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La Palabra En La Creación Actoral

Enviado por eibolard, jul. 2012 | 23 Páginas (5510 Palabras) | 9 Visitas

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“El problema de la palabra ocupa un importante lugar en la practica creativa del teatro ruso” Con estas
palabras empieza la autora de “La Palabra como Creación Actoral”. Ninguna de las grandes
personalidades del teatro ruso , no ha reflexionado sobre el poder de la palabra para que ésta estuviese
cargada de verdad, llena de autentico sentimiento, tuviera un significativo contenido social sobre el
escenario.

A continuación expondré el significado de las palabras de María Ósipovna, en mi proceso como actor.
Intentaré hablar de lo que para mi, como futuro actor, creo que me podría servir para poder llevar la
palabra de manera real a un escenario.
LA PALABRA ES ACCION

Para empezar la autora nos ofrece una carta de Schépkin en la que se puede observar la seriedad con la
que se tomaban el problema del habla escénica. Hace mención a la “declamación artificial” y a lo que se
denomina como la “palabra cantada por el corazón”. Esta última es la pronunciada con sinceridad y
veracidad en la que puedes transmitir lo que piensa y siente el personaje.

Para mi creo que una palabra dicha desde el corazón, con la verdad del personaje, puede ser mas
receptiva que si es adornada con una entonación musicalizada. Es verdad que puede ser mas
complicado que simplemente recitar algo ya marcado con una partitura. Para poderlo conseguir se
debería de trabajar la “naturaleza del personaje”. Habría que estudiar de quemanera se quiere
pronunciar el texto, sin dejarlo a la casualidad, o simplemente a la naturaleza, ya que posiblemente el
personaje y el actor no tengamos la misma naturaleza. Para ello debemos trabajar el personaje para
transformarlo y que el actor entienda sus emociones y sus pensamientos. Con ellos conseguiríamos una
verdad escénica. El lenguaje del personaje depende del carácter del mismo, de la época en la que se
encuentra y del estilo al que el autor pertenece. Lo importante es que el actor llegue a pronunciar su
dialogo de una forma que al personaje le llegue a ser natural, sencillo y vital.

Para el actor, Gógol escribe, que es peligroso aprenderse el texto de memoria. En este aspecto
comparto totalmente su idea. En mis trabajos como actor he preferido hacer primero una lectura
comprensiva del texto y realizar un estudio de lo que podía tener dudas, pero a la hora de la
memorización del mismo he preferido siempre que fuese a partir de los ensayos. En mi caso me ayuda
a que el texto sea una parte mas intima que me ayuda a comprender mediante las circunstancias del
personaje. Creo que se consigue una parte sincera y veraz a la hora de producir el montaje y al mismo
tiempo adquirir un ritmo orgánico.

La autora habla de la super-supertarea como método de trabajo no para conseguir un fin, sino para
poder realizar un proceso. Esto nos ayuda a entender, conocer y comprender al personaje y que no
quede como algocasual y superficial. Se debe realizar un estudio intimo del mismo para que en las
acciones en escena se transmita un comportamiento humano. El actor que no esta entrenado en este
proceso puede llegar a estar perdido en escena, crear tensiones, incluso a no dejar que fluyan los
pensamientos y sentimientos del personaje. Pienso que esto es una parte importante en el proceso
actoral. Es muy importante que el actor este correcto, pero debe transmitir las emociones del personaje
al mismo tiempo.
“En escena nos resulta mucho más fácil dislocar nuestra naturaleza que vivir una vida humana normal”
(linea 17, pag 26) Debemos conseguir que el personaje sea orgánico y natural. Para ello María Ósipovna,
nos propone una idea de Stanislavsky. El “SI Mágico”. Para poder realizar un proceso creativo y para
poner en movimiento la imaginación del actor podemos recurrir al “SI”. Este nos ayudaría a poner en
movimiento la imaginación del actor transportándolo de una situación real a una imaginaria, simbólica,
poética, acotada por el contexto y las circunstancias dadas de la obra. Éstas mismas dan motivación,
sitúa e impulsa al “SI”.

