8ano 00 Apostila-Completa8

Apostila de
Educação Musical

8º Ano
Ensino Fundamental

www.portaledumusicalcp2.mus.br

Introdução

E sta apostila é fundamentada com base no Plano Político Pedagógico para
Educação Musical elaborado pelo Colegiado do Departamento de
Educação Musical do Colégio Pedro II. Nela estão organizados diversos conteúdos
sugeridos para a 8º Ano do Ensino Fundamental, com o objetivo de orientar as
atividades de ensino e aprendizagem.
Assim, sugerimos uma revisão dos conteúdos da série anterior e:
• Prática musical sobre repertório (leitura musical e prática instrumental):
prática da flauta‐doce (técnicas básicas da flauta), prática vocal, prática
de instrumentos de percussão e outros (técnicas básicas), a critério do
professor (sons corporais, por exemplo).
• Repertório sugerido para o 8º ano:
• Minueto de Dom Giovanni e Serenata (Mozart)
• Quebra‐nozes e valsa da Bela Adormecida (Tchaikowsky)
• Noturno (Chopin) e Danúbio Azul (Strauss)
• Canção folclórica Russa (Beethoven)
• Marcha Nupcial (Wagner) e La Donna è Mobile (G. Verdi)
• Ode à Alegria (Beethoven) e Isto é bom (Lundu de Xisto Bahia)
• Brejeiro (E. Nazareth) e Carinhoso (Pixinguinha e Braguinha)
• “O poderoso Chefão” (Nino Rota) e “Os Bohêmios” (Anacleto de
Medeiros)
• Casinha Pequenina (Anônimo)

Conteúdo programático para o 8º ano:

1. Elementos da música:
9 O Som e seus parâmetros
9 As principais características ou parâmetros do som
9 O Silêncio
9 O que é música?
2. Notação Musical
9 Como se escrever música?
9 Escalas Naturais – o modo maior e menor natural
9 Semitom e alterações (sustenido, bemol e bequadro)
3. A Notação Musical no Ocidente: uma História
9 CLAVE: o que é e para que serve?
9 Duração – quadro das durações e suas pausas
9 Pulso e compassos – tipos de compassos
9 Alguns sinais gráficos utilizados para facilitar a escrita musical
9 Sinais de repetição
9 Sinais de intensidade
9 Tipos de andamentos e sinais de andamento
4. Estrutura e forma em música
9 Formas binária e ternária
9 Textura em música: Monofonia, homofonia e polifonia
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5. História da Música Ocidental: a Música Clássica e o Romantismo (principais
características e compositores).
6. História da Música Popular Brasileira
9 Gêneros musicais nacionais:
• A Modinha e o Lundu
• O teatro de Revista e o Maxixe
• O Choro e os “chorões”
7. Créditos, fontes e bibliografia.
8. Atividades de fixação.
9. Hinos (Hino Nacional Brasileiro, Hino à Bandeira e Hino dos Alunos do Colégio
Pedro II).

O SOM E SEUS PARÂMETROS

Você já percebeu como o mundo está cheio de sons?
Mas você já parou para pensar o que é o SOM?
Pois bem, som é tudo o que nossos ouvidos podem ouvir, sejam barulhos,
pessoas falando ou mesmo música! Os sons que nos cercam são expressões da vida, da
energia e do universo em vibração e movimento.
Experimente fechar os olhos e ficar atento aos sons que nos cercam.

E então, percebeu como o silêncio é algo quase impossível?
Os cientistas nos ensinam que o som é o resultado das vibrações das coisas.
Tudo o que existe na natureza pode vibrar. Essas vibrações se propagam pelo ar ou por
qualquer outro meio de condução, chegam aos nossos ouvidos e são transmitidas ao
cérebro para que possam ser identificadas.
A vibração regular desses objetos produz sons com altura definida, em que
você percebe como uma “nota musical”. Esses sons são chamados de sons musicais.
Por exemplo, os sons produzidos pela flauta doce ou outros instrumentos musicais.


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Flauta doce e teclado eletrônico

Já a vibração irregular produz sons sem altura definida, em que você não
consegue distinguir a “nota musical”. Alguns desses sons são popularmente chamados
de “barulhos” ou “ruídos”. Por exemplo: o som de um avião ou de um liquidificador.
Alguns instrumentos de percussão, como os tambores, também não possuem altura
definida.

As principais características ou parâmetros dos sons

INTENSIDADE – É a propriedade que nos permite distinguir sons fortes e sons fracos. É
o grau de volume sonoro. A intensidade do som depende da força empregada para
produzir as vibrações.
FORTE ou piano

Alguém gritando em um megafone e o canto de um pequeno pássaro são exemplos de
sons fortes e fracos

DURAÇÃO – É a propriedade que nos permite distinguir sons longos e sons curtos. Na
música o som vai ter sua duração definida de acordo com o tempo de emissão das
vibrações.
LOOOOOOOOOOOOOONGO ou CURTO
ALTURA – É a propriedade do som que nos permite distinguir sons graves (som mais
“grossos”), médios e agudos (sons mais “finos”). A velocidade da vibração dos objetos
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é que vai definir sua altura. As vibrações lentas produzem sons graves e as vibrações
rápidas produzem sons agudos.
Agudo, Médio ou Grave
Curiosidade: a altura dos sons depende também do tamanho dos corpos que vibram.
Uma corda fina e curta produz sons mais agudos que os de uma corda longa e grossa.
Assim como uma flauta pequenina de tubo bem fino também produz sons mais agudos
do que um instrumento de sopro com um tubo longo e grosso como a TUBA!

Menina ao flautim e uma Tuba
TIMBRE – É a propriedade do som que nos permite reconhecer sua origem. O timbre
diferencia, “personaliza” o som. Por meio do timbre identificamos “o que” está
produzindo o som. Por exemplo: quando ouvimos uma pessoa falar, um celular
tocando ou mesmo um gatinho miando podemos saber qual fonte sonora produziu o
som por causa do timbre.

O Silêncio

Entendemos por silêncio a ausência de som, mas, na verdade, a ele
correspondem os sons que já não somos capazes de ouvir. Tudo vibra, em permanente
movimento, mas nem toda vibração transforma‐se em som para os nossos ouvidos!
Existem sons que são tão graves ou tão agudos que o ouvido humano não
consegue perceber. Alguns animais possuem a capacidade de emitir e até mesmo
escutar esses sons! O elefante, por exemplo, emite infra‐sons (sons muito graves), que
podem ser detectados a uma distância de 2 km! Já o cachorro e o gato conseguem
ouvir ultra‐sons (sons muito agudos).
O silêncio é algo complexo de experimentar: se ficarmos em silêncio, em sala
de aula, ainda assim ouviremos algum som.
Psiu! Vamos experimentar?


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O elefante emite e ouve sons muito graves que nós não conseguimos ouvir!

Curiosidade: um compositor norte‐americano chamado John Cage (1912‐1992)
realizou uma experiência muito interessante: ele queria vivenciar a sensação de
plenitude silenciosa e, em busca do “silêncio total”, entrou uma câmara anecóica, ou
seja, uma cabine totalmente à prova de sons. Após alguns segundos, Cage concluiu
que o silêncio absoluto não existe, pois mesmo no interior da câmara anecóica ele
ouvia dois sons: um agudo, produzido por seu sistema nervoso, e outro grave, gerado
pela circulação do sangue nas veias! Incrível!

Homem dentro de uma câmara anecóica

O que é Música?
A música (palavra derivada do idioma grego e cujo significado é “a arte das
musas”) pode ser definida como uma sucessão de sons e silêncios organizados com
equilíbrio e proporção ao longo do tempo.
A música é uma criação essencialmente humana. É uma prática cultural
presente em todo e qualquer grupo humano. Não se conhece nenhuma civilização ou
grupo social que não tenha produzido ou possua manifestações musicais próprias.
Embora nem sempre seja feita com esse objetivo, a música pode ser considerada uma
forma de arte: A ARTE DOS SONS!
Cada grupo humano define música de uma maneira muito própria:

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Um grupo de músicos tradicionais chineses
A música é uma linguagem que pode ser definida e interpretada de várias
maneiras, em sintonia com o modo de pensar e com os valores de cada época ou
cultura em que foi produzida. Muitos instrumentos musicais utilizados hoje, por
exemplo, sequer existiam há tempos atrás. Na música contemporânea, por exemplo, é
comum utilizarmos “ruídos”, sons considerados “não musicais”, fato inadmissível na
Idade Média!

Instrumento de épocas diferentes: o antigo alaúde e as guitarras elétricas modernas

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NOTAÇÃO MUSICAL TRADICIONAL:
Como se escrever música?
A música é uma linguagem sonora como a fala. Assim como representamos a
fala por meio de símbolos do alfabeto, podemos representar graficamente a música
por meio de uma notação musical.
Os sistemas de notação musical existem há milhares de anos. Cientistas já
encontraram muitas evidências de um tipo de escrita musical praticada no Egito e na
Mesopotâmia por volta de 3.000 anos antes de Cristo!
Sabe‐se que outros povos também desenvolveram sistemas de notação musical
em épocas mais recentes, como é o caso da civilização grega.
Fragmento de antigo papiro grego com notação musical

Existem vários sistemas de leitura e escrita que são utilizados para representar
graficamente uma obra musical. A escrita permitiu que as músicas compostas antes do
aparecimento dos meios de comunicação modernos pudessem ser preservadas e
recriadas novamente. A escrita musical permite que um intérprete toque uma música
tal qual o compositor a prescreveu.
O sistema de notação ocidental moderno é o sistema gráfico que utiliza
símbolos escritos sobre uma pauta de 5 linhas paralelas e equidistantes e que formam
entre si quatro espaços. A pauta musical também é chamada de PENTAGRAMA. Veja:

______________________________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________________________

Contam‐se as linhas e os espaços da pauta de baixo para cima. A nota que está
num espaço não deve passar para a linha de cima nem para a de baixo. A nota que está
numa linha ocupa a metade do espaço superior e a metade do espaço inferior.

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O elemento básico de qualquer sistema de notação musical é a NOTA, que
representa um único som e suas características básicas: DURAÇÃO e ALTURA. Veja:
Os sistemas de notação também permitem representar diversas outras

características, tais como variações de intensidade, expressão ou técnicas de execução
instrumental.

Para representar a linguagem falada você usa as letras do alfabeto. Já para
representar os sons musicais você usa as NOTAS MUSICAIS. O nosso sistema musical
tem 7 (sete) notas.
Elas formam a seguinte sequência:

DÓ – RÉ – MI – FÁ – SOL – LÁ ‐ SI

Essa sequência organizada de notas é chamada de ESCALA. As escalas usadas
no ocidente se organizam do som mais grave para o mais agudo e se repetem a cada
ciclo de 7 notas:

As notas musicais no teclado do piano

Escalas Naturais – o modo Maior

As escalas chamadas naturais são as que não possuem “acidentes”. Um bom
exemplo é a escala de Dó Maior. As sete notas são naturais, não possuem acidentes:
Dó – Ré – Mi – Fá – Sol – Lá – Si

Existe uma relação intervalar entre cada nota. Veja:


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Essa relação intervalar entre cada nota da escala é a “fôrma” para criar as
outras escalas maiores. Por exemplo, se quisermos começar uma escala em Sol,
chamando‐a de SOL Maior, a escala seria:

Sol – Lá – Si – Dó – Ré – Mi – Fá # ‐ Sol

A escala formada possui uma alteração, o Fá sustenido! Uma alteração de meio
tom acima. Isso para que a mesma relação entre os intervalos seja respeitada.
Às vezes ao invés de alterar a nota em meio tom para cima é necessário alterar
meio tom para baixo. Veja a escala de Fá:

Fá – Sol – Lá – Si b– Dó – Ré – Mi – Fá

Neste caso a nota alterada é Si Bemol! Uma alteração de meio tom abaixo.

