Tema 0: Introducción.

-Idea del artista:

La historia del arte como la historia de los artistas es falsa.
Frente a la noción de genio: persona talentosa que crea artes sin condicionamientos, tenemos
el sistema del arte: estructura compuesta por diversos artistas. Academias: institución propia
de la Ilustración que formará a los artistas, en Madrid la Academia de Bellas Artes de San
Fernando. Esta academia hasta principios del siglo XX dirá quién es artista y quién no. Al
mismo tiempo están los críticos del arte, papel fundamental en el siglo XIX.
Los críticos son literatos que tienen esa capacidad de la écfrasis. Los críticos son escritores
que van a escribir en ese nuevo formato del mundo moderno que son los periódicos y tienen
la función de divulgar la función de los artistas. Los críticos divulgan para la burguesía.
Cubren las necesidades de esta nueva clase social.
Aparte de los críticos estarán también los galeristas. Esa clase burguesa va a pedir lo mismo
que las clases de Antiguo Régimen, es decir, pedirá obras de arte. Los galeristas. Los museos
se diferencian de las galerías en que tienen un objetivo de hacer patrimonio, es decir,
componer el archivo cultural de un país, de una ciudad, de una familia.
Otro actor fundamental sería el público, irán a los grandes salones, los que leen las críticas,
los que van a comprar el arte…
El mercado del arte va de la mano del público. No existen artistas sin ataduras económicas. El
mercado va a transformarse a lo largo del siglo XX.
El último elemento del sistema del arte es la universidad, que nace en el medievo y hay
historiadores, expertos… que pueden rescatar aquellas obras que consideran de calidad.
Las fuentes primarias y secundarias.
El comentario histórico artístico. Es un comentario que mezcla historia y arte para intentar
explicar una obra.
Las metodologías: la manera que tú eliges para hacer algo. La universalidad y el positivismo:
es una palabra que se usa en ciencias puras pero en humanidades quiere decir que cree en el
progreso sin fin. Un positivista cree que la historia del arte avanza desde los más primitivos
hasta el progreso sin fin: el segundo mejora al primero, Miguel Ángel es mejorado por
Velázquez, este por Goya…
Pero hay otras metodologías, la historia del arte anacrónica. Estos consideran que la vida de
las imágenes y las obras de arte no tienen una vida lineal, sino que hay retornos adelante y
atrás en el tiempo y que demuestran que ese movimiento vanguardista del arte abstracto está
ya en las cavernas y hay que explicarlo a la vez.
Otra metodología son los feminismos: por qué y cuándo se han inscrito las mujeres en la
historia del arte y cómo afecta esa noción de feminidad a los artistas y al sistema del arte en
general. Otra sería la historia social del arte, estos se centran en las cuestiones de clase, cómo
influye que uno nazca en una familia pobre o rica, derecha o izquierda.
Otro ejemplo son las humanidades ambientales, es una metodología que se interesa en
estudiar cómo se enfrenta el arte a la crisis ecológica que vivimos.

1
 Tema 1: Orígenes revolucionarios del arte moderno: Primeras vanguardias

-La herencia del siglo XIX entre la industria y lo “primitivo”.

Modernidad son dos cuestiones: la Edad Moderna que empieza en el Renacimiento. Época de
grandísimas innovaciones. Otra cosa es la modernidad: término histórico artístico que se usa
para referirse al comienzo del arte contemporáneo.
La idea del artista moderno. Para comprender esta idea hay que pensar en la Revolución
Industrial, cómo cambia esta. Supone la aceleración de la vida, los tiempos son más rápidos,
las tareas son más automatizadas. Esto genera un tiempo de ocio (para algunos, clase
burguesa). Provoca algo más profundo que es la separación entre el ser humano y la
naturaleza. Los campos son sustituidos por fábricas, los animales por máquinas. Los animales
desaparecen de la vida cotidiana. Eso va a crear una idea del hombre como separado de la
naturaleza y autónomo de ella. Aquí empiezan las grandes contaminaciones, la crisis
ecológica… Pasamos ahora a una vida metropolitana. A la vez conlleva las revoluciones
burguesas. La conquista de unos derechos civiles mínimos y la separación del antiguo
régimen.
Provocará el auge del laicismo. A partir de este siglo XIX la creencia en el cristianismo va a
caer.
Factores artísticos: la importancia del romanticismo y la llegada de la tecnología como la
fotografía.
En Goya ya hay tres elementos fundamentales para comprender la idea del artista moderno: la
relación entre la razón y el sueño, el humor y la abstracción. Él es un personaje ilustrado.

*El sueño de la razón produce monstruos. Manuscrito de Ayala.

*El asno literato. De forma cómica representa a Godoy. La gente critica que el arte no sea
una cosa seria, pero será uno de los poderes de esta época.
*Perro semihundido. Habla de la pintura como superficie, no como representación. Nos dice
que el arte no solo representa la realidad. Esta obra es un gran ejercicio de abstracción.

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-Romanticismo: movimiento transnacional (Alemania, Francia, España…) y transdisciplinar
que exalta la sentimentalidad del individuo en la Revolución Industrial. Se revelan contra la
deshumanización. Es un espejo de sus emociones.
*El caminante sobre el mar de niebla: sensibilidad y mundo
interior del artista.
LIBRO: De lo sublime y lo bello de Burke.
No podemos entender el romanticismo sin entender lo
primitivo.
-Lo primitivo: desde el s. XIX hasta hoy se inicia un gran
movimiento artístico que es el primitivismo. Los grandes
románticos son grandes viajeros. “El gran tour” antes se
producía a Italia o Grecia con la recuperación de lo clásico.
Pero desde que Napoleón “redescubre” Egipto el destino pasa a
ser este, siendo el lugar más atractivo. Napoleón rivaliza con
Alemania y se produce una egiptomanía que dura hasta hoy en
día.
Este es el punto de partida del primitivismo. Primitivos son aquellos alejados del ideal
europeo.A partir del siglo XIX muchos artistas van a visitar aquellos pueblos llamados
primitivos. El arte de estos pueblos serpa un fuente de nutrición para el siglo XX.
Hay un primitivismo cultural y un primitivismo político: momento de las grandes
colonizaciones de África.
El orientalismo es un tipo de primitivismo de
Oriente, una construcción de occidente y que
suelen ser poblaciones relacionadas con los
pueblos bíblicos.
*Muerte de Sardanápalo. Delacroix.
Delacroix viaja a Inglaterra. Francia le
financia su estancia en Marruecos y Argel.
Sardanápalo es un rey asirio (pueblo
primitivo), que sufrió una invasión de sus
enemigos y mató a los suyos antes de que los
mataran los enemigos y luego se mató a él.

*Mujeres de Argel. Delacroix.

Evoca esa vida alejada de la revolución
industrial. Reconstruye una imagen de Oriente
y es sólo un reflejo de lo que no es Occidente.

3
 *La gran odalisca. Ingres.
Mujer irreal por la posición
que está haciendo, es
imposible reproducir su
postura. Mujer oriental
relacionada con lo carnal.

*El baño turco: mujeres que representan oriente.

El Orientalismo contribuye a construir una
imagen ficticia de Oriente

-Japonismo: a comienzos del siglo XIX Estados Unidos firma un tratado con Japón que
provoca que llegue arte de Japón. Es un acuerdo comercial. El japonismo es clave para
entender el Impresionismo y el Postimpresionismo.
Es una segunda vertiente del Orientalismo. No podemos comprender a Monet sin las
estampas. *Hokusai, Debajo del puente. // * Claude Monet: Puente japonés.

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Monet es un coleccionista de estampas japonesas al igual que Van Gogh. Beben del género
Ukiyo-e: género japonés de grabados del siglo XVI al XVIII y que se traduce como imágenes
del mundo flotante. Fascina a impresionistas por: línea muy marcada, usan grandes bloques
de color, falta de perspectiva occidental (tenían otras formas de concebir la perspectiva),
monocromas.

También encontramos el arte Ukiyo-e en *Mary Cassat - La carta (abajo izqda)//Mujer

bañándose (abajo centro) o en *Van Gogh con El retrato de Pére. Copias de estampas
japonesas. *Almendro en flor. Van Gogh.

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Orientalismo propio de Paul Gauguin: gran viajero, descubre Tahití como ese punto 0 de la
civilización. Huye de lo industrial y busca lo que él cree primitivo.
*Gauguin, Mata Mua. 1892.

-1839 se crean las primeras fotografías. Surgen en Francia y en el mundo anglófono. Reacción
química. Tenían varios usos científicos y artísticos ¿Cómo afecta este invento a la pintura?La
burguesía hace uso de esa fotografía para retratarse. En 1888 sale la primera Kodak. Cámara
portátil.
-Walter Benjamin y el aura.
Alemán, vivió en la primera mitad del siglo XIX. Cómo le afecta al arte su reproducción.
Concepto del aura: una pintura es única. Originalidad y autenticidad única en el aura. En la
época de reproductibilidad técnica, ¿no acaba eso con el aura de estas obras de arte?

Se hace un uso científico de la cámara. Sirve para el control social e identificar a los
criminales. Muchos científicos usan la cámara para probar que sus teorías son verdad.
Ataque de histeria, de Charcot. Maestro de Freud. Teoría sobre la histeria (enfermedad de
mujeres), hace un libro de fotos con sus pacientes enfermos.
Hubermann demuestra cómo la fotografía sirvió para que se inventaran una realidad. Él es
médico pero podría ser un libro de artista.
Anna Atkins ilustra un libro. El manual de las algas.
Félix y Paul Nadar: fotógrafos más famosos del siglo XIX.
Baudelaire: primero en acuñar la idea del
arte moderno. “Lo transitorio, lo fugitivo,
lo que se transforma…”.
Esa vida moderna está relacionada con la
luz eléctrica. 1888 se alumbran de forma
masiva las ciudades.
*Édouard Manet, Un bar aux Folies
Bergère.

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Refleja la vida de la noche iluminada por las lámparas de gas. Vemos un reflejo del espejo.
Camarera atendiendo a un cliente con una cara muy melancólica. Manet fue un amante de
Velázquez, Greco…

¿Cómo reacciona la pintura a estos avances?

Reinventándose. Vanguardias. El Impresionismo no es vanguardias, pero sí una primera
alternativa por el uso de la luz. Interesa más cómo pintar que el qué pintar.
“El arte es armonía” entre combinación de contrastes.
-Tono: luz y sombra.
-Color: cálido (rojo, naranja, amarillo) y frío (verde, azul y violeta).
-Línea: vertical y horizontal.
Ejemplo de armonía para una
combinación: *Un domingo por la
tarde en la Grand Jatte, de Seurat.
Alude al libro de Cheureal. Demuestra
los contrastes fotográficos. Utiliza
teorías como el puntillismo.

Tema 1: Orígenes revolucionarios del arte moderno: primeras vanguardias.

Las primeras vanguardias son movimientos artísticos que nacen al principio del siglo XX y
acaban en 1945. Es sinónimo del arte moderno muchas veces.
Rasgos comunes: vanguardia término bélico.
-La primera característica es que quieren combatir la tradición y su arte. Rompen con él e
intentan un arte nuevo. No simplemente un estilo, sino un arte que cambie la vida.
-Muchos están ligados a movimientos políticos.
-Provocan a la burguesía que sigue comprando arte tradicional y se sienten incluso agredidos.
-las vanguardias tienen manifiestos o muchos escritos donde los artistas justifican sus ideas.
Por primera vez los propios artistas también teorizan sobre el arte y sus obras.
-Mezcla de las artes: obras que mezclan escritura y artes visuales, fotografía y escultura…
interdisciplinares e incluso se da la sinestesia.
Obras agrupadas en torno al concepto de Wagner: obra de arte total.
Las vanguardias se van a caracterizar por destruir lo tradicional, hacerlo político y destruyen
la idea del artista (obras que no representan nada). Rechazan las técnicas, puede que usen el
azar o el humor.
Mitos asociados a las vanguardias: el arte tradicional no va a desaparecer. Las academias no
desaparecen. A veces la acción de cambiar la vida de las personas es más limitada.

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Las Vanguardias siguen la línea del positivismo. Ellos quieren superar el impresionismo al
igual que Goya quería superar a Velázquez…
Hay veces que son grupos más temporales y cosas entre amigos. Son movimientos fugaces e
inestables. LIBRO: Escrito de arte de Vanguardia 1900-1945.

13.02.2024
Relación del cubismo con la guerra
Los cubistas fueron varios de los creadores del camuflaje disruptivo. Hasta ahora, el camuflaje
va a imitar los colores de la naturaleza, ellos van a contribuir a un nuevo tipo de camuflaje de
guerra. El camuflaje disruptivo usa el camuflaje del cubismo para camuflar barcos, etc.

-La influencia del arte africano.

El cubismo no tiene manifiestos oficiales firmados por los artistas, pero tenemos textos muy
importantes donde se va a teorizar sobre qué es el cubismo. Uno de los más importantes es el
de Apollinaire, que va a morir en la 1GM. Él va a decir que el cubismo es un arte antinatural,
antitradicional, puro y geometrizante. También va a hablar de una suerte de realismo
conceptual, que va a estar protagonizado por Picasso y George Braque, de un barrio de París.
Obras clave de Apollinaire: “Los comienzos del cubismo”, Exposición del arte
contemporáneo y Los pintores cubistas.
*Picasso, Casas de Horta de Ebro:
De las primeras de Picasso. El decía
que su arte es una suma de
destrucciones. La primera va a ser la
perspectiva, no hay punto de fuga, las
casas están desparramadas en el
espacio. La segunda técnica es la
eliminación del claroscuro, como no
hay una fuente de luz en concreto.
Tampoco vamos a ver un uso natural
del color, sobre todo en la primera

etapa del cubismo. También van a usar el collage,

aunque aquí no lo vemos porque es un arte muy
temprano.
*Braque, Le estaque:
Braque nos priva de esa sensación de ventana por la
que ver la realidad. Adivinamos árboles, casa y poco
más. El color es medio naturalista, aunque se irá
perdiendo.

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 *Mujer planchando de Picasso.
Picasso es un pintor malagueño hijo de un pintor de brocha
gorda. Va a pasar pocos días en Málaga, y desde joven
demuestra un talento gigante para la pintura.
Empieza a estudiar en Barcelona y ahí tiene la primera
relación con la boheme. Allí después de una etapa de copia de
los modelos clásicos, va a arrancar su primer periodo. El
primero es la etapa azul (al que pertenece este cuadro), se
llama así por el uso del color azul de forma predominante.
Tiene un significado, porque uno de sus mejores amigos se
suicida y entra un periodo de
melancolía que va a ser este. A
comienzos de 1900 abandona
Barcelona por París, y se
establece en el barrio bohemio
de Montmartre y en una residencia de artistas. Ahí entra en la
etapa rosa, a parte del uso literal de tonos rosáceos, tierras, se
va a centrar en el mundo circense. Si barcelona era bohemio,
parís todavía más. El circo estaba muy de moda y sobre todo
los arlequines. En 1907 descubre a Paul Cessaine el arte
negro. Esta es su etapa cubista.
*Acróbata y joven arlequín. Arriba
*Familia de acróbatas. Abajo dcha.

