acontecia.

As telas eram pintadas ao

Impressionismo ar livre, o objetivo era criar obras
espontâneas, inspiradas na natureza.
A primeira vez que o público teve
contato com a obra dos
O impressionismo foi um movimento impressionistas foi numa exposição
artístico surgido na pintura no final do coletiva realizada em Paris, em abril
século XIX, na França, vivia-se neste de 1874. Mas, o público e a crítica
momento a chamada Belle Époque, ou reagiram muito mal ao novo
Bela Época. Influenciou também a movimento, pois ainda se mantinham
música, que passou a adotar suas fiéis aos princípios acadêmicos da
ideias por volta de 1890. pintura.
O termo impressionismo surgiu devido
a um dos primeiros quadros de Monet,
"Impressão, nascer do sol", de uma
crítica feita ao quadro pelo pintor e
escritor Louis Leroy: "Impressão,
nascer do Sol” – eu bem o sabia!
Pensava eu, justamente, se estou
impressionado é porque há lá uma
impressão. E que liberdade, que
suavidade de pincel! Um papel de
parede é mais elaborado que esta
Características do movimento
cena marinha." A expressão foi usada
originalmente de forma pejorativa, mas impressionista
Monet e seus colegas adotaram o
título, tendo consciência da revolução
O impressionismo foi um movimento
que estavam a iniciar na pintura.
O movimento foi um marco na arte artístico que revolucionou a pintura e
moderna. Os autores impressionistas deu inicio às tendências artísticas do
não mais se preocupavam com os
século XX. Os artistas seguiam
ensinamentos do Realismo ou da
academia, e mesmo se mantinham algumas considerações práticas em
alguns aspectos do realismo, não se seus procedimentos técnicos pra obter
comprometiam com denúncia social.
o resultado característico da pintura
Reproduziam paisagens urbanas e
suburbanas. Os pintores impressionista.
impressionistas pesquisavam a
produção pictórica, não se As principais características do
interessavam em temáticas nobres ou
movimento são:
no retrato fiel da realidade e sim na
criação de novas formas de registrar a
 A pintura deve registrar as
luz e as cores, decompondo-as,
captando o instante em que a ação tonalidades que os objetos
 adquirem ao refletir a luz solar  As figuras não devem ter
num determinado momento, contornos nítidos, pois a linha é
pois as cores da natureza se uma abstração do ser humano
modificam constantemente, para representar imagens.
dependendo da incidência da
luz do sol.
 Os contrastes de luz e sombra
devem ser obtidos de acordo
com a lei das cores
complementares. Por exemplo,
um amarelo próximo a um
violeta produz uma impressão
de luz e de sombra muito mais
real do que o claro-escuro tão
valorizado pelos pintores
barrocos.
Principais artistas:
 As sombras devem ser
luminosas e coloridas, tal como
é a impressão visual que nos
causam, e não escuras ou
Claude Monet:
pretas, como os pintores
costumavam representá-las no
Monet nasceu na França, no ano de
passado.
1840. Tornou-se um grande pintor e
 As cores e tonalidades não
um dos mais importantes
devem ser obtidas pela mistura
representantes do impressionismo. Foi
das tintas na paleta do pintor.
uma de suas pinturas, “Impressão:
Pelo contrário, devem ser puras
Nascer do Sol”, que deu nome ao
e dissociadas nos quadros em
movimento artístico impressionista.
pequenas pinceladas. É o
Suas obras tinham como temática
observador que, ao admirar a
principal, as paisagens da natureza.
pintura, combina as várias
Trabalhava luzes e sombras de forma
cores, obtendo o resultado final.
harmoniosa, criando imagens belas e
A mistura deixa, portanto, de
fortes. Monet teve uma catarata no fim
ser técnica para ser óptica.
da sua vida, a doença o atacou por
causa das muitas horas com seus
olhos expostos ao sol. Durante sua
doença, Monet não parou de pintar,
usou nessa época de sua vida cores
mais fortes como o vermelho-carne e
vermelho goiaba, cor tijolo, entre
outros verdes, rosas, vermelhos e
cores mais fortes.