As alterações SUSTENIDO (#) e BEMOL (b) servem para ajustar as alturas
dentro da “fôrma” convencionada para os chamados modos Maior e Menor.
Se quisermos restaurar a nota alterada para o seu som anterior, devemos
indicar essa restauração colocando à frente da nota o sinal de BEQUADRO:

A Escala de Lá “menor” Natural

Se começarmos uma escala pela nota Lá criamos uma escala cujas relações
intervalares entre cada nota é diferente daquela das escalas maiores. Veja:

Lá – Si – Dó – Ré – Mi – Fá – Sol – Lá
T ½ T T ½ T T

INFORMAÇÕES SOBRE SEMITOM, ALTERAÇÕES DE SUSTENIDO, BEMOL E BEQUADRO

Semitom
Um semitom é o menor intervalo utilizado na escala diatônica (e conseqüentemente
em grande parte da música ocidental). Corresponde à diferença de altura entre duas
teclas adjacentes do piano (uma branca e a preta adjacente, ou duas brancas quando
não há uma preta entre elas). Também é o intervalo entre duas notas produzidas ao
apoiar o dedo sobre duas casas adjacentes na mesma corda de uma guitarra, por
exemplo. O tamanho exato de um semitom (em relação às freqüências) depende do
temperamento que é utilizado. O intervalo de segunda menor é considerado
fortemente dissonante.
No sistema de afinação que usamos, conhecido como "Afinação Temperada", a oitava
é dividida em doze notas. A distância ou a diferença na freqüência entre cada uma
dessas notas é conhecida como semitom. No teclado do piano, existe a distância de
um semitom entre as teclas que são adjacentes:
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Um tom equivale a dois semitons. Todas as teclas brancas do teclado que estão
separadas por uma tecla preta estão à distância de um tom inteiro. As teclas que não
estão separadas por uma tecla preta estão à distância de meio tom, ou seja, um
semitom:
As notas correspondentes às teclas brancas do teclado [contando‐se a partir da nota à
esquerda do conjunto de duas teclas pretas, conforme indicado na figura abaixo] são
chamadas de Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá e Si. [Após esta seqüência, inicia‐se uma nova
oitava, e os nomes das notas se repetem.] Estas notas são chamadas de notas naturais.
Podemos alterá‐las em um semitom ascendente com um sustenido (#) ou descendente
com um bemol (b). Uma tecla preta, por exemplo a que está entre o Dó e o Ré, pode
ser considerada como um Dó alterado de forma ascendente com um sustenido ou um
Ré alterado de forma descendente com um bemol:
Os exemplos sonoros abaixo mostram um intervalo de um semitom melodicamente
(duas notas em seqüência) e harmônicamente (as duas notas simultaneamente).

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Semitons cromáticos e diatônicos

Se um semitom é anotado como duas notas baseadas no mesmo grau da escala, com
uma das notas sendo modificada por um acidente (como no exemplo ao lado ‐ Lá e
Lá#), então o semitom é chamado de cromático.
Se por outro lado ele é anotado como duas notas baseadas em graus adjacentes (como
no exemplo ao lado ‐ Mi e Fá), então o semitom é chamado diatônico.

1. Acidente de sustenido:

Quando uma nota sofre a alteração de sustenido ela se movimenta ascendentemente
em intervalo de semitom:

2. Acidente de Bemol:

Quando uma nota sofre a alteração de bemol ela se movimenta descendentemente
em intervalo de semitom:

OBS: Quando o acidente vem indicado depois da clave de sol, isto significa que a nota
que possuir o sinal (sustenido ou bemol) será alterada durante toda a música, salvo
quando aparecer o sinal de bequadro.

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3. Alteração de bequadro:

Quando uma nota sofre a alteração de bequadro ela volta à nota natural, sem
alteração:

É necessário ressaltar que quando uma nota sofre uma alteração (sustenido, bemol,
bequadro), essa alteração dura apenas um compasso. Dessa forma, quando ocorre a
mudança de compasso não é preciso indicar a alteração novamente, já que ela volta
para nota original, como está indicada no início da melodia.

4. Enarmonia:

É quando a mesma nota possui dois nomes diferentes. Ex: Fá sustenido = Sol bemol, Si
bemol = Lá sustenido, Mi bemol = Ré sustenido e Réb = Dó sustenido.


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A Notação Musical no Ocidente: uma História

O sistema de notação musical moderno teve suas origens nos NEUMAS (do
latim: sinal), pequenos símbolos que representavam as notas musicais em peças vocais
do chamado “Canto Gregoriano”, por volta do século VIII (cerca do ano 700 depois de
Cristo).
Inicialmente, esses neumas eram posicionados sobre as sílabas do texto e
serviam como um lembrete da forma de execução para os que já conheciam a música.
Veja:

Para resolver este problema as notas passaram a ser escritas em relação a uma
linha horizontal. Isto permitia representar as alturas. Este sistema evoluiu até uma
pauta de quatro linhas.

O monge católico GUIDO D’AREZZO

Um desenho antigo retratando o monge Guido d´Arezzo

Grande parte do desenvolvimento da notação musical deriva do trabalho do
monge católico italiano Guido d’Arezzo, que viveu no século X d.C. Ele criou os nomes
pelos quais as notas são conhecidas atualmente (Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Si). Esses

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nomes foram tirados de um hino chamado Hino a S. João Batista. Segundo Kurt Pahlen
(em Nova História Universal da Música), o hino latino era usado naquela época pelos
meninos cantores para abrir seu canto, pedindo a S. João que lhes concedesse belas
vozes. Nesta época o chamado sistema tonal ainda estava sendo desenvolvido. Guido
d’Arezzo adotou uma pauta musical de quatro linhas. Depois do século XII foi adotado
o pentagrama, isto é, a pauta de cinco linhas que ainda é o padrão hoje em dia.

Hino a São João Batista
Ut queant laxis,
Resonare fibris,
Mira gestorum,
Famuli tuorum,
Solve polluti,
Labii reatum
Sante Iohannes

Tradução aproximada:

“Para que os vossos servos possam cantar livremente as maravilhas dos
vossos feitos, tirai toda mácula do pecado dos seus lábios impuros.
Oh, São João!”

Mais tarde, a palavra Ut foi substituída pela sílaba Dó, porque ela era difícil de
ser falada. O Si foi formado da união da primeira letra de Sancte e da primeira de
Iohannes.

CLAVE: o que é e para que serve?
A notação musical é relativa e por isso, para escrevermos as notas na pauta
precisamos usar CLAVES, espécie de chaves auxiliares.
A clave indica a posição de uma das notas. Assim, todas as demais são lidas em
referência a essa nota. Cada tipo de clave define uma nota diferente de referência.
Dessa maneira, a "chave" usada para decifrar a pauta é a clave, pois é ela que vai dizer
como as notas devem ser lidas. Se na 2ª linha tivermos um sol, no espaço seguinte
teremos um lá e na 3ª linha um si.
As notas são nomeadas sucessivamente de acordo com a ordem das notas da
escala.
Atualmente usam‐se três tipos de clave: de Sol, de Fá e de Dó.
A clave de sol é própria para grafarmos as notas mais agudas, evitando o uso
de linhas suplementares. A clave de fá é indicada para as notas mais graves. A clave de
dó é mais usada para os sons médios.

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Veja:

A clave de sol indica que a nota sol deve ser escrita na segunda linha da pauta.
A partir da nota sol podemos definir a posição de todas as outras notas:

DURAÇÃO
Além da indicação das alturas, necessitamos indicar também o tempo de
emissão de cada nota, ou seja, quanto tempo ela vai durar. Para representar
graficamente a duração do tempo dos sons (notas) na música usamos sinais chamados
FIGURAS DE DURAÇÃO. Elas nos indicam quanto tempo devemos emitir determinado
som.

Além da duração da emissão das alturas também precisamos representar
graficamente a duração do silêncio na música. Para isso usamos sinais chamados de
PAUSAS. Esses sinais têm o mesmo valor das suas respectivas figuras. Para cada figura
de duração há uma pausa de mesma duração. Veja o quadro a seguir:


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Quadro de durações e suas pausas
As figuras não possuem um valor (tempo) fixo. Elas são proporcionais entre si.
A figura de maior duração é a semibreve.

Pulso e compasso
A música possui um importante elemento: o pulso ou a pulsação. Uma pulsação
regular pode ter acentuações que se repetem de maneira regular. Veja a seguir:
Acentos que se repetem a cada dois pulsos regulares:
1______2______1______2______1______2______1______2
Acentos que se repetem a cada três pulsos regulares:
1______2______3______1______2______3______1______2______3

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Acentos que se repetem a cada quatro pulsos regulares:
1______2______3______4_______1______2______3______4
Compasso é uma fórmula expressa em fração que determina a regularidade do pulso.
Existem várias fórmulas de compasso como as que seguem:
Compassos simples (frações de compasso)
Binário

Ternário

Quaternário

Compasso simples é aquele em que cada unidade de tempo corresponde à
duração determinada pelo denominador da fórmula de compasso. Por exemplo: um
compasso 2/4 possui dois pulsos com duração de 1/4 (uma semínima) cada. Os tipos
mais comuns de compassos simples possuem o 4 no denominador (2/4, 3/4 ou 4/4).
OBS: Veja o quadro da página 13. Observe as correspondências entre as figuras de
duração e os números que a representam nos denominadores das frações de
compasso.
Barras de compasso
Barra ou travessão são nomes usados paras as linhas verticais que utilizamos
para separar os compassos e facilitar a leitura das notas (duração e altura). As barras
mais usadas são:
Barra simples

Separa cada compasso completo.

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Barra dupla

Usada para indicar o fim de um trecho musical ou final da música. Neste caso a
segunda linha é mais grossa. Veja:

Alguns sinais gráficos utilizados para facilitar a escrita musical:

Ligadura

É uma linha curva que une duas ou mais notinhas, somando os seus valores. Usamos
ligaduras somente em figuras positivas. Veja:

Ponto de aumento

É um ponto colocado à direita da figura positiva ou negativa e que aumenta seu
valor em sua metade. Veja:

Linhas suplementares

Ampliam o pentagrama ou a pauta musical. São linhas colocadas acima ou
abaixo do pentagrama para indicar notas mais agudas ou mais graves. Veja:

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Sinais de repetição

Para facilitar a escrita e a leitura musical, podemos utilizar sinais que indiquem
repetição, ao invés de reescrever trechos inteiros que devem ser repetidos.

Sinais de repetição

Para facilitar a escrita e a leitura musical, podemos utilizar sinais que indiquem
repetição, ao invés de reescrever trechos inteiros que devem ser repetidos.

Sinais de repetição mais comuns

Da Capo ‐ Voltar ao início da música. Abreviatura: D.C.

Da Capo ao Fim ‐ Voltar ao início e ir até a palavra Fine (Fim) ou à barra dupla.
Abreviatura: D.C. al Fine ou D. C. ao Fim

Do Sinal (segno) ao Fim ‐ Voltar ao sinal e ir até a palavra Fine (Fim) ou à barra dupla.
Abreviatura: Do % AL Fine ou Do % ao Fim
Ao Segno (sinal) – retornar ao sinal. Abreviatura: Al %
Ritornello ‐ Repetir o trecho marcado com a barra dupla com dois pontos.

Ritornello com casa 1, 2, 3 etc... – Repetir o trecho, respeitando o compasso que deve
ser tocado na segunda, na terceira, etc, repetições.

Sinais de intensidade

São sinais que indicam a força com que cada nota deve ser cantada ou tocada. Os
sinais de intensidade mais comuns são:

pp = pianíssimo, tocar muito leve, com pouquíssima intensidade
p = piano, tocar bem leve, com pouca intensidade
mp = mezzo‐piano ou meio‐piano, tocar leve, com moderada intensidade
mf = mezzo‐forte ou meio‐forte, tocar com força moderada

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f = forte, tocar com força
ff = fortíssimo, tocar com muita força
sfz = sforzando, intensificar subitamente a força com que se toca
determinadas notas

Crescendo (cresc.) e decrescendo (decresc.)– usa‐se quando se quer um
aumento gradativo da intensidade.