*Picasso, Retrato de Gertrude Stein.

Primer cuadro Cubista. cuando lo enseña se queda sorprendida porque no se parece. Lo que
evidencia es que él estaba muy influido por las máscaras africanas, que hacían rostros muy
geométricos.

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*Las señoritas de Aviñón.
Mucha gente ha intentado entender esta primera ruptura del arte renacentista y tradicional.
Es un cuadro clásico en el sentido de que habla del desnudo femenino en la historia del arte,
un tópico. Nos remite al barrio turco de ingels. Tenemos 5 mujeres en una suerte de espacio
acompañadas de este bodegón. Las señoritas son prostitutas.
En un primer momento se iba a llamar el
burdel filosófico. Finalmente se decanta por
este título que recuerda a una calle de
barcelona. Probablemente en este sitio picasso
contrajera una enfermedad venérea.
Empezando por el simbolismo, una de las
teorías más apoyadas es que es un ejercicio de
exorcismo por parte del pintor en ese trance de
una enfermedad venérea. Estas teorías
explican la evidente fealdad con la que se
retrata a las mujeres. Cuyos rostros en dos
ocasiones están especialmente deformados. Y
que hablarían de ese asco en el contexto de los
burdeles. De hecho en la primera versión del
cuadro había un estudiante de medicina que
luego borró.
A la vez, lo que hace Picasso es destruir el espacio ilusionista del renacimiento y lo hace a
través de la eliminación de la perspectiva, del claroscuro y de la superposición de dos
planos. Las señoritas están echadas hacia delante y sin embargo el bodegón está hecho desde
una perspectiva desde el techo.
Los bodegones en historia del arte tienen significado de recordar la fugacidad de la vida
frente a la vida verdadera que es trascendental. Esto sigue en la línea de la relación de
Picasso con el mundo del placer. Picasso pintaba a las mujeres guapas cuando estaba con
ellas y feas cuando se quejaban de que les ponía los cuernos con medio París. Aquí picasso
tiene 25 años. La gente llamaba a la policía porque sus cuadros eran un atentado contra la
función social del arte. Las caras remiten a la convivencia con las máscaras africanas.
-Cubismo analítico.
De 1908 a 1912. Se van a centrar en analizar los objetos.
A veces también figuras humanas. Plano por plano se va
a tratar de transmitir esas cuatro dimensiones, que sería
la representación más pura La pintura figurativa para
Braque o Picasso es falsa porque no representa
puramente. Apenas van a utilizar paleta de colores, solo
tierra y grises porque los colores distraen. Braque va a
ser un pintor y decorador de paredes y va a meterse en
esos temas desde la familia.
*Muchacha con mandolina. Se vuelve un objeto más.
No hay perspectiva y por lo tanto tampoco figura y

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fondo. Vemos una fusión de perspectiva y color entre la supuesta pared y la retratada. No
percibimos bien dónde empieza y acaba la figura salvo por
algunos rasgos.
*Ambroise Vollard, Picasso (izqda).

*Braque, Puerto de
Normandía

-Cubismo sintético:
Ya no se teme al uso del color, pero sobre todo vamos a descubrir la gran invención de las
vanguardias que es el collage. Aunque en realidad es un invento japonés del siglo XII.
Son los primeros en usar pedazos de papel u otros materiales pegados al cuadro, y eso es
lo que significa el collage.

*Bodegón con rejilla. Picasso

Tiene muchos trucos para dificultar las
diferencias entre la representación y la
realidad. Los objetos pintados no están
colocados ilusionisticamente en el espacio.
Facetación de los objetos de la fruta como
el cubismo analitico. Hay más elementos
nuevos que por primera vez desbaratan las
fronteras de lo que hay dentro del cuadro y
fuera porque se han introducido elementos
de la realidad. El marco es una cuerda que
simula junto con la forma ovalada una
mesa de café típica de los cafés bohemios de París.
Sobre ella hay varios objetos. La rejilla no es real, es papel pintado. Hay un doble juego, en
primer lugar PIcasso decide no pintar la rejilla el mismo y en segundo lugar coge una
simulación de una simulación. Esto es el realismo conceptual.
Él juega al realismo pero nos habla de la naturaleza de la pintura y en tercer lugar van a
aparecer letras dentro del cuadro, algo que no se había visto hasta entonces. Además son
muy juguetonas, “jou” significa juego y es el principio de “journal”, es un periodisco real de
ese momento. Significa en frances periodico como tal y cotidiano.

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En la etapa del cubismo sintético vamos a estar abiertos a otros formatos. Sus principios se
extienden a formatos tridimensionales. Si el collage es el uso del papel para crear cuadros, la
escultura es un collage en tres dimensiones.

*Guitarra de papel // Copa de absenta, Picasso: construye con

papel maché una copa e incluye una cucharilla.

-Marie Blanchard. Española, se va a formar en Madrid y va a recibir una beca para residir en
París un par de años. Se va a formar en los principios del
cubismo más libre. Nació con cifoescoliosis. Amiga de Diego de
Rivera. Va a tener una posición muy considerable en el cubismo
sintético. Retrata mundos femeninos y con un ánimo mucho más
estilizante, buscando las armonías. Esto se ve en su *Retrato de
Juana de Arco.

-Juan Gris. Empieza en España y estudia en Madrid. Se marcha a Francia y enseguida

conecta con Picasso y Braque. Tiene esa versión colorista y lo que hace son rimas plásticas.
Le gusta el ritmo a través de los colores y enfrentar colores complementarios.

*La guitarra (izqda.)

*Arlequín (dcha.)

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-Orfismo:
Orfeo es un músico capaz de amansar a las bestias, personaje de la mitología griega. Va a ser
desarrollado por Robert y Sonia Delaunay. Color, música y ritmo. va a empezar con la
velocidad.
Sonia es la que lleva la innovación. Primero fue Rusia y luego ucraniana. Venía de una
familia acaudalada y va a París a estudiar. Para que no la devuelvan a rusia se casa con un
bohemio hasta que se enamora de Robert.
Ella busca el arte simultáneo. Superposición de planos. Destrucción de perspectiva, uso del
color como base principal. Antes de que estalle la guerra, el matrimonio vendrá a España y
Portugal y se quedarán fascinados por la luz de los países. La guerra les pilla en España y en
1917 se va a dar la revolución bolchevique. Ella pierde su sustento económico. Ella ha
estado probando estas cosas de la simultaneidad en sus vestidos y desarrolla su marca en
España. Cuando acaba la guerra crea una tienda fisica en París, va ser una renovadora del
panorama de la moda aplicando el principio de simultaneidad aplicando el principio
vanguardista del arte global.
Ella hace el primer libro simultáneo de la historia junto con un poeta antillano. Tiene una
estructura de acordeón porque el principio de simultaneidad impide que haya páginas
diferenciadas. Hay que leer los colores y textos a la vez. Es de 1913 pero no va a ser puntual
porque Sonia luego hará vestidos con poemas personalizados. Pensando siempre en el
principio totalizador de que el arte lo cobra todo sin importar la distinción entre el arte y la
artesanía.

*Contrastes simultáneos (arriba izqda.)

*Vestido simultáneo (arriba dcha.)
*Cantantes de flamenco (abajo)

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 20/02/2024
FALTAN PPT. COPIA FOLIOS
Futurismo
Oficialmente primer grupo de vanguardia cohesionado. Tiene su punto central en el futuro.
Nace en Italia en 1909. Filipo Tomasso Marinetti publica el primer manifiesto. Van a escribir
50 manifiestos relacionados con pintura, cultura…
se da en una Italia rural, un país poco industrializado. Quieren una Italia moderna, industrial,
dinámica, agresiva, violenta. El joven italiano debe renovar el panorama que hay.
Tienen una ideología totalitaria: Marinetti tuvo una amistad con Mussolini. Están ligados al
fascismo italiano. Referencias a la guerra, a la violencia. Reivindican la máquina, hablan de la
muerte a los museos. Empezar de cero. Obras de arte total. Abarcan todo, bellas artes, cocina
incluso alumbran las primeras performance.
“Las palabras en libertad”: poemas que liberan las letras. Es como si las palabras hubieran
estallado gráficamente. También está en su versión sonora. “Zang Tumb Tumb”. Poema
sonoro. Se hace énfasis en los sonidos, en el poder del sonido, aunque no signifique nada
Abrakadabra.

En 1912/12 ya tenemos las primeras performances. No son como las de los años 60. Se
reúnen y hacen veladas futuristas, hacían proclamas públicas y reivindicaciones con los
poemas sonoros y con el sonido en general.

-Pintura y escultura: bebe mucho del cubismo. Van a hablar de dinamismo. Pintan la
velocidad de la vida moderna (bajo la ideología fascista).
*Dinamismo de un ciclista, Umberto Boccioni: la bicicleta es un invento más importante
que la Victoria de Samotracia.
*Desarrollo de una botella en el espacio, Boccioni: ejercicio muy similar al cubista.
Superposición de planos.
*Formas únicas de continuidad en el espacio, Boccioni.

Futuristas beben de Nietzsche, del superhombre que lo interpretan como una nueva juventud
con poder de cambiar las cosas y violenta. Buccioni muere en 1916 en la Primera Guerra
Mundial y se produce así el fin del futurismo.

Importancia de la cronofotografía
-Fotógrafo Marey: realiza una serie de experimentos donde con la velocidad trata de
representar ese movimiento que no ve el ojo humano.
*Línea de velocidad, confirmar. Escultura donde representa de nueva esa velocidad de la
vida moderna.
-Giacomo Balla: admirador de Marey. Trabaja con Igor Stravinsky. Crea él mismo su propia
obra dramática. *Bocetos de Balla “Máquina tipográfica”: hace que los propios personajes
sean parte de la máquina tipográfica.

OTRO PPT:
Abstracción

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La abstracción es un ejercicio de separar una cosa de otra. O bien para analizarla o bien para
elevarla. Estrictamente empieza en el arte paleolítico (parietal). Es abstracto porque no remite
a la realidad visual. Cueva de Chauvet. Más allá del arte occidental vemos que es una
tradición antigua, por ejemplo en el arte islámico. Es abstracto, no figurativo, porque en el
Islam no se permiten las representaciones (Alhambra).
A comienzos del siglo XX habrá un nuevo impulso del arte abstracto.
-Henri Matisse
*Estudio en rojo: vemos un pequeño ejercicio de abstracción porque el color rojo invade
todo el espacio .
Otro gran antecedente sería el cubismo
que borra el color, la perspectiva…
-Hay dos producciones literarias:
Abstracción y empatía que habla de
cómo toda la historia del arte se puede
resumir en dos principios: 1. El ser
humano busca la comunión con la
naturaleza. 2. La abstracción de la
naturaleza. Fue muy leído por
Kandinsky de 1908.
-Más importante aún es la Teosofía: es
una espiritualidad alternativa. A
comienzos del siglo XX, con Nietzsche
se da la muerte de Dios. Con el segundo
factor de la industria, el racionalismo.
Por ello florecen muchas religiones.
La Teosofía mezcla puntos de religiones asiáticas como el hinduísmo o el budismo en pos de
“alcanzar la verdad”. Helen Blavatsky es una médium que publicó varios libros y decía estar
conectada con los grandes maestros.
Rudolf Steiner crea su propia corriente: la antroposofía. Annie Bessant es otra teosófica muy
importante también. Los tres crean sociedades teosóficas. Y muchos artistas fueron
teosóficos.

-Una pionera del abstractismo sería Hilma af Klint. Pintora

sueca que pronto alcanzó un éxito notable haciendo pintura
de paisaje. Pero a raíz de la muerte de su hermana empieza a
hacer espiritismo con “El grupo de las cinco”.
*Group I, Primordial Chaos, 1906-07. Hilma af Klint.
*Grupo V, The Seven-Pointed Star, Nº1, 1908. Klint.
Empezó a tener contacto con Steiner y contacta con espíritus
que le dictan lo que tiene que hacer. Tiene que transmitir los
valores de la teosofía. Crea 1.000 cuadros y 125 cuadernos.
Las formas geométricas puras serán el vehículo de esta
verdad no visible.

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 Steiner le dice cuando ve su obra (siempre abstracta)
que su obra tiene que quedar escondida 50 años
porque la sociedad no está preparada para verla. Klint
le dice a la familia que no exponga su obra hasta
dentro de 125 años. Es a partir de 1986 cuando la
familia hace un gran ejercicio de catalogación de la
obra y llama a instituciones hasta ser tan conocido
como hoy.
Es una de las artistas médium que van a poblar el
siglo XX. Este ambiente será un refugio para muchas
mujeres. SILVIA FEDERICI.

Expresionismo
Después de Klint habrá tres tipos de abstracción, el Neoplasticismo, el Constructivismo y el
Expresionismo. Ella es una pionera solitaria.
El Expresionismo es un movimiento que se da en
Alemania y muy amplio ya que abarca todas las
artes. *El grito de Munch, 1893. Ya usa la pintura
como color para expresar su tormento interior.
“Me paré y me apoyé contra la verja, casi muerto
de cansancio. Nubes rojas como la sangre y
lenguas de fuego suspendidas sobre el fiordo azul
negro. Mis amigos me habían dejado, y solo,
temblando de angustia, me di cuenta del inmenso
grito de la naturaleza”.
Una de las aportaciones más importantes será del
grupo “El jinete azul”. Surgen muchas
hermandades de artistas de todas las disciplinas
(Hermandad de San Lucas en Alemania o la
Lukasbund). En 1909 nace la nueva unión de
artistas de Múnich junto a Kandinsky y otros.
Quieren renovar el panorama mezclando artes de
todas las disciplinas y de todas las épocas. En 1911 ven que esa unión no es suficiente y parte
del grupo sale y fundan El jinete azul (el nombre está inspirado en
Nietzsche, jinete que cabalga hacia el progreso). La fundan con motivo
de la exposición en la Galería Tannnhauser de Múnich (Kandinsky,
Marc, Münter, Kubin y Macke). Se dedican a hacer exposiciones y
publican una revista. Pretenden alzarse contra el arte tradicional. En
ella publican artículos donde hay una presencia cada vez más fuerte del
color y las formas para trascender del mundo terrenal. explica que las
formas y los colores son capaces de hacer un arte universal.
En 1912 El jinete azul realiza una segunda exposición reforzada por las
publicaciones de: Almanach (Navidad, 1911) y Sobre lo espiritual en el
arte de Kandinsky (1912).

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-Primera exposición de “Der Blaue Reiter” en la Moderne Galerie de Múnich, diciembre de
1911. *Cubierta del almanaque “Der Blaue Reiter”, 1911.
*Franz Marc, Grandes caballos azules.

-Kandinsky, 1896-1944.
Es Ruso y emigra a Baviera, Murnau. Deja
el derecho por el arte.
1914-1921 Pasa la Primera Guerra Mundial
en Rusia. Vuelve a Alemania e imparte
clases en la Bauhaus hasta 1933. Ese año es
cerrada la Bauhaus y se muda a París,
donde entra en contacto con la modernidad.
Allí morirá.