Em 1883, ele decide morar numa

pequena propriedade no campo em
Giverny, no vale do Sena. Ele se torna
proprietário em 1893 e ali cria um
"jardim d'água" cujas flores de lótus,
íris e chorões se tornarão conhecidas "Mulher com Sombrinha" ou "O Passeio"
mundialmente graças as pinturas de (1875) óleo sobre tela, 100 cm x 81 cm
seu jardineiro.
Em 1885 aparecem os primeiro destes
quadros sob o nome de "jardins
d'água". A seguir virá o tema do Lago Esta obra pertence a uma série de
das Ninfeias (ou Nenúfares), série de pinturas de Monet durante os verões
250 quadros pintados à óleo. de 1875 e 1876, e que representam o
Monet morreu em Giverny, em 5 de jardim da sua nova casa em
dezembro de 1926. Argenteuil e campos cobertos de
papoilas perto de Colombes e
Gennevilliers.
A sua primeira esposa Camille e o seu
filho Jean (que teria aproximadamente
8 anos) servem de modelo para a
obra. O mais incomum é que ambos
são vistos de baixo para cima. Este
enquadramento mais casual é uma
influência direta da fotografia, que no
período de desenvolvimento do
impressionismo começava a ser
explorada pelos artistas.
"Mulher com Sombrinha" foi pintado
ao ar livre, provavelmente em uma
única sessão de várias horas de
duração. Monet pretendia que a obra
transmitisse o sentimento de um
passeio familiar casual ao invés de
um retrato formal, e usou pose e
colocação para sugerir que sua
esposa e filho interromperam o
passeio enquanto ele capturava sua
imagem. O dia está ensolarado e o
céu cheio de nuvens brancas,
passando ao observador uma
sensação de tranquilidade e frescor,
pois a luz e a brisa parecem
ultrapassar os limites da tela. A
brevidade do momento retratado aqui
é transmitida por um repertório de
pinceladas dinâmicas, rápidas e
longas, de cor vibrante, características
do estilo de Monet, fundamentais na
construção. A luz solar brilha por trás
de Camille para clarear o topo de sua
sombrinha e o pano que flui em suas
costas, enquanto o amarelo das flores
silvestres exibem-se abaixo.
Doze anos após a pintura em que
Camille e Jean serviram de modelo (e "Impressão: Nascer do Sol" (1872) óleo
sete anos após a morte de Camille), sobre tela, 48 x 63cm
Monet voltou ao mesmo tema, só que
dessa vez sem a presença de uma
criança. Suzanne Hoschedé, uma das A obra demonstra a inovação do
filhas da sua companheira Alice, serve artista ao capturar o momento em que
de modelo. Com ela, fez duas o sol atravessa o nevoeiro na baía de
composições: Ensaio de Figura ao Ar Le Havre, na Normandia. A imagem
Livre, Voltada à Direita e Ensaio de
proporciona ao observador a sensação
Figura ao Ar Livre, Voltada à
de quase sentir a umidade do ar e o
Esquerda.
calor crescente do sol, que se ergue
"O Passeio" encontra-se na National no horizonte. Pela captação da
Gallery of Art em Washington. impressão transeunte da cena, a tela
foi considerada revolucionária para a
época.
A composição foi perfeitamente
organizada por Monet, com a linha de
barcos e o porto chamando a atenção
para a esquerda enquanto o sol e seu
reflexo atraem o olhar do espectador,
de maneira a garantir o equilíbrio. Um
olhar mais atento pode revelar como a
mudança da luz sobre as águas
consegue criar uma ideia de "A dor passa, mas a beleza
perspectiva. permanece", disse Renoir, mestre em
fixar em suas telas a luz, o brilho e a
Para oferecer a sensação de
beleza das coisas. Junto a Monet,
profundidade na água, Monet usava
Renoir tinha a teoria de que as
cores como azul e violeta traçadas
sombras eram reflexos dos objetos à
sobre o rosa e o laranja, que tinham
sua volta, portanto, eram
como objetivo representar o reflexo do
multicoloridas, e não tons de preto e
sol.
marrom como eram comumente
O reflexo da luz alaranjada do Sol no representadas no realismo.
rio foi criada pela utilização da técnica Renoir não parou de pintar mesmo
denominada Empasto, onde a tinta é quando o corpo começou a fraquejar.
espalhada numa área da tela, ou Já no fim de sua vida, sofrendo de
mesmo em toda a tela, de forma tão artrite e preso a uma cadeira de rodas,
espessa que as marcas dos objetos ele não abriu mão de continuar
utilizados para pintar (pincel, espátula) criando. Quando a doença limitou os
são visíveis na obra. Quando seca, a movimentos de seus dedos, ele
tinta cria o efeito de textura e alto amarrou um pincel na mão para que
relevo. pudesse continuar pintando.