Veja o trecho musical:

Andamento e sinais de andamento

Os andamentos são as velocidades com que as músicas devem ser tocadas. Por
tradição em italiano, as indicações de andamento são colocadas geralmente no início
das partituras musicais, indicando a velocidade com que a música deve ser
interpretada.

Tipos de Andamento

Lentos
Lento, Largo, Adágio
Moderados
Moderato, Andante, Andantino
Rápidos
Allegro, Vivo, Presto

Sinais de andamento: São indicações colocadas na partitura com o intuito de acelerar
ou retardar a execução do trecho musical. Veja:

Acellerando – deve‐se acelerar o andamento. A sua abreviatura é Acell.
Rallentando – deve‐se retardar o andamento. A sua abreviatura é Rall.


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Estrutura e Forma em Música

Reconhecendo as partes da música e sua textura

Toda vez que ouvimos, tocamos ou cantamos uma música, percebemos que ela
possui partes que se repetem ou partes que se contrastam.
As cantigas de roda costumam ter uma ou duas partes, com melodias simples e
repetitivas muitas vezes. Cante e perceba:

A Canoa Virou

A canoa virou
Por deixá‐la virar
Foi por causa da "Fulana" Melodia A
Que não soube remar

Se eu fosse um peixinho
E soubesse nadar
Tirava a "Fulana" Melodia A
se repete
Do fundo do mar

Nesta canção de roda a melodia se repete várias vezes. Você consegue se
lembrar de outras canções desse tipo?

Ó Abre Alas (Chiquinha Gonzaga)

Ó Abre Alas que eu quero passar
Ó Abre Alas que eu quero passar
Eu sou da lira não posso negar
Rosa de Ouro é quem vai ganhar!

Então, vamos ouvir algumas música e perceber as suas partes? Se elas são
parecidas ou diferentes? Quantas vezes se repetem? Quantos instrumentos estão
tocando? Se existem muitos sons soando ao mesmo tempo. Procure separar em partes
as canções do repertório trabalhado!

Forma Binária (A B)

Quando ao invés de repetir a melodia (a mesma idéia musical), resolvemos criar
uma parte contrastante, a música passa a ter duas partes e então chamamos essa
estrutura de Forma Binária.

A forma binária pode ser abreviada pelas letras A (primeira parte) e B (parte
contrastante). Então temos uma forma:
A B


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Exemplo musical: Mamãe eu quero

Mamãe eu quero
Mamãe eu quero
Mamãe eu quero mamar
Parte A
Dá a chupeta
Dá a chupeta
Dá a chupeta pro neném não chorar

Dorme filhinho do meu coração
Pega a mamadeira e entra no cordão
Eu tenho uma irmã que se chama Ana
Parte B
De tanto piscar o olho
Já ficou sema pestana

Forma Ternária (A B A)

A forma chamada de ternária é uma extensão da forma binária. Também possui
uma parte inicial A (exposição) e uma parte contrastante, a parte B. A diferença é que
a música termina com um retorno à parte A.
Assim representamos a forma ternária da seguinte maneira:
A B A
Um bom exemplo de forma ternária é o “Samba de uma nota só” de Tom
Jobim. Procure ouvir essa canção e perceba as suas partes!

O que é uma textura monofônica e textura homofônica?

Chamamos de textura à maneira como os sons são organizados numa música.
Quando ouvimos só uma pessoa cantando ou um único instrumento soando, dizemos
que a música possui uma textura monofônica.
Quando ouvimos uma ou mais pessoas cantando uma melodia acompanhada
ao violão, por exemplo, formando um bloco sonoro único, dizemos que esta música
possui uma textura homofônica. No Período Barroco (séc. XVII a meados do XVIII) a
homofonia foi intensamente utilizada.
Pergunte ao seu professor ou professora quais músicas possuem essas
características!

Textura Polifônica

Chamamos de polifonia quando uma melodia é acompanhada de uma ou mais
melodias simultâneas. O auge do estilo polifônico se deu no Período Renascentista
(meados do séc. XIV ao fim do XVI). Procure ouvir músicas desse período. Os estilos
polifônicos mais conhecidos são o cânone e a fuga. Uma música muito conhecida é a
canção “Frère Jacques”, um cânone.


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História da Música Ocidental

A Música Clássica e o Romantismo

PERÍODO CLÁSSICO

“Veneza” de Canaletto

O termo ‘Clássico’, em música, é empregado em dois sentidos diferentes. As
pessoas, às vezes, usam a expressão ‘música clássica’ considerando toda a música
dividida em duas grandes partes: ‘clássica’ e ‘popular’. Para o musicólogo, entretanto,
‘música clássica’ tem sentido especial e preciso: é a música composta entre
aproximadamente 1750 e 1810, que inclui a música de Haydn e Mozart, bem como as
composições iniciais de Beethoven.
O classicismo é profundamente influenciado pelos ideais humanistas, que
colocam o homem como centro do universo. Reproduz o mundo real, mas molda‐o de
acordo com o que se considera ideal. As obras refletem princípios como harmonia,
ordem, lógica, equilíbrio, simetria, objetividade e refinamento. A razão é mais
importante que a emoção.
A transição da música barroca para a clássica é feita sobretudo por Carl Philipp
Emanuel Bach (1714‐1788) e por Johann Christian Bach (1735‐1782), filhos do
compositor Johann Sebastian Bach (1685‐1750). Os compositores passam a elaborar
formas mais desenvolvidas, como a sinfonia e os concertos para instrumentos e
orquestra. A sonata é a principal forma musical do período e um passo definitivo em
direção à música tonal.
A música clássica mostra‐se refinada e elegante e tende a ser mais leve, menos
complicada que a barroca. Os compositores procuram realçar a beleza e a graça das
melodias. A orquestra está em desenvolvimento. Os compositores deixaram de usar o
cravo e acrescentaram mais instrumentos de sopro (clarineta, por exemplo).
No classicismo a dinâmica passou a ser explorada em todas as suas
possibilidades. Nos períodos anteriores não se usava, ou melhor, não se indicava
objetivamente alguma mudança de nuances deste parâmetro. Na última fase do
Barroco, havia somente indicações de contrastes entre trechos musicais em "piano" e
"forte".
Já os clássicos tiveram a idéia de se utilizar do "crescendo" e do "decrescendo",
graduando a dinâmica e inventando seus respectivos sinais. Esta técnica foi muito

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desenvolvida pelos compositores de Mannheim (Alemanha) e divulgada
posteriormente por Haydn e Mozart.

Carl Philipp Emanuel Bach

Novos instrumentos apareceram: entre eles o piano (inventado em 1698 por
Bartolomeo Cristofori – 1655/1731, para que tivessem à mão um instrumento de
teclado que pudesse dar sons suaves e fortes) e o clarinete (inventado no início do
século 18 por Jacob Denner ‐1681/1735). Melhoraram os mecanismos e as extensões
do oboé e do fagote. O violoncelo ganhou uma ponta para apoiá‐lo no chão (antes era
preso entre as pernas pelo executante) e descobriram a maravilha do seu timbre.

Wolfgang Amadeus Mozart

FORMAIS INSTRUMENTAIS DO PERÍODO CLÁSSICO

Durante o Classicismo, a música instrumental passou a ter maior importância
que a vocal.

A Sonata
Nesta época criou‐se a sonata. Sonata é o termo que designa, desde o século XVIII,
uma composição instrumental para um ou mais instrumentos de forma ternária
(exposição, desenvolvimento, reexposição), construída sobre dois temas e obedecendo
a um plano que afirma o princípio da tonalidade.

A Sinfonia
A sinfonia é, na realidade, uma sonata para orquestra. Seu número de movimentos
passam a ser quatro: rápido ‐ lento ‐ minueto ‐ muito rápido. Haydn e Mozart foram os
maiores compositores de sinfonias do Classicismo.

25
O Concerto
O concerto consiste em uma composição para um instrumento solista contra a massa
orquestral. Tem três movimentos: rápido ‐ lento ‐ rápido.

O Quarteto de Cordas
Joseph Haydn inventou o quarteto de cordas (dois violinos, viola e violoncelo), uma
combinação soberba de música de câmara.

Joseph Haydn

Nota especial ‐ W. A. MOZART

Wolfgang Amadeus Mozart nasceu em Salzburgo a 27 de janeiro de 1756. Foi um dos
mais espantosos exemplos de precocidade na história da arte: desde os três anos de
idade revelou excepcional aptidão para música, estudando cravo com seu pai, Johann
Georg Leopold Mozart (1719‐1787), compositor e violinista. Aos dezesseis anos já tinha
composto quase 200 obras em todos os gêneros!
Mozart representa o ponto culminante da música no século XVIII. Figura importante no
desenvolvimento final da ópera napolitana, foi também um dos maiores mestres da
nova concepção da sonata na época. Criou obras‐primas da música instrumental, nos
últimos anos do século XVIII. Estabeleceu normas musicais que transformaram aquele
período na era clássica por excelência, no campo da música. Foi admirado por todos os
mais destacados compositores subseqüentes, que souberam reconhecer o valor do
legado que Mozart lhes deixou.
Compositor essencialmente vocal, Mozart se realizou de modo mais completo na
ópera. As primeiras óperas datam ainda da adolescência do mestre. Ao todo realizou
23 óperas, destacando‐se seis, todas elas do último período de sua vida. A ópera mais
conhecida de Mozart é A flauta mágica (1791). Das incoerências do libreto, Mozart
tirou uma obra de grande riqueza, numa síntese de estilos: ópera séria, comédia
musical popular, tragédia filosófica e drama sentimental. A música que acompanha
essa trama complicada é também a síntese do seu universo musical.

O prodígio Mozart ao cravo

26
Mozart escreveu ao todo 41 sinfonias e 11 sinfonias concertantes. Seção importante
na obra de Mozart é a dos concertos. A forma do concerto ainda estava indefinida em
meados do século XVIII, não havendo distinção nítida entre a forma concertante e a
música para orquestras de câmara. Foi C.P.E.Bach o primeiro a desenvolver o contraste
entre o instrumento solo e a orquestra. Os concertos para piano de Mozart
contribuíram decisivamente para a formação do gênero, desenvolvendo‐o em escala
mais ampla.
As obras de Mozart são identificadas pelo prefixo K, seguida de um número que
designa a ordem cronológica de suas composições. O K vem do nome de Ludwig von
Köchel, que organizou um catálogo das obras de Mozart, publicado em 1862, sob o
título de Registro cronológico‐temático de todas as obras musicais de W.A.Mozart.

Nota especial – JOSEPH HAYDN
Franz Joseph Haydn nasceu em Rohrau, Baixa Áustria, a 31 de março de 1732 e morreu
a 31 de maio de 1809. Haydn é o iniciador de uma nova fase na história da música. Não
foi homem de grande cultura, mas de rara inteligência musical. Sua experiência em
conjuntos ambulantes, nas ruas, onde era impossível o acompanhamento de baixo
contínuo, levou‐o a compreender a auto‐suficiência do conjunto instrumental de
cordas. Com a sua obra se desenvolve uma nova polifonia instrumental, sem o apoio
harmônico do baixo contínuo.
Haydn é o primeiro nome da tríade "clássica", seguido por Mozart e Beethoven. Mas
não deve ser tomado por um iniciador primitivo de um estilo depois aperfeiçoado. Sua
obra, ou pelo menos a parte válida de sua obra imensa, já é perfeita dentro de suas
proposições. E o que se propôs foi justamente o aperfeiçoamento de uma nova
linguagem musical. Sua origem musical foi o folclore musical da Baixa Áustria, e nesse
sentido sua música é inconfundivelmente austríaca, mas seu ponto de chegada, o
enriquecimento da música instrumental, foi um idioma universal falado por todos os
músicos modernos, e não só pelos clássicos vienenses.
As seções mais importantes da música instrumental de Haydn são as sinfonias e
quartetos. As primeiras sinfonias, que não sobreviveram no repertório, datam da
década de 1760. Utiliza‐se nelas de elementos da música barroca, conjugando, em
pequenas orquestras, instrumentos de sopro e cordas. Quanto à estrutura, Haydn não
tardou em adotar a divisão em quatro movimentos: allegro, andante, minueto e
segundo allegro.

