MATERIALES Y TÉCNICAS DE EXPRESIÓN GRÁFICO-PLÁSTICA

Montserrat Llamas

LÁPICES DE GRAFITO
LÁPICES DE COLORES
LÁPICES COMPUESTOS

• EL LÁPIZ COMPUESTO NEGRO.

• EL LÁPIZ SANGUINA.
• LÁPIZ SEPIA
CARBONCILLO
SANGUINA
ROTULADORES

PASTEL
CERAS
TÉMPERA O GOUACHE
ACUARELA
TINTA
ÓLEO
ACRÍLICO
TÉCNICAS MIXTAS
COLLAGE
EL GRABADO Y LA ESTAMPACIÓN
ESCULTURA
ARCILLA.
CERA

PLASTILINA

PASTA DE SAL
PAPEL MACHÉ
VACIADOS
FOTOGRAFÍA

Cuando nos referimos a materiales, queremos decir todas aquellas herramientas

con las que podemos pintar: lápices, ceras, carboncillo, témpera, óleo, etc. También
consideramos material los soportes para pintar, los disolventes de la pintura o los tipos
de pinceles. Por otra parte, cuando nos referimos a técnicas, queremos decir todos
aquellos procedimientos o maneras de utilizar los materiales: rayado, difuminado,
aguadas, etc. Como sabes, existen muchas técnicas y materiales, que además podemos
combinar y mezclar. Las posibilidades son múltiples ya que, en definitiva, se trata de
experimentar y de expresar ideas y sentimientos. El origen de la investigación y
perfección de materiales y procedimientos está en la necesidad primitiva del hombre de
dejar huellas, de marcar y de expresar ideas para comunicarse. Esta búsqueda para
conseguir una huella duradera en una superficie comenzó en la prehistoria: huesos
carbonizados, sangre, tierra, etc., fueron los primeros materiales. Aún hoy, el hombre
continúa investigando para encontrar nuevas herramientas y nuevos procedimientos más
perfeccionados: nuevas tintas, pinturas comestibles para niños, pinturas de secado
rápido...e incluso el ordenador, forman parte de esa investigación. ¿Qué son pigmentos,
aglutinantes, disolventes y soportes? Cuando hablemos de materiales pictóricos,
mencionaremos estas cuatro palabras que hemos de saber reconocer. Llamamos
pigmento al color en polvo. El aglutinante es la sustancia que sirve para mantener
unidas las partículas de pigmento y para adherirlas al soporte. La mina de un lápiz de
color, por ejemplo, son partículas de pigmento pegado o aglutinado para darle la forma
y consistencia de mina o barrita de color. Llamamos disolvente al líquido que deshace o
descompone la pintura (o la mezcla de pigmento y aglutinante). En la pintura,
principalmente se usan como disolventes el agua o la trementina (aguarrás). Así, cuando
la pintura se disuelve en agua la denominamos pintura acrílica, y cuando se disuelve en
trementina la denominamos pintura sintética o al aceite. Por último, el soporte es la
superficie sobre la que se pinta o dibuja: papel, tela, madera, etc. Es muy importante
utilizar un soporte adecuado a las características de la pintura que usemos.
Tradicionalmente, las técnicas gráfico-plásticas se clasifican en “técnicas húmedas”, si
necesitamos un disolvente para trabajar con ellas o “técnicas secas” si no lo llevan.
Aunque se pueden hacer más tipos de clasificaciones.

LÁPICES DE GRAFITO

El instrumento que conoces con el nombre de lápiz, antes fue solo una barra de
metal blando y afilado, como la plata o el plomo, que frotándolo sobre una superficie
clara se podía dibujar. En el siglo XVI apareció como una aleación de estos dos metales
y le llamaron punta de plata.

Dibujos de Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci están realizados con este

instrumento. Más tarde en el siglo XVIII un inventor y científico Francés: Nicolas
Jaques Conté inventó el lápiz tal y como hoy lo conoces: grafito mezclado con arcilla y
agua, endurecida al horno y recubierta de madera. Esta barra de grafito era mucho más
blanda que la punta de plata. Existen en el mercado unas barras grafito llamadas Conté
en recuerdo de su inventor que consiguen un negro mate aún más oscuro que el lápiz de
grafito. Cuando dibujes con grafito podrás comprobar que unos son "más sucios" que
otros. Cuanto más blandos son, es más fácil extender descontroladamente las huellas y
rastros denegro por tu papel por lo que deberás tener cuidado para no emborronarlo
todo. Seguro que alguna vez te has dado cuenta de que los lápices negros con los que
dibujas no siempre lo hacen con el mismo color. Algunas veces son muy negros y
manchan mucho tu papel y otras veces las líneas son demasiado claras, cuesta deslizar
el lápiz sobre el papel, incluso dejan una huella hendida, pero son más precisos para el
dibujo técnico. Con los lápices de colores si has tenido oportunidad de trabajar con
distintas marcas comerciales habrás comprobado que sucede prácticamente lo mismo.
Puede que lo que no sepas es que esto es debido a que existen diferentes calidades de
dureza en los lápices de grafito del mercado. Podemos encontrarlos en una gama de
hasta diez grados de dureza y diez de blandura. Puedes distinguirlos por la letra y el
número que llevan grabados en la madera. En la imagen puedes observar un dibujo de
Picasso sobre papel azul con varios grados de lápices de grafito negro. Puedes distinguir
la dureza del lápiz usado en la crin, y la suavidad del utilizado en las sombras del cuello
del caballo.

Conocer los aspectos técnicos de tus materiales es importante para que consigas
de ellos los mejores resultados. El grafito, sea el lápiz habitual o en portaminas, es
básicamente un instrumento lineal. Se presta mucho más al dibujo lineal, a los
grafismos, y a los dibujos descriptivos. Con este material puedes realizar trazos finos y
delicados, cruzando en diferentes direcciones y con distintas densidades. Dependiendo
de la presión y la velocidad con que ejecutes los rayados conseguirás una gradación
perfecta de grises. La intensidad con la que presiones el lápiz produce diferentes
posibilidades de matices de oscuridad. Si además utilizamos diferentes durezas de lápiz
nos facilitará la labor de producir diferentes tonos.
Otra de las posibilidades expresivas y descriptivas del grafito, además de la
lineal es que puede ser trabajado mediante manchas para realizar sombreados y
construir los volúmenes de las formas mediante el claroscuro. Resulta muy útil para la
realización de bocetos y apuntes aunque muchos artistas consiguen en dibujos a grafito
unas calidades excepcionales. El lápiz de grafito es fácil y cómodo de utilizar. No
requiere grandes preparativos y se adapta perfectamente a los distintos espíritus de los
artistas. Una ventaja que te ofrece este material es que tiene la facilidad de ser borrado
limpiamente por una goma (de plástico o de caucho), lo que te permite realizar todos los
cambios que necesites hasta conseguir los resultados buscados.
Soportes sobre los que puedes dibujar con grafito: El grafito al ser un
instrumento de dibujo muy versátil se adapta a una gran variedad de superficies sobre
las que se puede trabajar. Puedes utilizar el grafito sobre papeles de todo tipo y color:
lisos, pulidos, encerados, finos, y papeles gruesos, con textura, con grano, con fibra.
También puedes trabajar con este material sobre otras superficies que no sean papel
como el cartón, metal, plástico, piedra o madera. Cada uno de estos soportes puede
también ser un factor expresivo por la que decidirse a elegirlo.

LÁPICES DE COLORES

Seguro que desde que eras pequeño has tenido en tu poder un buen número de
lápices de colores de madera y puede que por ello te parezca un material poco
interesante. Sin embargo, estamos seguros de que desconoces muchas de sus cualidades.
Observa los dibujos de García Salustiano, te darás cuenta de lo que es posible hacerse
con lápices de colores. La madera coloreada de tus lápices es sólo la estructura que
soporta y mantiene la mina interior que es la que da el color. Debes procurar que no se
caigan al suelo porque esa mina interior que es frágil se quiebra en trozos pequeños y al
sacarle punta al lápiz se rompe continuamente. Las minas pueden tener distinta dureza o
blandura como en los lápices de grafito, aunque no viene indicada. El papel más
apropiado para trabajar con lápiz es el papel satinado (brillante y sin poros), pero puede
ser interesante utilizar otro tipo más grueso si quieres conseguir nuevas texturas.