A obra encontra-se no Museu Em 1919, Renoir finalmente viu suas

Marmottan-Monet em Paris ,depois de obras serem aceitas no Louvre. Em
ter sido roubada em 1985 e dezembro daquele ano, morreu em
recuperada em 1990. sua casa de Cagnes, aos 78 anos.

“Renoir”, disse um escritor

contemporâneo, “talvez seja o único
pintor que nunca produziu uma pintura
triste”.
Pierre-Auguste Renoir:

Pierre-Auguste Renoir nasceu em

família modesta, na França, em 25 de
fevereiro de 1841.
Em 1855, Renoir, com o intuito de
adquirir um ofício, foi trabalhar em
uma fábrica de porcelana, onde seus
talentos de desenho o levaram a ser
escolhido para pintar em porcelana
fina. Renoir também pintou cortinas
para missionários do exterior, antes de
se matricular em uma escola de arte.
Durante os primeiros anos, o artista
fazia visitas ao Louvre para estudar os
pintores franceses.
 controlada que ele coloca em suas
mãos para não segurá-la muito
forte, e no cuidado de conduzi-la
em um giro quase desajeitado,
tamanha concentração afetuosa. E
a mulher, com o corpo arqueado
seguindo os movimentos da dança,
vira o rosto e olha para longe -
timidamente encantada com o
prazer que inspira em seu
companheiro e em si mesma.
O branco intenso do vestido em
harmonia com o vermelho vibrante
do chapéu parece criar o foco da
atenção, tanto do homem, quanto
do observador.
Em contraste com a moça, cuja
identidade é exposta, seu
companheiro permanece no
anonimato, com a metade superior
do rosto sendo coberta por um
chapéu de palha.

Dança no Bougival (1883) óleo sobre tela, A pintura atualmente se encontra

181,9 x 98,1 cm no Museum of Fine Arts, em
Boston, nos Estados Unidos. É
conhecida como "a obra mais
amada do museu".

Os cafés ao ar livre do subúrbio

Bougival, na parte do rio Sena fora
de Paris, eram locais de recreação
populares para os moradores da
cidade, incluindo os pintores
impressionistas.
A mulher (Suzanne Valadon) e seu
companheiro ( Paul Auguste Llhote)
estão destacados de seus
arredores, envolvidos em seu
próprio universo. Mesmo um
simples olhar revela a adoração
que o homem tem pela moça, o que
pode ser percebido pela tensão
 proporcionado pelo baile ao ar
livre, como um momento de
evasão dos problemas
cotidianos. A jovem que está
sentada em primeiro plano
tem uma expressão risonha e
adota uma postura confortável
e de uma grande naturalidade.
O seu vestido listrado revela-
se exagerado e atrevido,
dando um ar de modernidade
em relação à época retratada
na obra. Os gestos dos
personagens são potenciados
pelos efeitos de luz e de cor. A luz é
tratada com grande mestria ao incidir
sobre as figuras da cena e, inclusive,
sobre o terreno onde se baseia o baile.
Baile do Moulin de la Galette (1876) óleo
A obra possui grande quantidade de
sobre tela, 75.5 cm x 99 cm
detalhes, que dão impressão de ser
uma fotografia. Todos os personagens
da cena ostentam diferentes
expressões faciais, conferindo
movimento e dinamismo à pintura. E
apesar de ser considerada uma das
O quadro mostra, de uma forma alegre
maiores artes impressionistas de todos
e muito colorida, a multidão que se
os tempos, O Baile no Moulin de la
dirigia, em busca de diversão, ao baile
dos domingos do conhecido Moulin de Galette foi alvo de algumas críticas
la Galette. O Moulin de la Gallete foi devido ao aspecto de "borrado" que as
um moinho que se transformou em pinceladas dão à pintura.
clube noturno, situado em
Montmartre, na França.
A obra está atualmente no Museu
Alguns amigos do artista aparecem D'Orsay, em Paris, França.
retratados nesta obra. O casal que
dança à esquerda é composto por
Margot (sua modelo preferida) e pelo
pintor cubano Solares. As jovens ao
centro são as irmãs Estelle e Jeanne
( esta última também modelo do
pintor).