Nota especial ‐ LUDWIG VAN BEETHOVEN
Beethoven (Bonn, 16 de dezembro de 1770 — Viena, 26 de março de 1827) foi um
compositor erudito alemão do período de transição entre o Classicismo (século XVIII) e
o período Romântico (século XIX). É considerado como um dos pilares da músical
ocidental pelo incontestável desenvolvimento tanto da linguagem quanto do conteúdo
musical demonstrado em obras como seus últimos quartetos de cordas, a nona
sinfonia, suas últimas sonatas etc.
Ludwig, que era canhoto, nunca teve estudos muito aprofundados mas sempre
revelou um talento excepcional para a música. Compôs as suas primeiras peças aos
onze anos. Os seus progressos foram de tal forma notáveis que em 1784 já era
segundo organista da capela do Eleitor. Pouco tempo depois foi violoncelista na
orquestra da corte. Em 1787 foi enviado para Viena para estudar com Joseph Haydn.

27
Em 1792, muda‐se para Viena, e, afora algumas poucas viagens, permaneceria lá para
o resto da vida. Durante os anos 1790, firma uma sólida reputação como pianista e
compõe suas primeiras obras‐primas: Três Sonatas para piano Op.2 (1795), Concerto
para Piano No.1 em Dó maior Op.15 (1795), Sonata No.8 em Dó menor Op.13 [Sonata
Patética] (1798), Seis Quartetos de cordas Op.18 (1800).

Beethoven na época em que ficou surdo

Por volta de seus 24 anos (1794), Beethoven sentiu os primeiros indícios de surdez.
Embora tenha feito muitas tentativas para tratá‐la durante os anos seguintes, a doença
continuou a progredir e, aos 46 anos (1816), estava praticamente surdo. Porém, ao
contrário do que muitos pensam, Beethoven jamais perdeu toda a audição, muito
embora não tivesse mais, em seus últimos anos, condições de acompanhar uma
apresentação musical ou de perceber nuances timbrísticas.
A culminância desses anos foi a Sinfonia nº 9 em Ré menor Op.125 (1824), para muitos
a sua obra‐prima. Pela primeira vez é inserido um coral num movimento de uma
sinfonia. O texto é uma adaptação do poema de Schiller “Ode à Alegria”, feita pelo
próprio Beethoven. Os anos finais de Beethoven foram dedicados quase que
exclusivamente à composição de quartetos de cordas. Foi nesse meio que ele produziu
algumas de suas mais profundas e visionárias obras.

ROMANTISMO NA MÚSICA

“Liberdade guiando o povo” de Eugène Delacroix


28
A Revolução Francesa causou profundas transformações, não apenas políticas,
mas abalou todas as estruturas do pensamento, espalhando sua influência no campo
das artes, da cultura e da filosofia. Sob a forma de um surto de liberalismo que se
traduzia na defesa dos direitos do homem, da democracia e da liberdade de expressão,
ela alterou a mentalidade européia e modificou os critérios de valor.
Assim, a música e a arte de modo geral procuravam se desligar da arte do
passado deixando aos poucos os salões dos palácios e pondo‐se mais ao alcance da
nova classe social em ascensão, a burguesia, e invadindo as salas de concerto,
conquistando um novo público ávido de uma nova estética.
A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar, de agir, de
interpretar a realidade. O comportamento romântico caracteriza‐se pelo sonho, por
uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em
qualquer tempo da história. Na música romântica ocorre a valorização da liberdade de
expressão, das emoções e a utilização de todos os recursos da orquestra. Os assuntos
de cunho popular, folclórico e nacionalista ganham importância nas músicas.
No Classicismo havia uma grande preocupação pelo equilíbrio entre a estrutura
formal e a expressividade. No romantismo os compositores buscavam uma maior
liberdade da forma e uma expressão mais intensa e vigorosa das emoções,
freqüentemente revelando seus sentimentos mais profundos, inclusive seus
sofrimentos.
Além da forte expressividade outra característica marcante no período musical
romântico é a chamada música programática ou música descritiva. Não que em outros
momentos da história da música não houvesse esse tipo de produção, mas no período
romântico, essa é uma tendência bastante acentuada.
Dentre as muitas idéias que exerceram enorme fascínio sobre os compositores
românticos temos: terras exóticas e o passado distante, os sonhos, a noite e o luar, os
rios, os lagos e as florestas, as tristezas do amor, lendas e contos de fadas, mistério, a
magia e o sobrenatural. As melodias tornam‐se apaixonadas, semelhantes à canção. As
harmonias tornam‐se mais ricas, com maior emprego de dissonâncias.
As primeiras evidências do romantismo na música aparecem com Beethoven.
Suas sinfonias, a partir da terceira, revelam uma música com temática profundamente
pessoal e interiorizada, assim como algumas de suas sonatas para piano, entre as quais
é possível citar a Sonata Patética. Outros compositores como Chopin, Tchaikovsky,
Felix Mendelssohn, Liszt, Grieg e Brahms levaram ainda mais adiante o ideal
romântico de Beethoven, deixando o rigor formal do Classicismo para escreverem
músicas mais de acordo com suas emoções.
Na ópera, os compositores mais notados foram Verdi, que procurou escrever
óperas, em sua maioria, com conteúdo épico ou patriótico ‐ entre as quais a ópera
Nabucco ‐ embora tenha escrito também algumas óperas baseadas em histórias de
amor como La Traviata; e também Wagner, que enfocava histórias mitológicas
germânicas, como Tristão e Isolda e O Holandês Voador, ou sagas medievais como
Tannhäuser, Lohengrin e Parsifal. Ainda mais tarde na Itália o romantismo na ópera se
desenvolveria ainda mais com Puccini.


29
ROMANTISMO – 1ª FASE

Foto de Frédéric Chopin Retrato de Chopin

O compositor polonês Chopin inspirou‐se em danças populares, despertando,
com sua música, o amor patriótico e o sentimentalismo. Durante o Romantismo houve
um rico florescimento da canção, principalmente do lied (‘canção’ em alemão) para
piano e canto. O primeiro grande compositor de lieder (plural de lied) foi Schubert.
O século XIX apresenta um novo público formado pela classe social burguesa
que se interessa pela arte intimista: obras para solista, música de câmara e
representações vocais, com acompanhamento instrumental, e a poesia de diferentes
países. O canto acompanhado quer com cravo, piano ou guitarra, possui as qualidades
específicas nacionais, as que encontramos no lied alemão, na mélodie francesa ou na
canção espanhola ou inglesa.
Schubert
Havia uma grande variedade, entre elas as danças como as valsas, as polonesas
e as mazurcas, peças breves como o romance, o prelúdio, o noturno, a balada e o
improviso. Outro tipo de composição foi o estudo, cujo objetivo era o aprimoramento
técnico do instrumentista. Com efeito, durante esta época houve um grande avanço
nesse sentido, favorecendo a figura do Virtuose: músico de concerto, dotado de uma
extraordinária técnica. Virtuoses como o violinista Paganini e o pianista Liszt eram
admirados por platéias assombradas.


30

Franz Liszt

Com Liszt teve início a carreira musical solista como se conhece hoje. Ele foi o
primeiro "pop‐star" do piano. Tudo começou quando assistiu a um concerto do grande
violinista e compositor Niccolo Paganini, e decidiu seguir seu exemplo. Os seus
concertos estavam sempre lotados e ele fazia questão de manter uma aura de charme
e virtuosismo quando se apresentava, geralmente tocando composições de altíssimo
nível técnico, que entusiasmavam o público.
Outro aspecto de destaque do período romântico está na própria concepção de
artista da época. A concepção do homem genial incita a buscar na biografia do artista
os sinais de um destino excepcional. Os reveses da vida tendem a satisfazer a sanha do
público, pois o artista genial é o eterno sofredor, em volta do mito estão a pobreza, a
humilhação, as desventuras amorosas (Beethoven), a incompreensão dos
contemporâneos, a doença (Beethoven) ou a loucura (Berlioz e Schumann)
contribuem para a admiração sobre o caráter singular do artista. Na verdade os
artistas românticos eram eles mesmos bastante atentos à publicidade da sua imagem.
Ou como diria o poeta Flaubert "O artista deve dar um jeito para fazer a posteridade
acreditar que ele não viveu".
O músico romântico procurou se firmar como um artista autônomo, deixando
de se submeter a patronos ricos (mecenas e as Cortes Imperiais), como ocorria no
período barroco e clássico. Isso evidentemente garantia uma maior liberdade de
criação aos músicos.

ASSOCIAÇÃO COM OUTRAS ARTES

Neste período, muitas vezes, o romantismo literário se confunde com o
musical, já que os compositores românticos eram ávidos leitores e tinham grande
interesse pelas outras artes, relacionando‐se estreitamente com escritores e pintores.
Não raro uma composição romântica tinha como fonte de inspiração um quadro visto
ou um livro lido pelo compositor. Muitas das composições românticas “pintam
quadros”, contam histórias; o individualismo romântico incitará freqüentemente o
músico a "pintar" suas próprias experiências. Entretanto, apesar do individualismo, da
subjetividade e do desejo de expressar emoções, o músico romântico ainda respeita a
forma e muitas das regras de composição herdadas do classicismo.
Um dos músicos que melhor representou esse culto em torno do artista genial
foi Robert Schumann. Ele é o maior compositor do romantismo alemão e, talvez, o
maior romântico alemão, realizando na música aquilo que na literatura não tinham

31
conseguido realizar os poetas. Na sua obra é muito forte o lado noturno do
Romantismo, o pessimismo profundo, influenciado pelo poeta Byron, e os
pressentimentos permanentes do fim na loucura
Schumann foi também um escritor notável, poeta em prosa. Sua música
também parece literária. Ele foi excelente crítico de música e fundou em 1834 a Nova
Revista de Música, que em breve se tornou porta‐voz de todos os esforços musicais
sérios na Alemanha. Os títulos das suas peças eram genialmente escolhidos, mas só
foram inventados depois da melodia. Schumann não fez música de programa. Sua
poesia musical é cheia de frescor ‐ e de melancolia profunda. Como inventor de
belíssimas melodias pode ser comparado a Mozart.
Mendelssohn foi outro compositor eclético (além de compositor, ele era também
pintor, escritor, esportista ‐ praticava natação, esgrima e equitação‐ e, segundo consta,
era exímio dançarino), embora de linguagem muito pessoal. Inspirado por sentimentos
românticos criou obras de altas qualidades formais, fiel ao Classicismo vienense.
Homem fino e culto, sua música equilibrada reflete a falta de paixão de quem se fez na
vida sem esforço.

Estátua em homenagem a Schumann em Zwickau (ALE), sua cidade natal

Além do mérito de sua própria obra, Mendelssohn também foi responsável
pela redescoberta de outro gênio da música universal. Em 1829, regeu em Berlim a
Paixão Segundo São Mateus, do então esquecido Johann Sebastian Bach.

Mendelssohn

32
ROMANTISMO ‐ 2ª FASE

Muitos dizem que Johannes Brahms dominou, junto a Richard Wagner, a
música erudita da segunda metade do século XIX. Um dos maiores nomes da cultura
alemã, Brahms dedicou‐se a quase todos os gêneros ‐‐exceto ópera e balé‐‐ por meio
do que acreditava ser realmente uma música pura. A obra de Brahms representa a
fusão da expressividade romântica com a preocupação formal clássica.
Brahms dedicou grande parte de sua obra ao piano. O gênero em que se
revelaria um mestre foi a variação (ver página). O primeiro conjunto publicado foi a
das Dezesseis Variações sobre um Tema de Schumann, escritas em 1854, onde já
demonstra seu domínio técnico. Mas foi com as 25 Variações e Fuga sobre um Tema
de Handel que Brahms atingiu o máximo no campo.

