Aural and Visual Cultures

In order for the renewal of classical cities and traditional culture to be successful, it must be accompanied by the richness of classical architecture. We need museums, courthouses, city halls, libraries, theaters, symphony halls, post offices, and churches, which give identity to their communities and offer an image of culture which people can aspire to. The theater is one of these major types and here I mean the symphony hall, the opera house, the drama theater, and the ballet theater. The theater continues to be a repository of culture at a time when modernity seeks to pull us away from anything good in the past. As an architect who makes a living designing civic architecture, I see all of these theater types as not simply places of entertainment but also as fostering goodness, truth, and beauty in our society. Wealthy societies like Europe and America invest in entertainment, luxury goods, experiences and pleasure. The goal of classical architecture, as well as classical music, is to go beyond an enjoyable experience in order to ennoble people through a meaningful narrative. Most of us do not have a reason to go inside our civic temples-courthouses, city halls, and churches-unless there is a special reason: to debate the governance of our city or town, because someone is accused of breaking the law, or if we admit that we have broken laws but we need forgiveness. Yet even if we do not go into these civic structures, their presence is crucial for the creation of public architectural order, for the administration of our cities, and for the uplifting of culture. They tend to be significant buildings placed at major locations, and whether beautiful or eyesores, they are structures we cannot ignore. They are the polity's buildings and we identify with them.

This essay explores the equivalence of various, occasionally contradictory and hybrid perceptions of materiality experienced in physical and non-physical contact. This includes the manifestation of materiality, such as the shadow of an object cast on a gallery wall or the imagined visual representation of an object by humans. Navigating between chronologies (medieval times and the present), spaces (church, cell, museum), and materialities (empirical, sacred, imaginative), it provides some reflections on how medieval sacred objects, and especially their materiality, sensed physically and imaginatively potentially exerted and still can exert impact on humans. Special attention is given to the sense of touch—physical, direct and indirect, immaterial, spiritual, and profane.

The text discusses three selected cases related to medieval devotion and the experience of matter in the Gallery of Medieval Art at the National Museum in Warsaw. They all center on the objects presented in the permanent exhibition. The first focuses on the shadow cast by an unidentified saint sculpture and its relevance to modern museum practices. It also demonstrates the potential of museum shadows in creating democratic contact zones, allowing interaction and the formation of new connections between the object and its viewer. Secondly, it examines the agency, aura, and devotional potential of Madonna of Ołobok—one of the oldest wooden statues of the Virgin Mary and Child in Poland. Finally, it discusses the historicization and actualization of touch and its significance in the relationship with God and his image, here the sculpted Late Gothic Crucifix attributed to the circle of Michael Pacher.

Les images reproduites ici sont des détails prélevés sur des images de la série photographique TR 34 ; ISTANBUL, créée par Maria Sewcz à Istanbul durant la période extrêmement tendue qui s’étend entre la tentative d’un coup d’état en juillet 2016 et le référendum constitutionnel, Hayır–evet (« non-oui »), en avril 2017. Ce travail est le résultat d’une résidence artistique de six mois qui a conduit Maria Sewcz à développer une forme de réflexion photographique apte à répondre aux défis que présente cette ville : l’hybridation intense, la simultanéité de diverses stratifications historiques et l’instabilité radicale de ses structures. La série originale qui en est issue révèle un espace public dont le bouleversement continuel résonne avec la situation politique, plus qu’il ne la représente. Les myriades de processus simultanés de transformation urbaine s’y conjuguent selon un bourdonnement visuel qui reflète la dissonance entre une modernité occidentale et un traditionalisme religieux, entre une spiritualité pluriculturelle et une monoculture de la consommation – sans oublier la hantise du moment présent par un passé et un futur toujours aux aguets.

