Artes Visuais para

Educação Infantil
 Artes visuais para Educação Infantil

Artes visuais é a designação dada ao conjunto de artes que representam o

mundo real ou imaginário e que tem a visão como principal forma de avaliação
e apreensão.

Uma arte visual está relacionada com a beleza estética e com a criatividade do
ser humano, capaz de criar manifestações ou obras agradáveis aos olhos.

O conceito de arte visual é muito amplo, envolvendo áreas como o teatro,

dança, pinturas, colagens, gravuras, cinema, fotografia, escultura, arquitetura,
moda, paisagismo, decoração, etc.

Criança e Cultura

Do nascimento até os 5 anos de idade, as crianças passam por transformações

importantes quanto a tamanho, organização biológica, capacidades
comportamentais e organização social de experiências – um complicador
importante para compreender a associação entre o contexto cultural e os
processos de aprendizagem das crianças pequenas.

A aprendizagem é compreendida como uma modificação relativamente

permanente no comportamento e na compreensão conseqüente às
experiências da criança.

O desenvolvimento implica mudanças qualitativas na organização funcional do

cérebro, do corpo e do comportamento individuais da criança, assim como em
mudanças concomitantes no relacionamento entre a criança e suas
experiências organizadas em termos sócio-culturais.

A cultura desempenha um papel essencial na forma como a criança interpreta

o mundo. Uma diferença determinante entre a aprendizagem da criança e
qualquer sistema técnico inteligente é que tais sistemas podem reconhecer e
organizar informações, mas não podem captar seu significado. O
desenvolvimento do significado e a adoção de ferramentas culturais adequadas
– símbolos, significados, roteiros, objetivos, etc. – da atividade humana são os
desafios básicos da aprendizagem inicial.

Educação Artística

A atividade artística em todas suas vertentes faz parte da educação da maioria

dos sistemas acadêmicos. Isto significa que ao longo da formação de um
indivíduo em sua fase escolar terá contato com uma série de atividades
artísticas: desenho, pintura, música, dança, cinema, teatro, entre outras.

A formação de um indivíduo é completa quando abrange diversas áreas:

línguas, história, ciências e arte. Todas essas áreas do conhecimento são
necessárias e por isso estão integradas nos diversos sistemas educativos. Em
relação à arte, podemos falar de duas dimensões: uma teórica e outra prática.
Deve-se conhecer a história da arte e suas características, mas também sua
dimensão prática. Neste sentido, é preciso recordar uma evidência: que a
aprendizagem se assimila praticando e no caso da educação artística o
estudante aprende exercitando suas destrezas musicais, de desenho e dança.

O objetivo da educação artística é evidente: incentivar a criatividade, a

sensibilidade, os valores estéticos e o gosto pela beleza. Assim como certos
saberes têm uma dimensão teórica (por exemplo, a matemática) que se
projetam de maneira concreta e prática (por exemplo, a engenharia industrial),
a educação artística tem algo particular que não pode ser simplificado por
incorporar uma parte teórica e outra prática.

Dentro desta linha, deve-se ressaltar que o artístico tem um componente de

emancipação e liberdade para o indivíduo. Em outras palavras, não dançamos,
cantamos ou desenhamos porque temos algum benefício direto, mas porque
estas atividades enriquecem o espírito humano. Este enriquecimento através
do artístico não nasce espontaneamente e por isso deve fazer parte da
educação em suas diversas etapas.

Se não tivéssemos a educação artística como um dos ramos da arte,

certamente não teríamos sensibilidade para valorizar a beleza, por outro lado,
nossa vida seria mais pobre espiritualmente. Entretanto, não podemos deixar
de lembrar que a aprendizagem de uma atividade artística é dirigida pela
formação do artista. Vamos ver o exemplo de um estudante das Belas Artes.
Este é um aluno que aprende várias técnicas que lhe servem para poder ser
um professor no futuro, assim como é possível optar por outro caminho: ser um
artista.

O artista é um comunicador de sua própria arte que transmite ideias,

sentimentos e paixões aos demais. O artista é educado academicamente
conhecendo certas matérias como a história e os estilos de arte. Por último,
cada artista se torna uma referência de sua atividade, um ícone para o público
que valoriza sua mensagem criativa. Assim o artista é educado e por sua vez
também educa.
 Ensino de arte

Arte-educação, ensino de arte ou educação artística é

uma disciplina educativa que oportuniza, ao indivíduo, o acesso
à arte como linguagem expressiva e forma de conhecimento.

A educação em arte, assim como a educação geral e plena do indivíduo,

acontece na sociedade de duas formas:

assistematicamente através dos meios de comunicação de massa e das

manifestações não institucionalizadas da cultura, como as relacionadas
ao folclore (entendido como manifestação viva e em mutação, não limitada
apenas à preservação de tradições);

e sistematicamente na escola ou em outras instituições de ensino.

A arte-educação tem um objetivo maior que a formação

de profissionais dedicados a esta área de conhecimento: no âmbito da escola
regular, busca oferecer, aos indivíduos, condições para que ele compreenda o
que ocorre nos planos da expressão e do significado ao interagir com as artes,
permitindo, dessa forma, sua inserção social de maneira mais ampla.[2] Nesse
sentido, os museus são uma ferramenta muito útil para a observação de uma
forma mais condensada e intensa de diversas manifestações artísticas - sejam
elas da contemporaneidade ou não.

Educação Artística

O quê pode ser avaliado em Artes? Atualmente a Arte em sala de aula tende a
ser desenvolvida a através de projetos, onde cada estudante exerce funções
determinadas que mais lhe interessem. Não é mais necessário que todos
façam tudo, mas que cada indivíduo tenha a oportunidade de explorar o que
tenha de melhor. Além disso valoriza-se a avaliação do processo de
desenvolvimento, e não somente avaliar o resultado do processo. Fernando
Hernandez propõe que o estudante realize o portfólio para organizar seus
trabalhos e permitir a auto avaliação. O portfólio serve como um registro da
trajetória de desenvolvimento do estudante, e pode ser visto tanto pelo
professor como pelo próprio estudante, visando o desenvolvimento da
autonomia em sala de aula. No portfólio o estudante coloca anotações sobre as
leituras realizadas de obras de arte , dados informativos sobre períodos
históricos e anotações sobre sua própria produção, além de imagens do
trabalho que julgue importantes. O formato do portfólio é de livre escolha,
desde que haja justificativa para legitimar. O portfólio permite que o professor
tenha subsidios informativos sobre o processo de desenvolvimento dos
estudantes, mas principalmete que os próprios estudantes cultivem o hábito de
auto avaliarem-se, a fim de descobrirem a responsabilidade sobre seus
processos de aprendizagem. O portfólio tem este caráter de liberdade de
escolha dos conteúdos a serem armazenados por que temos o interesse que
os estudantes aprendam a escolher o que realmente lhes interessa. E se
escolhem, é por que a motivos para escolher. E os motivos pelos quais eles
escolhem interessa discutir em sala de aula, pois o fim maior da nossa ação
educativa é que os estudantes uzem o conhecimente que adquirem na vida
prática. Que eles tenham condições de uzarem os recursos que usam para ler
uma obra de arte para lerem todas as imagens que constituem a Cultura Visual
na Atualidade, assim com de outras épocas, e não só as imagens
concernentes ao universo das Artes Pláticas.

Mas é imprecindível que no começo de cada semestre ou ano de estudo, antes

de propor e realizar o sistema de ensino atraves de projetos de trabalho e
Portfólios, os estudantes fiquem inteirados sobre o que significam essas
propostas. Para isso o professor tem que dedicar duas ou mais aulas para
esclarescer os objetivos que se pretendem com a proposta. Este passo inicial
interessa para a avaliação posterior, pois os portfólios permitem analisar os
pontos que deram errado na trajetória de ensino e aprendizagem.

O que é Arte?

A arte é uma das melhores maneiras do ser humano expressar seus

sentimentos e emoções. Ela pode estar representada de diversas maneiras,
através da pintura plástica, escultura, cinema, teatro, dança, música,
arquitetura, dentre outros.

A arte é o reflexo da cultura e da história, considerando os valores estéticos da

beleza, do equilíbrio e da harmonia.

Desde a pré-história, na pintura rupestre, verificamos a necessidade do homem

em representar a realidade sob a sua perspectiva e percepção. A arte evolui
com o tempo e em cada época, de acordo com o contexto histórico, observa-se
uma tendência a certo estilo.

A arte pode ser também definida como algo inerente ao ser humano, feito por
artistas a partir de um senso estético, com o objetivo de despertar e estimular o
interesse da consciência de um ou mais espectadores, além de causar algum
efeito. Cada expressão artística possui significado único e diferente.

Está interligada à estética pelo fato de ser potencial do homem de imprimir

beleza ou se esforçar para materializar (ou imaterializar) algo que o inspira.

A história da arte é um área do conhecimento que analisa os estilos artísticos,

suas modificações, obras de arte, artistas e o valor estético das obras
produzidas. Esse estudo é realizado de acordo com o cenário
social/político/religioso que a sociedade viveu ou vive em determinado período.
Outras ciências auxiliam nessas análises tais como a arqueologia, história,
paleografia, filosofia, sociologia, etc.

É uma disciplina que está no plano de aula de alguns cursos superiores e

também como curso de graduação para aqueles que desejam se formar na
área e exercer profissão de curador, crítico de arte (realiza uma análise sobre
as obras, artistas ou expositores) ou gestor de museus, galerias, centros
culturais e escolas de arte.

Tipos de Artes

De acordo com o segmento, a arte pode ser classificada de várias

maneiras: artes plásticas, artes cênicas, artes visuais, etc. Além disso, existem
graduações específicas para que uma pessoa se especialize na área de sua
escolha. Veja a definição de algumas:

Artes Plásticas:está relacionada a escultura, arquitetura, artes gráficas e o

artesanato.

Artes Visuais: é a classificação dada para todos os tipos de arte que retratam a
realidade ou a imaginação e que tem a visão como um dos principais recursos
para estudo. Envolve áreas como a pintura, cinema, decoração, jogos, etc.

Artes Cênicas: é o estudo de todas as formas de expressão realizadas através

da dança, do teatro ou da música.

Segundo autores como Hegel e Ricciotto Canudo (que considerou o cinema

como 7ª arte através do Manifesto das Sete Artes e Estética da Sétima Arte,
em 1912), teóricos e críticos de arte, há uma lista numerada do que pode ser
considerado arte nos dias atuais, principalmente com o advento da tecnologia:

Música: é um tipo de arte que se baseia em sons e ritmos de acordo com

determinado período de tempo;
Dança/Coreografia: a dança está classificada dentro das artes cênicas, e é
uma forma de movimento que se realiza com o corpo baseado ou não em uma
coreografia (arte de criar roteiros/trilhas de movimentos para realizar uma
dança);

Pintura: está relacionada a cor e suas variações, bem como a forma com que o
artísta a utiliza em uma superfície;

Escultura: é uma forma de arte em que há a criação de imagens plásticas em

relevo utilizando vários tipos de materiais (bronze, mármore, argila, madeira,
etc.);

Teatro: é um tipo de arte em que um ou mais atores encenam uma

determinada história ou situação em local específico (anfiteatros, praças, ruas,
etc.);

Literatura: é uma arte que utiliza a palavra para criação de histórias ou poesias
de acordo com técnicas específicas;

Cinema: é uma arte e técnica criada para a reprodução de imagens com

movimento em uma tela;

Fotografia: se baseia em imagens e técnicas para capturar paisagens e seus

diversos momentos;

Histórias em Quadrinhos: forma de arte que utiliza a cor, a palavra e imagem

para narrar uma história;

Jogos de Computador e de Vídeo: constitui na criação de jogos que podem ser

reproduzidos por meio de uma aparelho eletrônico com imagens, cores e sons
que fazem com que o jogador interaja com ele;

Arte digital: é a arte produzida por meio de programas de computador

relacionados às artes gráficas, que possibilitam criações em 3D e 2D.

O que é Arte?

Arte é a atividade humana ligada a manifestações de ordem estética, feita

por artistas a partir de percepção, emoções e ideias, com o objetivo de
estimular esse interesse de consciência em um ou mais espectadores, e cada
obra de arte possui um significado único e diferente.

A arte está ligada à estética, porque é considerada uma faculdade ou ato pelo
qual, trabalhando uma matéria, a imagem ou o som, o homem cria beleza ao
se esforçar por dar expressão ao mundo material ou imaterial que o inspira. Na
história da filosofia tentou se definir a arte como intuição, expressão, projeção,
sublimação, evasão, etc. Aristóteles definiu a arte como uma imitação da
realidade, mas Bergson ou Proust a veem como a exacerbação da condição
atípica inerente à realidade. Kant considera que a arte é uma manifestação que
produz uma "satisfação desinteressada".

De acordo com o Romantismo, Vitalismo, Fenomenologia, Marxismo, surgem

também outras e novas interpretações de "arte". A dificuldade de definir arte
está na sua direta relação e dependência com a conjuntura histórica e cultural
que a fazem surgir. Isso acontece porque quando um estilo é criado e
estabilizado, ele quebra com os sistemas e códigos estabelecidos.

Arte é um termo que vem do latim, e significa técnica/habilidade. A definição de

arte varia de acordo com a época e a cultura, por ser arte rupestre, artesanato,
arte da ciência, da religião e da tecnologia. Atualmente, arte é usada como a
atividade artística ou o produto da atividade artística. A arte é uma criação
humana com valores estéticos, como beleza, equilíbrio, harmonia, que
representam um conjunto de procedimentos utilizados para realizar obras.

Para os povos primitivos, a arte, a religião e a ciência andavam juntas na

figura, e originalmente a arte poderia ser entendida como o produto ou
processo em que o conhecimento é usado para realizar determinadas
habilidades.Para os gregos, havia a arte de se fazer esculturas, pinturas,
sapatos ou navios.

A arte é um reflexo do ser humano e muitas vezes representa a sua condição

social e essência de ser pensante.

História da Arte

A história da arte consiste em uma ciência que estuda os movimentos

artísticos, as modificações na valorização estética, as obras de arte e os
artistas. Esta análise é feita de acordo com a vertente social, política e religiosa
da época que é estudada. Várias outras ciências servem de auxílio para a
história da arte, como a numismática, paleografia, história, arqueologia, etc.

Através da história da arte é possível aprender um pouco sobre o ser humano

através a evolução das diversas expressões e manifestações artísticas.
A arte apresenta-se através de diversas formas como, a plástica, música,
escultura, cinema, teatro, dança, arquitetura etc. Existem várias expressões
que servem para descrever diferentes manifestações de arte, por
exemplo: artes plásticas, artes cênicas, arte gráfica, artes visuais, etc.

A Arte (do latim “Ars” que significa técnica ou habilidade) é uma manifestação
humana de ordem comunicativa muito antiga, a qual possui um caráter estético
e está intimamente relacionada com as sensações e emoções, por exemplo, a
pintura, a dança, a música, o cinema, a literatura, a arquitetura.

Segundo o poeta brasileiro Ferreira Gullar: “ A Arte existe porque a vida não
basta”. De acordo com sua reflexão, podemos compreender a necessidade
humana de criar e/ou sentir a arte.

Note portanto, que a arte tem uma importante função social, na medida que
expõe características históricas e culturais de determinada sociedade,
tornando-se um reflexo da essência humana.

