HISTORIA DE LAS ARTES VISUALES III

CORRECCIÓN TRABAJO PRÁCTICO N°2 Renovación de temas, géneros, cambios en la

representación del espacio y variantes en la figuración.

ALUMNAS: Araneda Josefina - Castillo Azul - Cotignola Micaela.

Parte 1: Periodización

1 ¿Qué es la historia? ¿Qué relación tiene con la modernidad?

La historia es una ciencia consolidada en el marco de la modernidad del siglo XIX Se
particulariza por el implemento del método científico, análisis de documentos y testimonios,
para la construcción y articulación de un relato que se convierte en objeto de estudio, como
también, en una herramienta legitimadora de distintos actores y procesos. Podemos decir
que la historia en tanto relato, es una construcción discursiva y simbólica que se sustenta en
hechos, documentos y pruebas materiales, y que, al mismo tiempo, su fin es dar sentido al
presente y proyectarse hacia el futuro partiendo del pasado.
Las autoras establecen que el periodo comprendido desde 1780 hasta 1950 abarca la
segunda fase de la modernidad, articulada por una sucesión de revoluciones que se dan en
torno a una Europa Moderna que desde el siglo XV se coloca como centro de la historia
mundial, constituyendo a todas las otras culturas como periferias. Se mencionan entre ellas,
la revolución industrial del siglo XVIII y la ilustración, las revoluciones francesas de los siglo
XVIII y XIX, el surgimiento del Imperialismo en torno a 1870 y las revoluciones
independentistas cuyo actor principal son los países latinoamericanos, marcadas por el
despertar de una conciencia y autonomía política. Bajo ese marco, resulta crítica la
experiencia de la modernidad y su influencia en la formación del sistema de las artes en
América Latina y en el Río de La Plata.
La modernidad inaugura a la historia como disciplina, como objeto de saber, es una época
en la cual se consolidan campos científicos y, como anteriormente se mencionó, está
marcada por revoluciones europeas esto hace que haya una mirada eurocentrista en la
historia, que la unifica como relato universal sin tener en cuenta los procesos por el cual
atraviesan otras regiones del mundo, que se vuelven periferia y no pueden hacer coincidir
sus procesos locales con estas fechas europeas.

2. ¿Cuál es el papel de las artes visuales en el nacimiento de los estados nacionales?

El papel de las artes visuales en el nacimiento de los estados nacionales del siglo XIX, es
un papel fundamental ya que las identidades nacionales se consolidan a través del uso
público de las imágenes, base de la historia escolarizada, que expresan poéticas y
políticamente su posición en el campo universal, en un proceso que en el siglo XIX tiene
como base a Europa en su historia y arte.
Se cita a Ballesteros, ya que la autora establece, que el afianzamiento del estado nación en
relación a la actividad artística se configura como un registro de eventos, personajes
históricos, como a su vez, propugnan determinadas interpretaciones que dan los
fundamentos de las historias nacionales y las selecciones de las poéticas sociales que
ocupan lugar en el anteriormente mencionado, campo universal. El estado nación está
marcado por el concepto de cultura, desde la perspectiva de Rufer, como una herramienta
de homogeneización social, patriarcal, y ordenadora del material simbólico en el campo
artístico que replica y depende de los modelos y centros de legitimación europeos. De la
mano de la historia y del arte es fundamental recuperar lo local mediante nuestras
memorias activas, reterritorializando el espacio y recuperando la diversidad. Para ello el
reconocimiento de la continuidad colonial, contribuye a la desarticulación del pensamiento
racionalista europeo. Esto es la recuperación crítica del ideario de historia y arte desde un
enfoque decolonial que incorpora producciones y referentes invisibilizados. Quijano
denomina Colonialidad del poder a la colonización del imaginario de los dominados que
reprime los modos de producir conocimientos, sistema de imágenes, símbolos y formas de
significación. Para salirse de la lógica, es necesario cuestionar y desnaturalizar aquellas
nociones de tiempo y espacios homogéneos eurocéntricos heredados.