Brahms Richard Wagner

Brahms foi principalmente um grande compositor de canções. Numericamente,
os lieder formam a maior parte da sua obra. Na música coral de Brahms, destacam‐se
o Réquiem Alemão, talvez sua obra mais famosa, que o consagrou definitivamente. Já
Richard Wagner, o inventor de um novo estilo de ópera, promoveu uma revolução
musical em seu tempo, criou uma identidade coletiva e influenciou músicos de todos
os períodos.
Wagner foi um grande dramaturgo. Wagner escreveu, ele próprio, todos os
seus libretos. Seu talento duplo, de dramaturgo e de compositor, levou‐o a retomar a
reforma da ópera, já tentada um século antes por Gluck, subordinando a música ao
enredo dramático, criando o drama musical. Ao drama também quis subordinar a
cenografia, retomando a idéia romântica do Gesamtkunstwerk (obra de arte total).
Usando com virtuosismo todos os recursos do palco ilusionístico, Wagner é antes de
tudo um grande homem de teatro.
As Valquírias (1856) foi a obra mais forte de Wagner do ponto de vista
dramático. Sua música é mesmo de consumação do Romantismo alemão, dizendo em
acordes, o que este não conseguiu dizer em palavras. Mas também é a crise do
Romantismo, pois o preço foi a quase total dissolução do sistema harmônico em
Tristão e Isolda, obra que foi e continua sendo a base da música moderna.
Outro aspecto de destaque no período romântico é o nacionalismo. A música
do final do século XIX, embora imbuída do individualismo, reflete as preocupações
coletivas relacionadas aos movimentos de unificação que marcam a Europa. Foi
quando compositores de outros países, principalmente os russos, passaram a ter a
necessidade de criar a sua música, enaltecendo as suas raízes e a sua pátria.
33
Estes músicos se inspiravam em ritmos, danças, canções, lendas e harmonias
folclóricas de seus países. É o chamado Nacionalismo Musical. Músicos como Bedrich
Smetana (1824‐1884) e Antonin Dvorák (1841‐1904), Edvard Grieg (1843‐1907),
Modest Musorgsky (1839‐1881) e Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840‐1893) empregaram
com freqüência temas nacionalistas em suas óperas, enquanto suas obras sinfônicas
adquiriam intensidade e identidade própria ao combinar coloridos nacionalistas com
os procedimentos estruturais estabelecidos pela corrente principal alemã.

A ORQUESTRA E A ÓPERA

A imagem que temos hoje da chamada música erudita é notadamente
romântica. Neste período a orquestra cresceu não só em tamanho, mas como em
abrangência. A seção dos metais ganhou maior importância. Na seção de instrumentos
de sopro adicionou‐se o flautim, o clarone, o corne inglês e o contrafagote. Os
instrumentos de percussão ficaram mais variados.
As óperas mais famosas hoje em dia são as românticas. Os grandes
compositores de óperas do Romantismo foram os italianos Verdi e Rossini e na
Alemanha, Wagner. No Brasil, destaca‐se Antônio Carlos Gomes com suas óperas O
Guarani, Fosca, O Escravo, etc.
O concerto romântico usava grandes orquestras; e os compositores, agora sob
o desafio da habilidade técnica dos virtuosos, tornavam a parte do solo cada vez mais
difíceis. Compreende obras para grandes orquestras e privilegia o virtuosismo.
Destaca‐se a obra de Johannes Brahms, com suas quatro sinfonias, dos franceses
César Franc (1822‐1890) e Hector Berlioz (1803‐1869), que revoluciona a concepção
da orquestra clássica ao acrescentar mais instrumentos em sua Sinfonia fantástica,
op.14, de 1830, reformulando os modos de instrumentação vigentes em sua época.

A. Carlos Gomes

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História da Música Popular Brasileira

Nossa música é riquíssima em estilos, gêneros e movimentos. Do século XVIII
(dezoito), quando o Brasil ainda era uma colônia até o final do século XIX, passando
pelo período do Império e posteriormente a República, a produção musical foi
tomando ares nacionais, com o aparecimento de gêneros musicais brasileiros como o
maxixe e o choro. Vamos fazer um breve passeio por essa história!

Gêneros e Movimentos musicais nacionais:

A Modinha e o Lundu

Desde o século XVIII (dezoito), quando o Brasil ainda era colônia de Portugal, os
brasileiros já cultivavam dois gêneros lítero‐musicais: a modinha e o lundu. Nos
saraus, espécie de reunião onde se recitavam poemas e se cantavam músicas em
tardes e noites cariocas, os dois gêneros causavam furor entre os jovens enamorados.
Eram nestes encontros musicais que se podiam ouvir pianos, violas e cantores
diletantes, derramando lirismo e sarcasmo.

Lundu de Rugendas

A Modinha foi gênero lírico, cantando o amor impossível, as queixas dos
apaixonados e desiludidos. Já o lundu era gênero cômico com letras engraçadas e
cheias de duplo sentido, que levavam os ouvintes às gargalhadas muitas vezes. Haviam
até lundus proibidos às moças e crianças! Era o caso dos lundus de Laurindo Rabello,
um militar que adorava divertir seus amigos ao som de seus picantes lundus.
Domingos Caldas Barbosa


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O mais importante compositor e cantor de modinhas e lundus, no século XVIII,
Domingos Caldas Barbosa, era um padre que não usava batina e tocava viola.
Duas músicas de grande sucesso da época foram:

O Lundu da Marrequinha (Francisco de Paula Brito – Francisco Manuel da Silva)

Os olhos namoradores Quem a vê terna e mimosa,
Da engraçada iaiásinha, Pequenina e redondinha,
Logo me fazem lembrar Não diz que conserva prêsa
Sua bella marrequinha. Sua bella marrequinha.

Iaiá, não teime, Nas margens da Caqueirada
Sólte a marreca Não há só bagre e tainha:
Senão eu morro, refrão Alli foi que ella creou
Leva‐me a breca. Sua bella marrequinha.

Se dansando á Brasileira, Tanto tempo sem beber...
Quebra o corpo a iaiásinha, Tão jururú... coitadinha!..
Com ella brinca pulando Quasi que morre de sêde
Sua bella marrequinha Sua bella marrequinha.

“Marrequinha "era um tipo de laço dado no vestido das moças do séc. XIX, usado atrás
das nádegas.

Quem sabe ou “Tão Longe de mim distante” (Carlos Gomes)

Tão longe de mim distante, Vivendo de ti ausente,
Onde irá, onde irá teu pensamento! Ai meu Deus,
Tão longe de mim distante, Ai meu Deus que amargo pranto!
Onde irá, onde irá teu pensamento! Vivendo de ti ausente,
Quizera saber agora Ai meu Deus,
Quizera saber agora Ai meu Deus que amargo pranto!
Se esqueceste, Suspiros angustiadores
Se esqueceste, São as vozes do meu canto
Se esqueceste o juramento Quem sabe
Quem sabe se é constante Pomba innocente
S'inda é meu teu pensamento Se também te corre o pranto
Minh'alma toda devora Minh'alma cheia d'amores
Da saudade, da saudade agro tormento Te entreguei já n'este canto

O Teatro de Revista e o maxixe

O Teatro de Revista foi um gênero de espetáculo musicado muito em voga no
final do século XIX. Foi esse gênero de produção que empregou inúmeros músicos,
cantores, compositores e maestros na época. A compositora Chiquinha Gonzaga foi
uma das mais importantes compositoras para esse gênero de espetáculo, compondo
muitos maxixes.

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A característica principal do Teatro de Revista era contar uma história de forma
satírica e cômica, geralmente baseada em acontecimentos ocorridos ao longo do ano,
no campo da política e da cultura. Os textos eram sempre entremeados de números
musicais, onde alguns gêneros como o maxixe se destacaram.

O bailarino Duque e uma de suas parceiras

O maxixe ficou conhecido como um gênero musical associado à dança do
mesmo nome. O maxixe‐dança surgiu em bailes populares de clubes recreativos,
comumente denominados “gafieiras” que proliferaram no Rio de Janeiro em fins do
século XIX. O estilo de dançar foi considerado obsceno na época, porque os dançarinos
ficavam muito enroscados um no outro, fazendo meneios e rebolados. Talvez algo
parecido com o que vemos hoje com a dança do funk. Apesar disso, o maxixe ganhou
expressão internacional. O grande divulgador da dança do maxixe na Europa foi sem
dúvida o dançarino Duque, que ao lado de suas parceiras Maria Lina, Gaby e Arlette
Dorgère conquistou grande sucesso em Paris dançando um maxixe mais refinado, sem
os excessos do maxixe das gafieiras e aceitável pelas camadas médias.
Charge de Kalixto mostrando a dança do maxixe

Arthur Azevedo, um dos grandes autores teatrais

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Peças, autores e músicas famosas do Teatro de Revista

Um dos mais importantes autores do gênero foi Arthur Azevedo. São dele, por
exemplo, as revistas O Bilontra e Capital Federal, musicada por Chiquinha Gonzaga.

Anúncio da Revista O Bilontra de Arthur Azevedo

PROBLEMAS COM A CENSURA

Podemos ver através de uma matéria publicada em jornal no dia 20 de
novembro de 1889, a grande polêmica que a dança do maxixe causou na
sociedade carioca. Sua aparição no ato final do teatro de revista “A Corte na
Roça” de Chiquinha Gonzaga causou grande alvoroço nos salões de dança do Rio

de Janeiro republicano. Veja o que diz a matéria:
O maxixe conquista teatros e salões de baile e se
firma como a dança da moda
Pernas entrelaçadas e umbigos que saracoteiam em lambadas recíprocas dão o
tom da mais nova febre que assola as sociedades carnavalescas e teatros da cidade: o
maxixe. O balanço irresistível do maxixe, de tão variado, não pode ser classificado
como um ritmo musical. O que caracteriza o maxixe é uma coreografia muito peculiar,
provocante a ponto de roçar os limites do decoro, que vem despertando celeuma na
mesma medida em que a dança se firma como o prato predileto nos salões de baile
populares do Rio de Janeiro. Para se dançar maxixe, é necessário ter os pés
praticamente plantados no chão ‐ mexe‐se pouco com eles ‐ e responder aos apelos
sincopados da música com acentuados requebros de cintura. Dança‐se maxixe com os
corpos colados, e alguns cavalheiros tomam a liberdade de pousar as mãos abaixo da
cintura de suas parceiras durante os volteios. Com esses movimentos ousados, cabe
perguntar se o ritmo da moda é uma dança saborosa e inovadora ou apenas uma
indecência ao som de música sincopada.
A rainha do maxixe no Rio de Janeiro, a maestrina e compositora Francisca
Edwiges Gonzaga, de 42 anos, conhecida como "Chiquinha Gonzaga", sabe muito bem

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o que significa o escândalo em torno do novo ritmo. Renomada professora de música e
compositora no Rio de Janeiro, ela coloca no frontispício das partituras de seus
maxixes a denominação "tango brasileiro". "Se eu colocar nas músicas o termo maxixe,
elas não entram nas casas de família que têm piano", queixa‐se a compositora. Foi ela
também a responsável pela introdução do maxixe nos palcos dos teatros, a bordo da
revista musical A Corte na Roça, de 1885 ‐ primeira opereta com música escrita por
uma mulher a ser encenada nos palcos brasileiros. O teatro que exibia a peça sofreu
ameaça de interdição por parte da polícia, que queria cortar a cena final aquela em
que um casal de capiaus aparece maxixando com todos os requebros e trejeitos, num
alucinante vai‐e‐vem de umbigos. "Na roça não se dança de maneira tão indecente",
observou um crítico na época.
A polícia implicou com A Corte na Roça, na verdade, por motivos políticos.
Chiquinha Gonzaga, que gosta de se ocupar de assuntos masculinos como a política,
foi abolicionista e é republicana ferrenha. Na peça, ela incluiu os seguintes versos,
cantados na voz de um caipira:
Já não há nenhum escravo
Na fazenda do sinhô
Todos são abolicionistas
Até mesmo o imperador.
A polícia exigiu que se trocasse a palavra "imperador" por "doutor". Hoje, se
Chiquinha decidisse remontar a peça, não teria quaisquer problemas com a polícia. E o
sucesso estaria garantido ‐ nos últimos tempos, as peças de maior público são aquelas
que incluem, entre suas atrações, números de maxixe.
Mesmo com toda a oposição dos defensores da moral, as sociedades carnavalescas
nas quais se pratica o maxixe vêm sendo freqüentadas, com cada vez mais intensidade,
por rapazes da alta sociedade; e as partituras do ritmo, escondidas sob o pseudônimo
de tangos brasileiros, penetram furtivamente dentro dos lares, onde moças de família
as executam ao piano. Mistura da melodia expressiva do chorinho com a métrica
sincopada e pulsante do lundu, o maxixe, ao lado das modinhas imperiais ‐ que
acontecerá a esse nome com a queda do Império? ‐, tem tudo para se firmar como a
moda musical do momento. A exemplo da modinha, a princípio considerada chula e
lasciva, e que hoje começa a ganhar aceitação nos círculos mais nobres da sociedade, o
maxixe vem dando uma lambada em seus opositores e fazendo da polêmica que
desperta mais um atrativo. A proibição redobra o prazer de remexer a cintura e trocar
confidências diretamente de umbigo a umbigo.


