ANNOUNCEMENTS by Valentina Bartalesi
In a crucial monograph on Richard Serra, the American critic Hal Foster, referring to Constantin ... more In a crucial monograph on Richard Serra, the American critic Hal Foster, referring to Constantin Brâncuşi, stated that “with his ambition to convey near-Platonic ideas […] his work is an epitome of idealist sculpture”, dialectically obtained through “sheer material” (Foster, 2000).
The determining influence of Brâncuşi’s sculpture on North American object-based experimentations in the Sixties has been extensively recognized and debated since the 1970s (Krauss, 1977; Beyaert, 2003; Haase, 2004). Equally documented appears Brâncuşi’s “idealist” interpretation established on unity, pure form, spirituality, and de-materialisation (Boime, 1970; Shanes, 2010; Morariu, 2017).
The study aims to question this reading of Brâncuşi’s sculpture, tracing the extraordinary role Brâncuşi played in formulating discourses alternative to the modernist narratives elaborated by American art criticism during the 1960s and 1970s within a broader critical and transcultural investigation of the medium of sculpture. These theoretical positions were deeply influenced by European phenomenological thought and theories of material culture, being based on the ideas of embodied/imaginative experience and decentralisation.
Employing a philological and historical method, this paper initially analyses a pivotal juncture for the Anglo/American modernist debate on Brâncuşi’s work, comparing the antithetical perspectives drawn by Herbert Read (1956, 1964) and Clement Greenberg (1949).
The argumentation core focuses on selected essays by Max Kozloff, Lawrence Alloway, William Wilson, Lucy Lippard, Barbara Rose, Rosalind Krauss, Annette Michelson, Philip Tuchman, Katherine Jánszky Michaelsen, and Sandra Miller, in which Brâncuşi’s sculpture, introduced in the North American scenery of the Sixties by Carola Giedion Welcker (1955; 1958) and Sidney Geist (1968), was exploited to assert the corporeal activation of free space through the object (Allowey, 1963), the “vanishing base” issue (Burnham, 1967), the relation among horizontality, kinaesthetic imagination and the “unseen” in term of “disjunctiveness” (Krauss, 1966; 1969; 1970; 1972), the extra-western roots of synthetic form (Jánszky Michaelsen, 1966).
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Mercoledì 10 aprile 2024, alle 17:00 presso l'aula A32 del Campus Ovest (Palazzo rosso), il grupp... more Mercoledì 10 aprile 2024, alle 17:00 presso l'aula A32 del Campus Ovest (Palazzo rosso), il gruppo di lavoro Immagini e temporalità propone questo workshop per riflettere sulla vita e la morte delle immagini e le loro trasformazioni e trasfigurazioni nel tempo.
Le pitture rupestri diventano pretesto per esplorare arte, letteratura, cinema, museologia in un dialogo fra passato, presente e futuro.
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venerdì 1 dicembre 2023, ore 17.00
Palazzo delle Scienze, Sala Conferenze, 1° piano
Presentazion... more venerdì 1 dicembre 2023, ore 17.00
Palazzo delle Scienze, Sala Conferenze, 1° piano
Presentazione del volume
a cura di Tommaso Casini,
Annamaria Ducci, Fabio Martini
con Pietro Montani, Università la Sapienza, Roma
e Bruno Di Marino, Accademia di Belle Arti, Roma
seguirà la proiezione del film Pablo di Neanderthal
in presenza del regista Antonello Matarazzo
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Armi improprie. Lo stato della critica d’arte in Italia. Convegno Università IULM, Milano 27-28 aprile 2023, 2023
In un articolo apparso sulle pagine de “il Manifesto” il 28 luglio 2004, Lea Vergine firmava una ... more In un articolo apparso sulle pagine de “il Manifesto” il 28 luglio 2004, Lea Vergine firmava una memoria toccante dedicata alla prematura scomparsa di Jole de Sanna, lamentando con amarezza come «nessuno, fino ad ora, a Milano [...] ha trovato il tempo o l'occasione di ricordarla». L’omaggio a de Sanna avrebbe rappresentato l’ultimo capitolo di una collaborazione trentennale tra Vergine e il quotidiano iniziata il 22 giugno del 1972 con un pezzo in difesa di Enrico Castellani, allora incarcerato a Locarno con il sospetto di attività in collusione con le Brigate Rosse.
Il regesto degli scritti stilati da Vergine per “il Manifesto” offre un osservatorio prezioso per tentare di penetrare il senso profondo che Vergine assegnava a una militanza del tutto inscindibile dall’attività critica. I contributi, generalmente brevi, talvolta brevissimi, confermano e anzi esaltano il pensiero (e lo stile) penetrante, tagliente, severo sebbene mai pregiudiziale, schiudendo brani in cui la sofisticatezza dell’eloquio aderisce limpidamente alla lucidità del pensiero. Ma non solo. Ciò che il presente contributo si auspica di porre in luce, tracciando un percorso tra alcuni scritti scelti, è come tale finestra editoriale abbia costituito per Vergine un’occasione fondamentale per definire e rivendicare i presupposti operativi dell’attività critica. Una postura che non avrebbe arretrato di fronte alla necessità di elaborare giudizi tranchant – come nel caso in cui recensendo la Biennale del ’97 Vergine si domandava «quel che non si capisce è come ha fatto Celant a cannare, come dicono i ragazzi». Un’attitudine critica sistematicamente rivolta a porre in discussione la centralità della «Milano europea», ricordando come «quel che dimenticano le metropoli per fortuna viene promosso, in Italia, dai piccoli centri», portando allora all’attenzione del pubblico una costellazione di contesti quali Ozieri, Gallarate e Cusano Milanino. Infine, un modo contemplare la riflessione sui temi a lei più cari quale parte di un dibattito di più ampio respiro – come accaduto per la Body Art, di cui Vergine lodava le iniziative editoriali di Francesca Alfano Miglietti, contrastando l’approccio «accademico» di Jean Clair.