3. ¿Cuáles son las continuidades coloniales que persisten en nuestro imaginario nacional?
Hay que realizar un enfoque que permita revisar críticamente las persistencias coloniales,
sin caer en el maniqueísmo de considerarlas ajenas a la propia identidad. Hay que
reconocer la continuidad colonial y no negarla para desarticular esta persistencia colonial,
con el fin de construir desde la resistencia y autoafirmación un saber-pensar propio que no
sea un anexo del pensamiento racionalista europeo. Con el objetivo de recuperar una visión
crítica de la idea de historia y de arte desde un enfoque descolonial, y con una visión
interseccional que incorpore las producciones y referentes invisibilizados, para esto es
necesario cuestionar las nociones de tiempo y espacio homogéneos heredados de la visión
eurocéntrica.
Las autoras citan a Mario Rufer, explican que el estado nación está marcado por el
concepto de la cultura como herramienta de homogeneización social, la naturalización del
racismo estructural, la heteronormatividad de género, el modelo patriarcal de organización
social y el liberalismo simbólicamente el campo artístico y la enseñanza de las artes
mediante un episteme obediente y dependiente de los modelos y centros de legitimación
europeos, es fundamental construir una historia que recupere lo local y que derive en
memoria activa, reterritorializando el espacio y recuperando el valor de la diversidad, de
esta forma el territorio abandona las dicotomías entre centro y periferia y se vuelve diverso,
político y comunitario.

4. ¿Cuáles son las influencias de la modernidad en el sistema de las artes?

En el nuevo marco del arte moderno se establece una oposición al arte académico. La
construcción de un sistema de representación en el campo de las artes, se encontraba
atravesado por el contexto social, político y económico a nivel mundial, producto de la
revolución industrial (S.XVIII) y la revolución francesa (S. XVII Y XIX) lo cual, se veía
reflejado en las pinturas de ese entonces. Es a fines del siglo XVIII donde se genera
polémica entre lo antiguo y lo moderno, donde el contexto global de la revolución industrial,
generó una progresiva modernización en la historia del mundo. Para Vasari, la aparición del
arte moderno, busca romper con la representación sistemática y tradicional, para pasar a
ser una nueva era del arte, con una nueva visión del mundo, rompiendo con la idea de
belleza y la imitación.
 5. ¿Qué elementos promueven una lectura crítica de la historia y de las relaciones entre
arte e identidad nacional?
Es necesaria una lectura crítica de las relaciones entre arte e identidad nacional, para
conseguir exponer los alcances de las influencias eurocentristas e incorporar artistas hasta
ahora invisibilizados, no por incurrir en la incorporación pasiva de referentes y
subjetividades como un complemento de la historia del arte tradicional, sino para
profundizar en la construcción tradicional del arte, sin negar la colonialidad. En este sentido,
los fenómenos estéticos y poéticos, la diversidad de las manifestaciones y la sensibilidad
artística, son terreno crucial en la conformación de estas identidades y subjetividades, en
tanto ofrecen espacios privilegiados para la observación e intervención sobre el mundo
contemporáneo.

6. ¿Qué es la narrativa vasariana o premoderna?

Danto desarrolla que lo que conocemos como obra de arte, es aquella firmada por un autor
y realizada en el marco de un sistema de las artes autónomo de otros sistemas y procesos,
este sistema de las artes nace en el Renacimiento, la cual Vasari también hace referencia.
En el renacimiento nace un arte de autor, mimético y referencial, articulado a partir de la
perspectiva como sistema de representación del espacio, se busca crear una ilusión, la idea
de que un cuadro es una ventana al mundo, este arte naturalista se mantiene vigente hasta
fines del siglo XIX cuando la idea de mimesis se rompe y da lugar a nuevos procesos.
Lo que nace con Vasari es la era del arte, una forma de entender el arte y de que el arte
relate al mundo. Por lo que Danto indica que nace la narrativa premoderna porque, a pesar
de estar dentro de lo que la historia en general considera Edad Moderna, no hay
modernidad propiamente dicha en el arte hasta que se rompe con los principios de imitación
y de belleza.

