LA ESCULTURA RENACENTISTA

  
1. INTRODUCCIÓN: COORDENADAS HISTÓRICAS, CRONOLOGÍA Y
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL RENACIMIENTO
1.1. Los Orígenes italianos
- Este movimiento nace en Italia, país que tenía más cerca las fuentes que ahora van a servir
de inspiración a los artistas renacentistas. Italia estaba salpicada de innumerables retos del
Antiguo Imperio Romano, de los que los humanistas sacarán las mejores enseñanzas.

- Además en Italia nunca se perdió el espíritu clásico, conservándose incluso, en cierta

medida, durante toda la Edad Media, durante el Románico y el Gótico.
- No hay que olvidar tampoco que es aquí uno de los lugares donde se desarrolla la nueva
economía, apareciendo una nueva sociedad, que tiene unos nuevos intereses y que necesita
un nuevo lenguaje.
1.2. Cronología del renacimiento en Italia
1.2.1. El "Trecento"
- Durante el siglo XIV comienza su gestación, aún en pleno Gótico.
- En escultura los Pisano y en pintura los Primitivos Italianos de la Escuela de Florencia y
de la Escuela de Siena nos permiten ya hablar de un Proto-Renacimiento. Como centro
artístico destacan las ciudades de Pisa, Florencia o Siena.
1.2.2. El "Quattrocento"
- El siglo XV es la etapa de desarrollo, todavía experimental.
- Surge una nueva estética, un nuevo sentido de la belleza, un nuevo estilo, el Renacimiento
(término acuñado por Vasari en el siglo XVI), debido a que "renacen" los ideales de la
antigüedad clásica, la cultura grecorromana, pero no es una imitación, sino un punto de
partida para el nuevo espíritu y para las nuevas realizaciones del hombre. La capital
artística de este primer Renacimiento es Florencia.
1.2.3. El "Cinquecento"
- El siglo XVI es el momento del pleno Renacimiento. Como centro del arte la ciudad de
Roma.
1.2.4. El Manierismo
- - Hacia la tercera década del siglo XVI se produce una reacción anticlásica que ponía en
cuestión los ideales de belleza del Renacimiento vistos más arriba.
- El origen del concepto de Manierismo está en la expresión italiana "alla maniera di...", es
decir siguiendo la línea de Miguel Ángel, Rafael, Leonardo. La época del Manierismo es de
cambios políticos (Italia campo de batalla entre España y Francia, "Sacco di Roma" en
1.527) y religiosos (la reforma protestante pone en entredicho la supremacía de Roma),
terminando con el optimismo humanista.
1.3. Extensión del Renacimiento al resto de Europa y España
- El Renacimiento será universal, extendiéndose desde Italia al resto de Europa. Pero no
será uniforme y homogéneo, en cada país la tradición local condicionará su desarrollo y lo
llenará de matices.
- Incluso el desarrollo cronológico no se hará de forma paralela: el estilo reinante durante el
siglo XV será el Gótico; hay que esperar hasta el siglo XVI para atisbar la nueva estética.
1.4. Características generales del Renacimiento: la nueva concepción del arte
1.4.1. El Humanismo
- El Humanismo cambia la concepción medieval del hombre, el hombre vuelve a ser el
centro de todas las cosas, apareciendo un nuevo hombre que introducirá cambios en todas
sus manifestaciones, sobre todo en la cultura y el arte, ya que el nuevo hombre necesita un
nuevo lenguaje a su medida.
1.4.2. El Racionalismo
- No se trata sólo de la aparición de un nuevo lenguaje formal, aparecen nuevas exigencias
vitales e intelectuales que afectan a la idea misma del arte, produciéndose cambios radicales
por la nueva situación del artista y de la obra de arte, por el valor teórico de los modelos y
por el planteamiento científico y racional del arte.
- La realidad es comprendida a través de la razón y los artistas investigan racional y
científicamente ciertos aspectos de la arquitectura, la pintura o la escultura antes de llevar a
cabo sus obras.
1.4.3. La desaparición del anonimato artístico: El artista
- Como consecuencia del protagonismo del hombre en esta época, desaparecerá el
anonimato artístico, se comienza a valorar al autor, basándose a partir de ahora la Historia
del Arte en los artistas en lugar de en las obras de arte.
- También habrá una mayor valoración de la propia actividad artística, dejará de ser un