-Etapa del jinete azul.

*Montaña azul, 1909: presencia notable del color. *Murnau con iglesia, 1910.

Descubre la música, concretamente de Schönberg. Produce una música atonal que fascina a
Kandinsky.
Empieza a tener contacto con la sociedad teosófica que le influye mucho. Publica en 1912
“De lo espiritual en el arte”.
-Etapa abstracta.
Liga las creencias de la teosofía a la forma y el color.
*Primera acuarela abstracta, 1910: usa el color y la línea a pluma para transmitir conceptos
teosóficos como el aura. Solo vemos formas, colores y ritmo.

17
 *Composición V, 1911

Hará dos tipos de obras, las composiciones (mucho más estructuradas) y las improvisaciones.
Ambas son conceptos musicales.
*Improvisación, 1912: representación de los ritmos. Además él era sinestésico. Cualidad
neurológica con la que cruzas sentidos. Al pintar percibía también sonidos.

18
 -Etapa geométrica (Bauhaus).
*Paisajes con manchas rojas número
2, 1913

Siempre son una vía para transmitir

conceptos teosóficos. No es un ejercicio
artístico como tal. *Moscú, 1916.

Philippe Sers: “Cada color se identifica

primero por su resonancia interna, que
es, por su acción sobre el alma. En el
texto, esta resonancia interior se define
directamente en el párrafo de tres
maneras: su función psíquica básica, su
génesis en el orden de los colores que se
impone en nuestra mente y que se
expone como una especie de
cosmogonía, ontogénesis del círculo de
color y, finalmente, por su significado
espiritual que surge de manera natural los
dos anteriores. Los colores se definen
también al mismo tiempo por la
asonancia: evocando resonancias
psíquicas similares a ellos.”

Neoplasticismo
En nosotros ya ha comenzado una nueva Europa. Las ridículas internacionales socialistas
1-2-3, eran sólo externas, consistían sólo de palabras. La internacional del espíritu es interior,
inexpresable. No consiste en palabras, sino en actos creativos y de fuerza interna. Fuerza
espiritual. Con esto se está formando un nuevo orden del mundo”. (De Stijl, Manifiesto III).
Ahora vemos el poder que tienen las formas y colores primarios. Es un término inventado por
Mondrian (será parte de De Stijl). De Stijl es un grupo que tratará de cambiar la vida a través
del arte. Mezclan pintura, arquitectura y diseño. Creyendo que esa función puede generar un
cambio social.

19
Hay un Manifiesto de 1921 pero el grupo es de 1917, cuando publicaron su primer número.
Dura hasta 1925, cuando Mondrian decide marcharse y crea otro grupo más.

-Después estará Van Doesburg (miembro de De Stijl) que crea su propio estilo, el
Elementarismo: habla de la unión de los opuestos, al igual que la Teosofía. Esta unión la
realizará a través de la diagonal.
*Theo Van Doesburg, Composition VIII, 1918.
*Van Doesburg, Composición de contadores en disonancia XVI, 1925.

*Primer número de revista De Stijl, 1917.*Van Doesburg, Composición aritmética, 1930.

-Piet Mondrian.
Empezó siendo un maestro del dibujo. *Molino, 1908. (Abajo izqda.)
Se introduce en el mundo de la Teosofía, de la abstracción… Se va desinteresando de la
representación de la realidad. *Árbol rojo. (Abajo dcha.)
Va radicalizándose y piensa de qué forma transmitir esta trascendentalidad.

20
*El gran árbol, 1911. *Composición en gris y azul, 1913.

*Composición II. Sus elementos esenciales será el plano.

La pintura es un vehículo de esa nueva
trascendencia que se transmite
estrictamente con líneas verticales y
horizontales y uso de colores primarios.
No pone nombre a los cuadros para que
refiera a algo del exterior.
Cuando vemos sus pinturas vemos
manifiestos sin letra: función del arte,
esencia de la pintura…

21
Fundó en 1930 el grupo Abstracción-creación en París. Muere en el 44. Deja este enorme
legado. Colores primarios, líneas verticales y horizontales como verdades universales.
“El hombre cultivado de nuestros días se va apartando gradualmente de nuestras cosas
naturales, y su vida se hace más y más abstracta (...) Como representación pura de la mente
humana, el arte se manifestará así mismo en una forma estéticamente purificada, esto es, en
una forma abstracta.
El verdadero artista moderno sabe de los abstracto que hay en una emoción causada por la
belleza; sabe del hecho de que la emoción causada por la belleza es cómica, universal. Este
reconocimiento consciente tiene como corolario un plasticismo abstracto, pues el ser humano
se adhiere sólo a lo que es universal”. (Mondrian, Realidad natural y realidad abstracta, 1919).

*Composición, 1921.

*Composición, 1919. (Derecha)

*Composición en rojo, amarillo y azul,
1921. (Abajo).

Suprematismo y constructivismo. Práctica clase

05/03/2024
Dadaísmo
Escribir es una acción en la que uno coge un instrumento (lápiz, cuerpo-coreo, luz-fotografía).
La escritura es mucho más amplia de lo que nos pensamos.
Lo importante dentro de la historia del arte es como esa acción produce arte.

22
-Los caligramas los inventa Apollinaire.
-La escritura es casi como una performance.
El arte y la escritura se relacionan no sólo en las Vanguardias, también es algo propio de la
prehistoria. Están íntimamente ligadas durante la historia.
El arte es el primer lenguaje: las pinturas parietales forman la primera escritura. Los primeros
seres humanos que se querían comunicar lo hicieron mediante el arte.
Los primeros alfabetos son del 2.000 a. C. (?). Las primeras escrituras son los pictogramas.
Luego escritura cuneiforme y después la egipcia.
Esto nunca ha dejado de ser así (emojis actuales…).
-Leroi-Gourham distingue cuidadosamente el grafismo de la escritura. La escritura, como es
sabido, está fechada en el tercer milenio a.C; pero el grafismo detaría de finales del período
musteriense (aproximadamente 35.000 años a.C.); sería contemporánea de los primeros
colorantes (ocre y manganeso) y de los objetos de adorno. Los grafismos, fuera de toda
semántica constituida, son rayas, trazos grabados sobre el hueso de la piedra, pequeñas
incisiones equidistantes.

-Palabra Guerra en diferentes tamaños y grafías: la forma en que se transcribe también

importa mucho para el contenido. ¿Puede cambiar el significado de una palabra según la
forma en que se escribe?

-Poesía visual: technopaegnia. La relación entre arte y escritura son constantes. En el siglo
XX. se produce una explosión de esa experimentación. Si tuvieramos que decir quién fue el
primero sería *Stephan Mallarmé, Un golpe de dados. *Apollinaire, Yo también soy
pintor.

Mallarmé coge sus páginas como si fuera un cuadro. Hay que saltar a la siguiente página para
leer.
*Marinetti, interior del libro Zang Tumb Tumb. Son
palabras en libertad.

23
*Primer libro simultáneo, Delaunay.
Prueban cómo es leer en otro formato que no
sea un libro.

-Algunas manifestaciones artísticas que

mezclan arte y escritura, siempre de forma
bidireccional:
-Títulos: inclusión de texto en la obra.
-Écfrasis: descripción poética de una obra de arte.
-Poesía visual: poema en el que la colocación de los versos no sigue la estructura del
párrafo, a veces imitando lo que los propios versos dicen.
-Poesía sonora: poema en el que el sonido de las palabras se usa para expresar, sin
atender a los significados.

Dadaísmo y surrealismo
Primero se dio el Dadaísmo. Posteriormente una serie de dadaístas crearían el surrealismo. En
común tienen:
-Revolucionar la vida.
-Rechazo del sistema de pensamiento racional.
-Reacción a las consecuencias atroces de la Primera Guerra Mundial. Hubo aproximadamente
20 millones de muertos por el avance de la tecnología.
-Un enorme número por la creencia de que el progreso de la técnica nos va a salvar, creen que
gran parte de la culpa la tiene el sistema de pensamiento que hay detrás (racionalismo).
Desencantados con la Ilustración y experimentan con esa parte irracional.

Dadaísmo
Dada no significa Nada. Nombre que usan para resumir su propósito: destruir el arte. Es un
antimovimiento, no son un grupo férreo. Eran diversos artistas que temporalmente les interesó
ese nombre. No podemos agruparlos en torno a una misma disciplina. Lo que les une es el
deseo de destruir el Arte (el concepto de artista y el de obra de arte).
Exploran lo irracional: uso de la ironía, lo absurdo, la crítica… y le van a dar más importancia
a las ideas que a las formas. Se desarrollan en 4 ciudades: Berlín, Zúrich, Nueva York y París.
Hay revistas y manifiestos que son
antimanifiestos.
*Manifiesto Dada, Tristán Tzara, 1918.
No entiendes nada. El racionalismo nos ha
llevado al punto del asesinato.

24
*Raoul Hausmann, Espíritu de la época: cabeza mecánica, 1919.
Cabeza de maniquí, en vez de orejas tiene elementos
pegados. Máquina de escribir, regla, número. Es una
crítica a la revolución industrial, a la masificación…

Pioneros: Tristán Tzara. “El pensamiento se hace en la boca”: enfatiza que es con los sonidos
que hacemos en la boca cuando se piensa.
Escrito y poeta: usa el azar y lo absurdo para hacer sus obras.
*Cómo hacer un poema dadaísta: recortes de periódicos en un sombrero. El resultado
tendrá más potencia poética que cualquier otro poema hecho mediante la razón. Uso del azar.
Ya se han hecho muchos poemas con raciocinio, ahora hay que explorar la otra parte.

Zúrich es muy importante porque Suiza es neutral. Aristias exiliados se van allí. Se crea un
centro de reuniones: el cabaret Voltaire: local donde se juntaban a experimentar entre arte y
escritura.

*Hugo Ball, Karawane. Burla del papa.

Se fijan mucho en los niños. Con esa parte de los sonidos, el lenguaje de los bebés están
explorando esa parte primitiva del lenguaje.
Harán mucho collage: quieren destruir el arte.
*Hannah Hoch, Corte con cuchillo de cocina a través de la barriga cervecera de la
República de Weimar, 1919. Fue feminista, sufragista… se lleva las ideas del dadaísmo. La
obra es una crítica del sistema político, crítica al Kaiser. Mezclado con revistas de escritura.

Marcel Duchamp
Padre del arte contemporáneo. Destruye el arte como se conocía hasta entonces. Francés, nace
en una familia de artistas. Además va a ser un experto ajedrecista y esto estará presente en su
obra. A mediados de los años 20 se retiró del arte por el ajedrez profesional. Influenciado por
el cubismo y el futurismo. Va a descubrir las consignas dadaístas y se
verá muy atraído por ellas. Empieza a criticar la historia del arte.
*Desnudo bajando una escalera, nº2, 1912

25
*L.H.O.O.Q. 1919. Ella está cachonda. ¿Por qué se ríe la mona lisa? Porque está cachonda.

-Readymade: término que se usaba para los objetos hechos a

mano y los industriales.
Duchamp coge el término para definir un nuevo tipo de obra
de arte.
Cualquier objeto puede ser arte. Obra de arte hecho con un
objeto o varios cotidianos que han sido descontextualizados y
elegidos por el artista para verse como una obra de arte.

*Rueda de bicicleta, 1913.

*Anticipo de un brazo roto, 1915.
Esto es arte porque yo lo elijo.
Duchamp nos convence y cambia la
concepción del arte. La tipografía
importa y coge este mismo esquema. La forma es lo importante y no el significado. Entre la
escritura y los significados hay un vacío.
*Fuente, 1917.
Está en Nueva York y pertenece a la sociedad de artistas
de Nueva York. Y este siempre expone lo que hagan sus
artistas. Él presenta a la exposición este Readymade. Es
un urinario puesto al revés. Lo firma con un nombre
falso, R. Mutt. Le rechazan la obra pero él hace un
artículo de cómo en realidad esto sí puede (LA
POTENCIA) ser una obra de arte. La obra de arte la
elige él, descontextualizado y con nueva función. OBRA
DE ARTE.
A partir de este readymade todo puede valer en el arte.
Sólo aquellos que consiguen cambiar su significado.
Destruye lo que se entendía como obra de arte y como artista.
Comienza entonces el arte conceptual. Importa la idea que funciona y es magistral. Se rompe
el aura de Benjamin y se abre el concepto.
La vía de la técnica está agotada. Él abre esta vía.
(Ajedrez: peón se convierte en reina, aquí Duchamp está haciendo un jaque mate a la historia
del arte). Exposición: Duchamp, el arte, el ajedrez y las vanguardias.

26
 12/03/2024
Surrealismo
Se fundó en París en 1934. Es un movimiento muy organizado, no como el dadaísmo. Cuenta
con manifiestos oficiales.
El término Surrealismo viene del arte de Apollinaire. En 1917 este publicó una obra de teatro
“Las tetas de Tiresias”-Drama surrealista. Quieren ampliar la realidad a través de la
exploración del mundo irracional del ser humano: los sueños, el erotismo…
André Breton en el Primer manifiesto del surrealismo de 1924 define el Surrealismo:

Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar tanto verbalmente como por escrito o de
cualquier otro modo el funcionamiento real del pensamiento. Dictado del pensamiento, con exclusión
de todo control ejercido por la razón y al margen de cualquier preocupación estética o moral.

Automatismo es no pensar. Intentar eliminar la racionalidad. El Surrealismo será un

movimiento literario en sus primeros años. Creen que el ser humano vive a medio gas.
Antirracionalistas. No les interesa ni la belleza, ni la moral.
-Primer manifiesto del surrealismo, 1924.
-Segundo manifiesto del surrealismo, 1930.
-Prolegómenos a un tercer manifiesto del surrealismo o no, 1942.

El líder será André Bretón, estudiante de medicina y escritor. Fue camillero en la Primera
Guerra Mundial, cosa que le marcó durante toda su vida. Se sentía atraído por el dadaísmo y
por eso creó este nuevo grupo.
En el Segundo Manifiesto intentó hacer una limpieza echando a aquellos artistas que él
consideró que no debían estar.
En el 1924 fundó la Oficina de Investigaciones surrealistas en París. Es un movimiento que
también es político. Alineado con ideas comunistas. Se ve en sus revista.s

Fases del surrealismo:

-1924-29: la época de los sueños (primer manifiesto y la revista La révolution surréaliste).
-1929-45: radicalización política y escisiones (segundo manifiesto y revista Le surréalisme au
service de la révolution).
Admiran la figura del poeta maldito Rimbaud y Marx, entre otros. Quieren aunar la poesía y
la política.

Precedentes del surrealismo

“El surrealismo existía antes que yo y sé que él me sobrevivirá”. Breton.
Él estaba muy seguro de que el surrealismo era el movimiento definitivo.
-Dadaísmo: algunos primeros fueron dadaístas. Comparten el
uso del humor, atracción por lo irracional, uso del collage…
-El surrealismo también bebe mucho del siglo XIX. En Goya ya
estaba el suelo de la razón, la fantasía… Se basa en especial en Los
cantos de Maldoror: “bello como el encuentro fortuito, sobre una mesa
de disección, de una máquina de coser y un paraguas”.