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Conference, 2023
Introduced in 1902 in response to a polemical article by Strzygowski, the category of haptic form... more Introduced in 1902 in response to a polemical article by Strzygowski, the category of haptic formulated by the Viennese theorist Alois Riegl enjoyed a remarkable critical fortune, exquisitely interdisciplinary, throughout the 20th century and beyond. A critical fortune that, not infrequently, has taken the form of a complex and radical reinterpretation of the "optical device”, postulated by Riegl, reflecting on the construction of space in Egyptian bas-relief. Since the 1990s significant new interpretations have been made in Film Studies field by authors such as Antonia Lant, Noël Burch and, in a more openly subversive, transcultural and gender-based key, by scholars such as Laura U. Marks, Jennifer M. Barker and Giuliana Bruno.
Although the research that has converged in the Film Studies field still needs systematic recognition, this branch of studies is partially known. Otherwise, the adoptions and interpolations this notion has received in contemporary art criticism and historiography still constitute a widely unexplored field. Given this scenario, this contribution aims at tracing how the notion of haptic has entered the lexicon of contemporary theory and criticism through the modernist period. It will try to record affinities, interpolations and reinterpretations of the Rieglian model to stress the theoretical malleability and vitality of this category. Through the rediscovery of some forgotten sources, such as Louis Danz's prodromic study on Picasso Guernica (1937) published in 1941, this study aims at analyzing critically how this notion has been experienced by authors such as Herbert Read, Clement Greenberg, Lucy Lippard and Jole De Sanna. Tracing essays and theories is intended to show how this category has become an eccentric critical tool to disorientate and dismantle the Modernist epistemic framework.
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Tavola rotonda in margine alla pubblicazione del volume ART BEFORE ART. L’UOMO COSCIENTE E L’ARTE... more Tavola rotonda in margine alla pubblicazione del volume ART BEFORE ART. L’UOMO COSCIENTE E L’ARTE DELLE ORIGINI: CON E DOPO CARLO LUDOVICO RAGGHIANTI, edd. T. Casini, A. Ducci, F. Martini, Lucca, Edizioni Fondazione Ragghianti, 2022
Intervengono GIORGIO BACCI, CRISTIANO GIOMETTI, FABIO MARTINI, ALESSANDRO NIGRO
MARTEDI 2 MAGGIO, ORE 14.30
UNIVERSITÀ DI FIRENZE, VIA LAURA 48, AULA MAGNA
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International conference : Florence, Museo di Preistoria, Thursday, September 30th 2021 Lucca, Fondazione Ragghianti Friday 1st and Saturday 2nd October 2021
The Fondazione Centro Studi sull'Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti (Lucca) and the Museo e ... more The Fondazione Centro Studi sull'Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti (Lucca) and the Museo e Istituto Fiorentino di Preistoria (Florence), on the occasion of the fortieth anniversary of Carlo L. Ragghianti's L'uomo cosciente. Arte e conoscenza nella paleostoria, published in 1981, organize the international conference: L'uomo cosciente. Art and its Origins. Carlo Ludovico Ragghianti in his aftermath.
The most recent acquisitions in the studies of prehistoric art, evolutionary aesthetics, and neuroscience will be presented in the scheduled talks. In addition, the protection, conservation and appreciation of prehistoric art will be discussed.
A virtual exhibition entitled Paolo Graziosi e Carlo Ludovico Ragghianti. Riflessioni, dialoghi ed eredità sull’arte delle origini will be also visible from September 30th on both of the two institutions websites:
https://www.fondazioneragghianti.it/
https://www.museofiorentinopreistoria.it/it
Finally, a screening of Werner Herzog's documentary, Cave of Forgotten Dreams, devoted to the paintings and graffiti of the Chauvet Cave, will be held on October 1 2021, in collaboration with the Lucca Film Festival. Thus, the German director's masterpiece will be presented and commented precisely ten years after its release.
The goal of the conference is to encourage a critical debate that, starting from Ragghianti's book, recognizes its cultural value within the history of the arts.
Organizing Committee:
Tommaso Casini (Università IULM, Milano)
Annamaria Ducci (Accademia di Belle Arti, Carrara)
Fabio Martini (Università di Firenze)
in collaboration with Valentina Bartalesi (Università IULM, Milano)
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Papers by Valentina Bartalesi
Armi improprie Lo stato della critica d’arte in Italia, a cura di Vincenzo Trione, Johan & Levi Editore, 2024
In un articolo apparso sulle pagine de “il manifesto” il 28 luglio 2004, Lea Vergine firmava una ... more In un articolo apparso sulle pagine de “il manifesto” il 28 luglio 2004, Lea Vergine firmava una memoria toccante dedicata alla prematura scomparsa di Jole de Sanna, lamentando con amarezza come «nessuno, fino ad ora, a Milano […] ha trovato il tempo o l'occasione di ricordarla». L’omaggio a de Sanna avrebbe rappresentato l’ultimo capitolo di una collaborazione trentennale tra Vergine e il quotidiano iniziata il 22
giugno del 1972 con un pezzo in difesa di Enrico Castellani, allora incarcerato a Locarno con il sospetto di attività in collusione con le Brigate Rosse.