Observa como en estos dos dibujos las texturas conseguidas con el lápiz resultan
del tipo de soporte empleado: el tipo de papel utilizado tiene un grano fino con lo que se
logra un grado de delicadeza mayor y, en definitiva, una calidad distinta. La posición de
la mano al coger el lápiz es importante ya que los resultados dependen de la angulación
de la punta con el papel. En las imágenes puedes observar dos formas de coger tu lápiz:
Cuando lo coges como la posición 1 dibujas sólo con la punta. Resultará útil cuando
quieres marcar el dibujo de líneas. Si lo que te interesa es cubrir una superficie de color
con una mancha más suave puede ser más conveniente poner la mano como en la
posición 2 haciendo un barrido con la mina sobre el papel. El lápiz borra mal, por eso es
conveniente comenzar aplicando los tonos más claros y, poco a poco, ir añadiendo los
tonos más oscuros. Además, de este modo puedes superponer tonos y conseguir efectos
de transparencias.

Observa en la imagen este proceso de aplicación del color en capas sucesivas. La

presión que ejerces es importante y condiciona fuertemente los resultados, tal como
puedes observar en los trabajos de estos dos artistas. El trazo delicado y transparente de
Salustiano García en estos ojos se ha conseguido mediante transparencias aplicando el
color con suavidad. Mientras, Fran Gómez Cruz imprime toda la presión posible a sus
lápices consiguiendo esta fuerza colorista. Con los lápices de colores puedes iluminar
un dibujo realizado con grafito con diferentes tipos de trazos y texturas según la forma
en la que los uses. Puedes afilar bien la punta y realizar trazos finos que definan bien las
formas. Hacer rayados y superposiciones de tonos creando vibraciones de color y
efectos de transparencias como los que ves en los dibujos de los alumnos del IES
Carmen Laffón.
Si la punta es más gruesa o si realizas barridos inclinando la punta del lápiz sobre el
papel podrás hacer sombreados integrando suavemente unos tonos con otros conforme
vas llenando zonas de color, subiendo la intensidad o bajándola según presiones más o
menos sobre el papel. Estos sombreados pueden a su vez mezclarse y suavizar los
bordes con una herramienta llamada difumino. Como los lápices de grafito, tus lápices
de colores pueden tener minas duras o blandas aunque no suele venir indicado como en
los de grafito. Su mina contiene sustancias colorantes mezcladas con arcilla o talco, a
las que se añade un ácido graso o una cera y un aglutinante que suele ser goma natural.
Hay un tipo de lápices de colores que son los lápices acuarelables en los que esta goma
aglutinante de los pigmentos es mucho menos fuerte (goma arábiga). Esto permite
disolver los colores con agua una vez aplicados sobre el papel y crear efectos similares a
la acuarela, difuminando el trazo y creando degradados espontáneos. Seguramente
Picasso pudo haber utilizado este tipo de lápices para este dibujo preparatorio del
Guernica.

LÁPICES COMPUESTOS

La mina de estos lápices se consigue con pigmentos diversos mezclados con tiza,
talco o caolín y una sustancia aglutinante como es la goma de celulosa. Existe una gran
variedad en el mercado, algunos de ellos pueden diluirse en agua, como los lápices
acuarelables, o en trementina. Los lápices de colores no se pueden mezclar previamente,
sino que hay que hacerlo en el papel, aplicando colores encima. Los procedimientos
para conseguir efectos de degradado y texturas son similares al lápiz convencional. El
soporte ideal es un papel grueso o rugoso que retenga el pigmento que se desprende.
• EL LÁPIZ COMPUESTO NEGRO. Es un lápiz graso y blando que permite
dibujar un tono negro muy intenso. En ocasiones se utiliza en dibujos de carboncillo
para marcar más los perfiles.
• EL LÁPIZ SANGUINA. Es un lápiz con una mina de color rojizo o marrón y
nos permite mezclarlo con agua para crear efectos de degradado.
• LÁPIZ SEPIA. Es un lápiz, parecido a la sanguina pero cuya mina tiene un tono
castaño oscuro. Es ideal para bocetos y retratos.

CARBONCILLO

Es uno de los materiales para dibujar más primitivos. Existen incluso ejemplos
de dibujos rupestres hechos con este material. Las barritas de carboncillo se consiguen
calcinando madera de sauce, vid o brezo en hornos cerrados. El resultado es un palillo
carbonizado en su totalidad. El papel sobre el que se frota ha de ser granulado para que
retenga el polvo de carbón, por tanto los dibujos han de fijarse pulverizando un spray
fijativo o laca. El carboncillo se afila con papel de lija. Se borra con gran facilidad,
golpeándolo con un trapo al principio, para pasar a utilizar gomas especiales cuando el
dibujo esta más elaborado (éstas son muy blandas y moldeables). El carboncillo nos
permite crear líneas muy ágiles y expresivas y gradaciones muy ricas de grises. Este
claroscuro podemos conseguirlo frotando con la mano o difuminado con un difumino o
una gamuza. Así, la técnica denominada difuminado consiste en borrar ligeramente los
contornos o líneas para dar un aspecto al dibujo más delicado. Las zonas más
iluminadas las conseguiremos dejando el color del papel intacto o utilizando una goma
de borrar grasa. Debéis comenzar con un encaje suave, para pasar a valorar las distintas
tonalidades. Os encontrareis con un problema; los trazos o manchas pueden borrarse
accidentalmente, para evitarlo usaremos un difumino. Con él extenderemos el carbón y
se irá asentando sobre el papel. Una vez terminado el dibujo se rocía con un fijador. Una
laca para el pelo servirá para que permanezcan intactas desde las distintas escalas de
grises al negro más profundo. En la fotografía puedes ver la presentación en cajas del
carboncillo. Además tienes el carbón comprimido que es un compuesto de carbón en
polvo más aglutinante. Su trazo es más negro que el del carboncillo habitual. También
tienes el lápiz carbón muy útil para dar los últimos retoques y detallar.

SANGUINA

La sanguina tiene un color rojo anaranjado. Se presenta en lápiz o en barras

como las de pastel. La diferencia respecto del pastel es el origen de los pigmentos (un
óxido de hierro) que le dan ese color característico. Se trabaja como si fuese grafito.
Puedes conseguir efectos lineales y grafismos o gradaciones de tonos mediante frotados
y barridos. Admite también el difumino para conseguir distintas calidades de grises.

ROTULADORES

El rotulador es uno de los instrumentos de dibujo más reciente. Lo inventaron

los japoneses a mediados de la década de los sesenta. Lo crearon y difundieron como un
instrumento para la escritura. Al comienzo tenían la punta de fieltro. Estos rotuladores
resultaban perfectos para los trazos de la escritura japonesa que normalmente se realiza
con un pincel puntiagudo. Hoy día la punta está hecha de fibras finas de nylon, de punta
de bola metálica incluso de punta cerámica. Esta punta va sujeta al cilindro de plástico
que lleva dentro un tubito de fieltro impregnado en tinta o anilina. La tinta fluye hacia la
punta mediante un delicado mecanismo capilar. La gama de colores que puede
conseguirse es muy amplia y tiene la posibilidad de diluirse con alcohol para provocar
efectos de aguadas similares a los de la acuarela. La punta de los rotuladores puede
tener muy diferentes formas y tamaños. Es semirrígida y flexible lo que permite
sombrear de manera uniforme grandes superficies y una gran variedad de usos y
aplicaciones e incluso existen puntas normalizadas para dibujo técnico que igualan a la
de los estilógrafos. El tipo de punta condicionará el grafismo. Por ejemplo, para realizar
un dibujo como el del ilustrador Blasberg necesitarías elegir un rotulador de punta fina
y sería imposible con uno de pincel. Es un material muy adecuado para abocetar
rápidamente ideas o tomar apuntes del natural ya que tiene la virtud de autoalimentarse
constantemente y la tinta que utiliza seca con gran rapidez. Esta característica permite
también yuxtaponer y superponer colores de manera inmediata. Ha sido siempre un
material muy utilizado por los ilustradores y diseñadores aunque hoy día está siendo
desplazado por las técnicas de dibujo con ordenadores.
Los rotuladores de tinta y con base alcohólica dan mejores resultados, pero
debes cerrarlos bien al terminar porque el alcohol es volátil y se evapora. Puedes
realizar técnicas mixtas con rotuladores, como en esta ilustración de Jorge Fabián
González con lápices y tinta. Pero nunca emplees óleo, temperas o acrílicos porque
estropearías la punta.
PASTEL