7. ¿Qué importancia le confiere Danto al postimpresionismo?

La modernidad en el arte aparece con el postimpresionismo y con las vanguardias históricas
ubicadas en Europa entre 1907 y 1948; divulgan un arte autorreferencial; se desprenden
también de la materialidad de la obra. Se reformula la relación entre artista obra y público,
se rompe con la idea de mimesis y de un cuadro como una ventana al mundo, ya no
interesa emular lo que el ojo ve, sino que se permiten la expresión personal.

8.¿Cómo caracteriza Danto la narrativa moderna?

Esa nueva narrativa, según Danto se sostiene en la idea de un arte que no tiene
obligaciones respecto de otras esferas de la práctica cultural y que, de a poco, se
desprende también de la materialidad de la obra. En tanto las vanguardias históricas
reformulan la relación entre artista, obra y público; también se comienza a cuestionar la obra
como objeto lo que da lugar a obras asociadas a un proceso que a un producto u objeto.

9. Diferencie el arte premoderno del arte moderno.

En el arte premoderno hay un arte de autor, mimético, hacen uso de la perspectiva para
representar el espacio, se cree el cuadro como una ventana al mundo, utilizan el claroscuro
y el escorzo. A diferencia del arte moderno donde se cuestionan los métodos de
representación del pasado, ya que la representación queda como secundaria, ya no hay
una idea de mimesis, sino que se comienza a dar espacio a la expresión de los
sentimientos.
10. ¿Qué es la posthistoria?
Danto indica que la posthistoria comienza a fines del siglo XX, cuya forma ya no es la de un
relato único sino que está marcada por la convivencia de múltiples visiones, donde persisten
algunos de los lenguajes y proyectos de la vanguardia. En 1980 se desarrolla una
posvanguardia que reformula la propuestas del futurismo, dadaísmo y surrealismo,
procurando reescribir aspectos del pasado y presente cultural que construyen otras formas
de arte. Hacia 1990 se inicia lo que considera periodo del arte contemporáneo marcado por
la incidencia de un estilo cosmopolita, globalizado y despolitizado, propio de ferias y
bienales que intenta desconectar con la obra de su productor y su hacer local.