oficio para convertirse en una ciencia y en un arte.
1.4.4. La figura del mecenas
- Son los protectores de los artistas, quienes los incentivan, los animan a crear e incluso en
ocasiones los mantienen.
- Son miembros de familias acaudaladas sensibilizados con el arte (los Médici, Uficci,
Rucellai, Pitti o Strozzi, en Italia o los Mendoza en España) solían ser coleccionistas de
obras de arte, proporcionando así gran número de encargos.
1.4.5. Los tratadistas, críticos y biógrafos
- Aparecen los teóricos del arte, que recogen en su obra escrita las experiencias artísticas
pasadas y presentes.
- Extensa obra escrita durante los siglos XV y XVI, a la que hay que unir la reedición de
antiguos tratados, como el de Vitrubio.
1.4.6. El estudio de los prototipos clásicos y de la naturaleza
- Además de estudios teóricos los artistas del Renacimiento estudian directamente los
prototipos clásicos. Se fomentó la arqueología, lo que facilitó al artista el conocimiento
directo de las obras de la antigüedad, difundidas por toda Europa gracias al desarrollo del
grabado.
- El Renacimiento supuso también el descubrimiento de la naturaleza, que se hace patente
en los fondos de la pintura o el esfuerzo por representar la anatomía.
- Pero se trata de un naturalismo idealizado, se representa la idea perfecta de cada ser,
persona o cosa, no apareciendo imperfecciones ni deformidades.
1.4.7. Las ideas antropométricas: orden, proporción y armonía
- Junto con la idealización debemos mencionar aquí también la obsesión renacentista por el
orden, la proporción y la armonía, que transmitan serenidad, mesura, equilibrio, etc.
- La figura humana será el centro de interés de la obra de arte, que seguirá siempre sus
proporciones, sus medidas.
- El arte, la arquitectura, la escultura y la pintura, logra encontrar la medida del hombre,
establece proporciones sencillas, ceñidas a una geometría simple y comprensible.
1.4.8. La visión unitaria
- Belleza no sólo en las proporciones, también en el sentido unitario de la obra, un la visión
unitaria que ofrece: la obra de arte debe presentarse al espectador simultáneamente y en su
conjunto, debe ofrecerse unida.
- En arquitectura el espacio interno se ofrece de una sola vez.
- En escultura o pintura el cuadro presenta una composición unida, predominando la
perspectiva central.
2. LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA
2.1. Características generales
- El sentimiento clásico aparece antes en la escultura que en la arquitectura, ya en la Europa
Gótica.
- En el Trecento, en Siena y Pisa, Nicolás y Juan Pisano difunden ya un arte naturalista y
moderno. Es en Italia donde este temprano brote aparece debido a los abundantes restos de
escultura romana que allí se conservaban.
- Utiliza materiales nobles como el mármol y el bronce, con los que se alcanza gran
perfección.
- Los protagonistas son el hombre y la naturaleza, acentuándose el naturalismo, se busca la
representación de la realidad, aunque a veces ésta se idealice, se intentan crear modelos
ideales, que expresen el ideal humano tal y como se concibe en el Renacimiento. También
es importante la preocupación por la expresividad de las figuras.
- En bulto redondo se realizan bustos, figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y
estatuas ecuestres; tampoco se descuida el relieve, utilizándose en la misma obra el alto,
medio y bajo, para dar sensación de profundidad.
- Por último mencionar que la escultura renacentista se caracteriza por la proporción, la
simetría y el canon; aunque continúa siendo fundamentalmente cristiana se subordina el
simbolismo religioso a la consecución de la belleza, centrando su interés en la belleza
formal de las figuras, estudiando así mismo la anatomía a través del desnudo y el retrato.
También reaparecen los temas mitológicos.
2.2. La escultura del Quattrocento (siglo XV)
- El Quattrocento será en escultura un siglo florentino, dominándose ya todas las técnicas y
estilos.
A) Lorenzo Ghiberti
- El primer gran escultor enteramente renacentista, aunque inicia su estilo con muchas
supervivencias formales del mundo del gótico internacional. Destaca sobre todo por la
visión pictórica de los relieves.

