RENACIMIENTO

Siglo XV y XVI

Contexto:

- 1440 la imprenta de Gutenberg en Mangucia (actualmente Alemania)

Aldo Manucio (Venecia 1499), burges imprentero que imprime todos los libros que
consideraba que una persona culta debería conocer, como lectura del mundo clásico
antiguo.

- 1453 Caída de Constantinopla (poderío turco otomano). Se quiebra la tradición cultural

de Bizancio y gran parte de los intelectuales migran hacia

Europa, principalmente a las ciudades italianas.

- 1492 descubrimiento de América lo que posiciona a España como una de las potencias
europeas.

Se genera una relectura de la cultura griega y romana, por eso "Renacimiento" ya que
renace el mundo clásico antiguo. Esto genera un rompimiento de las ideas y conceptos
medievales. Ahora el centro ya no es Dios sino el ser humano, es un periodo
antropocentrista. La iglesia de todas formas no deja de ser una institución poderosa y de
atesorar la cultura.

Fortalecimiento de los grandes burgueses que serán fundamentales para el desarrollo del
periodo. Florencia como ciudad representativa.

Arte

El Renacimiento en el arte surge a partir de un concurso que se da en Florencia para

realizar las puertas de bronce en el Baptisterio de Florencia. El proyecto que gana es el
de Lorenzo Ghiberti. Aquí empiezan a surgir indicadores de ESPACIO y la figura humana
toma notoriedad.

ARTISTA: en este periodo se da el inicio de la historia del arte y del artista, concepto que
antiguamente no existía. Luchan por separarse del gremio de los artesanos, se busca
volver a lo individual.

A medida que crecía el interés del hombre por el mundo que lo rodeaba, se empieza a
observar en la pintura una tendencia a un realismo hasta entonces inusitado. Esto se
documenta por primera vez en las obras de Giotto di Bondone. Este artista también
sustituyó el tradicional fondo de oro por un paisaje y en sus obras ya no se esteriotipan
más figuras según un modelo tradicional, sino que se representan como seres con rasgos
personales que tienen sentimientos y sufren.

Otro de los pintores preocupados por captar el realismo en sus obras fue Ambrogio
Lorenzetti. Tiene un estilo lineal y gráfico aunque se cree que conocía las reglas
fundamentales de Giotto sobre la representación del espacio. Pero la epidemia de peste
en 1348 se llevó consigo todo el conocimiento de la perspectiva, que en aquel entonces
solo se transmitía de forma oral. Cien años después fue redescubierta por Masaccio y fue
investigada matemática y científicamente por los artistas a lo largo de todo el siglo XV. En
1550 Giorgio Vasari escribió la biografía de los artistas italianos más conocidos y de esta
forma redacto la primera historia del arte de la humanidad.

Características principales (quattrocento):

- Florencia como centro cultural

- Los burgueses y la iglesia como patrocinadores del arte, grandes mecenas. Lorenzo de
Medici gran burgués mecena

- representaciones fieles de la realidad

- Perspectiva y punto de horizonte

- Recursos como la mirada para lograr que el espectador también sea parte de la obra

- Arte como unión del mundo divino y el terrenal

- Captar la dimensión sentimental y psicológica de la situación representada

- El retrato como representación del ideal antropocentrista. El punto de vista preferido era
el de perfil, ya que se creía que era la parte que menos se podía embellecer y variar, por
lo que la pintura lograría ser lo más veraz posible.

- La fuerza motriz era la convicción de que la creación divina se basaba en una geometría
perfecta

- Surge por primera vez el efecto de una luz natural y diuma con Piero della Francesca,
con su técnica de la veladura.

Características (cinquecento)

- Roma como centro cultural de Italia (primera mitad del siglo XVI)

- Se concedió mucho más valor a la capacidad de invención que a la de la pura

representación de la realidad.

- El arte ahora debía poetizar las bellezas de la naturaleza y recrearlas artísticamente

- Destacan cuatro artistas: Da Vinci, Miguel Angel, Rafael y Tiziano. Miguel angel y Rafael
se relacionan con Roma, mientras que Tiziano con Venecia.