11. ¿Qué diferencias presentan las definiciones de modernidad de Danto, Casullo, Escobar
y Flores Ballesteros?
Danto, es un historiador norteamericano, para él la modernidad en el arte aparece con el
postimpresionismo y se desarrolla con las vanguardias históricas ubicadas en Europa, para
Danto no hay modernidad en el arte hasta que se rompe con los principios de imitación y de
belleza del renacimiento, creando un arte autorreferencial, un arte que no tiene obligaciones
respecto de otras esferas de la práctica cultural y que se desprende de la materialidad de la
obra.
Nicolas Casullo, filósofo argentino, plantea a la modernidad como una condición de la
historia que se comienza a dar de manera consciente en los pensadores europeos en el S.
XVII y XVIII; la modernización aparece en el campo de los avances sociales, industriales,
técnicos y económicos pero también como una necesidad de una nueva comprensión del
mundo, de lo real del sujeto y la naturaleza y de las formas de conocer la naturaleza y ese
sujeto. Para Casullo, la principal consecuencia de la modernización cultural acelerada de la
historia es que se extingue el mundo sagrado, se refuerzan teorías que proponen la muerte
de dios, ya que se une la religión e historia fundiéndose en una única narración de los
orígenes y sentidos utópicos.
Para Ticio Escobar, crítico paraguayo, la modernidad es un nudo central sobre el arte
occidental, la modernidad periférica es un debate sobre el arte latinoamericano desde sus
inicios, propone estos conceptos como uno de los puntos de partidas de las diferentes
lecturas sobre la historia del arte producido en América Latina, el va a desarrollar
específicamente el arte paraguayo, propone tres etapas, el arte colonial refleja las tensiones
entre la imposición de los lenguajes imperiales y la memoria de los procesos de etnocidio y
rencor. El arte moderno coincide con el desarrollo de la dictadura de Stroessner y
representa una respuesta a las condiciones políticas y sociales de esa época, por último el
arte desmodernizado coincide con el desencanto de la transición a la democracia concebida
en formato de mercado, la expansión de industrias culturales, experiencias de integración
regional y con escenarios de corrupción, violencia, y miseria.
Escobar indica que se produce en Paraguay un arte premoderno a mediados del sigo XIX y
mediados del S XX; cuenta con otro ritmo más lento que domina el periodo en el que
artistas de la capitales latinoamericanas entran en contacto y se apropian de los modelos y
lenguajes artísticos centrales correspondientes a las vanguardias europeas. Escobar busca
que el análisis del arte latinoamericano genere nuevas preguntas y reflexiones, incluso
sobre temas ya abordados anteriormente, resulta fundamental estudiar estos fenómenos
desde lo que él denomina una visión prismática, que permita abordar el arte latinoamericano
desde diferentes perspectivas, métodos, posturas pluridisciplinares y miradas
epistemológicas diversas.
Elsa Flores Ballesteros, docente e investigadora universitaria argentina, analiza las
relaciones entre lo nacional, lo local y lo regional en el arte latinoamericano en los procesos
de la modernidad, la globalización y la antiglobalización. La autora destaca cómo la
modernidad occidental ha influenciado la concepción y práctica del arte, tendiendo a hacer
coincidir lo estético con lo artístico y lo artístico con lo artístico culto, excluyendo otras
categorías. El enfoque moderno se debe a la elaboración del concepto de arte, sus relativas
y sucesivas transformaciones y a la acumulación y clasificación de las obras. Flores
Ballesteros también examina la formación del sistema de las artes cultas y del estado
nación durante la modernidad constituyendo una estructura transnacional; así como los
cambios que se producen en el arte en tiempos de globalización y antiglobalización.
La autora también indica que cada país latinoameriano tiene una prehistoria constituida por
dos etapas, la precolombina y la colonial, porque considera que su historia comienza con su
dependencia y su emergencia como estado nación políticamente autónomo, y esto mismo
sucede con el arte, los artistas de los primeros tiempos no salen de talleres coloniales sino
de academias europeas. Con respecto a la globalización propone dos interpretaciones:
considerando la preexistencia de naciones autónomas que se vinculan entre sí y
constituyen la sociedad global; se supone que hay un centro expansivo, y se distingue entre
centro y periferia, adentro y afuera con respecto a dicho centro. Por otro lado, se postula la
existencia de una mega sociedad, una sociedad global dotada de lógica y estructura propias
que detenta una cultura mundializada que se edifica sobre una desterritorialización.
Lo que propone la autora es una visión heterogénea y en constante construcción de lo
nacional, en relación con la diversidad cultural y pluralidad local, y con una incidencia
directa en la antiglobalización pensada desde una razón postcolonial.

Parte 2: Transformaciones temáticas

1.Según Nochlin, considerando los caminos que siguen los artistas del siglo XIX para ser de
su tiempo, elija dos obras de diferentes movimientos (romanticismo, realismo o
impresionismo) de igual género (alegorías, temas religiosos o históricos, naturaleza muerta,
paisaje, costumbrismo, desnudo, retrato), con el fin de observar las transformaciones
temáticas,discursivas, tecnológicas y formales que presentan.