This paper explores women’s expression, pleasure, skill, and individuality in tepsijanje practices of singing accompanied by the spinning of a copper tray, both past and present. It examines how these practices, often occurring in private spaces, challenge identity boundaries and highlight lost historical traces of women’s gatherings and knowledge exchange. It also examines new frameworks for understanding these practices through the work of artist Lala Raščić (exhibition The Laugh of the Medusa, GORGO series, POČIMALJA project), which intervenes in the field of traditionalism by highlighting latent and possible interpretations of women’s practices in the Balkans. These practices have often been suppressed by mechanistic and static understandings of tradition, excluding or erasing the perspective of the female subject in culture. Through the exploration of cultural, personal, and artistic narratives, my goal is to not only rethink approaches to women’s music-making and sound-based agency in the Balkans, but also to propose new directions for future alliances and self-understandings that transcend disciplinary boundaries, cultural expressions, fixed identities, and dominant histories, between art, scholarship and culturally grounded practice.

caráter de marco referencial de uma determinada realidade histórica. Entendemos que tais imagens têm em comum a relação que estabeleceram com o arquivo de memórias e experiências das sociedades retratadas construindo, para este público, uma narrativa visual sobre a experiência vivida e influenciando suas dinâmicas sociais e políticas na esfera pública, bem como favoreceram uma reflexão profunda sobre o ato fotográfico, no que tange à sua feitura técnica e ao seu caráter político.

Dans cet article, nous proposons une réflexion sémiotique sur le concept d’identité afin d’articuler les subjectivités discursives avec les sémioses expérientielle et communicationnelle. Nous prendrons appui sur la proposition théorique de Pierluigi Basso Fossali, qui définit la sémiotique comme la science concernée par toutes les médiations qui se réalisent dans la gestion sociale du sens, et qui se structure en quatre sphères fondamentales : l’expérience, l’énonciation, la communication et la transmission. Nous prendrons en compte le cas de la saga de jeux vidéo The Last of Us, pour la manière dont elle suscite des positionnements identitaires. Dans le deuxième chapitre de la saga, l’usager est amené à prendre le contrôle de personnages antagonistes dans un récit controversé, se glissant non seulement dans la peau du héros et de l’anti-héros, mais incarnant également des valeurs existentielles opposées. Cette structure polémique permet de suivre les circuits identitaires selon trois niveaux : celui de la perception et de l’expérience liées à l’adhésion ou à la répulsion par rapport au monde et aux personnages construits par la mise en scène vidéo-ludique; l’énonciation alimentée par les différents styles adoptés par les usagers ; et celui de la communication concernant la construction de communautés en ligne qui ont pris position axiologiquement et idéologiquement par rapport à l’expérience de jeu. En effet, la réception de ce jeu vidéo a suscité l’opposition de différentes communautés identitaires. À partir de ce cas, nous proposerons deux concepts sémiotiques : celui de performance identitaire, et celui d’identité sociale. D’une part, la performance identitaire se manifeste dans toute activité sémiosique – tant en phase de réception qu’en phase d’énonciation – à travers la gestion du rapport entre l’expérience et le langage. Les manières personnelles de gérer ce rapport à travers une pratique d’auto-observation, expriment une performance qui peut être définie comme identitaire. D’autre part, nous définirons l’identité sociale comme une stratification de performances identitaires sur la scène publique, résultat de l’implémentation des performances linguistiques et expérientielles dans des domaines déjà habités par des institutions et des rôles sociaux. Contrairement à la performance, l’identité est publique et exprime une gestion temporelle et un travail de condensation des identités d’autrui par rapport auxquelles elle se positionne.

À travers l'exploration du paradoxe ontologique de l'horizon, j'ai cherché à expliquer l'origine du sentiment de fascination qui naît en nous devant une peinture de paysage. Par l’analyse d’œuvres et des distinctions conceptuelles, je tente de mettre en lumière la manière par laquelle cette fascination découle de la tension entre représentation et perception, où l’horizon se présente à la fois comme un symbole de l’infini et une limite perceptible.

Resumen: La crítica literaria francesa del siglo veinte está marcada por embargo, su diálogo nunca fue fácil y la impresión es que entre ellos nunca hubo un encuentro. Tomando 1953 como un año crucial, este artículo intentará situar tanto las convergencias como las divergencias que marcan sus respectivas carreras, considerándolas en relación con una sola cuestión: la de lo neutro.

