Jean-Marie Schaeffer

Les reconfigurations actuelles des films et documents audiovisuels, qui changent notamment de support ou de média, interrogent bien sûr les définitions acquises de ce que nous appelions sans trop d’incertitude, jusque dans les années 1990, « cinéma » ou « télévision », mais elles peuvent aussi questionner les catégories théoriques mêmes que nous utilisons couramment pour les étudier : genre, format, média. Prenons tout d’abord quatre exemples de migration et recatégorisation d’objets audiovisuels pour poser des repères. Nous approfondirons ensuite la réflexion en montrant comment la notion de « levain des médias » nous permet de clarifier certains de ces phénomènes. Avec cet éclairage, nous observerons comment les objets se déplacent et se situent de façon dynamique au sein d’une tension entre genre, format et média, pour mieux repenser la « logique des genres » aujourd’hui.

L'un des principaux arguments évoqués contre l’art contemporain au début des années 1990 en France (lors du débat autour de ce qui fut appelé la « crise de l’art contemporain ») consista en l’affirmation que puisqu’aujourd’hui n’importe quoi peut être de l’art, alors l’art d’aujourd’hui c’est n’importe quoi. Nous chercherons à montrer que ce raisonnement en deux parties relève d’une confusion qui, une fois clarifiée, permettra de cerner la spécificité de l’art contemporain et des jugements qui peuvent être émis à son égard. Si presque tout peut, en effet, être de l’art aujourd’hui – aucun contenu n’étant exclu a priori du champ de l’art –, cela ne signifie pas pour autant que les propositions retenues par le « monde de l’art » soient de moins bonne qualité. Certes, les conditions d’appartenance d’un objet à la catégorie « œuvre d’art » sont moins contraignantes aujourd'hui, mais les critères permettant d’estimer la valeur d’une œuvre d’art n’ont pas pour autant disparu. Alors que la première partie du raisonnement des contempteurs de l’art contemporain décrivait un fait propre à la situation artistique du moment (donc à l’évolution de l’histoire de l’art), la seconde partie émettait un jugement de valeur qui ne semble pas aller de soi. Le but de notre contribution sera de distinguer entre ces deux types de jugements : les jugements catégoriels, du type « ceci est ou n’est pas une œuvre d’art » et les jugements évaluatifs, du genre « cette œuvre d’art est intéressante ou non ». Nous nous demanderons comment ces jugements ont été mis en avant par l’art contemporain, à qui il revient de les formuler aujourd’hui, à quelle légitimité de tels jugements peuvent prétendre dans la société actuelle et en fonction de quels paramètres (conditions ou critères) ils sont énoncés.

En un estilo argumentativo, directo y claro, Jean-Marie Schaeffer aborda en este volumen cuatro cuestiones centrales del debate actual de la estética filosófica: las consecuencias de la “teoría especulativa” sobre la crisis del arte contemporáneo, las dificultades epistemológicas que comporta discernir los objetos estéticos del resto de las cosas, la función de las representaciones imaginarias en los procesos cognitivos y la implicación antropológica entre imagen y cuerpo en las sociedades occidentales.