Por un lado, nos encontramos frente a la obra “El Maizal” de John Constable pintada en
1826, perteneciente al romanticismo. La obra se caracteriza por un enfoque en la naturaleza
y la emoción humana, donde el artista captura la belleza de un campo de maíz. La
composición se presenta armoniosa y equilibradamente. El artista utiliza una paleta de
colores cálidos y terrosos, que reflejan la luz del sol u de la naturaleza. Nochlin establece
que para los románticos el ser de epoca implicaba un amplio espectro de valores
escasamente coherentes, como por ejemplo, la rebelión contra lo establecido, y está obra
es el ejemplo de ello. Constable, transmite la gran agitación política y social en Inglaterra.
Preocupado por la pérdida de la naturaleza y la belleza rural, nos retrata una naturaleza
subjetiva, donde no hay descripciones topográficas, sino más bien las emociones humanas
por medio de lo pintoresco. Con la obra “ Impresión, sol naciente” de Claude Monet
realizada en 1872, observamos cómo el ser de epoca que se mencionó anteriormente,
aparece en el análisis de los datos primitivos de los sentidos, de la naturaleza. Aquí importa
tanto el modo de representar como aquello que se representa, por ello, se interesaron de lo
particular al todo, es decir el fragmento. La temática gira en torno a la experiencia del
hombre burgués, a la actualidad urbana de aquella epoca. Aquí el artista existe por sus
sentimientos y no por el tema representar. Se centraron en la pintura al aire libre, y en el
hecho de no ocultar las pinceladas, priorizando el protagonismo del color y la luz. En la obra
seleccionada podemos observar que la formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz
a la que estén sometidas

2. ¿Cómo define Nochlin los términos realidad y realismo. ¿Qué lugar atribuye a las
convenciones, en relación con el realismo y significado del término schemata?
La autora define al realismo como un movimiento histórico de las artes figurativas que se
consolida en Francia, expandiéndose por Inglaterra y Estados Unidos. Fue un movimiento
dominante desde 1840 hasta 1870/80. Su propósito consistió en la representación verídica,
objetiva e imparcial del mundo real, basada en la observación meticulosa de la vida del
momento. Nochlin, establece que el “realismo” en la historia del arte, se utiliza para definir
categorías estilísticas vinculadas a temáticas filosóficas. El concepto de realismo y realidad
presenta confusión en el campo conceptual. Establece que la tradición de la corriente
principal del pensamiento occidental y desde la época de Platón contrapone “realidad
verdadera” a mera apariencia, aquellas representaciones de lo reconocible. Es por eso, que
la concepción de realismo en los siglos XVIII y XIX en el campo de la teoría estética,
establece que la realidad se encuentra al margen de la sensación inmediata y de los objetos
cotidianos. El arte en este sentido, posee una realidad más elevada y una existencia más
verdadera. La historia trae consigo el pensamiento crítico del artista de devolver la vida a la
realidad, de salir de la convención ya preestablecida y acceder al mundo de verosimilitud.
También se utiliza para su referencia el término «ilusionismo " Los artistas de mediados del
siglo XX se alejan de esa meta y de las exigencias formales, acercándose más a la idea de
la independencia del mundo del arte con respecto al mundo de la realidad. La autora
establece que la historia del arte es algo más que una sucesión de convenciones estilísticas
e iconográficas modificadas en base a comparaciones establecidas con la realidad
percibida. En el realismo la observación desempeña un papel mayor, siendo el de la
convención menor. En este punto las convenciones y los schematas, se encuentran
relegados a restringir la experiencia al fenómeno mismo y no interpretarlo simbólicamente.
Estos esquemas y schematas pueden ser prescindibles y a veces, en efecto, se prescindir
de ellos, esto es parte del mito realista y se contrapone a la investigación empírica de la
realidad. Es importante para la autora afrontar la realidad de nuevo

3. ¿Cuál es el nuevo concepto de historia que propone la autora, y qué relación presenta
con la idea de contemporaneidad y la de instantaneidad? ¿Cuál es su influencia sobre el
impresionismo?
La nueva noción de historia que propone la autora lo relaciona con el realismo. La realidad
visual está acompañada de una alteración del tiempo y espacio en el campo artístico.
Nochlin, propone al realismo como un movimiento histórico, con carácter revolucionario,
propio del radicalismo de la representación de los “nadie” en las pinturas realistas. Este
realismo, que demanda la contemporaneidad, de ver y observar para capturar el momento
de verdad, tiene que ver con lo instantáneo de lo que plasmaban en los cuadros. La revisión
crítica con la que habla del pasado y de cuestionarse quiénes eran los personajes que
influyen a la gente del pueblo para adquirir poder sobre ellos a lo largo del tiempo.
La realidad es que la historia está planteada desde un punto de vista radical de Comte y
Taine, donde la moral y las ideas de este pasado que condicionan el presente, se ve
planteado y estudiado a partir de un solo dato, de este modo, la historia no se encuentra
ajena a una sumatoria dentro del campo de los datos físicos.
Entonces, si el lenguaje cambia y es completamente físico y las palabras son traducidas a
objetos visibles, lo que es abstracto, no visible, no entraría dentro del ámbito de la pintura. Y
si además a todo eso, lo ubicamos en hechos puramente científicos, se perdería la pintura
histórica. Nochlin, lo que plantea, no es que se dejen de retratar las escenas heroicas de la
burguesía, carentes de sentimientos, sino, traer a la mesa el cuestionamiento de los temas
a tratar en las pinturas, para dar visibilidad a las personas corrientes.