Beginning with a consideration of the special architectural environment and setting of the Abbey Church in Conques, this analysis outlines the method of data collection, production and recording of an impulse response, and the formula and calculation process used to attain the Reverberation Time (RT) of the interior space. Can this data describe the acoustic interior in a more expansive temporality, beyond the moment the impulse response showered the space in sound? Considering that each stage of architectural interventions contained its own unique acoustic profile, the data provided represents only the acoustic snapshot of the abbey church in its current spatial and material state as of June 2021, but this is a first step toward creating theoretical models of lost or ephemeral historical soundscapes. The article concludes by suggesting future directions for this research, especially emphasizing lost textile architectures and meteorological effects on acoustic texture.

Quiero aclarar, en primer término, que este artículo no tiene un formato de contenido específicamente académico, sino que es una invitación a la reflexión. Si la lectura pudiera conducir a mayores profundizaciones en términos académicos, el artículo habrá cumplido con su propia función. ¿EN VÍAS DE DESARROLLO? Cuando nos deleitamos escuchando la perfección de alguna gran orquesta sinfónica, o admiramos el virtuosismo de algún gran solista, un director de orquesta excepcional o un gran cantante de ópera, o nos atrapa la obra de algún compositor que cambió el rumbo de la historia de la música, muy rara vez sospechamos cuánto profesionalismo y tenacidad hay detrás de todos los casos. Tampoco solemos pensar que quizá esté ahí el secreto de la alta calidad, y en cambio se la atribuimos al desarrollo de los países de origen. En los carriles de estas vías vamos moviéndonos en dirección a la locomotora que arrastra sus vagones que jamás la alcanzarán, aunque algunos la sigan más de cerca o de lejos. Algunos pasajeros consiguen pasar las fronteras de los vagones y miran hacia atrás, no sin cierta nostalgia y una punzante sensación de fracaso que no siempre saben explicar.

Psychoacoustics is a very ancient branch of science whose origins date back to ancient times. However, it got this name about a hundred years ago. In general, it corresponds to the concept of "auditory perception". It is studied under the title of psychoacoustic perception, not only in humans, but also in technological devices and in animals. In this way, it can be examined within the scope of many branches of science. Although the exact origin of music is not known, musical sounds have a history as old as human history (Randel 2003). Music has been a part of human history since it was invented. Music has been kept separate from other branches of art thanks to the fact that enthusiastic music provides a sense of unity and the music used for sadness and lament evokes these feelings in many people. Music is a phenomenon that can cause individual or social reactions that can appeal to conscious and unconscious spaces at the same time. Human auditory perception provided new data to acoustic science. Within the scope of this data, it is understood that listening spaces need a special design. Especially in the last century, acoustic calculations and acoustic planning were made for these areas. The old halls were restored and acoustic solutions were rebuilt; new halls were planned according to sound type and capacity. In short, sound and architecture evolved together and positively influenced each other. The connection between music, architecture and acoustics is both physical and spiritual. In this study, the relationship between natural musical sounds and psychoacoustics will be analysed and the relationship between them will be evaluated. The importance and place of the concept of ‘psychoacoustics’ in the context of music and architecture will be explained.

La instalación «Fósil acústico» de los artistas Santiago Reyes Villaveces y  Daniel Villegas Vélez transforma el espacio de exposición al interior de las murallas de Cartagena en una cámara de resonancia—un medio ambiente sonoro inmersivo—asimilando el espacio al interior del oído humano para proponer una reflexión alrededor de la escucha y de la resonancia como medios para replantear nuestra relación colectiva con el entorno y el medio ambiente.

littérature et pratiques rituelles : le statut sémiotique des signes mystiques Résumé : cet article s'inscrit dans notre projet de recherche portant sur l'analyse des pratiques sociales telles qu'elles sont configurées dans la trame des oeuvres littéraires, en particulier la prose narrative. Il ne s'agit pas d'en faire une approche thématique, mais de les considérer plutôt comme le quatrième niveau d'immanence et de pertinence du plan de l'expression sémiotique. aussi l'étude s'inscrit-elle dans la rhétorique de l'intégration descendante qui se réalise lorsqu'un niveau d'immanence supérieur est manifesté à un niveau inférieur, comme ici où les pratiques (4 e niveau) se manifestent au niveau du texte fictionnel (2 e niveau). Dans cette réflexion, est considérée comme « pratique rituelle » toute démarche individuelle ou collective visant à mettre en oeuvre un programme rituel : rites divinatoires, sacrificiels, initiatiques, etc. Ce programme, dans sa mise en oeuvre, nécessite la construction d'une « scène » composée de signes, de textes, d'objets, d'acteurs évoluant dans un espace-temps donné. L'objectif de cette étude est d'examiner les modes d'identification des signes mystiques par les sociétaires des textes fictionnels, de procéder à l'inventaire et à la classification de ces signes à partir d'un corpus de romans africains.

