INTRODUCCION

El presente trabajo de investigación, se propone la realización de una galería

fotográfica digital, sobre las obras del gran maestro Carlos Cruz Diez, como parte de
la inquietud entre el color y la fotográfica, el cual siempre está presente en nuestro
trabajo. Tenemos como problemática la falta de conocimiento y el mal cuidado actual
de las obras de artes publicas de todos los artistas, en este caso las del gran maestro
Carlos Cruz Diez, queremos resaltar las obras y dar a conocer el mal estado en la que
se encuentran todas ellas. Se tomó la decisión realizar una galería de dichas obras en
la ciudad de Caracas.

Cuando se inventa la fotografía se cree que se ha descubierto un medio para

mostrar la realidad del mundo, se piensa que lo que se ve a través de ella no es sino
una evidencia y un espejo de lo real. El mismo Alfred Stiegltz afirmo la función de
de la fotografía consiste en ofrecer placer estético, sino en este caso proporcionar
verdades visuales y realidades sobre el mundo. Pronto se descubre la manera de
alterar el resulta y la fotografía comienza hacer utilizada como una herramienta de
manipulación de información, en caso de esta tesis es todo lo contario queremos dar a
conocer un poco sobre lo que son las obras de Carlos Cruz Diez en Caracas, y el
estado actual de ellas el cual están mal cuidada, y no hay un ente encargado que se
ocupe en recuperarlas. En la actualidad vivimos en un tiempo en que las apariencias
se confunden constantemente en la realidad, un tiempo en el que nos bombardean de
imágenes a dónde vamos.

-1-
 CAPÍTULO I

EL PROBLEMA

PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA

El arte es una de las manifestaciones más elevadas de la actividad humana,

como elemento esencial en el desarrollo y evolución del hombre mediante la cual se
expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con
recursos sonoros, plásticos o lingüísticos. Se ha demostrado científicamente que el
estudio de las bellas artes, desde edad temprana, cultiva en el ser humano una
sensibilidad que lo lleva a desarrollar una ética muy sólida en su vida adulta.

No exagero cuando afirmo que si dentro de los planes de estudios, desde los
centros de estimulación hasta la universidad, se incorporan materias relacionadas a
las bellas artes, formaremos personas con una sensibilidad que les permita elevar el
espíritu, así como conocer su yo interno, fuera de dogmas y con un amplio criterio. La
música, por ejemplo, nos permite la concentración. A través de escuchar música
nuestra mente navega y logramos profundizar en nuestra interioridad, también
despierta el sentido del oído y esto nos hace más perceptivos; y cuando la
escuchamos en forma melódica nuestro sentido del ritmo se agudiza.

La literatura desarrolla nuestro pensamiento, el lenguaje se vuelve amplio y

florido, logramos transmitir nuestras ideas con suma claridad, ya que a través de la
lectura nuestro vocabulario se hace más extenso.
 El teatro, pensado como proceso de aprendizaje y no como resultado, permite
desarrollar la creatividad individual y grupal, estimula la integración en conjunto a
través del juego dramático desarrollando el vínculo y la confianza personal.

La danza promueve el trabajo en equipo y la consecuente toma de conciencia

para la asimilación de valores como la solidaridad, el respeto por la diversidad, la
tolerancia, la cooperación y la valoración de la propia identidad. Es importante
aclarar que no se pretende hacer artistas a todos los alumnos, unos serán apreciadores
y otros ejecutantes, es decir no todos los melómanos saben tocar un instrumento, pero
si aprecian la música, los coleccionistas de arte no saben pintar, pero conocen de
pintura, no es necesario escribir un libro para gozar del placer de la lectura.

Grandes oídos deben tener los dirigentes políticos de la Revolución

Bolivariana para escuchar el clamor generalizado de la comunidad de representantes,
maestros de preescolar y básica, profesores de enseñanza media, técnica,
diversificada y docentes universitarios de arte, quienes murmuran acerca de la
necesidad de talleres de mejoramiento profesional especializado, para así corregir la
equivoca y dañina existencia que tiene la enseñanza artística (música, danza, teatro,
plástica y literatura) en los distintos niveles de la educación general. Es muy grave
poner al frente de la educación artística de nuestros niños a cualquier persona, sin una
formación docente especializada, que proteja sus talentos.
 Teniendo en consideración los planteamientos realizados en torno al
objeto de estudio se plantean las siguientes interrogantes:

 ¿Qué es el arte y como se ha desarrollado a lo largo de la historia?

 ¿Cómo fue la vida artística de Carlos Cruz-Diez?
 ¿Cuáles son las obras más resaltantes del gran maestro Carlos Cruz-
Diez en Caracas - Venezuela?

Para responder las interrogantes anteriores se plantea esta investigación donde

se realiza una breve historia del arte en la cual se tomará como relación un análisis
biográfico del gran maestro Carlos Cruz-Diez teniendo en cuenta sus obras más
importantes en el mundo y en Venezuela.

OBJETIVOS DE LA INVESTIGACIÓN

General

Mostrar una Galería Fotográfica Digital de las Obras del Gran Maestro Carlos
Cruz Diez en Caracas 1940 - 2019

Específicos

Determinar el significado del arte y como se ha desglosado a través de la

historia Describir por medio de una bibliografía la vida artística del gran

maestro Carlos
Cruz-Diez.

Identificar y analizar en Caracas las obras más importantes y resaltantes de

Carlos Cruz-Diez.
 JUSTIFICACIÓN DE LA INVESTIGACIÓN

Nos damos cuenta que hay muchas personas que no se expresan o temen al
hacerlo es por ello que hay una manera hermosa y bella de lograrlo por medio del arte
que en éste caso es representado por uno de los más grandes exponentes de
Venezuela y del mundo al maestro Carlos Cruz-Diez a quien se le coloca como
protagonista en una historia artística y obras más preciadas.

Para darle un mejor manejo de conocimiento al tema hay que crear una línea
de tiempo donde se puede apreciar el avance y desarrollo del arte en su mayor
expresión ya que para ello podremos entender la vida, visión y obras más importantes
del maestro Carlos Cruz-Diez.

El propósito específico de ésta investigación es que las personas tengan un

conocimiento más a profundidad de lo que es el arte y cómo un exponente tan
importante como lo fue Carlos Cruz-Diez pudo representar el mismo a través de su
vida y sus obras más resaltantes alrededor del mundo y de Venezuela.

Ésta investigación podría tener una excelente transcendencia más allá de lo

que se conozca del artista ya que otros investigadores, instituciones y expertos en la
materia laboral artística lo pueden tomar como referencia y adaptarlo a sus
necesidades particulares o simplemente como un antecedente para futuras
investigaciones.
 CAPÍTULO II

MARCO TEÓRICO

ANTECEDENTES DE LA INVESTIGACIÓN

Referente al término antecedente mediante Arias, F. (1999) establece:

Se refiere a los estudios previos y tesis de grado seleccionados con el

problema planteado, es decir investigaciones realizadas anteriormente y que
guardan alguna vinculación con el problema de estudio. Debe evitarse
confundir los antecedentes de la investigación con la historia del objeto de
estudio en cuestión. (p. 14).

Dentro del estudio propuesto, para complementar bases sólidas, se analizaron

algunas tesis, con relación al cáncer infantil, sus posibles adelantos y la ayuda de los
benefactores públicos y privados; dentro del 12 contexto, existen posibles argumentos
viables que demuestra la intención desinteresada de una noble causa de apoyo para la
familia, también ha inspirado a los investigadores y estudiantes a colocar su grano de
arena, de allí la relevancia de este capítulo, de gran interés social.

A través del arqueo documental académico apropiado para este Trabajo

Especial de Grado se encontraron varias investigaciones realizadas en la Universidad
Central de Venezuela en el Departamento de Artes Plásticas y en la Escuela de
Comunicación Social de la misma que sirvieron de referencia para el presente
estudio.
 Br. Raúl Nassif Isaac Fernández, Universidad Central de Venezuela en el
Departamento de Artes Plásticas Caracas – Septiembre (2016): APROXIMACIÓN A
LA ESTÉTICA DEL HOMOEROTISMO EN LA FOTOGRAFÍA VENEZOLANA
DE LOS AÑOS OCHENTA A TRAVÉS DE LA OBRA DE FRANCISCO
BEAUFRAND Y LUIS SALMERÓN.

Resumen

El siglo XX trajo consigo el advenimiento de la postmodernidad para las

culturas occidentales. Un período de revoluciones sociales, durante el cual el
feminismo, los movimientos de reivindicación de las minorías y la liberación
homosexual, abonaron el terreno para la manifestación de nuevos lenguajes estéticos
en el campo del arte, entre ellos el homoerotismo, la atención al desnudo masculino y
al concepto de masculinidad. La fotografía, particularmente, goza de un gran
momento. Ya vindicada como objeto artístico gana cantidad de adeptos, mientras que
los emergentes campos del mercadeo y la moda, erigidos como instituciones de poder
en la nueva sociedad de consumo, marcan la pauta en el desarrollo de una producción
fotográfica en la que los límites entre el arte y la publicidad resultan cada vez más
borrosos. En este contexto, una nueva generación de fotógrafos destaca en las
principales urbes del mundo desarrollado por la promoción de un arte con marcado
acento homoerótico. Su impacto llegó a Venezuela gracias al constante intercambio
que el país sostenía con el Exterior durante los ochenta, influenciando la obra de
nuestros artistas. Lamentablemente, el componente homoerótico en nuestro acervo
cultural no ha sido propiamente estudiado. En esta investigación analizaremos el
trabajo de dos fotógrafos locales exitosos durante esa década, caracterizados además
por su acercamiento a la estética del homoerotismo.

