y a continuar
a futuro– mediante la cual descubran sus propios modos de hacer, reflexionen sobre ellos y pos-
tulen la aparición pública de ese hacer también como una manera de reflexionar con otros. Auspi-
ciamos egresados que lejos de conformarse con lo que hasta el momento sabemos del arte,
propongan su trabajo –en el área que este se encuentre– como una posibilidad de redefinir per-
manentemente los lindes disciplinares.
Seminario de Trabajo Final es un espacio curricular teórico-práctico procesual, un espacio de

indagación mediante el cual los estudiantes deberán arribar lo más ajustadamente posible a pro-
blemáticas, materialidades, prácticas y experiencias que serán tratadas durante el desarrollo de
su Trabajo Final. Entendemos que la facilidad para acercarnos a estas definiciones está directa-
mente relacionada con un habitar territorios propios, de manera consciente y crítica, por parte de
los estudiantes a lo largo de la carrera.
Nos referimos a territorios propios como aquellos desde los cuales un estudiante tiene la posi-
bilidad de proponer –de manera reflexiva– relaciones con una exterioridad conformada por
pares, docentes, institución académica y campo del arte, este último desde su gran diversidad.
Proponemos una práctica de taller donde la materialización de piezas y la práctica escritural

sean solidarias y correlativas, ambas se produzcan en una interacción recíproca. Así mismo es
nuestra intención abordar la escritura como un proceso particular, no sólo en relación al pro-
yecto específico que trata, sino también en relación a las prácticas escriturales de quien la lleva
adelante.
Optamos por una dinámica de trabajo donde los procesos de producción, análisis y escritura
realizados por nuestros pares son prioritarios a la hora de reflexionar sobre la propia práctica y
la producción artística en un sentido más general. Es así que Seminario de Trabajo Final se
desarrolla interrelacionando: a) encuentros colectivos de análisis de la producción artística de
cada estudiante, b) ejercicios individuales de escritura y su posterior puesta en común y c) vin-
culaciones con producción de trabajos finales y prácticas de egresados recientes, como así
también con artistas y curadores del medio.
2 ) Objetivos
Generales
lograr que el/la estudiante:
a. proponga problemáticas a explorar en el marco del Trabajo Final de su Licenciatura

en Artes Visuales.
b. apele a exploraciones realizadas a lo largo de la carrera a la hora de definir dichas problemá-
ticas.
c. concrete una producción de escritura reflexiva en relación a dichas problemáticas.
d. contextualice sus producciones en un sentido artístico, histórico y cultural tanto
de manera local como internacional.
IF-2022-00336495-UNC-DDG#FA
página 2 de 7
Específicos
lograr que el/la estudiante:
a. sea consciente de los diversos aspectos que alberga su producción artística, e identifique aque-
llos que aparecen como atributos en relación al sentido que le otorga a dicha producción.
b. interactúe de manera generosa a la hora de analizar la producción de sus pares como así tam-
bién a la hora de hacerlo con su propia producción.
c. otorgue valor a su producción artística, concibiéndola también como una posibilidad de inter-
venir en la definición de lo que entendemos por artes visuales.
d. concrete la producción de su Trabajo Final como una apertura hacia futuras indagaciones.
3 ) Contenidos / Núcleos temáticos / Unidades
El seminario no cuenta con contenidos a priori, ya que se consideran contenidos del mismo a las
problemáticas planteadas por las propias producciones de los estudiantes en el marco del des-
arrollo de su Trabajo Final. En un sentido amplio el contenido del presente seminario es el de la
producción en artes, la cual pretendemos se desarrolle desde dos aspectos –en corresponden-
cia con la reglamentación vigente de Trabajo Final– que consideraremos como Unidades del pre-
sente programa. Se trata de dos unidades interrelacionadas de manera general al mismo tiempo
que interrelacionadas de manera particular en cada experiencia de producción: Unidad A: Mate-
rialización y Unidad B. Reflexión crítica
a. Materialización: entendemos por materialización al proceso de producción de una serie de

piezas y/o experiencias que incorporen una estrategia particular de encuentro con un otro, una
determinada manera de tomar estado público. En este sentido pensaremos al montaje expo-
sitivo como espacio de producción y materialización.
b. Reflexión crítica: entendemos la reflexión crítica como un proceso de escritura estimulado a