Con todo esto ya empezamos un trabajo del actor sobre sí mismo, en el que le podemos dar un subtexto
al texto del autor, dándole intenciones que nosotros nos marcamos. Hacemos del texto algo nuestro e
intentamos identificarnos mental y físicamente. Hacemos algo intimo que mediante la acción vamos
atransmitir. Pero sobretodo, como para Stanislavsky, con la palabra. Debemos ser capaces de provocar
cadenas de imágenes y asociaciones de imágenes conectadas con nuestras emociones. Esto nos
permitirá visualizar. Si el actor logra que el interlocutor visualice lo que en su personaje ve, logrará que
el público le crea y vea realmente al personaje que él mismo ha creado.

Según Stanislavsky, al igual que en la vida, en la escena debemos conseguir que el contacto verbal entre
personas sea un proceso enérgico, activo, que la palabra en la escena sea siempre racional, productiva y
enérgica. Que la palabra sea siempre Acción.

ÁNALISIS POR MEDIO DE LA ACCIÓN

Para la transformación del actor en personaje ha de tenerse en cuenta la supertarea y la acción

transversal, que implica la idea de una única acción del personaje durante toda la obra que subyace bajo
todas las demás acciones. Debemos tener en cuenta tanto la supertarea del autor como la del actor y los
sucesos o hechos importantes que delimitan y determinan la estructura dramática de la obra.

Ademas de la supertarea del autor, que fue de la que nació la obra del escritor, el actor tiene que fijarse
una supertarea que una al personaje con él mismo, para que éste se sienta compenetrado
emocionalmente y se identifique con el personaje, así la representación podrá ser natural y auténtica.
Ésta supertarea debemos buscarla en el espíritu del delpropio actor. Debemos conseguir asimilar el
comportamiento psicofísico del personaje, para que el actor sienta que realmente él es el personaje y
hable en primera persona cuando habla del papel.
Para poder llegar a realizar este proceso, nos plantea, en primer lugar la concepción creativa.
Satanislavsky defendía que en la imaginación está el impulso esencial de la creatividad y no
menospreciaba el proceso de estudio conceptual. Dice que aquella persona que juzga una obra sin
haberla estudiado antes, se cierra al descubrimiento de lo que el autor nos quiere decir. Y es verdad que
en ocasiones te introduces en la obra y descubres cosas que nunca hubieses imaginado. Esto te ayuda
a sacarle partido a un personaje que del otro modo, hubiese sido algo superficial.

Tras el primer contacto con la obra y el papel, deberíamos analizar detenidamente la misma. Para
realizar el análisis de una obra por medio de la acción y para compenetrarnos con la esencia de la obra
dramática debemos llevar a cabo un análisis cognoscitivo , comprensivo de los hechos, los sucesos, o
sea, de la fábula de la obra. K. Stanilslavsky propone comenzar por determinar los sucesos de la obra o
hechos activos, determinar la sucesión de estos hechos y relaciones. El análisis debería partir desde los
acontecimientos significativos de la obra. Así el actor comprende como el autor construye el argumento.
Hay que saber diferenciar entre lo esencial y loshechos menos importantes. Al igual que imaginar la
lógica y continuidad de los sucesos.

Algo importante también a tener en cuenta es el estudio de la relación de causa y efecto, entre el suceso
y acción para poder llegar a comprender al personaje. Es importante saber que le ocurriría al personaje
desde de que algo le sucediese, como reaccionaria, que haría y también después de saber que haría
como actuaría, que es lo que haría tras ese hecho. Es una parte importante en el que hay que tener una
conciencia clara del personaje una vez creado.

VALORACIÓN DE LOS HECHOS

Durante el proceso de análisis activo surge la propuesta sobre la “valoración de los hechos”. Lo principal
en esta cuestión es que el actor actúe en el escenario de igual manera a como actúa el personaje en la
obra. Para ello el actor debe compenetrarse en los sucesos de la obra, una vez se hayan seleccionado,
comprender su trascendencia y el sentido espiritual, las pulsiones internas de los personajes que
generan estos hechos, así como también comprender los hechos que se desencadenan a partir de estos
sucesos.

