El fotograma Francesca Fruci

PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DEL ECUADOR ARTES VISUALES HISTORIA DEL ARTE DEL IMPRESIONISMO A LA CONTEMPORANEIDAD ¿Cómo trabajaron la fotografía sin cámara fotográfica, los artistas Man Ray y Lázló Moholy Nagy entre 1920 y 1940? Francesca Fruci 2020 INTRODUCCIÓN La fotografía luchó por introducirse en el universo de las Bellas Artes desde su aparición. Dada su capacidad de capturar la realidad de la manera más aproximada, fue concebida como un documento periodístico y a la par fue vista como una amenaza a la creación artística manual que intentaba reproducir la realidad. De tal manera que tardó en aparecer el concepto de fotografía artística hasta el siglo XX, puesto que la modernidad configuró la apertura de fronteras entre disciplinas y suscitó la aparición de movimientos y filosofías que repensarían la idea de representación y de función artística. Vanguardias como el surrealismo, y la Bauhaus hicieron uso de los medios tecnológicos para hacer nuevos planteamientos artísticos que rompían con la tradición. La nueva visión artística aparece en este contexto, debido al uso de los nuevos medios y la vinculación entre varias disciplinas para la configuración de una obra de arte. En el presente ensayo se analizará la obra de Man Ray y Lázló Moholy Nagy, artistas que retomaron los inicios de la fotografía, es decir el fotograma y lo plantearon y expusieron como obra artística. TÉCNICA La fotografía obtenida sin el uso de lentes fotográficos o llamada lensless, es la primera técnica utilizada para obtener una “pintura de luz”. Es un proceso de impresión que no necesita de un lente fotográfico puesto que es la experimentación directa con materiales fotosensibles. Los primeros fotogramas fueron inventados antes de la misma fotografía. John Berger define a la luz y al tiempo como las materias primas de la fotografía, puesto que la importancia de la imagen recae en el diálogo de la luz con los elementos fijados en la misma, que manipulan el movimiento, el volumen y la exposición. La historia de la fotografía se remonta en la obtención de imágenes por procedimientos fotoquímicos. Los primeros en experimentar con estos materiales fotosensibles y con distintos químicos fueron Wedgwood, Anna Atkins, Jacques-AlexandreCésar Charles, William Henry Fox Talbot, Daguerre y Hershell entre 1790 y 1800. El procedimiento inicial fue denominado “objeto-silueta” y se realizó en “cianotipia” y “lumen print”. De hecho, los primeros procedimientos se dieron sin necesidad de un cuarto oscuro, la obtención de una imagen dada por los rayos UV de la luz del sol se llama “lumen print” y es llevada a cabo por contacto o por la colocación directa del objeto. Estos métodos iniciales se configuraron por el uso de distintos minerales y soluciones químicas. La cianotipia usa un solvente del hiposulfito de sodio “Desde sus orígenes, la cianotipia consiste en impregnar un soporte papel con sales de hierro para posteriormente ser utilizado en impresión de contacto” (Sáez, 2007) Las sales de hierro son minerales fotosensibles y por ello permiten que la luz penetre en el soporte. La emulsión, a su vez, permite que, si tiene contacto con otro objeto, allí no penetre la luz, sino que se refleja su forma en negativo. Un contacto tiene lugar cuando un negativo y el soporte emulsionado con estas sales, son presionados para transferir la imagen a positivo. Hershell, quien realizaba impresiones cianotípicas, fue quien dio el nombre de fotografía a sus impresiones de luz. Es decir que, la fotografía surgió antes del desarrollo de la máquina fotográfica. Las imágenes obtenidas por procesos químicos implican transformaciones químicas en cuanto al color, la exposición, y la aproximación a la realidad. Los rayos ultravioletas provocan otra coloración que tiende hacia los sepias cuando reacciona con las sales mientras que el hiposulfito de sodio provoca una coloración en cian. Las soluciones químicas principales para la obtención de imágenes monocromas