27
No les interesa la belleza, sino la paradoja, la contradicción…
-Otro antecedente es Otro mundo, Grandville, 1844.
-El Bosco podría ser considerado el primer surrealista. Realizó todo un mundo onírico
con El jardín de las delicias, 1500-1505.
-Estaban fascinados por “el arte de los locos y los niños” y las tradiciones ocultas:
Estas prácticas están dentro del primitivismo también. Hans Prinzhorn
fue un psiquiatra que trabajó en un psiquiátrico de Heidelberg. Cogió
las obras de sus pacientes e hizo un catálogo con ellas. “Expresiones de
la locura”, donde pudo encontrar algunos patrones repetitivos en sus
pinturas. Esto fascina a los surrealistas por esa atracción ya que esta
gente está fuera de lo irracional.
Esta atracción también se produce con niños y médium. Jakob Mohr,
pruebas, 1910.
-Etnografía y primitivismo. Estudio de Breton de las máscaras
africanas.

*Frida Kahlo: muchas veces por su figuración onirista se la relaciona con el surrealismo, pero
nada más lejos. Es un contexto diferente, México, no puede ser relacionada con el
surrealismo.

-Psicoanálisis de Freud. Médico y filósofo del siglo XX. No somos tan racionales como
creemos. Tenemos un doble fondo, doble naturaleza. Sobre nosotros gobierna la inconsciencia
que sólo se manifiesta en el sueño. Dice que somos seres deseantes. Hay dos tipos de deseos:
Eros (Amor) y Tánatos (destrucción muerte). Todo lo relacionado con el psicoanálisis fascina
al surrealismo.
-Saint-pol-Roux: “El poeta trabaja”, sueño. Cuando el poeta sueña, el poeta trabaja.
-El automatismo es un concepto clave del surrealismo. Lo intentan practicar haciendo arte sin
pensar. Pretenden realizar una escritura automática: escribir sin pensar. En 1919 publica “Los
campos magnéticos”. Hacen un intento de liberar el dictado, pero todo ello es más teoría que
práctica.

*Max Ernst, El bosque petrificado, 1929.

*Max Ernst, Sueños y alucinaciones, 1926,

fotocollage.

28
*Óscar Domínguez, s/t, 1936

En 1923 Breton dice que es un fracaso, que no lo han conseguido. Este automatismo lo
pretende realizar también en artes plásticas.
-Frotage: técnica de Max Ernst, se trata de coger una cera e intentar traspasar la textura.
-Collage: también hacen uso de esta técnica propia del cubismo.
-Óscar Domínguez: decalcomanía-cubrir de óleo un papel, juntándolo con otro y creando así
superficies.
-Buscan un resultado fortuito y por ello hacen los cadáveres exquisitos. Dibujo hecho por
varias personas y luego se une. Comparten técnicas cotidianas con el Dadaísmo que
cualquiera podría hacer.
*Cadavre exquis. Salvador Dalí, André Breton, Gala,
Valentine Hugo, 1932. Tinta china sobre papel.

René Magritte y Joan Miró

Comparten trabajo entre palabra e imagen.
Magritte es belga, está relacionado con la publicidad y el diseño.
Atraído por el surrealismo francés. En sus obras se puede notar una
extrañeza muy familiar. Tiene un estilo académico en su grafía y un
arte figurativo. Es muy realista pero con elementos de paradoja.
*La llave de los campos, 1936, Magritte.

29
Es una obra contra la idea de Alberti. “El arte es una ventana para asomarse a la realidad”.
Nos habla de la ruptura de la ventana de Alberti que han
traído las Vanguardias.
*La condición humana, 1933. El lienzo está fundido con el
paisaje. No hay una clara distinción entre realidad y ficción.

*Duchamp, Fresh widow, 1920. Juega con el lenguaje, widow

es parecido a window. La viuda alegre. Viuda por la muerte de la
ventana albertiana.
Magritte trabaja desde esta paradoja entre realidad y sueño. Son
como ensayos filosóficos en
pintura.
*Intentando lo imposible,
1928.
La consecución del deseo,
volver la pintura carne.

“Quienes busquen en mi pintura significados simbólicos no

captarán la poesía y el misterio inherentes a la imagen”
*Las palabras y las imágenes, 1929.

*La clave de los sueños, 1929.

30
*La traición de las imágenes, René Magritte,
1929.
“No me puedo sacar de la cabeza que la
diablura se encuentra en una operación cuya
sencillez de su resultado ha vuelto invisible”.
Michel Foucault, Esto no es una pipa. Ensayo
sobre Magritte.
Es simple y complejo a la vez. Hay una pipa
realista, una inscripción y el título. Representa
una pipa y dice esto es una pipa. No es el
objeto, es la representación.

Joan Miró
Es de origen catalán. Mezcla el catalanismo con el surrealismo. Comienza sus andanzas en
Barcelona y luego se marcha a París donde entra en contacto con Picasso.
*La masía, Joan Miró, 1921. Huella de la cultura
catalana, con un árbol de la vida en el centro. Es
realista y une elementos oníricos. Los pájaros son
fundamentales en Miró.
Solo veremos pinturas poema: funcionan como
poemas y tienen versos, como Magritte. Mezcla
mirada e imagen.

*El carnaval del arlequín, Joan Miró, 1924.

*Peinture (Escarhot, femme, fleur, étoile), Joan Miró,

1934.

31
 *Un oiseau poursuit une abeille et
la baisse, 1927, Miró.
Reflexión mirada/sueño,
escritura/imagen…
Un pájaro persigue a una abeja y se la
folla. La palabra “baisse” reproduce el
zumbido de una abeja.
Es una posible reproducción de uno
de sus sueños.

*Photo. Ceci est la couleur de mes reves, Joan Miró, pintura poema. 1925
Este es el color de mis sueños. Superficie terrosa con
una caligrafía escolar. Sinestesia: mezcla de sentidos
como Kandinsky.

Leonora Carrington 1917-2011

Es una pintora y escritora inglesa. Grupo surrealista de los años 30. Encontramos una relación
muy profunda entre el mundo animal y el humano. Se considera que los animales no tienen
razón. Plantea un mundo del sueño. Los animales humanos y no humanos conviven.

*Autorretrato, 1937/38.
Convive con la hiena y el caballo.

Mantuvo una relación sentimental con Max Ernst.

En la época de la Segunda Guerra Mundial le
metieron en un campo de concentración. Ella le
busca, era hija de un magnate de las farmacéuticas
y llega a Madrid. Sufre un brote psicótico: cree
que Franco ha hipnotizado a toda España. Le
ingresan en un psiquiátrico de Santander donde la
maltratan y torturan. Una vez liberada se marcha a
México. (libro Memorias de abajo). Reflexiona sobre la relación del arte de los locos.

32
*Retrato de Max Ernst, 1939. *La giganta, 1947. *Y entonces vimos a la hija del
minotauro, 1953.

Salvador Dalí
Pintor, escritor y performance. Catalán. Primeros años vivió en su tierra natal, Figueras y en
Cadaqués. Será un dibujante muy talentoso. Llegó a Madrid se examinó en la Academia de
Bellas Artes de San Fernando y suspendió porque no se lo había preparado. A los diez días se
volvió a presentar y sacó un 10, pero se marchó.
En sus primeras obras bebe del cubismo, influenciado por Picasso. Su primer hito fue la
Residencia de Estudiantes.
La residencia fue el primer centro cultural de la España del 20. La ILE (Institución Libre de
Enseñanza), quería hacer convivir en un mismo espacio arte, ciencia, deporte, filosofía… y
formar a los nuevos líderes de España. En su día lo consiguieron, allí estudiaron Ramón y
Cajal, Concha Mendez, Lorca, Dalí…
Allí se formó el trío entre Dalí, Lorca y Buñuel. Con Lorca mantuvo una relación sentimental
en sus primeros años.
Fue un gran escritor, gran teórico. Estilo realista pero onírico. También piensa como un
performance. Conoce a Elena Ivánovna (Gala). Los dos constituyen una pareja de performers.
Ella es una crítica pnesadora de origen rusa. Son un dúo inseparable, será Dalí el que pinte y
ella estará detrás con las ideas y pensamientos surrealistas. Estará presente en muchas de sus
pinturas.
*Muchacha en la ventana, 1925. *Naturaleza muerta, 1924. *Retrato de Luis Buñuel,
1924.

33
*Comienzo automático de un retrato de Gala, 1933. *Leda atómica, 1949.

*Rostro del gran masturbador, 1929.

En ese año conoce a Gala. Es un estilo que
mezcla realismo con partes blandas. Es un
chico muy joven que tiene un enorme deseo.
Su fantasía es estar con Gala.
Se da una convivencia de los contrarios:
duro/blando, animales/humanos,
hombre/mujer, realidad/sueño…
Es un autorretrato de Dalí. Está retratando su
sueño (Freud). Los insectos son la expresión
del deseo.
Cabeza de león con una gran lengua: es la
imagen de la fantasía que no se ha cumplido.
*La persistencia de la memoria, 1931. En 1930 da una conferencia donde explica su método
propio al margen del surrealismo que muestra Breton (un poco autoritario). En contra del
método del automatismo, él habla del método paranoico crítico. Explica cómo es posible
reinterpretar las propias paranoias de forma crítica para plasmarlas en pintura: “Yo soy
surrealismo”.
En 1931 ya había visto a Einstein. Crea este cuadro.
El paisaje está inspirado en Cadaqués. Se trata de un
autorretrato en estado blando, arropado por tres
relojes blandos y uno duro. Falta de consistencia
entre el espacio y el tiempo. Hace uso de la
relatividad de las dimensiones. Del reloj duro, que
está en contraposición con los blandos, salen
hormigas. Estas hormigas expresan el deseo. Hay un
tiempo que pervive intacto (duro) y ese es el del
deseo.

34
 Objetos del surrealismo
Muchos surrealistas crean objetos de funcionamiento
simbólico que introducen la dimensión del sueño en la vida
cotidiana. *Alberto Giacometti, bola suspendida,
1930-31. Es puro erotismo. Es una forma vaginal y otra
fálica que no se llegan a tocar por muy poco. Muestra el
enorme poder del deseo. Freud: Somos animales deseantes.

Hans Bellmer y Unica Zürn

*La muñeca de Hans Bellmer. Obsesionado con el
erotismo femenino crea este aparato de numerosas
versiones. Cuerpo de mujer reducido a sus partes
sexualizadas.
En 1954 conoce a Unica Zürn y dice que es la vivia
apariencia de la muñeca. Inician una relación
sadomasoquista. Ella es una artista, escritora y
dibujante como Carlington. Tienen sufrimiento
psíquico y acaba suicidándose. *El hombre
jazmín. Obra recuperada por las feministas en los
años 80.

19/03/2024
Meret Oppenheim
Proviene de una familia muy intelectualizada y ella muestra objetos surrealistas. Es artista,
poeta, activista… suiza. *Mi gobernanta, 1936.
​Mezcla una de las filias que define Freud: el fetichismo (te excitas por
un objeto o parte del cuerpo). Están coronados como las patas del pavo
de Navidad. Canibalismo y erotismo.
La naturaleza entre animal y humano. Cooperación entre ellos como
en Carrington. Sigue su línea. Surrealistas como Breton dice que la
mujer es más natural, impulsiva, animal… Menosprecio que
Oppenheim utiliza para los *Guantes bestia, 1936.

*Déjeuner en fourrure, 1936.

35
 Fotografía y cine en el Surrealismo
Usado por el surrealismo también. Automatismo psíquico puro. Usan la fotografía y el cine
para tratar de captar los sueños (como Miró). Muchos fotógrafos quieren incidir en cambiar la
vista.
“Cambiar la vista: por insensata que parezca, esta esperanza fue sin
embargo una de las grandes motivaciones de la actividad
surrealista”. André Breton.
-Man Ray:
Amigo de Duchamp, va a París para hacerse miembro oficial del
surrealismo. Es americano. Imágenes irracionales con elementos
fortuitos.
*El violín de Ingres, 1924: violín de Ingres es una expresión
francesa que se utiliza cuando te quieren decir que algo no se te da
bien.
*Lágrimas, 1932.

También realizan rayogramas que son fotos sin cámara. Coge un papel fotosensible y lo
expone a una ampliadora (foco de luz que revela la película), pero no tiene película la cámara.
De nuevo se busca un encuentro fortuito e irracional. *Rayograph of hand, 1927.

-Claude Cahun.
Se ha descubierto que es una pareja de
lesbianas bajo un mismo pseudónimo.
Usarán la foto para buscar otras identidades
posibles a través de la caricatura y el
travestismo. Reflexión sobre otras
identidades.
No sólo hay que tener en cuenta a la modelo,
también a quién está detrás de la cámara.

36
Aunque Breton objetiviza mucho el cuerpo de la mujer es una de las corrientes con las que
más mujeres cuenta.
Cine en el surrealismo
Pretende hacer una reproducción de los sueños. El surrealismo será muy importante para la
historia del cine.
*Un perro andaluz, 1929, Dalí y Buñuel. En ese año rompieron Lorca y Dalí. El
cortometraje alude a Lorca, perro andaluz. Habla sobre la represión del deseo y la moral
católica de la España de la época. Parte de un sueño de cada uno. Buñuel sueña con una mujer
a la que le cortan el ojo con una navaja, mientras que Dalí sueña con hormigas que le salen de
la palma de una mano.
Querían llevar los sueños al cine pero hay una narrativa muy pensada detrás del cine. Este
corto no la tiene. Son secuencias de imágenes que borbotean en diferentes situaciones. Tiene
una estructura inconexa. Va hacia delante y hacia atrás. No es un sueño, es un corto muy
pensado. Límite de la utopía surrealista: imposibilidad de plasmar el mundo de los sueños en
la realidad (escritura automática).

La guerra en imágenes: cultura visual bélica desde el Guernica a los exilios artísticos
Toda esta experimentación se acabará con la Guerra Civil y la Segunda Guerra Mundial. La
última empresa utópica sería la Bauhaus, cerrada por el gobierno Nacional Socialista.
Se produjeron miles de exiliados entre los que se encontraban muchos artistas. El arte de la
vanguardia será perseguido y señalado.

Guerra Civil Española

Se ensayó durante la guerra con armamento que se utilizará después en la Segunda Guerra
Mundial. La guerra será muy importante para el arte.
Será la primera guerra que se transmite a través de los medios de masas. Se crea el oficio de
fotorreporteros. Se libra bajo una mirada internacional, aunque de neutralidad. Muchos
intelectuales internacionales se unieron a la causa: Hemingway, Orwell, Dos Passos…
*Asesinato de Lorca: estupor internacional.
-Se produce una guerra visual, porque los dos bandos usarán el cine y la foto como medios de
comunicación y propaganda. En la Guerra Civil empezamos a ver cosas que podemos ver
ahora: el uso de las imágenes desde los dos bandos.
El gobierno de la República usa la cultura como un arma. Harán cartelería, cine y revistas.
Nombran a Picasso como presidente del Museo del Prado, aunque nunca volverá a España. Se
realizará una defensa del Tesoro artístico: evacuación de las principales obras.
*La gloria del general Franco, André Masson, 1938.
*La revolución española,
Francis Picabia, 1937.