Il regesto degli scritti stilati da Vergine per “il manifesto” offre un osservatorio prezioso per tentare di penetrare il senso profondo che Vergine assegnava a una militanza del tutto inscindibile dall’attività critica. I contributi, generalmente brevi, talvolta brevissimi, confermano e anzi esaltano il pensiero (e lo stile) penetrante, tagliente, severo sebbene mai pregiudiziale, schiudendo brani in cui la sofisticatezza dell’eloquio
aderisce limpidamente alla lucidità del pensiero. Ma non solo. Ciò che il presente contributo si auspica di porre in luce, tracciando un percorso tra alcuni scritti scelti, è come tale finestra editoriale abbia costituito per
Vergine un’occasione fondamentale per definire e rivendicare i presupposti operativi dell’attività critica. Una postura che non avrebbe arretrato di fronte alla necessità di elaborare giudizi tranchant – come nel caso in cui
recensendo la Biennale del ’97 Vergine si domandava «quel che non si capisce è come ha fatto Celant a cannare, come dicono i ragazzi». Un’attitudine critica sistematicamente rivolta a porre in discussione la
centralità della «Milano europea», ricordando come «quel che dimenticano le metropoli per fortuna viene promosso, in Italia, dai piccoli centri», portando allora all’attenzione del pubblico una costellazione di contesti
quali Ozieri, Gallarate e Cusano Milanino. Infine, un modo contemplare la riflessione sui temi a lei più cari quale parte di un dibattito di più ampio respiro – come accaduto per la Body Art, di cui Vergine lodava le iniziative editoriali di Francesca Alfano Miglietti, contrastando l’approccio «accademico» di Jean Clair.
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AN-ICON. Studies in Environmental Images [ISSN 2785-7433] , 2023
his contribution investigates the notion of im-mersiveness in Laure Prouvost’s production, critic... more his contribution investigates the notion of im-mersiveness in Laure Prouvost’s production, critically ques-tioning the relationship between the environments designed by the French artist and the short film projected in them. More specifically, an attempt will be made to demonstrate how the activation of a sense of immersion depends on the fact that Prouvost’s hypermedia installations act as both environments (ambiente) and settings (ambientazione). This study demonstrates how the immersive condition that the artist’s film performance activates, while undoubtedly relating to the environmental context in which they appear, springs from a spectrum of strategies that Prouvost’s moving images orchestrate. These include the layered and plastic quality of the moving image; the relationships between word and image within intermediary storytelling; the montage as a critical tool; and, more precisely, bodies that are not necessarily human as the locus of sensitive knowledge. A theoretical framework that intersects the notion of the “system aesthetic,” Hugo Munsterberg’s prodromal psychological theory and multiple forms of haptic vision-resonance will define the guidelines of the argumentation, in parallel with tracing an inseparable art-historical genealogy to comprehend Laure Prouvost’s research.
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AN-ICON Studies in Environmental Images, 2022
Touch represents one of the latest and most complex frontiers of virtuality: a sense which histor... more Touch represents one of the latest and most complex frontiers of virtuality: a sense which historical- ly seems to have carried the burden of proof on reality, by definition resistant to illusory environments. The paper begins from this assumption to trace a history of illusion across authors and theorists that have debated the stat- ute of haptics, building a dialogue between philosophical dilemmas and technological developments. Moving both from an aesthetic and psychophysiological viewpoint, the article will root its analysis in an historical-artistic account, augmenting the discussion with a series of case studies from the museum sector. The introduction of haptic tech- nologies within cultural institutions, which dates back to the last three decades, proves an interesting field to test the functions which touch plays in both educational and imaginative scenarios. The open question being whether modern technologies should aim at replicating haptic re- alism in miming phenomenological accuracy, or whether the most innovative applications need to aspire to a more environmental employment of touch.
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Medea, 2020
This study will envisage the possibility of analyzing the value of 'Greekness' in the pro... more This study will envisage the possibility of analyzing the value of 'Greekness' in the production of Giulio Paolini and Jannis Kounellis by proposing a cartographic itinerary. We will try to clarify how the use of 'Greekness' is entirely part of a reliable authorial reflection, developed since the early 1960s, extraneous to roaring and imaginative postmodern solutions.
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Meta.space. Visions of Space from the Middle Ages to the Digital Age, 2022
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Flash Art Italia, 2022
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ART before ART L’uomo cosciente e l’arte delle origini: con e dopo Carlo Ludovico Ragghianti, 2022
In June 2020, the renowned New York gallery David Zwirner opened its virtual space Studio 243 wit... more In June 2020, the renowned New York gallery David Zwirner opened its virtual space Studio 243 with an intermediate exhibition dedicated to Jeff Koons’ Balloon Venus Lespugue. The last specimen of a nucleus of works of prehistoric suggestion produced by the artist’s studio since 2008,
the pneumatic sculpture inspired by Lespugue, and the other elements of the Palaeolithic series
(composed of four typological specimens), results in a particularly complex operation from a theoretical perspective.
The present contribution aims to shed light on how the American artist's appropriation of the prehistoric Venus is carried out and its consequences. Furthermore, the schism between the inventive-executive phase and the exhibition of the completed work will be pointed out. Given this scenario, this paper's investigation has two critical objectives.
On the one hand, it will demonstrate how the authorial operation proposed by Koons become to a crucial testimony of a peculiar way of understanding the work of art, its gestation and its fruition in a neoliberal and late-capitalist system. A system is populated not by artefacts, from the Latin manu factus, literally ‘made, executed by hand’, but by objects made ‘with art’ and ‘artifice’. In this sense, it will be highlighted how this dimension of the artefact, reached through the formal escamotage of an alleged acheiropoieton icon, makes these artefacts, originally carved to be touched, untouchable ‘commodity sculptures’.
On the other hand, an attempt will be made to demonstrate how some of the main characteristics of the prehistoric artefact (the miniaturization process, its tactile experience, and its morphogenesis in the hand palm) possess a paradigmatic value not only within the prehistoric framework. Indeed, they unseal a fundamental paradigm to go back to the origins of making sculpture, not ontological but technical, opening a significant path for critical analysis.