La autora nos cuenta que lo primero que exige Stanislavsky es que el actor desde el principio debe
empatizar con el personaje en vez de reflexionar sobre el papel y que observe los sucesos y hechos
dados desde su propio punto de vista. Así lograríamos vivir de una manera orgánica y real cada uno de
los sucesosque nos ocurran en escena. Puede ser algo complicado ya que durante el proceso creativo el
actor puede querer explicarse a sí mismo el comportamiento del personaje. Para ello necesita
encontrarse a si mismo en el papel y después crear el papel en si mismo.

La Valoración se relaciona o requiere, estimación, comprensión, abstracción para la identificación del y

con el personaje por parte del actor.

VISUALIZACIÓN

En este capitulo empieza diciendo una frase que me ha gustado mucho y creo que dice mucho de lo que
es para mi como actor el teatro “Fuera del pensamiento imaginario no hay arte”

Como bien dice la autora, el camino es complicado, quizás mas de lo que imaginamos. Una de las formas
mas activas para estimular nuestra imaginación es la visualización. El actor debe empezar a visualizar
durante los ensayos. Esto nos ayudará en nuestra puesta en escena a transmitir sensaciones,
sentimientos de nuestro personaje. Pero para ello debemos tener voluntad y paciencia, para que
diariamente se pueda enriquecer con nuevos detalles.

Al narrar, en un diálogo, siempre evocamos en nuestra mente las imágenes de nuestros recuerdos. El
actor debe alimentar a su personaje de imágenes, de visualizaciones, solo de esta manera podrá
conectar al público con el contexto y sensación del personaje, mientras más concretas son las imágenes
creadas, mayor verdad y amplitud logra el personaje en escena.Siempre debemos visualizar cuando
estamos en escena, como si viéramos una secuencia de imágenes cinematográficas, tanto al recordar,
relatar un suceso pasado o cuando proyectamos hacia el futuro. Ejemplo: Escena de Julieta antes de
tomar el veneno.
Para que podamos conseguir lo que la autora llama Visualización durante nuestro diálogo debemos
conseguir que el actor tenga la capacidad de guiar el ojo del interlocutor para que este comprenda y se
interiorice con lo que pretende explicar o contar y debe dejar las pausas pertinentes para que el
interlocutor asimile todo lo que pretende transmitir.

Konstantín Stanislavsky menciona dos períodos en el proceso de visualización. Menciona el período de

acumulación de visualizaciones. En el que el actor reúne las características de los personajes que se
relacionan con su personaje. Época, situación social, episodios de sus vidas, aspecto exterior, sus
relaciones y relaciones del personaje del actor con los personajes que visualiza. El actor acumula todo el
material que le ayuda a crear un pasado vivo para su personaje, a crear un bagaje interno, suyo,
perteneciente solo a él, íntimo, imágenes individuales sólidamente unidas, alentadas por el texto del
autor. Esto le ayudara a cuando hable de alguien que ha aparecido en algún momento en su vida, no
quede vacío de sentimiento, de interés o produzca indiferencia. También nos habla del período de
seducción con sus propiasvisualizaciones al interlocutor o receptor. … “Hablar no al oído, si no al ojo del
interlocutor”. Este proceso está orgánicamente unido al proceso de comunicación.

Nos expone lo que para K. Serguéyevich significa escuchar. Significa traspasar al interlocutor sus
visualizaciones para que éste mire con sus propios ojos aquello de lo que yo hablo. No se puede relatar
en general, no se puede convencer en general. Es preciso saber a quien se convence, es preciso saber
para qué se convence. Debemos marcarnos ese mismo objetivo de querer transmitir algo a alguien
mediante el una comunicación emocional viva entre actor y publico, sino no conseguiremos que haya
“contagio”

“Una auténtica acción no puede surgir sin un proceso orgánico de comunicación”. Es preciso
comunicarse sin ninguna presión, si no, el actor cuando comience a comunicarse, pondrá lo ojos como
platos. La comunicación es el preludio a la acción, exige una tarea y una acción. Hay que aprender a
insinuar no sonidos de palabras, si no imágenes, visualizaciones.