A la par veremos cómo las esferas de la cultura popular y el arte inician una
relación simbiótica a partir de esta época, configurando gustos y tendencias nuevas; y
dedicaremos atención a los procesos de infiltración de códigos visuales propios de la
cultura gay en estos dos ámbitos, fenómeno definido por el escritor británico Frank
Mort como “homosocialidad”. En este contexto, compararemos las formas en que
impactaron tales acontecimientos en la reconfiguración de la cultura global, con las
repercusiones generadas en el panorama local.

Br. Numa Roades Vieira, Universidad Central de Venezuela en la Escuela de

Comunicación Social Caracas – Noviembre (2012): MIRADA ÉLITE: En la
caverna de Platón, Realización de una revista digital especializada en fotografía
documental venezolana.

Resumen

El siguiente trabajo de investigación expone el proceso que se llevó a cabo

para la realización de una revista digital dedicada a la difusión de información sobre
la fotografía documental venezolana con el objetivo de impulsar el reconocimiento de
los referentes fotográficos nacionales. Por medio del análisis y con el apoyo de
fuentes especializadas en el uso y desarrollo de nuevas tecnologías, el presente
estudio muestra la expansión fotográfica gracias a los soportes electrónicos y recursos
multimedia.

Para dar a conocer parte del legado cultural de Venezuela se hará un recorrido
por los principales fotógrafos pioneros que utilizaron su arte como medio de
documentación.
 La Idea de Ciudad a través de la Fotografía documental
Venezolana, 1970 – 2000
Iglesias Sánchez, Brenda U.

Resumen

La historia de la Fotografía Documental en Venezuela es rica en

representaciones que sobre la idea de ciudad se han promocionado desde el propio
seno de la dinámica social, aunadas a las políticas del Estado vigentes. Dos son los
discursos predominantes, tanto ideológicos como visuales, que forman parte del
imaginario urbano venezolano: la idea de ciudad positiva, ideal, progresista, moderna,
feliz; y la concepción negativa, apegada a la realidad, la ciudad alienada, desigual,
violenta. Muchos fotógrafos han explorado y registrado imágenes que alimentan ésta
dicotomía. Pero, la fotografía como arte, como expresión, susceptible a la búsqueda
de nuevas posibilidades de interpretación y representación, construyendo puentes de
comunicación entre Iglesias Sánchez, Brenda U. La Idea de Ciudad a Través de la
Fotografía Documental...

FERMENTUM Mérida - Venezuela - ISSN 0798-3069 - AÑO 23 - Nº 68 -

SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 - 377-400378 la ciudad y quienes la habitamos;
ha sido también promotora del verdadero Espíritu urbano que coexiste al interior de la
ciudad venezolana, que se mueve entre la ciudad positiva y la negativa, que
aprehende la cotidianidad como cultura e identidad urbana, invocando un cambio
fundamental de la manera de ver la urbe en términos antagónicos, cuando se trata de
la expresión de nuestro Sentido de convivencia.

En este apartado se recopila y analiza la información más relevante disponible

hasta el momento, con relación al tema objeto del trabajo fotográfico. Se trata de
conseguir, organizar y analizar toda esa información, con el propósito de justificar el
interés de llevar a cabo el trabajo que se propone, así como los objetivos generales y
específicos que pretenden alcanzarse con la realización del mismo.
 BASES TEÓRICAS

Arte: Definición e historia.

El arte supone una comunicación de tipo intuitivo: ver más allá de lo que
aparece; es algo así como la función perceptiva y sugerente del símbolo religioso. El
hombre es capaz de percibir y experimentar todas las emociones humanas, pero sólo
unas cuantas de ellas puede trasmitir a otros. Es allí, cuando lo subjetivo se objetiva
en el "objeto" comunicativo, como un vehículo ideal y, desde allí, penetra en el alma
del receptor que contempla una obra que él llama "de arte". A este objeto en sí lo
llamamos "obra de arte".

Las más frecuentes de estudiar son las artes visuales: pintura, escultura y
arquitectura. Otras artes son estudiadas dentro de disciplinas más específicas como
historia de la música o historia de la literatura. Dentro de la historia del arte hay dos
conceptos altamente relacionados: la estética y la teoría del arte. Esta última se centra
en describir las obras artísticas, empezando por valorar qué es una obra de arte y que
no.

Desde el punto de vista subjetivo, lo que llamamos belleza es

incontestablemente todo lo que nos produce un placer de determinada especie.
Mirándolo desde el punto de vista objetivo, damos el nombre de belleza a cierta
perfección; pero claro es que lo hacemos porque esa perfección nos produce cierto
placer, de modo que nuestra definición objetiva no es más que una nueva forma de la
definición subjetiva. En realidad, toda noción de belleza se reduce para nosotros a la
recepción de determinada dosis de placer. (Leon Tolstoi)

Los orígenes del arte se remontan a la época de mayor esplendor del

Paleolítico Superior con la cultura Magdaleniense alrededor de 15.000 al 10.000 a.C.
y la gran evolución del hombre a través del Homo Sapiens Sapiens que tuvo la
capacidad de elaborar las primeras pinturas rupestres y un sorprendente arte
mobiliario.
 La historia del arte clasifica las obras de acuerdo a su momento de creación,
para ello cuenta con periodos temporales que han denominado de la siguiente manera:

Edad Antigua (3100 a.C-800 d.C): Este periodo comienza con el

descubrimiento de la escritura. Las zonas donde se han encontrado restos artísticos
incluyen la zona de Mesopotamia (actualmente Siria e Irak), la América
precolombina, África y por supuesto, las áreas del arte antiguo clásico: Grecia y
Roma.

Edad Medieval (800-1450): El arte medieval corresponde con un amplio

periodo que ha visto la evolución de las artes en la sociedad. Durante la Alta Edad
Media las artes eran considerados oficios de poca calidad, pero cuando éstas tuvieron
su época de mayor esplendor gracias a movimientos como el románico o el gótico, los
artistas pasaron a ser los impulsores de las Bellas Artes y con ello ganaron más
reconocimiento.

Edad Moderna (1450-1789): Se caracteriza por los grandes movimientos

artísticos del Renacimiento y el Barroco. Algunas de las obras más conocidas e
importantes actualmente pertenecen a ésta época, como La Gioconda de Leonardo Da
Vinci o La Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

Edad Contemporánea (1789-presente): En este periodo podemos distinguir

los siguientes siglos:

 Siglo XIX: Conocido como la época Romántica, que fue la precursora

de los artistas impresionistas y pos-impresionistas.
 Siglo XX: Característico por las Vanguardias. Movimientos artísticos
de poca duración y distintos entre sí. Algunas de las Vanguardias más
conocidas son el Cubismo, el Expresionismo o el Surrealismo. Durante
este siglo también se desarrolló el famoso Pop-art cuyo principal
exponente era Andy Warhol.
 Características

A lo largo de la historia las artes se han clasificado en varios tipos. Desde el

siglo XX las actividades clásicas incluidas entre las bellas artes son la música, la
literatura, la danza, el teatro, la pintura, la escultura y la arquitectura. Sin embargo,
existen otras divisiones alternativas.

Decía Leon Tolstoi que el arte es uno de los medios de comunicación entre los
hombres. Y es que el arte es una forma de expresión a través de la que se pueden
trasmitir ideas, ya sean estas las propias del artista o de quien ha encargado la obra.
Requiere de uno o varios creadores, siendo el arte el producto de una actividad que
requiere de inventiva y desde los tiempos modernos innovación y originalidad.

El concepto de lo que es y no es arte se transforma y evoluciona

constantemente. Poco tienen en común las obras de arte de la prehistoria, con las de la
edad media o moderna. Puedes leer sobre las distintas definiciones de arte a lo largo
de la historia en el artículo: Qué es arte. El mismo está abierto a múltiples
interpretaciones, lo cual hace que sea tan difícil de valorar con objetividad. Pero en
una época en la que se quiere medir y cuantificar todo, esta no tiene por qué ser una
cualidad negativa. Ya decía Nietzsche que tenemos arte para no morir de la verdad.

Aunque es posible acotar dentro de un contexto qué es arte, parece imposible

ponerse de acuerdo en una sola definición universal y atemporal, concreta, realista y
verdadera. Uno de las funciones de la historia del arte es analizar a través de sus
producciones artísticas el contexto histórico y cultural en el que fueron producidas.

El arte puede desarrollar diferentes funciones dentro de una sociedad, lo cierto

es que estos valores son arbitrarios y manipulables, pues el arte carece de un uso
inherente inmediato.
 Arte en Latinoamérica

Latinoamérica tiene una riqueza cultural derivada de sus antepasados. Tanto

de pueblos indígenas como de su interacción durante la llegada de otras culturas.
Aunque al conservar su esencia es posible distinguir en sus manifestaciones artísticas
diferentes periodos históricos:

Arte Latinoamericano del siglo XX: México encabeza la lista ya que ha

intentado revivir las formas indígenas teniendo un intenso interés social del artista.