ARQUITECTURA

Estos nuevos arquitectos ansiaban desarrollar una nueva arquitectura, basada ya no en

las tradiciones de la iglesia, sino que expresase la claridad matemática y la racionalidad
que percibían en el orden divino del universo. Está arquitectura ya no precisaría apuntar y
elevarse al cielo, sino que (al igual q la arquitectura romana) estaría pegada a la tierra y,
como tal, pondría el acento en la línea HORIZONTAL

Características

Lo que va a señalar a las construcciones como creaciones del renacimiento es la

audacia de su tamaño, su construcción a escala romana

Tratado de Vitruvio: gran influencia para los arquitectos del renacimiento. Las formas
idealmente proporcionadas descritas por el autor derivan de las formas geometricas puras
tratadas por platón, formas engendradas por lines rectas y círculos. El círculo y el
cuadrado no solo les sirvieron como formas ideales para las plantas de las iglesias, sino
que también utilizaron la forma circular para proyectar planes urbanísticos.

Las construcciones van a estar basadas en la perfección matemática

Plantas en forma de cruz latina y de cruz griega +

Se retoma lo grito ya que se saca la mirada puesta en la altura y se baja la vista al
hombre. Se vuelve a tomar la base primaria sin que la iglesia intervenga en su
interpretación

Ideal de belleza

El hombre como el antónimo de la mujer en todo sentido: hombre fuerte, tajante,

trabajador. Mujer buena, sensible, del hogar. Hay tres tipos de belleza según la moralidad
del momento

Sediciosa (prostituta, indigna, que incita al pecado), remilgada(mujer seductora pero no

del todo indigna) y la belleza religiosa, que viene a ser la mujer ideal. "Bella tanto en el
exterior como en el interior", humilde, modesta, sencilla, santa, casta, prudente.

La mujer pasa a tener un foco más relevante pero únicamente por ser bella, como un
objeto.

El ideal de mujer era "en el punto justo" ni muy gorda, ni muy flaca. Se admiraba la
extrema blancura, la frente grande(indicaba inteligencia) y principalmente la mirada
estaba puesta en el rostro y el torso, restándole importancia a la parte baja del cuerpo,
como si fuera una especie de sostén de lo de arriba que verdaderamente importa. Se
relacionaba a la mujer con colores fríos. Las mujeres comenzaron a utilizar distintos
métodos nocivos para aclarar su piel.

Siglo XVI, momento de incertidumbre

Críticas al papado romano por la venta de indulgencias

La reforma de la iglesia encabezada por Martin Lutero, la iglesia protestante

El saqueo a Roma en 1527

Se reestablece la inquisición en 1542

Siglo de censura

Fundación de las primeras academias de arte

La reacción de la iglesia en el concilio de Trento

El manierismo: Se rompe con el canon clásico en el arte, se generan obras más
complejas y criptica

INDUMENTARIA

La industria textil se convirtió en la más importante de este periodo, tanto por su volumen como
por la variedad de productos. Surgieron muchos cambios tecnológicos, entre ellos los realizados
por Leonardo da Vinci como máquinas perchadoras y orilladoras, torceduras de huso y otros
proyectos para automatizar telares

La capacidad industrial de una ciudad estaba emparentada con el orgullo de sus habitantes sobre
la vestimenta de fabricación propia. De todos modos los textiles orientales seguían siendo muy
atractivos para los europeos, pero su uso estaba dirigido a prendas muy lujosas utilizadas en
ceremonias monarquicas.

Surge el primer manual de sastrería en Madrid en 1580, escrito por Juan de Acelga, obra en el cual
se aplica la geometría a la sastrería.

Debido al pensamiento humanista característico de la época, el traje dejr de tener un carácter

universal, uniforme e impersonal y pasará a ser particular, personal y nacional.

En un contexto de mayor movilidad social producto del desarrollo del capitalismo, la indumentaria
y los accesorios se convirtieron en el vehículo perfecto para expresar que rol ocupaba cada quien
en la sociedad.

SIGLO XV

Indumentaria masculina

Jubon: a diferencia del jubon medieval, este era corto, sin botones en la parte delantera y muchas
veces con unos grandes pliegues en el pecho y en los hombros. Podía ser recto o ceñido en la
cintura con un cinturón o como parte de la misma moldería, transformándose en un jubon con
faldón. También solía tener grandes cortes longitudinales que permiten ver la camisa de abajo
llamados CUCHILLADAS.

Calzas: provienen del periodo anterior y no sufren modificaciones en esta época.

Indumentaria de largo: las personas de cierta edad le siguen siendo fieles y también los soberanos.