4. ¿Cuáles son las renovaciones temáticas mencionadas por Nochlin y Pollock?

En el siglo XIX la renovación de lo que se pintaba, parte del movimiento revolucionario de
Francia, se presenta como una problemática la jerarquización que existía en las pinturas y
el pintar a los “nadie”. El realista lo que va a proponer es enfatizar esa brecha tan marcada
dentro de las clases sociales, para así mostrar la cruda realidad de las personas
marginadas de la sociedad, retratándolas en las pinturas, haciéndolas visibles. Es por eso,
el fuerte impacto de los realistas ante la sociedad y la cultura, que crean un espacio nuevo
en el mercado del arte, ya que no solo los burgueses iban a poder acceder a la venta de
pinturas, si no la gente corriente trabajadora, repercutiendo así los temas de intereses en
los cuadros y la aparición de los personajes en esos relatos.
Las renovaciones temáticas que mencionan las autoras son situaciones y objetos ordinarios
de la vida cotidiana, hay una valoración positiva de la representación de lo bajo, lo humilde y
lo común, es decir, los sectores socialmente desposeídos o marginados. Las figuras
principales son obreros, campesinos, prostitutas y lavanderas. En cuanto a los lugares,
toman como inspiración a los teatros, cafés, jardines, bulevares con sus trabajadores, o a la
clase media y obrera. La diferencia de género es otra de las renovaciones temáticas de la
época dentro del mundo del arte que no fue tratado distinto a como se vivía en la sociedad
machista. Las obras estaban pensadas para un espectador masculino y las pinturas de
desnudos eran solo de mujeres posando para un hombre, utilizadas como objetos de
estudio que se comercializaban dentro del mercado del arte.

Parte 3: Transformaciones espaciales

1) Francastel en su texto describe los cambios en la concepción espacial histórica del

campo plástico. El autor menciona que en la Edad Media se concebía el espacio
compartimentado, configurado por yuxtaposiciones, no hay distancia entre las cosas, todo
es atributo de Dios. En el Renacimiento cambia la noción a un espacio escenográfico donde
la representación de la perspectiva vasariana es creadora de ilusión, mezclando la
geometría y la visión racional del universo. Los indicadores del espacio plástico
renacentista, se pueden ver en la perspectiva a un punto de fuga, la línea de horizonte, la
veduta, la caída ficticia luz diáfana y homogénea. En el Romanticismo y el Realismo, se
mantiene la concepción escenográfica del espacio con la utilización de los elementos en
relación a la ventana albertiana, la segregación de planos para generar la ilusión de
profundidad, el tratamiento de los volúmenes y valores en relación a los intersticios y el
claroscuro. A partir del Impresionismo la concepción espacial se vuelve aprehensiva. Aquí la
representación del espacio y de los objetos se realiza por el color, cambiando a una
subjetivación de la naturaleza. El autor establece tres lineamientos para ello: la relación luz
y forma (donde la forma cede el paso a la mancha, a algo más difuso y abierto), la
triangulación del espacio (oblicuidad, cuya herencia la podemos encontrar del intercambio
visual de las estampas japonesas, la perspectiva picasa y el fragmento) y finalmente, la
representación polisensorial del espacio, donde hay una objetivación de la materia basada
en la concepcion analitica de la naturaleza. Finalmente con el Postimpresionismo, se
rompen las relaciones tradicionales entre el dibujo y el color. Hay una renuncia a la
representación mimética del mundo, por la implementación de un espacio imaginario que se
condensa en la sintetización de figuras geométricas, un espacio sentimental y mental, y una
renuncia al color local, donde el simbolismo es ofrecido por el conjunto tonal. Cezanne
(espacio imaginario), Van Gogh y Gauguin (espacio sentimental, mental): Trabajan con los
elementos plásticos puros e independientes/autónomos. Renuncian al naturalismo. El
cuadro es un bastidor, no una ventana abierta al mundo.Esto es un nuevo mundo, otra
realidad que se desmaterializa donde no hay un manifiesto o un tratado (Alberti), sino que la
obra es un momento.