Arte Postcolonial: se define como un arte individualista, presenta escenas que

van desde el descubrimiento del nuevo mundo y su conquista, hasta representaciones
locales de carácter social y político. En el Siglo XIX, el indianismo forjó un estilo
particular independiente del impresionismo, sobre todo en Lima y México.

Arte Colonial: la mezcla de tradiciones indígenas y de los colonos europeos

produjo inicialmente un arte cristiano particular llamado Arte Indo-cristiano. Se
destacó la arquitectura, surgieron varios templos e iglesias en las regiones
colonizadas por los españoles que tuvieron características únicas. Los países
colonizados por los portugueses desarrollaron un estilo colonial basado en fuentes
fundamentalmente europeas.

Arte Indígena o Pre-colombino: propio de las culturas de larga permanencia

previas al descubrimiento de América como son: incas, mayas, aztecas, tainas.

La cultura latinoamericana es sinónimo de expresiones como pintura,

escultura, danza, cine, las técnicas y los conocimientos diversos que se han
desarrollado en el continente. Cada expresión representa a su manera la sociedad.
Esta rica herencia cultural es el resultado del proceso de mestizaje de las razas y
etnias. Entre los principales movimientos se encuentran:
  Ilustración: Movimiento cultural difundido en Europa a finales del siglo
XVII, basado en la confianza en la razón humana y en la noción de progreso
histórico, moral y material.
 Neo-expresionismo: Es un movimiento artístico que recupera modelos
propios del expresionismo.
 Historicismo: Tendencia artística que consiste en recuperar los elementos
propios de uno o varios estilos más antiguos.
 Indianismo: Es el conjunto de ideas y el movimiento mismo centrado en
grupos indígenas.

En el siglo XX, se consolidó la identidad del arte latinoamericano que se

define como un arte sincrético que refleja sus profundas y heterogéneas raíces
aborígenes, europeas y africanas, la problemática del contexto latinoamericano y la
conciencia de sí misma, y se proyecta hacia el mundo a través de sus valores
estéticos.

La escultura en Latinoamérica tiene sus orígenes en la época prehispánica,

encontramos muchas muestras de ellas en los museos, plasmadas en materiales
cerámicos y rocas con representaciones de animales, reyes, cuentas calendáricas,
etcétera. Todas ellas relacionadas con cultos y rituales a las deidades.

Durante el Periodo Colonial, la escultura mezcló la visión religiosa con las

creencias de los nativos. Representaban imágenes religiosas en madera con vestidos
recargados de adornos, y otras para fechas litúrgicas importantes como las de la
semana santa y los retablos de las iglesias coloniales. A este tipo de escultura en
madera se le llama imaginería.
 Arte en Venezuela

El arte en Venezuela se remonta a los conjuntos de pueblos aborígenes

(Los Caribes) que poblaron el norte de Colombia, el noreste de Venezuela y las
Antillas Menores. Las influencias de la cultura autóctona, la cultura africana traída
por los esclavos y, finalmente, la cultura de España aportada por los conquistadores
determinaría el arte venezolano desde el siglo XVI hasta el Siglo XX.

Los primeros indicios del arte venezolano provienen de cerámicas y esculturas

indígenas, (algunas datadas de hace 2.000 años) donde se representan vasijas y
figuras antropomorfas. El origen de la pintura venezolana se registra hacia finales del
período colonial llegando a su apogeo con la llegada del arte moderno.

Arte Precolombino: En esta época el arte se correspondía a los variados

grupos de indígenas que poblaban el territorio venezolano. Cada etnia tenia distinta
procedencia y poseían creencias, ritos y formas de vida diferentes.

Las expresiones plásticas de los grupos indígenas estaban vinculadas a su

propia cultura, por lo cual cada una es distinta a las demás y poseen distinto
contenido funcional, práctico, mágico, religioso, ideológico, simbólico, ceremonial o
festivo.

Jaguar en una pintura

rupestre de la Etnia E'ñepá o
Panare en el Estado Amazonas.

Arte Colonial: La pintura venezolana no surge hasta el Siglo XVI, del cual no
ha sobrevivido prácticamente ninguna obra. Según una investigación de Alfredo
Boulton sobre los archivos de testamentarias, existían entre los Siglos XVI y XVII
alrededor de 3.606 obras en el país; aunque la mayoría se hayan perdido.

Siglo XVII: En el siglo XVII, rescatan nombres de tres pintores: Tomás de

Cocar, Juan Agustín Riera y Pedro de la Peña. Se considera que el terremoto de 1641,
en Caracas, provocó el desarrollo de la pintura, ya que fueron necesarias las
reconstrucciones y aparecen obras anónimas inspiradas del arte español y mexicano.

Sorprende que amén de los temas religiosos, aparezcan otros, laicos o de

historia antigua. Estudió Boulton también la historia y las pinturas de la Catedral de
Caracas, cuyo desarrollo artístico comienza en la segunda mitad del siglo XVII. Así,
entre muchas obras anónimas, y un primer grupo de pintores, llega a Juan de Villegas.
En este siglo escasean los retratos.

Siglo XVIII: En este siglo, el material de imágenes impresas (europeas y

mexicanas) fue abundante. La pintura tuvo entonces un verdadero auge y en las obras
se notan las huellas seguidas por los artistas: Murillo, Tibaldi, Herrera o Valdés. No
existió, salvo algún caso, la pintura mural.

Don José de Oviedo y Baños, aparecen un buen número de pinturas. En la

primera mitad del siglo XVIII se encuentran retratos anónimos y aparece el primer
pintor de categoría, Francisco José de Lerma y Villegas, de dibujo duro, pero
interesante, con influencias flamencas y sevillanas. Otro pintor José Surita, no
alcanza

La Catedral de Caracas (1867)

la calidad del anterior. Entre obras anónimas que tienen singular encanto para el gusto
actual, la historia culmina con José Lorenzo de Alvarado.

Arte Cinético: El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen
movimiento o parecen tenerlo. Es una tendencia de las pinturas y las esculturas
contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético
y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento.

Este término apareció por primera vez en 1.920 cuando Gabo en su Manifiesto
Realista rechazó “el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos
estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los ritmos
cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Utilizó esta
expresión coincidiendo con su primera obra cinética, que era una varilla de acero
movida por un motor y da valor al término utilizado hasta ese momento en la física
mecánica y en la ciencia, pero comienza a utilizarse de forma habitual a partir del año
1.955. Hoy en día se conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al
espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de
aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un
ejemplo pueden ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este
movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con
movimiento mecánico.
 El arte cinético engloba todas aquellas manifestaciones artísticas que están
dotadas de movimiento. Entre estas podemos distinguir varios grupos:

 Obras de dos o tres dimensiones que están dotadas de movimiento real.

 Obras que son estáticas pero que, con el movimiento del espectador, permiten
más de una lectura.
 Obras que no tienen movimiento real pero que, mediante algún efecto óptico,
dan la sensación de tenerlo. Es lo que llamaríamos op art.

Escultura cinética

El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética

del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde
uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte
cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en
la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas,
violentamente contrastadas. Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se
dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp.
Más adelante Alexander Calder inventó el móvil, un tipo de escultura formada por
alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el
desplazamiento del aire en el ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia
1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los
espectadores y/o un mecanismo motorizado.

El arte cinético fue una corriente muy de moda desde la mitad de los 60 hasta
mediados de los 70.

Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para

producir una impresión de movimiento. El nombre tiene su origen en la rama de la
mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre
ellos actúan. Este término apareció por primera vez en 1920 cuando Naum Gabo en
su Manifiesto Realista rechazó “el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los
ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los
ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Utilizó
esta expresión coincidiendo con su primera obra cinética, que era una varilla de acero
movida por un motor y da valor al término utilizado hasta ese momento en la física
mecánica y en la ciencia, pero comienza a utilizarse de forma habitual a partir del año
1955.

Hoy en día se conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al
espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de
aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un
ejemplo pueden ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este
movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con
movimiento mecánico.

Esfera Caracas (1974, instalada en 1996), de Jesús Soto.

1975 Carlos Cruz-Diez termina su Muro de Color Aditivo a lo largo del río
Guaire, en Caracas, hecho sobre la pantalla estructural que soporta la Autopista
Francisco Fajardo.
 Características del Arte Cinético

Entre las características del arte cinético se destacan: el rechazo a cualquier

referente narrativo, literario o anecdótico; la desvinculación de la obra de arte con
respecto a su creador, la abolición del soporte tradicional del cuadro, la incorporación
de materiales inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit,
etc.) y la intención de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del
urbanismo.

 El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la

mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
 Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura
rigurosamente planificada.
 La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan
del plano bidimensional.
 Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el
viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
 Busca la integración entre obra y espectador.

Tipos de Arte Cinético

Existen diferentes tipos de obras cinéticas de acuerdo con la manera

que produzca sensación de movimiento.

Los estables: Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de tal
manera que el espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.

Los móviles: Son obras que producen un movimiento real debido a diferentes
causas, cambiando su estructura constantemente.
 Los penetrables: Generalmente es un ensamblaje en un espacio real que
requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la recorre.