Son pigmentos en polvo aglutinados con goma de tracanto. Se presentan en

barritas de colores o en lápices. El pastel es una especie de tiza que empezó a utilizarse
en Italia para bocetos durante el siglo XVI pero su época de máximo esplendor fue en el
siglo XVIII con la llegada de artistas como La Tour y Chardín que consiguieron gran
popularidad en retratos realizados a pastel de colores brillantes y sutiles. Más tarde
durante la segunda mitad del siglo XIX, los impresionistas dieron una nueva visión
utilizando con mucha más fuerza y valentía esta técnica aplicando el color puro y
yuxtapuesto unos con otros. Edgar Degas, Auguste Renoir y Toulouse-Lautrec fueron
sus máximos exponentes. En la imagen puedes apreciar la facilidad en el trazo y lo
brillante de los colores en esta obra de Edgar Degás. El pastel se presenta en unas barras
de forma cilíndrica compuestas de pigmentos en polvo cohesionados con goma arábiga.
No utiliza aglutinante que lo fije al soporte por lo que es fácil alterarlo o eliminarlo
mediante un trapo. Por esto necesita de un fijador para su total adherencia al papel. Un
recurso barato para la fijación es utilizar laca del pelo que al pulverizarla sobre el dibujo
le da cierta sujeción. No obstante, si pasaras un dedo sobre los mejores dibujos de
Degas se elimiminaría el color fácilmente. Las barras de pastel se manejan con
facilidad. Permiten ejecutar trabajos de manera cómoda y sencilla sobre el papel. Puede
trabajarse sobre diferentes superficies siempre que sean lo suficientemente porosas para
adherir el pigmento. El papel más utilizado para este tipo de material es el papel de
color. Hay marcas que tienen algunos con un grano bastante abierto para que la tiza se
vaya incrustando. Sin embargo, hay que tener cuidado porque llega un momento en el
que el papel no admite más material. La última capa debe dejarse sin fijador para que el
color brille, que es una de las características más destacadas de esta técnica. La técnica
del pastel debe ser fresca y espontánea. Cualquier insistencia o retoque truncaría tu
trabajo. Puedes superponer los trazos, darles diferentes presiones o difuminarlos con los
dedos. La grasa de la mano es un estupendo fijador. Los errores puedes borrarlos con
una goma de modelar o un pincel de pelo de cerda, siempre con suavidad. Puedes fijar
la pintura por capas, como Degas, o bien fijar al terminar tu obra. Por otra parte, el
papel debe tener la suficiente textura como para retener el pigmento. Puedes combinarlo
con otras técnicas: acuarela, lápiz, témpera, etc. Si decides sacarle todo el partido,
dispones de barras y lápices (de mina bastante frágil).Las barras pueden tener una
dureza blanda, media o dura; todo depende de si le han añadido algún aglutinante al
pigmento.
CERAS

Las ceras son una mezcla de pigmentos más cera y grasa animal, aceite de linaza
o parafina (cera) como aglutinante. El porcentaje de cera y grasa varía de unas marcas
comerciales a otras haciéndolas más o menos blandas con lo que se pueden conseguir
efectos muy distintos. El color con las ceras duras Plastidecor ofrece una superficie más
lisa de color que la que se obtiene con las más blandas tipo Manley. Suelen presentarse
en barritas con forma cilíndrica. Variando el soporte y las formas de trabajarlas
obtendrás resultados muy dispares. Normalmente trabajarás las ceras por frotación por
lo que el papel deberá de ser fuerte. Puede ser de distintos granos. Con papeles de lija de
diferentes grosores se consiguen efectos muy atractivos. El soporte o la superficie sobre
la que se dibuja es el papel y la cartulina, aunque también puede ser la tela o la madera.
Los colores, como sabes, son muy intensos y pueden mezclarse en el soporte aplicando
uno sobre otro o mezclándolos con un dedo o un trapo, de esta manera obtendremos
gran variedad de tonos. Las ceras también pueden diluirse con aguarrás, así podemos
conseguir tonos transparentes y difuminados. Los colores son tan blandos que puedes
conseguir efectos curiosos si rayas o rascas con un objeto con punta. Así, podrás retirar
parte de la pintura para que se vea el color del papel. Las ceras nos permiten realizar
transparencias haciendo superposiciones de color, para ello pondrás los colores más
claros en primer lugar y se irán añadiendo los tonos oscuros encima. Como la cera tiene
una gran consistencia, podemos rayar parte de las superficies coloreadas con distintos
objetos punzantes para conseguir texturas o hacer barridos con cuchillas dejando la
superficie rugosa de la cera totalmente lisa. Otro efecto son los difuminados con los
dedos, con difumino o con algodón, puedes frotar la superficie de la cera mezclando
tonos para obtener texturas más suaves. Si utilizas un algodón impregnado de aguarrás
conseguirás rebajar el pigmento y producir nuevos efectos de difuminado. Puedes
utilizar también las ceras combinadas con otros materiales como la tinta china o las
acuarelas. Observa los resultados en estas obras de Jordi Amat (ceras y tinta) y los de un
artista llamado Chuty (ceras y acuarelas).

TÉMPERA O GOUACHE

Seguro que la has utilizado en alguna ocasión. Como sabes, se presenta en

pequeños botes de pintura espesa que hay que diluir enagua. Son pigmentos aglutinados
con goma arábiga y un espesante, como el sulfato de bario. Los colores se aplican con
un pincel de pelo suave. Estos colores son muy opacos y cubrientes cuando los
mezclamos con poca agua. De manera que podemos degradar el color, añadiendo más
agua para hacer un color menos saturado o transparente. Es preciso, por tanto, controlar
la cantidad de agua que añadimos para multiplicar los efectos. El soporte es el papel,
que ha de ser grueso, como la cartulina o el cartón, para que absorba el agua que
contiene cada pincelada. Ya en la Edad Media se utilizaba esta técnica al agua para
acompañarlos manuscritos iluminando con colores los textos, como ves en esta obra de
la Edad Media.

La aplicación al paisaje en el siglo XVII por su facilidad de secado y por

permitir rectificaciones del color facilitó que se expandiera como una técnica de
preparación o boceto. Más tarde se depuraría su composición matérica (los pigmentos y
el tipo de aglutinante) para hacerla una técnica final. Todos los colores tienen algo de
blanco excepto el negro y son sólidos y opacos. Aunque se utiliza mucho para realizar
manchas de color planas y opacas puedes trabajarla de otras formas distintas: puedes
rebajarlarla con agua para hacer lavados similares a la acuarela, realizar texturas
mediante salpicados de color o rayado de la superficie mientras permanece húmeda o
mezclarla con otros materiales para conseguir efectos. Para trabajar con témpera
necesitarás un bote de agua, pinceles de pelo suave, una paleta para las mezclas de
color, un trapo un papel fuerte preferiblemente satinado y al menos los tres colores
primarios de tempera. Es recomendable tener algunos objetos para hacer texturas como
un cepillo de dientes y esponjas de distintas formas. La tempera es una técnica pictórica
al agua. Se prepara con pigmentos molidos, utiliza como aglutinante la goma arábiga, y
se añade una sustancia blanca, como por ejemplo la creta, para darle opacidad. Se suele
vender en tarros, de cristal o plástico, y en tubos. Hay en el mercado una gran variedad
de tonos. Al ser una técnica al agua sus colores se diluyen y se aplican con la ayuda de
agua. Cuanta más agua mezclemos con la pintura se obtiene un resultado más
transparente del color. Pero la cualidad principal de la tempera es ser una pintura
cubriente y mate. Tiene la facilidad de que seca rápido y podemos pintar una y otra vez
encima de cada pincelada, rectificando y enriqueciendo el trabajo por superposiciones
del color. Debes saber que la tempera cuando seca queda algo más pálida que cuando la
aplicas húmeda. Su técnica consiste precisamente en aprovechar la opacidad
característica de este material, aplicando la pintura con una consistencia uniforme. Sin
empastes demasiados gruesos como los que se hacen con el óleo, ni zonas transparentes
como la acuarela. No obstante ya te hemos contado que permite ciertos márgenes de
textura y transparencia según la cantidad de agua que mezcles con la pintura y realizar
finos lavados transparentes o semitransparentes. Cuando pintes con tempera podrás
corregir o modificar las partes que quieras añadiendo nuevas capas de pintura una vez
bien seca las anteriores.
Para conseguir buenos resultados con la témpera, lo más difícil es conseguir el punto
exacto de agua. Has de añadir siempre el agua poco a poco: un defecto de agua produce
craquelados en la superficie de los colores. Un exceso de agua produce colores lavados,
que no siempre son los que te interesan. Para aclarar los colores deberás añadir blanco.
Mezcla bien el color en la paleta antes de aplicarlo de lo contrario se pueden producir
veteados no deseados.