2) En el neoclasicismo observamos que vuelve el dibujo y la forma. Se aprecia la temática

mitológica e histórica, incluida la historia presente, como la Revolución Francesa. En la obra
de “El juramento de los Horacios”, vemos como J. David da uso a la luz fría y contornos
claros bien definidos. Hay una escena principal que narra el hecho, y la escena del fondo
toma motivos de la arquitectura grecolatina. Se puede observar en la imagen la
construcción por medio de la perspectiva lineal y la segregación de planos para dar
profundidad. Así también, vemos como la anatomía sigue estrictamente el ideal del canon
clásico de la antigüedad, la volumetría en los paños de los personajes y la gestualidad
contenida. Con el Romanticismo podemos ver en la obra “La Balsa de la Medusa” de
Théodore Géricault, tanto la elección del tema de la pintura como su dramática presentación
representan una ruptura con respecto a la calma y orden de la escuela neoclasicista
entonces predominante. Se puede observar un desorden intencionado, una pincelada suelta
y unos contornos imprecisos, la perspectiva es más ortogonal y no hay un único punto de
fuga, a pesar de ello es el espacio sigue configurándose como escenográfico. El “ser de la
propia época” constituye una forma romántica ya que implica el espectro de valores aliados
a la rebelión, a un alejamiento de la norma y lo correcto, un lenguaje directo que implica la
no repetición de lo ya hecho. Los temas románticos por excelencia conceptualizan el
exotismo, historicismo, énfasis en la superioridad de la imaginación y aceptación de lo
irracional. Por ello, hay una renovación en la temática en relación a la dialéctica hombre-
naturaleza- sociedad- hombre y destino- tiempo- historia hombre y mundo lejano. Ya hacia
1848, influenciado por la revolución popular, se eleva la dignidad del estatus de la clase
trabajadora. Ahora, hay una imbricación en el arte por temas populares, la naturaleza llana y
la dignidad de hombres y mujeres trabajadoras. Una obra que ejemplifica lo anteriormente
mencionado es: “Las espigadoras 1857 Jean-François Millet”.Las espigadoras, eran
aquellas mujeres pobres que una vez realizada la cosecha, estaban autorizadas por el
capataz para recoger las sobras de la recolecta diaria. La escena representa la difícil
realidad de la sociedad rural de la época, busca una representación verídica, objetiva e
imparcial del mundo real, en base a la observación de la vida en el momento. La naturaleza
ya no es un orden revelador, sino un entorno de existencia humana individual y colectivo. El
arte hacia 1860 se cristaliza en representaciones de ciudades, parques, playas, picnic para
alejarse del trabajo manual, la pobreza y la explotación industrial. Las pinceladas y los
temas enfatizan el significado de la inmediatez y el aquí y ahora, que construyen los
cimientos de los impresionistas. Para los impresionistas, es la forma la que cede el paso,
esto es que el contorno de la mancha coloreada se impone al contorno de otros objetos,
permitiendo anotar las cualidades variables de la atmósfera. En este sentido, y en palabras
de Francastel: es una representación coloreada del universo, aplicada sobre la red lineal
clásica. El impresionismo ofrece una nueva forma de representar, no una nueva concepción
de espacio pictórico. Sumado a esto, desaparece la triangulación de la perspectiva lineal
que fuga a través de un solo punto hacia atrás, sugiriendo la construcción del espacio por
medio de la sugestión del detalle. Asimismo, se renuncia a la organización euclidiana, se
acepta más la falta de nitidez, lo borroso, el carácter indiferenciado de las zonas del espacio
que se alejan del centro de interés elegido. Se centraron en la pintura al aire libre, buscando
plasmar el cambio de la luminosidad, el instante. El ojo penetra en la materia del fragmento,
y la naturaleza se vuelve analítica. En 1875, Claude Monet pinta “Mujer con sombrilla”
donde el juego de las pinceladas rápidas crean la sensación de dinamismo y movimiento,
haciendo que el mismo viento mezcle la ropa captada en un momento determinado. Es en
1880 donde los postimpresionistas dan indicios a una nueva concepción espacial utilizando
colores vivos, pinceladas poco discretas y unas temáticas basadas en la vida real. Hay una
sinterización de las formas, un esfuerzo por captar los detalles puros de los sentidos, la
significación del universo no por la generalidad sino por la particularidad de los fragmentos,
se busca imprimir la emoción, como un uso arbitrario y simbólico del color. En la obra
Puesta del sol en Montmajour (1888), de Vicent Van Gogh, descrita en una de las cartas a
su hermano Theo podemos recopilar estos elementos formales. Finalmente, el cubismo
reconoce la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrea la tridimensionalidad. Cezzane,
miraba los objetos desde todos los puntos de vista posibles. Representaba el mundo de la
forma más exacta desde el punto de vista pictórico ordenando todo estructuralmente en
formas simples y planos de color. Todo era geometría. Podemos tomar como uno de sus
pioneros a Paul Cezanne con su “Naturaleza muerta con manzanas y melocotones”.