Para o filósofo grego Aristóteles a arte era uma imitação da realidade. Esse
conceito, mais tarde, foi duramente refutado por diversas correntes artísticas
que compreendiam que a arte não era somente baseada na imitação da
realidade, e sim, na criação. Para um dos mais proeminentes artistas do
período renascentista, Leonardo Da Vinci, “A Arte era coisa mental”.

De tal modo, o conceito de Arte sempre foi muito discutido e durante a Idade
Média havia duas vertentes sobre ela: as artes manuais (ou mecânicas) e
as artes liberais (ou intelectual), donde a primeira era inferior à segunda, posto
que, para muitos estudiosos, a arte somente era criada a partir do intelecto.

Atualmente, a questão está mais desenvolvida, no entanto, o trabalho manual,

ainda é, muitas vezes, subjugado pelo trabalho intelectual.

Vale lembrar que os dois tipos de trabalhos são mentais ao mesmo tempo que
partilham a criação artística, por exemplo, se pensarmos no artesão e no artista
intuímos que ambos fazem arte, entretanto, o primeiro é, em grande parte,
considerado um indivíduo que produz uma “arte menor” em relação ao outro.
Essa analogia da "arte erudita" e da "arte popular" permanece até os dias de
hoje, sendo pauta de discussão de muitos estudiosos.

A história da arte é um ramo da ciência que estuda os processos artísticos

dentro do contexto em que foram realizados. Assim, com o intuito de facilitar os
estudos, a arte está dividida em períodos, a saber:

Arte Pré-Histórica: período anterior a 3000 a.C., por exemplo, a arte rupestre.
Arte Antiga: de 3000 a.C. até 1000 a.C., por exemplo a arte egípcia.

Arte Clássica: de 1000 a.C. a 300 d.C., por exemplo a arte grega e romana.

Arte Medieval: de 300 a 1350, por exemplo, a arte gótica.

Arte Moderna: 1350 a 1850, por exemplo, a arte neoclássica.

Arte Contemporânea: de 1850 aos dias atuais, por exemplo, a arte conceitual.
 Arte Rupestre

A arte rupestre representa uma das mais antigas manifestações artísticas que
surgiu a milhões de anos no contexto da pré-história. São desenhos ou
pinturas, os quais foram produzidos, sobretudo, em cavernas, por diversos
povos antigos.

Nesse sentido, podemos refletir sobre a necessidade humana de se expressar,

expor suas ideias, uma vez que por meio do fazer artístico o homem libera
suas emoções.

Antigamente, o artista era considerado um ser especial, enviado por Deus e

que possuía grande poder. Representava, assim, um intermediário do mundo
espiritual e material.

Arte Sacra

A Arte Sacra representa o conjunto de obras que possuem como temática

principal a religião. Foi muito explorada antes do período do Renascimento (na
Idade Antiga, Clássica e Medieval), sendo umas das principais formas de
expressão durante séculos, por exemplo, as ilustrações, estátuas de santos e a
arquitetura sacra encontrada em diversas igrejas ou templos.

Arte Barroca

Com o advento do Renascimento e as significativas mudanças que ocorreram

na Europa no século XV (cientificismo, contrarreforma, surgimento da
burguesia, antropocentrismo e humanismo), o artista barroco encontra na arte
o local necessário para expor a confusão causada pela mudança de
paradigmas.

Foi assim que a arte barroca, se distanciou, em partes, da Arte Sacra, criando
uma arte mais erótica, profana, cotidiana e, portanto, não tanto idealizada.

Arte Moderna
A arte moderna surge no contexto da Revolução Industrial a partir do século
XVIII.

Na arte moderna, o conceito sobre arte amplia-se um pouco e chega até a ser
considerada uma "anti-arte", ou seja, ela não se preocupada com o teor
estético e sim com a mensagem a ser transmitida.

Arte Abstrata

Uma das características das artes visuais do período moderno foi o surgimento
da corrente artística denominada Abstracionismo.

De tal modo, a arte abstrata propõe uma obra visual não representacional, ou
seja, ela prioriza as formas abstratas em detrimento de figuras que fazem parte
da realidade.

Arte Contemporânea

A arte contemporânea ou arte pós-moderna surgiu no século XX, embora

muitos estudiosos preferem indicar sua origem em finais do século XIX.

A arte contemporânea abrange um conceito de arte mais aberto, sendo

pautado, portanto, na originalidade, experimentações artísticas e técnicas
inovadoras.

Assim, ela admite diversas modalidades e linguagens artísticas bem como a

mistura entre elas. Hoje, fala-se em arte performática, arte multimídia, arte
étnica, dentre outros.

Da mesma maneira que a arte moderna, a arte contemporânea foca na ideia a

ser transmitida em detrimento do valor estético da obra.

Sua principal função é fazer as pessoas pensarem, não somente com obras
que abrigam conceitos estéticos de harmonia, de beleza, mas a partir de obras
que muitas vezes extrapolam os limites da consciência humana. A ideia é que
pelo choque estético, aconteça a fruição das obras de arte, através de
processos catárticos.
 Artes Visuais

Importante conhecer o conceito de Artes Visuais, uma vez que tem gerado
muita confusão.

Algumas pessoas acreditam que as artes visuais incluem somente as pinturas.

No entanto, o conceito de artes visuais é muito mais amplo e está relacionado

com o próprio nome “visual”. Ou seja, representa aquela arte que conseguimos
ver: pintura, escultura, arquitetura, teatro, dança, fotografia, dentre outras.

O que ensinar em Arte?

Durante muitos anos, o ensino de Arte se resumiu a tarefas pouco criativas e

marcadamente repetitivas. Desvalorizadas na grade curricular, as aulas
dificilmente tinham continuidade ao longo do ano letivo. "As atividades iam
desde ligar pontos até copiar formas geométricas. A criança não era
considerada uma produtora e, por isso, cabia ao professor dirigir seu trabalho e
demonstrar o que deveria ser feito.

Nas últimas duas décadas, essa situação vem mudando nas escolas
brasileiras. Hoje, a tendência que guia a área é a chamada sociointeracionista,
que prega a mistura de produção, reflexão e apreciação de obras artísticas.
Como defendem os próprios PCNs, é papel da escola "ensinar a produção
histórica e social da arte e, ao mesmo tempo, garantir ao aluno a liberdade de
imaginar e edificar propostas artísticas pessoais ou grupais com base em
intenções próprias."

Infelizmente, ainda há professores trabalhando na chamada metodologia

tradicional, que supervaloriza os exercícios mecânicos e as cópias por acreditar
que a repetição é capaz de garantir que os alunos "fixem modelos". Sob essa
ótica, o mais importante é o produto final (e ele é mais bem avaliado quanto
mais próximo for do original). É por isso que, além de desenhos pré-
preparados, tantas crianças tenham sido obrigadas ao longo dos tempos a
apenas memorizar textos teatrais e partituras de música para se apresentar em
datas comemorativas - sem falar no treino exaustivo e mecânico de habilidades
manuais em atividades de tecelagem e bordado.
Só nos anos 1960, com o surgimento do movimento da Escola Nova, ideias
modernizadoras começaram a influenciar as aulas de Arte. Na época, a
proposta era romper totalmente com o jeito anterior de trabalhar. Segundo esse
modelo, batizado de escola espontaneísta (ou livre expressão), os professores
forneciam materiais, espaço e estrutura para as turmas criarem e não
interferiam durante a produção dos estudantes. Tudo para permitir que a arte
surgisse naturalmente nos estudantes, de dentro para fora e sem orientações
que pudessem atrapalhar esse processo. "Achava-se que a criança tinha uma
arte própria e o adulto não deveria interferir

Alguns anos mais tarde, novas concepções foram sendo construídas, abrindo
espaço para a consolidação da perspectiva sociointeracionista, a mais indicada
pelos especialistas hoje por permitir que crianças e jovens não apenas
conheçam as manifestações culturais da humanidade e da sociedade em que
estão inseridas, mas também soltem a imaginação e desenvolvam a
criatividade, utilizando todos os equipamentos e ferramentas à sua disposição.

Na década de 1990, duas importantes inovações pavimentaram o caminho

para o modelo atual: na Espanha, Fernando Hernández defendeu o estudo da
chamada cultura visual (muito além das artes visuais clássicas, era necessário,
segundo ele, trabalhar com videoclipes, internet, histórias em quadrinhos,
objetos populares e da cultura de massa, rótulos e outdoors nas salas de
aula).

Reprodução e releitura

Mostrar uma obra de arte, discutir suas características e pedir que cada aluno
faça o mesmo desenho no caderno não é propor uma releitura. Isso é
reprodução ou cópia. Na releitura, parte-se de uma obra para criar outro
trabalho (ou seja, o estudante transforma e interpreta).

A Arte desenvolve a criatividade - e outras habilidades - se os conteúdos são

aprendidos. Mas o mesmo ocorre quando o aluno levanta uma hipótese na aula
de Ciências ou pensa numa estratégia para um problema em Matemática. A
criatividade independe da disciplina.

Dança no processo Ensino

A dança enquanto um processo educacional, não se resume simplesmente em
aquisição de habilidades, mas sim, poderá contribui para o aprimoramento das
habilidades básicas, dos padrões fundamentais do movimento, no
desenvolvimento das potencialidades humanas e sua relação com o mundo. O
uso da dança como prática pedagógica favorece a criatividade, além de
favorecer no processo de construção de conhecimento.

Este trabalho tem como objetivo refletir a importância da dança na escola,

como instrumento de socialização, para a formação de cidadãos críticos,
participativos e responsáveis. A dança, sendo uma experiência corporal,
possibilitará aos alunos novas formas de expressão e comunicação, levando-os
à descoberta da sua linguagem corporal, que contribuirá para o processo
ensino aprendizagem.

Pode-se dizer então, que a dança enquanto um processo educacional, não se

resume simplesmente em aquisição de habilidades, mas sim, poderá estar
contribuindo para o aprimoramento das habilidades básicas, dos padrões
fundamentais do movimento, no desenvolvimento das potencialidades
humanas e sua relação com o mundo. Além de favorecer no processo de
construção de conhecimento.

Além do mais, a Dança na escola não é a arte do espetáculo, é educação

através da arte. A dança tem suma importância para alcançar os objetivos da
Educação, um deles sendo o desenvolvimento dos aspectos afetivo e social,
portanto esta prática propicia ao aluno grandes mudanças internas e externas,
no que se refere ao seu comportamento, na forma de se expressar e pensar.

A dança, em sentido geral, caracteriza-se pela arte de mover o corpo e assume

papel fundamental nos dias de hoje, enquanto forma de expressão torna-se
praticamente indispensável para vivermos presentes, críticos e participantes
em sociedade.

Fazendo uma analogia histórica, observa-se que todos os povos, desde a

Antigüidade, cultivavam formas expressivas como as danças, os jogos e as
lutas. De acordo com VERDERI ( 2009): “O homem primitivo dançava por
inúmeros significados: caça, colheita, alegria, tristeza,... O homem dançava
para tudo que tinha significado, sempre em forma de ritual.”

Isso nos faz perceber que a dança é realmente uma das artes mais antiga que
o homem experimentou. E que ao longo dos anos evoluiu em conceitos, nos
fatos sociais e culturais, relevando a relação do homem com o mundo e seus
diferentes meios de vida.

Percebemos também que, o movimento dançado foi a primeira forma de

expressão emotiva, manifestação dos temores e sentimetos. Logo passou a ser
uma cerimonia, espetáculos, celebração, e por fim uma forma de divertimento e
aprendizagem.

Podemos observar que a dança foi uma forma de expressão de varios

acontecimentos que marcaram época na humanidade, a partir dela o homem
pode demonstrar papéis sociais e desempenhar relações dentro de uma
sociedade.

Ao longo da história a dança foi associada também ao universo pedagógico,

pois além de uma forma de diversão e espetáculo é, de acordo
com FERRARI(2003)," educação". Na educação, ela está voltada para o
desenvolvimento global da criança e do adolescente, favorecendo todo tipo de
aprendizado que eles necessitam.

Diante disso, podemos compreender que a dança tem grande valor

pedagógico.

Ela possui uma importante ligação com a educação, visto que no universo
pedagógico ela auxilia o desenvolvimento do aluno, facilitando sua
aprendizagem e resultando na construção do conhecimento. De fato a dança
também é um meio de educação

Atualmente, não só na área da educação, mas também em outras áreas,

pensa-se no indivíduo como um todo e, portanto, amplia-se o conceito de
educação, para o conceito do processo de ensino-aprendizagem.

As reflexões sobre o processo ensino-aprendizagem nos permitem levar todos

a repensarem a prática educativa. Entender hoje as escolas e observar as
salas de aula como uma comunidade culturalmente constituída por meio da
participação de diferentes sujeitos, que assumem diferentes papéis no
processo ensino-aprendizagem. GARRIDO (2002)

Diante de tantas reflexões, a situação atual da prática educativa das escolas

ainda demonstra os alunos com pouca ou nenhuma capacidade de poder
crítico-reflexivo, a obrigação dos mesmos em decorar os conteúdos, além da
hierarquia entre educador e educando.

Artes visuais na educação básica

O ensino de artes visuais na educação básica é fundamental para o

desenvolvimento de habilidades e para o reconhecimento de aptidões. Afinal,
nem todos os alunos serão matemáticos ou historiadores.
A arte na escola tem um poder transformador. Ela desenvolve a criatividade, a
capacidade de solucionar problemas, melhora a autoestima, faz o aluno
desafiar seus limites e aumenta seu repertório cultural e estético.

Um ponto significativo do processo de aprendizagem é o momento em que o

aluno, com autonomia, começa a apreciar o trabalho artístico, interpretando e
identificando suas características. O aluno também passa a consumir arte de
forma natural, seja através de filmes, vídeos, música, internet ou até mesmo ao
observar a arte ao seu redor no cotidiano.

Não existe uma idade ideal para começar a ter aulas de arte. Na escola onde
trabalho, os alunos começam a ter aulas de arte a partir dos seis anos de
idade.

As crianças e os adolescentes de hoje são os maiores consumidores de vídeos

na internet, este consumo é feito principalmente através de celulares.

Por isso, esse pequeno aparelho precisa deixar de ser o “vilão” da sala de aula
para se tornar ferramenta de trabalho. A partir deste ponto desenvolvo um
trabalho que inclui aulas de produção audiovisual no currículo de Artes Visuais.

Funciona da seguinte forma, eu proponho aos alunos a criação de um vídeo

com tema livre e digo que este vídeo será gravado com o celular. Depois
desenvolvemos a ideia, assistimos filmes e vídeos juntos, eles pesquisam
referências, aprendem noções de roteiro, de produção, de edição e então
gravamos.

Para desenvolver a autonomia do aluno na escola, o professor e toda

comunidade escolar precisa acreditar na capacidade, daquela criança ou
adolescente, em articular, criar e desenvolver seus próprios projetos. Por isso,
é muito importante ouvir o aluno, entender seus interesses e oferecer
oportunidades.

A arte se torna um caminho à autonomia por abranger diversas formas de

expressão, por exemplo: um projeto de saúde pode utilizar a linguagem do funk
ou do rap para transmitir uma mensagem. Se aluno domina alguma
manifestação artística, ele pode ser multiplicador deste conhecimento com os
demais colegas e professores.

A arte no Brasil ainda é muito mal compreendida. Por consequência da falta de

conhecimento as aulas de artes são consideradas, na maioria das vezes, como
“momento de lazer” do aluno.
Mas na verdade a disciplina de artes, em geral, é um espaço dedicado à
construção estética, ao desenvolvimento de habilidades, ao aprendizado
artístico, cultural e muito mais. É importante que ela esteja presente nas
escolas e na vida.