partir de lecturas individuales y colectivas de la propia producción, como así también a partir
de lecturas bibliográficas citadas en el presente programa y/o agregadas por el estudiante.
Las lecturas de la propia producción –realizadas en diálogo con pares y docentes– intentan
encontrar aspectos significativos en pos de descubrir posibles líneas de desarrollo, explorar
los atributos, al tiempo que intensificar vinculaciones con otras producciones y reflexiones.
4 ) Bibliografía obligatoria
A) Trabajos Finales / Licenciatura en Artes Visuales / destacados por sus escritos (recomendados por diversos docentes de la casa).
ALDERETE, Ana Sol, 20 Notas. TF de la Licenciatura en BARTOLINO LUNA, Aylén, La Casa es está. TF de la Licen-
Grabado, Facultad de Artes, Universidad Nacional de Cór- ciatura en Grabado, Facultad de Artes, Universidad Nacional
doba, 2008. de Córdoba, 2016.
BARBERIS, Maron, Melancolía. Poéticas de la palabra y la BURBA, Luciano, Espero haberme equivocado lo suficiente.
imagen. TF de la Licenciatura en Grabado, Facultad de Artes, TF de la Licenciatura en Escultura, Facultad de Artes, Uni-
Universidad Nacional de Córdoba, 2015. versidad Nacional de Córdoba, 2009.
BARBOZA, Antonella; ACCIETTO, Rodrigo y FIORINO, Ju- CARRANZA, Sol, Objetofrontera. Investigaciones desde el
liana, Arte terrestre. TF de la Licenciatura en Escultura, Facul- pensar material. TF de la Licenciatura en Escultura, Facultad
tad de Artes, Universidad Nacional de Córdoba, 2015. de Artes, Universidad Nacional de Córdoba, 2018.
IF-2022-00336495-UNC-DDG#FA
página 3 de 7
CASTIÑEIRA, Romina, Espacio–vacío. TF de la Licencia- PERUGLIA, Ana Paula, La tristeza de las cosas, TF de la
tura en Escultura, Facultad de Artes, Universidad Nacional Licenciatura en Pintura, Facultad de Artes Universidad Na-
de Córdoba, 2012. cional de Córdoba, 2018.
DÍAZ, Julieta, Caminantes. De técnicas, ideas, tiempos y es- REQUENA, Lucrecia, Ensayos sobre el final, Archivo auto-
pacios. TF de la Licenciatura en Pintura, Facultad de Artes, biográfico de performance. TF de la Licenciatura en Pintura,
Universidad Nacional de Córdoba, 2019. Facultad de Artes Universidad Nacional de Córdoba, 2017.
FEDEROVISKY, Catalina, Posibilidades de la imagen mí- ROQUE BRUGUÑA, Paula, Salar. TF de la Licenciatura en
nima. TF de la Licenciatura en Grabado, Facultad de Artes, Grabado, Facultad de Artes Universidad Nacional de Cór-
Universidad Nacional de Córdoba2018. doba. 2017
GATICA, Victoria, Ensayos de apertura tres. TF de la Licen- VILLANUEVA, María Celeste, Llama Nº 4010, El dibujo
ciatura en Escultura, Facultad de Artes, Universidad Nacional como memoria. TF de la Licenciatura en Pintura, Facultad
de Córdoba, 2012. de Artes Universidad Nacional de Córdoba, 2015.
GÓMEZ, Jésica Agustina, Dibujar, archivar y montar. TF de WALTER, Florencia, Animal print o mi cuarto rosa. TF de la
la Licenciatura en Grabado, Facultad de Artes, Universidad Licenciatura en Pintura, Facultad de Artes Universidad Na-
Nacional de Córdoba, 2017. cional de Córdoba, 2013.
GONZÁLEZ MUSSANO, Eugenia, Sobre el espacio en el
arte contemporáneo “Una posibilidad en la estación de las
B)
lluvias ”. TF de la Licenciatura en Pintura, Facultad de Artes
Universidad Nacional de Córdoba, 2011. ARIAS, Juan Carlos, La investigación en artes, el problema de
la escritura y el método. Buenos Aires, Adriana Hidalgo 2017.
LINOSI, Damián, Como el gato mirando al canario inalcan-
zable. TF de la Licenciatura en Pintura, Facultad de Artes DEL RÍO, Claudia, Ikebana Política, Rosario, Iván Rosado.
Universidad Nacional de Córdoba, 2017. 2016.
MOLINA, Manuel, Investigación pictórica. Sobre la materia- OBEID, Leticia, Habitar el vacío, Revista CIA Nº 3, páginas 366-
lidad de la pintura orgánica y sus dimensiones lingüística y 342. Buenos AIres. 2014.
social. TF de la Licenciatura en Pintura, Facultad de Artes
SEGATO, Rita, Contra-pedagogías de la crueldad, Buenos Aires,
Universidad Nacional de Córdoba, 2015.
Prometeo, 2018.
PÉREZ, Rocío y SÁNCHEZ Luciana, Diálogos abiertos
sobre la creación colectiva, TF de la Licenciatura en Gra-
bado, Facultad de Artes Universidad Nacional de Córdoba,
2017.
5) Bibliografía Ampliatoria
AISEMBERG, Diana, MDA Apuntes para un aprendizaje del GIUNTA, Andrea ¿Cuándo empieza el arte contemporá-
arte. Buenos Aires, Adriana Hidalgo 2017. neo? Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Fundación arteBA,
BANG LARSEN, Lars, Arte y Norma, Cruce Casa Editora, 2014.
Buenos Aires, 2016. GROYS, Boris, Volverse público. Las transformaciones del
BARTHES, Roland, El placer del texto y Lección inaugural. arte en el ágora contemporánea, Buenos Aires, Cajá Negra,
Siglo Veintiuno Editores. Buenos Aires, 2011. 2014.
BAUDRILLARD, Jean, Cultura y simulacro, Barcelona, Kai- GUASCH, Ana María, Arte y archivo, 1920-2010. Genealo-
ros, 2007. gías, tipologías y discontinuidades, Madrid, Akal, 2011.
BOURRIAUD, Nicolas, Estética relacional, Buenos Aires, KRAUSS, Rosalind, La originalidad de la vanguardia y otros
Adriana Hidalgo, 2007 mitos modernos, Madrid, Alianza, 1996, cap. Notas sobre el
índice
BREA, José Luis, Noli me legere. Divertimentos Del melan-
cólico: El enfoque retórico y El primado de La alegoria em El MESCHONNIC, Henri, Para salir de lo postmoderno, Edito-
arte contemporâneo, Murcia, Cendeac, 2007. Ver también en rial Cactus y Tinta Limón Ediciones, Buenos Aires, 2017.
joseluisbrea.net/ediciones_cc/noli.pdf OLIVERAS, Elena, La metáfora en el arte. Retórica y filoso-
DIDI-HUBERMAN, Geroges, Ante el tiempo. Buenos Aires, fía de la imagen, Buenos Aires, Emecé, 2007.
Adriana Hidalgo Editora, 2011. RANCIÈRE, Jacques, El maestro ignorante, Buenos Aires,
ECCO, Humberto, Como se hace una Tesis. Técnicas y Libros del Zoral, 2007.
procedimientos de investigación estudio y escritura. Ge- ROLNIK, Suely, Esferas de la insurrección. Apuntes para
disa, Barcelona, 1977. descolonizar el inconsciente. Buenos Aires, Tinta Limón,
ESCOBAR, Ticio, Imagen e intemperie, Buenos Aires: Ca- 2018.
pital intelectual. 2015. WALLIS, Brian (Ed), Arte después de La Modernidad. Nue-
GARCIA, Luis, La comunidad en montaje, Buenos Aires, vos planteamientos en torno a La representación, Madrid,
Prometeo, 2018. Akal, 2001.
IF-2022-00336495-UNC-DDG#FA
página 4 de 7
6 ) Propuesta metodológica:
El desarrollo del seminario se dará a partir de una combinación de prácticas que se describen a
continuación:
Dinámicas Grupales. Actividades (donde parti- Herramientas individuales. Se promueve la