fueron las sales de plata, el platino o el paladio. Para estas imágenes se requirió de la creación de un cuarto oscuro. El desarrollo de la ciencia proporcionó químicos que son hasta el día de hoy fundamentales para la fotografía monocroma, estos son: el revelador y el fijador, los cuales se usan hoy para todo tipo de técnica fotográfica analógica. Desde aquel entonces ya se utilizó el término “sobreponer” por el uso directo de los elementos sobre el soporte en la técnica lumen y cianotipia. Posteriormente, en 1920 se quiso volver a los orígenes de la fotografía, pero con un fin estético-artístico y trabajar esta sobreposición de elementos sobre el soporte que sería la fotografía. Esta técnica fue llamada de distintas maneras por cada artista que la utilizó en el pasado siglo XX. Man Ray la llamó rayograma, Moholy Nagy fotograma o composición luminosa y posteriormente Pierre Cordier la llamó chemigrama. La Técnica se puede definir como: “el rastro, fijado sobre un soporte bidimensional sensibilizado por cristales de halogenuro de plata, de una variación de luz emitida o reflejada por fuentes situadas a distancia en un espacio de tres dimensiones” (Cendón). Consiste en la utilización del cuarto oscuro, materiales fotosensibles, soluciones químicas: revelador, fijador, y ciertamente, luz. Se colocan objetos sobre una hoja de papel fotográfico, la luz artificial se proyecta sobre el soporte con los objetos y su sombra. Una vez expuesto por un determinado tiempo, la imagen aparece bajo la sustancia del revelador. Las superficies fotosensibles pueden ser: papel fotográfico, que contiene una emulsión salina de haluros de plata y sulfato de bario, rollos de películas fotográficas, textiles, aluminio, plásticos etc. Cada material varía los resultados de la imagen. La luz es energía tiempo-espacial y su proyección. Se crea una nueva concepción del tiempo debido al uso de la luz. “generalmente la luz no era considerada como medio plástico; solo como medio auxiliar para señalar la existencia material. “Se inicia ahora un nuevo periodo en el que la luz será empleada como medio expresivo con cualidades y características propias.” (Nagy) El rayograma/fotograma revela la plasticidad de la luz por su manipulación. Según Moholy Nagy la luz posee la facultad de “irradiar, traspasar, infiltrar y rodear y crear volúmenes”. Las soluciones químicas sirven para revelar, fijar, colorear, tonalizar, dar mayor contraste o brillo e incluso disolver las emulsiones fotográficas. Los efectos de los químicos varían por la concentración de la solución, la temperatura, por intervención manual, entre otras “fallas” como la agitación del químico. Man Ray dijo” la violación del medio empleado es la más perfecta garantía de las convicciones del autor” Conocer y transgredir las fórmulas de los materiales químicos fue clave para que Man Ray descubra nuevas formas de renovar la técnica. Nunca habrá una reproducción idéntica puesto que las condiciones físico químicas y las reacciones nunca van a ser iguales. Esto introduce la idea de “aleatorio” y trabajo libre en la creación artística- fotográfica. Por esta integración de disciplinas, este proceso en 1900 fue llamado “pseudo fotografía” o fotografía ficticia ya que mostraba una realidad inexistente, marcada por la creación y composición de quien coloque los objetos sobre la superficie fotosensible. Lo aleatorio es de hecho, una idea fundamental de los años 20, “está en el corazón de la biología, en el corazón de las nuevas artes” (Edgar Morin) (Cordier) Pierre Cordier, afirma que quienes utilizaron esta técnica no solo encontraron una nueva forma de expresión, sino que también transgredieron las convenciones tradicionales de la fotografía. (Cordier) Este no era un solo oficio, involucraba una práctica artística total, se vinculó pintura con Escultura, fotografía con diseño. Cordier lo denomina fotopintura y fotoescultura por la composición de los elementos y el desarrollo estético de los mismos además de la revelación y balance químico que