Capas y mantos cortos: las capas constituyeron uno de los elementos de mayor lujo y eran textiles
muy elaborados. Podían poseer diferentes tipos decortes longitudinales para permitir mayor
movimiento de los brazos
Giornea: prenda de tercera piel cuya característica principal era no poseer costuras laterales. Se
llevaba sobre el jubon, solía tener pliegues y podía utilizarse con un cinturón

Hopalanda: conservaba la apariencia del alta edad media, siendo una prenda de abrigo de mangas
anchas.

Tocados y sombreros: el más distintivo de Italia, sobre todo en Florencia, fue el Cappuccino. un
gran tocado en forma de turbante que podía tener una estructura en forma de aro como soporte.
Para la segunda mitad del siglo y principios del XVI estaba de moda el cabello de un largo
intermedio, justo arriba de los hombros, acompañado de un pequeño sombrero alto sin ala

INDUMENTARIA FEMENINA

Camisa: esta prenda sigue teniendo la función de ropa interior. Suele ser blanca y de lino

Vestido o saya: pueden abarcar distintas prendas con diferentes características dependiendo la
ubicación. Son prendas de segunda piel que se llevan sobre la camisa, se destaca el talle alto
debajo del busto. Los escotes podían ser redondos o en punta y las mangas podían estar
confeccionadas de un textil diferente al cuerpo del vestido.

Gamurra: tipo de vestido muy característico en Italia. Era una prenda larga que se utilizaban sobre
la camisa, solía tener un cordón en la zona del busto que permitía ajustar o desajustar. En
ocasiones tmb contaba con volumen en el vientre

Giornea: similar a la masculina, aunque más larga para las mujeres. Prenda de tercera piel que
además de proporcionar abrigo solía estar confeccionadas en tejidos lujosos. Tenían aberturas a
los costados que permitían ver la gamurra o la saya que estaba por debajo

Mangas desmontables: se transformó en un accesorio intercambiable entre prendas. se sujetaba

con cintas al corpiño del vestido y permitía ver la camisa de abajo

TOCADOS Y PEINADOS

Tocados: encontramos dos tocados principales que perduran del periodo gótico. El balzo, que se
constituía formando una esfera en la parte superior de la nuca y envolviéndolo con una cinta a
veces alcanzando grandes dimensiones, y el velo pero que era un textil muy fino de lino o seda
sujetado a la cabeza.

Peinados: alcanzaron en esta época un alto nivel de elaboración y se enriquecían con largas hileras
de perlas y joyas sujetas con cintas, cogías y tiras de tejido, además de combinarse con distintos
tipos de vinchas, lazos, trenzas. Es habitual combinar en el mismo peinado el pelo lacio con
distintos tipos de ondas o bucles. También era frecuente rasurar la parte superior de la frente o el
uso de perlas como símbolo de castidad

SIGLO XVI

Indumentaria Masculina

Jubon: fue la prenda estelar de este periodo. A diferencia del siglo anterior, era una chaqueta
entallada, ya no una camisa. Podía estar confeccionada de diferentes textiles según el estrato
social. Las mangas se ensancharon y presentaron cuchilladas. También la prenda dejaba ver el
braguetero.

Se cerraba adelante mediante botones y las mangas siempre estaban cocidas al cuerpo. Podía
tener tablones decorativos en los hombros o cinturas y se decoraban con todo tipo de talles,
desde bordados a joyas. Podía acolcharse para dar un efecto más voluminoso con harapos de
algodón, crin de caballo o borra. Para 1570 este relleno pasa a llamarse peascod belly. En España
podía llevar una media luna rellena en los hombros, exagerando el ancho.

Calzas/calzones: los miembros inferiores eran cubiertos por las calzas y las medias, que iban
cocidas juntas. Las calzas se sujetaban al jubon de la misma manera que un ojal y un cordón, que
eran de lino o seda con un herrete en cada punta.

A mitad del siglo XVI se pusieron de moda los calzones abombados reemplazando a los ajustados.
Se usaban hasta mitad del muslo y se los denominó "greguescos" de origen español.

En 1570 comenzaron a utilizarse los calzones venecianos que llegaban luego de la rodilla y otros
más anchos llamados galligaskins.

Gown: prenda exterior de grandes mangas. Se sujetaba holgadamente sobre los hombros, de
manera que caía suelta y con pliegues hasta abajo. Solia estar decorada o bordeada con piel de
armiño

Capa: prenda corta e indispensable, a veces colgada de un solo hombro. Podían utilizarse hasta
tres capas (mañana, tarde, noche). En España hubo alternativas de capas conocidas como ropón o
ferrelluelo

Jerkin/coleto: sobre el jubon se llevaba un jerkin, que podía ser de doble tela o de cuero. Podía ir
cerrado por delante con cintas o botones y en general no tenía mangas. Se usó hasta el siglo XVII,
dejo de estar a la moda a fines del XVI. Podían estar decoradas o "picadas" con patrones o
pequeñas figuras.

