HISTÓRIA DA ARTE

APOSTILA 1

2012

PROFª GENI CONCEIÇÃO ZOTTOLA BENEDITO

1
Sumário
1. SONDAGEM p. 3

1.1. Ativismo com arte p. 3 e p. 4

1.2. O que é a arte? p. 4

1.3. Leitura de interpretação p. 5

1.4. Leitura de imagem p. 6 e p.7

2. ARTE NA PRÉ-HISTÓRIA p. 8 à p. 10

3. ARTE ANTIGA p. 11

3.1. Arte Egípcia p. 11 à p. 13

3.2. Arte Grega p. 14 à p. 17

3.3. Arte Romana p. 18 à p. 20

4. ARTE MEDIEVAL p. 21

4.1. Arte Bizantina p. 21 à p. 22

4.2. Arte Gótica p. 23 à p. 24

4.3. Arte Românica p. 25 à p. 26

5. ARTE RENACENÇA p. 27

5.1. Renascimento II p. 27 à p. 31

Referencia p. 32

Gabarito p. 32

2
 1. SONDAGEM

A história da arte é uma disciplina que estuda a evolução das expressões

artísticas, a constituição e a variação das formas, dos estilos, dos conceitos
transmitidos através das obras de arte.
Costuma referir-se à história das artes visuais mais tradicionais, como a
pintura, escultura e arquitetura.
A idéia sobre definições de arte tenham sofrido mudanças ao longo do
tempo, neste campo da história tenta categorizar as mudanças ao longo do tempo e
compreender melhor a forma como a arte modela e é modelada pelas perspectivas e
impulsos criativos dos seus praticantes.

1.1. ATIVISMO COM ARTE - AI WEIWEI

É um artista contemporâneo chinês, filho do poeta chinês Ai Qing, é um

ativista que luta pelos direitos humanos. Ele busca liberdade de expressão em uma
cultura fechada como a chinesa, que está sob o governo do Partido Comunista da
China.
O artista utiliza a internet para divulgar suas ideias e sua oposição ao
regime político e obras são comprometidas com as questões sociais e políticas, com
conceitos e elegância visual. Dessa forma ele atinge diversas pessoas, rompendo a
linha entre a arte e a vida real.
Nos anos de 1981 e 1993, viveu em Nova York, estudando na Parson
School of Design e na Art Students League. Logo depois voltou a Pequim e tornou-se
um dos líderes da arte contemporânea chinesa, fundando uma galeria de arte
contemporânea, China Archives & Warehouse e uma empresa de arquitetura e design,
Fake.
Este artista já mostrou suas obras em diversos museus e exposições ao
redor mundo, participando de importantes mostras, como a Documenta Kassel, na
Alemanha, a Bienal Internacional de Veneza, na Itália, e a Bienal Internacional de São
Paulo, no Brasil. Em 2008, colaborou com a criação do Estádio Olímpico da Pequim, o
"Ninho", junto com os arquitetos Jacques Herzog e Pierre de Meuron

Sunflower seeds Snake Bag

Ele trabalha com instalações de grande porte, como Sunflower seeds, com
100 milhões de sementes de girassol feitas de porcelana, fabricadas e pintadas à mão,
como pequenas esculturas criadas uma a uma, por centenas de pessoas, trazendo um
novo olhar ao fenômeno “Made in China”.

3
 A obra Snake Bag, o artista utiliza diversas mochilas infantis para criar um
monumento em homenagem as mais de cinco mil crianças, vítimas do
desmoronamento das escolas, durante o terremoto em Sichuan.
Sua busca por liberdade de expressão lhe trouxe muitos problemas, o
governo por diversas vezes já tirou seu site do ar e o colocou em prisão domiciliar. Em
abril de 2011, ele foi preso, devido à repressão a artistas e intelectuais pelo governo
chinês, com medo de uma revolução inspirada pelas manifestações pró-democracia,
como as ocorridas no Oriente Médio.
O artista ficou desaparecido por 81 dias. Muitos países e grupos de direitos
humanos criticaram sua prisão, vários museus e entidades relacionadas às artes
manifestarão pela sua soltura.
O artista foi libertado, mais ficou proibido de usar o Twitter e de conceder
entrevistas e relatar o que passou durante sua prisão.
Em outubro de 2011 foi eleito o artista número 1 de uma lista de 100 pessoas
mais poderosas do mundo na arte contemporânea pela revista britânica “ Art Review”,
devido a seu ativismo e suas práticas artísticas que ultrapassam os limites de museus
e galerias.
ATIVIDADE:
Pesquisar sobre a vida do artista estudado e criar uma obra de arte, com um objeto
pessoal, que tenha algum valor sentimental ou tradicional, com base na obra do Artista
A obra de arte deverá ser fotografada e anexada ao trabalho da biografia do mesmo e
logo após justificar o porquê que o objeto foi selecionado.

1.2. O QUE É A ARTE?

No inicio da pré-história os homens desenhavam e esculpiam em pedras,

dando início as primeiras manifestações artísticas da história da arte.
Com o tempo as sociedades se modificaram muito, o conhecimento se
expandiu com as novas descobertas e uma infinidade de materiais diferentes surgiu
para a criação artística.
O homem, até o século XVIII, utilizava telas e as paredes para pintar, criou
ferramentas para esculpir a madeira e modelar o barro. Desenvolveu a arquitetura
criando e construindo templos, palácios e igrejas.
A pintura, a escultura, o teatro, a música e a arquitetura eram as
manifestações artísticas predominantes.
No século XIX com a “descoberta” da fotografia, houve uma profunda
mudança na maneira de representar a natureza e de retratar as pessoas. Até então,
esta era uma função da pintura, que demorava anos para ficar pronta. Com a fotografia
retratar pessoas e paisagens demora alguns segundos.
Muitos pintores acusaram a fotografia de matar a pintura. Mas, foi através
dessa adaptação cultural, que ocorreram diversas manifestações artísticas
completamente novas.
Surge o cinema em conseqüência da fotografia, que passa a criar a “ilusão”
de movimento, retratando e criando histórias fantásticas.
No começo do século XX com tantas novidades, técnicas e materiais
diversos, as manifestações artísticas foram se transformando e se somando de uma
maneira muito rápida.
Os computadores, sensores e internet, a arte está passando por outra
transformação profunda, na sua maneira de ser produzida e de ser recebida pelo
público.
4
 1.3. LEITURA DE INTERPRETAÇÃO

Quadro de Cândido Portinari

Olhe com atenção, e por alguns momentos, o quadro ao lado, obra do pintor
brasileiro Cândido Portinari. Perceba algumas coisas, como por exemplo: que tipo de
sensação ele causa, quais seus possíveis significados, a forma como foi composto.
Isto feito, agora se esqueça por um instante do quadro, guarde as sensações
e ideias que teve sobre ele, e leia com calma os trechos de um poema escrito por
Álvaro de Campos.