Voilà la dimension politique de la relation entre image et texte et de leur disposition lorsque les paupières se ferment. Seul celui qui cesse de regarder peut commencer à agir. La compassion générée par les images crée une communauté lorsqu’elles émeuvent publiquement au moment de leur exposition. Alors les images deviennent des lacrimae rerum, des larmes versées publiquement.

Se busca demostrar la existencia de una socialidad puramente sonora que no es producida por una personalidad o una idiosincrasia –aunque esta atravesada por ellas–, sino por condiciones espaciales de proximidad y distancia. Asi, se revisara la construccion de la identidad y la diferencia en el marco de un sistema de oposiciones de origen espacial con fundamento en la distincion entre adentro y afuera, a partir del cual surgen procesos de cohesion y conflicto social por mediacion del sonido.

Tässä artikkelissa tarkastelen raja- ja aunuksenkarjalaisilta 1900-luvun vaihteen molemmin puolin muistiinmerkittyä kanteleimprovisaatiota, runolaulukulttuurin kanteleperinteen ylirajaista olemusta ja taustaa sekä perinteen muuntumista osaksi 2000-luvun musiikkia. Keskeiset tutkimuskysymykseni ovat: 1) Mitkä kulttuuriset ja ja historialliset ilmiöt vaikuttivat runolaulukulttuurin kanteleperinteen ylirajaiseen kehittymiseen vuosisatojen kuluessa erityisesti Raja-Karjalan ja Aunuksen Karjalan alueilla? 2) Mitkä seikat vaikuttivat ja vaikuttavat kyseisen musiikin syntyprosessiin ja musiikin olemukseen? 3) Miten tämä kuulonvaraisena elänyt perinne on siirtynyt viimeisten noin 40 vuoden aikana osaksi modernin maailman luovaa ilmaisua?

L'article fait l'hypothèse que la peinture, généralement assimilée à la représentation, doit plutôt être considérée comme une métamorphose. La métamorphose étant adoptée comme modèle théorique afin d'argumenter la capacité de transformation de la peinture, il réunit dans l'analyse deux oeuvres, un tableau de Vincent Van Gogh, Le Semeur au soleil couchant peint en novembre 1888, et un ensemble de tableaux d'Eugène Leroy, dans lesquelles il reconnaît deux versions exemplaires de la métamorphose, l'une picturale et l'autre écologique. Il définit l'observation comme un travail.

During the first two decades of new millennium Serbian frula playing has been transformed from traditional to neotraditional practice, grew from aural to digitally mediated musical expression and shifted from a relative continuity with the past to specific revivalistic tendencies. The mode of learning of the music has also transformed from aural transmission and memorization without a teacher to combined tutoring and learning via listening to digitally available sources. This paper traces the modes of learning of folk aerophone frula throughout the twentieth century and up to the present, and moreover analyzes how the relation of the teacher and the pupil, although being a recent invention in frula practice, serves as a counterbalance to the mediatized way of learning (of) music.

On commence par examiner la question de la singularité pour établir le lien qu'elle entretient avec la complexité.On aborde alors dans le cadre d'une sémiotique multi-points de vue leproblème de la coexistence de singularités multiples. Cette question inclut en particulier celle de la conciliation des points de vue en présence, c'est-à-dire de la conciliation ou du dépassement des singularités. Ce point nous amène à examiner le sujet de la négociation. La portée du problème ains i examiné est à la fois pratique et théorique : pratique, il s'agit de proposer une démarche permettant d'exploiter des organisations conceptuelles de connaissances (ontologies, taxonomies) provenant de sources différentes ;théorique, il s'agit d'avancer dans l'élaboration d'une sémiotique multi-points de vue.