Pensar en las consecuencias que se siguen del contacto con las formas del arte supone redirigir la mirada sobre dominios que exceden lo estético en sentido estricto. Al menos, en lo que toca a lo estético y lo artístico. Así como es difícil pensar en un arte desligado de su materialidad, es fuerza detenerse en ciertos aspectos igualmente constitutivos de algunas obras derivados de impactos extraestéticos. En este sentido, un punto de partida interesante se halla constituido por el entrecruce del arte y ciertas prácticas que dan de lleno en el ámbito que rige nuestra moralidad y nuestra vida en comunidad. Puntualmente, el ámbito de lo político.
Conviene retener aquí lo político en su sentido más amplio. Esto es, entendido como aquel espacio de visibilización y desmarque de ciertos elementos propios de una cultura y sociedad. Así, en el enfoque de Rancière, por ejemplo, el arte deviene –junto a la política– un régimen de visibilidad específico que acompaña a lo político. Ahora bien, en algún sentido, todo arte ha sido y es político. Es decir, ha podido, de mejor o peor manera, contribuir a señalar aquellos ethos en cuyo marco fue configurado. Todo arte, podría sostenerse, espeja su tiempo, su contexto cultural y social, y así acompaña la configuración de tales espacios de
construcción comunitaria de sentidos.
Cualquier obra, siguiendo esto, es susceptible de recibir un análisis histórico que busca recuperar parte de su pasado originario en la interpretación adecuada de sí. Paralelamente, buena parte de los problemas que se suscitan en materia de interpretación y crítica de arte descansan, a menudo, en la tergiversación de dichos contextos de origen en el despliegue inconveniente de ciertos anacronismos que,
como señala Didi‑Huberman, son propios de la labor historiográfica.
La obra permanece como documento y testimonio pero de un tiempo que ya no es y cuya ligazón se halla, consecuentemente, interrumpida.
Sin embargo, existe otro modo en el que el arte acompaña y de algún modo espeja esa realidad extraartística que lo rodea. Se trata de la utilización explícita de sus estrategias en materia de señalamiento, de reclamo, de interpelación.
Según esta modalidad el arte interrumpe su tradicional tendencia a la complacencia y el disfrute de sus formas por parte de su potencial público para posicionarse como elemento de transformación. Un arte con compromiso político explícito del que, entre otros, América Latina ha sido claro ejemplo desde mediados del siglo XX.

El presente trabajo aspira a ser una contribución a la filosofía de la crítica. En él se discute el  “programa descriptivista" de Jean-Marie Schaeffer y el "programa evaluacionista” de Noël Carroll. Su propósito es integrar estas dos teorías acerca de la crítica de arte, que no ve como antagónicas, sino como complementarias entre sí. Para ello  distingue tres tipos de juicios relativos al arte: los juicios estéticos, los juicios teleológicos y los juicios normativos de la crítica. Estos últimos involucrarían tres operaciones que son interdependientes: la apreciación subjetiva, la descripción objetual y la evaluación razonada, conjugando así aspectos descriptivos y evaluativos.

Le Narrative Art instaure un mode de réception qui ne repose plus sur la contemplation mais sur la lecture, celle-ci apparaissant comme une médiation entre la perception et la contemplation. Ce constat n’est pas sans conséquence tant sur la plan historique que sur le plan esthétique. En effet, comment considérer une œuvre plastique qui n’est pas seulement visuelle ? Quelles sensations une œuvre plastique qui fonctionne comme un texte peut-elle produire ? Produit-elle seulement des sensations ? Produit-elle un plaisir, un plaisir esthétique ? Comment force-t-elle une redéfinition de l’expérience esthétique dans ce contexte particulier ? En quoi ce glissement éclaire-t-il les mutations artistiques des années 1960-1970 ? L’objet de cet article vise ainsi à montrer comment la production artistique d’une période charnière marquée par un changement de régime plastique force la formulation de nouveaux paradigmes esthétiques, pointant ainsi le relativisme nécessairement a posteriorique de l’esthétique. Autrement dit, il y a autant d’esthétiques que l’implique l’évolution des pratiques artistiques et des objets produits. Par là, il s’agit de pointer l’usage malencontreusement totalisant de l’esthétique par la critique moderniste.

Artículos
Daniel Omar Scheck (Universidad Nacional del Comahue): “Cognición, afectividad, temporalidad. La experiencia estética en Jean-Marie Schaeffer”

Cecilia Mc Donnell (Universidad Nacional de Rosario, CONICET): “Parrhesía bufonesca. Verdad, locura y terapéutica del dolor en King Lear”

Linet Hernández Moredo  (Universidad de las Artes-Camagüey, Cuba): “Las ideas estéticas en el siglo XX cubano. Un acercamiento preliminar”

Comentarios bibliográficos
Elena Oliveras. La cuestión del arte en el siglo XXI (Florencia Abadi)

Giacomo Fronzi. Philosophical Considerations on Contemporary Music (Sol Bidon-Chanal)

The study aims, on one hand, at submitting the objections that M. Shapiro and J.M: Schaffer made against Heidegger´s interpretation of Van Gogh´s painting, and, on the other hand, at making a critical analysis of every objection. The main idea consists in presenting the controversy created by the reception of Heidegger´s Der Ursprung des Kusntwerkes and showing that said reception is based on the ignorance of Heidegger´s thought – as in the case of M. Shapiro – and on the improper description of the production of meaning – as in the case of J.M. Schaffer.