Ao volante do Chevrolet pela estrada de Sintra,

Ao luar e ao sonho, na estrada deserta,
Sozinho guio, guio quase devagar, e um pouco
Me parece, ou me forço um pouco para que me pareça,
Que sigo por outra estrada, por outro sonho, por outro mundo,
Que sigo sem haver Lisboa deixada ou Sintra a que ir ter,
Que sigo, e mais haverá em seguir senão não parar, mas seguir?
À esquerda lá para trás o casebre modesto, mais que modesto.
A vida ali deve ser feliz, só porque não é a minha.
Se alguém me viu da janela do casebre, sonhará: Aquele é que é feliz.
Talvez à criança espreitando pelos vidros da janela do andar que está em cima
Fiquei (com o automóvel emprestado) como um sonho, uma fada real.
Talvez à rapariga que olhou, ouvindo o motor, pela janela da cozinha
No pavimento térreo,
Sou qualquer coisa do príncipe de todo o coração de rapariga,
E ela me olhará de esguelha, pelos vidros, até à curva em que me perdi.
Deixarei sonhos atrás de mim, ou é o automóvel que os deixa?
Na estrada de Sintra, perto da meia-noite, ao luar, ao votante,
Na estrada de Sintra, que cansaço da própria imaginação,
Na estrada de Sintra, cada vez mais perto de Sintra,
Na estrada de Sintra, cada vez menos perto de mim...

Agora, analise as duas obras de arte, e note o que há em comum nestes

trabalhos, e como eles podem nos ajudar a entender um pouco mais sobre o que é a
arte.

5
 1.4 LEITURA DE IMAGEM

Caipira picando fumo

Almeida Júnior, 1893
Técnica = Óleo sobre tela
Dimensão = 202 × 141 cm

O termo caipira é o nome que

os indígenas guaianás do
interior do estado de São
Paulo, no Brasil, deram aos
colonizadores brancos,
caboclos, mulatos e negros

Questões sobre a imagem:

1. O que você vê nesta imagem?

2. Qual parece ser o assunto principal desta imagem? Por quê?
3. O que o personagem parece fazer?
4. Como ele esta vestido?
5. Onde o personagem parece estar?
6. Que hora do dia esta pintura parece representar? Como podemos perceber isso?
7. Que elementos o artista utiliza para criar essa sensação climática?
8. Quais são as cores predominantes na imagem?
9. Estas cores auxiliam na impressão de luminosidade conquistada pelo artista? Como?
10. Quais figuras aparecem mais a frente?
11. Quais figuras aparecem atrás do personagem?
12. Como esta casa é construída? Quais estruturas da construção são visíveis?
13. Quem parece ser o personagem representado? O que na imagem indica essa
percepção?
14. Como estão representados os pés do personagem?
15. Que tipo de trabalhador ele parece ser? Por quê?
16. O que ele está fazendo neste momento? O que, na imagem, o faz pensar assim?
17. Ele parece estar integrado ao ambiente que o circunda? Que aspectos da imagem nos
revelam isso?
18. Observando a casa representada ao fundo, podemos imaginar como ela seria por
dentro?
19. Qual parece ser a ascendência ou origem étnica do personagem?
20. Que nome você daria ao personagem? Por quê?
21. E a obra? Por quê?

Trajetória de vida do pintor:

José Ferraz de Almeida Júnior (Itu, 8 de maio de 1850 – Piracicaba, 13 de

novembro de 1899) foi um pintor e desenhista brasileiro da segunda metade do século
XIX. É freqüentemente aclamado pela historiografia como precursor da abordagem de
temática regionalista, introduzindo assuntos até então inéditos na produção acadêmica
brasileira: o amplo destaque conferido a personagens simples e anônimos e a
fidedignidade com que retratou a cultura caipira, suprimindo a monumentalidade em
voga no ensino artístico oficial em favor de um naturalismo.

6
 Destacou-se em sua cidade natal, Itu, como artista precoce. Seu primeiro
incentivador foi o padre Miguel Correa Pacheco, quando o pintor ainda trabalhava
como sineiro na Igreja Matriz de Nossa Senhora da Candelária, para a qual produziu
algumas obras de temática sacra. Uma coleta de fundos organizada pelo padre
forneceu as condições para que o jovem artista, então com 19 anos de idade, pudesse
embarcar para o Rio de Janeiro, a fim de completar seus estudos.
Em 1869, Almeida Júnior encontrava-se inscrito na Academia Imperial de
Belas Artes. Foi aluno de Jules Le Chevrel, Victor Meirelles e, possivelmente, Pedro
Américo. Diversas crônicas relatam que seu jeito simplório e linguajar matuto
causavam espanto aos membros da Academia. Nas palavras de Gastão Pereira da
Silva:
Após concluir o curso, Almeida Júnior optou por não concorrer ao prêmio de
viagem à Europa. Retornou a Itu e abriu ateliê nessa cidade, passando a trabalhar
como retratista e professor de desenho.
Em 1876, durante uma viagem, ao interior paulista, o Imperador D. Pedro II,
impressionado com seu trabalho, ofereceu pessoalmente a Almeida Júnior o custeio de
uma viagem a Europa, para aperfeiçoar seus estudos. No ano seguinte, um decreto de
23 de março da Mordomia da Casa Imperial abriu um crédito de 300 francos mensais
para que o pintor fosse estudar em Roma ou Paris.
Em 4 de novembro de 1876, Almeida Júnior embarca no navio Panamá
rumo à França, fixando residência no bairro parisiense de Montmartre. No mês
seguinte, matricula-se na École National Supérieure des Beaux-Arts. Nesta instituição,
foi aluno de Alexandre Cabanel e de Lequien Fils, notabilizando-se, desde muito cedo,
em desenho anatômico e de ornamentos.
Almeida Júnior participou de quatro edições do Salon de Paris, entre 1879 e
1882. É desse período que datam algumas de suas maiores obras-primas, como O
Derrubador Brasileiro e Remorso de Judas (Salon de 1880), A Fuga para o Egito
(Salon de 1881) e O Descanso do Modelo (Salon de 1882). Outras obras
emblemáticas1 do período francês do pintor são Arredores de Paris e do Louvre, além
de, possivelmente, um conjunto de dezesseis telas retratando o bairro de Montmartre,
cuja localização é atualmente desconhecido, em 1882 uma breve viagem à Itália, onde
teve contato com os irmãos Rodolfo e Henrique Bernardelli.
No seu último período, Almeida Júnior foi progressivamente substituindo os
temas bíblicos e históricos pelas obras de temática regionalista, as quais determinarão
como o precursor do Realismo na história da arte brasileira. Em pinturas como Caipira
Picando Fumo (1893), Amolação Interrompida (1894) e O Violeiro (1899), o artista
revela seu desejo de aproximar-se do cotidiano do homem do interior, distanciando-se
das fórmulas generalistas da pintura acadêmica e aproximando-se cada vez mais da
abordagem pictórica2 naturalista.
Almeida Júnior morreu precocemente, aos 49 anos, em 13 de novembro de
1899. Foi apunhalado em frente ao Hotel Central de Piracicaba, hoje já demolido, por
José de Almeida Sampaio, seu primo e marido de Maria Laura do Amaral Gurgel, com
quem o pintor manteve um relacionamento secreto por vários anos.
Atividade – Coletiva
Atualização do personagem símbolo da obra do Almeida Junior.
Os alunos da sala de aula deverão eleger um aluno como a figura símbolo, capaz de
representar o grupo, deverá ser elaborada uma justificativa da escolha da imagem e
criar um conceito da imagem coletivamente.
Emblemáticas1 É uma palavra originada de 'emblema', que, por sua vez, é grega, esta significando 'o que está por dentro' ou 'o que
está encerrado' - daí 'emblemático' tem o sentido de 'fora do comum', algo 'marcante
Pictórica2 A imagem pictórica pode ser figurativa, se representar algo existente materialmente na natureza
7
2. ARTE NA PRÉ-HISTÓRIA
A arte rupestre é a primeira demonstração de arte que se tem notícia na
história humana. Seus vestígios datam de antes do desenvolvimento das grandes
civilizações e tribos, como as do Antigo Egito. Esse tipo de arte era caracterizado por
ser feito com materiais como terra vermelha, carvão, e pigmentos amarelos (retirados
também da terra). Os desenhos eram realizados em peles de animais, cascas de
árvores, e, principalmente, em paredes de cavernas. Retratavam animais, pessoas, e
até sinais. Havia cenas de caçadas, de espécies extintas, e em diferentes regiões.
Apesar do desenvolvimento primitivo, podem-se distinguir diferentes estilos,
como pontilhado (o contorno das figuras formado por pontos espaçados) ou de
contorno contínuo (com uma linha contínua marcando o contorno das figuras). Apesar
de serem vistas como não-civilizadas, as figuras podem ser consideradas um exemplo
de sofisticação e inovação para os recursos na época. Não existem muitos exemplos
de arte-rupestre preservada, mas com certeza o mais famoso deles é o das cavernas
de Lascaux, na França.
O período da Pré-História iniciou com o
surgimento do homem na Terra, que vai até a
invenção da escrita. Tudo o que sabemos dos
nossos ancestrais pré-históricos vem das
pesquisas de historiadores e de antropólogos3,
já que não existem documentos ou relatos
escritos. Eles reconstruíram esse período com
base nos objetos encontrados ao redor do
mundo e em pinturas e gravações do interior
de diversas cavernas, as chamadas pinturas
rupestres.
Este período trata de 2,5 milhões a.C., até cerca de 10000 a.C, como o
período teve longa duração, ele foi dividido de acordo com o desenvolvimento técnico.
O primeiro período é chamado de Paleolítico, ou “Idade da Pedra
Lascada”, pois os instrumentos e as armas eram feitos de pedras lascadas,
produzindo, assim, bordas cortantes. Os grupos humanos eram nômades e abrigavam-
se em cavernas, para se protegerem das intempéries da natureza. Viviam da coleta de
frutas e da caça de animais de grande porte, como bisão, boi, cavalo e urso.
As primeiras manifestações artísticas são as pinturas registradas nas
cavernas, como as encontradas em Altamira. Esses desenhos eram simples e
representavam cenas de caça de maneira naturalista.