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O choro e os chorões

O choro pode ser considerado como a primeira música urbana tipicamente
brasileira. Os primeiros conjuntos de choro surgiram por volta de 1880, no Rio de
Janeiro ‐ antiga capital do Brasil.
Esses grupos eram formados por músicos ‐ muitos deles funcionários da
Alfândega, dos Correios e Telégrafos, da Estrada de Ferro Central do Brasil ‐ que se
reuniam nos subúrbios cariocas ou nas residências do bairro da Cidade Nova, onde
muitos moravam.

O nome Choro veio do jeito choroso da música que esses pequenos conjuntos
faziam. A composição instrumental desses primeiros grupos de chorões (nome dado
aos músicos de choro) girava em torno de um trio formado por flauta, instrumento
que fazia os solos; violão, que fazia o acompanhamento como se fosse um contrabaixo
— os músicos da época chamavam esse acompanhamento grave de "baixaria" ‐; e
cavaquinho, que fazia o acompanhamento mais harmônico, com acordes e variações.
A história do choro iniciou em meados do século XIX, época em que as danças
de salão passaram a ser importadas da Europa. A abolição do tráfico de escravos, em
1850, provocou o surgimento de uma classe média urbana (composta por pequenos
comerciantes e funcionários públicos, geralmente de origem negra), segmento de
público que mais se interessou por esse gênero de música.
Em termos de forma musical, o choro costuma ter três partes (ou duas,
posteriormente), que seguem a forma rondó (sempre se volta à primeira parte, depois
de passar por cada uma delas).
Os conjuntos que o executam são chamados de regionais e os músicos,
compositores ou instrumentistas, são chamados de chorões. Apesar do nome, o
gênero é em geral de ritmo agitado e alegre, caracterizado pelo virtuosismo e
improviso dos participantes, que precisam ter muito estudo e técnica, ou pleno
domínio de seu instrumento.

Choro, pintura de Portinari


40

Violão de 7 e de 6 cordas, bandolim, flauta, cavaquinho e pandeiro – instrumentos
preferidos dos chorões

Hoje o conjunto regional é geralmente formado por um ou mais instrumentos
de solo, como flauta, bandolim e cavaquinho, que executam a melodia, o cavaquinho
faz o centro do ritmo e um ou mais violões e o violão de 7 cordas formam a base do
conjunto, além do pandeiro como marcador de ritmo.

OS Grandes Chorões do passado

O flautista e compositor Joaquim Antônio da Silva Callado é conhecido como o
pai dos chorões e foi o mais popular músico do Rio de Janeiro imperial. Ele é
considerado um dos criadores do Choro, ou pelo menos um dos principais
colaboradores para a fixação do gênero. Seu maior sucesso é Flor Amorosa, número
obrigatório para qualquer flautista de choro.

Joaquim Callado – O primeiro chorão e sua amiga, Chiquinha Gonzaga

De seu grupo fazia parte a pioneira maestrina Chiquinha Gonzaga, não só a
primeira chorona, mas também a primeira pianista do gênero. Em 1897, Chiquinha
escreveu para uma opereta o cateretê Corta‐Jaca, uma das maiores contribuições ao
repertório do choro.

41

Ernesto Nazareth em dois momentos de sua vida

Ernesto Júlio de Nazareth foi mais que um pianista de bailes e saraus do final
do séc. XIX e início do séc. XX. Ele foi a pessoa que encontrou a maneira mais eficaz de
se reproduzir um conjunto de choro no piano, criando um estilo inigualável. Músico de
trajetória erudita e ligado à escola européia de interpretação, Nazareth compôs
Brejeiro (1893), Odeon (1910) e Apanhei‐te Cavaquinho (1914), que romperam a
fronteira entre a música popular e a música erudita, sendo vitais para a formação da
linguagem do gênero.
O compositor Anacleto de Medeiros nasceu em Paquetá, filho natural de uma
“crioula liberta”, como consta na sua certidão de nascimento. Ele é apontado como o
criador do schottisch brasileiro. Anacleto foi fundador, diretor e maestro de muitas
bandas, tendo contribuído de maneira fundamental para a fixação dessa formação no
Brasil. A tradição de bandas se reflete até hoje, por exemplo no desenvolvimento de
uma sólida escola de sopros. A banda que se tornou mais famosa sob sua regência foi a
do Corpo de Bombeiros, que chegou a gravar alguns dos discos pioneiros produzidos
no Brasil, nos primeiros anos do século XX.

Anacleto de Medeiros

O flautista e saxofonista Alfredo da Rocha Vianna Filho, o Pixinguinha,
contribuiu diretamente para que o choro encontrasse uma forma definida. Para isso,
introduziu elementos da música afro‐brasileira e da música rural nas polcas, valsas,
tangos e schottischs dos chorões. Ele é considerado o maior chorão de todos os
tempos. É de sua autoria o clássico Carinhoso, música obrigatória no repertório do
choro.


42

O Genial Pixinguinha e Pixinguinha com os 8 Batutas, seu famoso grupo

Outra personalidade de importante na história do choro foi o carioca Jacob Pick
Bittencourt, o Jacob do Bandolim, famoso não só por seu virtuosismo como
instrumentista, mas também pelas rodas de choro que promovia em sua casa, nos
anos 50 e 60. Sem falar na importância de choros de sua autoria, como Remeleixo,
Noites Cariocas e Doce de Côco, que já fazem parte do repertório clássico do choro.

Jacob e seu bandolim e Waldir Azevedo e o cavaquinho

Contemporâneo de Jacob, Waldir Azevedo superou‐o em termos de sucesso
comercial, graças a seu pioneiro cavaquinho e choros de apelo bem popular que veio a
compor, como Brasileirinho (lançado em 1949) e Pedacinhos do Céu.


43
Elaboração e edição da apostila:

Profª Mônica Leme (edição final, textos para 9º Ano – Elementos da Música e História
da Música)
Prof. Affonso Celso (pesquisa e textos – história da música popular brasileira – Lundu,
Modinha, Choro, Maxixe; história da música – classicismo e romantismo, repertório e
exercícios)
Profª Milena Tibúrcio (pesquisa e textos – Elementos da Música)
Carolina Couto (Ilustrações da capa)

Bibliografia:

BENNETT, Roy. Forma e Estrutura na Música. Rio de Janeiro: Zahar Ed., 1986.
BENNETT, Roy. Como Ler uma partitura. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1990.
BENNETT, Roy. Elementos básicos da música. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1998.
GROUT, D. J & PALISCA, C. V. História da Música Ocidental. Lisboa: Gradiva, 2001.
MASSIN, Brigitte e Jean. História da Música Ocidental. Rio de Janeiro: Nova Fronteira,
1998.
SCHAFER, Murray R. O Ouvido Pensante. São Paulo: UNESP, 2003.
SCLIAR, Esther. Elementos de Teoria Musical. São Paulo: Novas Metas, 1985.
SWANWICK, Keith. Ensinando música musicalmente. Rio de Janeiro: Editora Moderna,
2003.
VENEZIANO, Neyde. O teatro de revista. In: O TEATRO através da história. Rio de
Janeiro: Centro Cultural Banco do Brasil, 1994.
WISNIK, José Miguel. O Som e o Sentido. São Paulo: Cia da Letras, 1999.

Enciclopédias e Dicionários:

500 Anos da Música Popular Brasileira – com CD homônimo – Edição do Museu da
Imagem e do Som (MIS‐RJ), 2001.
Dicionário GROVE de Música ‐ Edição concisa. Rio de Janeiro: J. Zahar.

Fontes das Imagens (internet):

Crianças de olhos fechados
http://cms.ich.ucl.ac.uk/website/imagebank/
Homem gritando
http://wyrebc.gov.uk/page.aspx?ImgID=1512
Passarinho cantando
http://www.wacathedral.org/Photos/bird%20singing.jpg
Tuba
http://school.discoveryeducation.com/clipart/images/tuba.gif
Flautim
http://www.xtec.es/trobada/musica/imatges/flauti.gif
Câmara anecóica
http://blog.educastur.es/practicainstrumental/files/2008/03/anecoica‐1.jpg
Músicos chineses
http://pro.corbis.com/images/AABN001276.jpg?size=67&uid=%7BAB8B4BDF‐549D‐4E0E‐A01D‐4914812862E2%7D
Alaúde
http://www.overmundo.com.br/_agenda/img/1205853804_alaude.jpg
Guitarra
http://www.aleac.ac.gov.br/aleac/edvaldomagalhaes/images/stories/guitarra‐papel.jpg
Guido D´Arezzo