Personalmente pienso que este trabajo es muy importante en mi proceso como actor. Creo que se debe
trabajar la visualización para poder transmitir al público lo que el personaje esta viviendo, lo que esta
viendo, de lo que nos esta hablando o incluso lo que ha vivido o vivirá y lo que ha visto en otro
momento de su vida. Esto ayuda a crear por parte del publico una empatia, compromiso, hacia
elpersonaje. Realmente cuando relatamos un suceso de nuestra propia vida, reconstruimos en nuestra
memoria de forma verídica, minuciosa y claramente lo que recordamos. El actor, como tal, debe
encontrar un proceso orgánico con el que sondear al interlocutor y obligarle a percibir sus
visualizaciones.
EL TRABAJO CON LA PALABRA ARTÍSTICA

“Saber en arte es saber hacer” Palabras de Serguéyevich que nuestra autora comprendió claramente en
el momento que llegó a la primera clase sobre la palabra artística en el estudio organizado por
Stanislavsky. Durante estas clases ella llegó a la conclusión de lo que realmente le preocupaba era la
idea acerca del estado del actor durante el relato.

Realmente es algo que nos debe preocupar a todo actor. El actor sabe desde un principio como empieza
el relato, como se va desarrollando y en que va a desencadenar cada uno de los sucesos que el
personaje se encuentra hasta llegar al final de la obra. Pero el actor al relatar una historia se debe
encontrar en un estado especial, ya que teniendo en cuenta los antecedentes de la historia, debe hablar
como si ignorara lo que sucederá, como si estuviese siempre en tiempo presente. Debe vivir el
momento del personaje, dejándose sorprender por lo que suceda a continuación, haciendo que el
espectador crea que lo que esta ocurriendo es “como si fuera la primera vez”

Debemos eliminar los adornos a la hora de contarnuestro relato. Debemos trabajar sobre la libertad y
sinceridad. Tener fé en uno mismo.

En este capitulo también se habla de concentrarse en los pensamientos. Esto no quiere decir
introducirnos en nosotros mismos, si no lo contrario, quiere decir mirar al auditorio, encontrar a quien le
hablo, apuntar al objetivo y empezar a hablar, no susurrar, hablar con voz normal. Debemos siempre
hablar en nombre de aquello en lo que creemos. Debemos considerar y valorar las circunstancias dadas.
Esto de introducirnos en nosotros mismos, de hacer algo para nosotros, suele pasar cuando intentamos
transmitir un pensamiento o idea intima. Pero los espectadores deben de ver que realmente creemos en
nuestra idea o sentimos lo que queremos expresar de verdad.

Creo personalmente que para el proceso actoral debe de ser importante el como contar el relato, como
planteárselo desde el personaje y como tener que transmitir la vivencia sin que el espectador sienta que
es un hecho que para el actor es algo cotidiano.
MONÓLOGO INTERNO

El Monólogo interno, al igual que el procedimiento de la creación de visualizaciones, fue uno de los
procedimientos as importantes de Stanislavsky. La autora nos dice que este procedimiento es uno de los
caminos principales hacia una producción orgánica de la palabra en el escenario.

En el escenario los actores nos apoderamos en cierta medida del pensamientodurante la pronunciación
de nuestro texto, pero falta mucho para que lleguemos a aprender a pensar durante la pronunciación
del texto de nuestro interlocutor. Muchas veces no sabemos que hacer mientras nuestro compañero da
vida a su personaje y hacemos que el nuestro mismo muera en ese instante para pasar a convertirse en
nosotros como actor.

Para evitar esto el actor debe decir en voz baja, para no interrumpir ni desconcentrar a su compañero,
sus pensamientos, lo que piensa su personaje mientras su interlocutor habla. También podríamos decir
el texto del personaje para uno mismo, sin emitir sonido, ni mover los labios.