ACUARELA

Las acuarelas se elaboran mezclando pigmentos muy finos con goma arábiga
como aglutinante. Esta técnica se disuelve en agua y permite trasparencias y gran
luminosidad, respetando siempre el blanco del papel para los tonos más claros. Puedes
encontrar los colores en forma de pastillas o tubos. También tienes las llamadas
acuarelas líquidas. El pincel para acuarela debe ser de pelo muy suave sin perder su
forma (debe mantener la forma de la punta después de lavarlos).En cuanto al soporte,
existen en el mercado una gran variedad de papeles, que deben ser específicos para
acuarela. Éste suele tener una superficie rugosa y otra más plana. Puedes utilizar laque
consideres más oportuna. Se trata de un papel capaz de absorber el agua de las
pinceladas sin que se deteriore. Existen papeles de diferentes grosores o granos. Cuanto
más grano, más textura tiene el papel y retiene más agua. Podemos encontrarla en
pastillas o en pequeños tubos. Al igual que la témpera, la acuarela se disuelve en agua y
se aplica con pinceles suaves, la diferencia está en el aspecto de los colores: en la
acuarela son más transparentes, apreciándose la superposición de tonos y la luminosidad
del papel blanco. En la acuarela los blancos y los colores más claros se consiguen
dejando el blanco del papel o diluyendo mucho el tono de color con el agua. La técnica
fundamental con la acuarela es la aplicación de finas capas de color que se denominan
aguadas. Para mezclar colores, podemos dejar que sequen las pinceladas para
superponer otras, o bien, podemos mezclar el color en el mismo papel con la pincelada
húmeda. El grado de transparencia hemos de controlarlo añadiendo más o menos agua.
Puedes superponer los colores para hacer transparencias y veladuras pero cuanto menos
los superpongas más luminosos serán. Puedes hacer veladuras aplicando varios tonos
distintos sin esperar que sequen. De esta forma se produce una mezcla espontánea de los
bordes. Otra posibilidad será extender un color y, cuando seque bien, el otro realizando
así la transparencia de uno sobre otro.
La técnica más característica es el lavado: humedecer la zona de papel en la que se
quiere pintar, cargar el pincel con pigmento y agua y aplicar manejando el pincel con
soltura y sin apretar. Si trabajas sobre el papel húmedo conseguirás colores fundidos. El
mismo efecto también se logra sobre seco, aplicando primero un color, esperando aq ue
seque y aplicando a continuación el siguiente. Observa los efectos que puedes
conseguir. Lo que conviene siempre es trabajar con rapidez, sin insistir demasiado, para
no arruinar la frescura de la técnica.
TINTA

Es una técnica para pintar o dibujar muy tradicional. Se trata de pigmento negro
aglutinado en una solución grasa e indeleble, aunque también hay tintas acrílicas en el
mercado. El resultado es una pintura negra y cubriente que se aplica con pinceles
suaves. Los dibujos a tinta exigen una técnica muy compleja, debido fundamentalmente
a dos motivos:
• Se necesita una técnica muy segura, es decir, mucho control en el trazo porque
la tinta no puede borrarse.
• Se necesita el dominio del claroscuro, en el caso de las tintas acrílicas (que
podemos diluir en agua para conseguir los grises), y del blanco y negro, en el caso de
las tintas grasas.
Dos milenios antes de Cristo los egipcios utilizaron un tipo de tinta que en
aquellos tiempos era sólida y había que diluirla antes de usarla. Sobre papiro y
pergamino utilizando plumas de caña los escribas dejaron escrito a tinta cómo se vivía
en su época. Inventado el papel, la tinta se utilizó mucho en China sobre todo para el
dibujo de caligrafía que en ese país se considera un arte. A finales del siglo XIX los
alemanes denominaran tinta china a una tinta líquida que elaboraron. Esta tinta con
pocas modificaciones es la misma que se emplea en la actualidad.
 La evolución de los instrumentos de dibujo hizo evolucionar la técnica desde la
pluma de ave, la plumilla de bronce de los romanos, de acero en el siglo XIX, hasta la
estilográfica y los bolígrafos de diferente calibre en la actualidad. Todas las tintas
contienen dos componentes básicos: pigmento o tinte que da el color, y un aglutinante
que es el líquido en el que se dispersa el pigmento. Existen varios tipos de tintas, pero el
ingrediente más utilizado suele ser el hollín o el carbón en un aglutinante como la goma
arábiga. La composición y consistencia de la tinta depende de los usos a los que esté
destinada. La tinta de imprenta es mucho más densa que la de una pluma estilográfica.
A estas se les sueñe añadir un componente para que fluya mejor, faciliten su salida y
tengan un secado rápido. Las tintas chinas se usan sobre todo para dibujo. Las hay de
muchos colores, permiten mezclarse entre sí y pueden realizarse con ellas veladuras con
colores superpuestos. Poseen un brillo muy singular y suavidad para el trazo. Son
prácticamente permanentes sobre todo la negra porque el carbón del que está compuesta
es químicamente inerte y la luz del sol no lo decolora ni lo afecta de ninguna manera.
Esta técnica te permite trabajar con una gran variedad de instrumentos: pinceles,
rotuladores, estilógrafos, cañas de bambú, palillos, incluso plumas de ave. Con la tinta
se puede conseguir una precisión de línea que consigue descripciones detalladas y
expresivas en los dibujos por lo que es muy usada en el mundo del arte. Se consiguen
efectos de sombreado, trazando rayados cruzados de distinta densidad trabajando el
claroscuro, las tonalidades y texturas diversas para crear ritmo y volumen. Puedes ver
ejemplos de texturas gráficas en el dibujo y el grabado del artista malagueño Pablo
Picasso. Como realiza los tonos más oscuros acumulando rayados en diferentes
direcciones, con diferente grueso y en distinta cantidad de líneas, consiguiendo
variaciones de grises. Otra posibilidad técnica viene de la capacidad de la tinta para ser
diluida y rebajada con agua. Se trata de la técnica de la aguada . Fíjate como Rembrandt
combina en el desnudo trazos de contornos con lavados de tinta diluida.
En una aguada lo primero es realizar una mancha general de grises con la tinta
bastante aguada para componer y entonar el tema del dibujo. Sobre este primer
planteamiento se construyen los detalles aumentando el grado de oscuridad con la tinta
más densa. Se pueden dejar zonas de papel sin tocar por el agua o por la tinta para
conseguir claros tan luminosos como los del tono del papel. La luminosidad depende
sobre todo de los contrastes. De la capacidad de destacar por la proximidad, tonos que
son diferentes. En el dibujo también puedes ver estos altos contrastes reservando el
blanco del papel. La rapidez del gesto sobre el papel y el material utilizado darán
personalidad al trazo. En este caso hablaríamos de un boceto realizado en unos pocos
minutos.

ÓLEO

Se presenta en tubos de pintura pastosa con los que podemos conseguir múltiples
efectos de claroscuro, colores y texturas. Su nombre proviene del aglutinante que
contiene, ya que los colores se fabrican con pigmentos desleídos en aceites, como el de
linaza, de nuez o de adormidera. El diluyente apropiado es la trementina o el aceite, con
los que podemos conseguir tonos prácticamente transparentes, así como controlar el
empaste de la pincelada según utilicemos más o menos trementina. El soporte más
utilizado es el lienzo, que es una tela de lino o algodón con una imprimación para que
permita resbalar y adherir la pincelada. Esta tela está tensadas obre un bastidor de
madera. También sirven como soportes los tableros de madera pegados a un bastidor de
madera. Pero también se puede utilizar madera o cartón. Los pinceles suelen ser de
cerdas duras para poder mezclar y aplicar esta pintura tan pastosa. También se utilizan
pequeñas espátulas para aplicar el color. En cuanto al equipo de pintura, decirte que
debes utilizar pinceles y espátulas adecuadas para pintar al óleo. Las paletas sobre las
que se mezclan los colores pueden ser de papel o de madera. En realidad, cualquier
superficie no absorbente es válida. Por último, unos pequeños tarros de cristal te
resultarán de mucha utilidad para contener el medio de aceite y trementina. De la
técnica propiamente dicha decirte que puedes trabajar directamente, aplicando la pintura
sobre la superficie, obteniendo así una obra más fresca (con esta técnica se observaran
las marcas del pincel); o por veladuras añadiendo progresivamente capas trasparentes de
color. Te recomendamos que comiences con pintura más diluida en las primeras fases,
para acabar tu obra utilizando pintura cada vez más densa (graso sobre magro).Con el
descubrimiento del óleo se amplía la gama de colores que los pintores pueden utilizar y
la historia de la pintura evoluciona enormemente.