Artículos

Alberto Santamaría (Universidad de Salamanca)
Las formas de la “realización” poética en María Zambrano



Washington Morales Maciel (Universidad de la República)
Hacia una revaluación de la verdad musical en T. W. Adorno


Archivo



Rodolphe Töpffer
Sobre la placa de Daguerre
Traducción y nota preliminar de Verónica Tell (CONICET-Universidad Nacional de San Martín) con la colaboración de Laura Hakel (Universidad del Museo Social Argentino)

Comentarios bibliográficos



María Jimena Vignati (Universidad del Museo Social Argentino)

Jean-Marie Schaeffer. La experiencia estética, trad. de Silvio Mattoni, Buenos Aires: La Marca Editora, 2018.



Yanina Benítez Ocampo (CONICET)

Jean-Pierre Cometti. Conservar/ restaurar. La obra de arte en la época de su preservación técnica, prefacio de Roger Puivet, trad. de Hernán M. Díaz, Buenos Aires: Biblos, col. Pasajes/Serie Mayor, 2018

El objetivo de este trabajo será analizar los aspectos ligados a la concepción de animalidad en Marcel Proust, tras el concepto de memoria involuntaria. Para ello me centraré en las críticas a la tesis de la excepción humana realizadas por el filósofo francés Jean-Marie Schaeffer. Es posible afirmar que, a la luz de la matriz teórica de este filósofo, el concepto mencionado deja entrever que la relevancia de la animalidad en Proust no sólo se presenta como un aspecto clave a la hora de intentar comprender el fenómeno memorístico, sino también como una crítica al antropocentrismo que caracteriza a la tesis de la excepción humana.

The objective of this work will be to analyze the aspects related to animality in
Marcel Proust, behind the concept of involuntary memory. For this I will focus on the
criticisms of the thesis of human exception made by the french philosopher Jean-Marie Schaeffer. It is possible to affirm that, in the light of the theoretical matrix of this
philosopher, the mentioned concept suggests that the relevance of animality in Proust is not only presented as a key aspect when trying to understand the phenomenon of
memory, but also as a critique of anthropocentrism that characterizes the thesis of
human exception.

Cet article a pour but d’apporter un éclairage différent sur l’art de Marcel Duchamp à l’aune de la théorie récente de l’expérience esthétique du philosophe analytique Jean-Marie Schaeffer. La problématique centrale dans cet éclairage est de comprendre les visées de l’art de Duchamp comme un prolongement de son art qu’il s’est constamment efforcé de refuser et de critiquer. D’un côté, l’objet de son refus est toute activité artistique, y compris la sienne, influencée par toute tradition esthétique se basant sur les croyances et les notions subjectives. De l’autre côté, ses visées artistiques consistent à faire de la béance indélébile entre son expérience esthétique et sa continuation en œuvres son sujet principal de réflexion et de pratique. La théorie de l’expérience esthétique a pour but l’interrogation neurophysiologique sur des facteurs internes qui rendent ‘spéciales’ lesdites données avant tout jugement. Le terme «esthétique» ici désigne le caractère de toute expérience conative qui permet à l’artiste l’usage atypique de l’attention et la sensibilité. Une étude plus minutieuse sur ce caractère fait manifester une homologie – démontrable à travers les méthodes de la science cognitive psychologique – entre l’expérience et l’œuvre qui la véhicule en matériau. Cet article porte un regard inédit sur le rôle de l’expérience esthétique dans l’art de Duchamp, mis en évidence dans ses œuvres aussi bien que ses entretiens et textes.