Este ejercicio tiene como objetivo encontrar la organicidad del texto. Stanislasvsky dice que aunque no
pronunciemos el texto, si lo pensamos, éste monólogo será visto. Es esencial compenetrarnos con las
características, contexto y relaciones del personaje para pensar como él y así poder actuar con la
reacción que él mismo tendría ante los sucesos que estén ocurriendo en otro plano.

Para lograr todo lo anteriormente dicho deberíamos marcarnos un superobjetivo como meta para
alcanzar lo que se ha fijado nuestro personaje, de acuerdo a su naturaleza, durante el período de vida
dentro de la obra.

Muchas veces los actores no confiamos en que, sin pronunciar palabra ni nuestros pensamientos en voz
alta, podamos ser comprendidos y lleguemos a contagiar al espectador. Pero Stanislavsky diceque si el
actor tiene esos pensamientos, si de verdad piensa como es debido, eso no puede dejar de reflejarse en
sus ojos. El espectador no sabrá con exactitud lo que piensa, pero si percibirá como se siente, su estado
interno y que es lo que desea transmitir mediante el subtexto.
Para Stanislavsky el subtexto “Es la evidente, perceptible interiormente vida del espíritu humano del
papel”.

Para nosotros el subtexto se encuentra bajo las palabras del texto, de manera constante, justificándolas,
dándoles vida y una intencionalidad característica del personaje. Traspasa el sentimiento y nos ayuda a
crear la acción de la obra. Podemos manifestarla no solo a través del movimiento físico, sino también a
través del habla.“Se puede actuar no solo con el cuerpo, si no también con el sonido, con las palabras”

TÉCNICA Y LÓGICA DEL HABLA

En la lógica del habla, es imprescindible tener en cuenta la lógica de pensamiento del personaje, el por
qué esta pensando eso en ese momento. El actor debe deducir del texto, el subtexto, ya que la lógica
del pensamiento se manifiesta en este.

Otro elemento fundamental en el trabajo de la palabra son las pausas lógicas. Estas pausas nos ayudan a
ordenar, separar y agrupar oraciones o ideas. Muchas veces no sabemos donde debemos realizarlas y
realizamos pausas innecesarias o directamente no realizamos ninguna. Esto debe ser algo a tener en
cuentaya que nos puede ayudar a un mejor entendimiento del texto.

Stanislavsky recomienda como ejercicio marcar los compases verbales en cualquier libro que se está
leyendo. “Tienen que habituar su oído, su ojo, y su mano a esto. La lectura, al seguir los compases del
habla, ayuda al mismo proceso de vivencia”

Podemos entender como María Ósipovna nos ayuda a aclarar que tipos de pausas podemos realizar en
nuestro ejercicio actoral.

Luftpausa vendría a ser una pausa de respiración, es la interrupción más breve, necesaria para tomar
aire. Puede ser sólo una retención del ritmo del canto y del habla sin interrumpir la línea sonora. La
pausa lógica nos ayudará a aclarar la idea del texto. La pausa Psicológica da vida a la idea del texto, a la
frase, intentando transmitir su subtexto y a darle un sentido o una intencionalidad. En referencia a esta
pausa podemos leer esta cita “Que tu discurso sea discreto y tu silencio elocuente”

También debemos prestar especial atención a los acentos. El acento debe ser una herramienta para la
creación de la frase. El acento es el dedo índice, que señala la palabra principal en la frase o en el
compás. En la palabra destacada está la esencia interna, los momentos fundamentales del subtexto. Lo
que se quiere remarcar por su importancia, porque queremos transmitir su sentimiento.

No debemos abusar de los acentos, debemos aprender a quitar también los que noson necesarios. En el
trabajo de texto marcamos las palabras esenciales de la idea, las menos y las débiles. Este complejo nos
ofrece una paleta para matizar el texto.

En los signos de pregunta, exclamación y puntuación podemos descubrir el estado interno del
personaje. Nos pueden llegar a desvelar el contexto, las circunstancias, la opinión, la obra y su autor.

Lo principal en la acción verbal es que la palabra escrita por el autor está muerta si no es caldeada por la
vivencia interna del intérprete. El momento de creación de la palabra proviene del poeta y el subtexto
del actor.