permite la variación de valores tonales. Este proceso no involucra la extensión humana hacia la tecnología, solo requiere de luz y químicos para que se revele la imagen. ¿Por qué se configuró como un lenguaje artístico aparte de fotográfico? Hay quienes manifestaron que esta técnica no es fotografía, pues la fotografía ya tenía una concepción desde la creación de la máquina, hace alusión al uso del lente y a capturar lo real, no crear de cero algo que no existe. El fotograma en cambio, comienza con una hoja en blanco, como el pintor con lienzo en blanco, la fotografía con lente no tiene esta premisa, siempre hay una realidad tangible a la cual fotografiar Cada imagen obtenida por esta técnica es única y se la consigue directamente, en este caso la imagen no se separa de su suporte, tal como un elemento plástico. Como dijo Hershell, la fotografía es la imagen obtenida, así que no existe tal separación entre la fotografía hecha por medio de la máquina y la fotografía creada en el cuarto oscuro, sigue siendo fotografía. Según Moholy Nagy, el fotograma es el medio más completo y desmaterializado que domina la nueva visión. En 1923 escribe también que el fotograma es la verdadera clave de la fotografía, aunque se la haya querido catalogar como ajena a la misma. CONTEXTO El desarrollo de un mundo moderno causó nuevas oportunidades sobre todo en el ámbito artístico, que se destacó por la ruptura con las tradiciones y la experimentación de nuevas técnicas y desarrollo de pensamientos acerca de la modernidad misma. Se genera una nueva visión de la realidad debido a que el medio reclama movimiento, progreso y acumulación. La Modernidad se caracteriza especialmente por exigir inmediatez y mostrar el progreso de la tecnología, y por esto mismo, el uso de la cámara fotográfica estaba en auge. Sin embargo, la técnica primitiva fotográfica fue retomada por quienes optaron por dejar de lado la máquina fotográfica y analizar la infinidad de posibilidades dadas por la luz y la reacción química. Los artistas que se compararán, realizaron fotogramas para una mayor involucración manual. La aplicación de esta técnica cambia la idea de representación, ya no se vale de la reproducción fidedigna, pues esto hacían las máquinas fotográficas, sino que la imagen se vuelve un medio de expresión distinto a lo real. La fotografía es una herramienta de memoria, Rosalind Krauss manifiesta que la fotografía tiene la función de establecer un discurso presente de transmisión a un lugar ausente y a un futuro incierto. Tal como otras máquinas, ésta necesita de la mano humana, para transferir el discurso inmaterial a la materia. La máquina fotográfica es una extensión del cuerpo, pues se la manipula, se involucra. En el libro de la nueva visión de Moholy Nagy queda claro que los perjuicios ocasionados por la civilización técnica, que establece al ser humano como prisionero de la máquina (Berman, 1974), pueden ser combatidos por la protección de las funciones orgánicas, inmateriales y emocionales, por medio del arte, la ciencia y la tecnología en conjunto. La Integración de tecnologías al arte se vio necesaria porque “nuestra era es una era de transición” es un tiempo de integración de conocimientos. El fin de la fotografía no es el producto, sino, el hombre; su involucración en el proceso. Esto es evidente en la obra de Man Ray y Moholy Nagy ya que incluyen su participación en la imagen por medio de la mano y además rompen los esquemas de la fotografía moderna para retomar un método pasado en el que se involucrase más el hombre como compositor total de la imagen, tal como en la plástica artística. Propone a la fotografía como una manifestación artística en un mundo en el que la fotografía servía únicamente para documentar. Asimismo, utilizan este medio para que la imagen se involucre en la cultura por medio de la integración con otros ámbitos como por ejemplo la publicidad y el uso del cartel en el caso de Moholy Nagy. Por consiguiente, se analizará la fotografía análoga que no utiliza la máquina