ACRÍLICO
La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, siendo
normalmente el látex el aglutinante. Como disolvente se utiliza el agua. Aunque son
solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la
rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el
óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX. Andy Wharhol La
característica principal de las pinturas acrílicas es que secan rápidamente y, si el pintor
está acostumbrado al óleo, puede ser un problema. Para evitarlo, se puede añadir agua o
un retardador. Las pinturas acrílicas se pueden usar sobre papel, cartón, tableros
preparados o lienzo. Las únicas superficies que no sirven son las que se han imprimado
con aceite. Pollock pintando En cuanto a los pinceles pueden ser Jackson Pollock
empleados los mismos que se usan en otros medios solo que, debido a la rapidez del
secado, conviene lavarlos inmediatamente después de usarlos. Los acrílicos permiten
trabajar grandes manchas de colores planos, como los cuadros de arte pop de Wharhol o
Lichtenstein y también trabajar con goteos y salpicaduras, con gran rapidez, como hace
Pollock.

TÉCNICAS MIXTAS
Investigando las posibilidades expresivas de los distintos materiales y mezclando
distintas técnicas en una misma pintura se puede multiplicar la expresividad del
resultado.
Aunque vale todo, conviene tener en cuenta una norma para que el resultado sea
duradero: pinta primero con pinturas no grasas y después con pintura al aceite. Si lo
haces al revés, la pintura no grasa no podrá fijarse al soporte. Desde aquí te invitamos a
que investigues tu propia técnica. Mezcla distintos materiales, utiliza herramientas para
aplicar la pintura menos convencionales, prueba a pintar en distintos soportes, investiga
las texturas, etc. ¡El resultado te sorprenderá! En el siguiente ejemplo, hemos mezclado
las ceras y la témpera.

COLLAGE
La palabra collage es de origen francés (coller: pegar). Fue en Francia a principios del
siglo XX cuando evolucionó hasta hacerse una técnica artística compatible con la
pintura y la escultura. Se considera collage cualquier material pegado sobre un soporte,
este tratado antes o no. Los cubistas como Georges Braque o el artista español Pablo
Picasso fueron los primeros en realizar collages pero luego todos los movimientos de
vanguardias posteriores los hicieron. Ellos empezaron a combinar partes pintadas con
papeles y otros materiales pegados. Llegaron a utilizar maderas, metales, telas y objetos
de toda índole. Cada objeto añadido simboliza y expresa algo en el contexto de la obra
ampliado su significado. El arte consiguió olvidarse de la representación naturalista y
encontró otra manera de expresarse, mediante el lenguaje de los signos, las formas, la
luz, los colores, los ritmos, la composición, etc. En las imágenes tienes ejemplos de
collages de distintas épocas y materiales. Esta técnica te permite pintar sin utilizar
pintura, aunque si quieres puedes combinarla también. Un papel, una tabla, un cartón de
textura áspera, un metal con ralladuras, un alambre curvado, un botón naranja... todo
sirve. La técnica está abierta a la creación utilizando cualquier material y herramienta.
El collage constituye una forma interesante de observar la capacidad expresiva que
tienen los objetos que muchas veces Kurt Schwitters, 1920 tiras a la basura, cartones,
papeles viejos, manchados o rotos, revistas y periódicos con muchas imágenes
reutilizables. Objetos reciclables pequeños y grandes. Juan Gris Puedes acumularlos y
organizarlos por sus cualidades: papeles, fotografías, trapos, y objetos serán en esta
técnica tu paleta de pintor con la que jugar a contar cosas. Cómo trabajar el collage:
Cada pieza que pegues puede mantener su forma original o puedes modificarla. Si la
modificas, debes pensar de que manera la cortas: las manos, una tijera, un cuchillo, un
serrucho. Todos producen efectos distintos. Piensa también si quieres bordes rectos o
regulares o bien desgarrados y ásperos. Verás que esto modifica el aspecto final de tu
obra. Podrás lijarlos, rasparlos, borrarlos, mancharlos, quemarlos, etc. Antes de pegar
las piezas muévelas sobre el soporte y cuando veas como se relacionan entre sí y te
guste, empieza a pegarlas o clavarlas. Combina las formas por superposición, por
contigüidad, por ocultamiento, por transparencia, por contraste o por semejanza.
Observa como lo han hecho estos alumnos manipulando su propio retrato.

EL GRABADO Y LA ESTAMPACIÓN
La técnica de estampación del grabado consiste en transferir a un papel una imagen
dibujada con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos en una
superficie rígida llamada matriz con el objetivo de alojar tinta en las incisiones. Esta
tinta se transfiere al papel mediante presión con un instrumento denominado tórculo.
Grabado sobre metal. La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente planchas
de cobre zinc e incluso hierro o plásticos. Existen varias técnicas para grabar el dibujo,
como la punta seca, el aguafuerte, las resinas, etc. Las técnicas de la punta seca o el
buril, son las técnicas más directas, ya que utilizando herramientas cortantes o
punzantes se crean surcos más o menos profundos, de manera que cuanto mayor sea la
presión, más profundo será el surco y mayor será la cantidad de tinta que se aloja en
ella. El procedimiento del aguafuerte es el más utilizado y emplea procesos químicos
para conseguir el relieve. La matriz se cubre con un barniz realizado a base de betún de
judea y cera de abeja. Cuando está seco, se levanta con un punzón u otro utensilio capaz
de retirar el barniz, siguiendo el dibujo que se quiera realizar, y dejando la superficie de
la plancha al aire. La plancha de metal se sumerge entonces en una solución ácida, que
actuará corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz y rehundiendo
la superficie de la plancha, que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actué
el ácido. Se puede utilizar un barniz especial, denominado barniz blando. Este barniz no
se seca, y mediante la utilización de un papel de seda, se dibuja encima quedando la
matriz desprotegida cuando se retira el papel. Una vez hecho esto, se procede a sumergir
la matriz en la solución ácida.
Grabado sobre linóleo. El linóleo es un material liso y semiduro que se asienta en la
parte inferior sobre una tela de arpillera. Se vende en planchas de distintos tamaños que
pueden ser cortadas con tijeras fácilmente. La técnica de grabado y estampación con
linóleo se llama linograbado. El linóleo se trabaja haciéndole incisiones o surcos con
una pequeñas gubias de distintas formas apropiadas para este trabajo que se venden en
papelerías o tiendas especializadas. El material desbastado con las gubias dejará unos
huecos o surcos en la plancha. El resto de superficie de linóleo lisa que quede es la que
después, al entintar y transferir a otra superficie como el papel, dejará la huella en la
estampación. Cuando realizamos un dibujo para un linóleo hay que tener en cuenta que
en la impresión saldrá invertido. El papel para estampar un linóleo debe ser grueso,
absorbente y poco satinado ya que es necesario humedecerlo diez minutos en agua antes
de realizar una estampación. Existen en el mercado papeles específicos para estampar
pero podemos utilizar otros soportes como el papel de acuarela, el tablex o
contrachapado, o el cartón. En la actividad tres de este tema te explicamos como realizar
tu primera obra seriada con esta técnica. Serigrafía. La serigrafía es una técnica de
impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre casi
cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una gasa tensada en un
marco, el paso de la tinta queda bloqueado en las zonas donde no habrá imagen,
mediante emulsiones que se fijan con procedimientos fotográficos, quedando libre las
zonas por donde pasará la tinta. Para cada color se requiere de una gasa que se aplicara
al soporte de manera ordenada. La tela se une de manera muy tensa a un marco de
madera sobre el soporte a imprimir y se hace pasar la tinta a través de ella, aplicándole
una presión moderada con un rasero, generalmente de caucho. El uso de la serigrafía es
muy extenso, además de la creación artística, se utiliza para la estampación de
camisetas, vinilos, cristales, cerámica, todo tipo de productos e incluso circuitos
impresos. Con esta técnica, solo se pueden conseguir colores planos, por lo que se
requieren varias pantallaspara conseguir efectos expresivos, sobre todo por
superposición de imágenes.