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La grotta paleostorica si offre come una "immagine-ambiente" paradigmatica nell'int... more La grotta paleostorica si offre come una "immagine-ambiente" paradigmatica nell'intima relazione tra immagini (pitture, graffiti, blocchi scolpiti) e andamento della parete geologica. Spazio conchiuso, avvolgente, buio, in cui "l'immagine va a coincidere con la totalità del campo percettivo, venendo meno la cornice", essa appare come l'ambiente perfetto per essere esplorato in modalità immersiva a 360°. Un caso emblematico di questo sistema esperienziale è offerto dal recentissimo, sfaccettato programma Meet Our Ancestors (Google Arts & Culture), dedicato al sito di Chauvet-Pont d'Arc, che, attraverso un apparato tecno-mediale e differenti gradi di interazione (AR, VR), permette sia la sovrapposizione tra reale e virtuale, sia l'immersione multisensoriale in un ambiente artificiale. Oggetto di riflessione del contributo sarà la disamina della multiforme nozione di immersività AR e VR in una prospettiva teorica-estetica in relazione a tale ambi...
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Aisthesis. Pratiche, linguaggi e saperi dell’estetico
The current pandemic emergency due to Covid-19 has profoundly changed our sensory habits. What ro... more The current pandemic emergency due to Covid-19 has profoundly changed our sensory habits. What role can be assigned to a synaesthetic perceptive modality like the haptic in this no touching pandemic period (Žižek 2020)? This paper argues that the haptic specificity could go beyond the dialectic between touch and vision to focus on its phantasmagorical potentiality. In an attempt to grasp the relevance of this perceptive modality in the pandemic and post-pandemic scenario, this contribution will proceed in two directions. First, starting from an etymological premise and an iconographic excursus, it will highlight the motility and the potential in absentia as the proprium of haptic perception. Secondly, we will hypothesize the configuration of a synaesthetic and intermedial “haptic feeling” shaped by the accumulation of images of everyday pandemic life — phantasmata, eidolons and pictures — can disclose an infra-subtle space, substantially affective, which precedes and exceeds the con...
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Piano b. Arti e culture visive, 6 (2021), 1, pp. 1-40
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Piano b. Arti e culture visive, 2022
La grotta paleostorica si offre come una “immagine-ambiente” paradigmatica nell’intima relazione ... more La grotta paleostorica si offre come una “immagine-ambiente” paradigmatica nell’intima relazione tra immagini (pitture, graffiti, blocchi scolpiti) e andamento della parete geologica. Spazio conchiuso, avvolgente, buio, in cui “l’immagine va a coincidere con la totalità del campo percettivo, venendo meno la cornice”, essa appare come l’ambiente perfetto per essere esplorato in modalità immersiva a 360°. Un caso emblematico di questo sistema esperienziale è offerto dal recentissimo, sfaccettato programma Meet Our Ancestors (Google Arts & Culture), dedicato al sito di Chauvet-Pont d’Arc, che, attraverso un apparato tecno-mediale e differenti gradi di interazione (AR, VR), permette sia la sovrapposizione tra reale e virtuale, sia l’immersione multisensoriale in un ambiente artificiale. Oggetto di riflessione del contributo sarà la disamina della multiforme nozione di immersività AR e VR in una prospettiva teorica-estetica in relazione a tale ambiente specifico, anche alla luce della sua estensiva applicazione alle principali repliche (Altamira, Lascaux, Chauvet) in fase di pandemia. Il contributo ripercorrerà inoltre le tappe salienti di una lunga storia percettiva perennemente oscillante tra lettura ambientale ed esaltazione iconica: dalle prime illustrazioni di ambito scientifico di fine XIX secolo, alle strategie espositive della prima metà del ‘900, passando per le immagini della cultura di massa, la ri-mediazione dell’arte paleostorica trova uno snodo fondamentale nell’avvento del cinema, per culminare nell’utilizzo del 3D con l’opus di Werner Herzog, The Cave of forgotten dreams (2011).
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Flash Art Italia, 2022
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ANNOUNCEMENTS by Valentina Bartalesi
The determining influence of Brâncuşi’s sculpture on North American object-based experimentations in the Sixties has been extensively recognized and debated since the 1970s (Krauss, 1977; Beyaert, 2003; Haase, 2004). Equally documented appears Brâncuşi’s “idealist” interpretation established on unity, pure form, spirituality, and de-materialisation (Boime, 1970; Shanes, 2010; Morariu, 2017).
The study aims to question this reading of Brâncuşi’s sculpture, tracing the extraordinary role Brâncuşi played in formulating discourses alternative to the modernist narratives elaborated by American art criticism during the 1960s and 1970s within a broader critical and transcultural investigation of the medium of sculpture. These theoretical positions were deeply influenced by European phenomenological thought and theories of material culture, being based on the ideas of embodied/imaginative experience and decentralisation.
Employing a philological and historical method, this paper initially analyses a pivotal juncture for the Anglo/American modernist debate on Brâncuşi’s work, comparing the antithetical perspectives drawn by Herbert Read (1956, 1964) and Clement Greenberg (1949).
The argumentation core focuses on selected essays by Max Kozloff, Lawrence Alloway, William Wilson, Lucy Lippard, Barbara Rose, Rosalind Krauss, Annette Michelson, Philip Tuchman, Katherine Jánszky Michaelsen, and Sandra Miller, in which Brâncuşi’s sculpture, introduced in the North American scenery of the Sixties by Carola Giedion Welcker (1955; 1958) and Sidney Geist (1968), was exploited to assert the corporeal activation of free space through the object (Allowey, 1963), the “vanishing base” issue (Burnham, 1967), the relation among horizontality, kinaesthetic imagination and the “unseen” in term of “disjunctiveness” (Krauss, 1966; 1969; 1970; 1972), the extra-western roots of synthetic form (Jánszky Michaelsen, 1966).