“El actor debe crear la música de sus sentimientos sobre el texto de la obra y aprender a cantar esa
música de los sentimientos con las palabras del papel. Sólo cuando oímos la melodía de un espíritu vivo,
podemos apreciar en su justo valor la belleza del texto, así como lo que este esconde

Este capitulo nos ayudaría bastante a la hora de como decir el texto y todo lo que debemos tener en
cuenta a la hora de recitarlo. Empezando por tener en cuenta las pausas que debemos de realizar, las
marcadas para que el texto tenga un sentido y marcar ideas y las que el actor crea que el personaje
necesita hacer para expresar un sentimiento, pensamiento o incluso acción. También a tener en cuenta
debemos cuidar los acentos. La entonación es algo complicado sobretodo en verso. Mayormente se
tiende a realizar cadencias alfinal de muchos versos, pensando que es algo que puede quedar bonito por
hacer alarde de una gran voz. Debemos cuidar el acento en palabras que queramos destacar sobre otras
por la intención que le queramos dar, peor tampoco debemos hacer un uso excesivo de ello. Y
finalmente la entonación en los signos. Las preguntas, y exclamaciones también son signos que se tiende
a canturrear y es algo que debemos a aprender a entonar correctamente. Bajo mi punto de vista creo
que la manera en que se recita el texto, es algo que necesita mucho trabajo personal y que se ha de
tener un gran oído para posteriormente poder recitar adecuadamente.

PAUSA PSICOLÓGICA

La Pausa Psicológica es un arma de comunicación muy importante ya que como herramienta nos da
muchísimas posibilidades. Generalmente las pausas psicológicas son los momentos en que los
personajes se muestran tal cual son, queda en evidencia su caída en las emociones, pudiendo generar
escenas completas transformándose así en “Pausas de Giras”.

La Pausa Psicológica se origina por la necesidad del personaje de encontrar una de emociones que guían
sus pensamientos, siempre debe estar justificada por estos. No debe hacer pausa por hacerla. La pausa
se usa para separar ideas, diferenciar, seleccionar, enfatizar, suavizar. Puede ir antes de un acento, por
ejemplo.

La Pausa de Giras se origina de una pausa psicológica. De las Pausas Psicológicas a menudo seproducen
escenas completas, originándose de éstas, las Pausas de Gira. La Pausa de Gira aparece cuando el actor
durante su proceso de trabajo ha acumulado material suficiente para valorar las circunstancias dadas,
tiene absolutamente clara la línea de acción, y cuando la naturaleza del estado del personaje no solo es
entendida por él, si no que domina externa e internamente su tempo – ritmo

La habilidad para expresar los sentimientos en una pausa de gira depende de la intensidad de monólogo
interno, de la continuidad del curso de los pensamientos, nacidos ambos de la valoración de las
circunstancias dadas.

El actor al enfrentarse a una pausa de gira debe ser capaz de retener la emoción e indagar en las
posibilidades de resolución a través de sus medios actorales, desarrollando así el subtexto y las acciones
transversales.

Durante este tipo de pausas el actor se percata mentalmente de lo que habla, en este momento entra
en conciencia, monta en el viaje emocional, cae o sube en sus emociones.

ADAPTACIÓN

Es una herramienta necesaria para que el actor busque referentes de contexto de la obra, características
de los personajes, subtexto … en otras disciplinas artísticas, como la música, la pintura y artes
audiovisuales. En otras artes podemos encontrar referentes que nos ayudarán a resolver las dudas de
como enfocar la obra a nivel escénico y del lenguaje, hasta llegar a tener clarola unidad dinámica, de
carácter y hasta la representación emocional de los personajes.

Creo que todo trabajo necesita una documentación en otras artes para tener un apoyo en época,
cultura, habla y muchas otras cosas. Puede resultar un trabajo costoso, pero muy beneficioso.

TEMPO-RITMO

La autora empieza este último capitulo dando una gran importancia a este sistema del Tempo-Ritmo,
pero a su vez reconoce que es un campo que todavía esta poco trabajado.