fotográfica en la obra de Man Ray y Lázló Moly Nagy, artistas que entre 1920 y 1940 experimentaron y produjeron un número basto de obra con rayogramas/ fotogramas. Se explicará la importancia de la técnica dentro de su experiencia artística/social contemporánea. LÁZLÓ MOHOLY NAGY Lázlo Moholy Nagy desarrolló la técnica entre 1922 y 1943 (MuseoReinaSofia, 1997). La labor teórica y plástica de Moholy-Nagy está marcada en un inicio por la experimentación y vinculada a la Bauhaus, posteriormente, tras su asentamiento en Estados Unidos se dedicó a presentar la importancia de la luz en relación a los nuevos medios. Escribió el libro “Nueva Visión y reseña de un artista” y también el libro Produktion-Reproduktion, (MuseoReinaSofia, 1997) “donde se hace eco de la estética y del proyecto del “hombre-máquina” y en el cual afirma que el cine y la fotografía son las nuevas herramientas que permitirán alcanzar la plenitud de la visión.” Para Moholy Nagy, la producción de imágenes con luz hace visible la relación entre espacio, forma y luz. Moholy Nagy experimentó con varios medios artísticos que involucraban precisamente estos elementos visuales. Sintetizó las formas, influenciado por el cubismo y el constructivismo “yo creo que las formas matemáticamente armoniosas, ejecutadas con precisión, tienen un gran contenido emocional y representan equilibrio entre sentimiento e intelecto” (Nagy). Asimismo, por la abstracción revolucionó la manera en la que se presentaba el espacio, principalmente por la creación de ilusiones ópticas con la utilización de la luz y la sombra.“La labor de los cubistas estimuló inconscientemente mis propios experimentos con collage” (Nagy) Principalmente se basó en las unidades geométricas de luz y sombra que crean composiciones abstractas por medio de la superposición. La simplicidad de las formas y el uso de materiales modificables vinculó e hizo posible la creación de otro lenguaje visual. “mi intención es demostrar una nueva visión que emplea formas geométricas neutrales” es decir, formas dadas por la relación entre espacio y luz. Lo que caracteriza sus fotogramas es la abstracción. Experimentó mucho con los materiales que aparecieron en la época, tales como el plástico y distintos metales y cristales. Moholy Nagy se interesó principalmente por las transparencias de los objetos y quiso captarla por medio de pintura y fotograma. Utilizaba elementos desmembrados como partes del cuerpo y de máquinas en conjunto, eran objetos volumétricos metálicos o fragmentos de telas, rejillas y plásticos cuyas calidades matéricas o de transparencia amplifican las posibilidades lumínicas. Los fotogramas o composiciones lumínicas de Moholy Nagy hacían visible estos tres elementos: forma, espacio y luz debido al uso de sombras y transparencia, a lo que el artista llamó “textura de luz”. Las sombras proyectan distancia, los contrastes muchas veces eran intencionados, por ejemplo, por medio de perforación de superficies y también deformación del plástico moldeable por calor. Esto creaba efectos dinámicos de luces que serían captados en los fotogramas en negativo. La articulación espacial de la imagen estaba básicamente conformada por el dinamismo y las distorsiones dadas por el movimiento o por voluntad propia sobre el material. Por consiguiente, el fotograma crea nuevas relaciones espaciales entre figura y fondo, objetos- suporte, debido a la superposición la percepción y la relación entre estos dos elementos se vuelve confusa, y por ende esto crea nuevas leyes visuales de la imagen. En efecto, la utilización de volúmenes y materiales fotosensibles hacen evidente una falta de perspectiva en la imagen y por ende el espacio-luz alude la sensación de espacio infinito. László Moholy-Nagy, fotograma, 1922. Museo George Eastman House Su afición por la transparencia de los materiales produjo que desarrollase una serie de imágenes con un efecto visual distinto cada vez debido a la experimentación matérica. No obstante, es evidente que para la creación de este fotograma