Sonhos. Dualidade. Realidade.

Garota exemplar (2014) é um filme sobre muitas coisas, mas principalmente sobre a dualidade em que vivemos nossas vidas, o bairro bom em que moramos, o carro do ano que dirigimos e o sorriso amoroso que damos aos nossos parceiros quando estamos em público, por mais que as cortinas dessa realidade tampem nossas mentiras, medos, traumas em uma tentativa humana da perfeição teatral.

O que me impressiona muito na direção do David Fincher é como ele abordou essa dualidade da atuação até mise en scène (Salva de palmas hitchcockianas) e apesar de Fincher ser conhecido no meio como um diretor formalista e metódico, o objetivo claro é o sensacionalismo e o cinema de aparências, mesmo que sútil é objetivo.

Do início caloroso e terno até quando a palheta vai ficando gélida e tumultuosa quase como se o espetáculo de verdade ocorresse durante a peça quando a nossa ideia de fantasia vai se desfazendo e entendemos que a trama é muito mais profunda, uma ressalva na atuação do Ben Affleck, mas a Rosamund Pike é o diabo presente (realmente) nos pequenos detalhes.

Por mais que os personagens estivessem cientes de seus erros pessoais acometidos até o fatídico dia do desaparecimento de Amy, ainda se perguntavam como suas vidas viraram tão drasticamente ou quando essa bola de neve se tornou um monstro, acontece que não olhar para o problema não faz com que ele desapareça e vemos que na verdade foi como se um reino de mentiras e ilusões criasse um castelo de destruição.

Amy criou sua própria narrativa, assemelhando que pela primeira vez teve controle sobre algo em sua vida, em vista que quando olhamos para a criação de seus pais, o livro da “Amazing Amy” na verdade vemos tudo que Amy não fez e nunca quis ser, quase como se montassem um personagem e aquilo pairou sempre no ar. Se a “Amazing Amy” dos livros poderia fazer e ser tantas coisas, tantas versões de si e tão boa nisso, mesmo que sendo uma versão oposta ao que seus pais queriam, Amy poderia ser boa, certo? E foi, inegavelmente e depende muito do ponto de vista em que consideramos que um plano “Deu certo”.

É fantástico como o Fincher e Jeff Cronenweth (direção de fotografia) manipularam a imagem para que possamos sentir essa invasão de privacidade, chegamos em território secreto e sagrado, como quando entramos na casa de alguém pela primeira vez e cada olhar penetra um diâmetro, o equilíbrio do uso da expressão, o esforço em se fazer ruir o sonho americano com uma decupagem clara, você vê o que o diretor quer que veja e entende o que ele quiser.

O que faz Garota Exemplar ser um filme brilhante é que caímos em uma história dentro de outra história e isso faz com que olhemos mais diretamente para os nossos próprios valores, a direção, decupagem clara, mise en scène trabalhado e uma trilha sonora integrada faz com que nos tornemos telespectadores completos, invadimos o espaço e uma história, mas ao mesmo tempo é como se olhássemos para um espelho mesmo com todas as diferenças até que ponto somos capazes de ir para mantermos uma imagem? Uma ideia? Um ponto de vista?

Sacrifícios. Resiliência.

Blue Bayou (2021) é um filme sobre histórias e a construção de algo bonito em um cenário de destruição, acompanhamos a jornada do protagonista Antônio em momentos importantes de sua vida, como sua busca por um emprego melhor enquanto constrói uma família, assim como em Boyhood também temos a ideia do sonho americano sendo desconstruído pedaço por pedaço já que o espaço em que LeBlanc ocupa é totalmente marginalizado.

Justin Chon faz um ótimo trabalho na direção ao retratar a família, ao ponto em que começamos a nos preocupar com o futuro que os 4 enfrentarão mas na outra ponta ele traz artifícios clichês e cansativos então o filme intercala entre algo beirando o documental devido a abordagem do tema muito específico como a deportação de pessoas adotadas e um clichê Hollywoodiano com momentos forçados de um costume familiar.

Podemos falar sobre o sistema de imigração norte-americano ou o sistema judicial mas (infelizmente) o filme nos apresenta o que seria uma ideia de um vilão, Denny que é um policial extremamente xenofóbico e em um quadro bem a grosso modo podemos considerar ele um antagonista mas não acho o seu papel tão relevante para isso.

Destaque a cinematográfica que por vezes utilizou uma 16mm que trouxe um sentimento naturalmente visceral e cotidiano, a escolha de gravar muita das cenas com uma luz natural contribuiu para a energia que os diretores de fotografia optaram por criar.

Seria o amor uma eterna busca para sermos para aqueles que amamos o suporte do qual precisam? A chance de criar um ambiente amoroso e seguro para que tenhamos para onde correr quando o mundo parece ruir.