Cuando percibimos el tempo-ritmo de un personaje a través de sus movimientos y acciones, estamos

sintiendo el estado interno de éste personaje. Éste estado interno debe estar unido a la súpertarea de
su personaje, obra, y autor de la obra. Debe haber Unidad entre todo que sera lo que lleve a un buen
tempo-ritmo.
El tempo-ritmo al ser la manifestación del estado anímico del personaje nos permite indagar en el
espíritu de la obra y deducir los tempos-ritmos de los sucesos mas importantes de la obra y a partir de
ahí tener conciencia del flujo que ha de llevar la obra y armar la representación escénica.

Antes de trabajar un tempo-ritmo determinado debemos definir las visualizaciones de las circunstancias
dadas y fantasear para luego establecer las acciones y tareas del personaje.

El actor para entrar en escena con el tempo-ritmo adecuado debe estar atento al transcurso de la obra y
no estar ausente cuandono esta en escena o cuando se encuentra en un monologo interno. Esto creo
que también debe de ser importante. El actor no se ha de adentrar tampoco en si mismo, es un todo
como decía anteriormente.

Deducir o establecer el tempo-ritmo nos permite profundizar en la escena, obra y personaje además de
garantizar la fijación y conservación de acciones descubiertas en ensayos o presentaciones precedentes.

Debemos tener claro que el tempo-ritmo de la obra, es el tempo-ritmo de la acción transversal y su

subtexto. Ante la acción transversal se necesita la perspectiva del actor en la que el mismo debe saber
que el tempo-ritmo de su vida cotidiana no debe intervenir en el tempo-ritmo del papel que interpreta.
Y la perspectiva del papel.

El actor debe buscar una correcta distribución del tempo-ritmo a lo largo de toda la línea de acción
transversal de la obra.

Yo, a nivel personal, pienso que el tempo-ritmo en el teatro es algo que cuesta llevar. Pienso que es
cuestión de trabajo y entrenamiento. Se ha de realizar un gran trabajo con el personaje, sus
circunstancias dadas y la obra. Esta claro que la comedia no podría llevar el mismo tempo-ritmo que un
drama. Los estados de animo son diferentes al igual que las circunstancias de la obra en sí.

CONCLUSIÓN PERSONAL
“La Palabra en la Creación Actoral” Este titulo ya dice mucho de lo que ahí dentro expresa y cuenta. Me
ha parecidomuy interesante por todo lo que apunta en referencia al trabajo como actor. He podido ser
consciente de todo y cuanto ha hablado la autora desde mi experiencia como actor y con las disciplinas
que he podido ir adquiriendo a lo largo de este año en la escuela.

Me ha ayudado a sentir la necesidad de la palabra en el hecho actoral en todo momento y lo difícil que
puede llegar a ser transmitir lo que se desea con la misma. Quizás hasta hace poco no le daba el sentido
que tenia la palabra en la obra. Ahora creo que la palabra es tan importante o mas que la acción. Al
parecer es un largo trabajo el que se ha de seguir para conseguir que la palabra suene llena de un
sentimiento y que el espectador la perciba tal cual el personaje la siente.

Todo debe empezar con el SI MAGICO. Pienso que a partir de ahí, puede empezar a fluir el proceso
creativo, a introducirte en un mundo fuera de tu vida cotidiana, en el mundo de tu personaje. Averiguar
que le pasa, por qué le pasa, que piensa, por qué lo piensa, que siente, por que lo siente.... debe crear
una empatía con el personaje, a lo que se le llama la supertarea.

Debe conocer las circunstancias, los hechos, los sucesos y valorar el porque le suceden y que
consecuencias le puedan traer.

El actor debe imaginar como si fuera cierto que visualiza realmente lo que nos esta contando. No es lo
mismo describir la Alambra sin haberla visto nunca, que recordandoaquella vez que fuiste de viaje a
granada. Pues el actor aunque nunca haya visto al mejor amigo del personaje que tenga que interpretar,
cuando hable de él, hablará como si acabase de estar con él o describirá su casa como si estuviese en
ella. Eso es muy rico para el espectador, hace que crea realmente las palabras del actor como personaje,
creerán realmente lo que estas contando, incluso verán a tu amigo o tu casa tal cual lo estas
describiendo y llegarán a sentir emociones según lo cuentes. Si tu eres veraz contigo mismo, crearás
empatía con el publico.