En este trabajo se desarrolla un enfoque del hecho estético entendido como un proceso experiencial y relacional, no centrado en las producciones artísticas, ni en los objetos materiales en general. En
ese marco, se intenta mostrar la conexión y el parentesco entre ciertos elementos de la teoría de la experiencia estética de Schaeffer y la concepción del juicio estético de Kant. Se establece un paralelo entre la concepción de la experiencia estética como un proceso autoteleológico y despragmatizado, sostenido como tal por una interacción particular entre cognición, emociones y placer, propuesto por Schaeffer; y las tesis kantianas sobre el juego libre y desinteresado de las facultades que postula el principio trascendental de la facultad de juzgar. Hacia el final, se sugiere que debería contemplarse la injerencia de un componente moral en el complejo entramado del hecho estético.
Palabras clave: hecho estético, proceso
relacional, bucle homeodinámico, subrepción y desinterés, afectividad y moralidad

Supposons que je sois amateur d'art : j'écoute une liste de lecture peacefull piano sur une application tout en lisant un poème illustré d'un portrait. C'est une expérience agréable, une plongée dans mon intériorité, mais qui m'ouvre en même temps à autrui, ces oeuvres me reliant, par leurs créateurs, à tout un réseau de significations humaines. Supposons maintenant que je découvre, le lendemain, que ces trois oeuvres - musicale, poétique et picturale - n'ont pas été composées par des homos sapiens mais par des systèmes d'intelligence artificielle. Supposons aussi que, contrairement à ce qui est souvent le cas avec les « oeuvres d'art artificielles », aucun humain n'ait collaboré au processus de création. Aurais-je raison d'être un peu fâché ?

En el presente trabajo analizamos el paradigma antropocéntrico que aparece como supuesto de múltiples disciplinas y ciencias, tanto naturales como sociales. Este análisis toma como eje la crítica contemporánea de Jean-Marie Schaeffer a la tesis de la excepción humana y desarrolla el modo en que esa crítica deja al descubierto las raíces antropocéntricas de la filosofía. En este sentido, intentamos explicitar las consecuencias prácticas de una filosofía que desconoce abiertamente, o bien se desentiende, de la teoría de la evolución y, especialmente, de la comprensión de una continuidad evolutiva entre todos los seres vivos para erigirse como una filosofía discontinuista. 

In the present work we analyse the anthropocentric paradigm as the assumption of multiple disciplines and sciences, both natural and social. This analysis takes Jean-Marie Schaeffer’s contemporary critique. His thesis is about human exception and the anthropocentric roots of philosophy. In this sense, we try to explain the practical consequences of a philosophy that does openly ignore (or disregards) the theory of evolution.

Extraleben, premier volume de la trilogie éponyme (« Extralife » ou « Vie bonus » en français), marque les débuts romanesques de Constantin Gillies, auteur allemand né en 1970. Ce journaliste économique spécialisé en nouvelles technologies avait déjà fait son entrée dans le monde du livre avec deux ouvrages non fictionnels : Wie Wir Waren (jeu de mots sur www) qui conte l'histoire des pionniers de l'internet allemand, ainsi que Die Macht mit uns, recueil d'anecdotes, souvenirs et faits méconnus sur la saga Star Wars et le culte populaire qui l'entoure 134 . Ce premier roman, paru en 2008 chez CSW, très petite maison d'édition née en 1996, était initialement voué à un rare public : les amateurs de jeux vidéo intéressés par des histoires traitant de leurs univers virtuels, leurs passions et leur mode de vie. Cependant, profitant d'un bouche-à-oreille flatteur et de critiques élogieuses dans la presse vidéoludique, Extraleben s'est progressivement mué en succès commercial inattendu pour son auteur et son éditeur 135 . Les chiffres atteints, s'ils restent modestes par rapport aux gros vendeurs du marché allemand, sont importants pour un premier roman publié quasiment sans publicité 136 . Cet objet littéraire, au départ non identifié dans le paysage germanophone, a progressivement gagné en visibilité, ce qui a permis sa présentation dans les médias. D'abord dans ceux traitant exclusivement du monde des jeux, puis finalement sur des canaux généralistes, et même dans des publications traitant habituellement de livres à plus haute prétention littéraire. Sa success-story inattendue mérite qu'on s'intéresse au roman de Gillies. Pour paraphraser Alain Badiou, de quoi Extraleben est-il le nom : Cet article vise précisément à faire le point sur la question. L'idée maîtresse est qu'Extraleben se profile comme représentant et porte-drapeau allemand d'une littérature en création que je voudrais appeler la gamer-literatur, « littérature gamer » en français.