37
*Philip Guston, Bombardment, 1937. *Spain, George Grosz, 1937.

-La muerte de Lorca sería una imagen que daría la vuelta al mundo.
-Cartelería, mirar PPT solo por curiosidad.
-Digamos que dejamos de experimentar con las vanguardias y se vuelve al realismo puro por
la causa.
*Construcción blanda con judías hervidas, Dalí, 1936. *Paco Díaz Bravo. 9 años.
Evacuación

*”Esta escena representa un bombardeo/” Mercedes

Comellas, 13 años.
*La Faim, Remedios Varo, 1938.

38
*Alberto, Dibujos antifranquistas de la serie cinco flechas, 1936.

*Francisco Bartolozzi, Cabeza de soldado, 1938.

*Rodríguez Luna, Todos en pie frente al fascismo, 1937.

Robert Capa
Robert Capa se ha descubierto recientemente que es un colectivo de dos fotógrafos. Andrei
Friedmann y Gerda Taro que muere en la guerra. Freelance que trabajó para la revista LIFE
principalmente. Es una pareja sentimental y ella se dedicará a realizar imágenes sobre el papel
de las mujeres.
*Pareja de milicianos, 1936. *Miliciana republicana, 1936.

39
*Gerda Taro, Miliciana, 1936. *Robert Capa, Muerte de un miliciano.

*Víctimas mortales de los bombardeos en Valencia, Mayo 1937.

*Víctima mortal de la G.C. Española, 1937.

Carteles
*Joan Miró, Aidez L’Espagne, 1937. No será un cartel
como tal, será un sello para financiar la causa republicana.
Usa la técnica de Pochoir. Tiene los colores de España y
de Cataluña.

“En la batalla actual, veo en el bando fascista las fuerzas

caducas y en el otro bando el pueblo cuyas inmensas
fuerzas creadoras darán a España un impulso que
sorprenderá al mundo”
*Josep Renau: Usa collage, foto collage, escritura e
imagen (vanguardismo). Será de los grandes exiliados.
Emigrará a México.

1937

40
 GUERNICA
Imagen de la guerra y ahora de la paz.
Realizado por Picasso para la Exposición
Internacional de París de 1937. Ya llevamos un año
de guerra y el gobierno se plantea cómo afrontar la
exposición. Cada país tiene un pabellón y el
gobierno de la república decide usar ese pabellón
como el último gran escaparate para enseñar al
mundo lo que está pasando. Reúnen a los mejores
artistas para intentar derrocar la guerra y poder
mostrar los logros de la república.

-Obras de la exposición para financiar la causa:

El Guernica es una de las imágenes más complejas de

todo el siglo XX. Le piden un cuadro a Picasso y
pagan un para que pueda pintar en París. Picasso
entra en una crisis vital. Málaga, su ciudad natal, se
ha sublevado, sentimentalmente tiene una situación
complicada, Gala ya no le paga una pensión que antes
le pagaba, tiene una doble vida y un romance con una
fotógrafa francesa.
Picasso plantea el pintor y la modelo como tema para
su obra. La república ante este tema se queda

41
consternada al ser un tema tan clásico. Pero el bombardeo de Guernica lo cambia todo
(26/04/1937). La legión Cóndor y la legión italiana ejecutan la operación Rügen. Se realiza un
testeo de bombas y armamento sobre un pueblo que a priori no tiene importancia bélica, pero
sí tenía importancia simbólica. Es el origen del Parlamentarismo Vasco. Y allí se realizaron
bombardeos indiscriminados. Este bombardeo salta por todo el mundo, se realizaron 24
manifestaciones en dos semanas. Picasso ve todo a través de la prensa y sufre un impulso que
le permite pintar la obra final.
En ella aglutina todas sus enseñanzas desde la primera mitad del siglo XX. Podríamos decir
que es la última obra de vanguardia. Es una pintura de historia, pero sin protagonistas. No hay
personajes principales. El prota es el horror. Además es una pintura de historia de un
momento presente, no como habitualmente ocurría (El rapto de las sabinas, Los fusilamientos
del dos de mayo).
El cuadro cuenta con un triángulo que ordena el cuadro. A la izquierda deja el toro, alter ego
de Picasso. Al lado hay una versión de La Piedad (dolor) de Miguel Angel (versión lacia).
Desacraliza esa imagen clásica de la Virgen María cogiendo a su hijo muerto.
Al lado del toro hay un pájaro muerto, como una paloma de la paz.
Lámpara encendida: conflicto visto por todo el mundo. Inferior: recuerdos cubistas. Animales
y personas despedazadas, animales gritando… A la derecha hay seres sufrientes, o bien en
llamas o bien huyendo. Destaca la figura superior donde hay una luz (la luz que trajo la
república).
Que el cuadro esté en blanco y negro alude a las imágenes en este tono que llegaron a Francia
y a través de las cuales Picasso conoció el conflicto. También alude al cubismo.
Después del 37, el Guernica empieza a viajar por el mundo para ganar dinero para la causa.
Llega hasta el MOMA donde se queda en depósito. Allí se acaba la vida histórica del guernica
como cuadro de guerra. Desde el 37 a hoy el cuadro en su totalidad o algunas imágenes se
harán símbolo de todas las guerras o manifestaciones. Convirtiéndose en un símbolo por la
paz.

HAY MÁS FOTOS DE OTRAS COSAS RELACIONADAS EN LAS DIAPOS. MIRAR SI

QUIERES

42
 02/04/2024
Segunda Guerra Mundial
El conflicto bélico nos lleva a la muerte del ser humano. Consecuencia irreversible en el
mundo. Adorno (filósofo y escritor): “Escribir poesía después de Auschwitz es un acto de
barbarie”. No hay posibilidad de belleza en este mundo después de lo ocurrido.
Primo Levi: “Si existe Auschwitz no puede existir Dios”. Moralmente no puede existir. No
podría permitir esto. Entramos en una época distópica. Ya vivimos en un mundo de imágenes.
Nueva profesión de reportero de guerra. Llegan las imágenes de la barbarie
Lee Miller: durante la guerra se tuvo que hacer fotoreportera para sobrevivir.

Sobre todo en la década de los 50 veremos arte

abstracto y matérico. El arte de la posguerra en
ocasiones es evasivo. Rostros deformados con
sangre, materiales de baja calidad, plena
posguerra, hambre, no hay materiales.
“Fautrier nos muestra rostros tumefactos,
perfiles aplastados, cuerpos convulsionados por
las descargas de fusil, desmembrados,
mutilados, comidos por las moscas. Tiene
razón, pues ese es el asunto más importante del
siglo: el asunto de los rehenes”.

​Informalismo/art autre (arte otro)

Término que surge en el contexto francés y remite a un libro de Michel Tapié. Sirve para
definir a la pintura informal, abstracta, que no tiene forma. Es otro arte del que se había hecho
hasta entonces.
-Alberto Giacometti:
Ya le hemos visto como escultor surrealista. Es pintor, dibujante italiano. Empieza su carrera
en París. (Mirar surrealismo).
Con la guerra cambia de preocupaciones. Hace estructuras filiformes. Giacometti se sale del
grupo surrealista. Empieza a preocuparse del sentido de la existencia
humana.
*La nariz, 1950. Bronce y yeso.
Habla de la ciudad, del teatro. Él es clasificado como el artista
existencialista del momento: Nace en Francia en una guerra, no existe
la naturaleza humana. No hay esencia, hay condición humana. Se
pierde el concepto de lo humano.

43
 Se produce una derrota moral de Francia. Hitler
paseando por los Campos Elíseos.
*Escultura: seres humanos que no tienen destino.
Son cadáveres andantes.

Dubuffet
Francés, escritor, coleccionista, pintor, escultor. Muy particular: era un anarquista convencido
y autodidacta. No expone hasta los 40 años. Reacciona a la guerra mediante la abstracción.
*Pequeñas estatuas de la vida precaria, 1954. (Está en la página anterior).
masa que remite a las imágenes saque los cuerpos calcinados daban en Auschwitz.
*Diálogo de los pájaros, 1949.
Es abstracto pero ya no tiene que ver con las formas
geométricas de los años 20, sino que es materialista.
El arte para él es una actividad anónima al alcance de
cualquiera (Graffiti). Escritura espontaneidad que habla del
arte alejado del género. Él acuña un nuevo arte, llamado Art
Brut.

Art Brut
El Art Brut: arte en sitios escondidos que pasa desapercibido. Brut significa arte verdadero, no
arte bruto. Es una colección que se basa en los psiquiátricos, en las escuelas y en las prisiones.
Gran interés en encontrar obras de artistas en aquellos sitios de situación extrema. Gente
recluida, niños, sufrimiento psíquico. Habla del hombre normal.
En el 47 comienza esta colección y en el 48 lo expone en París y funda la asociación del Art
Brut: Allí estará André Breton. Actualmente son 15.000 obras en Suiza.
Los motivos son la ciencia ficción, la fantasía… Artistas definidos por su biografía. Se da
mucha importancia a su contexto biográfico.
Jeanne Tripier: tras sus sesiones de espiritismo hacía dibujos. Estuvo en un hospital
psiquiátrico también.
Este arte se trata de un segundo paso del “Arte de los locos”, s. XX.
El caso español
Se da en los años 50 el desarrollismo, donde el Régimen intenta posicionarse como un estado
católico y moderno. Pactos de Madrid de 1953. Se introduce en el Sistema Capitalista con
EEUU. Quiere posicionarse como estado abierto y usa la cultura para ello.
En el 1951 se realiza la primera bienal hispanoamericana del arte. Se utiliza la imagen de
Dalí. Uso de la abstracción para realizar exposiciones.

44
Tiene dos lecturas: la pintura se utiliza para promocionarse, pero serán estos artistas
abstractos los que utilicen la pintura para expresar su sufrimiento sin jugarse el pelo. Se
politizan de una forma más o menos explícita.
-Antoni Tàpies, 1923-2012.
Será de los creadores más conocidos del momento. Catalán, autodidacta, con 18 años sufre
una afección pulmonar muy grave que le deja en cama y ahí empieza a pintar.
En 1948 nace el grupo de neovanguardias DAU al 7.
Rescatan las enseñanzas surrealistas.
*Ellos acusan, 1951. Influencia de Miró. 1950 visita
París con una beca y cambia con la abstracción matérica.
Empieza a hacer sus conocidos Muros: donde rascar,
arañar, amasar, materia. Influenciados por el budismo
zen y el mundo asiático.
Tapies cada vez más está convencido de su
nacionalismo.

“La situación social y política de mi país ha tenido siempre una repercusión en mi obra. Creo
que eso tiene que ver con el hecho de que la concepción del arte por el arte no me resulta
válida. Siempre he mantenido ante el arte una actitud utilitaria”

45
“El esfuerzo al que atiende mi obra consiste en recordar al hombre lo que en realidad es, en darle un tema de
meditación, en producirle un choque que le haga salir del frenesí de lo inauténtico para que se descubra a sí
mismo y tenga consciencia de sus posiblidades reales. no en el sentido de vuelta a la naturaleza, ni de desprecio
hacia los auténticos avances de la técnica, sino en el de luchar por abolir el estado material y espiritual en el que
la misma técnica (en su acepción más general) nos tiene sumidos (...) Con mi obra intento ayudar al hombre a
superar este estado de enajenación, incorporando a su vida de cada día unos objetos que los sitúen en un estado
mental propicio para tomar contacto con los problemas últimos y más profundos de nuestra existencia (...). En
lugar de hacer un largo sermón sobre la humildad prefiero a veces mostrar esta misma humildad. En lugar de
hacer grandes discursos sobre la solidaridad humana, quezás es mejor señalar un montón de infinitos granos
idénticos de arena”.
GRUPO EL PASO
Dar el paso y sacar a España de esta antimodernidad que vivía. Colectivo que se disuelve en 3
años pero que aglutina grandes pintores:
Millares. canario influenciado por Miró. Pintura onírica que se va politizando poco a poco
hasta hacerse violenta.

*Nº 26: habla de la violencia política del

momento. Trabaja con sudarios.

46
 *Diversión del político: política
franquista-prostitución.

Tema 3: Cómo Nueva York robó la idea de arte moderno. Abstracción y Guerra Fría
Tras las Segunda Guerra Mundial hay dos ganadores principales, la URRS y EEUU, que
acabaría con la Guerra Fría.
-París/Nueva York: el debate ideológico
1950-51: El gobierno norteamericano gasta 100 millones de dólares en un programa cultural
destinado a combatir la propaganda soviética y a promocionar the American way of life,
esencia de la cultura occidental. Expresionismo abstracto+coca cola+Chevrolets+casas
suburbanas y bienes de consumo.
“Entre las personas que he conocido se hallan Éluard, Sartre, Hugnet, Man Ray, Virgil
Thompson y algunos más. Están todos majaretas, todos sin excepción”. Clement Greenberg
en una postal a su madre en 1939.
“Es en todo caso agradable comprobar que cerca de nosotros, al otro lado de un Atlántico
cada vez más estrecho, existe un mundo nuevo en el que habitan personas cuyos ojos ni han
visto ni han leído demasiado, y cuyo intelecto es relativamente inocente”. Jean Cassou. un
punto de vista francés, 1954.

47
La Capital del Arte Moderno se traslada a Nueva York. Muchos artistas huyen allí. Gracias a
la victoria de EEUU este utiliza la cultura para la promoción del American Way of Life.
La Guerra Fría tuvo hasta 19 conflictos armados, ayudas militares…
Hay una lucha por la hegemonía mundial capitalista/socialista. Programa cultural de EEUU y
progresismo. Emparentan a Francia con la decadencia, la Vieja París (no es cierto que sea tan
decadente como ellos afirman).
MOMA: cada vez cobra más poder para hacer la historia del arte que conocemos hoy en día.
Esto también se conseguirá gracias a los críticos que tendrán una gran importancia: Harol
Rosenberg y Clement Greenberg. Ellos crean la idea del expresionismo abstracto como el
primer estilo propio de EEUU.
-Escuela y generaciones:
El movimiento se suele llamar expresionismo abstracto. También tiene el nombre de Escuela
de Nueva York. En 1950: grupo de artistas jóvenes hacen un artículo contando que no les han
admitido en el MET. Serán conocidos como los irascibles.
Nina Leen, revista LIFE, 1950, protesta colectiva contra una exposición de arte norteamericano
contemporáneo programada por The Metropolitan Museum of Art para finales de este año,
American PAinting Today: Willem de Kooning, Jackson Pollock, Mark Rothko, Adolph Gottlieb,
Barnett Newman, Clyfford Still, Robert Motherwell, William Baziotes, Theodoros starmos y Ad
Reinhardt, Hedda Sterne, James Brooks, Jimmy Enst, Bradley Walker Tomlin y Richard
Poussett-Dart.
El Gobierno de EEUU ve con interés la pintura que ellos hacen porque es apolítica. Muchos
serán contratados por la WPA. Les da un sueldo para que produzcan esta pintura. De tal forma
que gracias a los críticos, el sueldo institucional y la creación artística se va a emparentar con
un sentimiento puramente americano.
-Características:
En primer lugar es una pintura expresionista. Uso de técnicas como el dripping (chorreo):
consiste en dejar el pincel con mucho pigmento. Otra es el All Over: llenar todo el cuadro sin
respetar sus márfenes. Es abstracto, no hay figuración.
Es una pintura gestual donde vemos una superficie donde lo que importa es esa expresión y
no tanto el resultado.
Pollock es el principal artista del movimiento: lo que le importa es el proceso.
Es una pintura apolítica, individualista, centrada en expresar sus gestos, pintura masculinizada
porque se concibe a Pollock como el gran genio de su época.