Estables Móviles Penetrables

Carlos Cruz-Diez (vida artística)

Cruz-Diez en los jardines de Vaux-le-Vincomte, 1987

Nace en 1923 en Caracas, el 17 de agosto. De 1940 a 1945 estudia en la

Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, donde coincide con Jesús Soto,
Narciso Debourg, Mateo Manaure y Alejandro Otero, entre otros. En 1942 abandona
esta carrera y se matricula en la de Profesor de Artes Manuales y Aplicadas.
Paralelamente se gana la vida dibujando tiras cómicas e ilustraciones para los diarios
de Caracas. Durante el año 1944 trabaja como diseñador gráfico para el
Departamento de
Publicaciones de la Creole Petroleum Corporation (Exxon) y un año más tarde, ya
graduado, comienza su trabajo como profesor de Pintura y de Historia de las Artes en
la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas.

En 1946 es nombrado director artístico de la agencia de publicidad McCann-

Erickson, trabajo que desarrolla hasta 1951. Toda su producción plástica de estos
años se enmarca dentro del realismo social. En 1947 realiza su primera exposición.

Individual en el Instituto Venezolano-Americano de Caracas. Tres años más

tarde Cruz-Diez diseña y forma parte del consejo de redacción de la revista Taller, de
la que se editan sólo dos números. Alejandro Otero y un grupo de artistas e
intelectuales venezolanos fundan en París el grupo y la revista homónima Los
Disidentes.

En 1951 contrae matrimonio con Mirtha Delgado. Trabaja como ilustrador

para el diario El Nacional, en Caracas. Se cuestiona su propio trabajo dentro de la
figuración y comienza a interesarse por la fenomenología del color. Trabaja en varios
proyectos para murales en exteriores, en los que juega con el color, la sombra y el
reflejo. En 1955 realiza una exposición individual en el Museo de Bellas Artes de
Caracas (MBA) bajo el título Carlos Cruz-Diez. Obras de 1949 al 55. Fija su
residencia durante un año en Masnou (Barcelona) y desde allí viaja a París y visita a
su compatriota Jesús Soto, que ese mismo año participaba en la mítica exposición Le
Mouvement, en la galería Denise René. En 1956 expone en la galería Buchholz, en
Madrid.

En 1957 regresa a Venezuela y funda su propio taller de artes gráficas y

diseño industrial. Se interesa por fenómenos de la percepción óptica y estudia las
investigaciones que sobre el color habían desarrollado Isaac Newton, Johann
Wolfgang von Goethe, Josef Albers, Piet Mondrian, Kasimir Malevich y otros. Al
año siguiente, es director adjunto y profesor de la Escuela de Artes Plásticas de
Caracas. En 1959 realiza su primera obra de Color aditivo y su primera Fisicromía.
Durante esta etapa su gama cromática se reduce a sólo cuatro colores: rojo, verde,
blanco y negro.
 En 1960 realiza una exposición individual en el Museo de Bellas Artes de
Caracas, donde presenta por vez primera las Fisicromías. Del catálogo de esta
muestra son las siguientes reflexiones del artista: “Partiendo del proceso aditivo, he
tomado el rojo y el verde como únicos colores primarios, el blanco como fuente de
luz o color con más poder reflectivo y el negro como negación de la luz. Esta gama
aplicada sobre un plano único produce una mezcla aditiva de colores que, en realidad,
no han sido aplicados. Resulta, pues, un color virtual o subjetivo”. Se traslada a París,
donde fija su residencia definitiva.

Cromointerferencias: En 1964 comienza la serie de Cromointerferencias.

Del 15 de diciembre de este año al 28 de febrero de 1965, participa en Mouvement,
exposición colectiva que retoma el título de la mítica exposición de 1955, en una
especie de segunda edición. Gana la III Bienal Americana de Arte de Córdoba,
Argentina (1966) y, al año siguiente, participa, con su Fisicromía, en la
exposición Lumière et mouvement, en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris
(mayo-agosto de 1967). En 1968 muestra por primera vez sus Cromosaturaciones en
el marco de la exposición Cinétisme, en la Maison de la Culture de Grenoble. Exhibe
en el Museum am Ostwall, en Dortmund, sus Duchas de Cromosaturación e
Inducción Cromática.

En 1969 se publica en París, por Édition Denise René, el libro de Jean

Clay Cruz-Diez y las tres etapas del color moderno. Primera exposición individual en
la galería Denise René. Con el concurso del CNAC (Centre Nacional d’Art
Contemporain) realiza el laberinto de Cromosaturaciones en el boulevard Saint-
Germain de París a la entrada del metro Odéon.

Premio Nacional de Artes Plásticas: Carlos Cruz-Diez gana en 1971 el

Premio Nacional de Artes Plásticas. El premio consistía en 30.000 bolívares y
sustituía a los Salones de Arte Oficial. Las bases del premio también contemplaban la
organización de una retrospectiva y la edición de una monografía del artista
premiado.
Del 17 de noviembre al 4 de diciembre exhibe por primera vez en Nueva York junto a
Francisco Sobrino, en la galería Denise René, 36 obras. Enseña técnicas cinéticas en
L’Unité d’Etudes et Recherches d’Arts Plastiques de l’Université Panthéon-Sorbonne
(París I). De noviembre a diciembre de 1973 vuelve a exhibir en la sede neoyorkina
de Denise René bajo el título Color Evolution.

En 1974, Carlos Cruz-Diez, ocupa el hall del nuevo Aeropuerto Internacional

Simón Bolívar de Caracas con la obra Ambientación de color aditivo. Comienza en
Caracas la serie Ambientes de Cromointerferencias. En 1975 inaugura en París dos
muestras: Oeuvres Récentes e Intégrations a l´architecture. Réalisations et
projets. Realiza el proyecto El artista y la ciudad, un conjunto de obras efímeras y
permanentes en la ciudad de Caracas, entre ellas el diseño de un paso de peatones y la
ornamentación de autobuses públicos. De este año es, también, su Muro de color
aditivo y los silos de inducción cromática en el río Guaire. Abre estudio en Caracas.

Cruz-Diez, Tenerife 2007

En 1978 Cruz-Diez, junto a Soto, Gego y Mercedes Pardo realizan unas

serigrafías sobre seda que, bajo el título La mano, la seda, el color-Taller Cobalto, se
exhiben en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Exhibe en la galería
madrileña Aele. Participa en la II Bienal de La Habana, de 1986, como invitado de
honor con 5 obras (4 Fisicromías y un Color aditivo). Recibe la Orden de las Artes y
las Letras de Francia en grado de Oficial.

Carlos Cruz-Diez y el Color: En 1989 se publica en Caracas la primera

edición de Reflexión sobre el color. En 1991 realiza Fisicromía para Madrid,
escultura de 2 x 40 metros para el Recinto Ferial Juan Carlos I, Madrid. Con
Experiencia cromática aleatoria interactiva (1995) comienza a utilizar la tecnología
digital en sus obras. En 1997 es nombrado Presidente y miembro del Consejo
Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, en
Caracas. En 1999 se instala en La Habana su primera y única escultura, Inducción
cromática para La Habana, con motivo del cuadragésimo aniversario de Casa de las
Américas.

En los años siguientes recibe la Orden de Comandante de las Artes y las

Letras de Francia (2002) y el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Simón
Bolívar de Caracas (2006).

En los últimos 50 años, he insistido en llevar

el color al espacio, sin soporte y sin anécdota,
revelándolo en su ambigüedad, como
circunstancia efímera, en continua mutación
creando realidades autónomas.

(Carlos Cruz-Diez)

Del 27 de marzo al 20 de agosto de 2007 se presenta en el Museo Nacional

Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) la exposición Lo[s] Cinético[s], que ofrece
una visión transhistórica del cinetismo y acentúa la relevante aportación de los
artistas latinoamericanos. Para esta muestra, Cruz-Diez presenta, en la plaza del
museo, una
Cromosaturación, una Inducción cromática y una Cromointerferencia mecánica. La
muestra itinera al Instituto Tomie Ohtake, de São Paulo, donde recibe el Gran Premio
de la Crítica otorgado por la Asociación de Críticos de Arte. En 2008 realiza una
exposición individual en la Society of Americas (Nueva York), bajo el título
(In)formed by Color.

Por mi trayectoria cromática intento evidenciar el color como una situación

efímera, como una realidad autónoma en continua mutación. Es una realidad porque
los acontecimientos tienen lugar en el espacio y en el tiempo real. Sin pasado ni
futuro, en un presente perpetuo. Es autónomo porque su puesta en evidencia no
depende de la forma o de lo anecdótico, ni siquiera del soporte. (Carlos Cruz-Diez).

OBRAS DE CARLOS CRUZ-DIEZ EN CARACAS – VENEZUELA

Proyectos murales

Los Proyectos Murales con sus formas geométricas y lineales fueron un

intento por configurar un objeto autónomo sin referencia a la naturaleza. Entre ellos
destaca Proyecto para un muro exterior manipulable, donde se aprecian unas
estructuras que ya prefiguran lo que más tarde sería la preocupación más importante
de Cruz-Diez: lanzar el color al espacio mediante la luz refleja.

Sin embargo, la mayor importancia de los muros exteriores reside en su

aspecto social y no en lo estético. Son obras participativas pensadas para que el artista
pudiera compartir el placer de sus estudios e investigaciones con la gente más
desposeída, que de otra manera no tenía acceso al arte.
 1954 (Caracas – Venezuela)

Primer proyecto
Para un muro exterior. Proyecto Mural. Proyecto para
Un mural exterior.