44
http://www.cpmusical.com.br/biografias/fotos/CP94.jpg
Chquinha Gonzaga
http://www.vermelho.org.br/diario/2005/0228/chiquinha.jpg
O Bilontra
http://www.unicamp.br/iel/memoria/Ensaios/Bilontra/m33.jpg
Veneza por Canalleto
http://veniceholidayforfamily.com/wp‐content/uploads/2009/01/canaletto.jpg
Carl Philipp Emanuel Bach
http://www.zgapa.pl/zgapedia/data_pictures/_uploads_wiki/b/Bach_Carl_Philipp_Emanuel_1.jpg
Mozart
http://z.about.com/d/classicalmusic/1/5/8/mozart_portrait.jpg
Haydn
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/69/Joseph_Haydn,_målning_av_Thomas_Hardy_från_1792.jpg
Mozart jovem
http://www.codemuse.net/blog/wp‐content/uploads/2008/03/mozartat11_400x300.gif
Beethoven
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6f/Beethoven.jpg
Delacroix
http://2.bp.blogspot.com/_sRnJf6tVRi0/RjXo3ycnXpI/AAAAAAAAALc/u5PWrJFB3fk/s400/A%2BLiberdade%2BGuiando%2Bo%2BPo
vo,%2Bpor%2BEug%C3%A8ne%2BDelacroix..jpg
Chopin foto
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Frederic_Chopin_photo_sepia.jpeg/428px‐
Frederic_Chopin_photo_sepia.jpeg
Chopin retrato
http://www.dartmouth.edu/~music33/Mus33projects/nodes/Chopin/images/chopin4.jpg
Schubert
http://www.german.leeds.ac.uk/RWI/2006_7project1/WWW/Images/Franz_Schubert.jpg
Lizst
http://www.greatscores.com/assets/Biographies/liszt2.jpg
estátua de Schumann em Zwckau
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/Zwickau_Robert_Schumann_Statue.jpg/300px‐
Zwickau_Robert_Schumann_Statue.jpg
Mendelssohn
http://www.hberlioz.com/Photos/Mendelssohn1.jpg
Brahms
http://www.dartmouth.edu/~music33/Mus33projects/nodes/cello/images/brahms.jpg
Wagner
http://www.ofletters.com/composers/wagner.jpg
Carlos Gomes
http://www.visaoreal.com.br/c‐gomes.gif
Lundu de Rugendas
http://www.espacoacademico.com.br/044/044rlundu2.jpg
Caldas Barbosa
http://www.itaucultural.org.br/brasil_brasis/negro/images/negro_sessao1_02.jpg
Duque
http://www.streetswing.com/histmain/gif/1maxb2.gif
Maxixe de Kalixto
http://www.aguaforte.com/osurbanitas6/ZenicolaFoto04.jpg
Arthur Azevedo
http://unisinos.br/blog/biblioteca/files/2008/10/artur‐azevedo.jpg
O Bilontra cartaz
http://www.unicamp.br/iel/memoria/Ensaios/Bilontra/m33.jpg
Callado
http://releaszema.files.wordpress.com/2008/03/joaquim‐callado.jpg
Chquinha Gonzaga
http://wpcontent.answers.com/wikipedia/commons/8/80/Chiquinha_6a.jpg
Nazareth
http://www.ejazz.com.br/images/fotos/nazareth.jpg
http://acervos.ims.uol.com.br/local/Image/nazareth1.jpg
Anacleto de Medeiros
http://www.aprovincia.com/UserFiles/Image/Redacao/Anacleto%20de%20Medeiros%20_%20pt.wikipedia.org%20tt.jpg
Pixinguinha
http://www.musicapopular.org/imagens/pixinguinha_MPO2.jpg
http://farm1.static.flickr.com/37/114779589_d251eb74c3_o.jpg
Jacob do Bandolim
http://www.jacobdobandolim.com.br/jacob/fotos/jacob0007.jpg
Waldir Azevedo
http://userserve‐ak.last.fm/serve/252/441282.jpg

45
Atividade de fixação:
Exercícios de teoria e escrita musicais

1. Escreva abaixo de cada nota, seu nome e sua respectiva numeração:

2. Escreva o nome das notas do exemplo abaixo:

3. Classifique os intervalos abaixo dizendo se é tom ou semitom:


46
4. Observe atentamente o trecho musical abaixo e responda ao questionário,
indicando o compasso correto:

COMPASSO EM QUE ACONTECE O PRIMEIRO SINAL DE ALTERAÇÃO ( )

O SINAL DE RITORNELLO APARECE NO COMPASSO ( )

COMPASSO EM QUE HÁ DUAS NOTAS SI SEMICOLCHEIAS LIGADAS ( )

COMPASSOS EM QUE HÁ DUAS NOTAS FÁ SUSTENIDO LIGADAS ( ) E ( )

A ALTERAÇÃO BEQUADRO APARECE EM QUE COMPASSO ( )

OS SINAIS DE CASA 1 E CASA 2 ESTÃO RESPECTIVAMENTE NOS COMPASSOS ( ) E ( )

O PRIMEIRO PONTO DE AUMENTO APARECE NO COMPASSO ( )

4.1 Ainda observando a partitura do exemplo anterior, responda:

Nota mais aguda da peça?_________________________________________

Que indicação de andamento aparece?_______________________________

Qual é o compasso da música?_____________________________________


47
5. Observe atentamente o trecho musical abaixo e complete as lacunas do
questionário a seguir:

O TRECHO CONTÉM PAUSA DE____________________________________.

O SINAL DE ____________________________________APARECE DUAS VEZES.

EXISTEM QUATRO NOTAS ALTERADAS COM_________________________, DUAS COM
______________________E DUAS COM___________________________NA MÚSICA.

A NOTA MAIS AGUDA DA MELODIA É O_____________________ E A NOTA MAIS
GRAVE É O _____________________.

O COMPASSO DA MÚSICA É________________________. A CLAVE DA MÚSICA É
DE___________________.

O___________________________APARECE APENAS UMA VEZ DURANTE TODO O
TRECHO.

5.1. Ainda em relação partitura anterior, responda:

Que nota aparece em dois compassos consecutivos ligada a um Lá semínima:

a) ( ) Lá colcheia b) ( ) Lá mínima c) ( ) Lá semicolcheia d) ( ) Lá semínima

A segunda nota que aparece com alteração de bequadro é o:

a) ( ) Dó b) ( ) Lá c) ( ) Si d) ( ) Mi

Que figura rítmica aparece apenas uma vez na música:

a) ( ) semínima b) ( ) Colcheia c) ( ) semicolcheia d) ( ) Mí

48
Atividades de fixação:

Classicismo e Romantismo na música

A) Sobre a música do período clássico, pesquise os seguintes pontos e responda:

1. Início e término do período (coloque século ou ano).

2. Quais são os diferentes significados da palavra clássico usados em música?

3. Que fatos sociais inspiraram a música deste período?

4. Comente algumas características musicais do período clássico.

5. Comente sobre a orquestra no classicismo.

6. Que técnica as orquestras deste período começaram a indicar na partitura?

7. Novos instrumentos foram incorporados a prática instrumental. Quais foram
eles?

8. Defina as formas musicais a seguir: Forma Sonata, Sinfonia, concerto clássico e
o quarteto de cordas.

9. Comente sobre a vida de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn, Ludwig
Van Beethoven, indicando algumas de suas peças.


49

B) Sobre a música do período romântico, pesquise os seguintes pontos e
responda:

10. Início e término do período (coloque século ou ano).

11. Como era a vida social do período romântico? Como se refletiam os fatos da
vida social na música?

12. O que significa a palavra romantismo?

13. Comente algumas características musicais do período romântico.
14. O que é a música programática ou descritiva?

15. Que temas inspiraram os românticos? Cite alguns compositores deste período.

16. Que compositor começou a evidenciar o espírito romântico?

17. Comente sobre Chopin e Franz Schubert. Cite características e gêneros que
estes músicos executavam.

18. O que era um estudo?

19. O que é um virtuose? Cite alguns desses músicos.

20. Qual era a concepção de artista da época?

21. Qual era a condição social do músico romântico?

22. Que outras artes influenciaram as composições românticas?

23. Comente sobre Schumann e Mendelssohn. Cite características e gêneros que
24. Comente sobre Brahms e Richard Wagner. Cite características e gêneros que

25. Que importância tem o nacionalismo na música romântica?

26. Comente sobre a orquestra no romantismo.

27. Comente sobre Carlos Gomes.


50
Complete as frases com as palavras do quadro:

HAYDN – CHOPIN – CARLOS GOMES – PAGANINI

BRAHMS – LISZT ‐ WAGNER – MOZART ‐ BEETHOVEN

TCHAIKOWSKY – SCHUMMAN – VERDI

a) ___________________________ é o principal representante do romantismo
no Brasil, sendo de sua autoria a ópera “O Guarani”.

b) Mas_____________________________ foi o compositor e dramaturgo que
inaugurou o “drama musical” ao comandar todo o processo da óperas (do
libreto à musica), criando retomando o conceito da “obra de arte total”.

c) ______________________________foi um grande virtuose do violino no
século XIX. Já no piano se destacou ______________________________.

d) Já ______________________________ foi um mestre do piano, com estilo
bastante sentimental e nacionalista, tendo composto diversos noturnos, valsas
e mazurcas.

e) Outro compositor romântico foi _______________________________, músico
pertencente à escola nacionalista russa.

f) _______________________ ganhou grande destaque no período clássico pela
qualidade e quantidade de composições. Mas quem é considerado o grande
mestre deste período é ______________________________, responsável por
mais de cem sinfonias!

g) O compositor de “Pour Élise” e de “Ode à alegria” foi
_______________________________________.

h) _____________________________ é considerado o grande compositor do
romantismo alemão. Ele exerceu diversas profissões tais como, crítico de arte,
jornalista, escritor e compositor.

i) Outro grande compositor de óperas do romantismo italiano foi
______________, autor da famosa peça “Aída”.

j) O Compositor que dedicou grande parte de sua obra para piano foi
______________, com destaque para a sonata e a variação sobre um tema.


51

SONATA – SINFONIA – QUARTETO DE CORDAS – LIED

CONCERTO – ESTUDO – ÓPERAS – POEMA SINFÔNICO

a) A _______________________ ganhou grande destaque no período clássico
junto com a _______________________________, peça em quatro
movimentos cujo grande mestre foi Haydn, que compôs mais de cem delas!

b) O____________________________ foi um tipo de composição surgido no
século XIX feita para o aperfeiçoamento técnico em instrumentos.

c) Surgido na pratica musical do período barroco, o ____________________ se
desenvolveu no século XVIII como um dos mais importantes gêneros
instrumentais do período clássico, preservando a forma em 3 movimentos
(rápido – lento – rápido).

d) Também conhecida por “Drama Musical”, a _____________________ reúne
diversos elementos como cenário, roteiro, história, personagens executadas
com música, geralmente tocada por uma orquestra.

e) Haydn foi um grande compositor de __________________________________,
que é formado por dois violinos, uma viola e um violoncelo.

f) O __________________________________, como o próprio nome já diz, é a
associação entre um texto literário e música, como trilha sonora da história.

g) Um estilo de canção popular muito utilizado por Schubert foi o
___________________.

52

Lundu

1. Complete as lacunas do texto logo abaixo, com as palavras do quadro:

BATUQUES – RODA – DANÇA – UMBIGADA
ESCRAVOS – AFRICANA – PERCUSSÃO

CORDAS – BANDOLIM – PALMAS - LUNDU

a) Inicialmente, o lundu foi uma____________________de _________________
trazida e executada pelos______________________ de origem
_____________________. Eles costumavam se reunir nas horas de lazer para
fazer ____________________tocando principalmente instrumentos de
_________________ e _________________________, como o
_______________________.

b) A coreografia dança do __________________________________tinha como
característica marcante a ____________________________ e seus
participantes também executavam ____________________ para acompanhar
a música.

2. Leia os textos da apostila sobre o lundu‐canção e responda:

2.1. Identifique duas características das letras de lundu.
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
______________________________________________________________________

2.2. Na sua opinião, quais são as semelhanças e/ou diferenças entre as letras de lundu
e as letras do funk que é feito atualmente?
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
______________________________________________________________________

2.3 Cite duas características musicais do lundu.
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________

2.4 Retire do texto dois compositores de lundu.
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________

53

Modinha

I. Leia o texto sobre modinha da apostila e responda:

1. O que significava em Portugal e no Brasil do século XVIII a palavra “moda”?
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
______________________________________________________________________

2. Quem foi o primeiro músico a utilizar a palavra “modinha” para identificar suas
canções?
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________

3. O que podemos dizer da temática das letras de modinha?
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________

4. Quem foi o primeiro compositor de modinhas a se destacar no início do século
XIX? Que instrumentos ele executava?
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________

II. Leia a letras da canção abaixo, e responda as questões:

Hei de Amar‐te até morrer (autor desconhecido)

Desde o tempo de criança eu te amava e te queria
Tinha sempre a esperança de viver contigo um dia
Mas o tempo foi passando e crescemos juntamente
E depois nossos caminhos se tornaram diferentes.

Eu te amava, tu me amas, fomos dois apaixonados
E agora tu não queres, reviver nosso passado!
Hoje estou no esquecimento a sofrer amargamente
Porque o teu pensamento transformou‐se de repente
Sem pesar que um certo dia fosse me fazer sofrer,

54
Te entreguei meu coração, hei de amar‐te até morrer!

Eu te amo, eu te adoro, sou um triste apaixonado
E tu negas teu carinho a quem por ti vive amargurado!