cipa la totalidad del curso) tendientes a socializar realización –en pos de dinamizar los procesos
indagaciones individuales, posicionamientos, de reflexión sobre la propia práctica– de des-
mapas conceptuales, avances en los procesos montajes, bitácoras y mapas conceptuales por
de producción, lecturas y prácticas de artísticas parte de y a elección de cada estudiante.
del medio.
Presentaciones o visitas. Colegas invitades
Clínica colectiva. Presentaciones de produc- como así también les integrantes de la cátedra
ción por grupos de estudiantes. Cada grupo es presenta sus indagaciones.
responsable de la producción individual de sus
integrantes, aspiranos a una práctica solidaria y Asistencia a instancias de TF. Se promueve
generosa. En la segunda mitad del año las pre- la asistencia del curso a las instancias de TF
sentaciones deberán incluir ideas de abordaje de las Licenciaturas en Artes Visuales.
del espacio expositivo.
Parcial grupal. Cada grupo presenta a modo
Escritura. Prácticos de escritura desde lo ge- del dictado de una clase teórica, un avance de
neral a lo particular (en relación al trabajo de a. la producción individual de sus integrantes.
colegas, b. compañeres, c. propio) Se analizan
los trabajos mediante puestas en común en los Evaluación Final. a. Instalación de producción
espacios de clínica coletiva. (Materialización), la misma debe dar cuenta de
las ideas proyectuales de la presentación del
Biblioteca de cátedra. Se constituye una bi- Trabajo Final. b. Texto (Reflexión crítica) que
blioteca conformada por aquellos Trabajos Fi- conste de una estructura o índice de lo que se
nales de las Licenciaturas en Artes Visuales propone desarrollar como escrito de su Trabajo
destacados por sus escritos. Esta biblioteca se Final y al menos, una de sus partes desarro-
conforma a partir de recomendaciones de do- llada.
centes de la casa.
7) Evaluación:
Las evaluaciones están integradas al proceso de enseñanza-aprendizaje. Se considera la participa-