“Como si fuese la primera vez” Esta frase dice mucho en el proceso actoral y es que cada vez que subas
a un escenario, el personaje debe de estar sintiendo que es la primera vez que esta viviendo aquello.
Está relatando la historia sin saber que sera lo que le prepara el destino.

¿Y que puedo hacer mientras espero que termine la escena que esta ocurriendo entre otros personajes?
Pues no es nada fácil, pero tampoco es difícil. El personaje debe buscar respuesta a lo que su
interlocutor esta diciendo o simplemente expresar sus pensamientos, pero eso si, en voz baja o
directamente sin emitir sonido ni mover los labios. Hay que buscar un subtexto dentro del texto para
poder llegar a que ese momento no sea un momento en el que el actor no rompa con el personaje.
Somos personaje desde que empieza hasta que acaba la obra. Y en esos momentos, quizás uno de los
masdelicados, debemos expresar sin palabras como se siente o en que piensa nuestro personaje.
Habrán veces que pensemos que no somos capaces de llegar al espectador sin mediar palabra, pero
como dice Stanislavsky, si tú realmente piensas y empatizas con tu personaje, el público lo notará en tus
ojos y sentirá lo que tú sientes en ese momento.

Para poder ayudarnos en la expresión lógica del habla debemos ser conscientes de las pausas lógicas
que son las que nos ayudara a darle un sentido al texto, con las que podremos separar las frases o las
ideas y las pausas psicológicas que son las que nos ayudan a entrar en el sentimiento, a darle
intencionalidad al texto. También debemos tener en cuenta los acentos y los signos. Para ello
necesitamos tener a parte de un buen oído, ganas de hacer un buen trabajo. Debemos aprender a
acentuar la palabra fuerte de la frase, con la que pretendemos dar intención o que queremos que
destaque por algún motivo. No es bueno que hagamos uso excesivo de ello, porque entonces quitaría
fuerza a las palabras que si deben llevarla.

Ya en un plano mas para la creación de la obra o del personaje, hemos de tener en cuenta el resto de
artes con las que documentarnos para poder inspirarnos, ya sea bien para la escenografía, como para el
carácter de los personajes. Para ello podemos recurrir al arte de la pintura, a la filmografiaa, fotografía o
incluso a otros textos de la época. Este puede resultarun trabajo interesante y divertido de
investigación.

Y por ultimo cuando ya hayamos tenido en cuenta todo lo anterior y ya hayamos creado nuestro
personaje, deberemos tener en cuenta el tempo-ritmo que le vamos a dar. Esto también va dirigido por
el estado de animo del personaje en cada momento según las circunstancias que hayan sido ocurridas.

Como conclusión de todo este trabajo, he de decir que ojala algún día y no muy lejano, suba a un
escenario con la seguridad de que todo lo que en este libro he leído y aquí he plasmado, lo pueda llevar
a cabo. Hay cosas que me costarán mas que otras, como el tempo-ritmo. Pero aun queda un largo
camino de formación. Aquí pedías que expusiese lo que era importante para mi formación como actor,
pero empezando a leer, creo que todo por igual me resulta importante y ya no es que sea importante,
sino, necesario para poder llegar a transmitir con la palabra aquello que necesite transmitir a cada uno
de los espectadores que estén sentados en sus butacas. Para mi el teatro es magia, no solo para el
espectador que se sienta y se deja hacer, sino también para el que hace. Como actor me encanta sentir
que puedo huir de mi realidad, que hoy puedo ser Hamlet y tener la duda de Ser o no Ser, o mañana
morir por mi amada como Romeo. Pero sobretodo el que la gente, a la que le guardo mi respeto, que
esta sentada viendo como soy Hamlet o Romeo, se divierta como yo me divierto en el
http://www.buenastareas.com/ensayos/La-Palabra-En-La-Creaci%C3%B3n-Actoral/4806249.html?_p=2