Juventude. Sonhos. Frustrações

Boyhood (2014) é um grito de liberdade dentro de tantas fases humanas, o coming of age em todos os sentidos, citando nesse texto a dinâmica do filme ter sido gravado durante 12 anos.

Em um lado da moeda: Boyhood trata de forma conservadora ao abordar certos temas e no outro mostra a verdadeira face do estilo de vida americano, até que ponto estamos dispostos a almejar a perfeição, algo tão distante beirando o divino.

A vida do protagonista Mason passa diante dos nossos olhos com uma ordem cronológica ficcional mas realista - Crescer dói -, a dualidade entre as relações fracassadas e busca por felicidade dentro de um mesmo espaço.

Um filme sobre amadurecimento mas não necessariamente sobre nós nos tornamos a melhor versão de nós mesmos, é só sobre crescermos e nos adequarmos sobre os ambientes e pessoas que convivemos, mas entendermos que a vida é sobre: A gente.

Eu adoro os efeitos naturalistas que o Linklater traz aos filmes que dirige, a vida não é bonita porque é perfeita, a beleza está na imperfeição e como as vezes nós até odiamos viver, precisamos passar por isso.

Apaixonante. Cruel.

Texas, Paris (1984) me remete as obras do John Fante, provavelmente pelo realismo e sinceridade nas relações humanas.

Apaixonante como cada detalhe desse filme nos faz sentir como se fôssemos crianças,  descobrindo algo novo em cada cena que passa com uma super sensibilidade e isso se torna justificável ao observarmos a evolução do nosso protagonista Travis, o público criar uma conexão com os personagens de forma a traçar uma descoberta conjunta torna a direção do Wim Wenders uma obra de arte, crescemos junto a história e o fato de ser tão humano o torna compreensível.

Honrando nossas relações também traz o lado cruel, as diversas vertentes existentes dentro de um círculo social e é nesse ponto que muitas vezes nos pegamos em questões morais de uma história que só estamos como espectador.

No final, um diálogo dramático que te prende e percebemos que todo o filme foi uma preparação para aquele momento e é ali que o Travis entende que não é sobre o que ele quer descobrir, mas sobre o que ele deixou para trás.

Nossa jornada assim como a do Travis, Jane ou Walt é repleta de coisas que gostaríamos de esquecer ou de apagar, nessa corrida incessante deixamos partes de nós mesmos pelo caminho ao ponto de entrarmos em um deserto a procura de uma realidade fantasiosa na esperança do prazer dentro daquilo que criamos.

Brilhante. Hipnotizante. Sedutor.

Agnès Varda traz em sua direção do curta Du côté de lá côte (1958) uma viagem na Riviera francesa carregada de uma atmosfera brilhante, o verão é protagonista de uma iluminação radiante transformando a sétima arte em algo ilustrativo, como várias pinturas passando diante dos nossos olhos nos hipnotizando com cores vibrantes e contrastes ambiciosos.

Hipnotizante como Varda sempre tem uma forma hiperbolicamente poética de trabalhar,  dando a impressão que aquele é o mais próximo do paraíso que chegaremos (Quando se é verão), mesmo com pessoas sofrendo de insolação, supressão das tendências da moda e multidões exageradas.

Sedutor em si a mesma poesia narrativa trabalhada em conjunto com imagens bem articuladas como se estivéssemos assistindo um desfile do que virá a ser a próxima tendência, o verão mesclado a praia e natureza verde formam a sensação de liberdade e amor que precisamos sentir para chegarmos aos momentos de epifania pura, mesmo que uma vez por ano.

Ambíguo. Humano. Desafiador.

Quando se assiste Jaws (1975) fica fácil entender o motivo da idolatria dentro da cultura pop, afinal foi do mesmo que se originou o termo Blockbuster que vemos de forma tão fervorosa mesmo nos dias de hoje. A ambiguidade se apresenta de forma tão natural e cotidiana que nos envolvemos rapidamente na trama, já que a história se dá início nos primeiros minutos com a jovem atriz Susan Backlini correndo em direção ao mar de forma alegre e espontânea, clássicos takes de verão, até que é surpreendentemente atacada e o clima fica totalmente congelado, mas com o barulho das ondas e imagem de raios solares ainda sentimos o verão ali presente. Desafiador quando Spielberg cria na pequena cidade litorânea de Amity cuja principal fonte de renda é a pesca e turismo um ambiente clássico beirando o caricato, o que traz graça em momentos de puro suspense, algo que dificilmente vemos hoje em dia sem parecer uma situação forçada. Com a chegada do 4 de julho e os ataques de tubarão ganhando cada vez mais repercussão toda a população começa a se preocupar, mas não com o tubarão e sim com o impacto financeiro já que as praias ficam fechadas. Humano porque maior que lobisomens, bruxas e vampiros é o medo do que não compreendemos ainda mais quando não o vemos, Steven usa o som como um dos carros chefes dessa produção jogando no imaginário de um público passivo como se desvincular de uma situação que de fato não está.