Caverna de Altamira
1880, situada a 30 km
da cidade de Santander,
na Cantábria (Espanha),
na qual se conserva um
dos conjuntos pictóricos
mais importantes da
Pré-História

3
Antropólogos - "Aquele que estuda o homem, analisando-o como um ser biológico, social e cultural,
assim como suas relações com o ambiente"
8
 Suas tintas eram o resultado da mistura de óxidos minerais, argilas coloridas
e vegetais, em que os elementos sólidos eram triturados e dissolvidos na água, no
sangue de animal e na gordura vegetal e animal. O preto era obtido com carvão e
ossos carbonizados. Eles aplicavam as tintas com as mãos, ou com espátulas e
pincéis rudimentares, e também utilizavam a técnica de pistolar, enchendo a boca de
tinta e soprando por um canudo de madeira ou osso.
As esculturas surgem neste período de marfim, de osso e de pedra, com
predomínio das figuras femininas, como a Vênus de Lespugne, o baixo-relevo da
Vênus de Laussel, encontrada na França, e a Vênus de Willendorf e na Áustria. Elas
tinham formas volumosas e arredondadas, simbolizando a fertilidade da mulher.

Vênus de Willendorf Vênus de Laussel (

(Escultura) auto relevo)
Mulher de Willendorf ou "mulher com
é uma estatueta com corno" é uma
11,1 cm (4 3/8 estatueta de
polegadas) de altura Vénus, pertencente
representando à arte paleolítica.
estilisticamente uma
mulher, com mais de
25.000 anos de
idade.

Vênus de Laussel foi descoberta em 1909 pelo doutor Lalanne, no

denominado "Grand Abri", localizado na estação arqueológica de Laussel na localidade
de Marquay, na Dordonha francesa.
Estas vénus paleolíticas acentuavam os sinais de gravidez, em que o
artesão pretendia assegurar não só a fertilidade da sua companheira como também
demonstrava uma preocupação com a continuidade da espécie. Estas pequenas
esculturas não exaltavam apenas a mulher, mas constituía uma homenagem à
maternidade, testemunhando um aspecto cultural que era comum a toda a Europa: o
culto da fecundidade feminina.
O período Neolítico, ou “Idade da Pedra Polida”, o homem produziu armas
e instrumentos com pedras polidas por atrito, tornando-as mais afiadas. Desenvolveu a
agricultura e a domesticação dos animais, o que possibilitou sua fixação em um local,
vivendo em comunidades.
Neste período surgem
as primeiras construções de
moradias, como as palafitas. Eles
também construíram os
monumentos megalíticos, que são
formações rochosas misteriosas
devidamente arrumadas na
natureza por nossos antepassados
São considerados
monumentos pela sua formação,
alguns são solitários blocos
verticais conhecidos como menires
(em Celta significa “pedras
Monumentos megalíticos compridas”).
9
 Outros, formados em grupos dispostos em círculos, semicírculos ou longas
fileiras que se estendem por quilômetros.
Até hoje o mistério das pirâmides, os monumentos megalíticos existem há
milênios e seus construtores e a finalidade de sua existência são desconhecidos. São
tão belos, que levou a nossa civilização a acreditar que se trata de templos e possíveis
portais que fazem uma ligação com algo divino
Existem cerca de 50 mil megálitos catalogados até o momento. A maioria
encontra-se na Inglaterra, Irlanda, Espanha, Portugal, França, Escandinávia e Argélia.

Nesta época surge o artesanato com a tecelagem e a cerâmica, pois o

homem aprendeu a cozinhar a argila e a criar vasos com motivos geométricos. O estilo
naturalista e realista das pinturas foi substituído por um estilo mais simples e
geométrico, com formas apenas sugeridas, ao invés de formas representativas. A
temática também mudou, e apareceram representações de atividades cotidianas e
coletivas com as figuras em movimento.
A arte sempre esteve presente durante a Pré-História nas esferas da vida,
formando um todo entre a religião, a política, a economia e a estética.

Exercícios

1. Quais foram às primeiras manifestações artísticas realizadas pelos homens pré-históricos?

a) Os vasos de cerâmica.
b) As pinturas rupestres.
c) As esculturas de metal.
d) Os monumentos megalíticos.
e) As palafitas.
2.Qual foi a maneira que os homens pré-históricos representavam as cenas de caça em suas
pinturas durante o período Paleolítico?
a) Eles representavam de maneira estilizada.
b) Eles representavam de maneira geométrica.
c) Eles representavam de maneira naturalista.
d) Eles representavam de maneira fragmentada.
e) Eles não representavam cenas de caça em suas pinturas.
3.Quais são os dois tipos de artesanato que se desenvolveram muito durante o período
Neolítico?
a) A marcenaria e a cerâmica
b) A cerâmica e a pintura.
c) A tecelagem e a marcenaria.
d) A cerâmica e a tecelagem.
e) A pintura e a marcenaria.