          
+ Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia
- En 1.401 se convoca un concurso para realizar las puertas que faltaban del
Baptisterio de Florencia, se presentan importantes artistas, entre ellos Brunelleschi,
pero el concurso lo gana Ghiberti. Puerta con escenas evangélicas fundida en
bronce, tanto el marco como la composición conservan elementos del Gótico
internacional, curvas de las figuras y paisaje acartonado, pero también innovaciones
clásicas, como el volumen.
+ Puerta de la Gloria del Baptisterio de Florencia
- Auténtica revelación de la escultura renacentista, formato cuadrado, distinto al
lobulado tradicional. Concepción pictórica del relieve, incluyendo perspectiva,
paisaje, arquitecturas clásicas e incluso atmósfera. Relieve como espacio
tridimensional, consiguiendo los efectos de profundidad graduando los volúmenes y
la definición de los contornos.
B) Donatello
- Es el más importante escultor del siglo XV, busca siempre representar al hombre lleno de
vida, mostrando su capacidad de captación de los valores humanos en sus figuras.
+ San Marcos

    
- En sus obras iniciales aún formas estilizadas y curvadas propias del Gótico
internacional, destaca porque la figura definitivamente se hace independiente de su
posición arquitectónica.
+ San Jorge

    
- En pie, armado, representa la juventud desafiante y altanera que anuncia la
“terribilitá” miguelangelesca.
+ El Profeta Habacuc

    
- Crea un nuevo tipo de profeta, alejado de la iconografía medieval, de tremenda
expresividad y realismo, transmitiendo la dignidad y nobleza del personaje.
+ David de bronce
           
- Joven pensativo y melancólico y tocado con el sombrero típico toscano, la
composición invita a rodearlo y admirarlo desde todos los puntos de vista y es
plenamente clásica, apareciendo desnudo, en contraposto, desnudo.
+ El Gattamelata, Padua

- Magistral retrato ecuestre del “condottiero” Erasmo de Narni, recordando a los

mejores retratos romanos del género. Lleno de vida y expresividad, es un auténtico
análisis psicológico del guerrero y el poder.
+ Relieve del Festín de Herodes del Baptisterio de Siena

- Relieve realizado en bronce según la técnica de Ghiberti, pero la expresividad de

las figuras es donatelliana. Composición audaz, el tema central a un lado,
arquitecturas renacentistas al fondo, perspectiva.
+ Relieves de la Cantoría de Florencia
- Abandona en este caso el interés pictórico de Ghiberti. Narra la alegría infantil,
predominando el equilibrio compositivo marcado por las columnas, que contrasta
con la tensión y movimiento de las figuras.
     
C) Jacopo della Quercia
- Junto con Ghiberti y Donatello fue uno de los primeros escultores italianos en recuperar
los modelos y técnicas de la Antigüedad.
- Le interesa sobre todo la expresividad rotunda del cuerpo humano, sin preocupación
alguna por el espacio ambiental y llenando todas las superficies con figuras.
+ Portada de San Petronio de Bolonia

    
- Relieves en piedra sobre La Creación de Adán alejados del estilo pictórico de
Ghiberti, llenos de grandeza, figuras hercúleas y monumentales que anuncian la
obra de Miguel Ángel.
D) Luca della Robbia
- Introduce el barro vidriado, policromado, con figuras blancas sobre fondos azules y
elementos decorativos vegetales, de rico colorido.