Artes Plásticas, Belas Artes, Artes Visuais, Design Gráfico, Design de Moda,
Design Industrial, Design de Produto…

Artes plásticas e belas-artes: “são as formações expressivas realizadas

utilizando-se de técnicas de produção que manipulam materiais para construir
formas e imagens que revelem uma concepção estética e poética em um dado
momento histórico.(…)”

Design: “é a idealização, criação, desenvolvimento, configuração, concepção,

elaboração e especificação de artefatos, normalmente produzidos
industrialmente ou por meio de sistema de produção seriada que demanda
padronização dos componentes e desenho normalizado. (…)”

Artes plásticas

As artes plásticas ou belas-artes são as formações expressivas realizadas

utilizando-se de técnicas de produção que manipulam materiais para construir
formas e imagens que revelem uma concepção estética e poética em um dado
momento histórico. O surgimento das artes plásticas está directamente
relacionado com a evolução da espécie humana. O artista plástico lida com
papel, tinta, gesso, argila, madeira e metais, programas de computador e
outras ferramentas tecnológicas para produzir suas peças.

As artes plásticas surgiram na pré-história. Existem diversos exemplos

da pintura rupestre em cavernas. Até os dias atuais há sempre uma
necessidade de expressão artísticautilizando novos meios. É nas artes
plásticas que encontramos o uso de novos meios para a criação, invenção e
apreciação estética.

Artes visuais
As Artes Visuais são as formas de arte como
a cerâmica, desenho, pintura, escultura, gravura, design, artesanatos, fotografi
a, vídeo, produção cinematográfica e arquitetura. Muitas disciplinas artísticas
(artes cênicas, arte conceitual, artes têxteis) envolvem aspectos das artes
visuais, bem como artes de outros tipos. Também incluído no campo das artes
visuais são as artes aplicadas tais como desenho industrial, desenho
gráfico, design de moda, design de interiores e arte decorativa.

Desenho

O desenho é um suporte artístico ligado à produção de obras bidimensionais,

diferindo, porém, da pintura e da gravura. Neste sentido, o desenho é encarado
tanto como processo quanto como resultado artístico. No primeiro caso, refere-
se ao processo pelo qual uma superfície é marcada aplicando-se sobre ela a
pressão de uma ferramenta (em geral, um lápis, caneta ou pincel) e movendo-
a, de forma a surgirem pontos, linhas e formas planas. O resultado deste
processo (a imagem obtida), portanto, também pode ser chamada de desenho.
Desta forma, um desenho manifesta-se essencialmente como uma composição
bidimensional formada por linhas, pontos e formas.

O desenho envolve uma atitude do desenhista (o que poderia ser chamado

de desígnio) em relação à realidade: o desenhista pode desejar imitar a sua
realidade sensível, transformá-la ou criar uma nova realidade com as
características próprias da bidimensionalidade ou, como no caso do desenho
de perspectiva, a tridimensionalidade.

Desenho, gravura, pintura

Entre os suportes artísticos tradicionais, três deles manifestam-se em duas

dimensões: o próprio desenho, a gravura e a pintura. Embora o resultado
formal de cada um deles seja bastante diferente (embora o desenho e a
gravura sejam similares), a grande diferença entre eles se encontra
na técnica envolvida.

A gravura difere do desenho na medida em que ela é produzida pensando-se

na sua impressão e reprodução. Seus meios mais comuns de confecção são
a xilogravura (em que a matriz é feita de madeira), a litogravura (cuja matriz é
composta de algum tipo de pedra), a gravura propriamente dita (cuja matriz é
metálica) e a Serigrafia (cuja matriz é uma tela) uma técnica de imprimir sobre
tecido. Existe ainda uma técnica chamada monotipia, mais próxima da pintura,
na qual se obtem apenas uma impressão.
 Material

A escolha dos meios e materiais está intimamente relacionada à técnica

escolhida para o desenho. Um mesmo objeto desenhado a bico de pena e
a grafite produz resultados absolutamente diferentes.

As ferramentas de desenho mais comuns são o lápis, o carvão,

os pastéis, crayons e pena e tinta. Muitos materiais de desenho são à base de
água ou óleo e são aplicados secos, sem nenhuma preparação. Existem meios
de desenho à base d'água (o "lápis-aquarela", por exemplo), que podem ser
desenhados como os lápis normais, e então umedecidos com um pincel
molhado para produzir vários efeitos. Há também pastéis oleosos e lápis de
cera. Muito raramente, artistas utilizam tinta invisível (geralmente já revelada).

Gravura

Gravura é uma imagem obtida através da impressão de uma matriz artesanal.

O material da matriz pode variar, e classifica o tipo da gravura .

Tipos de gravura

Em horizonte: o sulco vai receber a tinta e aparece como positivo no trabalho

final.

Em relevo: a superfície em alto relevo é que recebe a tinta, e o sulco aparece

em negativo (sem a presença da tinta).

A gravação da imagem é um processo de incisão (riscar, gravar) sobre

determinada superfície ou material que se tornará a matriz da gravura. O
resultado de uma ou mais técnicas de impressão, consiste na transferência da
“imagem” da matriz para outro tipo de suporte, como papel ou tecido.

Colagem

Colagem é a composição feita a partir do uso de matérias de diversas texturas,

ou não, superpostas ou colocadas lado a lado, na criação de um motivo ou
imagem. Foi utilizada por Picasso e Georges Braque, entre outros. Ela é uma
técnica não muito antiga, criativa e bem divertida, que tem por procedimento
juntar numa mesma imagem outras imagens de origens diferentes.

A colagem já era conhecida antes do século XX, mas era considerada uma
brincadeira de crianças. O cubismo foi o primeiro movimento artístico a utilizar
colagem. Os cubistas colavam pedaços de jornal ou impressos em suas
pinturas. A colagem como procedimento técnico tem uma história antiga, mas
sua incorporação na Geografia do século XX, com o cubismo, representa um
ponto de inflexão na medida em que liberta o artista do jugo da superfície. Ao
abrigar no espaço do quadro elementos retirados da realidade - pedaços de
jornal e papéis de todo tipo, tecido, madeira, objeto e outros -, a pintura passa a
ser concebida como construção sobre um suporte, o que dificulta o
estabelecimento de fronteiras rígidas entre pintura e escultura.

Arte

Arte (do termo latino ars, significando técnica e/ou habilidade) pode ser
entendida como a atividade humana ligada às manifestações de
ordem estética ou comunicativa, realizada por meio de uma grande variedade
de linguagens, tais
como: arquitetura, desenho, escultura, pintura, escrita, música, dança, teatro e
cinema, em suas variadas combinações. O processo criativo se dá a partir
da percepção com o intuito de expressar emoções e ideias, objetivando um
significado único e diferente para cada obra.

O principal problema na definição do que é arte é o fato de que esta definição

varia com o tempo e de acordo com as várias culturas humanas. Devemos,
pois, ter em mente que a própria definição de arte é uma construção cultural
variável e sem significado constante. Muito do que hoje uma cultura ou grupo
chama de arte não era ou não é considerado como tal por culturas ou grupos
diferentes daqueles onde foi produzida, e até numa mesma época e numa
mesma cultura pode haver múltiplas acepções do que é arte. As sociedades
pré-industriais em geral não possuem ou possuíam sequer um termo para
designar arte. Numa visão muito simplificada, a arte está ligada principalmente
a um ou mais dos seguintes aspectos:

a manifestação de alguma habilidade especial,

a criação artificial de algo pelo ser humano;

o desencadeamento de algum tipo de resposta no ser humano, como o senso

de prazer ou beleza;
a apresentação de algum tipo de ordem, padrão ou harmonia;

a transmissão de um senso de novidade e ineditismo;

a expressão da realidade interior do criador;

a comunicação de algo sob a forma de uma linguagem especial;

a noção de valor e importância;

a excitação da imaginação e a fantasia;

a indução ou comunicação de uma experiência-pico;

coisas que possuam reconhecidamente um sentido;

coisas que deem uma resposta a um dado problema.

Ao mesmo tempo, mesmo que uma dada atividade seja considerada arte de
modo geral, há muita inconsistência e subjetividade na aplicação do termo. Por
exemplo, é hábito, entre os ocidentais, chamar de arte o canto operístico, mas
cantar despreocupadamente enquanto trabalhamos muitas vezes não é tido
como arte. Pode haver, assim, uma série de outros parâmetros que as culturas
empregam para separar o que consideram arte do que não consideram.

Mesmo que se possa, em tese, estabelecer parâmetros gerais

válidos consensualmente, a análise de cada caso pode ser extraordinariamente
complexa e inconsistente. Num contexto geográfico, se a cultura ocidental
chama de arte a ópera, possivelmente uma cultura não ocidental poderia
considerar aquele tipo de canto muito estranho. Na perspectiva histórica,
muitas vezes um objeto considerado artístico em uma determinada época pode
ser considerado não artístico em outra.

História do conceito

No ocidente, um conceito geral de arte, ou seja, aquilo que teriam em comum

coisas tão distintas como, por exemplo, um madrigal renascentista,
uma catedral gótica, a poesia de Homero, os autos de mistério medievais,
um retábulo barroco, só começou a se formar em meados do século XVIII,
embora a palavra já estivesse em uso há séculos para designar qualquer
habilidade especial.

Na Antiguidade clássica, uma das principais bases da civilização ocidental e a

primeira cultura que refletiu sobre o tema, considerava-se arte qualquer
atividade que envolvesse uma habilidade especial: habilidade para construir um
barco, para comandar um exército, para convencer o público em um discurso,
em suma, qualquer atividade que se baseasse em regras definidas e que fosse
sujeita a um aprendizado e desenvolvimento técnico. Em contraste, a poesia,
por exemplo, não era tida como arte, pois era considerada fruto de
uma inspiração. Platão definiu arte como uma capacidade de fazer coisas de
modo inteligente através de um aprendizado, sendo um reflexo da
capacidade criadora do ser humano; Aristóteles a definiu como uma disposição
de produzir coisas de forma racional, e Quintiliano a entendia como aquilo que
era baseado em um método e em uma ordem. Já Cassiodoro destacou seu
aspecto produtivo e ordenado, assinalando três funções para ela: ensinar,
comover e agradar ou dar prazer.

Essa visão atravessou a Idade Média, mas, no Renascimento, iniciou-se uma

mudança, separando-se os ofícios produtivos e as ciências das artes
propriamente ditas e incluindo-se, pela primeira vez, a poesia no domínio
artístico. A mudança foi influenciada pela tradução para o italiano da Poética de
Aristóteles e pela progressiva ascensão social do artista, que buscava um
afastamento dos artesãos e artífices e uma aproximação dos intelectuais,
cientistas e filósofos. O objeto artístico passou a ser considerado tanto fonte de
prazer como meio de assinalar distinções sociais de poder, riqueza e prestígio,
incrementando-se o mecenato e o colecionismo. Começaram a aparecer
também diversos tratados sobre as artes, como o De pictura, De statua e De re
aedificatoria, de Leon Battista Alberti, e os Comentários de Lorenzo Ghiberti.
Ghiberti foi o primeiro a periodizar a história da arte, distinguindo a arte
clássica, a arte medieval e a arte renascentista.

O Renascimento e o Maneirismo assinalam o início da arte moderna. O

conceito de beleza se relativizou, privilegiando-se a visão pessoal e a
imaginação do artista em detrimento do conceito mais ou menos unificado e de
índole científica do Renascimento. Também se deu valor ao fantástico e
ao grotesco. Para Giordano Bruno, havia tantas artes quantos eram os artistas,
introduzindo o conceito de originalidade, pois, para ele, a arte não tem normas,
não se aprende e procede da inspiração.

No século XVIII, começou a se consolidar a estética como um elemento-chave

para a definição de arte como hoje a entendemos - a despeito da vagueza e
inconsistências do conceito. Até então, toda a arte do ocidente estava
indissociavelmente ligada a uma ou mais funções definidas, ou seja, era uma
atividade essencialmente utilitária: servia para a transmissão de conhecimento,
para a estruturação e decoração de rituais e festividades, para a invocação ou
mediação de poderes espirituais ou mágicos, para o embelezamento
de edifícios, locais e cidades, para a distinção social, para a recordação da
história e a preservação de tradições, para a educação moral, cívica, religiosa e
cultural, para a consagração e perpetuação de valores e ideologias socialmente
relevantes, e assim por diante.

Esta mudança de paradigma estava ligada a transformações culturais

desencadeadas pelo cientificismo e pelo iluminismo. Estas correntes de
pensamento passaram a defender a tese de que a arte não era uma ciência,
não podia descrever com exatidão a realidade, e por isso não poderia ser um
veículo adequado para o conhecimento verdadeiro. Não sendo uma ciência, a
arte passou para a esfera da emoção, da sensorialidade e do sentimento. A
própria origem da palavra "estética" deriva de um termo grego que significa
"sensação". Em trabalhos de Jean-Baptiste Dubos, Friedrich von
Schlegel, Arthur Schopenhauer, Théophile Gautier e outros, nasceu o conceito
de arte pela arte, onde ela tinha um fim em si mesma, despojando-a de toda a
sua antiga funcionalidade e utilidade prática e associações com a moral. Ao
mesmo tempo em que isso abriu um novo e rico campo filosófico, gerou
dificuldades importantes: perdeu-se a capacidade de se entender a arte antiga
em seu próprio contexto, onde ela era toda funcional - um testemunho desta
tendência é a proliferação de museus no século XIX, instituições onde todos os
tipos de arte são apresentados fora de seu contexto original -, e criaram-se
conceitos inteiramente baseados na subjetividade, tornando cada vez mais
difícil encontrar-se pontos objetivos em comum que pudessem ser aplicados a
qualquer tipo de arte, tanto para defini-la quanto para valorá-la ou interpretar
seu significado. O esteticismo foi um dos elementos teóricos básicos para a
emergência do Romantismo, que rejeitou o utilitarismo da arte e deu um valor
principal à criatividade, à intuição, à liberdade e à visão individuais do artista,
erigindo-o ao status de demiurgo e profeta e fomentando, com isso, o culto
do gênio. Por outro lado, o esteticismo ofereceu uma alternativa para a
descrição de aspectos do mundo e da vida que não estão ao alcance da
ciência e da razão.. Charles Baudelaire foi um dos primeiros a analisar a
relação da arte com o progresso e a era industrial, prefigurando a noção de que
não existe beleza absoluta, mas que ela é relativa e mutável de acordo com os
tempos e com as predisposições de cada indivíduo. Baudelaire acreditava que
a arte tinha um componente eterno e imutável - sua alma - e um componente
circunstancial e transitório - seu corpo. Este dualismo nada mais do que
expressava a dualidade inerente ao homem em seu anelo pelo ideal e seu
enfrentamento da realidade concreta.

Kazimir Malevich: Quadrado negro sobre fundo branco, uma das obras
paradigmáticas da escola abstrata.