10
3. ARTE ANTIGA

3.1. ARTE EGÍPCIA

É a partir da compreensão da importância que a religião assumia no Egito

Antigo que se pode entender a arte do povo egípcio. Toda a produção artística estava
subordinada à pessoa do faraó, e tudo que lhe dizia respeito era sagrado. A arte
egípcia esteve fortemente influenciada pelos preceitos religiosos de sua cultura que se
desenvolveu durante a civilização egípcia, uma das mais importantes da Antiguidade.
Às margens do rio Nilo, na África, essa civilização teve uma organização social muito
complexa e rica culturalmente, em que a arte teve seu lugar de destaque.
A religião permeava todas as áreas da vida, a organização social e política,
as atividades do povo e toda a produção artística. Tudo estava a serviço do faraó, um
representante dos deuses na Terra.
Os egípcios acreditavam que a alma era imortal e, por isso, a vida após a
morte era mais importante do que a existência na Terra. Essas crenças se refletiram na
arte, que se desenvolveu nos túmulos e nos objetos deixados junto aos mortos.

Sarcófago de ouro de Vasos canópicos. Museu Egípcio de Berlim

Tutancâmon

Vasos canópicos ou canopos eram recipientes utilizado no Antigo Egito para

colocar órgãos retirados do morto durante o processo de mumificação. A forma destes
recipientes variou ao longo da história do Antigo Egito, bem como os materiais em que
estes foram feitos, que incluíram amadeira, a pedra, o barro e o alabastro. Os Egípcios
acreditam que a preservação desses órgãos era fundamental para assegurar uma vida
no Além.
Os utensílios funerários eram vasos e estatuetas de cerâmica, que
representavam deuses e deusas da religião politeísta. Os objetos deixados para os
faraós eram móveis, armas, jóias, máscaras e os sarcófagos de madeira e ouro.

11
 Esfinge e Pirâmide
A arquitetura egípcia se desenvolveu muito nos monumentos funerários,
obras de grandes dimensões e de formas simples, de aspecto maciço e pesado, com
grande durabilidade. Os mais belos dentre esses monumentos foram às pirâmides,
construídas apenas para os faraós, com as esfinges ao lado para proteger. As
mastabas e os hipogeus foram os túmulos construídos para a nobreza e para as
pessoas do povo.
Eles também construíram monumentos religiosos dedicados aos deuses, os
grandes templos. Essas construções eram ricas em colunas, baixos-relevos e
desenhos de incisão.
A arte egípcia obedecia a padrões e a regras pré-estabelecidas, em que o
artista deveria dominar as técnicas de execução, sem poder imprimir seu estilo. As
pinturas e os baixos-relevos cobriam as paredes e as colunas dos templos.
Elas obedeciam à lei da frontalidade, em que a cabeça, as pernas e os pés
estão de perfil, e o tronco é representado de frente, uma marca da arte egípcia. As
representações eram feitas em duas dimensões, sem profundidade.

Pintura na câmara tumular de Nefertari, Os neteru Osíris, Anúbis e Hórus em uma pintura
mulher de Ramses II encontrada em uma tumba egípcia.

Os antigos egípcios criaram pinturas para fazer da vida pós-morte um lugar

agradável. Os temas incluíam a jornada para o outro mundo ou divindades protectoras
que apresentavam o morto para os deuses da pós-morte. Algumas pinturas mostram
as actividades que o morto gostava de fazer quando era vivo e que, certamente,
gostaria de continuar fazendo por toda a eternidade.
As crenças e cultos religiosos estavam na base das manifestações culturais,
sociais, políticas e econômicas no Egito. A religiosidade permeava toda a sociedade
egípcia, nas artes, na medicina, na astronomia, na literatura e no próprio governo do
Egito Antigo.

12
 Esta elegante
barca votiva (que se
promete em voto)
de alabastro,
decorada com
pedras preciosas e
folhas de ouro,
encontrada na
tumba de
Tutankhamon,
ostenta duas
cabeças de íbis na
proa e na popa. À
meia-nau vê-se um
quiosque
delicadamente
esculpido, cuja
cúpula é sustentada
por quatro colunas. Busto de Nefertiti

Os principais deuses egípcios eram:

• Rá, o deus Sol, unido ao deus Amon, formando Amon-Rá, era o principal deus.
• A deusa Nut, representada por uma figura feminina, era a mãe de Rá (Sol). Ela
engoliu Rá, formando a noite e fazendo-o renascer a cada manhã.
• Ísis foi esposa de Osíris, mãe de Hórus, protegia a vegetação e era a deusa das
águas e das sementes.
• O deus Hórus foi o deus falcão, filho de Ísis e Osíris, cultuado como o sol
nascente.
• Osíris, deus dos mortos, da vegetação e da fecundidade, era representado pelo
rio Nilo. Era Osíris que buscava as almas dos mortos para serem julgadas em
seu Tribunal.
• Set foi colocado como grande inimigo de Osíris (Nilo) era o vento quente vindo
do deserto, encarnação do mal.
• O deus Amon, considerado deus dos deuses do Egito Antigo, foi cultuado junto
com Rá (Amon-Rá).

Estatuetas de divindades egípcias no Museus Arqueológicos de Istambul.

13
3.2. ARTE GREGA

A Vênus de Milo é uma famosa estátua grega. Ela representa a deusa grega
Afrodite, do amor sexual e beleza física, tendo ficado mais conhecida pelo seu nome
romano, Vénus. É uma escultura em mármore com 203 cm de altura, que data de
cerca de 130 a.C., e que se pensa ser obra de Alexandros de Antióquia.
Dentre as artes da Antiguidade, a Arte Grega evoluiu livremente, pois não
estava submetida a convenções rígidas. Foi uma arte com elaboração intelectual, em
que predominou o ritmo, o equilíbrio e a harmonia. Os artistas se inspiravam na
natureza e criavam uma arte voltada para a vida presente.
Os gregos acreditavam no conhecimento racional e que o ser humano
ocupava um lugar especial no universo. Eles tinham uma religião politeísta, em que os
deuses possuíam tanto virtudes, quanto defeitos, o que os assemelhavam aos mortais
nos aspectos da personalidade. Eles glorificavam tanto o corpo, quanto o espírito.
Buscavam ideais de liberdade, de otimismo, de racionalismo, de amor à verdade e à
beleza.
A arte grega foi dividida em três períodos: Arcaico, clássico e o helenístico.

Período arcaico (800 - 500 a.C)

Os escultores apreciavam
a simetria do corpo
humano e esculpiam as
figuras em rigorosa
posição frontal: as
masculinas, nuas,
chamadas Kouros; as
femininas são
representadas vestidas, as
Kores.

14
Período clássico (500 - 338 a.C.)

A partir dos Kouros e das Kores, surgiram às esculturas clássicas. Os

escultores buscavam superar essa rigidez e representar as figuras da maneira mais
realista possível. A princípio, usavam o mármore, mas depois que as figuras perderam
a rigidez e começaram a expressar movimentos mais realistas, utilizaram o bronze.
Eles representavam deuses, cenas do cotidiano e homens praticando esportes.

Proporções do "Doríforo",
de Policleto (século 5
a.C.)Policleto viveu em
Argos. Fazia esculturas de
deuses, mas, sobretudo de
atletas. Com a escultura
Doríforo ele estabeleceu
um cânone da beleza, ou
seja, regras de proporção
para a representação da
figura humana que
influenciaram artistas
durante muitos séculos Policleto:
O Doríforo, período clássico.

A maior expressão da arquitetura está nos templos e nas colunas dóricas,

jônicas e coríntias.

Ordem dórica
A ordem dórica surge nas costas do Peloponeso,
ao sul e apresenta-se no auge no século V a.C..
É principalmente empregada no exterior de
templos dedicados a divindades masculinas e é
a mais simples das três ordens gregas definindo
um edifício em geral baixo e de caráter sólido.