existe un control del tiempo y de las fuentes artificiales de luz, la escenificación y posición de los materiales. Esta es una técnica aleatoria, sin embargo, Moholy Nagy, además de experimentar con el material, planificaba la composición, en ese aspecto, considero que se deja la aleatoriedad únicamente a la dinamicidad de la luz reflejada en el material, pero no en la composición. Por otro lado, el contraste del negro más profundo, grises y blanco casi puro, establecen un efecto lumínico sobre todo de profundidad, evidentemente esta técnica, utilizada como Moholy Nagy crea una experiencia óptica distinta a lo que se concebía como imagen en aquel tiempo, en cuanto a lo formal. La imagen abstracta crea una experiencia visual sin necesidad de un significado objetual de las formas. Fotograma, 1931 Los fotogramas tuvieron una funcionalidad en la época. Sobretodo, la imagen cobró importancia durante la modernidad debido a que se la utilizó en el cartel, la revista, la publicidad comercial. Para Moholy Nagy, la imagen era primordial en la Bauhaus. Durante su dirección de la Bauhaus, la funcionalidad del arte fue la base del proyecto educativo. Moholy Nagy acota en su libro “La nueva visión”: “mis experimentos fotográficos y especialmente los fotogramas, ayudaron a persuadirme de que aun la total mecanización de la técnica no puede ser un peligro para su esencia creadora.” De hecho, no se puede hablar de una ruptura manual y tecnológica, en la industrialización no existe tal separación. En el texto “When Words Fail, entendí que Moholy Nagy se vio en un contexto en el que se contradecía tecnología con humanidad y por esta misma razón es interesante su inmersión en las composiciones inicialmente abstractas.La huella humana es figurativa y reconocible entre la geometrización. El cuerpo humano entra al campo de la representación por la mano, que es el principal miembro que interactúa en la creación artística. “La relación entre mano y cámara y mano y escritura es explícita en el montaje de Mohoy Nagy, creado sobre el fotograma que diseñó para la portada de “Foto Qualitiit en 1931. El artista fotógrafo se presenta como un escritor y la cámara proyectada como una mano sustituta -el instrumento no es de visión instantánea sino de escrituratodo esto se presenta aquí, en el corazón mismo de la "nueva visión", como una curiosa contradicción al contenido manifiesto de When Words Fail. (Krauss) MAN RAY Emmanuel Radnitzky, conocido como Man Ray, norteamericano pionero de la fotografía en la vanguardia surrealista, igual empezó a hacer “rayogramas” en los años 20. En 1922 se publicó el libro de sus rayografías llamado “Les champs délicieux” hecho por Tristan Tzara, artista dadaísta. Les champs deliceux es una compilacion de rayogramas realizados entre 1921y 1922. (Britannica, 2020) Para realizar estos collage de luz, Man Ray tenía influencias dadaístas y surrealistas. Del dadaísmo, rescató la presentación de lo absurdo y también la inclusión del azar en sus resultados fotográficos. Por otro lado, con la influencia de su amigo Marcel Duchamp, Man Ray aplicó el arte conceptual a sus composiciones. Principalmente trabajó desde el “object trouvé”, objetos aislados de su contexto con los que hace nuevas asociaciones y relaciones oníricas o del subconsciente por medio del azar. Son objetos cotidianos, una pipa, algodón, madera, llaves, avanicos, etc… transformados en siluetas sobrepuestas y confusas. Lo que configura el surrealismo en las imágenes, es la idea, la poética y los relatos visuales. En cuanto a la perspectiva, variaba la distancia entre objetos, aunque la naturaleza misma del fotograma es eliminar esta consciencia de espacio en perspectiva, es un espacio infinito, Man Ray jugaba con las distancias para con el tamaño de las cosas y su posición crear imágenes a partir de los objetos desasociadas. En cuanto a la técnica, la experimentación azarosa fue fundamental. Mezclaba técnicas, ya sea fotomontaje sobre fotografías con cámara, solarizaciones sobre rayogramas, cine