Admettons comme définition minimale, voire minimaliste, du mot « science » qu'il se rapporte à un ensemble de discours, de théories et de pratiques soumis à une intention de connaissance. Cette approche prudente, parce qu'intimidée devant l'immensité du problème, doit cependant suffire pour que l'on puisse fixer, sans une trop grande incertitude, l'expression d' « image scientifique ». Nous conviendrons de dire « scientifique » une image lorsqu'elle s'insère, d'une façon ou d'une autre, dans un procès de connaissance. C'est la logique de cette insertion dont nous cherchons à explorer les premiers éléments.

Drawing on two essential concepts of surrealism—the dream and the transformation of reality—this article seeks to establish a link between the aforementioned concepts and the epistemological discourses of posthumanism, through an analysis of the film Memoria by Apichatpong Weerasethakul. Beyond wanting to establish a direct affiliation between surrealism and posthumanism, this article seeks to explore the possibilities and mutations of those concepts in their surrealist formulation. This is why the work of Jorge Luis Borges—who does not take part in these movements—is also mentioned.

RESUMO: Este artigo propõe considerações sobre a experiência a partir do texto Experiência e Pobreza, de Walter Benjamin, publicado em 1933, no qual o intelectual alemão desenvolve argumentos relacionados à experiência e à cultura observando o desenvolvimento tecnológico a partir da modernidade do século 19, e sugere que haveria um "empobrecimento da experiência", fazendo referência ao que chama de "cultura de vidro". Articula-se essa leitura ao que tem sido chamado de "cultura de telas"- momento em que a tecnologia exige contato permanente com as telas dos dispositivos eletrônicos que se tornam, cada vez mais, extensões do corpo e da mente humanos. Ao final, fornece observações que permitem propor novas perspectivas sobre um suposto "empobrecimento" ou surgimento de novas formas de experiência a partir do uso desses dispositivos.

on this and the next earliest copy of the text, now in Doha. 5 As a nonspecialist, I was struck that so little attention seemed to have been hitherto paid to the colophon as a problematic physical object. Once this documentary anchor had been cut away, our group was able to speculate freely on date and provenance. We followed Savage-Smith on the dating (to the later twelfth century, perhaps?), but on provenance, judging by stylistic considerations of the drawings, we were naturally able to span the Islamic world, from central Asia to North Africa. I myself rather fancied an Egyptian attribution but, more seriously, I hope that further specialist study of this important manuscript will start with a close examination of the thing itself.

The following article aims to address concepts related to archives and reflect on the organization and systematization of information.One of the distinctiveness of the contemporary archive is its versatility, it stores analog and digital content such as photos, movies, audio, etc.This comprehensive study aims to question the archival processes throughout time, it’s relation with memory and the relevance of photography as an atmosphere that enables recollections.In the words of Micheal Foucalt (1986), archives are an attempt to store everything, bringing into time and space the notion of knowledge.To understand what archive means within the context of our present lives, Paulo Bernardino Bastos (2006) advocates that along with the rise of digital technologies, there are increasingly more projects online that strive to transform the “archival sites”, this transformation is motivated by contemporary society’s velocity of visual consumption of images.With technological development, archi...

Religious practice in Serbia has taken place using both indoor and outdoor sacred sites ever since the adoption of Christianity in medieval times. However, previous archaeoacoustic research was focused on historic church acoustics, excluding the open-air soundscapes of sacred sites. The goal of this review paper is to shed light on the varieties of sacred soundscapes that have supported the various needs of Orthodox Christian practice in medieval Serbia. First, in relation to the acoustic requirements of the religious service, we compare the acoustic properties of masonry and wooden churches based on the published archaeoacoustic studies of medieval churches and musicological studies of the medieval art of chanting. Second, we provide an overview of the ethnological and historical studies that address the outdoor sacred soundscapes and investigate the religious sound markers of large percussion instruments, such as bells and semantra, the open-air litany procession that has been practiced during the annual celebration of a patron saint’s day in rural areas, and the medieval assemblies that took place on the sacred sites. This paper finally points out that the archaeoacoustic studies of sacred soundscapes should not be limited to church acoustics but also include open-air sacred sites to provide a complete analysis of the aural environment of religious practice and thus contribute to understanding the acoustic intention of medieval builders, as well as the aural experience of both clergy and laity.