15
Ordem jônica
A ordem jônica surge a leste, na Grécia oriental e
seria, por volta de 450 a.C., adoptada também por
Atenas. Desenvolvendo-se paralelamente ao dórico
apresenta, no entanto, formas mais fluidas e uma
leveza geral, sendo mais utilizado em templos
dedicados a divindades femininas. A coluna possui
uma base larga, tem geralmente nove módulos de
altura, o fuste é mais elegante e apresenta vinte e
quatro caneluras

Caneluras são estrias ou sulcos verticais de secção semicircular ao longo do

fuste das colunas ou pilares antigos. Na coluna dórica, são separadas por arestas
vivas; na coluna jônicac e na coríntia, por nervuras. A ordem toscana nunca apresenta
caneluras, as quais são opcionais para as outras ordens.

Ordem coríntia

Também denominado como capitel coríntio é

característico do final do século V a.C. e,
utilizado inicialmente só no interior, é um estilo
notoriamente mais decorativo e trabalhado. A
coluna possui geralmente dez módulos de
altura e o fuste é composto por vinte e quatro
caneluras afiadas.

A pintura foi um elemento de decoração da arquitetura, mas principalmente

utilizada na decoração das cerâmicas. Os vasos e os pratos gregos foram feitos com
formas equilibradas e com harmonia entre o desenho, as cores e o espaço de
ornamentação. As pinturas representavam pessoas em suas atividades diárias, cenas
da mitologia e batalhas gregas.

Parthenon Vaso grego

Periodo helenístico (338 - 146 a.C.)

16
 Em "Laocoonte e seus
filhos", conjunto de esculturas que
representam uma lenda da época
da Guerra de Tróia, podem-se
observar os esforços de representar
o corpo de maneira realista e a
dramaticidade na ação, reforçadas
pela presença das serpentes, nos
detalhes da roupa e na sensação
de sofrimento transmitida pela obra.

Laocoonte e seus filhos, período helenista

A escultura expressa, na forma humana, sentimentos e conceitos como o

amor, a liberdade e a vitória. Surgiu o nu feminino e as esculturas com grupos de
figuras, em composições elaboradas e dramáticas, sugerindo uma forte movimentação
das formas. A beleza da escultura pode ser vista de todos os ângulos.

A arquitetura ganha caráter de

suntuosidade e monometalismo; surgem as
escadarias, os altares e os pórticos. Com os
planos urbanísticos, aparecem os grandes
edifícios destinados aos serviços públicos, como
palácios reais, biblioteca, praças e assembléias.
As residências ganham mais espaço e conforto.

Um teatro grego típico com a designação de

suas várias partes.

Os gregos também criaram grandes obras no teatro, na literatura e na

música. A arte grega influenciou boa parte da arte do mundo ocidental.

Placa de madeira pintada, encontrada em Corinto. Século VI a.C.

Da pintura grega antiga não resta hoje mais do que reduzidos vestígios, e
dela pouco se sabe com segurança. Isso não significa que não houve produção, ou
que tenha sido elementar, ao contrário, fontes literárias da época atestam extenso e
refinado cultivo de pintura em várias técnicas desde o período arcaico, com o
17
desenvolvimento de várias escolas distintas, mas devido à fragilidade dos materiais
quase tudo se perdeu.

Afresco na Tumba
do Mergulhador,
em Paestum, com
cena de simpósio,
século V a.C.

3.3. Arte Romana

A arte romana foi influenciada pela arte grega, na busca por expressar um
ideal de beleza, e pela arte etrusca, na preocupação em expressar a realidade vivida.
A formação cultural dos romanos foi influenciada por diversos povos, mas,
principalmente, pelos gregos e etruscos, que ocuparam diferentes regiões da
Península Itálica entre os séculos XII e VI a.C. e contribuíram para Roma se tornar o
centro de um grande império.
Ao longo de sua história, Roma foi monarquia, república e império, e no
século IV d.C. o império foi dividido em parte ocidental e parte oriental.

Afresco de uma casa em Pompéia Augusto de Prima Porta, Museus Vaticanos

A pintura e o mosaico ocuparam grandes espaços na decoração interna dos

edifícios e das casas, em forma de painéis. As pinturas tinham temas mitológicos e
paisagens com animais e pessoas. A maioria das pinturas conhecidas hoje pertencia
às cidades de Pompéia e Herculano.
Os romanos foram grandes mestres na arte do mosaico, com habilidades na
composição e no uso das cores, utilizando temas abstratos e figurativos. Os mosaicos
decoravam o piso e as paredes e foram muito utilizados por sua durabilidade.

18
 As esculturas e os baixos relevos são realistas, representando traços
característicos da pessoa, e não um ideal de beleza humana, como fizeram os gregos.
Os relevos narravam fatos históricos e campanhas militares.

Cena de sacrifício do Altar de Ahenobarbus, século I a.C. Museu do Louvre

As esculturas representavam os imperadores e os homens da sociedade,

adornando os edifícios públicos e privados. Elas eram originalmente coloridas, mas os
pigmentos aplicados sobre o mármore não resistiram à ação do tempo.
A arquitetura romana se manifestou em prédios públicos, casas, templos,
termas e pontes, revelando um povo de grande espírito prático. Eles construíram
aquedutos para transportar água limpa e, também, um complexo sistema de esgoto.
O Coliseu
foi o mais belo
anfiteatro romano,
com seu exterior
ornamentado por
esculturas, arcos e
colunas.

Panorama do interior do Coliseu.

Os anfiteatros eram amplos para abrigar um grande público, com um espaço

central elíptico para o espetáculo e um auditório circundando o espaço. Neles, eram
apresentados jogos, combates de feras, luta de gladiadores e espetáculos teatrais.

Curiosidades

19
Redescoberta de Pompéia

Depois que as grossas camadas de

cinzas cobriram Pompéia e Herculano,
estas cidades foram abandonadas e seus
nomes e localizações eventualmente
esquecidos. A primeira vez em que parte
delas foi redescoberta foi em 1599,
quando a escavação de um canal
subterrâneo para desviar o curso do rio
Sarno esbarrou acidentalmente em muros
antigos cobertos de pinturas e inscrições

"Jardim dos Fugitivos", com os moldes

em gesso das vítimas do Vesúvio

No começo da exploração, descobriu-se

que espaços vagos ocasionais nas
camadas de cinzas continham restos
humanos. Foi Fiorelli que percebeu que
aqueles eram espaços deixados por
corpos decompostos, desenvolvendo
então uma técnica de injetar gesso neles
para recriar perfeitamente o formato das
vítimas do Vesúvio. O resultado foi uma
série de formas lúgubres e extremamente
fiéis dos habitantes de Pompéia
incapazes de escapar, preservados em
seu último instante de vida, alguns com
uma expressão de terror claramente
visível. Esta técnica é utilizada até hoje,
mas com resina no lugar do gesso, por
ser mais durável e não destruir os ossos,
o que permite análises mais
aprofundadas

Exercícios
4.A pintura na arte grega foi usada como elemento decorativo na arquitetura e
________________. Complete a frase com a resposta correta.
a) na tecelagem.
b) na cerâmica.
c) na escultura.
d) no mosaico.
e) no vitral.
5.Qual foi a maneira que os escultores gregos representavam a figura humana em
todos os períodos da antiguidade grega?
a)Representaram de maneira fragmentada .
20
b) Representaram de maneira abstrata.
c)Representaram de maneira realista.
d) Representaram de maneira estilizada.
e) Representaram de maneira bidimensional.
6.Durante o período arcaico e clássico a arquitetura grega teve sua maior
expressão______________.
Complete a frase abaixo com a resposta correta.
a) nos monumentos megalíticos.
b) nas igrejas e rosáceas.
c)nos monumentos funerários.
d)nas mastabas e hipogeus.
e) nos templos e colunas.
7.Qual é uma das características da arte grega?
a) A aleatoriedade.
b) O ativismo político.
c) A religiosidade.
d) O racionalismo.
e) A subversão.