Signos Y Ritmos Dinámicos

Caracas, Venezuela, 1956

Óleo sobre tela 134 x 99 cm.
 Aeropuerto Internacional Simón Bolívar

La cromo-interferencia Ambientación de color aditivo es quizá la obra de

Cruz- Diez más fotografiada por los venezolanos que viajan para las redes sociales.
El suelo entero del pasillo central y la pared del Aeropuerto Internacional Simón
Bolívar de Maiquetía están decorados con esta pieza que fue construida en cuatro
años, empezando en 1974, y ocupa 2.608 metros cuadrados, incluyendo el piso y
paredes del corredor de espera y los salones de boletería de las líneas aéreas. La
infraestructura completa, que también contiene un vitral de Héctor Poleo entre otras
obras de arte, obtuvo el Premio Nacional de Arquitectura en 1980, dos años después
de inaugurado el terminal internacional.

Fisicromía de Carlos Cruz-Diez

Plaza Venezuela. La (doble) Fisicromía de Carlos Cruz-Diez en Homenaje a

Andrés Bello, fue inaugurada en la Plaza Venezuela en 1982. Se realizó por encargo
del Metro de Caracas como un envoltorio estético para los ductos de ventilación de
esa estación. Por eso es una estructura de aluminio anodizado, un proceso en el que se
genera una capa de protección artificial para evitar la oxidación de la base. Este paseo
peatonal también albergó otras obras de arte: el Monumento a Cristóbal Colón de
Manuel de la Cova, el Abra Solar de Alejandro Otero y La obra pariata 1957 de
Omar Carreño. Antes, en 1976, Cruz-Diez había inaugurado en la Plaza Venezuela de
París una Fisicromía doble faz.

Para 2009 se re-inauguró la Fisicromía Homenaje a Andrés Bello, como parte

de la rehabilitación urbana que emprendió el Centro de Arte PDVSA-La Estancia
desde Plaza Venezuela hasta Chacaíto, pasando por todo el Boulevard de Sabana
Grande.

Duró quince meses y contó con la supervisión del taller Cruz-Diez y la

asistencia del artista plástico José Armando “Nanín” García, amplio conocedor de las
técnicas originales con las que se hizo la obra. Fue reproducida en cerámica opaca y
produce el mismo efecto de acuerdo con la incidencia de la luz y el punto de vista del
espectador. Los proyectores asimétricos de luz blanca aún dejan ver esta obra del
cromocinetismo en la noche.
 Centro de Acción Social por la Música.

La Sala Simón Bolívar, en Quebrada Honda, tiene capacidad para albergar a

ochocientas ochenta (880) personas en unas butacas con tapiz diseñado por el maestro
Carlos Cruz-Diez, especialmente para el Centro de Acción Social por la Música, un
complejo cultural que comenzó a operar en 2009 como sede del Sistema de Orquestas
Juveniles e Infantiles de Venezuela. Esta infraestructura fue pensada por el arquitecto
venezolano Tomás Lugo y fue trabajada con un sistema acústico especial para evitar
las vibraciones y la contaminación sonora en otras zonas del edificio.

Además de los asientos, el foyer del complejo cultural cuenta con unas
fisicromías en rojo, amarillo, verde y blanco del maestro, que se unen con la esfera
aérea en blanco y amarillo, titulada Lloviznas y Penetrables, que pertenecen al
también grande del cinetismo Jesús Soto.

El libro Venezuela en el cielo de los escenarios describe esta inteligente

combinación como “la creatividad fluida, libre, atrevida y siempre en evolución de
ambos artistas, no tiene mejor asiento y destino que este centro de juventud en pleno
ascenso”. Son más de cien locaciones definidas, distribuidas en áreas de instrucción
musical, salas de ensayo instrumental y de práctica coral, biblioteca, salas de
conciertos y teatro, salas de música de cámara y una concha acústica al aire libre en la
zona sur del edificio, a la que el verdor del Parque Los Caobos sirve de telón de
fondo.
 Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez

Además del mobiliario urbano, en Caracas hay un museo que lleva su nombre.
El Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez se encuentran en el Paseo
Vargas de la avenida Bolívar y se concibió como una vitrina de la creatividad
venezolana. Fue fundado hace veinticuatro años y abrió sus puertas al público hace
apenas dieciséis. Además de las exhibiciones que conjugan el proceso de
multiplicación de la imagen y el diseño como forma de comunicación visual, hay
permanentemente una cámara de cromosaturación, otra de las maravillas que le
apuesta al disfrute más que al entendimiento del experimento científico. Ésta es una
de las obras más importantes del artista y fue montada en 2004 con la idea de
enriquecer el patrimonio nacional.

Las cámaras de cromosaturación son objeto de estudio de Cruz-Diez desde

1965. Las primeras fueron hechas con plexiglás, a diferencia de las actuales que son
hechas con luz y color. Los textos que Susana Benko redactó para el área didáctica
que se encuentra en una de las salidas de la instalación explican que estas cámaras
son espacios artificiales, diferenciados por cubículos o atmósferas cromáticas
determinadas en azul, rojo o verde, que permiten vivir el color en su forma más
primaria y esencial.

“Para Cruz-Diez el fenómeno cromático es una situación evolutiva en el

espacio y en el tiempo por lo que siempre es inestable. Al eliminarse los soportes
pictóricos y crearse el espacio-color, esta inestabilidad se activa ante el
desplazamiento del espectador. El espacio vacío no tiene otra significación sino la
presencia cromática en sí. El color se convierte entonces, desde el punto de
vista vivencial, en un acontecimiento, en una situación en permanente
transformación”.

En agosto se inauguró una exposición que celebra su producción y lleva por

título Cruz-Diez. Edición editorial. Anteportadas e ilustraciones, 1948-2009. Se trata
de una muestra conformada por más de cuarenta publicaciones, en las que el maestro
participó en el diseño, diagramación, supervisión y asesoría, junto a reconocidos
profesionales del mundo editorial en Venezuela y el mundo. Hay, por ejemplo, un
homenaje de la Revista Nacional de Cultura, una publicación que llegó a tener diseño
e ilustraciones del maestro. En la misma sala conviven los afiches que el maestro
realizó durante treinta años y la Experiencia cromática aleatoria interactiva que donó
Cruz-Diez al museo el año pasado para que los niños pudieran reproducir sus propias
piezas inspiradas en el color y las formas de las obras de este grande del arte
venezolano.

Carlos Cruz-Diez y su familia se han preocupado siempre por hacer que el

color permanezca a través de un legado que sobrepase la capacidad de asombro del
espectador. Ése que no busca entender en profundidad el color como fenómeno, más
allá del disfrute y las ganas de caminar frente a una de esas piezas que le irradian luz.
Las obras que están (o han estado) insertas en el diseño arquitectónico de la Gran
Caracas son un reflejo de lo que este hombre ha decidido para su ciudad desde su
trinchera en París: una zona de contacto en varios planos de color que se van
transformando constantemente.
 BASES LEGALES

Definamos primeramente que son las bases legales, para ese caso, Pérez (2009):

"Es el conjunto de leyes, reglamentos, normas, decretos,

etc. que establecen el basamento jurídico sobre el cual se
sustenta la investigación.” (p.65)

Es aquí como este conjunto de artículos de artículo de carácter Legal,

jurídicamente la investigación mediante los derechos y reglamentos fundamentados
en las distintas leyes de la nación. La fundamentación legal de la presente
investigación, se basa en el estudio de los siguientes instrumentos jurídicos.

Constitución de la República Bolivariana de Venezuela

La constitución de la república bolivariana de Venezuela garantiza la

protección, preservación, enriquecimiento y conservación de la cultura, así como el
respaldo de la misma con lo citado en los siguientes artículos de los derechos
culturales y educativos.

Artículo 99: Los valores de la cultura constituyen un bien irrevocable del

pueblo venezolano y un derecho fundamental que el estado fomenta y garantizara
procurando las condiciones, instrumentos legales, medios y presupuesto necesario.

Ley de Responsabilidad Social de Radio y Televisión

Artículo 1: Esta ley tiene como objeto estable, en la difusión y recepción de

mensajes, la responsabilidad social de los prestadores de los servicios de radio y
televisión, proveedores de medios electrónicos, los anunciantes, los productores
nacionales independientes y las usuarias y usuarios, para fomentar el equilibrio
democrático entre sus deberes e interés a los fines a promover la justicia social y de
contribuir con la información de la ciudadanía, la democracia, la paz, los derechos
humanos, la cultura, la educación, la salud y el desarrollo social y económico de la
nación, de conformidad con las normas y principios constitucionales de la legislación
para la protección integral de los niños, niñas y adolescentes, la cultura, la educación
la seguridad social la libre competencia y la ley orgánica de comunicaciones

Ley Orgánica de la Cultura

Artículo 1: Se considera de interés público y se asume con o prioridad

estratégica para alcanzar la suprema felicidad social, la defensa soberana debía
identidad cultural venezolana. Ministerio del poder popular con competencias en
materia cultural, es correspondiente con el poder popular, las familias. El sistema
educativo nacional, medios de comunicación públicos, privados. Comunitarios y
alternativos y demás formas de organización social, están en el deber de defender,
fortalecer y promover el conocimiento, la divulgación y la compresión de la cultura
venezolana.