En ¿Qué es un género literario? (1989), J.-M. Schaeffer acusa a Aristóteles de una ambigüedad inicial que habría condicionado el análisis de los géneros literarios a lo largo de su historia. Teniendo en cuenta algunas lecturas “literarias” y “filosóficas” de Poética, en este trabajo pretendo analizar las perspectivas naturalista-esencialista, histórica-analítica y normativa desde las cuales Aristóteles lleva adelante su empresa. En tal sentido, evaluaré, por un lado, los alcances de dichas perspectivas en dos momentos particulares de la Poética (1447a-1448b y 1448b-1449a) y, por otro, la manera en que cada una de ellas pone en juego la distinción aristotélica entre phýsis y tékhne.

Du déferlement des images auquel nous sommes désormais quotidiennement habitués, engager et dégager ses yeux sont devenus des actions centrales autant d’un point de vue éthique que politique. Écrit depuis des lieux à l’aune desquels se cherchent des connexions précaires à inventer, mais également au sein d’une génération qui, face à l’accélération des moyens de communication, cherchent aussi des voies pour ralentir, Rétine nous situe dans un voyage aux multiples arrêts, ou plutôt dans des arrêts qui sont en eux-mêmes de multiples voyages. Immobiles nous-mêmes, installés de guingois à l’intérieur du flux des images et des récits, nous avons fait le choix de décrire les haltes où qu’elles nous mènent, loin des grands récits restaurateurs, sans aucune promesse salvatrice ou garde-fou qui disent où le monde va et pourquoi, mais dans les décombres des rêves anciens, sur les bords broussailleux, là où peut encore se capter un couronnement des senteurs d’automne.

This article has as its double objective a clarification of art-philosophical problems as dealt with by the theory of Mono, introduced by the late 1960’s Japanese movement Mono-ha, and an examination of the validity of its theory. Lying at the kernel of the above set of problems is the inquiry into the possibility of continuation (as opposed to transference) of aesthetic experience through the means of unworked things. Here, aesthetic experience is referred to by the artists as “ecstasy”, “disparity”, “encounter” and “thrill”. As this article will try to show, all of Mono-ha’s endeavor is noticeably focused on the continuation of their initial aesthetic experience. For this argument to be justified, it is required first that aesthetic experience be distinguished – as opposed to isolated – from the totality of instants of sensory experience that includes it, and that we discuss whether the realization of the above theory based on aesthetic experience can be artistic, despite the irreducibility of the lived inner experience into a work of art. While being central to their theory and relevant practice, Mono-ha’s reliance on the notion of aesthetic experience has hitherto been examined as being part of the former rather than culminating in the labor of the latter. This article will attempt to clarify the role of aesthetic experience in the theory of Mono-ha and how such experience may be communicated through their works by introducing the cognitive psychological research of Jean-Marie Schaeffer into the contexts of the artists’ own words.