1. Qual é o tema da letra?
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
______________________________________________________________________

2. Escolha algumas palavras presentes no texto que justifiquem a resposta
anterior.
R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
______________________________________________________________________

3. Escreva um poema de amor baseado nas letras de modinha da apostila.

R:_____________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________

55

Maxixe

I. Leia o conteúdo sobre maxixe e complete as frases dos textos:

1. O maxixe é considerado a primeira__________________________ criada no
Brasil. Podemos dizer que o maxixe nasceu da união de diversas danças como
a_____________________, a____________________ e o
____________________. O aparecimento da música maxixe se deu
aproximadamente no_________________ do século XIX. Os instrumentos que
executavam a música maxixe eram os mesmos dos conjuntos de choro da
época como a_______________, o _______________ e o
_____________________.

2. A valsa é o gênero pioneiro na dança de par_________________. Ela
geralmente possui ritmo___________________. Ela fez muito sucesso na elite
aristocrática do Rio de Janeiro de_______________________ até___________.
Já a polca possuía compasso_________________, e um caráter
mais________________ do que a valsa.

3. A palavra maxixe sofreu muita__________________ e foi até mesmo
_________________ em fins do século XIX. Para fugir do preconceito, Ernesto
Nazareth costumava chamar seus maxixes de_______________________. A
dança do maxixe, assim como a valsa e a polca, permitia o
_________________________ mas adicionava ainda
os________________________ do Lundu.

II. Leia o texto “problemas com a censura” e responda as questões:

1. O maxixe era uma dança muito popular? Justifique sua resposta.
R:__________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________

2. Segundo a matéria, quem era considerada a “rainha do maxixe”? Como se
chamava seu testro de revista que foi censurado na época?
R:__________________________________________________________________
____________________________________________________________________
___________________________________________________________________

3. Qual era a razão para se escrever tango brasileiro e não maxixe nas partituras?
R:__________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
___________________________________________________________________

56

4. Qual é o público que freqüentava os salões de baile e as sociedades
carnavalescas onde se praticava o maxixe?
R:__________________________________________________________________
___________________________________________________________________

5. Como o texto define o maxixe?
R:__________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________

História do Choro

1. Marque a alternativa correta:

1.1 Um instrumento característico do choro é o:

( a ) xilofone ( b ) o violão de 7 cordas ( c ) baixo elétrico

1.2 Uma característica marcante do choro é:

( a ) o improviso ( b ) o virtuosismo ( c ) a variação

1.3 Além do maxixe, outras danças fazem parte do repertório do choro, entre elas:

( a ) a valsa e a polca ( b ) a habanera e o funk ( c ) o charme e o samba

1.4 O criador do conjunto original de choro composto por dois violões,
cavaquinho e flauta foi:

( a ) Pixinguinha ( b ) Joaquim Callado ( c ) Ernesto Nazareth

1.5 1.4 O instrumento de Chiquinha Gonzaga foi o:

( a ) cavaquinho ( b ) piano ( c ) baixo

1.6 Ernesto Nazareth denominava suas composições de:

( a ) maxixe ( b ) tango brasileiro ( c ) rock

1.7 Pixinguinha foi flautista do conjunto:

( a ) Oito Batutas ( b ) Época de Ouro ( c ) Choro Carioca


57

1.8 Os Dois principais instrumentos de Pixinguinha foram:

( a ) violão e bandolim ( b ) pandeiro e viola ( c ) flauta e saxofone

1.9 Os instrumentos de Jacob Pick Bitencourt e Waldir Azevedo eram respectivamente:

( a ) o bandolim e o violão ( b ) o cavaquinho e o violão ( c ) o bandolim e o cavaquinho

1. 10 O bandolinista Jacob do Bandolim fundou o conjunto:

( a ) Noites Cariocas ( b ) Oito Batutas ( c ) Época de Ouro

2. Relacione as colunas cada música com seu respectivo compositor:

(1) FLOR AMOROSA ( ) PIXINGUINHA

(2) ODEON ( ) ERNESTO NAZARETH

(3) CARINHOSO ( ) JACOB DO BANDOLIM

(4) OS BOHÊMIOS ( ) CHIQUINHA GONZAGA

(5) BRASILERINHO ( ) ANACLETO DE MEDEIROS

(6) DOCE DE CÔCO ( ) JOAQUIM CALLADO

(7) BREJEIRO ( ) WALDIR AZEVEDO

(8) CORTA‐JACA


58

FICHA DE AVALIAÇÃO SOBRE FILMES DE CHORO
DATA: ____/____/_____

DUPLA:
Nome: ______________________________________________ turma: _____ nº ___
Nome: ______________________________________________ turma: _____ nº ___

Atividade de fixação (valor = 1,0)

1. O instrumento e a maior contribuição musical de Joaquim Calado foram:
( ) O cavaquinho e o lundu “Beijos de frade”
( ) A flauta e a polca “Flôr Amorosa”
( ) O bandolim e o choro “Noites Cariocas”

2. Os primeiros conjuntos de choro eram formados por instrumentos de:
( ) origem européia e africana ( ) origem portuguesa ( ) origem carioca

3. Que gênero musical fornecia a maior parte do repertório dos primeiros chorões:
( ) a valsa ( ) a modinha ( ) a polca

4. Pixinguinha era flautista do grupo:
( ) Oito batutas ( ) Choro carioca ( ) Época de Ouro

5. Quem é considerado o maior dos chorões:
( ) Ernesto Nazareth ( ) Pixinguinha ( ) Jacob do bandolim

6. Na época de Déo Rian, o conjunto Época de Ouro possuía:
( ) 4 integrantes ( ) 5 integrantes ( ) 6 integrantes

7. A primeira composição de Ernesto Nazareth intitulada “Você bem sabe” é uma:
( ) valsa ( ) polca ( ) tango brasileiro

8. Ernesto Nazareth compôs__________________ em homenagem a sala de cinema carioca de
mesmo nome.

9. Ernesto Nazareth teve grande reconhecimento:
( ) no Rio de Janeiro ( ) na semana de arte de moderna de 1922 ( ) em vida

10. Entre polcas, valsas, tangos, Ernesto Nazareth compôs:
( ) mais de 50 composições

11. Na animação um “Choro de Menino”, os chorões retratados são os músicos:
( ) Pixinguinha, Donga e Ernesto Nazareth
( ) Pixinguinha, Donga e João da Baiana
( ) Donga, Jacob do Bandolim e Chiquinha Gonzaga

59
12. A história da animação se passa na__________________________ do Rio de Janeiro.

13. No documentário “Brasileirinho”, o choro é considerado:
( ) o primeiro gênero de música brasileira
( ) a primeira música urbana genuinamente brasileira
( ) o gênero de música brasileira mais conhecido no mundo

14. Acontece em frente à Igreja da Glória uma___________________________________.

15. Segundo o trombonista Zé da Velha, uma característica comum do choro e do jazz é a:
( ) improvisação ( ) variação ( ) ornamentação

16. O contracanto é uma técnica de tocar que o trombonista herdou de:
( ) Luiz americano ( ) Abel Ferreira ( ) Pixinguinha

17. Os meninos de Cordeiro estão tocando no ônibus um:
( ) Choro ( ) Lundu ( ) Samba

18. De acordo com Luciana Rabelo, o choro foi também uma grande inspiração para um
grande compositor erudito brasileiro. Ele se chama:
( ) Heitor Villa‐Lobos ( ) Carlos Gomes ( ) Tom Jobim

19. O músico Yamandú está interpretando “Brejeiro” no:
( ) violão de 6 cordas ( ) violão de 7 cordas ( ) Bandolim

20. Qual dos filmes você gostou mais? Faça um comentário sobre sua escolha.

R:___________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________

60
Hinos Oficiais

Hinos Oficiais

Hino Nacional Brasileiro
Poema: Joaquim Osório Duque Estrada
Música: Francisco Manoel da Silva

I II
Ouviram do Ipiranga as margens Deitado eternamente em berço
plácidas esplêndido,
De um povo heróico o brado Ao som do mar e à luz do céu profundo,
retumbante, Fulguras, ó Brasil, florão da América,
E o sol da liberdade, em raios fúlgidos, Iluminado ao sol do novo mundo!
Brilhou no céu da pátria nesse instante.
Do que a terra mais garrida
Se o penhor dessa igualdade Teus risonhos, lindos campos têm mais
Conseguimos conquistar com braço flores;
forte, "Nossos bosques têm mais vida",
Em teu seio, ó liberdade, "Nossa vida" no teu seio "mais
Desafia o nosso peito a própria morte! amores".

Ó pátria amada, Ó pátria amada,
Idolatrada, Idolatrada,
Salve! Salve! Salve! Salve!

Brasil, um sonho intenso, um raio Brasil, de amor eterno seja símbolo
vívido O lábaro que ostentas estrelado,
De amor e de esperança à terra desce, E diga o verde‐louro dessa flâmula
Se em teu formoso céu, risonho e ‐ Paz no futuro e glória no passado.
límpido,
A imagem do cruzeiro resplandece. Mas, se ergues da justiça a clava forte,
Verás que um filho teu não foge à luta,
Gigante pela própria natureza, Nem teme, quem te adora, a própria
És belo, és forte, impávido colosso, morte.
E o teu futuro espelha essa grandeza.
Terra adorada
Terra adorada, Entre outras mil,
Entre outras mil, És tu, Brasil,
És tu, Brasil, Ó pátria amada!
Ó pátria amada!
Dos filhos deste solo és mãe gentil, Dos filhos deste solo és mãe gentil,
Pátria amada, Pátria amada,
Brasil! Brasil!
61
HINO DOS ALUNOS DO CP2

Letra: Hamilton Elia
Música: Francisco Braga

Nós levamos nas mãos, o futuro
De uma grande e brilhante Nação
Nosso passo constante e seguro
Rasga estradas de luz na amplidão.

Nós sentimos no peito, o desejo
De crescer, de lutar, de subir
Nós trazemos no olhar o lampejo
De um risonho e fulgente porvir.

Vivemos para o estudo
Soldados da ciência
O livro é nosso escudo
E arma a inteligência.

Por isso sem temer
Foi sempre o nosso lema
Buscarmos no saber
A perfeição suprema.

Estudaram aqui, brasileiros
De um enorme e subido valor
Seu exemplo, segui companheiros
Não deixemos o antigo esplendor.

Alentemos ardente a esperança
De buscar, de alcançar, de manter
No Brasil a maior confiança
Que só pode a ciência trazer.

Vivemos para o estudo
Soldados da ciência
O livro é nosso escudo

62
E arma a inteligência.

Por isso sem temer
Foi sempre o nosso lema
Buscarmos no saber
A perfeição suprema.

Tabuada

‐Ao Pedro II, tudo ou nada?
‐Tudo!
‐Então, como é que é?
‐É tabuada!
‐3 x 9, 27
‐3 x 7, 21
‐menos 12, ficam 9
‐menos 8, fica 1.
‐Zum, zum, zum,
‐Paratimbum,
‐Pedro II !


63
Hino à Bandeira Nacional

Letra: Olavo Bilac
Música: Francisco Braga

Salve, lindo pendão da esperança, Contemplando o teu vulto
Salve, símbolo augusto da paz! sagrado,
Tua nobre presença à lembrança Compreendemos o nosso dever;
A grandeza da Pátria nos traz. E o Brasil, por seus filhos amados,
Poderoso e feliz há de ser.
Recebe o afeto que se encerra
Em nosso peito juvenil, Recebe o afeto que se encerra
Querido símbolo da terra, Em nosso peito juvenil,
Da amada terra do Brasil! Querido símbolo da terra,
Da amada terra do Brasil!
Em teu seio formoso retratas
Este céu de puríssimo azul, Sobre a imensa Nação Brasileira,
A verdura sem par destas matas, Nos momentos de festa ou de
E o esplendor do Cruzeiro do Sul. dor,
Paira sempre, sagrada bandeira,
Recebe o afeto que se encerra Pavilhão da Justiça e do Amor!
Em nosso peito juvenil,
Querido símbolo da terra, Recebe o afeto que se encerra
Da amada terra do Brasil! Em nosso peito juvenil,
Querido símbolo da terra,
Da amada terra do Brasil!


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