Em que pese a grande influência do esteticismo, cujo corolário apareceria no

início do século XX na forma do abstracionismo,
uma apoteose do individualismo artístico, houve correntes que o
combateram. Hippolyte Taine elaborou uma teoria de que a arte tem um
fundamento sociológico, aplicando-lhe um determinismo baseado na raça, no
contexto social e na época. Reivindicou, para a estética, um caráter científico,
com pressupostos racionais e empíricos. Jean Marie Guyau apresentou uma
perspectiva evolucionista, afirmando que a arte está na vida e evolui com ela, e
assim como a vida se organiza em sociedades, a arte deve ser um reflexo da
sociedade que a produz. A estética sociológica teve associações com os
movimentos políticos de esquerda, especialmente o socialismo utópico,
defendendo, para a arte, o retorno a uma função social, contribuindo para o
desenvolvimento das sociedades e da fraternidade humana, como se percebe
nos trabalhos de Henri de Saint-Simon, Lev Tolstoi e Pierre Joseph Proudhon,
entre outros. John Ruskin e William Morrisdenunciaram a banalização da arte
causada pelo esteticismo e pela sociedade industrial, e defenderam a volta
ao sistema corporativo e artesanal medieval.

Na mesma época, a arte começou a ser estudada sob o ponto de

vista psicológico e semiótico através da contribuição de Sigmund Freud. Ele
declarou que a arte poderia ser uma forma de representação de desejos e
de sublimação de pulsões irracionais reprimidas. Disse que o artista era
um narcisista, e que as obras de arte podiam ser analisadas da mesma forma
que os sonhos, os símbolos e as doenças mentais. Continuou nessa linha seu
discípulo Carl Jung, que introduziu o conceito de arquétipo na análise
artística. Outra novidade foi introduzida por Wilhelm Dilthey, considerando arte
e vida serem uma unidade. Prefigurando a arte contemporânea, reconheceu a
importância da reação do público na definição do que é um objeto artístico, o
que instaurava uma espécie de anarquia do gosto, inaugurando a estética
cultural. Reconheceu, também, que a época assinalava uma mudança social e
uma nova interpretação da realidade. Ao artista, caberia intensificar
nossa visão de mundo em uma obra coerente e significativa.

Na primeira metade do século XX, conceitos inovadores foram introduzidos

pela Escola de Frankfurt, destacando-se Walter Benjamin e Theodor Adorno,
estudando os efeitos da industrialização, da tecnologia e da cultura de
massa sobre a arte. Benjamin analisou a perda da aura do objeto artístico na
sociedade contemporânea, e Adorno refletiu que a arte não é um reflexo
mecânico da sociedade que a produz, pois a arte expressa o que não existe e
indica a possibilidade de transformação e transcendência. Representante
do pragmatismo, John Dewey definiu a arte como "a culminação da natureza",
defendendo que a base da estética é a experiência sensorial. A atividade
artística seria uma consequência da atividade natural do ser humano, cuja
forma organizativa depende dos condicionamentos ambientais em que se
desenvolve. Assim, arte seria o mesmo que "expressão", onde fins e meios se
fundem em una experiência agradável. Já Ortega y Gasset apontou o
caráter elitista e a desumanização da arte de vanguarda, devido ao
seu hermetismo, ao repúdio da imitação da natureza e à perda da perspectiva
histórica. Na escola semiótica, Luigi Pareyson elaborou uma
estética hermenêutica, onde arte é a interpretação da verdade. Para ele, a arte
é "formativa", ou seja, expressa uma forma de fazer que, ao mesmo tempo,
inventa sua própria linguagem e seus meios. Assim, a arte não seria o
resultado de um projeto predeterminado, mas simplesmente encontraria o
resultado no processo de fazer. Pareyson influenciou a chamada Escola de
Turim, que desenvolveu o conceito ontológico de arte. Umberto Eco, seu maior
expoente, afirmou que a obra de arte só existe em sua interpretação, na
abertura de múltiplos significados que pode ter para o espectador.

Chegando-se aos meados do século XX, o assunto se tornou tão complexo,

volátil e subjetivo que muitos estudiosos abandonaram de todo a ideia de que a
definição do que é arte é de alguma forma possível. A título de exemplo, citem-
se algumas opiniões: Morris Weitz declarou que "o próprio caráter aventuroso e
expansivo da arte, suas constantes mutações e novidades, tornam ilógico que
estabeleçamos qualquer conjunto de propriedades definidas". Robert
Rosenblum disse que "hoje em dia a ideia de definirmos arte é tão remota que
não acredito que alguém teria coragem de fazê-lo", e Wladyslaw
Tatarkiewicz afirmou que "nosso século chegou à conclusão de que
conseguirmos uma definição abrangente do que é arte é não apenas algo
dificílimo, como impossível". Essas visões, porém, não impediram que outros
críticos lançassem opiniões diferentes, crendo ser possível uma definição.
Alguns delas contornaram o problema central da definição propriamente dita, e
estabeleceram parâmetros externos para definir o fato artístico, recorrendo à
consagração institucional, à autoridade, ou à resposta do público ou de
pessoas consideradas peritas. Um exemplo é a definição de George Dickie:
"um objeto artístico é em primeiro lugar um artefato, e em segundo, é um
conjunto de aspectos que legitimou sua proposta de merecer atenção especial
de alguma pessoa ou pessoas agindo em nome de alguma instituição social".
Às vezes, se recorre à sua localização e ao contexto cultural, como na
declaração de Thomas McEvilley, dizendo que "é arte o que está num museu...
Parece bem claro que hoje em dia mais ou menos qualquer coisa pode ser
chamada de arte. A questão é: ela foi chamada de arte pelo 'sistema de arte'?
Em nosso século, isso é tudo o que é preciso para definir arte". Na mesma
linha de ideias, Robert Hughes disse que algo é arte "se foi criado com o fim
expresso de ser considerado como tal e foi colocado em um contexto em que é
visto como tal". Segundo a definição da Encyclopædia Britannica, arte é aquilo
que é criado deliberadamente pelo homem como uma expressão de habilidade
ou da imaginação.

Ensino de arte
Arte-educação, ensino de arte ou educação artística é
uma disciplina educativa que oportuniza, ao indivíduo, o acesso
à arte como linguagem expressiva e forma de conhecimento.

Descrição

A educação em arte, assim como a educação geral e plena do indivíduo,

acontece na sociedade de duas formas:

assistematicamente através dos meios de comunicação de massa e das

manifestações não institucionalizadas da cultura, como as relacionadas
ao folclore (entendido como manifestação viva e em mutação, não limitada
apenas à preservação de tradições);

e sistematicamente na escola ou em outras instituições de ensino.

Educação artística

Refletir sobre o papel do professor de Educação Artística é fundamental

quando se procura conhecer essa prática dentro das escolas. O
comportamento do professor dessa disciplina atém-se a, pelo menos, duas
questões determinantes. Uma refere-se à formação desse professor e outra
refere-se ao conceito que esse professor tem de arte e a acepção que ele tem
do homem.

A formação do professor de Educação Artística está vinculado a história da

implantação desse saber a nível de formação universitária e das determinantes
históricas e políticas que, junto com as significações imaginarias sociais, deram
os contornos dessa prática. A partir de um estudo, Barbosa (1986) descobriu a
ausência da dimensão sócio-histórica na prática do professor de Educação
Artística. Essa descoberta é significativa quando se sabe que a História é
importante instrumento de auto-identificação. Assim, é preciso que o professor
de arte conheça a histórica de sua prática, para que ele se perceba inserido no
processo sócio-histórico-cultural, que o permita construir a sua identidade
funcional.

A história da Arte-Educação no Brasil acompanha a história da educação

nacional, embora apresente características particulares. Nesse estudo ela será
apresentada de forma resumida, pois o objetivo é situar a atuação do professor
de arte nesse contexto.
Segundo Duarte Júnior (1981), desde o início da colonização do Brasil, a
educação se caracterizou pela absorção dos valores culturais europeus,
impostos pelos colonizadores portugueses. Esse fato impediu que fosse
desenvolvido no país uma cultura própria da realidade da vida sociocultural dos
que aqui viviam. Com a chegada de D. João VI, ampliou-se e modernizou-se a
cultura nacional dando-se início ao ensino oficial das artes, influenciado pelo
que se fazia, então, na França. Até a Proclamação da República, em 1889, o
ensino das artes concentrou-se nas escolas oficiais, onde as atividades
previam a produção de bens.

O processo de industrialização europeu que alcançou o país foi um marco na

Arte-Educação no Brasil, que esteve sempre ligada aos movimentos
sociopolítico-econômico da conjuntura nacional e internacional. O surto
industrial do fim do século passado, com as conseqüentes mudanças no plano
político e social que resultaram na substituição do Império pela República e na
abolição da escravatura, motivou o trabalho como objetivo da educação do
país(BARBOSA, s/d). O ensino da arte foi direcionado para a formação
profissional, sendo que os "métodos da Walter Smith se tornaram a base para
o ensino do desenho na escola primária e secundária no Brasil, por quase trinta
anos ". (BARBOSA, s/d:13).

A proposta renovadora da Semana de Arte Moderna em 1922, que foi um

marco na vida artística cultural brasileira, trouxe novas maneiras de se
entender a expressão artística e foi o início da contestação do ensino de arte
que não permitisse a "expressão autêntica, espontânea e desinteressada da
criança "(BARBOSA, s/d:14, grifo da autora). O movimento da Escola Nova,
advindo da crise político-social que previa a mudança da oligarquia para a
democracia na década de 30, afirmava a importância da arte na educação para
o desenvolvimento da imaginação, intuição e inteligência da criança e
preconizava a livre expressão infantil. Esse movimento foi fortemente
influenciado por Dewey, Claparéde e Decroly. Algumas experiências
importantes sobre o desenvolvimento da criança através da arte foram feitas
pelo professor Nereu Sampaio, na Escola Normal do Distrito Federal, então Rio
de Janeiro. Segundo Barbosa(s/d: 14) "quando o movimento para incluir arte
como livre expressão nas escolas primárias estava no auge, o Estado Novo
iniciou a repressão no campo educacional, com a perseguição e demissão de
professores associados ao movimento do escolanovismo. Depois da queda de
Vargas foram renovados os esforços para a redemocratização e a educação
viu nascer as campanhas pela recuperação dos princípios da Escola Nova. A
onda de redemocratização nacional alcançou a Arte-Educação na iniciativa de
Augusto Rodrigues, artista que criou a Escolinha de Arte do Brasil em 1948, na
cidade do Rio de Janeiro. A iniciativa foi recebida com entusiasmo por
educadores e artistas da época, como Anísio Teixeira e Helena Antipoff
(BARBOSA, s/d).
Para Varela (1986:16):

"desde o início a Escolinha-corpo e alma do artista Augusto Rodrigues- atuou

em processo criativo, intuição, fluência e flexibilidade na descoberta da melhor
forma de motivar e trabalhar a criança, foram seus primeiros passos e
continuam caracterizando toda a sua ação educativa. "

Outro princípio que caracterizou a Escolinha de Arte no Brasil do Rio de

Janeiro, que influenciou as Escolinhas de Arte de outras cidades no Brasil, foi
"a idéia de trabalhar fora do sistema educacional público tentando ao mesmo
tempo influenciá-lo ". (BARBOSA, s/d: 15)

No Espírito Santo, uma experiência neste sentido foi desenvolvida na cidade de

Cachoeiro do Itapemirim pela Professora Izabel da Rocha Braga. A professora
fundou o Clube de Arte Recreativo de Cachoeiro do Itapemirim em 1950, que
recebeu o nome de Escolinha de Arte de Cachoeiro, em 1952.

Com a supervisão e o incentivo constantes de Augusto Rodrigues e de Lúcia

Alencastro, e com a ajuda financeira do Ministério da Educação, da Associação
de Proteção à Maternidade e Infância e da Prefeitura de Cachoeiro do
Itapemirim, a professora Isabel desenvolveu um trabalho que envolveu o
aprendizado de várias linguagens plásticas por crianças que tinham a liberdade
de criar.

A Escolinha de Arte da professora Izabel foi bem recebida pela comunidade e

pela imprensa local e devolvia para a comunidade a produção que fazia
anualmente, durante as comemorações do dia da cidade. A Escolinha
funcionou até 1955, quando por motivos de falta de verba e dificuldade de
ordem pessoal da professora Izabel, a experiência foi encerrada, embora não
sem ter marcado a vida artístico-cultural da cidade de Cachoeiro do Itapemirim,
a partir da iniciativa heróica e solitária de alguém que acreditava na expressão
da criança por meio da linguagem plástica.

No Rio de Janeiro, a Escolinha de Arte do Brasil mantinha ateliê, onde

crianças, adolescentes e adultos podiam desenhar e pintar livremente, e
consistia, também, em centro para treinamento de professores de arte. A
influência da Escolinha no ensino de artes na escola primária e secundária
começou a se fazer presente através das classes experimentais criadas depois
de 1958. Convênios foram estabelecidos para o treinamento de professores de
Arte-Educação até 1973, quando foram criados os cursos universitários para
formação de arte-educadores. (BARBOSA, s/d).

Em 1961, antes, portanto, da criação da Lei Federal 5692, de 1971, que

tornava obrigatório o ensino de arte na escola fundamental, e da criação, em
1973, de cursos universitários para a formação dos professores de arte
(Licenciatura em Educação Artística), a escolinha de Arte do Brasil (Rio de
Janeiro) organizou o primeiro Curso Intensivo de Arte na Educação (CIAE),
constando da sua programação o I Seminário de Arte-Educação.

Varela (1986) era uma das pessoas que estava à frente da organização do
curso e em seu depoimento ela diz que:

"é um curso provocador do que chamamos prontidão para mudanças, muitas

vezes bem sensíveis-seja no próprio professor aluno, seja em escolas e outras
instituições-alargando, estrategicamente, dimensões da personalidade e
estendendo as fronteiras da experiência nas Escolinhas de Arte. (. . .) Não
recebendo o Curso Intensivo apenas professores titulados e leigos, caracteriza-
se, também, pela sua abertura para artistas, artesãos e estudantes de artes;
psicólogos e professores de pedagogia juntamente com alunos do curso de
psicologia e de faculdade de educação- motivando o impacto e a descoberta do
outro, em sua originalidade e poder criativo, em seus condicionamentos e
pobreza de expressão simbólica ". (VARELA, 1986: 17)

A importância desse curso, ministrado na Escolinha de Arte do Brasil está no

fato da Educação Artística, o ensino da Arte Educação nas Escolas, estar
intrinsecamente ligada ao que o professor aprendia. A história da Arte-
Educação passa a ser contada a partir da perspectiva da formação do
professor de arte.

Segundo Varela (1986) por muitos anos o Curso Intensivo de Arte na Educação
foi o único destinado à formação de arte-educadores, de todos os graus de
ensino. A sua equipe vinha sendo formada por professores titulados, artistas,
artesãos, críticos de artes, jornalistas, poetas, cientistas e todos aqueles
capazes de alargar a percepção do professor-aluno e provocar o uso da
imaginação na organização de experiências construtivas. O curso era
fundamentado em estudos de Arte, Educação, Psicologia e no enfoque dos
princípios filosóficos básicos, objetivando uma melhor compreensão de como
educar pela arte. Ela acredita que o que mais caracterizou o CIAE, enquanto
ela esteve na sua coordenação (1986: 20):

"foi a centralização no vigor do ato de criação, mobilizando o impulso

exploratório de seus alunos, levando cada participante a explorar
potencialidades emotivas e expressivas das linguagens artísticas, fazendo-o
pensar e repensar em arte e educação, no contexto cultural. "

Par Cruz (1983: 2), a Escolinha de Arte no Brasil foi realmente a "célula mater
"da arte na educação brasileira. Ela acredita "que os educadores lá formados
contribuíram para criar o clima propício para a obrigatoriedade do ensino da
arte nas escolas fundamentais ". A autora mostra que, apesar de existirem
muitos professores formados na Escolinha de Arte no Brasil, poucos puderam
ser aproveitados no curso universitário para a formação de professores de arte.
A obrigatoriedade de Educação Artística para vinte milhões de crianças e
jovens encontrou a realidade da falta de especialistas preparados par a tal
tarefa, o que fez com que os professores de outras áreas de ensino passassem
a ensinar arte, pois a Lei deveria ser cumprida (CRUZ, 1983). Dada a
precariedade dos recursos humanos, cursos de treinamento organizados pelas
Secretarias de Educação, em convênio com universidades, órgãos públicos,
Escolinhas de Arte no Brasil, Serviço Nacional de Teatro proliferaram, com o
objetivo de cumprir com a determinação legal.