Tiene su precedente en el automatismo del Surrealismo. Los años 50 muchas veces se define
como una cultura de espontaneidad. Pollock hace sus obras sin premeditación.
1. Automatismo surrealista. Ya no es algo revolucionario, se queda solo en la capa
superficial.
2. Caligrafía china y japonesa. Hay una segunda ola. Los
miembros del expresionismo abstracto verán muchas
piezas de esta caligrafía. En China y Japón la caligrafía es
un arte mayor al nivel de la pintura. Pollock y compañía
no sabían japonés, ni chino, ni que estos ejercicios eran

48
 religiosos: de liberación por monjes. Ellos se quedan con el puro gesto. *Caligrafía
“Mu”, del maestro Torei Enji.

FRANZ KLINE (1910-1962)

Así es como hay que leer la obra de Franz Kline: pintor e ilustrador. Hace Bellas Artes en
Londres y en 1958 se mudó a Nueva York. El color es el tema central de su obra. Va a
dedicarse a estudiar las tensiones entre el Blanco y el Negro. Se pone a estudiar a través de
libros y le interesa la figura de Natenbo: “Caligrafías borrachas”.
En este sentido tenemos que leer sus pinturas. Copa el trazo. Es uno de los que más se interesa
y forma un grupo: “Mamadu Bokubi”

*Franz Kline, óleo, 1953 // Cardinal, 1950 // Painting Number 2, 1954

3. El Jazz en ese momemonto era el auge de música Jazz: origen negro popuralizada por
blancos. Variante jazz bebop: se busca la improvisación.
Jackson Pollock
Pintor norteamericano que a principios de los 50 se
convierte en el artista más importante de Estados
Unidos. Influenciado por el regionalismo.
*Full Phantom Five, 1947.

*Going West, 1935.

Se muestra la escena del viejo oeste. Thomas
Benton fue su maestro . Después de 5 años se nota
mucho la segunda gran influencia en su obra: el Muralismo mexicano: movimiento artístico
mexicano al calor de las revoluciones por la liberación.
La pintura se mezcla con la historia de México y sus
valores comunistas.
*Mujer calva con esqueleto, 1940.
Brenton y Siqueiros van a influir mucho en Pollock. Por
la monumentalidad y la fuerza de la expresividad.
Trabaja con Siqueiros y aprende a usar el aerógrafo.
*Loba, 1943.

49
Primeros cuadros abstractos de Pollock. Todavía hay figuración. Mucha expresividad que se
ve en el ímpetu. Apunta a sus cuadros conocidos. En el mismo año tenemos su estilo propio
con All over y dripping.
*Guardianes del secreto, 1943. // *Sin título, 1943. Lo que más le interesa es lo
que pasa mientras pinta.

Peggy Guggenheim
Sobrina de Solomon. En los 30 inicia una colección de arte que traslada a EEUU. Ahí se casa
con Marx Ernst y abre una galería muy importante que ficha entre otros a Pollock. No todo
fueron éxitos en Pollock. Sufrió crisis de depresión y alcoholismo. Pasará una temporada en
un psiquiátrico.
Esto alimentó su imagen de artista impetuoso, individualista que EEUU quiere mostrar.
*Mural *Niebla navándula, 1950: proceso de danza.

1949: pintor más grande de Estados Unidos. Ya no hay grandes búsquedas, estamos ante una
pintura tradicional. Detrás está el contexto político de lo que es la cultura americana frente a
la URSS. En medio de esta fama mundial y sus crisis, Pollock coge el coche y se estrella
contra un árbol en 1956.
Lee Krasner
Ella es otra pintora del movimiento que desarrolla su originalidad tardíamente. Lee Krasner es
una pintora precoz, que desde los 14 años tiene claro que quiere ser artista. En 1942 hace su
primera exposición. La cuestión de género siempre le persigue. En 1945 se casa con Pollock y
su obra pasa a un segundo plano.

50
Tiene un estilo controlado y geométrico. Son años de grandes frustraciones: “demasiado
Pollock lo que hace”.
*Composition, 1949.
*Noon, 1947.

*Nacimiento, 1956: Muerte de Pollock. Empieza a desarrollar esta obra

propia.
“Pinto y nada ocurre, es desquiciante -le mostré a Janis mis tres últimas
pinturas- y me dijo que eran demasiado Pochoclos. El completamente
idiota pero tenga la sensación de que desde este mometno esta va a ser
la historia”.
*Gaea, 1966. Esta obra recuerda al expresionismo abstracto de grandes
formatos y pintura gestual pero no abandona la figuración. Gaea es un
tema
mitológico.

*Sirena, 1966. Aquí lo importante ya no es el proceso.

Willem de Kooning (1904-1997)

Emigra a EEUU como polizón en 1951. Él nació en Rotterdam, donde estudia artes
figurativas. Empieza a experimentar las tensiones entre la figuración y lo abstracto. Su género
principal serán los retratos (a su mujer).

51
Influencia de Picasso que juega con el biomorfismo. Interés en la figura humana. Referencias
a la pintura clásica pero con una mayor abstracción (Memento mori). Cada vez avanza más
hacia paisajes hasta llegar a la observación al natural.
*Dos hombres//Un hombre sentado, 1939. Kooning.

*Mujer sentada, 1940// Mujer rosa, 1945 *Ángeles rosas, 1955// Mujer en silla roja, 1929

*Abstracción, 1949 *Mujer I, 1950/52

52
*Excavación, 1950 *Villa Borghese, 1960

Barnett Newman (1905-1970)

Hay una serie de pintores dentro del movimiento que hacen campos de color. Newman usa la
fuerza del color encajando en la definición de los críticos. Es un artista tardío, que tuvo éxito
a mediana edad. Pintor, escritor, activista de convicciones sionistas. Empieza trabajando en
una tienda durante 10 años con su padre. Allí será un gran lector de filosofía (Nietzsche).
Influido por la noción del vacío que viene de la caligrafía
chino-japonesa. En las filosofías asiáticas no funciona el
dualismo de occidente. Tienen un sistema terciario: Ying/yang.
En el vacío (dinámico) está el origen de todo, no muestra
noción de vacío.
*Ornamento 1, 1948. Trabaja obsesivamente en este tipo. Gran
formato, monocromos, atravesados por delgadas líneas que
llaman ZIP (cremallera). Juega con el símbolo del Ying/Yang.
Trata de atrapar al espectador. Además están colocados para
eliminar la profundidad, sólo la superficie.
*Vir Heroicus Sublimis, 1950-51.

*First station, 1958. Experimentación con óleo, acrílicos,

siempre con el vacío de fondo.

53
*The wild, 1950. *Voice of fire, 1967.

Mark Rothko (1903-1970)

Era judío. Comparte las lecturas de Nietzsche. Se preocupa por la universalidad de las
emociones. Influido por Nueva York. Familia ruso-judía. Pintura figurativa que refleja la vida
urbana. Tiene una segunda fase: “ De pinturas multiformes”. Experimenta con formas
abstractas, cobran importancia los colores. Crisis de depresión y alcohólica.
1940: campo de color. Siempre en gran formato coloca dos masas de color complementarios,
con una técnica muy depurada y los colores parecen que están flotando sobre el lienzo.
Concepto de lo sublime. Sentimiento frente a lo bello.
Rothko es otro pintor de lo sublime. Pintura muy espiritual: espera que tengamos una
experiencia espiritual trascendental. Colocado al nivel del suelo de tal forma que el color te
rodea.
Se puede seguir su estado de ánimo a través de sus pinturas. Literalidad de la espiritualidad
muy fuerte.
*Metro, 1938
*Metro, 1938.

*ST, 1945.

54
*ST, 1947. *ST, 1947. *S/t, 1947. *Negro en rojo intenso, 1957

“No pinto cuadros grandes para ser grandilocuente y pomposo sino precisamente porque
quiero ser íntimo y humano. Pintar un cuadro pequeño significa situarte fuera de tu propia
experiencia, abordar la experiencia desde un estereóptico o de un microscopio. Sin embargo,
si pintas cuadros grandes, tú estás dentro. No es algo que tú impongas.”

-Luz + color: pared de luz y calor.

- “observador sensible”
- “necesidades espirituales”
-Pintura abierta que trasciende la visión
lateral.
-Paredes bajas, luz tenue.

*Black in deep red, 1957. *S/t, 1962

55
*Sin título (negro sobre gris), 1969. Preludio de su muerte,
color negro.
*Capilla Rothko, Texas, 1971: le encargan una capilla donde
poder rezar todas las religiones. Está en Houston. Es un
octógono: forma que tienen los baptisterio, significado de
bautismo en una nueva religión universal.
Dentro hay 3 trípticos y 5 cuadros independientes. Juega con la
luz. El color vibra por encima del lienzo.

“Creo que las pinturas nos dirán a cada

uno lo que debemos pensar de ellas si les
damos una oportunidad. Toda obra de
arte crea el clima en que debe entenderse
(...). A primera vista puede que nos
decepcione la falta de atractivo de los
cuadros que nos rodean. pero cuanto más
convivo con ellos, más impresionada
estoy. Rothko quería conferir a sus
pinturas el máximo vigor posible, un vigor
que solo consiguió arrancarles del alma.
Quería que fueran íntimas e
intermporales. Y en verdad son íntimas e
intemporales. Nos envuelven sin encerrarnos. Sus superficies oscuras no paralizan la vista.
Una superficie clara es activa y, en consecuencia, inmoviliza el ojo. Pero con estas
tonalidades rojas y marrones somos capaces de ver más allá, somos capaces de mirar hacia
el infinito. Vivimos acribillados por imágenes y solo el arte abstracto puede conducirnos al
umbral de lo divino”. Dominique de Menil.

16/04/2024
Tema 4: la desmaterialización de la obra de arte

El arte en la sociedad de consumo y la invasión de las imágenes

Revueltas sociales que reivindican la sociedad del consumo. Los países que proporcionan las
materias primas para el consumo: África y América Latina. Crisis ecológica. Revolución
industrial se renueva con nuevos avances tecnológicos. Reacción de la cultura.
-Pop

56
-Nuevo realismo.
Ambas influenciadas por el dadaísmo, el uso de imágenes, técnica de la apropiación.
El Pop nace en Inglaterra. Es el Arte Popular. Se usa el término en inglaterra en 1945 por
primera vez. La primera manifestación de Arte Pop es This is tomorrow. Nace un nuevo
formato que son las instalaciones: mezcla de artes visuales y teatro. Crear un artefacto donde
el espectador tiene un gran papel. Enfatiza no solo que se observe, sino que también se
introduzca. A veces es site specific (significa que es una obra de arte diseñada para un lugar
concreto).
This is tomorrow se trata de 12 equipos de artistas en 12 obras diferentes. Imágenes sobre el
futuro: ciencia ficción. Richard Hamilton diría que “una especie de casa de juego en la que los
medios de masas invaden nuestras vidas”.
Vamos a ver a muchos artistas con facetas más profesionales relacionadas por ejemplo, con el
diseño.
Richard Hamilton
Pionero del arte Pop. Él va a usar su propio nombre para
hacer de este una marca, la marca Richard. La marca se va
a apropiar del logotipo de una bebida francesa llamada
Ricard y él la convierte en Richard. Creador de objetos
cotidianos como algunos cepillos de dientes o tostadoras.
Es diseñador de la portada del álbum blanco de los
Beatles.

*Just what it that makes today’s homes so different, so appealing?

Portada del catálogo de This is tomorrow. Collage que usaron los
dadaístas. Él título también tiene influencia del dadaísmo, nos lanza una
pregunta. La respuesta: la mujer aparece ultrasexualizada como si fuera
una lámpara y el hombrlleva un chupa chups. Nos habla de que el
cuerpo es un objeto de consumo, los hogares son como escaparates
llenos de mercancía.

57
 Pop norteamericano
El arte pop por excelencia. La cultura donde nace este capitalismo voraz. los artistas pop
aprovechan ese contexto para realizar una crítica. Este popo se revuelve contra el
expresionismo abstracto (pintores que basaban su obra en el cuadro comoo un proceso, en el
gesto, mucha emoción…). Los artistas pop se van a reír de todo esto, hacen obras donde el
esfuerzo, la autoría, no les importa. Presente en muchas de sus obras:
*Claes Oldenburg, 1976, Pinza de ropa. *Roy Lichtenstein, Pincelada, 1996.

*Whaam!, Roy Lichtenstein, 1963. Amplía la viñeta de un cómic. (Benday: técnica de los
autores de cómic para gastar menos tinta. Las viñetas están hechas de puntitos).

Yayoi Kusama, 1929

La artistas japonesa más cotizada. Ella nace en Japón en una familia con muchos problemas.
Tuvo problemas psíquicos y estuvo en diferentes hospitales. Muchas veces se la lee como una
artistas que ha hecho de su terapia un arte. Fue activista de la guerra de Vietnam: escribió a
Nixon ofreciendo su cuerpo para que acabara de una vez con la guerra.
*Bienal de Venecia, 1966, “Narcissus Garden”. En esta bienal Kusama propone este jardín
de narcisos. Ella aparece trajeada en kimono a la tradicional japonesa y va a colocarse en este
jardín creado por un grupo enorme de esferas plateadas que están a la venta por 2 dólares (tu
narcisismo a la venta). Si comprabas la esfera sólo veías tu reflejo.

58
 Kusama estaba haciendo una crítica directa en
1966 que responde muy bien al collage de antes.
Es muy sintomático que a los pocos días la
dirección de la bienal le prohibiera vender, porque
en estas exposiciones no se podía vender nada.

*One Thousand Boats Show, 1964.

Warhol lo copió posteriormente
(wallpaper, 1966).