ESCULTURA
Esculpir consiste en crear obras de arte tridimensionales. En este medio, quizás más que
en ningún otro, la técnica o procedimiento empleado dependerá totalmente del material
con que se trabaje, que ya sabéis que pueden ser muchos: barro, yeso, madera, metal,
hormigón, piedra...
Los escultores suelen preparar su obra construyendo un pequeño modelo de la figura, de
arcilla o yeso. Este modelo equivale al esbozo del pintor o plano del arquitecto. El
procedimiento fundamental y el más clásico es el que se llama concretamente esculpido,
sirviéndose de escoplo, buril o cincel según las necesidades. Incluso los procedimientos
de fundir y moldear requieren retoques de cincelen los detalles. Además, se usan otras
acciones como el modelado o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado
y el estampado o troquelado. Es interesante darse cuenta de lo poco que han cambiado
con el paso del tiempo las técnicas del modelado y la talla, en comparación con los
cambios que se han producido en otras técnicas de bellas artes. Sólo en el siglo XX se
empezaron a introducir nuevos métodos de trabajo. Procedimientos- Esculpir, consiste
en sacar partículas al bloque ya desbastado hasta obtener la figura deseada.
Antiguamente la talla se efectuaba con instrumentos de hierro, que por su blandura se
deterioraban pronto. En algunas esculturas aún se observa la señal de punzones y
cinceles. Actualmente, además de las herramientas tradicionales, se utiliza el disco de
diamante para la piedra y los discos de widia para la madera. Para reproducir, la misma
medida, las formas del modelo sobre materiales como la piedra o madera se utiliza el
método de sacar puntos con la ayuda del puntómetro o «máquina de sacar puntos». Es
un artefacto con una combinación de varillas metálicas articuladas terminada en una
aguja de sección triangular afilada en punta, con el que se miden puntos determinados
en un modelo y se traspasa esta medida al material donde se hace la escultura definitiva.
La aguja se desplaza por una guía para buscar la profundidad del punto y se fija con un
tornillo. -Modelar. Es dar la forma deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones
de la masa.

ARCILLA.
Normalmente para el trabajo de las esculturas en arcilla, muchas culturas utilizaron las
mismas técnicas que para la alfarería, con rollos, placas o tubos de arcilla. También se
ha utilizado la presión; la arcilla húmeda se comprime en moldes de barro previamente
cocidos. Esta técnica fue empleada por los griegos ya en siglo III a. C. La arcilla, una
vez modelada y antes de su cocción en el horno, debe mantenerse en contacto con el
aire o en un ambiente seco, para su desecación para que adquiera consistencia y evitar
deformaciones. El barro o arcilla es un material que permite el modelado de formas
desde objetos de uso cotidiano como vasijas, platos, cuencos o macetas hasta figuras
decorativas o artísticas. El modelado con arcilla es una técnica aditiva, vamos añadiendo
poco a poco el material para construir algo, y permite hacer correcciones en cualquier
momento. Cuando modelamos podemos distinguir fundamentalmente dos tipos de
trabajos: figuras exentas o de bulto redondo y relieves. El barro procede de la
descomposición de minerales de aluminio. Existen distintos tipos de arcillas y cada una
posee un color y unas características especiales que las hacen más o menos apropiadas
para distintos usos.
Para trabajar el barro ha de tener un grado adecuado de humedad. Un material
demasiado húmedo se te pegará a los dedos y no te permitirá un buen modelado. Del
mismo modo, si no está lo suficientemente húmedo se resquebrajará y no tendrá la
condición de flexibilidad necesaria para poder manipularlo. Unos paños mojados y
bolsas de plástico te permitirán mantener el barro en perfectas condiciones mientras
realizas tu trabajo hasta obtener la forma definitiva. Las herramientas básicas para
modelar son los palillos que tienen distintas formas relacionadas con la función que
deben desempeñar. Existen palillos ahuecadores o desbastadores que sirven para extraer
material de piezas macizas, palillos de madera para retocar, para alisar, con dientes de
sierra para hacer texturas, etc. Otra herramienta básica es un alambre que te permitirá
cortar las pellas de barro.

CERA.
La cera se modela como material auxiliar para la realización de bocetos, estos sirven al
escultor ya sea como guía para visualizar su obra final en otro material, o como matriz
para el vaciado posterior en bronce. Más recientemente se ha utilizado para la creación
de personajes que se exponen en numerosos museos de cera. A nivel decorativo se
hacen diversos objetos como imitaciones de frutas en cera. Como en el modelado con
arcilla las manos del artista son la primera herramienta a tener en cuenta, pero puede
ayudarse con espátulas, rascadores y limas. La sustancia puede ser cera virgen de abeja
o cera industrial que se puede encontrar en el mercado con varias durezas. Para
construir la base para montar la cera es necesaria una armadura que puede ser desde un
simple alambre de cobre, para piezas pequeñas, hasta otras más complicadas cuando la
obra es de mayor envergadura.

PLASTILINA.
Se modela con las manos o pequeñas espátulas, prácticamente igual que la cera, y sirve
como boceto para la obra escultórica. La plastilina encuentra también un lugar
destacado en animación. Nick Park es un promotor de su uso, que ganó dos premios
Óscar con los cortometrajes de Wallace y Gromit (1992-1995). La plastilina, como el
barro, constituye un excelente material para modelar. Es flexible y permite hacer
correcciones. Los elementos para trabajar con ella son los mismos que para el barro,
pero frente a éste la plastilina nos ofrece algunas cualidades que la hacen más práctica
para trabajar en el aula. La plastilina es frágil como la arcilla y los trabajos no soportan
bien las agresiones y el paso del tiempo. Sin embargo, podemos endurecerla y hacerla
más resistente dándole una imprimación con varias capas de cola blanca rebajada en
agua. La cola actuará como barniz y, a la vez, como protección. Por estar rebajada en
agua será transparente. Esto nos ahorra el problema del barro en el secado ya que éste
tiende a resquebrajarse cuando no lo amasamos adecuadamente o si las capas son muy
gruesas. Por otra parte la plastilina mancha menos y, sobre todo, nos ofrece otro atributo
fascinante: EL COLOR. Nos ahorramos el decorado con pinturas y nos facilita el
trabajo de texturas y calidades en la cubierta de los trabajos. En el mercado existe una
amplia gama de colores pero además podemos mezclarlas entre sí para obtener otras
muchas tonalidades.

PASTA DE SAL

Historia:

A lo largo de los siglos el pan ha sido moldeado de mil formas. En la antigüedad en

Egipto los panes tenían formas de trenzas, de corazones...
En Grecia el pan tenia forma de racimos de uvas, en Roma para homenajear a alguien se
le obsequiaba con un pan moldeado. En la Europa medieval los panes tenían forma de
platos....
Los panes que se servían en las bodas tenían formas de anillos. Cualquier ocasión servia
para crear una forma diferente.
El pan también sirvió simplemente de pasta para moldear. Es posible encontrar en
algunos museos de historia y de arte popular objetos hechos con miga de pan.
La pasta es esencial y vital, plástica y muy popular. En el mundo entero la pasta de pan
(pasta de sal) forma parte de fiestas muy tradicionales.

Tradiciones en el mundo.

En Asia, la pasta de arroz:

En China, la pasta de arroz forma parte del arte de la calle. Es costumbre crear figuritas
inspiradas de obra teatrales. Su conservación es limitada...
En Indonesia, la pasta de arroz colorada sirve para fabricar construcciones increíbles.
Son ofrendas ofrecidas a los templos. Tienen muchos detalles y colores muy vivos.
En Japón, más de 40000 templos están dedicados a la diosa del arroz...
En Vietnam las creaciones hechas con pasta de arroz tienen representaciones religiosas.

En América, la pasta de sal es muy popular:

En Ecuador son muy conocidos los personajes o animales de formas muy simples que
se suelen hacer para el día de Todos los Santos.
En Bolivia las mascaras suelen tener un acabado hecho con pasta de harina de trigo y
pegamento. Eso permite modelar la nariz los ojos la boca.
En Perú los artesanos fabrican la pasta con una base de patata. Y suelen realizar muchos
retablos con escenas de la vida cotidiana...
En Chile y Argentina la pasta de sal es muy popular. La composición de la pasta suele
ser más elaborada y permite realizar composiciones bastantes complejas y muy realistas.
En Estados Unidos este arte popular se ha adaptado a la industria, lo que en cierta
manera le hace perder su espontaneidad.

En Europa:
En Holanda y Bélgica se suele utilizar moldes para confeccionar las figuras y la pasta es
dulce.
En Alemania la pasta de sal tiene muchos adeptos y se puede encontrar muchísimos
libros y revistas sobre este tema, hasta pasta de sal en venta en las tiendas.
En Italia la pasta de pan es una tradición muy viva, y en Sicilia el moldeado de la pasta
de pan es muy creativo.
En la antigua Checoslovaquia, los moldeados son muy creativos. La pasta solo lleva
harina y agua, y una vez moldeado el objeto se sumerge unos minutos en agua hirviendo
y luego se sigue el secado en el horno.