Na maioria das universidades e faculdades isoladas predominam professores-

artistas, (com graduação em Artes), que se opõem à filosofia da Arte-Educação
por a desconhecerem, criando obstáculos ao seu desenvolvimento, mantendo
a mentalidade da arte para a burguesia e , naturalmente, opondo-se à
democratização das artísticas, sob o pretexto da excelência não poder estar ao
alcance de todos. "(. . .) Os professores, atordoados com a incursão de novas
idéias no seu meio de ensino, refazem-se e passam a reagir (CRUZ, 1983: 3).
Provocando uma regressão ao academicismo que marca o ensino de arte
desde o século passado. "(CRUZ, 1983: 13).

Na sua crítica a autora enfatiza a perda das conquistas que a Arte-Educação

introduziu no meio educacional, através do currículo de Educação Artística, e
denuncia que são poucos os Arte-Educadores que participam de cursos de
Licenciatura em Educação Artística nas escolas onde persevera a mentalidade
de treinamento, cópia, adestramento.

A importância da formação do professor de Educação Artística está também no

fato de que é na sua relação com os alunos que se evidenciará o conceito que
ele tem de arte. Dependendo do modo como o professor estabelece essa
relação, a auto-expressão do aluno, a sua capacidade criadora, manifestada na
sua inventividade e na sua capacidade de refletir o mundo no seu fazer
plástico, emergirá ou não. O fazer plástico, toma aqui, a acepção proposta por
Castoriadis (1986:90), onde "o mundo histórico é o mundo do fazer humano ".

Acredita-se, então, que o fazer plástico é o fazer que relaciona os elementos

sensíveis; cores, linhas, volumes, sombras e que expressa a subjetividade
daquele que produz tal fazer, visando a sua autonomia. Este fazer é produzido
dentro do processo histórico individual, pela construção do sujeito que se quer
sujeito; social, pela construção da cultura; e material, pela construção de um
objeto que passa a existir no ambiente físico.

A prática do professor de arte dentro da aula de Educação Artística anunciará a

sua concepção filosófica de homem e de sociedade. A metodologia de ensino
por ele utilizada "falará "dessa concepção.

O fato do ser humano sujeitar-se ao discurso do Outro faz dele um sujeito das
determinações sociais da cultura que dita as normas para a sua conduta.
Sujeito é aquele que é determinado pelas significações imaginárias da
sociedade em que vive. (CASTORIADIS, 1982). No processo cultural de
hominização, esse sujeito poderá vir a ser um sujeito-autônomo ou um sujeito-
heterônimo.

Os sujeitos-autônomos são aqueles que, apesar das determinações sociais

conseguem apoderar-se do seu discurso e tornarem-se autônomos. Os
sujeitos-heterônomos são aqueles que repetem o discurso do Outro, isto é, o
discurso do social, como se fosse o seu e mantêm-se na heteronomia. O
sujeito-autônomo reproduz o já feito e dito, fazendo prevalecer o já instituído,
sem questionamentos. (CASTORIADIS, 1982)

Ciampa (1987: 73) na tentativa de responder a pergunta : "o que é para o ser
humano ser o que é ", refere-se a presente questão como segue:

"não se trata, evidentemente, de conceitos abstratos e definitivos que

considerem o homem como pura consciência, só como subjetividade (este o
risco idealista); nem também de reduzi-lo à simples condição de coisa, só como
objetividade (esta armadilha materialista-mecanicista). Trata-se de considerar a
superação dialética desse dualismo pela práxis:(. . .) de se engajar em projetos
de coexistência humana que possibilitem um sentido da história como
realização de um porvir a ser feito como os outros. Projetos (. . .) que possam
tender, convergir ou concorrer para a transformação real de nossas condições
de existência, de modo que o verdadeiro sujeito humano venha à existência ".

Resta ao professor a opção de contribuir na formação de sujeitos-autônomos

ou sujeitos-heterônomos. Essa opção é, indiscutivelmente, uma opção política,
que está inserido num projeto político de transformação da realidade social
vigente, através da criação de uma "identidade do Homem da nossa sociedade
". Ciampa (1984: 74) como ser-sujeito da sua construção.

Na sala de aula de Educação Artística qualquer linguagem expressiva pode

subsidiar o sujeito que se quer sujeito do seu discurso ou o sujeito que se quer
perpetuar alienado :

Valente (1989 :20), assim coloca essa questão:

"Toda a atividade plástica pode ser realizada no nível da possibilidade ou da

impossibilidade. A dramatização, a pintura, a música e a dança, o recorte e a
colagem, a modelagem podem ser possibilidades ou não. A apropriação
mecanicistas, utilitarista, dessas atividades programadas, limitadoras, marcam
a impossibilidade. A arte acontece no processo transformador, mutador,
atendendo à dimensão do desejo, do lúdico, do espontâneo, do possível ".

A opção entre formar sujeitos-autônomos ou sujeitos-heterônomos é tarefa a

qual professor de qualquer disciplina não pode se furtar. Não existe
neutralidade na prática pedagógica e o professor há que se responsabilizar
pelo resultado da sua atuação, dentro do processo ensino-aprendizado que ele
se propõe praticar.

A formação de sujeitos-autônomos é facilitada quando existe um

comprometimento, uma "lealdade ", como diria Ostrower (1990: 223),do
professor com sua prática, que deveria constituir-se na sua práxis cotidiana. No
caso do professor de arte, esse comprometimento se constituiria no valor
filosófico que ele dá à arte e ao ensino.

"Pois o que conta mais na sala de aula, além das informações que o professor
possa transmitir, é a própria postura diante do seu fazer. Se para ele as obras
de arte não representam valores de vida, estendendo-se esta avaliação à
sensibilidade das matérias e das linguagens, o professor pouco terá a dar aos
alunos fora receitas técnicas ou nomes ou datas- nada que toque ao essencial
da experiência artística. Se, porém para o professor, a arte representar algo de
fundamental na sua vida, uma necessidade de sentir e de ser, ele haverá de
transmitir sua convicção de uma maneira ou outra. (. . .) É com o que de mais
valioso ele poderá contribuir: em vez de mera informação, a formação do ser
sensível ". (OSTOWER, 1990: 223)

É na formação do ser sensível, através do ensino das linguagens expressivas

"oferecendo (aos) alunos a possibilidade de descobrirem seu próprio potencial
"(OSTROWER, 1990: 223),que o professor de arte estará colaborando para
formar o sujeito que se apropriará do seu discurso e construirá a sua
autonomia.

Para o sujeito construir sua autonomia é necessária que, concomitante à

formação do ser sensível, seja formado, também, o ser crítico. Para isso
acontecer, o professor de arte terá que fazer, além de uma opção
filosófica,quanto ao valor da arte na sua vida, uma opção filosófica, quanto ao
tipo de racionalidade que permeia a sua prática.

Citando a perspectiva filosófica dos autores da Escola de Frankfurt que vêm "a
importância da consciência histórica como uma dimensão fundamental do
pensamento crítico (pois) cria um valioso terreno epistemológico sobre o social
e o pessoal, bem como entre a história e a experiência pessoal ", Giroux (1986:
55) nos diz que :

"através dessa forma de análise, o pensamento dialético substitui as formas

positivistas de investigação social. Isto é, a lógica da previsibilidade,
verificabilidade, generalizabilidade e operacionalismo é substituída por um
modo dialético, que enfatiza as dimensões históricas, relacionais e normativas
da investigação social e do conhecimento ". (GIROUX, 1986: 55)

Ao desenvolver uma teoria sobre a cultura, três autores da Escola de Frankfurt,

Horkhenheimer, Adorno e Marcuse tentam expor como a racionalidade
positivista interfere na arte enquanto produto da cultura. Para eles a arte, que
até o advento do capitalismo tinha como função a denúncia das relações de
homem com o mundo, pela resistência e oposição, passou a anunciá-la, tão
somente, de uma forma acrítica e conformista. Prevalece aqui "no verdadeiro
espírito da harmonia positivista, a arte se torna simples espelho da realidade
existente, bem como uma afirmação dessa realidade "(GIROUX 1986: 42) e
nega que "a verdade da arte está em seu poder de romper o monopólio da
realidade estabelecida (isto é, daqueles que o estabeleceram) para definir o
que é real. Nessa ruptura. . . ,o mundo fictício da arte aparece como a
verdadeira realidade "(MARCUSE, 1978: apud GIROUX, 1986: 42).

O impacto dessa forma de produzir arte na cultura é que "a imagem é o

conformismo, e o meio para a sua obtenção é a diversão, que orgulhosamente
se apresenta revestida da fuga do pensamento crítico ". (GIROUX, 1986: 43) A
cultura perde seu espaço de contestação e crítica na rede das significações
imaginárias sociais e arte perde seu lugar de possibilidade de construção
pessoal, coletiva e material.

O conhecimento exaustivo de novas teorias pedagógicas e dos novos

pressupostos da arte enquanto linguagem é uma tarefa que compete ao
professor de arte, que deve se manter como elemento de resistência dentro do
sistema escolar. Ele necessita reciclagens sistemáticas e constantes em Arte-
Educação, Linguagens Expressivas, Filosofia de Arte, Políticas Educacionais,
Antropologia Social, Psicologia do Desenvolvimento,entre outras, para
atualização da sua práxis. Além disto, o professor deve reivindicar um espaço
físico e temporal condizente com a importância da sua prática, traduzido,
concretamente, por uma sala própria para atividade artística dos alunos e uma
carga horária que retire a Educação Artística da posição de atividade
descartável que ela ocupa no currículo escolar da maioria das escolas.

A resistência toma o sentido proposto por Giroux (1986: 147):

"no sentido mais geral, acho que a resistência tem que ser situada em uma
perspectiva ou racionalidade que leva em conta a noção de emancipação como
seu interesse norteador. Isto é, a natureza e significado de um ato de
resistência tem que ser definido juntamente com o grau em que contém as
possibilidades de desenvolver o que Marcuse chamou de 'um
comprometimento com uma emancipação da sensibilidade, da imaginação e da
razão, em todas as esferas da subjetividade. ' (MARCUSE, 1977,in Giroux,
1986). Assim, seria central à análise de qualquer ato de resistência uma
preocupação como descobrir o grau em que ela fala de uma forma de recusa
que enfatiza, seja implícita, seja explicitamente, a necessidade de se lutar
contra o nexus social de dominação e submissão. Em outras palavras, a
resistência deve ter uma função reveladora, que contenha uma crítica da
dominação e que forneça oportunidades teóricas para a auto-relexão e para a
luta no interesse da auto-emancipação e da emancipação social. "

Apesar de ser obrigatória, a educação artística nas escolas de ensino

fundamental e médio ainda é negligenciada pelo sistema escolar.

"A Lei 11.769/2008 prevê que tínhamos três anos para colocar o ensino
obrigatório da música nas escolas.

Ensino de Artes e a História da arte na educação: Reflexões e contexto

histórico.

Para falar do ensino da história da arte é preciso primeiramente compreender a

própria história do ensino de arte no Brasil. Por tanto será investigado nesse
breve contexto histórico a inserção do ensino da arte na história da educação e
o momento em que houve a preocupação de se ensinar os conteúdos da
história da arte.

O ensino de arte no Brasil passou por diversas mudanças em toda sua história
até os dias atuais, e continuará mudando com o tempo. Essas mudanças
ocorreram devido às situações e necessidades vividas em cada época, em
todos os anos de história do nosso país, a educação foi se renovando, e com
isso o ensino de arte também. Segundo Ferraz e Fusari (2009) “[...] assim
como outras áreas do conhecimento, surgem de mobilizações políticas, sociais,
pedagógicas, filosóficas, e, no caso da arte, também de teorias e proposições
artísticas e estéticas”.

Contudo, a educação jesuítica tinha por forma o conhecido RatioStudiorum,

denominado como um guia educativo, que é referente ao curso secundário.
Segundo Barbosa (2009) o “RatioStudiorum estabelecia-se mediante um
conjunto de normas e saberes – de cunho literário – a serem ensinados e
condutas a serem inculcadas em práticas educativas prosélitas e catequéticas
em relação ao catolicismo”. Para frequentar o curso o aluno já deveria ser
letrado, e ter uma posição social de classe elevada e tradição familiar. Os que
não possuíam tal tradição somente eram aceitos se fosse para exercer o
trabalho sacerdotal.

Dentre essas normas, o estudo que mais se propagou no Brasil foi o curso de
letras humanas, tal curso é ramificado em três classes, nomeado como Trivium,
e segundo Barbosa (2002) era composto pela gramática, retórica e dialética,
consideradas como artes liberais voltadas na maioria das vezes para os filhos
da classe dominante, a elite. Havia ainda o Quadrivium, que consiste no
currículo das artes literárias, gramática, retórica e dialética.
Em relação ao ensino da arte, os jesuítas designavam maior importância às
“artes literárias”, e a utilização da música, canto coral, teatro e o ensino do
latim, dando mais importância a elas do que às artes e ofícios devido à ligação
com a catequização.

As atividades manuais eram excluídas na educação dos homens livres, eram

voltadas principalmente na educação nas missões indígenas ou ao treinamento
dos escravos, com função designada para o consumo e para a religião. A
educação jesuítica tinha a intenção de formar o aluno conforme sua condição
social, e principalmente para as necessidades e interesses da igreja, não
existindo uma organização de ensino como nos dias atuais.

As Artes e Ofícios, também foram uma filosofia de ensino dos jesuítas,

segundo Barbosa (2009) “classificava, em geral, os saberes em artes liberais,
filosofia e teologia. As artes liberais consistiam no ensino da pintura, escultura,
arquitetura e engenharia”. E eram especificadamente destinadas aos homens
livres, sendo assim diferenciando dos exercícios praticados pelos artesãos.

A educação não mais pertencia à Igreja, agora era de total responsabilidade do

estado, considerado o primeiro sistema público de educação no país. Essa
mudança no ensino tinha como intenção focar a educação nos conteúdos que
os Jesuítas omitiam em seus métodos de ensino, conteúdos esses compostos
pelas Ciências, Artes Manuais e a Técnica.

Poucas escolas tinham um local apropriado para ministrar as aulas, no geral

eram dadas na casa do professor. Na prática, a aula régia não diferenciou tanto
da educação jesuítica relacionada ao educando, apesar do sistema da aula
régia ser considerado público, não abrangeu toda a sociedade, ficando mais
reservada à elite. O espaço que deveria ser público, destinado à população,
acabou possuindo uma visão privada, pois o espaço da casa do professor não
abrangia toda a sociedade, acabando por ser destinado a poucos,
principalmente os mais abastados. Fugiu totalmente do que o Alvará de 28 de
Junho de 1759 visava como, por exemplo, “a obrigação de o Estado garantir a
educação gratuita à população”, mas na prática o decreto não teve tanto
sucesso.