3)En la película David Hockney revela como 400 antes de la invencion de la fotografía, los
artistas utilizaban cámaras simples para captar sobre el lienzo imágenes realistas. Utiliza
como palabras claves: real- natural- fiel a la realidad- fotografía. A partir de las pinturas de
Ingres de 1812 se sugiere el cuestionamiento de si la obra estaba constituida con una
cámara lúcida, obteniendo como resultado una proyección sobre la superficie bidimensional.
De aquí, inicia un análisis de obras de la pintura occidental, notando que a partir de 1420,
se produce una transformación donde los rostros aparecen individualizados, y contrastados
por altos valores lumínicos. Para Hockney el aspecto fotográfico de las pinturas estaba
plasmado en el tratamiento de los paños y la recreación del brillo de las superficies, sobre
todo metalicas. Aquí lo que resalta es la fidelidad de la realidad, por medio de la
implementación de una cámara oscura que utiliza un lente de vidrio llamado especular o
espejos cóncavos. Con la aparición de la lente, lo que se permitían eran proyecciones
superiores a los 30 cm, que requieren una mayor distancia con el objeto, y al que, al
cambiar el foco, a su vez cambia la escala. En 1839, se fijaba la imagen con químicos, en
Francia e Inglaterra debido a los avances en la industria fotográfica. Para este artista, es el
fin de las manos del artista sobre la cámara, ya que, aquellas imágenes que se podrían
llamar realistas sobre una superficie bidimensional, comenzaron a pensarse como nuevos
modos de representación de lo real. Así vemos, en 1889 con Van Gogh, su obra
“Autorretrato”, como una reacción ante la fotografía. A partir de 1870 aparece el afán por
encontrar nuevos modos de representar el mundo, de romper con la narrativa vasariana,
con el cuadro como una visión racional del mundo, el espacio como escenográfico. Pues,
nos topamos con un Cezzanne que cuestiona la posición de las cosas utilizando los dos
ojos. Nos topamos con el cubismo a principios del siglo XX y sus múltiples puntos de vista.
Hay una apropiación del espacio, en palabras de Nochlin una demanda de la
contemporaneidad