Se puede crear arte con cualquier materia, con los elementos más simples, con los más
cotidianos. Existen diferentes pastas, pero la pasta de sal por su composición y por su
fácil elaboración es una de las más adecuada para iniciarse en el modelado domestico.

Receta:
Sal, harina y agua. Poner en un cuenco -dos volúmenes de harina, un volumen de sal
(por ejemplo tomar un vaso) mezclar. Añadir un volumen de agua y una cuchara de
glicerina o aceite alimenticio. Durante el trabajo, conservar la pasta en una caja
hermética, para que no se seque. Se puede guardar dos días en el refrigerador.

Las herramientas:
Casi todo lo encuentras en la cocina, tenedor, cuchillo, prensa de ajo, moldes, papel de
plata, palillos y todo lo que quieras utilizar...

La coloración:
Acuarela (tonalidades suaves), Acrílicos (tonalidades más vivas), o Colorantes o
especies mezclados directamente a la pasta.

La cocción:
El éxito de un objeto hecho con pasta de sal depende enteramente de su cocción. Para
tener una idea.... tenéis que saber que un objeto de 1mm de grueso tendrá que estar 1
hora en el horno, con el termostato 2 ( temperatura mínima 60º -70º).

Protección y conservación:
Aplicar tres capas de barniz en las dos caras del objeto en pasta de sal para protegerlo
del polvo y de la humedad. Estos objetos se pueden conservar mucho tiempo si
evitamos de colocarlos en habitaciones húmedas. Para restaurarlos es conveniente pasar
una capa de barniz cada año.

PAPEL MACHÉ

Un poco de historia
El arte de trabajar la pasta de papel se desarrollo en Persia y en India. Con la pasta de
papel se hacía objetos útiles como bandejas, juguetes, etc. Muchos de estos objetos se
conservan todavía.
Esta técnica se introdujo en Europa gracias a los comerciantes venecianos. Durante el
siglo XVII, donde surgió una autentica industria de cajas de papel. Estas cajas fueron las
famosas "cajitas de râpé".
La técnica de esta época era demasiada lenta y costosa. El papel rasgado se ablandaba al
calor, se remojaba en agua, y luego se moldeaba en formas de madera y se saturaba de
aceite de linaza. Se añadían capas de pasta mezclada con arcilla roja, con hollín y con
aceite. Después del secado, el objeto se pulía y lacaba.
En 1722 el escocés Henry Clay obtuvo una patente para la fabricación en pasta de papel
de muebles, puertas, lámparas etc.
A mediados del siglo XIX, el papel maché se utilizo mucho en Inglaterra y en Francia.
La idea de vaciar la pasta de papel con pegamento en moldes es una idea inglesa y data
más o menos de 1820. Joshua Bettridge de Birmingham fue el más famoso fabricante de
muebles en papel maché, exporto sus muebles en el mundo entro. En la misma época,
en Francia, Pierre Adt abre una fábrica. Se especializa en la fabricación de objetos de
arte para la mesa, (cestas para el pan, bandejas, cajitas, etc.) Los objetos y muebles de
papel maché que provienen de esta época son raros de hallar en el mercado de las
antigüedades, y por eso desconocidos, solo los aprecian los iniciados, la mayoría de
ellos coleccionistas.
En algunas regiones de los Estados Unidos la pasta de papel fue hasta 1900 objeto de un
artesanado familiar.
Ahora la pasta de papel tiene un sitio relevante en el Arte y está al alcance de cualquier
persona que tenga la inquietud de crear algún objeto con sus manos...
Aunque muy simplificadas las técnicas modernas requieren paciencia. La pasta de papel
puede adaptarse a las formas más caprichosas y más sorprendentes. Con un poco de
habilidad se puede modelar fantásticas estatuas como las que fabrican los artistas
mexicanos o diminutas figuras al estilo de los japoneses.

Preparación:

El trabajo en papel maché cuenta con una larga tradición dentro del mundo de las
manualidades y de la artesanía en general.
Papel maché significa simplemente papel mascado o machacado, cuyos únicos
ingredientes son: papel, agua y pegamento.
Una vez que seca el pegamento, el papel así elaborado resulta imperecedero al paso del
tiempo.
La pasta de papel preparada con cola y agua se convierte en una masa modelable de
semejantes cualidades plásticas al propio barro. A pesar de que con el papel maché se
puedan realizar auténticos objetos utilitarios, como mesas, bandejas e incluso muebles
de grandes proporciones, su principal finalidad suele consistir en el desarrollo de
elementos ornamentales.

Receta 1:
Rasgar tiras de papel de periódico. Es muy importante rasgar las tiras de papel a mano
nunca con tijeras (ya que los bordes del papel presentan una especie de fleco finísimo
que por su capilaridad absorbe el agua y la cola).
Preparar la cola, (cola de empapelar ) con agua caliente, la pasta debe quedar lisa y
untuosa.
Sumergir las tiras de papel en esta cola y escurrirlas. Deben quedar empapadas...

Receta 2:
Romper el papel de periódico a trocitos pequeños. Ponerlo en un barreño y echarle agua
caliente. Dejar reposar varias horas e ir revolviendo añadiendo agua o papel hasta
conseguir una papilla consistente. Poner un trapo grande en un barreño, echar en él la
pasta y retorcer el trapo para que cuele el agua sobrante. Se consigue así una bola de
pasta.
Dejarla en el barreño y añadir la cola en polvo y el agua.
La pasta debe tener la consistencia de una crema fluida y pegajosa.

Receta 3:
Necesitamos una taza de papel, que preparamos de la siguiente manera. Primero
rompemos en pequeños pedacitos un rollo de papel higiénico, lo colocamos en una
cacerola con agua y lo llevamos al fuego hasta que hierva, lo dejamos enfriar, licuar la
pulpa con una batidora. Con las manos escurrimos bien la pasta hasta sacar toda el agua.
Agregamos una taza de tiza en polvo, engrudo casero o bien cola en polvo y amasamos
la pasta. Esta pulpa de papel debe utilizarse el mismo día.

VACIADOS

Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con un material
fundido o una pasta cualquiera y lograr la positiva. Se pueden hacer piezas de yeso, pero
no son valoradas ya que el material es pobre y fácil de sufrir rupturas. Con la resina de
vidrio y mezclas de polvo de mármol junto con pigmentos se pueden conseguir copias
con diversos colores y texturas.- Cera perdida. El método de la cera perdida es el más
extendido para los metales como el bronce, el cual se cuela dentro del molde en forma
líquida y así llega a todos los rincones. Cuando se solidifica se consigue una copia
completamente fiel al modelo del molde. Históricamente se conoce el uso de la
fundición a la cera perdida ya en estatuas de gran tamaño desde el siglo II en Egipto y
Mesopotamia y su uso sistemático desde el siglo V en Grecia. Desde entonces la
escultura en bronce se ha realizado con este método ya que permite la reutilización de
los moldes y por tanto la reproducción en serie de la escultura.

- Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar
bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.

- Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde los
relieves y los huecos necesarios para conseguir la forma que se pretende.

- Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o

troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.

- Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo de hierro

en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se
caracteriza por efectuar una unión sumamente sólida y rígida. Esto permite unir objetos
de hierro diversos (chatarra, piezas preformadas mediante el repujado o la forja, etc.).

- Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar una escultura por aporte,
técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que
aquella lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la creación
de obras más plásticas.

-Galvanoplastia. El descubrimiento de la galvanoplastia se produjo en la primera mitad

del siglo XIX. Consiste en depositar por electrólisis cualquier tipo de metal sobre la
superficie interior de un molde sacado en negativo de una pieza original. Al principio se
utilizaron moldes de metal como buen conductor eléctrico, más adelante se utilizaron
moldes de plástico resistentes a la acción química del baño electrolítico, consiguiendo
que fueran conductores de electricidad cubriéndolos con polvo de grafito o cualquier
otro metal que el punto de fusión fuera inferior al del metal que debía depositarse para
conseguir la pieza final. Las reproducciones salen bastante baratas, pero al poder ser
muy numerosas pierden un poco el valor de obra de arte, empleándose más para objetos
industrializados.