O destaque nesta obra é a

despreocupação com que a multidão
desfruta do ambiente descontraído
Edgar Degas:

Edgar Hilaire Germain de Gas,

conhecido apenas por Edgar Degas,
foi um importante pintor, escultor e
gravurista francês.
Nasceu em 19 de julho de 1834 em
Paris e faleceu, na mesma cidade, em
27 de setembro de 1917. Embora suas
obras possuíssem fortes elementos do
realismo e do renascimento italiano,
fez parte do movimento artístico
conhecido como impressionismo. Suas
obras, sobretudo da última fase,
apresentam elementos do
Modernismo.

A Primeira Bailarina (1878) pastel, 58 cm

As obras de Degas são marcadas pela x 42 cm
suavidade. Suas primeiras pinturas
eram caracterizadas pelo uso de cores
em tom pastel, e na década de 1860,
passou a utilizar cores mais vibrantes.
Suas pinturas apresentavam temas
como óperas, concertos, bailarinas,
paisagens, mulheres nuas e cavalos Na obra, a bailarina parece flutuar e o
de corrida. ambiente em torno dela é inspirador e
Degas gostava tanto do movimento implacável ao mesmo tempo. É
suave das bailarinas que chegou a possível ver na obra uma espécie de
reproduzir cerca de 1500 obras com o negação ao estilo impressionista de
tema. Degas, um momento de quebra de
dogmas da técnica que lhe garantiu o
"Chamam-me o pintor das bailarinas", sucesso. Isso fica aparente com os
dizia Degas com tristeza, "não tons quentes e brilhantes.
compreendem que a bailarina é um
pretexto para reproduzir o movimento
fluido." Segundo interpretações da obra, a
bailarina retratada é uma jovem artista
de poucos recursos, de uma família
que vivia de miséria, tinha uma irmã
prostituta e ela própria vendeu o corpo
como sustento para a vida artística.
Ao retratá-la Degas expõe a hipócrita
sociedade aristocrática parisiense que
cultivava a futilidade como uma tela da
realidade. força dominante junto com os vestidos
cor-de-rosa vibrantes das bailarinas.
Esses fatores combinam-se para formar
uma forma sobreposta no lado esquerdo
da imagem. O poder dos vestidos é
aumentado pelos rostos cobertos por
sombras, que ainda mantêm seu domínio,
mas menos do que se estivessem na luz.
Ao observar a pintura por um tempo
maior, surge a vontade de olhar para a
esquerda, mas não podemos ver o que as
bailarinas estão vendo, por isso os olhos
são levados de volta para elas, depois de
um rápido desvio para as bailarinas de
azul. É uma ciclo de ida e volta
frequentemente usado pelo
artista.

Bailarinas em Rosa (1880 - 1885) óleo

sobre tela

Degas disse: "A beleza é um mistério" e

"Bailarinas em Rosa" é uma das pinturas
mais bonitas do artista. A composição da
pintura é tão maravilhosa e complexa que
exige um olhar mais atento.
O movimento primário é da direita para a
esquerda, o que vai contra o padrão de
leitura da esquerda para a direita. Quatro
cabeças olham à esquerda e essa é a