Le pitture rupestri diventano pretesto per esplorare arte, letteratura, cinema, museologia in un dialogo fra passato, presente e futuro.
Palazzo delle Scienze, Sala Conferenze, 1° piano
Presentazione del volume
a cura di Tommaso Casini,
Annamaria Ducci, Fabio Martini
con Pietro Montani, Università la Sapienza, Roma
e Bruno Di Marino, Accademia di Belle Arti, Roma
seguirà la proiezione del film Pablo di Neanderthal
in presenza del regista Antonello Matarazzo
Il regesto degli scritti stilati da Vergine per “il Manifesto” offre un osservatorio prezioso per tentare di penetrare il senso profondo che Vergine assegnava a una militanza del tutto inscindibile dall’attività critica. I contributi, generalmente brevi, talvolta brevissimi, confermano e anzi esaltano il pensiero (e lo stile) penetrante, tagliente, severo sebbene mai pregiudiziale, schiudendo brani in cui la sofisticatezza dell’eloquio aderisce limpidamente alla lucidità del pensiero. Ma non solo. Ciò che il presente contributo si auspica di porre in luce, tracciando un percorso tra alcuni scritti scelti, è come tale finestra editoriale abbia costituito per Vergine un’occasione fondamentale per definire e rivendicare i presupposti operativi dell’attività critica. Una postura che non avrebbe arretrato di fronte alla necessità di elaborare giudizi tranchant – come nel caso in cui recensendo la Biennale del ’97 Vergine si domandava «quel che non si capisce è come ha fatto Celant a cannare, come dicono i ragazzi». Un’attitudine critica sistematicamente rivolta a porre in discussione la centralità della «Milano europea», ricordando come «quel che dimenticano le metropoli per fortuna viene promosso, in Italia, dai piccoli centri», portando allora all’attenzione del pubblico una costellazione di contesti quali Ozieri, Gallarate e Cusano Milanino. Infine, un modo contemplare la riflessione sui temi a lei più cari quale parte di un dibattito di più ampio respiro – come accaduto per la Body Art, di cui Vergine lodava le iniziative editoriali di Francesca Alfano Miglietti, contrastando l’approccio «accademico» di Jean Clair.
Although the research that has converged in the Film Studies field still needs systematic recognition, this branch of studies is partially known. Otherwise, the adoptions and interpolations this notion has received in contemporary art criticism and historiography still constitute a widely unexplored field. Given this scenario, this contribution aims at tracing how the notion of haptic has entered the lexicon of contemporary theory and criticism through the modernist period. It will try to record affinities, interpolations and reinterpretations of the Rieglian model to stress the theoretical malleability and vitality of this category. Through the rediscovery of some forgotten sources, such as Louis Danz's prodromic study on Picasso Guernica (1937) published in 1941, this study aims at analyzing critically how this notion has been experienced by authors such as Herbert Read, Clement Greenberg, Lucy Lippard and Jole De Sanna. Tracing essays and theories is intended to show how this category has become an eccentric critical tool to disorientate and dismantle the Modernist epistemic framework.
Intervengono GIORGIO BACCI, CRISTIANO GIOMETTI, FABIO MARTINI, ALESSANDRO NIGRO
MARTEDI 2 MAGGIO, ORE 14.30
UNIVERSITÀ DI FIRENZE, VIA LAURA 48, AULA MAGNA
The most recent acquisitions in the studies of prehistoric art, evolutionary aesthetics, and neuroscience will be presented in the scheduled talks. In addition, the protection, conservation and appreciation of prehistoric art will be discussed.
A virtual exhibition entitled Paolo Graziosi e Carlo Ludovico Ragghianti. Riflessioni, dialoghi ed eredità sull’arte delle origini will be also visible from September 30th on both of the two institutions websites:
https://www.fondazioneragghianti.it/
https://www.museofiorentinopreistoria.it/it
Finally, a screening of Werner Herzog's documentary, Cave of Forgotten Dreams, devoted to the paintings and graffiti of the Chauvet Cave, will be held on October 1 2021, in collaboration with the Lucca Film Festival. Thus, the German director's masterpiece will be presented and commented precisely ten years after its release.
The goal of the conference is to encourage a critical debate that, starting from Ragghianti's book, recognizes its cultural value within the history of the arts.
Organizing Committee:
Tommaso Casini (Università IULM, Milano)
Annamaria Ducci (Accademia di Belle Arti, Carrara)
Fabio Martini (Università di Firenze)
in collaboration with Valentina Bartalesi (Università IULM, Milano)
Papers by Valentina Bartalesi
giugno del 1972 con un pezzo in difesa di Enrico Castellani, allora incarcerato a Locarno con il sospetto di attività in collusione con le Brigate Rosse.