No entanto, mesmo que lentamente, essas mudanças colaboraram para os

primeiros passos do ensino de arte na educação, pois nesse começo o ensino
de arte foi focado apenas no ensino do desenho, incluindo o desenho no
currículo e criando uma aula régia de desenho e figura.

Neste período existiu o ensino informal de arte, voltado para necessidade de

mão de obra de assistentes para auxiliar os artistas que vieram para o Brasil
principalmente no período da colonização. Com isso foram surgindo escolas
conhecidas como “corporação de artistas ou oficinas de artífices e artesãos”,
com o ensino desenvolvido especialmente para a produção artística, já que
neste período era escassa a existência de artistas ou conhecedores das
técnicas importadas dos mesmos.

O segundo momento da reforma educacional no Brasil foi destinado à

implantação da Universidade, e segundo Cardoso (2003, p. 200):

O segundo momento da reforma dos estudos, termo utilizado oficialmente,

ocorreu através da lei de 06 de novembro de 1772, destinada à reforma da
universidade e também com o intuito de sanar vários problemas ocorridos na
implementação da etapa anterior.

O ensino de arte em academias tem início com a Missão Artística Francesa em

1816, vinda com o importado modelo Neoclássico, conduzindo um importante
salto em relação ao ensino de arte no Brasil, pois anos depois foi fundada a
Academia Imperial de Belas Artes.

Passados dez anos e com outro nome, a então esperada Academia Imperial de
Belas Artes se materializou, um tanto tarde. Nesse tempo de espera os artistas
trabalharam por conta própria aceitando encomendas e alguns montaram um
local para ministrar aulas de arte, sendo que muitas coisas ocorreram nesse
meio tempo como o falecimento de Lebreton. Apesar de todos os problemas
ocorridos, a missão francesa de fato marcou o ensino da arte no Brasil e seu
desenvolvimento, inseriu o estilo Neoclássico na academia e em obras dos
artistas produzidas aqui, mas com o tempo o estilo artístico no Brasil foi
tomando novos rumos e se renovando.

Apesar de o Desenho ter sido matéria obrigatória na academia por um bom

tempo, a Academia Imperial de Belas Artes foi a primeira instituição de ensino
em que a história da arte foi ministrada como conteúdo. Apesar de ser uma
academia e o ensino ser designado apenas para formação de artistas, foi nela
que primeiramente houve a preocupação do ensino de história da arte,
acontecendo a partir de 1890.

Segundo Mosaner e Stori (2007, p.147) “É interessante salientar que só depois

de bem estabelecido o curso superior de artes, através da Academia, é que há
a preocupação de implantá-lo no ensino primário e secundário”.
Primeiramente, deu-se maior importância para a implantação do ensino
superior de artes, só após a academia houve uma preocupação em inserir o
Desenho no ensino primário e secundário, sendo assim a academia influenciou
com sua metodologia o ensino de desenho na educação básica, porém o
ensino da história da arte não é mencionado como conteúdo.

Para Rui Barbosa “a educação artística seria uma das bases sólidas para a
educação popular”, pretendia inserir na educação do Brasil o modelo
americano de ensino de arte, com isso o desenho seria obrigatório no ensino
secundário, sendo influenciado também pelo teórico Walter Smith, o qual Rui
Barbosa toma como referência para produzir o Parecer sobre o Ensino
Secundário em 13 de abril de 1882. Este parecer foi usado na escola até a
metade do século XX aproximadamente, e as ideias de Walter Smith ficaram
marcadas na educação por quase 30 anos.

Rui Barbosa via o Desenho como um instrumento para alcançar o esperado

desenvolvimento industrial, pois havia como exemplo o ensino do desenho
geométrico da América do Norte, o qual obteve sucesso relacionado aos
produtos industriais, assim há um interesse em educar o povo para a indústria.

No início do século XX houve uma grande preocupação com a obrigatoriedade

do ensino de artes no ensino primário e secundário. Neste mesmo século o
desenho ainda era a forma de inserção do ensino de artes nas escolas e vinha
de uma tradição voltada para o aprendizado do desenho para o trabalho
industrial. Mas com o tempo essa visão foi tomando outro sentido, segundo
Barbosa (2002, pag. 34) “[...] orientaram no sentido de considerá-lo mais uma
forma de escrita que uma arte plástica”. Barbosa (2002, p. 36) ainda afirma:

Esta identificação do Desenho com a escrita ultrapassou as barreiras do

modernismo, foi argumento não só para tentar vencer o preconceito contra a
Arte como também argumento para demonstrar que a capacidade para
desenhar era natural aos homens ou, pelo menos, acessível a todos e não um
dom ou vocação excepcional.

Mesmo que o ensino de arte ainda esteja focado no Desenho, começam a

surgir novas abordagens referentes ao ensino de arte na escola, voltadas às
novas instâncias e objetivos com o intuito de construir uma mudança de olhar
sobre o ensino da arte na educação brasileira.

Na Pedagogia Tecnicista o professor tende a ser responsável por seu

planejamento, que deve se mostrar competente e incluir os elementos
curriculares essenciais: objetivos, conteúdos, estratégias, avaliação. A
dinâmica do ensino e da aprendizagem não é questionada, pois o elemento
principal é o sistema técnico de organização da aula e do curso. Os processos
de ensino eram voltados ao mecanicismo e a base técnica era muito utilizada.
Segundo Pessi (1994, p. 27) a Pedagogia Tecnicista tinha como propostas
metodológicas “a copia, desenho geométrico, educação através da arte e livre
expressão”.

Contudo, houve uma escassez de bases teóricas, os professores abraçavam

os materiais didáticos como única ferramenta de orientação para o ensino, com
isso houve uma fragilidade metodológica consistindo num ensino equivocado
de arte.

Novas abordagens surgem no contexto educacional, com o intuito de renovar a

educação em arte em relação às práticas sociais, dentre elas a Pedagogia
Libertadora,Pedagogia Libertária e Pedagogia Histórica Crítica.

Nos anos 80 começam a surgir associações de professores e pesquisadores

do ensino de arte, ajudando a formar novos conceitos em relação ao ensino e
aprendizagem de arte na educação. Nessa perspectiva de ação em
Congressos Nacionais e Internacionais, há a busca de um ensino valorizado e
obrigatório, com isso conseguiram incluir a arte nos currículos das escolas e na
Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional de 1996.

A partir de1990 surgem leis que fomentam uma melhoria para o ensino de arte,
nas quais começaram exigir novos seguimentos para o ensino. Uma delas é a
Diretrizes e Bases da Educação Nacional Lei nº 9.394 (Brasil, 1996) e novas
abordagens pedagógicas, como a Proposta Triangular, surgem voltados para
uma educação em arte mais renovada, e dentro dela a história da arte possui
um espaço importante.

[...] leitura envolve análise crítica da materialidade da obra e princípios

estéticos ou semiológicos, ou gestálticos ou iconográficos. A metodologia de
análise é de escolha do professor, o importante é que obras de arte sejam
analisadas para que se aprenda a ler imagem e avalia-la; esta leitura é
enriquecida pela informação histórica e ambas partem ou desembocam no
fazer artístico. (2001, p. 37)

No que se refere à história da arte, Ana Mae aponta que o conteúdo auxilia o
aluno a compreender “algo do lugar e tempo nos quais as obras de arte são
situadas” e ainda aponta, “nenhuma forma de arte existe do vácuo, parte do
significado de qualquer obra depende do entendimento do seu contexto”.
Sendo assim o estudo da história da arte, aproxima o aluno da compreensão
do contexto na qual cada obra ou período estudado se situa, para tanto, a
estética ajuda esclarecer e compreender melhor o que é visto dentro dos
conteúdos da história da arte.

A história da arte na metodologia Triangular não é abordada de uma forma

totalmente linear, e sim é pensada para contextualizar o artista e sua arte no
meio sociocultural. Ana Mae aponta a importância de conhecer os princípios de
cada estilo e movimento artístico, e as relações sejam no meio social, político e
cultural. Mas afirma, “cada geração tem direito de olhar e interpretar a história
de uma maneira própria, dando um significado à história que não tem
significação em si mesma” (2001, p.38). Ou seja, cada pessoa possui a
liberdade de interpretar as relações da história da arte a sua maneira, partindo
também de seu meio social e cultural. Mas é importante compreender que:

Na história da arte o objeto do passado está aqui hoje. Podemos ter

experiência direta com a fonte de informação, o objeto. Portanto, é de
fundamental importância entender o objeto. A cognição em arte emerge do
envolvimento existencial e total do aluno.

Para entender o objeto, necessita do estudo de seus conceitos, e logo a sua

apreciação. Ana Mae aponta que a história da arte não pode estar apartada da
“apreciação da obra”, ou seja, elas precisam ser trabalhadas em conjunto, pois
elas se complementam.

Em relação ao currículo, cita a importância de introduzir nele os princípios da

proposta Triangular, o fazer artístico, a história da arte e a análise da obra de
arte, pois para Barbosa:

Um currículo que interligasse o fazer artístico, a história da arte e a análise de

arte estariam se organizando de maneira que a criança, suas necessidades,
seus interesses e seu desenvolvimento estariam sendo respeitados e, ao
mesmo tempo, estaria sendo respeitada a matéria a ser aprendida, seus
valores, sua estrutura e sua contribuição especifica para a cultura. (2001, p.35)

Observamos que seria ideal que o currículo estivesse ligado amplamente com
estes princípios da proposta triangular mostrando interesse no valor do ensino
de arte, pois assim o conteúdo e a disciplina de arte reafirmariam sua
importância na educação escolar.

Porquanto, esse estudo proporcionou a compreensão dos principais aspectos

do contexto histórico do ensino de arte e fundamentos do ensino da história da
arte focando na Proposta Triangular, pois é uma abordagem muito utilizada
hoje nos documentos referenciais para o ensino de arte e no que diz respeito
ao ensino da história da arte, pois traz reflexões importantes.

A partir disso, foi possível entender e analisar o processo de mudança no

contexto educacional em todas suas instâncias no que se refere ao conteúdo
de arte, sendo importante para chegar ao ensino de arte na
contemporaneidade.

Todos nós amávamos a aula de educação artística. Alguns pelo fato de ser
uma espécie de folga de todas aquelas matérias chatas, porém, outros por ser
uma aula que realmente inspirava e permitia que a criatividade entrasse em
cena. Nosso artigo de hoje explica que Educação Artística e o estudo de
diferentes vertentes das artes, desde o primário, é assunto sério e essencial
para a formação integral de um ser humano.

A arte não se trata só de expressão cultural, de quadros na parede, de

esculturas de barro ou de algo que você customiza e “faz você

mesmo”. A prática artística auxilia no processo cognitivo do cérebro, além da

capacidade de interpretação, criação, percepção e de inteligência, fatores que
são aplicados em qualquer área da vida, em qualquer momento dela.

Mudanças nos Parâmetros Curriculares Nacionais

Desde Maio de 2016, o Ministério da Educação determinou que a Educação

Artística básica incluísse obrigatoriamente além da música, as artes visuais,
aulas de dança e teatro. Hoje, todas fazem parte do currículo do ensino básico
do brasileiro inclusive na rede pública. A lei foi aprovada pois o governo levou
em consideração o enorme embasamento estatístico e científico sobre a
contribuição que a arte traz ao processo de aprendizagem e na vida das
pessoas.

As escolas têm até 2021 para incorporar na grade todas as vertentes

obrigatórias das artes às grades da Educação Infantil, Ensino Fundamental e
Ensino Médio. Porém, ainda há discussão no Ministério sobre as matérias
essenciais e as eletivas, sendo que parte dele tem opinião contrária à sugestão
da Base Nacional Curricular Comum, que coloca a Educação Artística como
subcomponente do Ensino.
 Benefícios das Artes na Escola

São extensivos os benefícios do aprendizado artístico desde a Educação

Infantil. Além da inteligência, a arte envolve também emoções e a expressão.
Trabalhando também o lado afetivo e emocional do indivíduo, que são fatores
imprescindíveis na formação de caráter de uma pessoa, ela também possui
benefícios para o raciocínio lógico e cognitivo.

Alguns benefícios da educação artística na escola:

Melhora a capacidade de expressão, complementando a linguagem

verbal;

Permite que a criança e adolescente processem melhor seus sentimentos

e emoções;

Estimula a inteligência racional e emocional;

Estimula o processo de tomada de decisão, já que diferentes materiais

podem ser usados e é necessário escolher.

Melhora a capacidade de trabalhar em grupo, uma vez que muitos

projetos são feitos com colaboração coletiva;

Potencializa a criatividade e organiza as ideias;

Auxilia no processo de alfabetização, uma vez que trabalha com

simbologia;

Com as 4 vertentes, praticamente todas as área do cérebro são

estimuladas;

Estimula a liberdade de expressão;

Auxilia na construção da subjetividade;

Tem impacto na vida escolar e pessoal do aluno;

Ensinar Arte é muito mais do que simplesmente desenhar ou pintar, afinal

Música, Teatro e Dança também são Arte e, portanto, devem ser ensinadas,
não só as escolas públicas, mas, também as particulares têm procurado inserir
essas linguagens, pois elas contribuem para o desenvolvimento intelectual do
educando e fazem com que eles tenham uma concentração maior, além de
aprenderem a trabalhar em equipe. Além disso, faz com que os alunos reflitam
sobre situações do dia-a-dia podem expor o que pensam através da Arte.

A Arte é algo fantástico, a minha primeira formação acadêmica é em Música e

trabalhando não só com ela, mas com as demais linguagens artísticas, vejo o
quanto ela contribui para o desenvolvimento dos alunos, mas, infelizmente,
muitos não sabem o que deve ter numa aula de Arte e acabam tendo uma
visão equivocada sobre o assunto.

Por que se ensinar Arte? Muitas pessoas acham que aula de Arte é desenhar e
pintar, porém é importante saber que Arte não é apenas desenhar e pintar ou
simplesmente pensar que é uma aula de desenho, pintura ou geometria, há
muitos outros fatores que fazem com que esta disciplina, vista como
desnecessária por muitos, seja muito importante.

A Arte faz com que o ser humano possa conhecer um pouco da sua história,
dos processos criativos de cada uma das linguagens artísticas, o surgimento
de novas formas de realizá-la, sempre se aprimorando no decorrer dos anos.

A Arte além de integrar pessoas, faz com que elas tenham uma outra forma de
se expressar, podendo através dela demonstrar aquilo que sente ou pensa,
além de fazer com que a pessoa tenha uma análise crítica daquilo que vê,
ouve, assiste ou faz, tendo uma base para poder construir uma idéia ou projeto.

Através da Arte é possível realizar muitas coisas, pois com ela, as pessoas
podem demonstrar aquilo que sentem através de uma tela, de uma poesia, de
uma música, de uma representação, de uma dança, de uma escultura, etc,
podendo compartilhar suas idéias com as demais pessoas.

Atualmente, o ensino de Arte é diversificado, não sendo voltado apenas para

Desenho Geométrico ou Artes Plásticas, mas, também, é voltado para outras
linguagens artísticas como a dança, a música e o teatro, que muito enriquecem
a formação dos educandos, por exemplo, a música faz com que o aluno tenha
mais concentração e coordenação motora, a dança contribui para a
coordenação motora e o teatro, para um trabalho em equipe e para que eles
possam se relacionar melhor com os colegas de classe, professores e
familiares, fazendo com que o rendimento escolar dos mesmos possa
melhorar, além de melhorar o convívio social e mudar a vida de muitos deles.