Andy Warhol (Andrew Warhola), 1928-1987

Hijo de inmigrantes eslovacos. Tuvo una infancia muy dura, la pasó enfermo, muchas veces a
punto de morir. Tenía el baile de san vito y estaba en la cama durante largas temporadas.
Tenía que recibir educación en casa. Pasaba mucho tiempo con su madre leyendo ´omics y
haciendo recortes de las revistas de cine de Hollywood del mmoento. En el 49 se traslada a
Nueva York y puede estudiar Ilustración y Diseño. Será diseñador e ilustrador antes que
artista. Trabaja en Vogue o Glamour.
Su primera exposición será una exposición de ilustraciones de ciertos libros, como por
ejemplo de Truman Capote. Este fue el comienzo de una carrera muy larga y polémica. La
figura del Warhol personaje estará en primera plana. Examina su propia imagen pública, se va
a reír del mito del artista.
Es un artista homosexual, que no esconde su homosexualidad, pero tampoco será de los
personajes más activistas. Exagera su propio aspecto físico, en seguida se coloca una peluca
blanca que imita su propia cabellera. Era un personaje muy popular en el ambiente de Nueva
York. Tendrá una fábrica y actualizará las industrias del siglo XIX. Le llamarán “Drella”: de
Drácula y Cinderella.
Él toma iconos de la cultura estadounidense. La WPA dio sueldos a Pollock y compañia para
que fueran parte de la cultura americana. Warhol toma esa marca América como un material
artístico para hacer una obra de arte, una trayectoria artística en la que el objetivo dinal era
convertirse en una máquina. ¿Cómo el artista se convierte en máquina? Borrando la mano que
estaba presente en el expresionismo abstracto. La borra tomando imágenes ajenas: el diseño
de la sopa, la imagen de cocacola, escenas de héroes como Superman… Las reproduce en
óleo, muy constantemente y luego mediante la técnica de la serigrafía. Él presumía de hacer
obras sin esfuerzo y sin mérito, y hacerlas rentables gracias a iconos como Elvis, por ejemplo.
Estas serigrafías son las obras más conocidas: en este trabajo siempre hay un interés por la
muerte que él vivió de pequeño y le acompañará toda su vida. Desde esta fascinación es por la
que se interesa en Marilyn Monroe: trabaja sobre esta figura a partir del suicidio no delcarado

59
del artista. Siempre con esa técnica de protección de la serigrafía y reproducción de la misma
imagen.
*Superman, 1961. *Green Coca-cola Bottles, 1962. *Campbell’s Soup Cans, 1962

*Triple Elvis, 1963 *Marilyn Diptych, 1962.

*Electric chair (Gray), 1964.

Nos dice que iconos de la cultura americana serán la

silla eléctrica o la pena de muerte.

*Mustard Race Riot, 1963.

Recortes de revistas y periódicos donde refleja los
disturbios raciales del 63.

Warhol tiene que tener una fábrica para

convertirse en una máquina. Un ensayo es una

60
fábrica llamada Studio 54. Allí empieza a
congregar a las figuras más importantes de
la escena artística neoyorquina.
Experimentación y fiesta, ambiente de
liberación sexual, de drogas… En 1964
funda su archiconocida The Factory, una
nave que va a cubrir con materiales
plateados donde trabajará con sus
ayudantes reproduciendo las dinámicas de
una fábrica industrial, pero en vez de hacer
botellas o latas hará obras de arte.
*Brillo, 1964: caja hecha con placas de madera a las que se ha cubierto con estas planchas
que literalmente se apropian, copian al milímetro el diseño de estos jabones de supermercado
de uso corriente en el momento. Literalmente está reproduciendo la caja, no con los mismos
materiales, pero eso no se percibe.
Parecidos con un ready-made de Duchamp: diluye las fronteras
entre el arte y la vida. Diferencia: esto se tiene que fabricar,
pero no hay mano del artista, en cambio en el ready-made se
firma y se recontextualiza. Por esta razón el teórico (?) que esta
obra representa la muerte del arte, porque ya no hay posibilidad
de distinción. No podemos aproximarnos con los elementos que
nos ha dado la historia del arte a esta obra, ni es original, ni es
única, ni requiere una destreza manual, ni transmite un
contenido trascendental…
*Exposición en Stable gallery, 1964. La llena de jabones como si fuera un almacén, pero no
genera mucho éxito. Lo que sí tiene éxito es la idea, podemos hablar de una de las primeras
obras del arte conceptual. Obra hecha sin esfuerzo. Obra totalmente
mundana, idea sobre objeto, fácil, sin esfuerzo, totalmente
comercial, desaparición del gesto del artista, artista máquina…
Lo curioso es que cobran un gran importe económico. En 1990 un
comisario muy conocido va a hacer una exposición sobre Warhol,
supuestamente exponiendo cajas brillo originales que tienen en su
colección. Se sabe que ese comisario fabricó cajas nuevas,
haciéndolas pasar por cajas originales de los 60. El mercado del
arte es más fuerte que Warhol y ahora sus cajas valen tanto como
cualquier obra del arte tradicional.
Warhol también es un artista muy polifacético que va a hacer diseño. Portada de Velvet.
-Faceta de cineasta: una de sus obras más conocidas que realizó en The Factory. *Sleep,
1963: personas de su entorno durmiendo.
-Va a trabajar con miembros de la vanguardia más
experimental:* Silver Clouds, 1966: nubes de plata que flotan
en medio de los bailarines.

61
En 1968 se encuentra de nuevo con la muerte: en ese año una colaboradora suya, Valeria
Solanas (activista feminista que va a ser la creadora del manifiesto Spum, donde se habla de
cómo ante esta violencia estructural que sufren las mujeres la respuesta será ofrecer la misma
violencia y acabar con el sistema masculino). Valerie Solanas cree que Warhol le ha robado
alguna de sus obras y el 3 de junio de 1968 decide plantarse en la puerta de Factory y le
dispara dejándolo al borde de la muerte. Se salva de milagro y cambia por completo su
aspecto y su relación con el mundo. Tendrá consecuencias corporales y siempre tendrá que
llevar consigo un corsé. Cierra The Factory al público después de esto, antes era un centro
abierto.
Empieza a escribir Mi filosofía y Diarios tras su muerte.
Se vuelve un poco más político y va a seguir
usando la reproducción y la serigrafía pero con
temas más políticos. *Ladies and Gentlemen,
1975: figuras drag latinas del momento
neoyorquino del momento.
*Mao, 1973.
Con la crisis del sida reproduce serialmente la
última cena hablando de esa lamentable última
cena que tuvo que vivir con esos amigos que
perdió a causa del VIH.
Al año siguiente mientras que se estaba realizando una operación
que eran prácticamente rutinarias para él, Warhol muere por las
complicaciones con 59 años. Dejando esa obra compleja.
*Sixty Last Suppers, 1986.

Nuevo realismo. Francia. (Nouveau réalisme)

Este grupo es nombrado por Pierre Restany que en 1960 habla de estos artistas que nunca
trabajaron juntos, sino que él los junta. Movimiento que dura muy poco ya que el líder muere
de un ataque al corazón.
Reniegan del informalismo, de la pintura del caballete, de la
mano del artista y van a trabajar con la ciudad como material
principal, con sus desechos y sus posibilidades. Como
muestra: *Arman, Le plein (lo lleno), 1960.

62
Consiste en contratar a unos basureros que recogen desechos de la ciudad para introducirlos
en la galería impidiendo la entrada. Esta obra habla de la cultura del consumo que llena las
calles de basura y la propia historia del arte.
En esta misma línea trabajan Christo y Jeanne-Claude: él nace en Bulgaria, ella en Marruecos
y se encuentran en París después de estudiar. A partir de ahí inician una relación afectivo
artística, centrada en trabajar con el propio paisaje, casi siempre urbano, para
desproductivizarlo.
*Telón de hierro, 1961-62,.
En la que se colocan una serie de bidones de gasolina vacíos para
impedir el paso. Crisis de petróleo del momento.
*Valley Curtain, Colorado, 1970-72.
Son más conocidos
por obras de este tipo.
Usan cortinas que
impedirán el paso por
carreteras, edificios y
diferentes paisajes
por todo el mundo.

Niki de Sainte-Phalle (1930-2002)

Nació en una familia en la que sufrió abusos. Esos abusos le van a traer
grandes problemas psíquicos, trabajo de artista para no convertirse en
terrorista. Será modelo en Vogue (portada).
*Los tiros, 1960. rellena escopetas y diferentes armas de fuego con
balas reales que van a estallar en cuadros donde coloca diferentes
estructuras de pintura. Es una pintura que ya está al limite de la
performance: se llamarán subpainting.

*Pirodáctilo sobre Nueva York, 1962.

“Descubrir el arte fue una suerte para mí, porque, a nivel
psicológico, tenía todo lo necesario para convertirme en
terrorista. En lugar de ello, utilicé las armas para una buena
causa: la del arte”.

63
*Black venus, 1965-67. Conocida por este tipo de esculturas. Se
llaman nanás. Rebasan el canon de la belleza femenina, del cuerpo
formativo y van a poblar espacios públicos de medio mundo.
En la misma línea va a hacer su obra más importante en el Museo de
Estocolmo.
*Hon-una catedral, 1966. Instalación en el Moderna Museet.
En ella reflexiona sobre el uso objetualizado que se le da al cuerpo
femenino. Esta instalación es una mujer embarazada gigante de unos
30 metros de largo, pintada con colores muy vivos, cuyo interior se
puede disfrutar en diferentes estancias. Se accede por la vagina. Dentro
de ella puedes encontrar una galería en miniatura de reproducciones de
grandes maestros como Paul Klee o jean Dubuffet. Son
“falsificaciones” creadas por el artista suexo Ulf
Linde. También había un cine que proyectaba una
película muda con Greta Garbo.
Hay un acuario lleno de peces de colores, un
“banco de los amantes”, un tobogán, un “bar de
leche” en el seno derecho y un planetario en el
izquierdo.

Yves Klein
Es un artista francés que nace en Niza. Hijo de artistas. Dice muy pronto que el cielo de Niza
le robó su gran obra que es el color azul. Artista muy complejo en el que se mezcla la
herencia de Duchamp con el mundo asiático y concretamente el judo y la inmaterialidad.
No es muy conocido pero lo que no se conoce es que es un judoka. Tendrá sus primeras
formaciones en Francia, pero no consigue entrar en ese mundo y viaja a Madrid. En un
gimnasio que ahora estaría por Argüelles, obtiene sus
primeros títulos. Será asesor técnico de la Federación
Española de Judo.
“Madrid, la hermosa ciudad, poseedora del alegre
París y del monstruoso Londres, hermosa, espléndida,
con grandes y largas avenidas pero en la que por todas
partes tenemos la impresión de teatro, todo el mundo
interpreta un papel y todo es decorado teatral”.
En ese gimnasio hará su primera exposición: *Yves
Pintures, 1954.
Hay un interés muy fuerte por los monocromos de
colores donde destacará el azul. Tan interesado va a estar en ese color del azul que va a
patentar su color: gestos comerciales e industriales propios de estos movimientos. Este tono

64
de azul pasará a llamarse International Klein Blue (IKB). Su obra
artística será el color. Esta sustancia inmaterial la va a impregnar en
diversos objetos del mundo.
“Lo esencial de la pintura es ese ‘algo’, esa ‘cola etérea’, ese producto
intermediario que el artista secreta por todo su ser creativo y que es capaz
de impregnarse en la sustancia pictórica del cuadro”.
*Escultura esponja azul, 1960. *Victoria de Samotracia, 1962 *Plato azul, 1959.

Siguiendo en esta línea, en 1958 va a hacer una exposición muy conocida llamada el vacío. La
obra por excelencia es la sensibilidad pictórica: sustancia inmaterial que
Klein es capaz de vender. Exposición donde no hay nada. Este gesto es
algo que ya se había inventado Duhcamp en la obra Air de París. Esto no
es solo una burla, sino una crítica al mercado artístico.
“A propósito de la venta de ‘cuadros inmateriales’, con ocasión de la
Exposición del ‘Vacío, la especialización de la sensibilidad del estado de
primeras materias en sensibilidad pictórica estabilizada’ en la galería de
Iris Clert, en 1958. Klein declarará en 1959: ‘Creedme, comprar estos
cuadros no es un robo. Es a mí a quien siempre roban, pues acepto
dinero " '.
Su crítica al mercado va a ser acompañado por un interés performativo, que
dará lugar a las antropometrías: en estas se mezcla el mundo del judo, el IKB
y esa crítica al sistema del arte. Son restos de acciones que Yves Klein
realizaba con colaboradoras que impregnaba de IKB e intentaba reproducir
ciertos movimientos del judo. Muchas veces se habla de estas mujeres como:
pincel humano.
*1960, antropometría. Lo que queda de estas antropometrías es que son
acciones. Pero la obra es la acción, más que este
resultado. Desde esa pintura de acción de
Pollock, se amplía en estas antropometrías de
Klein, donde la acción ya es la obra.

“Cuando trabajábamos en el ‘taller’ elaborando las Antropometrías,

parecía definitivamente una especie de ceremonia: la modelo estaba

65
físicamente impregnada de Azul Klein (IKB), en silencio, en una atmósfera muy intensa: Yves
[...] sólo indicaba dónde debían aplicarse los colores. Cuando el cuerpo de la modelo se
impregnaba de azul quedaba definitivamente transformado en una energía vital
materializada; parecía convertirse en una medio para que fluyera la energía ki”.
23/04/2024
Activismo artístico y acción: de la performance a los conceptualismos
Desmaterialización del arte: Lucy Lippard (1968).
Assemblage: una extensión tridimensional del collage, ambiente -extensión tridimensional del
assemblage-, para acabar en el happening.
Happening: es arte en acción, una experiencia efímera donde la creatividad y la participación
se entrelazan en el instante presente.
John Cage
John Cage, figura destacada en el mundo de la música experimental y el arte conceptual del
siglo XX, desafió las convenciones musicales y artísticas con sus innovadoras ideas.
Reconocido por sus composiciones aleatorias y su filosofía del 'silencio', Cage provocó una
revolución en la percepción del arte sonoro y la relación entre el artista, la obra y el
espectador. Su influencia se extiende más allá de la música, impactando en áreas como la
danza, la poesía y las artes visuales, convirtiéndolo en un pionero indiscutible de los
movimientos artísticos contemporáneos.
“Lo que es importante es insertar al individuo en el flujo de todo lo que sucede. Para hacer
esto, el muro del ego debe de ser demolido; gustos, memoria y emociones deben ser
debilitados. Se puede tener una emoción, simplemente no debemos pensar que es tan
importante. Tómala de una manera en que luego la puedas dejar caer ¡No la reelabores!”.
-Evento, 1952, Black Mountain College: en este evento, Cage presentó una de las
performances más icónicas del arte contemporáneo. Su obra se llama *4’33”. Un intérprete se
sienta frente a un piano durante 4 minutos y 33 segundos sin tocar una sola nota. Invita al
público a experimentar los sonidos ambientales como música. La hace en 1942 para piano,
pero se puede tocar para todos los instrumentos. Sólo se toca el piano de forma manual. Sólo
se escucha al público (tos, respiración…) sonidos de la propia vida que para Cage son música.
Todo puede ser arte.
*I ching: silencio y pianos preparados: selected sonatas and interludes for prepared
piano I. Libro de los cambios, de adivinación donde se encuentra. Primeros rastros del
alfabeto chino.
En 1941 visita la cámara anecoica para comprobar si podía existir el silencio absoluto. Uno
agudo: sistema nervioso. Uno grave: fluidos del cuerpo.
*Waterwalk, 1960. Va a trabajar con la performance, los sonidos y la filosofía taoísta. Lo va
a realizar 2 veces en programas de TV de masas. Músico de la escena experimental, aparece
en un programa donde presenta esta reflexión sobre los límites del arte y la vida. Son
instrumentos relacionados con el agua: bañera, regadera, patito de goma, trituradora de hielo,
botella de vino, sifón… El agua es el elemento esencial de la filosofía taoísta. “Be water my
friend” de Bruce Lee, el agua es el elemento por excelencia.
Es el gran heredero de Duchamp.
Primer grupo de performers: Fluxus. Es el primer grupo transnacional de artistas. Colectivo
de los años 60. Es un flujo. Se trata de una red de artistas de diversas disciplinas y