-Ensamblaje con materiales de deshecho: Si has ido alguna vez a un museo de arte
contemporáneo seguro que has podido encontrar una obra de arte parecida a esta
Bicycle Wheel de Marcel Duchamp (1887-1968) y puede que te hayas preguntado ¿Es
ésta una obra de arte? Marcel Duchamp (1913): “Bicycle wheel”
Las investigaciones de los artistas de las vanguardias del siglo XX como Duchamp, van
dirigidas en múltiples direcciones y casi nunca a realizar meras copias de la realidad. En
las obras los artistas expresan sentimientos personales, críticas a la sociedad de
consumo u otras inquietudes... y lo hacen valiéndose de todo tipo de materiales. Los
ready mades que propone Duchamp en 1913 rescatan los objetos de la vida cotidiana
para realizar esculturas mediante ensamblajes. Pretenden integrar el objeto común al
mundo del arte aprovechando tanto el carácter formal como el plástico. En clase
podemos emular a estos artistas e intentar realizar proyectos escultóricos con todo tipo
de objetos de desecho. ¿Has visto como a veces en los grandes almacenes construyen
con latas de refrescos dibujos en la pared? Podemos hacer construcciones de todo tipo
con botes de leche, botellas, cajas de galletas, etc. Estos materiales te permitirán realizar
obras de gran tamaño. Puedes unir los materiales con cinta adhesiva, pegamentos,
cuerdas... y luego pintarlos con pinturas acrílicas. En las pantallas de actividades
encontrarás las instrucciones para construir una escultura con este tipo de materiales.

FOTOGRAFÍA
La fotografía es la ciencia y el arte de capturar imágenes y fijarlas en un medio material
sensible a la luz. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen
captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la
imagen queda reducido. Para capturar y almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas
utilizaban hasta hace pocos años una película sensible, mientras que en la actualidad, en
la fotografía digital, se emplean, generalmente, sensores CCD y CMOS y memorias
digitales. El término fotografía procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis
("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir/grabar con la luz".
Antes de que el término fotografía se utilizara, se conocía como daguerrotipia. Y es que
aunque parte de su desarrollo se debió a Joseph-Nicéphore Niépce, el descubrimiento
fue hecho público por Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica. Este término sirve
para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de esas imágenes como a su
resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías». En todas las cámaras, el
proceso de obtención de una exposición correcta se produce a través del control de una
serie de controles con los que se trata que la fotografía sea clara, nítida y esté bien
iluminada. Habitualmente los controles que se incluyen son los siguientes: • Enfoque. El
ajuste que sitúa el punto más nítido de la imagen donde se desee. En las cámaras
modernas, existirán puntos de autoenfoque sobre los que el sistema de autoenfoque de
la cámara tratará de enfocar. • Apertura. El ajuste del diafragma de la lente, medible
mediante el número f, el cual controla la cantidad de luz que pasa a través del objetivo.
La apertura tiene efecto en dos elementos: la profundidad de campo yla difracción:
cuánto más alto sea el número-f, más pequeña será la apertura, menor la cantidad de luz
que entre por el objetivo, mayor la profundidad de campo y también mayor el efecto
difuminador de la difracción. La longitud focal dividida por el número-f es lo que da el
diámetro efectivo de la apertura.
• Velocidad de disparo. El ajuste de la velocidad de disparo para controlar la cantidad de
tiempo durante la cual el captor o la película son expuestos a la luz por cada exposición.
Velocidades de disparo rápidas, o sea, de corta duración, decrementan tanto la cantidad
de luz como la trepidación debida al uso de la cámara apulso, sin trípode. • Balance de
blancos. En equipos digitales, la compensación electrónica de la temperatura de color
asociada a unas determinadas condiciones lumínicas, asegurándose que la luz blanca es
registrada como tal en el captor de imagen y, por lo tanto, los colores en la imagen
parecerán naturales. En las cámaras de carrete, esta función se ejerce mediante la
elección de determinados tipos de película fotográfica o con filtros correctores de color.
Además de usar el balance de blancos para registrar la coloración natural de la imagen,
los fotógrafos la pueden emplear con fines estéticos, por ejemplo, para obtener
temperaturas de color más cálidas. • Escala de sensibilidad fotográfica.
Tradicionalmente ha sido usada para indicar a la cámara la velocidad ASA de la película
utilizada en cámaras de película. Hoy en día las velocidades ISO son empleadas en las
cámaras modernas para indicar la ganancia de luz del sistema en formato numérico y
para controlar el sistema de exposición automático. Cuanto mayor sea el número ISO,
mayor será la sensibilidad de la película o del captor ala luz, mientras que con un
número ISO menor, la película es menos sensible a la luz. Con una correcta
combinación de velocidad ISO, apertura, y velocidad de disparo se consigue una imagen
que no es ni demasiado oscura ni demasiado clara, y por lo tanto correctamente
expuesta. • Longitud focal Depende del tipo de objetivo utilizado: teleobjetivo u
objetivo "largo" , Objetivo macro, gran angular, ojo de pez, u objetivo zoom. Nos
permite modificar el encuadre y la porción de realidad que aparece en él. Fotografía
digital. Existen dos tipos de imágenes digitales:1º. Mapa de Bits: es un imagen creada
sobre una rejilla o cuadrícula, que se guarda como fichero. Cada unos de los cuadritos
de la rejilla se denomina píxel, y este guarda información del color. Cuantos más
píxeles, mayor es la imagen. Además hay píxeles que guardan más información que
otros, depende de la información que queramos guardar.2º. Imágenes vectoriales: están
formada por objetos geométricos independientes (segmentos, polígonos, arcos, etc.),
cada uno de ellos definido por distintos atributos matemáticos de forma, deposición, de
color, etc. Por ejemplo un círculo de color verde quedaría definido por la posición de su
centro, su radio, el grosor de línea y su color. Tratamiento de la imagen digital. La
evolución vertiginosa de las aplicaciones informáticas hace que encontremos en el
mercado un amplio abanico de programas especializados en las distintas actividades de
creación y edición de imágenes digitales. En esta unidad didáctica primaremos el
aprendizaje de aquellos programas denominados "de código abierto" aunque la mayoría
de productos ofrecen al usuario la posibilidad de descargas gratuitas en versiones de
prueba. Aquí tienes un resumen:• Dibujo técnico: - 2D: CadStd Lite, Autocad. - 3D:
Blender, Catia. • Dibujo artístico: - Retoque fotográfico: Gimp, Photoshop. - Dibujo
vectorial: Inkscape, Freehand. • Autoedición: - Edición de páginas web: NVU,
Dreamweaver. - Autoedición y maquetación: Scribus,
QuarkXpress. • Animación: - Animación: Flash. - Animación y modelado 3D:
Sketchup, 3D Studio Max. • Vídeo: - Edición: SuperDVD Video Editor, Adobe
Premiere. • Multimedia: - Presentación de contenidos: Macromedia Director. Existen en
el mercado muchos programas que podemos utilizar, pero el “software libre” nos
proporciona posibilidades excelentes para poder desarrollar esta nueva tarea de crear,
modificar o manipular imágenes. ¿Pero qué es el software libre?. El software libre
(programas libres), son las herramientas o programas que se pueden utilizar bajo
licencia libre y gratuita, sin necesidad de pagar por ello. Esto no es lo mismo que
“software pirata”, no tiene nada que ver. Este tipo de programas están hechos para que
las personas sin recursos o el que lo desee, pueda utilizarlo bajo una licencia libre y de
código abierto. Otra cosa, es que nos encontremos en Internet la posibilidad de
descargar programas, música o películas que han sido pirateados para utilizarlos sin
licencia. Como ejemplos de software libre que vamos a utilizar son: GIMP: para la
creación o manipulación de imágenes de mapas de bits.
http://www.gimp.org.es/INKSCAPE: para la creación de imágenes vectoriales.
http://www.inkscape.org/Retoque fotográfico. Se usan principalmente para manipular
los píxeles de las imágenes de mapa de bits con distintos fines creativos:• Componer
una escena a partir de fragmentos de otras imágenes (collages digitales).• Alterar los
elementos de una fotografía: eliminar zonas, rellenar áreas con motivos, cambiar
selectivamente los colores.• Retocar imágenes para aumentar su calidad general.•
Manipular la textura de una fotografía o la naturaleza de una imagen mediante filtros
para que tome una apariencia distinta: de dibujo, de pintura, de bordes rasgados, de
luces de neón, etc. La manipulación de fotografías no es algo nuevo que se haya
inventado con los ordenadores. Se ha utilizado mucho en los países con escasa libertad
de expresión para uso político. Por algunos periodistas con falta de escrúpulos (al
manipular imágenes y faltar a la verdad) y para uso artístico, publicitario o para
cualquier otro