본 논고는 일본에서 1960년대 후반 등장한 모노하(もの派)의 모노 이론과 그것이 다루는 예술철학적 쟁점들을 명료화하고 해당 이론의 정당성을 검토하는 것을 주된 목적으로 한다. 이 쟁점들은 ‘차용된 모노를 통한 특별한 경험의 지속’으로 추려질 수 있다. 작가들의 글과 좌담회 기록이 보여주듯이, 모노하 작가들의 모든 활동과 작업은 이 ‘지속’을 작품으로 실천하고 글과 대담 등을 통해 설명하기 위함이었다고 해도 과언이 아니다. 모노하 작가들은 자신들의 작품에서 느껴지는 미적 경험을 ‘황홀감’, ‘오싹함’, ‘어긋남’, ‘만남’, ‘짜릿함’ 등의 단어로 묘사한다. 또한 그들은 이 미적 경험의 특별함을 예술의 가능 조건 탐색의 시발점으로 삼으려 한다. 이 지속이 예술적 실천으로서 정당화되기 위해서는 먼저 미적 경험을 그것을 포함하는 일반적인 의미에서의 감각적 공동 경험과 구분할 수 있는 근거를 찾는 일이 수행되어야 한다. 그리고 이 근거를 통해 경험과 예술작품의 비즉각적인, 환원 불가한 관계에도 불구하고 예술의 가능성을 긍정할 수 있는지를 논하는 작업이 필요하다. 위 작가들이 예술의 가능성을 이 특별한 경험에서 찾는데도 불구하고 이 특별함의 근거, 즉 미적 경험에 불가피하게 결부되는 주의력, 감정, 대상과의 지향적 관계의 문제들은 그들의 글, 대담 기록과 작품에서 인지과학, 생물학에 근거하여 명확히 설명되지 않는다. 이러한 과학적 근거의 부족이 모노하의 예술철학에 대한 비판론들의 근원이라고 해도 과언이 아니다. 본 논문은 이러한 점들을 들어 위 작가들이 말하는 특별한 경험의 특별함의 근거를 모노하 작가들의 전언과 장-마리 셰퍼의 인지심리학적 연구를 교차시키며 이해하고 검토해보려 한다.

La forma en que se concibe la evolución del arte, desde hace dos siglos, responde a un modelo historicista según el cual “el destino histórico de las artes consiste en una progresiva puesta al día de su propia esencia interna” (Schaeffer 2012, 42). Los supuestos de esa doctrina conforman lo que Jean Marie Schaeffer denomina Teoría Especulativa del Arte (TEA); una suerte de “religión” que sentó las bases para la sacralización y el mesianismo en el arte, que exagero el giro historicista y que
exacerbo el valor de la obra y los objetos artísticos. La TEA se cristaliza en un “gran relato”, tramado de acuerdo a un modelo evolutivo de inspiración hegeliana que, desde su formulación, se impuso
como un procedimiento de legitimación fundamentadora. El relato establece cuales son las obras, artistas o corrientes mas cercanas a la esencia del arte y, a la vez, señala ciertas formas adecuadas de
experimentar lo artístico y de relacionarse con esas experiencias. De esa manera, encarnada en los preceptos de la estética filosófica dominante, el secreto del éxito de la doctrina reside en que logro
encubrir bajo formas discursivas aparentemente descriptivas su carácter eminentemente prescriptivo y proscriptivo.
En el presente trabajo expondré las características principales de la TEA, haciendo algunos comentarios críticos y destacando los elementos constitutivos de su concepción filosófica de la historia del arte. En tal sentido, intentare mostrar cuales son los supuestos temporales que subyacen a esa concepción, en que medida su apariencia descriptiva encubre una actitud segregacionista, y como afecta y circunscribe nuestros encuentros personales con el arte.

Starting in August 2020, Sun Choi exhibited a series of works called Corona Camouflage . According to the artist, the work consists in combining a personally conceived symbolic image standing for the current pandemic with that for his memories from his time in high school recalled by the present
situation of COVID-19. The image is combined and applied to various media such as a white canvas, white slicker, white cloth, his car and a plastic sheet. This process is called “visualization of atmosphere” by the artist. This term designates his transition from his experience of a particular atmosphere, or
what this article will call “aesthetic experience,” to its concrete expression through practice. As he asks himself, “Is it possible to make a painting that allows the viewers to recall the COVID-19 situation of 2020?” His deliberated response is negative, having accepted the irreducible gap of understanding with the viewer. The cause for this gap of understanding is visibly sought out in his various experiments. This article will attempt to delve into Choi’s oeuvre to understand why, despite the above limits, he “came to think about the feelings of isolation, fear and disgust, as if in wartime, caused by disrupted everyday life, and about how to visualize them.” In attempting to provide the answer, this article will first clarify how Choi’s position regarding subjective sensibility and atmosphere, then refer to cognitive psychological and neuroscientific explanations of the aesthetic experience of the atmosphere of the pandemic, which will provide concrete grounds for his intention, thought process and method.

Keywords: Sun Choi, Aesthetic experience, Gernot Böhme, Jean-Marie Schaeffer, Visualization of atmosphere