66
nacionalidades. Se van a unir para hacer antiarte de la misma forma que la hacían los
dadaístas. Destruir lo que se entiende por arte y artistas. George Maciunas se va a reír de lo
que se considera artista.
Manifiesto arte/fluxus.
ARTE
Para justificar el estatus elitista, profesional y parasitario del artista en la sociedad, debe
demostrar la indispensabilidad y exclusividad del artista, debe demostrar la dependencia del
público con respecto a él, debe demostrar que nadie más que el artista puede hacer arte.
Por lo tanto, el arte debe parecer complejo, pretensioso, profundo, serio, intelectual, inspirado,
habilidoso, significativo, teatral, debe parecer calculable como una mercancía, de modo que le
proporcione un ingreso al artista.
Para elevar su valor (el ingreso del artista y la ganancia de sus patrocinadores), el arte se hace
para que parezca raro, de cantidad limitada y por lo tanto obtenible y accesible sólo para la
élite social y las instituciones. 1965

También crean festivales: festivales fluxus. En ocasiones improvisados, basados en la ironía,

usando el juego y con un carácter anticomercial. Para ellos el arte es vida y sus objetivos
como artista son destruir ese elitismo.
Yoko Ono (1933)
Es una de las madres del arte conceptual. Nació en una familia con problemas y se mudó a
Nueva York (japonesa). Antes de estar con John Lennon estuvo casada con otro señor.
*1964-Cut Piece. Se coloca en actitud ceremonial en un escenario con unas tijeras y un
espectador decide cortar un pedazo de su ropa hasta que
finalmente la dejan casi desnuda. Esto habla de la disponibilidad
forzosa de las mujeres como objeto de deseo.
*White chess set, 1966. Recuerdo Duchamp y el ajedrez. Borra
las piezas negras del tablero y crea un juego de confianza. Todas
las piezas son blancas ahora.
*John Lennon, WAR IS OVER!, 1969. Movimiento
antibelicista.
Performance y feminismos
La tercera ola del feminismo hace una crítica a la segunda por considerarlo un feminismo
burgués.
*Linda Nochlin, 1971, Why have there been no great women artists?
Conceptos como genio o artista no permiten que haya mujeres artistas.
Dentro de estas performance por un lado está la cuestión del cuerpo de la mujer y por otro la
creación de espacios de socialización en los que se crea el concepto de lo que es una mujer.
Carolee Schneemann (1939-2019)
*1964, Meat joy. Es un Happening (tipo de performance en el que hay un tipo de estructura
clave donde el público participa). Se trata de un lugar donde la gente se revolcaba entre
vísceras y partes de animales. Nos habla de la experiencia de los cuerpos femeninos como
otro tipo de carne más.
*Interior Scroll, 1975. En Nueva York Schneemann aparece con una bata y un libro que ella
escribe sobre Cézanne. Al empezar a leerlo se toca la vagina, saca un rollo de papel que tenía

67
guardado y lee un manifiesto feminista.
Trabaja con la dignificación de las vaginas,
del propio flujo de las mujeres . Luego se
criticó que era demasiado esencialista.
Valie Export
Es austríaca y trabaja sobre el cuerpo
femenino como objeto de dseo y la industria
del porno.Valie Export no es un nombre real.
*Cine para palpar y tocar, 1968. Se pasea
por las calles de Múnich con una caja alrededor de su torso mientras un compañero a su lado
proclama e invita a que la gente se acerque y meta las manos en la caja.
*Action Pants: genital panic,
1969. Acude a un festival de cine
donde ella misma participaba. Se
presenta ataviada y lleva un arma
de gran tamaño. Va vestida con
unos pantalones rajados en la
entrepierna. Pánico genital que sin embargo no funcionó.
Los códigos se confunden con el propio porno. Debate en torno a las políticas de la
sexualidad y el género.
Jo Spence
A finales de los años 70 tiene un cáncer de mama mortal. A partir de entonces empieza una
larga serie donde va a combinar escritura y fotografía. *The picture of health, 1982.
Marina Abramovic
*Rhythm series, 1974. Trabaja sobre el concepto de control.
Siguiendo el ejemplo de Yoko Ono, se va a colocar en una
galería completamente inmóvil y al lado va a tener una mesa
llena de más de 60 objetos diferentes. Es lo que se va a llamar
Performance duracional (performance muy larga para llevar al
espectador al cansancio extremo).
Duró unas 7 horas y al tiempo va a haber un espectador que
empiece a interactuar sobre su cuerpo. Acentuándose la
violencia sobre su cuerpo. Acaba violentada, humillada, explicitando aún más la Cart peace
de Yoko Ono.
Políticas del espacio femenino: de lo privado a lo público (años 60 y 70)

En 1975 Martha Rosler hace una videocración que se llama

*Semióticas de la cocina (1975). En ella nos va a proponer una
irónica explicacion sobre el uso de los utensilios de cocina. Coge
diversos instrumentos y cada vez que lo coge hace un movimiento
violento con él. Vídeo para amas de casa.
*Womanhouse, 1972, Miriam Schapiro y Judy Chicago. Primer
programa de arte feminista. Ellas dos junto a 20 estudiantes cogen una casa en ruinas y la van

68
a reformar para hacer una instalación gigante. Se
llamará Womanhouse y reflexiona sobre las políticas de
los espacios femeninos.
*The dinner party,
1974-79: reflexiona sobre los
espacios públicos. Cada
comensal tiene un plato y un
destinatario que son diversas
intelectuales que son
invitadas a comer.
-Guerrilla Girls: denuncian
más espacios para mujeres en el arte. Una de sus primeras acciones fue crear posters gigantes
para denunciar la falta de
artistas mujeres en el MET.
Falta de feminización.

30/04/2024
Tema 5:Arte, arquitectura y nuevas tecnologías
Triángulo entre ARTE, TÉCNICA Y NATURALEZA.
Todas las obras de arte van a hacer uso de tecnología. Ya sea desde el arte rupestre con los
instrumentos rudimentarios.
5ª revolución industrial: afectará a lo que es una obra de arte y al artista.
Años 60 decisivos: debates de hoy. El arte actual mira a los años 60. Punto de partida entre
Arte e Internet.
-Mail Art: mecanismo del correo postal. La propia obra es el correo. Dibujas, señales,
postales… solo desde ese medio que será su lugar de creación. Crean por primera vez redes
transnacionales a la manera de un proto internet. Los fluxus será algo similar.
-Relación entre arte y ciencia: Op art y Arte cinético. Movimientos artísticos que producen
pintura y escultura que gracias a las enseñanzas de la óptica y la psicología de la percepción
crean efectos ópticos. No es como el arte cinético que tiene un movimiento real, este es
óptico, no se produce realmente.
Muchas rasgos de los posteriores años 80: consideran que la evolución tecnológica siempre va
a entrañar un bien. Empiezan a fijarse en el cuerpo, que será el gran eje. Va a haber un
movimiento anacrónico donde el tecno optimismo (pensar que la tecnología se convertirá en
un aspecto positivo) será posible gracias a relatos del pasado como la ciencia ficción.
Fotoconceptualismo
*Jeff Wall, The destroyed room, 1978.
Él es pionero del fotoconceptualismo. Es de Vancouver, Canadá. Será artista e historiador del
arte. Es un pionero de las cibachrome y de las cajas de luz.

69
En esta foto vemos un escenario construido por
Wall. Cada color ha sido elegido. Hay una
composición cromática muy cuidada. Juega con la
simulación (simulacro). Está haciendo un
homenaje al cuadro de Delacroix (The death of
Sardanapalus).
*Picture of Women, Jeff Wall, 1979.
Es el mismo mecanismo. En esta foto hace un
tríptico que homenajea el concepto detrás del
cuadro de Manet, Un bar aux Folies Bergère. Pone
la cámara que nos retrata a nosotros y él se coloca adorando a la camarera.
Joan Fontcuberta
Teórico, fotógrafo… Él trabaja con la foto con el concepto de “fake”. Fontcuberta explora las
relaciones entre foto y verdad.
*Herbarium, 1982-85. Homenaje a la obra de Karl
Blossfeldt: ornamentación arquitectónica para
hacerlo pasar por plantas. Él lo imita con desechos
de Barcelona.

*Sputnik: retrato oficial del piloto cosmonauta

Ivan Istochnikov, 1997. Sustituye a Ivan, astronauta
de la URSS que desapareció en una misión. Época de
Gª Fría. La URSS borra todo rastro del astronauta para
no admitir el fallo. En 1997 él recoge ese olvido y va a
crear esto donde se autorretrata y juega con la
simulación.
Cuando ya está generalizado internet, usa estos mosaicos para
representar aspectos históricos. *Googlegramas: busca “foto” en
inglés y castellano en Google, crea un software que recrea las
primeras imágenes de la historia. También lo hace con Auschwitz
o el 11S.
“Imágenes pobres”: imágenes consumidas y revisitadas hasta que
se empobrecen.
Light art
La foto es escritura de luz. Otros trabajarán solo en la luz como material pictórico e incluso
arquitectónico.
James Turrell
Nace en EEUU. Es hijo de científicos. Estudia arte, física, psicología. Después de su interés
en la abstracción experimenta con
la luz.
*Afrum I (white), 1966. Incisiones
que él hace en un hotel abandonado
que compra y pinta entero de

70
blanco. Experimenta con la luz y el propio
espacio genera esculturas lumínicas.
*Roden Crater Project, 1977 - Present.
Después crea Skyspaces: lo que nos propone es
agujerear el techo. Lo hace a gran escala
(proyecto por acabar). Hace un cráter artificial
que él lleva contruiyendo años. Es un enorme
óculo. Falta de volumen, experiencia de luz con
el amarillo.

Olafur Eliasson
Danés, profesor universitario en Berlín. Creador del estudio Olafur Eliasson mediante el que
crea megaproyectos. interés en la abstracción geométrica, psicología de la percepción, OP
ART.
Arte y ciencia se fusionan y él genera instalaciones donde la luz u otros elementos como el
agua generan espacios.
*The weather project, 2003. Es site specific (determinada para un
lugar). En la Sala de turbnias de la Tate modern. Cubrió todo el techo de
la sala con espejos. Al fondo colocó una grandísima fuente de luz que
simulaba la calidez y la luz del Sol. Es algo irónico pero que tiene como
objetivo juntar a los espectadores y que estos hablen entre sí. La obra
habla del tiempo, de su importancia. Y también trataba el tema de la
justicia climática.
*2016, Instalación en el palacio de Versalles. El palacio de Versalles le
invita a usar todo el palacio como su escenario con la condición de que
dialogue con la propia historia. Propone muchas instalaciones,
basadas en la simulación. (Barroco-vida teatralizada) Ocupa la
sala de los espejos y los jardines. Se trata de una cascada
artificial que parece que cae del cielo.

Videoarte
Una de las últimas formas artísticas del siglo XX. Usa la TV,
tanto la parte visual y pictórica como su parte sonora. Nuevo medio AV. En los años 60 se
crea la primera cámara portátil para reflexionar sobre la comunicación de masas. No es cine
porque este es más narrativo.
-Nam June Paik:
Coreano y miembro de Fluxus. Huye a Japón a raíz de la guerra de
corea y luego se muda a Alemania. Influencia de John Cage.
*Exposition of Music-Electronic television, Nam June Paik,
1963, NY.
Primera exposición que incluye la televisión como un objeto
artístico. Llena todas las habitaciones donde encontraríamos una
instalación. Pianos preparados y diferentes teles, algunas apagadas y

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otras con imagen o con sonido. Crea una música aleatoria. Paik creó unos pedales con los que
los espectadores podían crear sonidos.
*Zen or TV, 1963. Recrea el ZIP del abstractismo. Es una performance con Charlotte
Moorman. La instrumentista hace como si tocara un violonchello, pero son tres teles.
Siempre tiene una experimentalidad de altos vuelos.
*TV Buddha, 1974. Oriente vs occidente. Sienta a un buddha
frente a una tele.
*Electronic Superhighway: televisiones delimitadas por
tubos de luz. Recrea el mapa de EEUU y explica la esencia de
cada estado.

Shigeko Kubota
*Vagina painting, 1965. Pinta con un pincel que se pega con pintura roja. A partir de esto
empieza el videoarte.
*Europe an ½ Inch a Day, 1972.
*Duchampiana: Nude descending a Staircase,
1975-76.

NET ART
Web 2.0 para generar obra desde los propios
mecanismos. Años 90.
*Elena Asíns, Centro de Cálculo UCM. IBM en el
franquismo está renovándose y quiere deshacerse de ordenadores con la condición de crear un
centro que experimente. Actualmente es la Facultad de Física de la Complutense (primer arte
de vanguardia para el arte computacional). Debates, revistas… Artistas se acercarían a probar
este arte.
Elena de Asíns será una de ellas. Partiendo de una obra constructivista hace obras
computacionales con la precisión matemática. Trabaja con el concepto hipertextual de
escritura. Mezcla códigos musicales con lingüísticos y matemáticos.
-Harold Cohen y AARON.
Trabaja dentro de los Pop pero se interesa por la cibernética que explota en los años 60. Se
muda a EEUU. En Stanford crea un software muy primitivo para dibujo a mano
alzada*AARON. (nombre del hermano de Moisés). Pensamiento más primitivo: pone a
prueba al software distinguiendo entre figura y fondo o dentro y fuera. Habla siempre de
AARON como un colaborador.

Vieron en internet un espacio para generar comunidades más justas. Venus Matrix: colectivo
de ciberfeminismo: Manifiesto Cyborg: tecnooptimista, cómo la tecnología va a librar a la
mujer de sus cargas biológicas (parir).
Iconografía de mujeres cyborg: se apropian de códigos del porno para generar esa
ciberseguridad.

Antoni Muntadas: artista catalán que vive en Nueva York. Dentro del Net Art trabaja con los
mecanismos de poder en la sociedad de masas. *The file room: habitación que se instala en

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diversos museos para que la gente aporte sobre la Historia de la Censura. Ordenador en el que
se instaló un software con el que se podían contar todas las historias de censura. Muchos
artistas van a proponer el concepto de archivo como obra de arte.
FIN >_<

73