ción activa en las instancias de clínica y en las dinámicas grupales. Se evalúa –a través de presen-
taciones– la capacidad de enunciar y referenciar la producción propia como el primer paso de una
operación deductiva. La disposición y desarrollo de capacidades reflexivas y de investigación en
función del diseño de una propuesta metodológica de trabajo. Las alternativas de materialización en
torno a la creación de sentido/s. La selección y experimentación de técnicas y materiales. El domi-
nio en la configuración de la propuesta.
Evaluación ajustada a la reglamentación vigente (Régimen de alumnos y alumno trabajador en:

http://www.artes.unc.edu.ar/sae/secretaria-de-asuntos-estudiantiles#regalumnos.
IF-2022-00336495-UNC-DDG#FA
página 5 de 7
8) Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar:
Para PROMOCIONAR la materia se deberá aprobar el 80% de las instancias evaluativas con-
siderando de mayor jerarquía la instancia integradora final con calificaciones iguales o mayores
a 6 (seis) y un promedio mínimo de 7 (siete). El 20% restante no es promediable ni por inasis-
tencia ni por aplazo.
Para obtener la REGULARIDAD la/el estudiante deberá aprobar el 75% de las instancias eva-
luativas con calificaciones iguales o mayores a 4 (cuatro). Pudiendo recuperar al menos una
instancia evaluativa para acceder a la regularidad. El 25% restante no es promediable ni por in-
asistencia ni por aplazo.
EXÁMEN LIBRE: la/el estudiante deberá presentar: a. Instalación de producción (Materializa-

ción), la misma debe dar cuenta de las ideas proyectuales de la presentación del futuro Trabajo
Final. b. Texto (Reflexión crítica) que conste de una estructura o índice de lo que se propone
desarrollar como escrito de su Trabajo Final y al menos una de sus partes desarrollada. El texto
deberá entrgarse con una semana de anticipación via mail a:
lucasdipascuale@gmail.com y c.senmartin@gmail.com
RÉGIMEN DE ALUMNOS TRABAJADORES O CON FAMILIARES A CARGO