Derechos Culturales

Articulo N° 6: Toda persona en la república bolivariana de Venezuela, tiene

el derecho irrenunciable al pleno desarrollo de sus capacidades intelectuales y
creadoras, a la divulgación de la obra creativa, así como el acceso universal a la
información bienes y servicios culturales: sin menos cabo de la protección legal de
los derechos de autor o autora sobre sus legales.

Ley De Derecho De Autor

Artículo N° 1: Las disposiciones de esta Ley protegen los derechos de los

autores sobre todas las obras del ingenio de carácter creador, ya sean de índole
literaria, científica o artística, cualquiera sea su género, forma de expresión, mérito o
destino. Los derechos reconocidos en esta Ley son independientes de la propiedad del
objeto material en el cual esté incorporada la obra y no están sometidos al
cumplimiento de
ninguna formalidad. Quedan también protegidos los derechos conexos a que se refiere
el Título IV de esta Ley.

Artículo N° 2: Se consideran comprendidas entre las obras del ingenio a que

se refiere el artículo anterior, especialmente las siguientes: los libros, folletos y otros
escritos literarios, artísticos y científicos, incluidos los programas de computación, así
como su documentación técnica y manuales de uso; las conferencias, alocuciones,
sermones y otras obras de la misma naturaleza; las obras dramáticas o dramático-
musicales, las obras coreográficas y pantomímicas cuyo movimiento escénico se haya
fijado por escrito o en otra forma; las composiciones musicales con o sin palabras; las
obras cinematográficas y demás obras audiovisuales expresadas por cualquier
procedimiento; las obras de dibujo, pintura, arquitectura, grabado o litografía; las
obras de arte aplicado, que no sean meros modelos y dibujos industriales; las
ilustraciones y cartas geográficas; los planos, obras plásticas y croquis relativos a la
geografía, a la topografía, a la arquitectura o a las ciencias; y, en fin, toda producción
literaria, científica o artística susceptible de ser divulgada o publicada por cualquier
medio o procedimiento.

Artículo N° 3: Son obras del ingenio distintas de la obra original, las

traducciones, adaptaciones, transformaciones o arreglos de otras obras, así como
también las antologías o compilaciones de obras diversas y las bases de datos, que por
la selección o disposición de las materias constituyen creaciones personales.

Artículo N° 4: No están protegidos por esta Ley los textos de las leyes,
decretos, reglamentos oficiales, tratados públicos, decisiones judiciales y demás actos
oficiales. Queda a salvo lo dispuesto en el artículo 138 de esta Ley.
 Ley De Patrimonio Cultural

Artículo N° 1: Esta Ley tiene por objeto establecer los principios que han de
regir la defensa del Patrimonio Cultural de la República, comprendiendo ésta: su
investigación, rescate, preservación, conservación, restauración, revitalización,
revalorización, Mantenimiento, incremento, exhibición, custodia, vigilancia,
identificación y todo cuanto requiera su protección cultural, material y Espiritual.

Artículo N° 2: La defensa del Patrimonio Cultural de la República es

obligación prioritaria del Estado y de la ciudadanía. Se declara de utilidad pública e
interés social la preservación, defensa y salva guarda de todas las obras, conjuntos y
lugares creados por el hombre o de origen natural, que se encuentren en el territorio
de la República, y que por su contenido cultural Constituyan elementos
fundamentales de nuestra identidad nacional.

Artículo N° 3: Cuando la preservación de bienes que integren el Patrimonio

Cultural de la República, implique una limitación que desnaturalice los atributos del
derecho de propiedad, su titular podrá reclamar al Estado la indemnización
correspondiente. En estos casos, a los efectos de determinar la indemnización, se
seguirán los criterios establecidos en la Ley de Expropiación por Causa de Utilidad
Pública o Interés Social.

Artículo N° 4: El Patrimonio Cultural de la República es inalienable e

imprescriptible en los términos de esta Ley.

Artículo N° 5: Corresponderá oficialmente al Instituto del Patrimonio

Cultural todo cuanto atañe a la defensa del Patrimonio Cultural aquí prevista, con las
excepciones que esta Ley establezca.
 CAPITULO III

MARCO METODOLÓGICO

DISEÑO, TIPO, NIVEL Y MODALIDAD DE LA INVESTIGACIÓN

En este capítulo se describen los métodos, técnicas y procedimientos que

fueron empleados para el logro de los objetivos propuestos en el estudio versado en
mostrar la vida y obra del Maestro Carlos Cruz-Diez.

Diseño de Investigación

Citando a Martyn Shuttleworth (2009)

“Un estudio longitudinal es un estudio de caso

extendido, en donde se observan individuos
durante largos períodos y constituye una tarea
puramente cualitativa.”

Esta investigación se centra en los aspectos destacables a lo largo de la vida

del Maestro Carlos Cruz-Diez. Por lo que conviene usar el diseño de estudio
longitudinal, ya que nos permite analizar una persona a través de periodos extendidos
de tiempo (en este caso, en su pasado); conociendo así su evolución como persona,
sus aportes al arte, además del legado que ha dejado en la materia y a la humanidad.
 Tipo de Investigación

Para esta investigación se usa el tipo de investigación cualitativa. Se suele

considerar técnicas cualitativas todas aquellas distintas a la encuesta y al
experimento. Es decir, entrevistas, grupos de discusión, observación y similares. La
investigación cualitativa recoge las muestras de los discursos y registros para
proceder luego a su interpretación subjetiva.

Nivel de Investigación

Se pretende usar dos niveles de investigación, en este orden:

 Secundaria: información extraída de otras fuentes, reorganizada y

analizada, lo cual ayuda a tener un marco general y una base rica con
la cual comenzar.
 Primaria: información nueva u obtenida de manera directa, mediante
entrevista, para ayudar a contrastar y verificar la información obtenida
de manera secundaria.

Modalidad de la Investigación

El mismo se inscribe, en concordancia con su objetivo general, dentro de la

modalidad de investigación documental, la cual permite comunicar la información e
inculcar más sobre el artista, Carlos Cruz-Diez. En este sentido, Martins (2010):

“La investigación documental se concreta

exclusivamente en la recopilación de información
en diversas fuentes. Indaga sobre un tema en
documentos -escritos u orales- uno de, los
ejemplos más típicos de esta investigación son las
obras de historia.” (pag.90)
 La investigación comprende el diagnóstico de la
vida y obras más resaltantes de Carlos Cruz-Diez
en Caracas 1940 – 2019, que permitió el diseño de
las estrategias propuestas.

POBLACIÓN Y MUESTRA

Población

Ander E. (2010) refiere que la población

viene a ser:

“La totalidad de un conjunto de elementos,

seres u objetos que se desea investigar y de la cual
se estudiará una fracción (la muestra) que se
pretende reúna las mismas características y en
igual proporción” (p.179).

La zona de Caracas, especialmente en lugares que haya frecuentado el

Maestro Carlos Cruz-Diez, donde hayan sucedido eventos importantes a su persona o
que estén fuertemente relacionados con él.

Muestra

Balestrini M. (2012): señala que la muestra viene a ser:

“Una parte de la población, o sea, un número de

individuos, u objetos seleccionados científicamente,
cada una de los cuales, es un elemento del universo,
la cual es obtenida con el fin de investigar, a partir
del conocimiento de sus características particulares,
las propiedades de una población.” (126).
 Personas que hayan conocido directamente al Maestro, estudiosos de la
materia conocedores de su legado, profesionales del arte e historiadores. Esta
información será contrastada con cualquier dato obtenido de registros, libros o en los
mismos lugares en los que se efectúa la entrevista, en caso de que este último se haga
en algún lugar dedicado a su persona, se conserve o exhibe su arte, como es el caso
del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez.

TÉCNICAS E INSTRUMENTOS DE RECOLECCIÓN DE DATOS

La Entrevista

La Entrevista Pelekais ´y otros´ (1992), referente a la entrevista, expresan:

“Esta ha sido clasificada como técnica de

investigación y como instrumento. En el segundo
caso se enmarca dentro de la técnica de encuesta y
refiere un dialogo indicado por el entrevistador
con el propósito de recabar información acerca de
un tema, contenido especificado en los objetivos de
investigación.” (p. 124).

En cuanto a la técnica utilizada en esta investigación es la entrevista. Técnica

que es más práctica y factible para la propuesta del tema planteado, cabe destacar que
se utilizará un máximo de cuatro preguntas, para tres personas que integran la
población; asimismo ayudara a determinar el análisis de cada una de ellas y recoger la
mayor información posible, estas preguntas, validadas por personas expertas en el
área
del objeto a investigar, de igual forma las preguntas son elaboradas en base al
conocimiento previsto a modo de establecer confianza en el entrevistado.

Con referencia, al instrumento, si se desarrolla una investigación con un

diseño de campo, necesariamente, se debe situar en aquellas técnicas vivas o de
relaciones individuales y de grupos, que se dedican a la observación de la realidad, en
esta investigación, se realiza a través de la guía de entrevista, como instrumento, lo
cual también exigen respuestas directas de los sujetos estudiados, donde a partir de
una muestra de 46 individuos, representativos, emplea un procedimiento estándar, por
lo tanto, se procederá a entregar a los entrevistados, preguntas de forma escrita.

En otro sentido se elegirá la entrevista semi-estructuradas que según Arias

(2012), señala:

Una entrevista semi-estructurada aun cuando

existe una guía de preguntas, el entrevistador
puede realizar otras no contempladas
inicialmente. Esto se debe a que una respuesta
puede dar origen a una pregunta adicional o
extraordinaria. Esta técnica se caracteriza por su
flexibilidad. (p. 74).