con composición auditiva y fotogramas. En efecto, lo que le caracterizó fueron las exposiciones múltiples y su basta experimentación química. En este fotograma se pueden ver claramente el uso de distintos planos sobrepuestos en la mano, el espiral y el abanico mientras que crea una composición diagonal y con poco aire en el fondo. Es característico de Man Ray, la saturación y el llenar la imagen con objetos hasta los límites e incluso sugerir una continuidad fuera del margen como, por ejemplo, la entrada de la mano al fotograma. Fotograma, 1924 MAN RAY, Rayographe, épreuve gélatino-argentique, sans titre, 1922, feuillet 3, Les Champs délicieux, 1922, 22.2 X 17.3 En esta rayografía, utiliza elementos como peinillas, algunos objetos no se distinguen claramente, pues la luz distorcionó su fotma creando espectros abstractos. No obstante, la composición generada por contrastes direccionan la mirada a los objetos “retratados”, la peinilla y el abanico cerrado dentro de un óvalo. Man ray se interesó por las texturas particularmente, por ello utilizaba materiales que generen contrastes profundos tal como el que está en la parte superior derecha. El material se manifiesta y lleva a la contemplación a una asociación tactil a través de la vista. Los contrastes de las rayografías permiten esto, la obtención de volúmenes a pesar de ser una imagen plana.La importancia de la idea, el concepto es fundamental en el surrealismo. En los rayogramas Man Ray manifiesta su postura sobre la representación por medio de la asociación de las cosas para conseguir una composición de estética abstracta pero significante debido a la simbología que ya tiene el objeto en sí. Usó también este recurso para crear poémas-cinéma como “Le Retour à la reason” (Ray, 1923). Man Ray hace uso de los rayogramas para crear una animación de texturas que consigue a través del contraste entre del blanco y negro, por la cantidad de elementos juntos y separados, la aparición y desaparición de fotogramas a una rapidez determinada por el sonido y por el juego de luces y sombras en constante movimiento, sobre fondos llanos y al final sobre un torso de mujer. Los rayogramas presentan objetos curvos, como papel enrollado, espirales, clavos, entre otros. Los utiliza en positivo y en negativo y coloca uno tras otro a manera de stop motion, siguiendo un movimiento específico, creando así una experiencia visual surrealista. Lázló Moholy Nagy Man Ray Los fotogramas de Moholy Nagy se diferencian de los de Man Ray por no ser composiciones poético-surrealistas y por no plantear el enigma del objeto cotidiano. Moholy Nagy convierte la luz en protagonista de sus composiciones. “La luz es para el artista sinónimo de conocimiento, en tanto que revela y ofrece una nueva visión de los objetos hasta entonces oculta y sin por ello apelar a su reconocimiento” (MuseoReinaSofia, 1997) La intervensión humana en la obra es utilizada por ambos artistas, La inclusión de miembros humanos en estas composiciones son una especie de autorretrato e influencia humana en la misma creación.“Forma parte de la condición humana que, tras cada percepción nueva, estos sistemas aspiren a captar otra diferente. Este es el motivo por el cual existe una continua necesidad de encontrar nuevas formas de expresión” (Vázquez, 2018) Aunque en los textos investigados se hable de que Moholy Nagy se diferencia porque no usa objetos encontrados como Man Ray, creo que de alguna manera los materiales que usa también tienen su utilidad y función aparte de ser conductores de luz en sus fotogramas. Por ejemplo, utilizó clips, alambres, brochas que, aunque no son distinguibles como en la mayoría de los rayogramas, son objetos con una historia y simbología, de igual manera. En el caso de Moholy Nagy, los materiales son modificados, la composición es abstracta y mínima, concebida por formas. Man Ray, en cambio, hacía collage con una saturación de elementos en el plano, todos los objetos denotan un significado, su proveniencia, función y simbología. Los materiales