Se contempla lo siguiente:
Justificación de las llegadas tarde a clase y/o exámenes;
Habilita la posibilidad de reprogramación de al menos el 50% de las evaluaciones;
Prevé otra instancia de evaluación que no puede ser considerada recuperatorio;
Justificación de hasta el 40% de las inasistencias;
Solicitar extensión de la condición (regularidad o promoción);
Pueden presentarse de manera individual los trabajos grupales.
9) Requisitos y disposiciones sobre seguridad e higiene
deberán respetar las normas de seguridad e higiene. No se pueden utilizar los espacios: esca-
leras, ascensor, techos, escaleras de emergencia, como así también obstruir puertas (oficinas,
emergencias, ingreso, etc). Los espacios de tránsito de uso común deberán contar con las indi-
caciones pertinente si interrumpen el paso.
montaje (cintas, tanzas, etc). Si se utilizan muebles de la Facultad deben ser devueltos de donde
han sido retirados.
IF-2022-00336495-UNC-DDG#FA
página 6 de 7
10) Cronograma tentativo
!
!"#$%! &#'()(*%*!"!+",#-(.#(/0! 123(,(/0!
#$%&'! ()! +(043(#%56-7.%8595:55 69!
! :;! !"#"$%&'%(#)*"+! !
;-","0'%#(/0!14'"*-%!"!*+!,'-./0/12+-!3%14'.!(!,1$/%05+./%+!
67+8$-/'!<;5=,#-('7-%59!
6<%08! (! 18>0(#%!95 6! !
=+,/1%$!7+!?%@('%-5"85)%#>25:5%#7"-*2!7+!>1-,0'-$50+-/'!
! )! ?1+./$!+-!,'5@-!3%.%5#20#".'7%85:5AB"@%0%! ! 9!
A.,%0/1%$!(!C","D%5<!!7+!90<80'/+,$!
! (;! 18>0(#%5E5 6! !
! ::! &048(,(,5*"5.-2*7##(/05B#$/+%0$80&$,0C-D! ! 9!
! :E! 18>0(#%5F5 6! !
#$2'! L! A.,%0/1%$!(!"!F+.+G$!HI! ! 9!
J'-.03-$!H?!A.,%0/1%$!:K51%-'%!
! (M! +(043(#%56-7.%85E5! 6! !
,"++(-$.($/(%)*-"$0$12)"$3(4"))&!
! :N! 18>0(#%5G!! 6! !
O1-0'! M! &048(,(,5*"5.-2*7##(/05B#$/+%0$80&$,0C-D! ! 9!
! (P! 18>0(#%5H"!J'-.03-$! 6! !
! (N! H?!A.,%0/1%$!MK5=,'-7#'7-%5*"5<!5I5*",%--28825*"51%.>'7825:5 ! 9!
=)%87%#(/0!
! :Q! +(043(#%56-7.%85F5:5=)%87%#(/05;&C1A&J5 69!
O180'! (! ?%+.+-/$,0C-!7+!4%'<8+5R/0,$.!S1+!0-7$3$!+-!.1!4%'71,,0C-!
!
! :E! +(043(#%56-7.%85G5:55 69!
!&.(+".&$5$6"#"$%&+(%)27&!
T%14'.!:!,1$/%05+./%+!"!C"#7."-%'2-(25;&C1A&J!
63'./'! ;! 18>0(#%5K! 6! !
! (:! &048(,(,5*"5.-2*7##(/05B#$/+%0$80&$,0C-D! ! 9!
! (E! 18>0(#%5L! 6! !
! :L! &048(,(,5*"5.-2*7##(/05B#$/+%0$80&$,0C-D! ! 9!
*+4/0+5<%+! :! +(043(#%56-7.%85H5 69!
!"'282(9)&$
! E! 18>0(#%5M5 6! !
! (L! J'-.03-$!?%+.+-/$,0C-!I0-$8! ! 9!
&048(,(,5*"5.-2*7##(/05BA.,%0/1%$!M!"!A./%1,/1%$UVD!
! MP! +(043(#%56-7.%85K! 69!
:292)"$
W,/1<%+! N! J'-.18/$.!4%+X0$.!$!8$!?%+.+-/$,0C-!I0-$8! 69!
! (Q! ?%+.+-/$,0C-!I0-$8! ! !
! :(! ?%+.+-/$,0C-!I0-$8! ! !
! :)! ?%+.+-/$,0C-!I0-$8! ! !
Y'X0+5<%+! Q! F+,14+%$/'%0'!?%+.+-/$,0C-!I0-$8! ! !
! ((! AX$81$,0C-!7+!8$!5$/+%0$! 69!
I0%5$!7+!80<%+/$.!
6K!T%14'.!(Z!:Z!M!2!Q!"!9K!T%14'.!;Z!LZ!N!2!)! IF-2022-00336495-UNC-DDG#FA
página 7 de 7