4. ARTE MEDIEVAL

4.1. Arte Bizantina

No século IV o Império Romano foi dividido em duas partes, uma ocidental e

outra oriental. Sua parte oriental se tornou o Império Bizantino, com influências
culturais da Grécia, de Roma e do Oriente.
A arte bizantina é a arte criada durante o Império Bizantino, entre os séculos
IV até o ano de 1453, comprometida com o Império e com a religião. Ela tinha o
objetivo de expressar a autoridade sagrada e absoluta do Imperador, considerado um
representante de Deus na terra, e por isso foi cheia de regra e convenções, como
aconteceu na arte egípcia.

Pintura Bizantina Mosaico Bizantino

Os sacerdotes impuseram regras minuciosas aos artistas, predeterminando
tudo de maneira rigorosa, como o local das figuras na composição, os gestos, os
símbolos e a posição sempre frontal, onde esta postura rígida induz no observador

21
uma atitude de respeito e veneração. As personalidades oficiais eram retratadas da
mesma maneira que os personagens sagrados.
Nos mosaicos e nas pinturas havia o desconhecimento do volume e da
perspectiva, criando espaços sem profundidade.
Os mosaicos bizantinos atingiram sua mais perfeita realização e foi à
expressão artística preferida. Além de ornamentação ela tinha função educativa, pois
eles instruíam os fiéis sobre os ensinamentos cristãos, representando cenas da vida de
Cristo e também dos imperadores.
As pinturas eram criadas com as técnicas da têmpera ou da encáustica4,
onde os pintores revestiam a superfície a ser pintada com uma camada dourada e por
cima pintavam a imagem. Desta forma realçavam o efeito de luxo e riqueza nas
pinturas. Elas representavam as figuras sagradas como Jesus Cristo, a Virgem, os
apóstolos, santos e mártires.
4
Encáustica (deriva do grego enkausticos, gravar a fogo) é uma técnica de pintura que se caracteriza
pelo uso da cera como aglutinante dos pigmentos e pela mistura densa e cremosa. A pintura é aplicada
com pincel ou com uma espátula quente. É uma técnica muito resistente, bastando ver a quantidade de
pinturas que resistiram ao tempo.

Basílica de Santa Sofia, é um imponente edifício construído entre 532 e 537

pelo Império Bizantino para ser a catedral de Constantinopla (atualmente Istambul, na
Turquia). Da data em que foi dedicada em 360 até 1453, ela serviu nesta função

22
 A capital do Império, a cidade de Constantinopla, viveu seu momento de
esplendor na mesma época da oficialização do cristianismo, o que transformou uma
arte cristã primitiva em uma arte cristã majestosa, exprimindo poder e riqueza.
Este caráter majestoso pode ser observado na arquitetura das igrejas, com
prédios enormes e espaçosos, onde as abóbadas e as paredes são recobertas com
mosaicos de cores intensas e de materiais que refletem a luz com reflexos dourados.
Um grande exemplo é a basílica de Santa Sofia, com uma enorme cúpula sobre uma
planta quadrada e o interior em mármore e mosaicos.

3.2. Arte Gótica

A arte gótica foi tão importante quanto a arte rômanica. Ela se desenvolveu
na Europa entre os séculos XII ao XV, durante a Idade Média. Surgiu depois da arte
românica, mas essa transição não teve uma data precisa.
A princípio, a arte gótica era produzida com fins religiosos, pois Deus era o
centro do universo e a medida de todas as coisas. Ao longo do tempo, houve muitas
mudanças sociais e ideológicas, que se refletiram na produção artística.
No final do período, o comércio cresceu e a cidade voltou a ser o centro da
organização social, do conhecimento e da arte. A sociedade tornou-se mais dinâmica e
menos rígida, surgindo uma nova classe social, a burguesia urbana.
A arquitetura gótica se desenvolveu nas construções das grandes catedrais.
Com o surgimento das abóbadas de nervuras, através dos arcos ogivais, foi possível a
construção de igrejas mais altas, com longas torres.
Esses arcos, aparentes no seu interior, ressaltaram a impressão de altura e
verticalidade.

23
 Vitrais góticos
Outra novidade foram os pilares, que dispensaram as grossas paredes com
janelas estreitas e permitiram a construção de paredes com grandes áreas de vitrais
coloridos.
Esses vitrais deixaram passar a luz do sol e criaram um ambiente interno
cheio de cores, transmitindo intensa espiritualidade.
A fachada gótica era feita com três portais, e cada um leva a uma nave
diferente. Sobre o portal central, era construída uma janela redonda chamada rosácea,
uma marca do estilo gótico.
Jan Van Eyck pintou retratos ricos em detalhes
e realismo, como O casal Arnolfini, retratando a casa e a
família de um rico comerciante do século XVA pintura foi
usada nos afrescos, nos painéis e nas iluminuras de
manuscritos. Ela tinha preocupação em criar espaços
que pareciam reais, buscando, também, um realismo
cada vez maior na representação das figuras humanas,
com menos rigidez e com mais movimento.

O casal Arnolfini Jan van Eyck, 1434 óleo sobre tábua 82 × 60 cm

National Gallery (Londres)

24
 Giotto, um grande pintor do
período, decorou muitas igrejas com seus
afrescos. Os santos que ele pintava
tinham características de homens comuns
e eram as figuras mais importantes das
suas pinturas, ocupando lugar de
destaque.
As esculturas decoravam esses
portais e o interior das igrejas
No final do período gótico, a sociedade
européia tinha passado por grandes
transformações, como podemos ver nas
pinturas de Giotto e Jan van Eyck, como
a visão humanista do mundo e o
individualismo, presentes nos retratos
naturalistas.
Retrato anônimo, Museu do Louvre

Essa visão humanista do mundo chegaria ao auge durante o Renascimento.

Exercícios
8. Qual foi a possibilidade trazida pelos arcos ogivais nas construções das igrejas
góticas?
a)Os arcos ogivais possibilitaram a construção de três portais.
b)Os arcos ogivais possibilitaram a construção de igrejas mais largas.
c) Os arcos ogivais possibilitaram a construção de elemento escultóricos.
d) Os arcos ogivais possibilitaram a construção de rosáceas.
e) Os arcos ogivais possibilitaram a construção de igrejas mais altas.
9.Qual é o elemento arquitetônico, marca do estilo gótico, que está presente em todas
as igrejas sobre o portal central?
a) A rosácea.
b) Uma torre.
c) O sino.
d) Uma iluminura.
e) O afresco.
10.Nas igrejas góticas a utilização de pilares nas suas construções possibilitou a
criação de paredes com ________________.
Complete a frase com a resposta correta.
a) grandes elementos escultóricos.
b) três portais.
c) grandes afrescos coloridos.
d) rosáceas.
e) grandes vitrais coloridos.
11.Como os pintores góticos buscavam representar as figuras humanas?
a) Eles buscavam representar de forma abtrata.
b) Eles buscavam representar com estilizações.
c) Eles buscavam representar com realismo.
d) Eles buscavam representar de forma fragmentada.
e) Eles buscavam representar com geometrizações.