Pretende-se, com esta pesquisa, discutir o conceito de modernidade, a partir das formulacoes filosoficas de Walter Benjamin em suas interlocucoes com o escritor frances Charles Baudelaire. O objetivo geral consiste em compreender como, a partir das nocoes de tecnica e progresso (que sao os seus dois bracos fortes), se desenvolve a ideia de modernidade. Para fins pontuais, ressalta-se que a pesquisa compoe-se de duas partes. Na primeira, analisa-se a ideia de originalidade da obra de arte no contexto da tradicao medieval para, em seguida, compreender como – a partir da reprodutibilidade tecnica – se da o enfraquecimento desse carater originario do produto da criacao artistica, resultando naquilo que Benjamin chama de perda da aura. A segunda parte, a sua vez, discorre sobre a contraposicao e as criticas de Baudelaire a uma sociedade que, estando sob as redeas do capitalismo, relativiza os seus valores fundamentais em beneficio do desenvolvimento industrial que esfacelou culturas e tr...

Neste artigo, procura-se pensar como a fotografia influencia e modifica nossas maneiras de ser, compreendendo-a como um modo de produção de subjetividade. Para isso, faz-se uso da obra de Walter Benjamin e das reflexões de Susan Sontag para conceber a reprodutibilidade técnica do maquinário fotográfico como um instrumento de promoção de uma nova percepção e de um novo tipo de realidade, cuja manifestação é distinta daquela assimilada por nós até então.

Cet article vise à décrire le fonctionnement des graffitis, ainsi que des histoires dessinées présents dans les multiples favélas de Rio de Janeiro. Ces différentes sortes de dessins sont étudiées en relation à leurs valeurs esthétique et politique, en prenant ainsi en considération le fait que ces dessins ont contribué, parfois, à changer la vie des habitants de ces favelas. Les valeurs esthétiques et politiques des oeuvres dans la ville seront abordées selon le dispositif du cadrage photographique, considéré comme un dispositif de projection d’un statut sur l’oeuvre dessinée en question. On entend par statut le cadre interprétatif et l’économie de valeurs qui définissent un domaine social (l’art, la politique, la science, etc.) et qui permettent d’encadrer le fonctionnement des images au sein de chaque domaine, ainsi que leurs trajets d’un domaine à l’autre. Trois favelas de Rio de Janeiro et trois sortes de rapports entre dessins, cadrage photographique et environnement social seront analysés, à savoir la relation entre le dessin, le cadrage photographique et les types d’inclusion/exclusion des habitants. Il s’agira notamment de la favela Vidigal (quartier Leblon et Lagoa), de la favela Cantagalo Pavão-Pavãozinho (quartier Ipanema et Copacabana) et de Morro da Providencia (zone portuaire, entre Santo Cristo et Gamboa).

Licence : CC BY-NC-SA 4.0 International Résumé : C'est, nous semble-t-il, le sensible qui caractérise notre rapport aux créations artistiques. Rendre compte de cette dimension sensible de l'oeuvre demande l'élaboration d'une « pensée poétique », condition pour chercher à répondre à la question « quand y at -il art ? ». À partir des oeuvres de Dan Graham, Lawrence Weiner et Peter Downsbrough-représentatives au sein des arts plastiques quant à la déstabilisation poétique de la logique du signifiant-nous voulons montrer que seules l'introduction de la notion d'éthique et la question du statut du sujet permettent de circonscrire l'art et son discours. Ce texte plaide pour aborder l'oeuvre dans son processus d'énonciation en saisissant d'un seul tenant sa matérialité, le sujet créateur et le processus symbolique de création du sens et ce, en prenant comme références principales les travaux de Didier Vaudène et du dernier Benveniste.