Informe Gráfico
CORDOBA, CORDOBA
Referencia: 2038 - Seminario de Trabajo Final

Date: 2022.05.10 08:09:14 -03'00'
Valentina Caro
Administrativo

Date: 2022.05.10 08:09:20 -03'00'

Programas Artes Visuales 2020 Compressed

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

Programas Artes Visuales 2020 Compressed

Cargado por

Información del documento

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Programas Artes Visuales 2020 Compressed

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

RHCD 48-2022 - Programas 2020 Artes Visuales 3

2000 - Curso de Nivelación del ciclo lectivo 2021 6

Resolución H. Consejo Directivo

Referencia: EX-2021-00739496- -UNC-ME#FA

EL HONORABLE CONSEJO DIRECTIVO DE LA FACULTAD DE ARTES

2001 - Introducción a la Historia de las Artes,

2007 - Historia del Arte Latinoamericano,

2009 - Dibujo II,

2010 - Escultura II,

2011 - Taller de Investigación en Artes,

2012 - Elementos para una Teoría del Arte

2013 - Sistemas de Representación,

2014 - Pintura II,

2015 - Grabado II,

2016 - Problemática General del Arte,

2017 - Plástica Experimental

2018 - Antropología del Arte,

2019 - Dibujo III, 2020 Historia del Arte I,

2021 - Procesos de Producción y Análisis I c) Pintura,

2022 - Procesos de Producción y Análisis I b) Grabado,

2023 - Procesos de Producción y Análisis I (a) Escultura,

2027 - Historia del Arte II,

2028 - Dibujo IV,

2029 - Historia del Arte III

2030 - Procesos de Producción y Análisis II c) Pintura,

2031 - Procesos de Producción y Análisis II b) Grabado,

2032 - Procesos de Producción y Análisis II a) Escultura,

2033 - Procesos de Producción y Análisis II d) Medios Múltiples,

2036 - Gestión y Posproducción Artística,

2000 - Curso de Nivelación del ciclo lectivo 2021

DADA EN REUNIÓN REMOTA DEL HONORABLE CONSEJO DIRECTIVO DE LA FACULTAD DE

Digitally signed by GDE UNC

Departamento Académico: ARTES VISUALES

Lic. en Artes Visuales orientaciones: a) Escultura, b) Grabado, c) Pintura, d) Medios Múltiples)

Asignatura: CURSO DE NIVELACIÓN

1. Fundamentación / Enfoques / Presentacion:

1. Ambientar en la vida académica aportando herramientas que faciliten la inserción en la carrera de

3- Contenidos / Núcleos temáticos / Módulos

a. Comprender básicamente las etapas del proceso de percepción visual.

● Ojo y sistema visual. Transformaciones ópticas. Transformaciones químicas.

● La percepción visual como procesos fisiológicos condicionados y construidos a través de la

a. Comprender cómo funcionan algunas convenciones básicas de la representación, abordando una

b. Introducir en la noción de proceso que incluye la experimentación, la sensibilización, la imaginación

c. Experimentar con algunos procedimientos gráficos básicos para la construcción de la imagen.

- HOCKNEY, DAVID, Así lo veo yo, Ediciones Siruela, Madrid, 1993.

a. Reflexionar sobre el carácter cultural de la producción, circulación e interpretación de las imágenes.

b. Comprender las transformaciones de las obras de arte a partir de la posibilidad de su

5. Estructura del curso:

Vida universitaria: consiste en la realización de una serie de actividades relativas a la historia y

Clase 1 Clase 2 Clase 3 Clase 4

Clase 2 Clase 3 Clase 4 *Sin clase* Clase 5

10. Requisitos de aprobación para promocionar, regularizar o rendir como libres:

El Curso de Nivelación se regula por el régimen de alumnos.

Examen para alumnes libres

Mgter. Carolina Senmartin

Hoja Adicional de Firmas

Referencia: 2000 - Curso de Nivelación del ciclo lectivo 2021

El documento fue importado por el sistema GEDO con un total de 8 pagina/s.

Digitally signed by GDE UNC

Digitally signed by GDE UNC

Clase 2 Clase 3 Clase 4 Sin clase Clase 5