                

+ La Virgen con el Niño
- Es su tema más logrado y el que realiza con mayor frecuencia.
+ Cantoría de la Catedral de Florencia
- Serenidad, clásica en la composición, y naturalismo, sobre todo en los pequeños
gestos de las figuras.
 E) Andrea Verrochio
- Además de escultor pintor también y maestro de Leonardo da Vinci.

    
+ David Joven
- Recuerda la de Donatello, con la cabeza de Goliat entre sus pies, pero vestido y
tratando de acentuar la expresividad de la cabeza.
+ Condottiero Colleone de Venecia
- Retrato ecuestre, más teatral, dinámico y atrevido que el de Donatello, el personaje
introducido en la acción, buscando sobre todo la expresividad del rostro.
2.3. La escultura del Cinquecento (siglo XVI)
- En contraposición al siglo XV, y del mismo modo que en arquitectura, el XVI va a ser el
predominio de lo romano frente a lo florentino.
- En lo estrictamente formal, las delicadezas cuatrocentistas y el amor el detalle menudo,
van a ceder el paso a una grandiosidad monumental y simplificadora, ya intuida en las
obras de Jacopo della Quercia.
A) Miguel Ángel Buonarotti
- Uno de los máximos genios de la Historia, fue poeta, pintor, arquitecto y, sobre todo,
escultor.
- Su calidad excepcional y su extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpo y las
complejidades del espíritu, hacen de Miguel Ángel el prototipo universal del escultor, capaz
de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, aun el más complejo. Sus
figuras, realizadas en mármol blanco de Carrara, son siempre grandiosas, monumentales y
muestran una gran vitalidad. En su tiempo fue ya casi divinizado y sus obras, incluso las
inacabadas, han sido durante siglos, modelos fervorosamente estudiados.
- De personalidad llena de rebeldía e idealismo, pasó su vida tras la busca de la Idea de
Belleza, sus figuras no son reales, sino ideales.
- Sus primeras obras son aún clásicas, inspiradas directamente en las antiguas, pero tras
conocer la obra de Jacopo della Quercia su monumentalidad imprimirá un giro definitivo a
su obra. El equilibrio entre forma bella y movimiento, propio del Quattrocento, lo rompe en
favor del movimiento, hasta llegar a reflejar en sus obras gestos y actitudes delirantes, vía
que seguirán el Manierismo y el Barroco.
+ Pietá del Vaticano
     
- Reflejo de sus estudios de obras clásicas al llegar a Roma. Soberbia obra de
perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y
cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado; de belleza neoplatónica y
composición racional, triangular. Sorprende la extremada juventud de la Virgen en
la que quiso, sin duda, expresar no la Virgen real, madre doliente y madura, sino la
Virginidad eterna y sin edad.
+ David

    
- Desnudo heroico, de tamaño mayor que el natural, impresionante en su
grandiosidad, rompiendo la iconografía tradicional, que lo representaba como
adolescente. Realizado sobre un enorme bloque de mármol, pero de forma alargada
y estrecha, lo que le obliga a hacer una obra casi plana.
- En él apreciamos los rasgos de su arte: la “terribilitá”, el carácter terrible y
amenazador de sus figuras; la tensión de la anatomía, el movimiento contenido y
centrípeto, con los miembros hacia adentro; la falta de simetría en la postura; la
pasión del rostro y el perfecto estudio anatómico, dando la sensación de que la
figura está viva.
- La postura es helénica, pero las manos, el gesto terrible, la disposición en zigzag
del cuerpo, comunican una tensión que no es clásica, sino punto de partida del
Manierismo
+ El Sepulcro del Papa Julio II: El Moisés y los Esclavos
                 