Il regesto degli scritti stilati da Vergine per “il manifesto” offre un osservatorio prezioso per tentare di penetrare il senso profondo che Vergine assegnava a una militanza del tutto inscindibile dall’attività critica. I contributi, generalmente brevi, talvolta brevissimi, confermano e anzi esaltano il pensiero (e lo stile) penetrante, tagliente, severo sebbene mai pregiudiziale, schiudendo brani in cui la sofisticatezza dell’eloquio
aderisce limpidamente alla lucidità del pensiero. Ma non solo. Ciò che il presente contributo si auspica di porre in luce, tracciando un percorso tra alcuni scritti scelti, è come tale finestra editoriale abbia costituito per
Vergine un’occasione fondamentale per definire e rivendicare i presupposti operativi dell’attività critica. Una postura che non avrebbe arretrato di fronte alla necessità di elaborare giudizi tranchant – come nel caso in cui
recensendo la Biennale del ’97 Vergine si domandava «quel che non si capisce è come ha fatto Celant a cannare, come dicono i ragazzi». Un’attitudine critica sistematicamente rivolta a porre in discussione la
centralità della «Milano europea», ricordando come «quel che dimenticano le metropoli per fortuna viene promosso, in Italia, dai piccoli centri», portando allora all’attenzione del pubblico una costellazione di contesti
quali Ozieri, Gallarate e Cusano Milanino. Infine, un modo contemplare la riflessione sui temi a lei più cari quale parte di un dibattito di più ampio respiro – come accaduto per la Body Art, di cui Vergine lodava le iniziative editoriali di Francesca Alfano Miglietti, contrastando l’approccio «accademico» di Jean Clair.
the pneumatic sculpture inspired by Lespugue, and the other elements of the Palaeolithic series
(composed of four typological specimens), results in a particularly complex operation from a theoretical perspective.
The present contribution aims to shed light on how the American artist's appropriation of the prehistoric Venus is carried out and its consequences. Furthermore, the schism between the inventive-executive phase and the exhibition of the completed work will be pointed out. Given this scenario, this paper's investigation has two critical objectives.
On the one hand, it will demonstrate how the authorial operation proposed by Koons become to a crucial testimony of a peculiar way of understanding the work of art, its gestation and its fruition in a neoliberal and late-capitalist system. A system is populated not by artefacts, from the Latin manu factus, literally ‘made, executed by hand’, but by objects made ‘with art’ and ‘artifice’. In this sense, it will be highlighted how this dimension of the artefact, reached through the formal escamotage of an alleged acheiropoieton icon, makes these artefacts, originally carved to be touched, untouchable ‘commodity sculptures’.
On the other hand, an attempt will be made to demonstrate how some of the main characteristics of the prehistoric artefact (the miniaturization process, its tactile experience, and its morphogenesis in the hand palm) possess a paradigmatic value not only within the prehistoric framework. Indeed, they unseal a fundamental paradigm to go back to the origins of making sculpture, not ontological but technical, opening a significant path for critical analysis.
The determining influence of Brâncuşi’s sculpture on North American object-based experimentations in the Sixties has been extensively recognized and debated since the 1970s (Krauss, 1977; Beyaert, 2003; Haase, 2004). Equally documented appears Brâncuşi’s “idealist” interpretation established on unity, pure form, spirituality, and de-materialisation (Boime, 1970; Shanes, 2010; Morariu, 2017).
The study aims to question this reading of Brâncuşi’s sculpture, tracing the extraordinary role Brâncuşi played in formulating discourses alternative to the modernist narratives elaborated by American art criticism during the 1960s and 1970s within a broader critical and transcultural investigation of the medium of sculpture. These theoretical positions were deeply influenced by European phenomenological thought and theories of material culture, being based on the ideas of embodied/imaginative experience and decentralisation.
Employing a philological and historical method, this paper initially analyses a pivotal juncture for the Anglo/American modernist debate on Brâncuşi’s work, comparing the antithetical perspectives drawn by Herbert Read (1956, 1964) and Clement Greenberg (1949).
The argumentation core focuses on selected essays by Max Kozloff, Lawrence Alloway, William Wilson, Lucy Lippard, Barbara Rose, Rosalind Krauss, Annette Michelson, Philip Tuchman, Katherine Jánszky Michaelsen, and Sandra Miller, in which Brâncuşi’s sculpture, introduced in the North American scenery of the Sixties by Carola Giedion Welcker (1955; 1958) and Sidney Geist (1968), was exploited to assert the corporeal activation of free space through the object (Allowey, 1963), the “vanishing base” issue (Burnham, 1967), the relation among horizontality, kinaesthetic imagination and the “unseen” in term of “disjunctiveness” (Krauss, 1966; 1969; 1970; 1972), the extra-western roots of synthetic form (Jánszky Michaelsen, 1966).
Le pitture rupestri diventano pretesto per esplorare arte, letteratura, cinema, museologia in un dialogo fra passato, presente e futuro.
Palazzo delle Scienze, Sala Conferenze, 1° piano
Presentazione del volume
a cura di Tommaso Casini,
Annamaria Ducci, Fabio Martini
con Pietro Montani, Università la Sapienza, Roma
e Bruno Di Marino, Accademia di Belle Arti, Roma
seguirà la proiezione del film Pablo di Neanderthal
in presenza del regista Antonello Matarazzo
Il regesto degli scritti stilati da Vergine per “il Manifesto” offre un osservatorio prezioso per tentare di penetrare il senso profondo che Vergine assegnava a una militanza del tutto inscindibile dall’attività critica. I contributi, generalmente brevi, talvolta brevissimi, confermano e anzi esaltano il pensiero (e lo stile) penetrante, tagliente, severo sebbene mai pregiudiziale, schiudendo brani in cui la sofisticatezza dell’eloquio aderisce limpidamente alla lucidità del pensiero. Ma non solo. Ciò che il presente contributo si auspica di porre in luce, tracciando un percorso tra alcuni scritti scelti, è come tale finestra editoriale abbia costituito per Vergine un’occasione fondamentale per definire e rivendicare i presupposti operativi dell’attività critica. Una postura che non avrebbe arretrato di fronte alla necessità di elaborare giudizi tranchant – come nel caso in cui recensendo la Biennale del ’97 Vergine si domandava «quel che non si capisce è come ha fatto Celant a cannare, come dicono i ragazzi». Un’attitudine critica sistematicamente rivolta a porre in discussione la centralità della «Milano europea», ricordando come «quel che dimenticano le metropoli per fortuna viene promosso, in Italia, dai piccoli centri», portando allora all’attenzione del pubblico una costellazione di contesti quali Ozieri, Gallarate e Cusano Milanino. Infine, un modo contemplare la riflessione sui temi a lei più cari quale parte di un dibattito di più ampio respiro – come accaduto per la Body Art, di cui Vergine lodava le iniziative editoriali di Francesca Alfano Miglietti, contrastando l’approccio «accademico» di Jean Clair.