En este sentido se comprende, según lo expuesto anteriormente, que la

entrevista semi estructurada, es aquélla en que existe un margen más o menos grande
de libertad para formular preguntas y respuestas, en cierto modo si surgen ideas de las
respuestas dadas en el instante se dialoga en base a la misma idea. De esta manera se
concreta mayor información en el momento con libre albedrio, justificando siempre el
hilo conductor de cada respuesta. Por lo tanto, se maneja una extenso tiempo para
recopilar la mayor información posible.

Una vez realizado la selección del tema, dado un buen planteamiento a la

problemática y la definición del método a utilizar, debe poner en marcha toda la
estructura. Para ello, se requiere de técnicas y herramientas que auxilien en la
investigación, usándose o una o la otra dependiendo de lo que se requiera en base a
los objetivos de la tesis.

Técnicas de análisis de resultados

Dentro de una investigación se realiza un procedimiento en base al conjunto

de las técnicas que interfieren a llevar a cabo el análisis descrito en los resultados,
asimismo, según Arias (2012) …”En este punto se describen las distintas operaciones
a las que serán sometidos los datos que se obtengan: clasificación, registro, tabulación
y codificación si fuere el caso.” (p. 111). Por lo tanto, este trabajo de grado, como se
expuso anteriormente se utiliza como técnica la entrevista, ya con sus preguntas
elaboradas, se recoge la información dada de los entrevistados y se analizan.

En el mismo orden de ideas, depende de las opiniones de cada uno de los

entrevistados, se concluye a transcribir, cada una de las observaciones dadas, de las
preguntas expuestas que identifican los objetivos estudiados, en base a esto, se hace el
estudio analítico de toda la información y se generaliza, la recopilación de las
mismas, para obtener el resultado propuesto del tema a tratar, que nos dará a conocer
de manera más precisa, la aclaratoria de las interrogantes; esto se logra gracias a la
técnica y el instrumento utilizado en el proceso investigativo.

 De revisión documental: ya que se buscarán datos históricos o de

otras investigaciones.
 De entrevista: para verificar y contrastar dicha información obtenida
de otras fuentes, se buscará entrevistar directamente a los testigos,
conocedores y artistas que nos puedan ayudar conocer a mayor
profundidad al Maestro Carlos Cruz-Diez, y a los eventos importantes
que lo rodearon y afectaron como persona y artista, añadiendo así otra
dimensión, además de la posibilidad de obtener datos nunca antes
vistos.
Conceptualización de Variables

En lo que se refiere al termino de variable; se hace una referencia acerca del

concepto analizado de la palabra, se puede decir que esta estructuralmente enfocado
al estudio de los cambios o fenómenos exigidos por la investigación; puesto que el
investigador busca los componentes exactos para modificar el sentido de propiedades
estructuradas en la misma, indagando con amplitud el significado, para aplicar el
cambio. La definición planteada de las variables identificadas en el proyecto, expresa
el significado que el investigador le coloca a cada variable para cumplir con el fin
planificado.

En cierta forma según Arias (2012)…”Variable es una característica o

cualidad; magnitud o cantidad, que puede sufrir cambios, y que es objeto de análisis,
medición, manipulación o control en una investigación.” (p. 57). Sumado a lo
expuesto, la estructura principal del tema a investigar, afianzada en conceptos, está
sujeta a cambios por el investigador, desglosando cada uno de ellos, llevando un
lineamiento de algunas fuentes o creados con nuestras propias palabras, que lleven
coherencia con su definición.

Cada variable está identificada por tipos, según su naturaleza, las cuales
serían, cuantitativas y cualitativas; pero cada una de ellas poseen su propia
calificación; las cuantitativas serian, discretas o continuas, por otro lado las
cualitativas, se identifican como dicotómicas y policotomicas.; las cuales estas
también poseen su clasificación. “Según el grado de complejidad, tanto las variables
cuantitativas, como cualitativas pueden ser simples o complejas.” (Arias, 2012, p.
59). Según lo expuesto por el autor, existe un complejo estudio de las variables a
modo de estructurar la aplicación para cada investigación.

Del mismo modo una variable está constantemente presente, con cada tema
citado por un investigador; de allí precede a concretar su estudio y agilizar sus
cambios,
según lo expuesto, se logra entender que las variables son todas aquellas frases,
palabras, procedimientos, conceptos, actividades, investigaciones, conocimientos,
exposiciones, manifestaciones y un sinfín de cualidades de la humanidad, aplicada a
un grupo de personas u objetos, los cuales adquieren diversos cambios, con análisis,
mediciones y control en sus valores, que sirven para lograr aportes productivos para
el individuo.

Instrumentos

Documentos para revisar y cotejar: cartas, libros, imágenes, folletos,

manuscritos, vídeos, entre otros.

Fuentes alternativas de información: aquella que la internet nos pueda

suministrar, como blogs, wikis y foros.

Herramientas de la entrevista: un teléfono inteligente con el cual poder

grabar al entrevistado.

Guion para la entrevista (en el lado del artista):

1. Tú, como artista, ¿cómo inspiras a la población a cuidar y a mantener

las obras de dominio público?
2. ¿Conoce usted al artista cinético Carlos Cruz-Diez?
3. ¿Qué características considera usted importante en las obras de Carlos
Cruz-Diez?
4. ¿Para usted, qué obra de Carlos Cruz-Diez fue la más destacada en
Caracas?
5. ¿Qué huella artística identifica Carlos Cruz-Diez en sus obras?
6. ¿Conoce usted las obras que hizo Carlos Cruz-Diez en otros países?
 7. ¿Cuál considera usted que fue el aprendizaje al trabajo del Maestro
Carlos Cruz-Diez?
8. ¿Te ha inspirado él al momento de realizar alguna obra?
9. ¿Cómo ve el estado actual de las obras, de Carlos Cruz-Diez, en
Caracas?

Guion para la entrevista (en el lado del espectador):

1. ¿Tiene usted conocimiento de quien fue Carlos Cruz-Diez?

2. ¿Cómo usted reconoce una obra de Carlos Cruz-Diez?
3. Para usted, ¿cuál obra de Cruz-Diez es la más destaca de Caracas?

Para ver una trascripción de las dos entrevistas que se hicieron para esta
investigación, por favor diríjase al siguiente capítulo.
 CAPÍTULO IV

ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN DE LOS RESULTADOS

En este capítulo, se realiza una exposición y discusión de los resultados de la

investigación, se introducen los criterios que orientaron los procesos de codificación
y tabulación de los datos, así como sus técnicas de presentación, el análisis estadístico
de los mismos; donde se especifica y muestran aspectos y propiedades que conforman
el problema planteado en correspondencia con las variables y objetivos establecidos,
desde una perspectiva cuantitativa y cualitativa de los hechos para ello, una vez
obtenidas las tablas de frecuencias, los autores presentarán las tablas en ella se
muestra los resultados obtenidos en el proceso experimental, para posteriormente
clasificar los datos según su importancia de presentación y análisis. Se detallan las
variables que ameriten ser analizadas individualmente o presentadas en cuadros o
tablas simples, según los objetivos y las hipótesis, y hacer un listado de cuadros que
deban presentarse en triangulación con datos, teorías y métodos.

Ese mismo orden de ideas se representa dichos datos mediante un gráfico, siendo
este último tal como lo refiere Bautista (2012):

“Aquellas imágenes que,

combinando la utilización de colores, puntos, líneas,
símbolos, números, texto y un sistema de referencia
(coordenadas), permiten presentarnos: información
cuantitativa” (p. 25).
 En atención a ello cabe destacar, que la utilidad de los gráficos constituye por sí
mismos una poderosa herramienta para el análisis de los datos, siendo en ocasiones el
medio más efectivo no sólo para describir y resumir la información, sino también
para visualizarla y analizarla.

Para el propósito de esta investigación, se consiguió pautar una cita con dos
grandes personas, los cuales nos muestra el punto de vista de personas en ambos
extremos: un creador de arte que tuvo contacto directo con el Maestro, y un
consumidor el cual describe su experiencia como un outsider. La primera es Iván
Salgrero, artista plástico quien fue estudiante de Carlos Cruz-Diez. El segundo,
Guillermo Montero, empresario y admirador del arte.

A continuación, se muestra trascrito el resultado de dichas entrevistas:

Entrevista a Iván Salgredo:

Diseñador industrial y artista plástico egresado del instituto de Diseño De

Caracas, con más de 30 años de experiencia.

Salgredo expresa en sus obras la huella que dejo en sus creaciones el haber
trabajado en el taller de Carlos Cruz Diez.
 Tú, como artista, ¿cómo inspiras a la población a cuidar y a mantener las obras
de dominio público?

“Hay que culturizar a la población, cada vez más la población de

cualquier país se debe a la cultura, la cultura es algo que cambia vida, el arte
cambia vidas. En el ámbito de cuidar las obras, es una tarea que nos atañe a
todos, no solamente a los artistas, conocedores o curadores.”

Para tener un disfrute del arte, también deben aprender a cuidarlo,

pero eso se incentiva desde pequeño, en casa, tiene que haber cultura en cada
hogar, tiene que haber un domingo en que lleven los niños a los museos,
llevarlos a los parques donde hay obras, donde hay esculturas, para que
aprendan como valorarlos.