Espero que com esta leitura, as mentes possam se abrir para que todos
possam realmente saber a importância da Arte e um pouco do que é ensinado
em cada uma das linguagens artísticas, bem como uma breve descrição de
alguns momentos históricos de cada uma das linguagens.
 O Ensino de Arte no Brasil

Antes de falarmos sobre como é o ensino de Arte nas diferentes artísticas, é

importante sabermos um pouco, do panorama histórico dele, aqui no Brasil.

Em 1816, D. João VI trouxe a Missão Francesa com o intuito de formar uma

Escola de Arte, que teve os seus trabalhos iniciados dez anos mais tarde, mas
devido ao custo elevado, eram poucos que tinham a oportunidade de estudar
Arte.

A partir da década de 1870, período de grandes transformações culturais, não

só no Brasil, mas, também, nos EUA, o ensino de Arte foi voltado para a
formação de desenhistas.

Entre 1890 e 1920 predominavam, aqui no Brasil, a cópia de quadros e o

desenho geométrico. A partir de 1920, a Arte passa a ser incluída no currículo
escolar como atividade integrativa, apoiando o aprendizado de outras
disciplinas, porém, os exercícios de cópia são mantidos.

Em 1922, com a Semana de Arte Moderna, a Arte-Educação no Brasil teve um

grande impulso, com as idéias de livre expressão, trazido por Mário de Andrade
e Anita Malfatti que acreditavam que a Arte tinha como finalidade principal
permitir que a criança expressasse seus sentimentos e também tinham a idéia
de que ela não é ensinada, mas, expressada.

Em 1948, o artista plástico Augusto Rodrigues, após saber que uma mostra de
arte infantil foi excluída por ter interferência adulta e alguns clichês, resolveu
criar a Escolinha de Arte, onde era valorizada a capacidade criadora.

A partir dos anos 50, além de Desenho, passaram a fazer parte do currículo
escolar as matérias: Música, Canto Orfeônico e Trabalhos Manuais, que
mantinham de alguma forma o caráter e a metodologia do ensino artístico
anterior. O ensino e a aprendizagem estavam concentrados na transmissão de
conteúdos a serem reproduzidos, não se preocupando com a realidade social e
nem com as diferenças individuais dos alunos, ou seja, a chamada Pedagogia
Tradicional.

O Brasil ainda passou nas décadas de 50, 60 e início da década de 70, pela
fase da Pedagogia Nova, que tinha como ênfase a livre expressão e a
espontaneidade e pela Pedagogia Tecnicista,onde o aluno e o professor tinham
um papel secundário, tendo como elemento principal, o sistema técnico de
organização. Neste período, nas aulas de Arte, os professores enfatizavam um
saber construir reduzido dos aspectos técnicos e do uso diversificado de
materiais, caracterizando pouco compromisso com o conhecimento da
linguagem artística.

A Arte foi incluída no currículo escolar, desde 1971, com o nome de Educação
Artística, através da Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional ainda
como "atividade educativa" e não como disciplina, sofrendo em 1988, a
ameaça de ser excluída do currículo, a partir das discussões sobre a Nova Lei
de Diretrizes e Bases: "(...) convictos da importância de acesso escolar dos
alunos de ensino básico também à área de Arte, houve manifestações e
protestos de inúmeros educadores contrários a uma das versões da referida lei,
que retirava a obrigatoriedade da área". Por não ser uma considerada uma
disciplina, a Educação Artística não tinha o "poder" de reprovar nenhum aluno
e fazia com que os mesmos não tivessem interesse pela mesma, fazendo com
que ela fosse vista como aulinha de desenho e o professor visto como
organizador de festas e eventos na escola.

A partir dos anos 80, passam-se a discutir novas técnicas educacionais, aonde
segundo BARBOSA (1994), o ensino da Arte deve seguir o que ela chama de
Metodologia Triangular que é composta pela História da Arte, pela leitura da
obra de arte e pelo fazer artístico, ou seja, a pessoa que aprende Arte deve
saber, não apenas fazer algo, mas, também saber de onde veio aquilo que ela
está fazendo, o que levou aquelas pessoas a fazerem aquela obra, para assim,
fazerem à leitura da obra, podendo perceber a mensagem o que o artista quis
passar através da sua obra. Além disso, ao criarem suas obras artísticas,
poderão criar algo que transmita uma mensagem, dando sentido à Arte. Isso
não significa que a técnica deva ser deixada de lado, é importante que o
aprendiz venha a conhecê-las para aprimorar cada dia mais o seu trabalho,
mas, a técnica sozinha, não dá sentido à obra.

A arte pode ser uma importante ferramenta de aprendizado, sabia? Apesar

dela fazer parte de nosso cotidiano mesmo sem percebermos, essa prática
pode ser introduzida de forma consciente desde muito cedo nas creches e
escolas. Suas várias modalidades podem auxiliar professores a ensinar com
mais ludicidade e abrir a cabeça de crianças e adolescentes para um novo
universo. Para tanto, é necessário que profissionais de ensino, bem como
psicólogos, assistentes sociais e demais interessados saibam conceitos e
técnicas de como aplicar a arte na educação com eficiência.

Teatro na Escola
O teatro pode ser considerado por professores e pesquisadores uma forma de
fazer com que a criança se socialize, torne-se desinibida, decore falas, cante
entre outras coisas que possam trazer benefícios para a alfabetização da
criança.

Muito se sabe a respeito da importância do Teatro na Educação em todos os

campos de atuação. Os princípios pedagógicos do Teatro traçam relações
claras entre Teatro e educação, considerando essa arte como uma forma
humana de expressão, a semiótica e a cultura (p 40) .

Dentro da escola o teatro pode ser usado para desenvolver as potencialidades

das crianças e as preparando para a vida participando de praticas educativas
da qual ele faz parte.

A pedagogia atual oferece vários recursos que podem ser utilizados para a
alfabetização os quais não são utilizados entre eles podemos citar o teatro, que
pode ser compreendido na visão do brinquedo e da criatividade, carrega em si
significados abrangentes.

Sabemos que as crianças estão em constante desenvolvimento e que o teatro

serve para eles como uma forma de aprimorar a criatividade, sua habilidades e
é por isso que existe vários estudos e teorias que apóiam o uso do teatro na
escola.

Pode-se dizer que a criança não se desenvolve plenamente sem fazer a arte
do teatro, de uma ou de outra forma a criança representa com o teatro muitas
de suas aventuras e assim desenvolve seus conhecimentos e suas
habilidades. Por isso “a arte tem sido proposta como instrumento fundamental
de educação, ocupando historicamente papéis diversos, desde Platão” (PCN,
1993, p. 83).

A arte está presente em toda atividade desde uma visita ao museu, escutar
concertos musicais e nas atividades artísticas com dança, teatro e pinturas.
Tudo isso irá formas o que podemos chamar de experiências artísticas.

O teatro dentro deste contexto tem a função de integrar, socializar idéias e

acima de tudo desenvolver sua aprendizagem de uma maneira lúdica.
Desenvolve também a parte indutiva e racional através da expressão de suas
emoções, leva também ao conhecimento de si mesmo e do mundo que o
cerca.

Então o teatro na educação tem como objetivo criar uma comunicação entre os
envolvidos a qual irá assumir vários aspectos dependendo do formato que se
apresenta o conteúdo e o texto, mas sempre com o intuito de transmitir alguma
coisa através das expressões corporais e da voz para que está assistindo.
Por isso é fundamental que as crianças gostem do que estão fazendo para
tornar esta apresentação bem espontânea, pois quanto mais livre e espontâneo
for o processo criativo nas aulas de teatro, mais didático será o seu resultado.

Outro caminho através do qual o teatro pode ser utilmente explorado na

educação é o caminho das dramatizações consideradas como uma espécie de
recurso pedagógico para o ensino de outras disciplinas.

Nenhum episódio da História relatado pelo professor mesmo se esta for

enriquecida com diversos meios audiovisuais, ficará conscientizado e
assimilado pelo aluno tão profundamente como seria o caso se o mesmo
episódio tivesse sido vivido pelo próprio aluno, através de uma representação
dramatizada; se ele tivesse tido a oportunidade de colocar-se na pele dos
principais protagonistas do episódio e analisar as circunstâncias a partir de
seus respectivos pontos de vista.

A História aparece como a disciplina mais obviamente predestinada a valer-se

destes tipos de recursos teatrais, mas com um pouco de imaginação eles
poderão ser muito bem aproveitado, também, para auxiliar o ensino de
praticamente todas as disciplinas. O importante, nesse uso das técnicas
teatrais como meio prático de outras disciplinas é não perder de vista que não
é esta a finalidade precípua do teatro na educação e que o objetivo principal a
ser almejado precisa ser a auto-expressão e o auto-conhecimento do aluno,
através do jogo teatral.

A expressão é um direito de qualquer indivíduo, sabe-se também que não é um

dom divino, mas uma forma de contato humano.

Ao observar uma criança em suas primeiras manifestações dramatizadas, o

jogo simbólico, percebe-se a procura na organização de seu conhecimento do
mundo de forma integradora.

A dramatização acompanha o desenvolvimento da criança como uma

manifestação espontânea assumindo feições e funções diversas, sem perder
jamais o caráter de interpretação e de promoção de equilíbrio entre ele e o
meio ambiente.

Dramatizar não é somente uma realização de necessidade individual na

interação simbólica com a realidade, proporcionando condições para um
crescimento pessoal, mas uma atividade coletiva em que a expressão
individual é escolhida.

A criança, ao começar a freqüentar a escola, possui a capacidade de

teatralidade como um potencial e como uma prática espontânea vivenciada nos
jogos de faz-de-conta. Cabe à escola ao desenvolvimento no jogo dramatizado
oferecendo condições para o exercício consciente e eficaz, para a aquisição e
ordenação progressiva da linguagem dramática. Deve tornar consciente as
suas possibilidades sem a perda de sua espontaneidade lúdica e criativa que é
característica da criança ao ingressar na escola. (PCN, 1998, p. 84).

Desde muito cedo a criança brinca. Mas aos poucos o brincar, principalmente o
jogo simbólico vai cedendo ao jogo de regras. Na escola esse jogo torna-se
coletivo, se até então ele era realizado sem uma finalidade específica, por
simples prazer, o que não queremos dizer que na escola o jogo não tenha essa
função, a de dar prazer à criança, mas agora ele tem uma finalidade, desde
que o professor tenha planejado sua ação e espere um resultado dela.

Desta forma, o jogo na escola, ou na sala de aula, torna-se coletivo, nada mais
é do que um exercício em que se respeitam regras e se constitui a base do
contrato moral.

As regras pressupõem relações sociais. Ao respeitar as regras de um jogo

percebe-se a Zona de Desenvolvimento Proximal (VYGOTSKY, 1989, p 10), o
que nada mais é do que aquilo que a criança já sabe, já é capaz de realizar
sozinha, pois nessa atividade a criança ultrapassa o nível a que está habituada,
fazendo com que pareça maior que é. O jogo exige isso da criança. E esse
nível a mais, e a capacidade que a criança tem de crescer, de avançar,
desafiar seus próprios limites, ações e pensamentos.

Além disso, o jogo possibilita a criança o preenchimento de suas necessidades,

as quais ainda não realizam. Sendo assim, para o desenvolvimento da criança,
a brincadeira, o jogo traz vantagens sociais, cognitivas e afetivas,
apresentando características que favorecem esse desenvolvimento: a
imaginação, a imitação e a regra.

Todos nós sabemos, que quando os conteúdos escolares são representados

de uma maneira lúdica, a criança os aprende verdadeiramente e com mais
facilidade. E quando o professor propicia o trabalho coletivo, de cooperação de
comunicação e socialização, os jogos passam a ter significado positivo e são
de grande utilidade no processo de alfabetização.

Tanto que, Piaget & Vygotsky em suas várias teorias, ao fazerem colocações
sobre o jogo simbólico, reforçam o valor deste, no desenvolvimento da criança
e na construção da personalidade, envolvendo aspectos cognitivos e afetivos.

O sucesso no processo da construção da escrita e da leitura tem como base as

primeiras interações das crianças com as representações, daí a importância de
incluir o lúdico neste processo.

A expectativa da criança em relação à escola é muito grande. Muitas vezes se

decepcionam com esse ambiente, que não é aquele sonhado, e todo aquele
interesse transforma-se em falta de interesse e desprazer pelo ambiente
escolar.

Hoje sabemos que várias teorias estimulam a brincadeira, como forma de

tornar a prática do professor mais eficiente, manter o aluno interessado, e com
melhores resultados na aprendizagem e até na disciplina do aluno em sala de
aula.

Arte é forma de conhecimento, pois envolve a história, a sociedade, a vida. Não

está apenas ligada a idéia de prazer estético, contemplação passiva, mas ao
contrário, é dinâmica e representa trabalho já que possui forças materiais e
produtivas que impulsionam as relações históricas e sociais e levam o homem
à compreensão de si mesmo e da sociedade. (CAVASSIN, 2008. p 49)

A criança, ao iniciar sua escolaridade, está na idade de vivenciar o

companheirismo como um processo de socialização, de estabelecimento de
amizade. Compartilhar uma atividade lúdica e criativa baseada na
experimentação e na compreensão é um estímulo para a aprendizagem.

O teatro no processo de formação da criança cumpre não só função

integradora, mas dá oportunidade para que ela se aproprie crítica e
construtivamente dos conteúdos sociais e culturais de sua comunidade
mediante trocas com seus grupos.

No dinamismo da experimentação, da fluência crítica propiciada pela liberdade

e segurança, a criança pode transitar por todas as emergências internas
integrando a imaginação, percepção, emoção, intuição, memória e raciocínio.

O teatro está em permanente transformação, orientado por novas exigências e

necessidades do ser humano. É representação, daí sua importância para a
educação. O espaço teatral é tudo: a rua, o pátio, a sala de aula, a sala de
teatro tradicional.

Por meio da dramatização, a criança desenvolve suas idéias, a consciência do

outro e dela própria, a comunicação verbal e não verbal. Por meio da
dramatização, a criança experiência o mundo, ampliando seus conceitos de
caráter e de ação, aprofunda a percepção e desenvolve a sensibilidade.

Apresenta-se, assim, através do ensino do Teatro, a importância do

desenvolvimento de uma educação Progressista para o desenvolvimento do
pensamento complexo na amplitude da capacidade de viver relacionando as
partes com o todo; do pensar sobre pensar o próprio pensar e da consciência e
autonomia que melhoram as perspectivas individuais e coletivas, uma
necessidade é urgente diante do contexto atual que renega o conhecimento
não racional e sensível e valoriza a cultura como produto (CAVASSIN, 2008, p
51)

Ao observarmos uma criança brincando de ser outra pessoa, inventando

situações, disfarçando com roupas e objetos, percebemos que ela está
representando, apesar de não ter público, mesmo assim seus gestos,
movimentos, palavras, improvisação é capaz de interpretar personagens e
comunicar idéias por meio da representação aguçando sua aprendizagem.

Provavelmente, em algum momento já nos perguntamos quando o ser humano

começou a representar, por que o fez e como teriam sido as primeiras
representações, segundo estudiosos os seres humanos tinham necessidades
de representar para expressar suas alegrias, tristezas e dúvidas.

Nessas ocasiões acontece com a criança no seu processo de alfabetização

começa a desenvolver a capacidade do aluno entender e sentir o teatro
exigindo mais do que simplesmente pedir que ele expresse seus sentimentos a
respeito do que se viu.