Although the research that has converged in the Film Studies field still needs systematic recognition, this branch of studies is partially known. Otherwise, the adoptions and interpolations this notion has received in contemporary art criticism and historiography still constitute a widely unexplored field. Given this scenario, this contribution aims at tracing how the notion of haptic has entered the lexicon of contemporary theory and criticism through the modernist period. It will try to record affinities, interpolations and reinterpretations of the Rieglian model to stress the theoretical malleability and vitality of this category. Through the rediscovery of some forgotten sources, such as Louis Danz's prodromic study on Picasso Guernica (1937) published in 1941, this study aims at analyzing critically how this notion has been experienced by authors such as Herbert Read, Clement Greenberg, Lucy Lippard and Jole De Sanna. Tracing essays and theories is intended to show how this category has become an eccentric critical tool to disorientate and dismantle the Modernist epistemic framework.
Intervengono GIORGIO BACCI, CRISTIANO GIOMETTI, FABIO MARTINI, ALESSANDRO NIGRO
MARTEDI 2 MAGGIO, ORE 14.30
UNIVERSITÀ DI FIRENZE, VIA LAURA 48, AULA MAGNA
The most recent acquisitions in the studies of prehistoric art, evolutionary aesthetics, and neuroscience will be presented in the scheduled talks. In addition, the protection, conservation and appreciation of prehistoric art will be discussed.
A virtual exhibition entitled Paolo Graziosi e Carlo Ludovico Ragghianti. Riflessioni, dialoghi ed eredità sull’arte delle origini will be also visible from September 30th on both of the two institutions websites:
https://www.fondazioneragghianti.it/
https://www.museofiorentinopreistoria.it/it
Finally, a screening of Werner Herzog's documentary, Cave of Forgotten Dreams, devoted to the paintings and graffiti of the Chauvet Cave, will be held on October 1 2021, in collaboration with the Lucca Film Festival. Thus, the German director's masterpiece will be presented and commented precisely ten years after its release.
The goal of the conference is to encourage a critical debate that, starting from Ragghianti's book, recognizes its cultural value within the history of the arts.
Organizing Committee:
Tommaso Casini (Università IULM, Milano)
Annamaria Ducci (Accademia di Belle Arti, Carrara)
Fabio Martini (Università di Firenze)
in collaboration with Valentina Bartalesi (Università IULM, Milano)
giugno del 1972 con un pezzo in difesa di Enrico Castellani, allora incarcerato a Locarno con il sospetto di attività in collusione con le Brigate Rosse.
Il regesto degli scritti stilati da Vergine per “il manifesto” offre un osservatorio prezioso per tentare di penetrare il senso profondo che Vergine assegnava a una militanza del tutto inscindibile dall’attività critica. I contributi, generalmente brevi, talvolta brevissimi, confermano e anzi esaltano il pensiero (e lo stile) penetrante, tagliente, severo sebbene mai pregiudiziale, schiudendo brani in cui la sofisticatezza dell’eloquio
aderisce limpidamente alla lucidità del pensiero. Ma non solo. Ciò che il presente contributo si auspica di porre in luce, tracciando un percorso tra alcuni scritti scelti, è come tale finestra editoriale abbia costituito per
Vergine un’occasione fondamentale per definire e rivendicare i presupposti operativi dell’attività critica. Una postura che non avrebbe arretrato di fronte alla necessità di elaborare giudizi tranchant – come nel caso in cui
recensendo la Biennale del ’97 Vergine si domandava «quel che non si capisce è come ha fatto Celant a cannare, come dicono i ragazzi». Un’attitudine critica sistematicamente rivolta a porre in discussione la
centralità della «Milano europea», ricordando come «quel che dimenticano le metropoli per fortuna viene promosso, in Italia, dai piccoli centri», portando allora all’attenzione del pubblico una costellazione di contesti
quali Ozieri, Gallarate e Cusano Milanino. Infine, un modo contemplare la riflessione sui temi a lei più cari quale parte di un dibattito di più ampio respiro – come accaduto per la Body Art, di cui Vergine lodava le iniziative editoriali di Francesca Alfano Miglietti, contrastando l’approccio «accademico» di Jean Clair.
the pneumatic sculpture inspired by Lespugue, and the other elements of the Palaeolithic series
(composed of four typological specimens), results in a particularly complex operation from a theoretical perspective.
The present contribution aims to shed light on how the American artist's appropriation of the prehistoric Venus is carried out and its consequences. Furthermore, the schism between the inventive-executive phase and the exhibition of the completed work will be pointed out. Given this scenario, this paper's investigation has two critical objectives.
On the one hand, it will demonstrate how the authorial operation proposed by Koons become to a crucial testimony of a peculiar way of understanding the work of art, its gestation and its fruition in a neoliberal and late-capitalist system. A system is populated not by artefacts, from the Latin manu factus, literally ‘made, executed by hand’, but by objects made ‘with art’ and ‘artifice’. In this sense, it will be highlighted how this dimension of the artefact, reached through the formal escamotage of an alleged acheiropoieton icon, makes these artefacts, originally carved to be touched, untouchable ‘commodity sculptures’.