Si no hay esa valoración, no va a haber un sentido de pertenencia, y

no va a haber ese cuidado. Por eso, todos nosotros tenemos un granito de
arena que aportar para que las obras se mantengan, y también, cuando obra
sea maltratada, denunciarlo, porque esto nos pertenece como venezolano (o
como persona de cualquier país donde este la obra), ya que mientras mayor
sea su permanencia, más legado dejará. El arte debe perdurar.

Si es un arte efímero (como los que hay hoy en día), eso ya no entra en
este aspecto, ya que es una cosa contemporánea, de una obra para que dure
tres días, un ensamblaje, un performance, un show que hicieron o algo. Pero
una de trascendencia escultórica, que debe perdurar por siglos y siglos, así
como David de Miguel Ángel en Italia, u obras de ese tipo; que se han
restaurado, se han mantenido, se cuidan, se fotografían, se atesoran.
Mientras no haya esa manera de atesorar la obra, no perdurará; y si no
perdurará, se acaba el arte; y si se acaba el arte, nos morimos todos.
 ¿Conoce usted al artista cinético Carlos Cruz-Diez?

Tuve el privilegio de ser su alumno, su trabajador, hace unos treinta y

dos años, como pasante, y estuve un año con él, en su taller. Fue una
experiencia totalmente alucinante y de un aprendizaje sin igual.

¿Qué características considera usted importante en las obras de Carlos Cruz-

Diez?

La investigación del color, sobre todas las cosas. Carlos Cruz-Diez

hizo una investigación muy amplia acerca de los colores, ve la trascendencia
de esto a nivel interactivo con el ojo humano.

¿Para usted, qué obra de Carlos Cruz-Diez fue la más destacada en Caracas?

Es muy difícil, Carlos Cruz-Diez es el artista más prolífico en todo el

mundo, en todo el planeta. El cinetismo nació en Venezuela con Soto y Cruz-
Diez; Soto fue la inspiración para Cruz-Diez, pero una vez inspirado, Cruz-
Diez hizo demasiadas obras y están en todo el mundo.

Sin embargo, aquí en Caracas hay una cantidad de obras sumamente

importantes, como la que está en Plaza Venezuela, en el Jardín de las
Esculturas, que es una fisicromía.

¿Qué huella artística identifica Carlos Cruz-Diez en sus obras?

El movimiento y el color en el espacio, la trascendencia que tiene en

el espacio físico.
 ¿Conoce usted las obras que hizo Carlos Cruz-Diez en otros países?

En algunos países hay rayados (cruces peatonales), hay un barco,

veleros, asientos de teatro, fisicromia, transgromia. Pero para poder
conocerlas todas habría que tener mucho rial (dinero) para poder visitarlos a
todos.

¿Cuál considera usted que fue el aprendizaje al trabajar con el Maestro Carlos
Cruz-Diez?

Yo tenía unos 19 años, cuando entre a trabajar con él. Imagínense la

figura tan gigantesca de un maestro de artes de ese tipo, yo estaba estudiando
diseño y me llevó un compañero para ver si el Maestro Cruz-Diez me
aceptaba. Allí había cuatro procesos de trabajo fundamentales, que eran
celigrafía, ensamblaje de la obra y otras labores de talleres para fabricar los
elementos que constituyen la fisicromía y la trasncromía.

En ese orden de ideas, hubo un aprendizaje muy grande, debido a que

pase en cada uno de los procesos. También conocí ahí a muchas personas
que hoy en día son altas personas del arte, que trabajaron y se formaron con
el maestro.

¿En qué año fue eso?

En el ’87 u ’88, su taller queda aquí en Caracas, se llama Fabriarte,

queda en La Florida.
¿Te ha inspirado él al momento de realizar alguna obra?

Los maestros siempre nos dejan una huella interior que es difícil de
borrar. Claro que Carlos Cruz-Diez me ha inspirado, pero sin copiarlo, sin
emularlo, sin imitarlo. Simplemente tratar de extraer de su majestuosidad, de
su perfección, de su lineamiento, que se pueda adaptar a mi obra plástica.

Pero hay un compendio generalizado que nutre mi obra, por lo que no

se le ve la vinculación en ninguna de mis obras.

¿Cómo ve el estado actual de las obras, de Carlos Cruz-Diez, en Caracas?

Destruidas, mal mantenidas, indignantes para nosotros, los creadores,

ver obras que, por desidia, por mal manejo que, por descuido, se han ido
deteriorando. Por su puesto, la fundación de Cruz-Diez, de Soto y de otros
artistas, no tienen como poder reparar o mantener todas esas obras, porque
cuando un artista dona esa obra un organismo, ese organismo pasa a ser el
custodio de la obra.
 Entrevista a Guillermo Montero:

Lic. En Administración de Empresas y Gestión Municipal egresado de la

U.N.E.F.A dio inicio a sus proyectos desde temprana edad y actualmente
emprendedor y uno de los dueños de la Pastelería Artesanal, Ron Canela.

¿Tiene usted conocimiento de quién fue Carlos Cruz-Diez?

Si, Carlos Cruz-Diez fue un artista plástico, que actualmente está muy
de moda, porque su principal obra se relaciona con el tema actual de la
migración del país. Aprendí de quien era el (el arte en el suelo,
“Ambientación de color aditivo”) por los post en las redes sociales de su
obra emblemática en el Aeropuerto de Maiquetía.

¿Cómo usted reconoce una obra de Carlos Cruz-Diez?

Se podría decir que sencillo, ya que el maestro, trabaja mucho con los
colores y lo que es la combinación de estos, además de los tonos medios que
se obtenían (por el efecto visual).

Para usted, ¿cuál obra de Cruz-Diez es la más destaca de Caracas?

Cuando yo llegué a Caracas, lo primero que me asombró fue ver el

Rio Guaire, y ver sus colores. Es bastante emblemático, lastimosamente el
 mantenimiento (tanto del rio, como de la obra), lastimosamente no estuvo
buena.

¿Que huella artística identifica a Carlos Cruz Diez En sus obras?

Obviamente sus obras se pueden apreciar muchos colores en diversas

formas y lo abstracto.

¿Conoce usted las obras que realizó Carlos Cruz Diez en otros países?

Sinceramente no, me gustaría ir a visitarlas y conocer un poco mas de él y sus

obras.

Es evidente que el legado del artista se ve en todos lados, es imposible no

reconocer su toque en la Gran Caracas, embelleciendo cada centímetro que se le
permitió con su estilo particular y fascinante; pero el tratamiento que la ciudad le da a
su obra decepciona en gran medida, sobre todo al tratarse de una persona al que se le
puede sacar tanto aprendizaje y valor.
 CAPÍTULO V

CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES

Los entrevistados coinciden en varias cosas:

 Las obras de Carlos Cruz-Diez son famosas en todo el mundo.

 Estas son muy características, al punto que el solo verlas ya la
reconoces como suyas, debido en gran parte a su conocimiento del
color.
 Su arte en Caracas se ha visto muy abandonado, llegando incluso a
deteriorarse.

Es evidente la importancia de conservar el legado y arte de Carlos Cruz-Diez,

más que nada porque es parte importante de la historia reciente, además de nuestra
cultura contemporánea de nuestra metrópolis capital, a la cual marco y embelleció
con todos sus colores y esculturas.

La conclusión que deja es evidente, las medidas a tomar, firmes y permanentes:

 Dar a conocer ampliamente la historia y legado del Maestro Carlos

Cruz-Diez.
 Concientizar a las personas sobre la importancia de mantener sus obras
en perfectas condiciones, no solo para el beneficio de nuestra
descendencia, sino también para el beneficio del arte, la cultura y
nuestro país.
 Usar su legado y ejemplo para enseñar a las nuevas generaciones de
artistas, para que sigan embelleciendo a esta, nuestra ciudad.
 CAPITULO VI LA PROPUESTA

ESTRUCTURA DE LA PROPUESTA

Nombre de la Propuesta Mostrar una Galería Fotográfica Digital de las Obras del Gran
Maestro Carlos Cruz Diez en Caracas 1940 - 2019

Nombre Estratégico Galería fotográfica de Carlos Cruz Diez.

Fecha 2019-2020

Lugar Caracas, Dto. Capital, Venezuela

Responsables Yeidel Samuel Aranguren Silva

Carlos Bladimir Matheus Linares

Elaborar una Galería Fotográfica en la cual se muestre las Obras de

Carlos Cruz Diez y su estado actual apreciando el arte y el color.
Objetivo General

Recursos utilizados:

Se utilizó una cámara telefónica (SAMSUNG A20). También se

utilizaron programas de edición, tales como; YOU CUT (APP) Photoshop
Lightroom y Photoshop Express. Todos estos programas e instrumentos
fueron utilizados tanto para la entrevista como para la Galería Fotográfica
Digital.

Los materiales que utilizamos tuvieron no tuvieron ningún costo ya

que las fotografías fueron tomadas y editadas por el teléfono mencionado
anteriormente. El siguiente cuadro muestra el costo de lo que nos llevo
elaborar el álbum fotográfico.

Descripción Unidad Costo

Papel fotográfico 5 562,500,00

Impresión 5 375.000,00

CD 2 170.000,00

Encuadernado 1 47.000,00
FICHA TÉCNICO DE LAS FOTOGRAFIAS