Qu’est-ce qu’une œuvre d’art ? Pour Arendt (2004[1961]), c’est un « objet de pensée » fabriqué. Contrairement à l’activité cognitive visée par les sciences dans un but précis, cette pensée ne vise aucun but, selon elle, ce qui la renvoie à « la finalité sans fin » kantienne ou à celle qui est déterminée « par le sens et la structure », envisagée plus tard par Doguet (2007)1. Elle lui associe une propriété essentielle, le retrait de l’usage : « Les rapports que l’on a avec une œuvre d’art ne consistent certainement pas à « s’en servir » ; au contraire, pour trouver sa place convenable dans le monde, l’œuvre d’art doit être soigneusement écartée du contexte des objets d’usage ordinaires », dit-elle (2004 [1961], p. 222). La seule fonction de ces œuvres est « d’apparaître et d’être belles » (2017 [1972], p. 279), cette beauté leur assurant la durabilité qui permet de traverser les siècles. Et c’est précisément cette « éminente
permanence » qui fait d’elles « de tous les objets tangibles les plus intensément du-monde » (2004 [1961], p. 223). L’esthétique et l’histoire de l’art ont inventorié d’autres propriétés, à commencer par l’unicité mise en lumière notamment, et a contrario, par le principe de la reproduction technique (Benjamin 1935) et des critères d’évaluation de leur valeur sur un marché (Baxandall 1985). Pour Goodman (1992 [1977] ; 1996 [1984]), les œuvres d’art se laissent reconnaître à la densité syntaxique et sémantique, la saturation, l’exemplification, la référence multiple et complexe. Parmi ces qualités, la densité semble être la plus éminente car elle fonde l’opposition entre les systèmes allographique et autographique (Goodman 2011
[1968] et 1992 [1977, 1978]), mais aussi parce qu’elle entre en résonance avec le ratio difficilis d’Eco (1975 et 1985) ou la notion d’épaisseur (Damisch 1983 et 1984 ; Caliandro et Mengoni 2022). Mais toutes ces propriétés sont au mieux des « symptômes » pour Goodman qui, dans un passage célèbre, constate les « tentatives désespérées » de la littérature esthétique pour répondre à « qu’est-ce que l’art ? », et avance que la véritable question n’est pas « quels objets sont (de façon permanente) des œuvres d’art ? », mais plutôt « quand un objet fonctionne-t-il comme œuvre d’art ? » ou bien « Quand y-a-t-il art ? ».

Humanities have been in crisis for a long time, because they continuously need to grow and to be updated, which is not necessarily always negative. This crisis in the humanities has a strong relationship with cultural changes. During the 20th century the concept of culture has been revised for several times, especially during the sixties, but it has not been until the book of Lyotard Postmodernity when "globalization" has started to play an important role in this area. The key points of the current crisis of the humanities are consequence of a strong criticism (which comes from the period of Descartes and Kant, who settled the basis of this crisis), of the lack of authority, and of the common culture. The solution has to be searched in the creation of new reactions towards the power of these pressure groups. In this paper, we will analyze the repercussions of all these factors in the Spanish humanities, and we will study the solutions which are being offered to organize that reaction, such as the creation of literary prizes, the foundation of philosophical communities, the defence of human rights and law studies, the development of cultural inheritance, the increase of social conscience (non-profit organizations), the proliferation of activities related with the Arts, and religious development. All these strategies have three common aims: to flee of authoritarian or imposed solutions, to look for concrete and positive expressions, and to boost concrete and local cultural projects. As far as the situation in Spain is concerned, although the perspectives are not very dark, they can suffer changes due to political conflicts and interests, which can damage severely the future of our national thought.

As an essential and inescapable element of every signifying and interpretable structure, isotopy and its functioning were discovered by Greimas and were put in words for the first time in Structural Semantics (La Sémantique structurale-1966). It is possible today to consider one or several connotative isotopy/ies that are constitutive of a signifying set. Our work deals with isotopy of virtuemes and subjectivemes in the context of passions. In order to illustrate our point of view we intend to analyse passions,