On the other hand, an attempt will be made to demonstrate how some of the main characteristics of the prehistoric artefact (the miniaturization process, its tactile experience, and its morphogenesis in the hand palm) possess a paradigmatic value not only within the prehistoric framework. Indeed, they unseal a fundamental paradigm to go back to the origins of making sculpture, not ontological but technical, opening a significant path for critical analysis.
The excessive similarity between the cast and its referring, beyond its mechanical creation, is one of the charges traditionally pointed towards the mould. The phobias connected to that affinity prove to be ancient and various. Indeed, they concern the connection between corporal images and the concept of embodiment/death (Belting 2018; Bredekamp 2015), the disturbing indexicality of portrait and fragments which emulate the skin (Schlosser 1911), the deadly and erotic tension propagated by anatomical plaster casts (Gautier 1847; Bucci 1976; Didi-Huberman 2009).
This paper aims to analyse the mimetophobic quality of anatomical mould in the period between the second half of the 1950s and the early 1970s, stressing its crucial role in deconstructing the notion of similarity and re-examining the modernist Greenberghian theoretical system (Greenberg 2011). Starting from the assumption that the concept of similarity could not be considered unambiguous, this study will examine: i) the concept of similarity in its peculiar meaning of mimeto-phobia and mimeto-philia; ii) a possible reflection on Didi-Huberman's most original themes; iii) the value of mimesis concept inside the modernist episteme (Del Puppo 2013; Deleuze 2008). The core of the dissertation will present a selection of work that highlights the innovative quality of the mimetophobic element, ending with a monographical analysis on the ambivalent character of anatomical mould in Alina Szapocznikow (Filipovic 2011; Sylos Calò 2016; Butler 2011).
Il presente intervento si auspica di disporre una panoramica “diplopica” dei concetti di aptico e percezione aptica che intersechi il piano storiografico, critico e storico-artistico. Obiettivo della dissertazione coincide con il rintracciare l’agire di due linee genealogiche la cui analisi possa offrire una solida base al fine di meglio collocare, soprattutto rispetto alle manifestazioni artistiche contemporanee, due categorie talvolta trattate come “neologiche” e invece portatrici di una storia antica (Occhipinti 2019). A un affondo etimologico sulle radici di Háptein/Haptikós, Aptychus e Hapticē seguirà la presentazione della più nota prospettiva della cosiddetta “visualità aptica” riegliana, sorta in ambito germanofono e culminata nelle derive oculocentriche del Modernismo greenberghiano (Greenberg 1956; Jay 1993; Getsy 2011) e nelle sue contestazioni (Michelson 1969a, 1969b; de Sanna 1976; Krauss 1971, 1993); quindi la ricostruzione di una seconda genealogia riferibile alla “scienza dell’aptica” (Dessoir 1892; Grunwald 2008; Parisi 2018), nota nell’alveo delle scienze dure, di carattere psico-estesiologico (James 1890; Stein 1895; Berenson 1896; Lowenfeld 1937,1945) in cui il toccare assurge ad atteggiamento multimodale complesso, veicolo di un paradigma critico-stilistico avente caratterizzazioni ben distinte dal precedente riegliano (Danz 1941; Read 1956; Giedion 1962; Lippard 1971).
Given such a centrality of the bodily element, it is not surprising to find in Prouvost a significant interest in the artistic experiments and theories of the 1960s and 1970s. In the same years in which the publications on prehistory by Leroi-Gourhan and Laming-Emperaire were coming to light, in the seminal Expanded Cinema of 1970, Gene Youngblood discussed a “Paleocybernetic Age” that would dialogue with the “primitive potential associated with the Palaeolithic”. In an extensive reference to the primordial, the artist seems to participate in that form of “polymorphous eroticism”, subversive and alternative to the entertainment industry discussed by Youngblood. At the same time, Prouvost weaves a lively dialogue with the work of those female artists engaged since the second half of the 1960s in the performative praxis and, more precisely, in the film restitution of the performance. It is a two-faced performative dimension, which relates as much to the acting body as to the agency of the technical medium arising from editing, sound and the manipulation of celluloid.
From a historiographical perspective, this contribution shows how Prouvost’s video works intersect a plexus of perceptual strategies investigated in the 1990s but dating back to the early 20th century, if not to prehistory. These include Ellen Dissanayake’s “Hands- on” competence, Gallese and Rizzolatti’s “embodied simulation”, Giuliana Bruno’s “site-seeing”, Laura U. Marks’ “haptic visuality” or kinaesthetic haptic perception discussed by Annette Michelson. Exploring in a sensual, ironic and highly interspecific manner the participatory experience that the viewer has of a body — or rather, of a variegated plexus of entangled bodies — acting on the screen, Prouvost creates a disorienting and layered proto- and post-cinematic narrative that, in dialogue with the present time, deeply questions its paradigms.
ai corrispondenti codici espressivi, ha rivestito
un ruolo preponderante nella recente storia
del canone occidentale.
Il convegno Transmedialità e crossmedialità:
nuove prospettive, organizzato con la collaborazione
del dottorato in Visual and Media
Studies dell’Università IULM, si propone di avviare
un dibattito interdisciplinare sulla trasmigrazione
e sulla conseguente morfogenesi
ibrida dei significati nel passato recente e
nel contemporaneo.
A partire dalle analogie e delle differenze tra
la multimedialità e le sue più recenti evoluzioni
nell’era moderna e postmoderna, attraversando
teorie e pratiche dell’intersessualità e
della riscrittura, fino a giungere alle ibridazioni
tra linguaggi artistici, dispositivi e nuove interfacce,
il convegno si propone di indagare
questo vasto panorama di tematiche a partire
dalla complessità dei processi multi-,
trans- e cross-mediali.