- Concebido primero como una verdadera montaña de mármol exenta bajo la
Cúpula de San Pedro, con más de cuarenta figuras de tamaño colosal, hubo de irse
reduciendo por presiones de todo tipo (económicas, políticas, familiares), y cuando
mucho años más tarde se instaló en la Iglesia de San Pietro in Vincoli, sólo figuran
en él, de su mano, el famoso Moisés y las estatuas de Lía y Raquel.
- El Moisés: motivo central de la tumba, obra capital de fuerza contenida y
grandiosidad terrible, pensativo y sereno, reflexivo y prudente, el ideal del
Renacimiento, pero en la fiereza de su mirada destella la terribilitá miguelangelesca.
- Los Esclavos: Debían ir también en el Mausoleo de Julio II, pero quedaron
inacabados: hondamente patéticos, expresan el esfuerzo por liberarse de las cadenas.
Mientras los realizaba se descubrió en Roma el Laocoonte, que supuso para Miguel
Ángel y todos los escultores de su tiempo una verdadera revelación. A partir de este
momento la expresión en sus figuras se hará más intensa, las actitudes más violentas
y un halo de dramático pesimismo velará los rostros.
+ Sacristía Nueva de San Lorenzo: Capilla funeraria de los Médicis

                

- Integra arquitectura y escultura en los Sepulcros de Julián y Lorenzo Médici,

sentados, uno desafiante, el otro pensativo: no sólo dominio de la anatomía, es más
importante el sentimiento que transmiten. A sus pies, recostadas sobre los
 sarcófagos, otras cuatro figuras, dos y dos, la Aurora y el Crepúsculo, el Día y la
Noche, entendidas como robustos cuerpos desnudos, desde la juventud esplendorosa
de la Aurora, a la poderosa vejez del Crepúsculo.
+ Pietá Rondanini

    
- En los últimos años de su vida siente una fuerte religiosidad, por lo que se sentirá
atraído por el tema de la Piedad. Las últimas que realiza son dramáticas, cada vez
muestran mayor dolor y desesperación, sobre todo ésta, que no llegó a terminar. En
ésta la expresividad llega a deformar las proporciones y la técnica empleada es
sumaria y sugestiva (como en los escultores impresionistas del siglo XX).
2.4. La Escultura Manierista
- También en escultura quebranto del ideal clásico: rasgo definitorio del Manierismo
escultórico es la figura serpentinata, dibujando una ascensión helicoidal; obras con un
complicado movimiento, con varios puntos de vista, no limitándose a ofrecer una
perspectiva principal.
- Ya en Miguel Ángel encontramos ejemplos de Manierismo: en la Tumba de Lorenzo de
Médici las figuras escapan del marco y del espacio que las contiene,  con fuerza centrífuga
que las hace inestables, de tono grave y tenso, las pro-porciones parecen rotas, etc.
- Ejemplos:

          
+ El Rapto de las Sabinas de Juan de Bolonia: forma serpentinata trasladada a un
grupo de figuras; movimiento y varios puntos de vista; los gestos muestran el olvido
de la armonía clasicista.
+ Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenutto Cellini: tensión y desgarramiento
en su exagerada musculatura; el pedestal de formas bulbosas anticipa la
ornamentación barroca.
3. LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
3.1. La aparición del Renacimiento en España: cronología y contexto histórico
- Las intensas relaciones que España mantenía con Italia, como consecuencia de las
múltiples campañas impulsadas por Fernando el Católico por el dominio que la corona de
Cataluña-Aragón ejercía sobre Nápoles y Sicilia y por el continuo intercambio de artistas y
materiales entre los distintos estados italianos y la monarquía hispánica, permitieron que la
esencia del Renacimiento fuera asimilada ya a finales del siglo XV y se extendiera a lo
largo del siglo XVI.
- Las características sociales de la España del momento distaban bastante de las que se
habían observado en Italia en el período de gestación del Renacimiento: mientras en Italia
el resurgimiento de la actividad comercial y del mundo urbano marcaron el contexto en que
se desarrolló el Renacimiento naciente, en España, en cambió, en los albores del siglo XVI
el fenómeno mercantil sólo se daba con fuerza en Cataluña y Valencia; al mismo tiempo, si
en Italia la aparición de la burguesía y su  enriquecimiento hicieron posible que dicha clase
social se convirtiera en uno de los principales clientes de los artistas renacentistas, en
España eran la iglesia, la nobleza y la monarquía absolutista las que seguían ostentando el
poderío económico; sin embargo las circunstancias políticas del momento, profundamente
marcadas por la consecución de la unidad nacional y por el descubrimiento del Nuevo
Continente a finales del siglo XV, hacían de España un reino con grandes perspectivas, lo
cual también facilitó la penetración de Renacimiento.
- Todo esto explica que el Renacimiento en España se mantenga bajo la tutela de la
nobleza, la Corte y la Iglesia, quienes establecerán cuáles son las necesidades que debe
satisfacer el arte.
3.2. La Escultura del Renacimiento Español
- La escultura renacentista llega a España gracias a artistas italianos, como Fancelli y
Torrigiano, o a los españoles que viajan a Italia a formarse, como es el caso del gran
Alonso Berruguete.
- La escultura del Renacimiento español es de gran originalidad por el fuerte sentimiento
religioso del que está impregnado, siguiendo la línea anterior del gótico. Además de dar
mucha importancia de la expresividad. También es original por los materiales empleados:
se utiliza mucho la madera policromada con la técnica del estofado, en la que se aplica una
fina capa de pan dorado y luego se pinta encima y se raspa para que se vea el dorado. Se
siguen construyendo sepulcros, retablos, sillerías de coro y retratos.
3.2.1. Contexto artístico del siglo XV: permanencia gótica e influencia flamenca en
la escultura española
- La escultura renacentista de concepción clásica, la inspirada en la imaginería italiana, la
que centraba su objetivo en el retorno a las formas clásicas de la Antigüedad y en la
búsqueda a ultranza de la belleza formal, no se introdujo en España  ni con rapidez ni con
facilidad.
- Desde mediados del siglo XV España contó con la llegada masiva de artistas borgoñones,
flamencos, alemanes y holandeses que destacaron por su abundante producción y que
indudablemente ejercieron una influencia notable en el ámbito de las manifestaciones
artísticas escultóricas hispanas.
- Además, el “modus faciendi” de los artistas españoles no contemplaba con excesivo
interés los temas de carácter mitológico ni la observancia de unas fórmulas teóricas
mediante las cuales obtener la belleza formal, aspecto ineludible en los artistas italianos,
sino que por el contrario tendían más a la plasmación de los sentimientos y pasiones
humanas que a  la de los valores puramente estéticos.
- Como consecuencia, en España la tradición goticista perduró durante todo el siglo XV,
marcado profundamente por la influencia flamenca, y el estilo que se desarrolló se ha
denominado estilo hispano-flamenco.
3.2.2. el primer tercio del siglo XVI: La influencia del renacimiento italiano
- Con todo, la introducción del Renacimiento italiano fue posible y se produjo por varios
caminos: la importación de piezas italianas, principalmente sepulcros, así como la llegada a
España de artistas italianos y los viajes a Italia emprendidos por los españoles, fueron 
algunos de los aspectos que propiciaron la asimilación del nuevo gusto estético.
A) La introducción de las formas escultóricas renacentistas
- Domenico Fancelli y Pietro Torrigliano fueron los dos italianos que más contribuyeron a
la introducción y difusión del Renacimiento italiano en España.