4.3. Arte Românica

25
 A Arte Românica foi uma das mais importantes artes da Idade Média e
aconteceu nos séculos XI e XII na Europa. Foi uma redescoberta da tradição cultural e
artística do mundo greco-romano.
Nessa época, o cristianismo dominava a cultura, e a arte estava submetida
aos desígnios de Deus e da Igreja e voltada para a valorização do espírito.

Basílica de Saint-Sernin na França

A arquitetura se desenvolveu com estrutura semelhante às construções dos
antigos romanos. As principais obras são as igrejas e os mosteiros, com tamanhos
grandes e estruturas sólidas, verdadeiras “fortalezas de Deus”.
.Eram utilizados abóbadas e pilares maciços para a sustentação das
espessas paredes, que foram construídas com aberturas estreitas, usadas como
janelas.
Dois tipos de abóbodas foram utilizados: a abóbada de berço e a abóbada
de aresta.
No contexto da Abóbada de berço é
arquitectura, a uma abóbada
abóbada de aresta construída como um
consiste numa contínuo arco de
abóbada (construção volta perfeita.
que faz de cobertura Sinônimos: abóbada
côncava voltada para de canudo; abóbada
dentro) formada pela cilíndrica; abóbada
intersecção de duas de canhão.
abóbadas de berço
com a mesma flecha.
Os seus arcos mestres
limitam um tramo.

Na Itália, diferente do restante da Europa, as igrejas não apresentavam

formas pesadas e duras. Elas possuíam um aspecto mais leve e delicado, com o uso
de frontões e colunas.

Catedral e Torre de Pisa

Isso aconteceu devido à proximidade com as arquiteturas grega e romana. O
mais famoso exemplo é a Torre de Pisa e sua catedral.

26
 Nessa época, poucas pessoas sabiam ler, e, por isso, a Igreja recorria à
pintura e à escultura para ensinar os seus valores religiosos aos fiéis. O portal, na
entrada da igreja, era o lugar mais utilizado para colocar as esculturas e os relevos,
que tinham tanto função ornamental, como didática.
A pintura se desenvolveu nos grandes murais, decorando as igrejas com
cenas bíblicas, através da técnica do afresco.
Foram aplicadas, nas iluminuras, pequenas ilustrações, e iniciou-se,
também, a decoração das grandes letras maiúsculas no início dos capítulos de
manuscritos e pergaminhos.
Os artistas faziam uma interpretação mística da realidade, sem intenção de
representar fielmente os seres e os objetos. As formas, muitas vezes, estilizadas e
alongadas, traduzem o sentimento religioso. As cores eram usadas uniformemente,
sem preocupação com meios-tons, luz e sombra; por isso, as imagens não possuíam
volumes, nem profundidade.
Os objetos religiosos, como as cruzes e os relicários utilizados nos altares,
eram produzidos por ourives.

Exercícios
12. Quais foram as principais obras arquitetônicas na arte românica?
a) As pirâmides e esfinges.
b) Os templos e colunas.
c) As igrejas e mosteiros.
d) Os monumentos megalíticos.
e) Os arranha-céus.
13. A arte românica foi utilizada pela Igreja para transmitir seus ensinamentos
religiosos às pessoas que não sabiam ler. Eles utilizavam_____________e
__________________.
Assinale a alternativa que completa a frase corretamente.
a) As pinturas e as esculturas.
b) As esculturas e a azulejaria.
c) As pinturas e as cerâmicas.
d) A azulejaria e as cerâmicas.
e) As cerâmicas e as esculturas.
14. Qual foi a técnica de pintura utilizada pelos artistas românicos nas igrejas e
mosteiros?
a) A técnica utilizada foi à têmpera.
b) A técnica utilizada foi à aquarela.
c) A técnica utilizada foi à encáustica.
d) A técnica utilizada foi o afresco.
e) A técnica utilizada foi o guache.
15. Qual era a religião que dominava a cultura e a arte românica?
a) O Espiritismo.
b) O Cristianismo.
c) O Hinduísmo.
d)O Islamismo.
e) O Protestantismo.

5. ARTE RENACENÇA
27
5.1. Renascimento

O Renascimento nas artes se desenvolveu na Europa no final da Idade

Média, após o renascimento urbano e comercial. A mentalidade e os padrões culturais
haviam mudado e, como conseqüência, houve um renascimento artístico e científico.
Os ideais humanistas sobre o mundo nortearam todas as produções do
período.
Essa valorização do ser humano e da natureza estava em oposição à
religiosidade que impregnou toda a Idade Média e foi expressa em diversas linguagens
artísticas, como na arquitetura, na pintura e na escultura. Houve um resgate dos ideais
da cultura greco-romana, mas as criações artísticas do período superam essa herança
clássica, com uma interpretação científica do mundo.
Os ricos mercadores tornaram-se mecenas ao investirem nos movimentos
culturais e artísticos, apoiando financeiramente essas realizações.

O Renascimento na Península Itálica :

A arquitetura renascentista buscava ordem e disciplina, baseadas em

relações matemáticas. A harmonia e a regularidade eram consequências das regras de
geometria. Os arquitetos pocuravam equilibrar todas as partes do edifício, como
podemos ver nas construções de Filippo Brunelleschi.

Veja a capela Pazzi feita por ele, em Florença.

Fachada Interior da Capela Pazzi

A pintura também seguiu princípios da matemática e da geometria, como o
uso da perspectiva científica e do claro-escuro. O contraste entre áreas iluminadas e
áreas escuras ressalta o volume dos corpos e a profundidade. A combinação desses
dois elementos levou a um maior realismo nas pinturas.

Os maiores pintores foram:

28
• Sandro Botticelli ( 1445 –1510), foi um célebre pintor italiano da Escola Florentina
do Renascimento. suas figuras expressam um ritmo suave e gracioso. Seus temas vêm
da Antiguidade grega e da tradição cristã, expressando seu ideal de beleza. Na pintura
A primavera, podemos compreender essas características.

A Primavera. O Nascimento de Vênus.

• Leonardo da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci - 1452 – 1519)foi um

polímata italiano, uma das figuras mais importantes do Alto Renascimento, foi
considerado um dos maiores pintores de todos os tempos e como possivelmente a
pessoa dotada de talentos mais diversos a ter vivido – reproduziu com realismo tanto
desenhos de anatomia , quanto suas pinturas. Dominou com grande expressividade o
jogo de luz e sombra.
Artista versátil, pesquisou e trabalhou em várias áreas, como física, música,
engenharia e urbanismo, entre outras, sempre buscando o conhecimento científico e a
beleza artística. Sua pintura mais famosa é a Mona Lisa.

A Última Ceia, afresco em Milão (1498) Esboço a carvão para a pintura da Última Ceia

A Última Ceia tem sido objeto de várias pinturas, sendo a mais famosa o
afresco do pintor, produzida em 1498. Mista com predominância da têmpera e óleo
sobre duas camadas de preparação de gesso aplicadas sobre reboco (estuque)
460 × 880 cm.
Refeitório de Santa Maria delle Grazie (Milão) A Última Ceia, foi um incrível
trabalho, o mais sereno, durante anos caracterizados por conflitos armados, intrigas,
preocupações e emergências. Ele a declarou como concluída, embora eternamente
insatisfeito, e continuou trabalhando nela. Foi exposta a vista de todos e contemplada
por muitos. Desde então ele foi considerado sem discussão como um dos primeiros
mestres da Itália, senão o primeiro. Os artistas vinham de muito longe, para, no
refeitório do convento de Santa Maria delle Grazie, analisar cuidadosamente a pintura,
copiando-a e discutindo-a. O rei da França, ao chegar a Milão, acariciou a idéia
29
impossível de remover o afresco da parede para levar para o seu país. Durante a sua
realização inúmeras lendas foram tecidas em torno do mestre e seu trabalho.