Bien qu'il soit l'élément essentiel dans la représentation photographique, puisqu'il est la surface sur laquelle sera projetée une prise de vue et sera matérialisée une empreinte (trace) lumineuse, les recherches plastiques concernant le papier photo sensible comme matière étaient très timides : elles étaient limitées au niveau de la représentation et de la plasticité de l'image uniquement. La prochaine pratique plastique, serait une série d'expérimentation à travers laquelle je cherchais à signaler le rôle indispensable du support (papier photo-sensible) dans la « fabrication » de l'image photographique ainsi que la remise en question de sa valeur artistique. Je voulais surtout ouvrir le champ à l'expérimentation dans la pratique de la photographie et remettre en évidence la matérialité du support photographique par l'intermédiaire des interventions personnelles que j'exerçais sur ce papier sensible. Le support qui était l'objet dans lequel s'incorpore et se stocke l'information à transmettre (l'image photographique) deviendra alors suite à mes manipulations un objet, autre, porteur de matérialité qui sera révélée par le geste et la répétition du geste. Ainsi la matérialité du support en soi devient une révélation et la révélation de la matérialité du support, elle, devient l'acte même fondateur de l'image photographique, qui, lors de cette expérimentation va emprunter une nouvelle dimension plastique, dont le principe de base se posera sur le comment d'un aboutissement à la concrétisation de la matérialité du support photographique.

Bien qu’il soit l’élément essentiel dans la représentation photographique, puisqu’il est la surface sur laquelle sera projetée une prise de vue et sera matérialisée une empreinte (trace) lumineuse, les recherches plastiques concernant le papier photo sensible comme matière étaient très timides : elles étaient limitées au niveau de la représentation et de la plasticité de l’image uniquement. La prochaine pratique plastique, serait une série d’expérimentation à travers laquelle je cherchais à signaler le rôle indispensable du support (papier photo– sensible) dans la « fabrication » de l’image photographique ainsi que la remise en question de sa valeur artistique. Je voulais surtout ouvrir le champ à l’expérimentation dans la pratique de la photographie et remettre en évidence la matérialité du support photographique par l’intermédiaire des interventions personnelles que j’exerçais sur ce papier sensible. Le support qui était l’objet dans lequel s’incorpore et se stocke l’information à...

This dissertation aims at the articulation of the shaman-poet in the poetic tradition. It presents American poet Jim Morrison as the shaman artist whose life and poetry are analyzed as belonging to the tradition of poets Plato called possessed by furor poeiicus. This tradition, which is to find its prime in the writings of the Romantic poets, states that poetry is a secret language, based on feeling and imagination, that speaks to the heart of men about the sacred and universal, i. e., natural, quality of the human soul. The shaman-poet, thus, belongs to a tradition that goes back thousands of years to a time when the primitive man used to be in touch with a magical understanding of his environment on a regular basis, in contrast to the extremely rational perception of the world by modem man. The poetry of Jim Morrison is presented here as a representative of this sacred language that tells of this magical perception, long-forgotten, though never completely erased fi"om the human mind. Hence, it is to be seen not only as a bridge to the spiritual realm of feeling and imagination, but also as a technique for ecological survival in this current rational and secular era. vi RESUMO Esta dissertação objetiva a articulação do poeta-xamã na tradição poética. Ela apresenta o poeta americano Jim Morrison como o artista xamã cuja vida e poesia são analisadas como pertencentes à tradição de poetas, considerados, por Platão, possuidos pelo furor poeticus. Essa tradição, que encontra seu ápice nos escritos dos poetas românticos, afirma ser a poesia uma linguagem secreta, baseada no sentimento e na imaginação, que fala ao coração dos homens sobre a qualidade sagrada e universal, i. e., natural, da alma humana. O poeta-xamã, portanto, pertence a uma tradição de milhares de anos, quando do tempo em que o homem primitivo percebia seu habitat de uma forma mágica, em contraste com a percepção extremamente racional do mundo, pelo atual, e no entanto igual, ser humano. A poesia de Jim Morrison é apresentada aqui como representante dessa linguagem sagrada, que fala da esquecida, embora não totalmente apagada da mente humana, percepção mágica. Assim sendo, ela deve ser vista não somente como uma ponte para o reino espiritual do sentimento e da imaginação, mas também como uma técnica de sobrevivência ecológica nesta era tão racional e dessacralizada. Bibliography p. 115