Camisa: primera prenda, considerada ropa interior. Se realizaban en lino y tenían una cinta
alrededor del cuello que permitía fruncirlo . Muchas veces se dejaba ver tanto en el escote del
jubon o atraves de las cuchilladas.

ACCESORIOS

Sombreros: se utilizaban tanto en el interior como el exterior del hogar y en general tenían forma
de bonetes bajos. Durante el periodo isabelino utilizaban el sombrero ladeado o hacía la nuca.

Los aristócratas usaban en general una gorra baja de terciopelo oscuro. Las clases más bajas
utilizaban gorros similares pero hechos de piel o lana.

Solían decorarse con encajes, hilos de oro o plata y con insignias, herretes y plumas. Más adelante
se empezó a usar otro tipo de sombrero con la copa más alta.

En España el uso de decoraciones era menor en consonancia con el puratismo cristiano. Solía
usarse solamente una pluma al lado izquierdo del sombrero de terciopelo negro.
Braguetero: A través del jubon se dejaba ver el braguetero o codpiece, que paso de ser una pieza
triangular de tela a ser una bolsa acolchada que exageraba el tamaño de los genitales. Podía estar
decorada y ser utilizada como monedero. A fin del siglo había reducido su tamaño hasta
desaparecer.Tenía la finalidad de realzar la virilidad del varón que lo portaba, y llegó a su máximo
de decoración durante el reinado de Enrique VII. Era de tejidos livianos rellenados con paja o crin
de caballo, o directamente moldeados en cuero.

Guantes: en España se pusieron de moda los guantes de piel que apartir de 1580 comenzaron a
producirse en Inglaterra también y solían adornarse con hilos de oro y ribeteados en piel

Medias: tomaron nueva importancia, ya que hasta 1590 se cortaban al bies pero luego
comenzaron a ser tejidas. Se utilizaban colores brillantes y saturados y se adornaban y se
sostenían con una cinta.

Zapatos: tenían forma cuadrada en la punta, denominados "pico de pato". Podían ser de cuero,
seda, terciopelo o un tejido más sencillo y con suela de cuero o corcho. En España podían ser un
poco más redondeados y a finales de siglo, comenzaban a tener taco.

También se utilizaban botas en situaciones cotidianas que si bien ya eran utilizadas para cabalgar
encontraron una nueva funcionalidad. Eran de caña alta que llegaba hasta los muslos y se plegaba
la parte superior.

Gorguera: comenzó como un simple volado en las décadas de los 30 y 40, pero se transformó
radicalmente en 1564 con un nuevo método de almidonado. En Inglaterra, la variedad de
gorgueras era mayor a la de otros países y también solían tener más capas con diferentes tipos de
pliegues.

Durante el periodo isabelino, el tamaño llegó a tal punto que la reina dictó una ley suntuaria al
respecto

INDUMENTARIA FEMENINA

Camisa: ropa interior, mayormente realizada en lino y eran la primera capa de indumentaria que
cualquier persona utilizaba sin importar la clase social. Estás camisas estaban muchas veces
decoradas con bordados.

Ajuste corporal: para lograr la estrechez de la cintura se creo una pieza específica que se colocaba
debajo del corpiño. En un principio era llamada "para of bodys". Está primera aproximación al
corset tenía una forma bastante simple y estaba hecha con dos piezas de lino (a veces endurecida
mediante una pasta) cosida y siguiendo la forma de la cintura a los lados. Para mantener la parte
delantera rígida se utilizaban una pieza denominada "busk" que podía ser de madera, cuerno,
ballena, metal o marfil. Está pieza solía ser más ancha en la parte superior e iba decorada. Se
colocaba entre las piezas del corset y se acomoda atándolo. En la segunda mitad del siglo se
rigidizo aún más gracias al uso de barbas de ballenas a sus costados y por detrás.