no son modificados físicamente, sino por la posición de los volúmenes y cercanía al soporte. “Pues, mientras los rayogramas de Man Ray procedían de la estética surrealista, más concretamente del espíritu Dadá, y buscaban sobre todo estimular la turbación del espectador mediante efectos insólitos e inquietantes, los fotogramas de Moholy, por el contrario, pretenden despertar únicamente en quien los ve la pura emoción óptica ante la imagen, disuadirle de pretender encontrar un significado oculto, o de querer recurrir a evocaciones, analogías, o asociaciones, cualquiera que éstas sean.” (Vázquez, 2018) Efectivamente, son dos caminos de búsqueda diferentes, aunque fueron empleados durante los mismos años y también en una técnica similar. Cómo no era una técnica definida, cada uno experimentó a su manera en el cuarto oscuro y por ende los resultados, las reacciones químicas, los tiempos y la exposición son completamente diferentes. Contemporáneamente, Moholy Nagy y Man Ray vivieron una equiparación por la crítica a sus imágenes, no obstante, Nagy argumentó que “nada tenían que ver sus trabajos con los del americano” (Extracto de Moholy-Nagy, L. “Fotoplastische Reklame”, en Offset, Buch und Werbekunst. Dessau, 1926. Tomado de Moholy-Nagy, L., op. cit. nota 29, p. 123.) CONCLUSIÓN En conclusión, el fotograma es la definición mínima de fotografía. Es el comienzo y el medio por el cual se consiguió implementar a la fotografía en el campo artístico, tal como proponían algunos fotografos y cineastas, entre ellos, el mismo Moholy Nagy. La técnica estuvo al servicio de las Vanguardias, debido a los artistas que la experimentaron en el surrealismo y en la Bauhaus. Es tan importante la reintegración de la fotografía sin lente fotográfico en los años 20, pues configuró un lenguaje artístico de luz y no una representación de la misma. La fotografía es “creación con luz” y en el fotograma esta afirmación se hace explícita. Revolucionó el arte a una nueva visión como manifestó Moholy Nagy en su libro. Así, este lenguaje configuró la unión entre fotografía y arte en un tiempo y contexto en el que la máquina estaba a parte del humano, era considerada no como un recurso sino como un esclavizante. Durante la dirección de Moholy Nagy en la Bauhaus, se apela a la interacción entre disciplinas y entre estas primaba la fotografía y el cine. “La Nueva Visión reclama para este arte sin necesidad de recurrir a la transformación de la fotografía en aquello que no es, sino mediante la afirmación de todo lo que es y cuanto ofrece al ojo humano para ver y conocer el mundo de otro modo, nuevo, profundo y, sobre todo, bajo una luz inédita.” (Vázquez, 2018) Y según esta afirmación, es posible decir que Man Ray es un artista que hace explícita en su obra la “nueva visión” de la cual habla Moholy Nagy, ya que su práctica artística nunca se remitió a una sola técnica o disciplina, pintura, cine y fotografía se unieron en sus trabajos perfectamente y se convirtió en un gran exponente del surrealismo. Finalmente, la configuración del lenguaje fotográfico sienta sus bases en el fotograma y por ende, las bases del lenguaje artístico fotográfico están en el mismo fotograma.“El “foto-lenguaje” es un modo artístico nuevo, con sus propias leyes, ajustado y coherente con esa Nueva Visión sobre el mundo, sobre el hombre y la relación entre ambos.” (Nagy) (Ray, 1923) (Foster H. , 2006) (Jandl, 2002) (Tenorio, 2014) (Barthes, 1980) (Cordier) (Vázquez, 2018) (Cendón) (Clavijo, 2015) (Krauss) (SITJES) (Levinger) (Nagy) (Sáez, 2007) (Berger, 1997) (Hernández, 2009) (Berman, 1974) (MuseoReinaSofia, 1997) (Sylvie Penichon, 2017) Bibliografía Barthes, R. (1980). La cámara lúcida, nota sobre fotografía. Obtenido de Paidós: file:///Barthes%20Roland,%20La%20ca%CC%81mara%20lu%CC%81cida.pdf Berger, J. ( 1997). Otra manera de contar. Murcia: Editorial Mestizo. Obtenido de Editorial Mestizo, Murcia, 1997. Berman, M. (1974). Todo lo sólido se desvanece en el aire. 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