Muitas vezes, quando estamos brincando de ser outras pessoas, podemos

imitar as pessoas ou criar situações imaginárias.

Quando brincamos de ser outras pessoas, coisas, ou bichos, imaginamos

lugares, transformamos objetos e criamos situações nas quais estamos, sem
saber, representando: criamos papéis, montamos um espaço cênico, utilizamos
objetos e entramos em uma história inventada na qual nos comportamos de
acordo com os personagens criados. A brincadeira ou o jogo faz com que,
como num passe de mágica, nos transformemos em outra pessoa ou outra
coisa. É divertido brincar e também nos dá a possibilidade de aprender como
os adultos se comportam.

Segundo Bock, Furtado e Teixeira (1999, p 115), o ser humano é capaz de

repetir as ações e as intenções dos outros e também pode se divertir fazendo
isso. Todos nós já tentamos alguma vez mostrar para um grupo os
movimentos, as palavras e as maneiras de uma pessoa, ou reproduzir os
gestos e a voz de alguém. Na maioria das brincadeiras aparecem cenas
imaginárias ou cenas da vida real.

Segundo os PCNs(1998. p 85), quando as crianças brincam de representar as

atitudes dos adultos à sua volta, passam a inventar suas próprias histórias.
Dessa forma, aprendem a se relacionar com seu grupo e com pessoas em
geral.
Podemos também improvisar situações e entrar em ação usando a imaginação
criando novos personagens e situações.

Quando o teatro é representado no palco, os atores devem falar e gesticular de

forma que todo o público possa entender o espetáculo.

Precisam de concentração para não esquecer o texto nem os movimentos que

devem fazer e que foram estabelecidos nos ensaios.

O corpo e a voz são os principais instrumentos de trabalho, para fazer teatro

precisamos explorar e exercitar nossos movimentos e a nossa voz.

Para começar a improvisar e representar é sempre bom fazer primeiro um

aquecimento, podendo então ser feito passo a passo, partindo de atividades
simples lembrando dos movimentos de alguns animais. (BRASIL, 1998 p 86)

É importante não esquecer que o rosto também faz parte da expressão de

nosso corpo. Devemos também exercitar os movimentos faciais, o que acaba
sendo divertido, podendo então brincar de careta.

Quando improvisamos ou representamos um personagem numa cena,

devemos nos preocupar em falar de forma que todos entendam cada palavra
que pronunciamos porque a apresentação não pode ser interrompida para
esclarecer o que foi dito. (BRASIL, 1998, p 87)

Para exercitar a voz, podemos brincar de cantar as nossas músicas preferidas,

bem baixinho e depois bem alto. Quando um ator fala com clareza, pronuncie
bem as palavras e controla sua voz, dizemos que ele tem boa dicção.

Em nosso dia-a-dia podemos observar diferentes gestos e movimentos das

pessoas ou dos animais. Cada pessoa tem seu jeito próprio de se deslocar, há
também diferentes expressões faciais.

Se observarmos o que está a nossa volta podemos criar muitos personagens e

situações para cenas de teatro, podemos usar nosso corpo, movimentos e
gestos para brincar de mímica. O exercício de observação é muito importante
para criarmos personagens nas peças teatrais.

Para dar vida a qualquer elemento da realidade no palco ou em sala de aula,

devemos usar nosso corpo representando, uma árvore, um armário que anda,
a água do rio, uma montanha que se move, uma televisão ligada. Além de ser
um bom exercício pode ajudar a compor cenas de teatros. (ALMEIDA, 2003, p
48)

Às vezes enfrentamos problemas na escola com crianças que não conseguem

prestar atenção na aula, no que os outros dizem ou no que está lendo. A
tensão pode fazer pensar que uma atividade é complicada, quando na verdade
não é.
Para Almeida ( 2003, p 49), os jogos da infância são espetáculos que
dispensam espectadores, é puro teatro, que tem fim em si mesmo. Pouco
importa para a criança que alguém a veja brincar.

Enquanto sua imaginação ainda não estiver sufocada por uma educação rígida
e rotineira que a obrigue a copiar e banalizar, a criança sempre terá preferência
pelos jogos livres, sem regras escritas e preestabelecidas, por isso mesmo no
próximo capítulo falaremos sobre a criança no processo de alfabetização.

Através das leituras conclui-se que o teatro dentro da escola trás vários
benefícios principalmente quando usado para alfabetizar. Além disso, o teatro
também ajuda na socialização e desenvolvimento da linguagem oral e corporal
da criança.

O teatro é, por excelência, uma atividade coletiva, pois o aluno pode aprender
a ler através de jogos dramáticos, porque todo o jogo faz parte do mundo
infantil. A integração de todos os meios de expressão podem ser observados
na própria atividade global e dinâmica, realizada espontaneamente pela criança
no seu cotidiano: quando brinca, canta, joga, conta histórias, movimenta-se,
enfim quando exprime das mais diferentes maneiras o seu potencial criativo.

O ato de brincar é próprio da criança; que brincando ela aprende mais e

melhor, porque ela encontra equilíbrio com o mundo e desenvolve-se
integralmente, sendo que através do lúdico ela desperta para a aprendizagem
de maneira prazerosa e agradável.

O uso do teatro em sala de aula facilita o entendimento das atividades,

tornando-as mais acessíveis e interessantes. O aluno construindo o seu saber,
de forma coletiva, aprende a ser crítico, a memorizar os passos das atividades,
a observar a seqüência e o resultado final, a coordenar as atividades
propostas.

E durante o jogo teatral que a criança investiga os fatos, formula hipóteses,

identifica as semelhanças e as diferenças entre seus pares e objetos. Este não
acontece de maneira individual, mas, coletivamente e, não é apenas uma
forma de divertimento, mas, um meio que contribui e enriquece o
desenvolvimento intelectual.

Teatro na escola

Teatro na escola tem uma importância fundamental na educação, podendo

colaborar para que a criança tenha oportunidade de atuar efetivamente no
mundo, opinando, criticando e sugerindo e, também permite ajudar o aluno a
desenvolver alguns aspectos: criatividade, coordenação, memorização,
e vocabulário.

A escola que insere o teatro em suas atividades faz com que seus alunos
construam um crescimento cultural que vai além da sala de aula, por meio do
discurso espontâneo da linguagem teatral, motivando e despertando uma
aprendizagem prazerosa, construindo o desejo de se aprender. O teatro,
quando devidamente estruturado e acompanhado, ajuda o professor a
perceber traços da personalidade do aluno, do seu comportamento individual e
em grupo, traços do seu desenvolvimento, permitindo um melhor
direcionamento para a aplicação do seu trabalho pedagógico. No entanto é de
enorme importância que o professor de teatro tenha formação não
só pedagógica mas também artística, pois um mau direcionamento poderá
levar a problemas futuros irreversíveis no desenvolvimento da criança. Para
que o docente apresente aos educandos um conhecimento real e reflexivo, é
essencial que seja levado em conta todo o contexto sócio cultural e econômico,
partindo das experiências do mesmo.

O teatro direcionado às crianças deve estar obrigatoriamente relacionado com

diversas áreas como a psicologia e a música, e não somente relacionado à
disciplina de artes. É importante ainda utilizar o teatro por meio de recursos
pedagógicos, pois apenas apresentá-lo de qualquer forma as crianças, sem
que ocorra o planejamento, os resultados finais podem se tornar ineficazes,
não atingindo o que se pretende desenvolver.

O teatro na escola pode colaborar para que as crianças possam se relacionar

melhor com os colegas e o meio onde vive; construam seu conhecimento
brincando e descobrindo seus espaços, se tornem mais participativos e
responsáveis nas atividades em sala, projetos, e dinâmicas; formando
indivíduos críticos e atuantes de sua própria realidade, opinando e sugerindo,
formando cidadãos que valorizem as experiências e sabem lidar com as
diferenças sociais do seu bairro. Os professores, familiares e a comunidade,
devem conhecer a importância do teatro na formação dos alunos, a fim de
contribuírem participando junto com os mesmos. Existem várias formas de
teatro, porém os mais conhecidos são: onde o próprio homem atua, utilizando
tanto máscaras ou fantoches, como também a sua imagem.

O teatro infantil

As modalidades de teatro aplicadas na escola focam uma proposta de ensino

diferente da forma tradicional.
O teatro infantil é uma apresentação cênica feita para crianças onde os atores
utilizam muita criatividade, imaginação, fantasia e emoção. Os temas mais
utilizados são os contos de fadas e fábulas.Por que é isso que alegra mais as
crianças.Isso dá muita imaginação e criatividades para os pequeninos.

Outro temas abordados no teatro infantil, principalmente no teatro destinado às

escolas, são os temas transversais.

Teatro de fantoches

O teatro de bonecos teve sua origem na Antigüidade.

Os homens começaram a modelar bonecos no barro, mas sem movimentos e

aos poucos foram aprimorando esses bonecos, conseguindo mais tarde a
articulação da cabeça e membros para fazer representações com eles.

Teatro de máscaras

O homem usa máscaras desde a Pré-História nos rituais religiosos. Na África,

elas são esculpidas em madeira e pintadas. Já os índios americanos fazem-
nas de couro pintado e adornos de penas. Na Oceania, são feitas de conchas e
madeira e com madrepérolas incrustadas.

Existe um tipo muito antigo de máscara que é aquela desenhada no

próprio rosto com tintas especiais, maquiagens e pinturas. Este tipo é muito
utilizado pelos índios e pelos africanos nos seus rituais religiosos, de guerra,
festas, etc.

Para a confecção, pode-se usar sacos de papel, cartolinas, tecidos, tintas,

pratos de papelão, jornal, material de sucata, etc.

Esta atividade não é difícil de ser executada e será prazerosa para as crianças,
pois elas poderão representar uma história com um material que elas mesmo
elaboraram, pois estarão criando e recriando à sua própria dialética.

O teatro de máscaras promove a recreação, o jogo, a socialização, melhoria

na fala da criança, desinibição dos alunos mais tímidos. Quando o trabalho em
aula exigir o uso da palavra, a máscara que deve ser utilizada é aquela que
cobre os olhos e o nariz deixando a boca livre, permitindo que a voz saia clara,
exibindo a sua expressão verbal.
As crianças, representando com o rosto oculto, se permitem viver o enredo dos
próprios personagens e o cotidiano social a que pertence.

A Evolução do conceito de artes

Com a evolução do ser humano, a arte passou a ganhar outro status: servia
também à representação do belo e dos sentimentos que as pessoas queriam
passar com as cores, os sons e os materiais utilizados.

Passou a retratar não só beleza e gostos, mas a identidade cultural de povos

em todo o mundo nas diversas gerações.

Embora tenha havido divisão entre os que valorizam a linguagem artística e os

que as desqualificam, as artes têm sido matérias de estudo para identificar sua
importância no desenvolvimento do indivíduo por completo, em educação.

Artes nas escolas

Aos poucos as disciplinas de artes, que em algum tempo foi Educação

Artística, vêm conquistando espaço nos centros de estudos e nas políticas
educacionais.

Acabam de serem incluídas como obrigatórias nas escolas, segundo a

Base Nacional do Comum Curricular homologada pelo Ministro da Educação,
Mendonça Filho (Dezembro- 2017) as linguagens de Artes visuais, dança,
teatro e música.

Na verdade, de certo modo já havia sido desde a lei 13278 de 2016 alterando a
9394 de 96 (LDB) onde a Música fazia parte do ensino de Artes, mas não era
obrigatório e incluindo as demais modalidades.

O papel das disciplinas de Artes na educação é muito importante. As

linguagens artísticas ajudam o ser humano a desenvolver diversos aspectos
nas diversas fases da vida.

2. SIGNIFICADO DAS ARTES VISUAIS

Abrange qualquer forma de representação visual, ou seja, cor e forma. Outras
formas visuais dramáticas costumam ser incluídas em outras categorias, como
teatro, música ou ópera, apesar de não existir fronteira rígida.
Como disciplina do conhecimento humano, a arte contribui para compreensão
do novo, inédito, irracional, e propõe mudanças nas bases teóricas do
conhecimento e nas técnicas pedagógicas aplicadas. Através dessas práticas
as aulas de arte acontecem no laboratório de artes na própria escola, onde as
experiências mostram que não cria apenas produtos artísticos, mas também os
aprecia, examina e avalia. O processo de ensino-aprendizagem da arte
propicia o desenvolvimento do pensamento artístico, considerando que a arte é
algo “universal”. O processo é importante para a formação enquanto o sujeito
social.
Segundo o PCN Arte (1997) a educação em Arte deve propiciar
essencialmente o desenvolvimento do pensamento artístico e da percepção
estética do aluno, pois desenvolve a sensibilidade, a percepção e a
imaginação, no que diz respeito às diversas formas artísticas quanto com
relação à maneira de apreciar e conhecer as produções e diferentes culturas
da humanidade.

O olhar do aluno pelos trabalhos práticos realizados em sala de aula é

atentamente observado. É importante saber do aluno que transformações
artísticas acontecem quando trabalham a releitura de obras, que contexto
cultural influencia suas escolhas, e em que momento da história a obra foi
criada.

Segundo a LDB 9394/96, no seu artigo 26, parágrafo 2º, pressupõe-se que o
ensino da Arte constituirá componente curricular obrigatório, nos diversos
níveis da educação básica, de forma a promover o desenvolvimento cultural
dos alunos.

Aprender arte envolve basicamente a apreciação e a reflexão sobre elas, as

formas da natureza e as produções artísticas individuais e coletivas de varias
culturas e épocas, além de ser uma atividade prazerosa, levam os alunos a
descobrirem, criarem, saberem compartilhar experiências e trabalhar a
imaginação em realizar diferentes atividades no ensino fundamental.

Vygotsky (1999), fala da importância da Arte não só como expressão de

sentimentos; diz que “a arte surge inicialmente como o mais forte instrumento
na luta pela existência, e não se pode admitir nem a idéia de que o seu papel
se reduza a comunicar sentimentos e que ela não implique nenhum poder
sobre esse sentimento” (p.310).

Cabe ao professor entender, estimular e criar um ambiente que possibilite

observar cada atividade. E sobre as suas intervenções, é importante a clareza
dos objetivos, tanto nas atividades livres que os alunos escolhem os materiais
e temas, quanto às fechadas que o professor propõe os temas e estratégias.

Como fazer um bom trabalho de artes visuais para a educação infantil?

Realizar um inventário dos conhecimentos que os alunos trazem sobre arte;

Apresentar textos, imagens e vídeos de movimentos artísticos históricos e
contemporâneos e estabelecer uma conexão entre eles (por exemplo, a Roda
de Bicicleta...).
Observar e registrar com textos, desenhos e fotos a paisagem da trajetória
casa-escola-casa;
Visitar museus e pontos centrais da cidade. Incentivar um olhar atento para
detalhes das paisagens, como monumentos, grafites e painéis publicitários;
Estimular a reflexão e a discussão: o que essas imagens têm em comum com o
aluno, com a escola, com a cidade, com a arte?
Planejar e produzir os objetos de arte através de textos e manipulação de
materiais e suportes diversos;
Elaborar dossiês com o planejamento completo das obras de arte dos alunos;
Organizar uma exposição dos trabalhos no ambiente escolar;
Registrar em vídeo todo o processo da criação dos estudantes;
Idealizar um blog também como meio de abarcar os registros visuais;
Avaliar todo processo da aprendizagem a partir da vivência artística e dos
objetos de arte produzidos pelos alunos.