Mona Lisa (1503-1507—Louvre) é o retrato

que mais tem rendido, em termos de literatura
-tem dado origem a contos, romances,
poemas e até mesmo óperas- e paródia -
desde seu tempo, como a Monna Vanna de
Salai- em toda a história da arte. Foi uma obra
famosa desde o momento da sua criação; e
inspirou muitos, como o jovem Rafael, que se
embebedou nela. Seu sorriso sutil é visto em
sua crueldade e tem sido considerado o
implacável sorriso de mulher que escraviza os
homens. Outros foram deslumbrados pelo seu
encanto, pela sua doçura. "Mona Lisa era
muito bela e Leonardo, ao mesmo tempo em
que a pintava, procurava que tivesse alguém
cantando, tocando algum instrumento ou
brincando. Desta forma, o modelo foi mantido
em um bom humor e não adotava um aspecto
triste, cansado
[
• Rafael Sanzio (Raffaello Sanzio; 1483 —1520), freqüentemente referido apenas
como Rafael, foi um mestre da pintura e da arquitetura da escola de Florença durante o
Renascimento italiano, celebrado pela perfeição e suavidade de suas obras. Junto com
Michelangelo e Leonardo Da Vinci forma a tríade de grandes mestres do Alto
Renascimento. – suas pinturas são equilibradas e simétricas, expressando os ideais
clássicos de beleza: harmonia e regularidade de formas e de cores. Seus temas são
expressos de forma clara e simples, comunicando ordem e segurança. A pintura A
escola de Atenas mostra essas características.

A Escola de Atenas, 1509, Museus Vaticanos Ressurreição de Cristo, c. 1499/1502

Museu de Arte de São Paulo, São Paulo

• Michelangelo Buonarroti (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni - 1475 —

30
1564), foi um pintor, escultor, poeta e arquiteto italiano, considerado um dos maiores
criadores da história da arte do ocidente. – suas pinturas concretizam o ideal de beleza
renascentista, inspirado no ideal grego de equilíbrio das formas, destacando-se A
criação do homem, na Capela Sistina. Ele também foi um dos melhores escultores do
período, com trabalhos surpreendentes em mármore, como podemos ver em Pietà.

Pietà, 1499. Basílica de São Pedro, Vaticano. Visão parcial do teto da Capela Sistina

A pintura e a escultura deixaram de ser apenas parte da arquitetura e

ganharam independência.
As esculturas expressaram muito bem os ideais renascentistas,
representando o homem de maneira realista, equilibrada e proporcional. Os escultores
utilizavam a perspectiva e as proporções geométricas, e suas obras representavam
sentimentos nas expressões das figuras.
A partir do Renascimento, surgiu o artista como criador individual e
autônomo, expressando seu estilo pessoal, seus sentimentos e idéias, igual à
concepção de artista que temos nos dias de hoje.

Exercícios

16. Quais foram os acontecimento sociais que permitiram o Renascimento artístico e

cultural?
a) O renascimento do feudalismo.
b) O renascimento urbano e comercial.
c) O renascimento industrial e econômico.
d) O renascimento místico e religioso.
e) O renascimento do poder clerical.
17. A arquitetura do Renascimento se baseava em
relações______________________.
Complete a frase corretamente.
a) matemáticas e geométricas.
b) religiosas e políticas.
c) geométricas e fragmentadas.
d) políticas e místicas.
e) matemáticas e financeiras.

31
18. Os pintores renascentistas representavam suas cenas e personagens de maneira
realista. Quais foram os elementos usados nas pinturas que ressaltaram esse
realismo?
a) O claro-escuro e o pontilhismo.
b)A colagem e a perspectiva científica.
c)A perspectiva científica e o claro-escuro.
d) A lei da frontalidade e a colagem.
e) O pontilhismo e a lei da frontalidade.

19. Qual foi o artista renascentista que além de realizar grandes pinturas, também foi
um dos maiores escultores do período?
a) Jan van Eyck.
b) Michelangelo Buonarroti.
c) Gustave Courbet.
d) Sandro Botticelli.
e) Giotto di Bondone.

20. Qual foi o artista renascentista que criou pinturas e desenhos de anatomia com
grande realismo, além de criar projetos em várias áreas do conhecimento, como
engenharia, música e urbanismo?
a)Leonardo Da Vinci.
b)Gustave Courbet.
c) Rafael Sanzio
d) Hieronymus Bosch
e) Giotto di Bondone.

21. Quais foram os ideais que nortearam todas as produções artísticas do período
renascentista?
a) Os ideais místicos.
b) Os ideais políticos.
c) Os ideais religiosos.
d) Os ideais subversivos.
e) Os ideais humanistas.

22. Como chamavam os ricos mercadores que apoiavam financeiramente as

realizações culturais e artísticas no Renascimento?
a) Trovadores.
b) Kouros.
c) Escribas.
d) Monges.
e) Mecenas.

23. O Renascimento trouxe novas relações entre o artista e as suas criações. Qual foi
esta grande mudança?
a)Surgiu o artista como ativista político e social.
b)Surgiu o artista como executor de regras pré-estabelecidas.
c)Surgiu o artista como disseminador dos ideais religiosos.
d)Surgiu o artista como criador individual e autônomo.
e)Surgiu o artista como co-autor de obras coletivas.

32
Referencias

- BARBOSA, Ana Mae. Inquietação e mudanças no ensino da arte. São Paulo:

Cortez, 2002.
- FARIAS, Agnaldo. Arte brasileira hoje. São Paulo: Publifolha, 2002, p. 20.
HERNANDEZ, Fernando. Catadores da Cultura Visual – proposta para uma nova
narrativa educacional. Porto Alegre: Mediação, 2007. Cultura visual, mudança
educativa e projeto de trabalho. Porto Alegre: ArtMed, 2000.
- Paginas disponível na web com acesso no mês de fevereiro e março de 2012.
http://www.clickideia.com.br/portal/mostrarConteudo.php?nivel=m&disciplina=ART
brasilprofissoes.com.br/profissoes/antropólogo
http://pt.wikipedia.org/wiki/V%C3%AAnus_de_Laussel
http://www.portaldarte.com.br/prehistoricavenus.htm
http://historiadaestetica.com.sapo.pt/extdocs/pre-historia.htm
http://www.arteducacao.pro.br/Palavras/palavras.htm
http://www.infoescola.com/arquitetura/monumentos-megaliticos/
http://www.brasilescola.com/historiag/historia-da-arte.htm
http://www.portaldarte.com.br/introducao-arte.html

Paginas da internet que devem ser visitadas

1. Ai Weiwei: Sunflower seeds
2. http://youtu.be/PueYywpkJW8
3. http://youtu.be/SgxE4TUrPx4
4. http://youtu.be/widsgjI42jg

Gabarito dos exercícios da apostila

1 b 2 c 3 d 4 b 5 c 6 e 7 d 8 e 9 a 10 e
11 c 12 c 13 a 14 d 15 b 16 b 17 a 18 c 19 b 20 a
21 e 22 e 23 d

33