Cota/Kirtle: una falda cosida a un "cuerpo" similar a una enagua o vestido. Esta prenda le daba
rigidez al conjunto femenino gracias a las capas utilizadas. La primera capa luego de la camisa
interior era cota que en un principio era un vestido largo de una sola pieza, pero a partir de 1545
se convierte en dos piezas separadas: el "corset" y la enagua principal. Esta enagua estaba
fruncida y sujeta al verdugado y estaba realizada en diversos textiles según el estrato social de la
mujer que la portaba (Seda, terciopelo, tafeta). Podía estar decorada con encajes o flecos.

En España se la llamaba basquiña, a veces también iba estirada sobre aros y era de color negro.

Vestido: durante las primeras décadas del siglo XVI las mangas eran amplias y tenían forma de
embudo, ribeteadas con piel y dadas vuelta sobre el codo para dejar ver la parte interior. También
podían ser intercambiadas y estar sumamente decoradas, sobre todo si la portadora pertenecía a
las clases más altas. Algunos adornos más comunes eran los bordados y las cuchilladas.

La falda del vestido caía desde la cintura como una pieza entera hasta 1530, momento en el que se
abrió en dos dejando ver la cota. El escote era cuadrado y la espalda tenía forma de V que podía
ser o no profunda. Este estilo ajustado estuvo de moda hasta mediados de siglo

Para la segunda mitad del siglo XVI las mangas de habían vuelto ajustadas con un borde de encaje
o volados en los puños y también comenzó a utilizarse un nuevo tipo de abrigo superior con
mangas cortas y ajuste en la cintura. Para fin de siglo XVI las mangas se habían abultado
nuevamente pero dando una forma de " pernil" y a veces estaban acompañadas por mangas
colgantes. Mientras que el volumen de la falda había pasado de ser cónico a tener forma de
tambor.

Los vestidos solían decorarse con diferentes joyas, sobre todo con perlas

Verdugado: Inicialmente era una falda ricamente decorada de origen español. Proviene de la
palabra verdugo que hace referencia a un árbol recién podado. Son estos tallos flexibles los que
eran utilizados para lograr la forma de cono característica.

Los aros iban colocados de forma horizontal a intervalos, desde la cintura hasta el dobladillo,
dándole estructura a toda la falda. Posteriormente el verdugado se convertía en una enagua
ubicándose debajo de la falda. Esta transformación hizo que los materiales de confección cambien
a textiles duros suficientemente rígidos como para mantener la forma de cono. En reemplazo de
los verdugos podían utilizarse gruesas cuerdas, junco, hilados gruesos de lana y para 1580 los
huesos de ballena ya estaban en uso.

La forma cónica del verdugado cayó en desuso a fines del siglo XVI y fue reemplazado por el
verdugado en forma de tambor. Esta enagua dotaba al vestido de una forma tubular desde la
cintura hasta los pies. A veces se utilizaban sobre una rueda rellena (bum roll) para darle más
estabilidad. Este método de ahuecamiento era una tela almohadilla de forma semi tubular que se
una en la parte delantera con cintas. Las clases más bajas utilizaban este mismo método.

ACCESORIOS

Tocados: se destacaron sobre todo el tocado inglés, que era en punta y con laterales rectos a los
costados de la cabeza y el tocado francés, curvo y envolvente. Ambos contaban con una parte de
lino que protegía y cubría el cabello y una parte de armazón hecho de alambre que enmarcaba el
rostro. Se forraba y decoraba con diferentes joyas.
Otro muy famoso era el lettice cap, muy similar al tocado ingles pero menos rígido ya que estaba
confeccionado en piel de comadreja.

Las mujeres comenzaron a usar sombreros en este periodo, al principio para montar a caballo o
viajar pero luego cuando el peinado se complejizo se dejaron de lado las cofias para usar
sombreros hacia el fin del siglo XVI

Gorguera: igual que la masculina, aunque hacía finales de siglo era sostenida alrededor del cuello
por un armazón de alambre llamado rebato. Durante el periodo isabelino la gorguera femenina se
diferenció de la masculina abriéndose para dejar ver el escote y se elevó un poco en la parte de
atrás de la cabeza.

Medias: utilizaban medias cortadas al bies hasta la utilización del tejido de punto. Las medias de
seda tejidas fueron introducidas a Isabel I en 1560.

Zapatos: Originarias de España veremos en toda Europa el uso de los chapines. Tipo de calzado
muy alto, muy decorados que podían estar fabricados de corcho o madera. La calidad y cantidad
de adornos y decoraciones era un indicio de estatus.

Otro tipo de zapato era el pump, era un zapato sin cordon parecidos a unos mocasines o pantuflas.