          

- Fancelli, de formación florentina y gusto por el preciosismo detallista:

+ El Sepulcro del Príncipe Don Juan en Santo Tomás de Ávila: realizado en mármol
de Carrara, de decoración tallada de manera muy fina, inicia en España el tipo de
sepulcro exento con los lados en talud.
+ Los Sepulcros de los Reyes Católicos en  la Capilla Real de Granada: su obra
cumbre, mantiene el tipo exento, de lecho horizontal, ahora más grande para dar
cabida a las dos figuras yacientes de los reyes, y lados en talud, revestidos con
medallones y hornacinas, con originales grifos en las esquinas y cuatro estatuas
 sedentes de los Padres de la Iglesia velando en los extremos de la cornisa el sueño
de los monarcas.
- Torrigiano, que había sido condiscípulo de Miguel Ángel:
+ San Jerónimo Penitente: su obra maestra en España, magnífico estudio del natural
hecho en barro cocido, en el que muestra un profundo conocimiento de la anatomía
humana.
- A los artistas anteriores cabe añadir tres más, que si bien no son de procedencia italiana
resultaron también importantes en esta tarea de difusión de los nuevos criterios estéticos.

                

- Damián Forment, valenciano, por lo que tuvo un contacto más directo con Italia, fiel a los
retablos en alabastro:
+ El Retablo Mayor de la Catedral de Huesca: el basamento es de estilo italiano,
con siete escenas de la Pasión en altorrelieve, pero el resto, con la Crucifixión en la
calle central, sigue fiel a la tradición gótica.
- Vasco de la Zarza, que produjo en Castilla esculturas que se alejaban ya de los modelos
flamencos:
+ El Sepulcro de Alonso de Madrigal, el Tostado, en la Catedral de Ávila: su
decoración tiene tondo central, entablamento, etc.; el difunto se representa vivo,
sentado, leyendo y con los atributos propias de su cargo.
- Felipe Bigarny, de origen borgoñón, notable portador también del nuevo estilo:
+ La Decoración del Trascoro de la Catedral de Burgos: con relieves de la vida de
Cristo, en los que aparecen notas claramente borgoñonas, pero en los que los
pormenores decorativos son ya italianos.
+ El Retablo de la Capilla Real de Granada: una de las obras capitales del
Renacimiento Español, de arquitectura de líneas sobrias renacentistas, que encuadra
figuras sueltas de gran tamaño y fuerte realismo, como por ejemplo la Degollación
del Bautista; destacan también por su naturalismo los bajorrelieves del banco.
B) Las formas escultóricas plenamente renacentistas
- Las escultura hispánica de formas plenamente renacentistas empieza con Bartolomé
Ordóñez y con Diego de Siloé, ambos atraídos por el estilo de Miguel Ángel.
- Bartolomé Ordóñez, probablemente se formó en el taller del italiano Fancelli; se
caracterizó por su purismo, lo que le llevó a trabajar principalmente el mármol y el
alabastro, al mismo tiempo que marginó la madera tallada propia del gusto español; su
atracción por lo italiano hizo que viajara a Italia e incluso que trasladara su taller a Carrara:

          
+ El Trascoro de la catedral de Barcelona: con relieves que narran la vida de Santa
Eulalia, realizados en mármol de Carrara, en los que se muestra claramente la
influencia de Miguel Ángel.
+ Los Sepulcros de Juana la Loca y de Felipe el Hermoso: sigue el tipo de túmulo
adoptado por Fancelli, pero no en talud, sino vertical como los tradicionales;
decorados con tondos, guirnaldas y escudos, en los ángulos aparecen los cuatro
evangelistas.
- Diego de Siloé, no sólo destacó como arquitecto, sino también como escultor de primera
línea. Caracterizado por sus formas refinadas y mucho más clásicas, si bien no se le puede
considerar un escultor innovador, pues su producción es fruto de la conjugación de las
formas italianas con las de tradición borgoñona:

    
+ Relieve de San Juan Bautista de la Sillería de San Benito de Valladolid: la
interpretación que hizo de San Juan es una de sus mejores creaciones, de correcto
desnudo y cabeza con cabellos agitados por el viento.
+ Sagrada Familia del Museo de Valladolid: sobresale por su calidad y belleza, el
grupo, formado por la Virgen, San José, San Juanito y el Niño, está compuesto a la
manera de las “sagradas conversaciones” italianas.
3.2.3. El Pleno Renacimiento español del segundo tercio del XVI: El Manierismo, la
Escuela de Valladolid
- No obstante, la plenitud de la escultura renacentista española llegará de la mano de la
Escuela de Valladolid, concretamente de Alonso de Berruguete y de Juan de Juni.
- Alonso de Berruguete se convertirá en el artista más representativo de esta etapa. Hijo del
pintor Pedro Berruguete, su formación artística fue muy completa al permanecer durante
diez años en Italia, donde entró en contacto directo con las obras de Donatello, cumbre de
la escultura del Quattrocento italiano, y con las de  Miguel Ángel. Pero a pesar del estudio
directo que realizó de las obras del Renacimiento italiano su obra escultórica no se
caracterizará por la plasmación de los valores estéticos de armonía y serenidad, sino que en
ella dominarán los rasgos expresivos y dramáticos, debido al ambiente que se respiraba en
aquel momento en la Península, donde el deseo de buscar una relación entre el espíritu
renacentista y la espiritualidad o religiosidad era una hecho que se prolongaría a lo largo
del siglo XVI. Alonso de Berruguete supo canalizar esta búsqueda y lo hizo por medio de
esculturas policromadas de volumen alargado que reflejaban gestos muy acentuados y
actitudes inestables, en ellas el artista huye voluntariamente de las formas y proporciones
consideradas correctas y da primacía a su estilo personal antes que a los parámetros
establecidos en Italia. Entre sus obras más significativas figuran las siguientes:

                

+ Retablo de San Benito del Museo de Valladolid: el retablo constaba de pinturas,
relieves y esculturas exentas, con los martirios de San Sebastián y el Sacrificio de
Isaac entre otros; San Sebastián aparece adherido a un tronco sinuoso, al cual se
adapta la figura, claro ejemplo de la postura inestable típica de las figuras de
Berruguete, también muestra magistralmente la angustia por el martirio y se aprecia
un buen estudio del desnudo; en el Sacrificio de Isaac destacan la expresividad y el
movimiento de la figura de Abrahán y la actitud asustada de Isaac.
+ La Adoración de los Reyes Magos del Retablo de la Iglesia de Santiago de
Valladolid: composición simétrica y con sensación de movimiento.
+ La Sillería del Coro de la Catedral de Toledo: aquí juega con las posturas de los
personajes y las composiciones de plegados en los ropajes en su búsqueda de
movimiento y expresionismo, además de que realizará un magnífico estudio
psicológico de las emociones humanas.
- Juan de Juni, de origen francés, pero de formación también fundamentalmente italiana. Al
analizar su obra se observan con claridad sus raíces francesas y la influencia que recibió de
Miguel Ángel, aunque ninguno de estos dos aspectos entorpeció su integración en la
escuela castellana, por lo que se convirtió en un artista que supo transmitir el fervor
religioso de sus contemporáneos. Se caracterizó por sus figuras polícromas de gran tamaño,
impregnadas de dramatismo, de gesticulación casi teatral, trabajadas con lentitud y detalle,
y composiciones agobiadas por la falta de espacio, que inician ya el Manierismo.
 + El Grupo del Santo Entierro de la Catedral de Segovia: grupo escultórico en
madera policromada, de gran patetismo, mostrando el dolor físico y espiritual a
través de los rostros y los gestos de las figuras, que actualmente se halla en el
Museo de Escultura de Valladolid; se trata de una composición bien ordenada, con
San Juan y la Virgen en el centro y a los lados dos figuras que actúan de paréntesis,
Cristo se encuentra yaciente.
3.2.4. El tercer tercio del siglo XVI: La Escultura del bajo renacimiento español
- Se produce una nueva influencia italiana, una nueva época de clasicismo, como reacción
al violento apasionamiento que se había apoderado de la escultura renacentista española,
alejándola de toda norma clásica.
- Los artistas que mejor representan este momento son los broncistas y escultores que
Felipe II reunió en su corte, sobre todo en el Escorial, que va a ser en esta época el centro
artístico por excelencia, como León y Pompeyo Leoni, que realizan principalmente retratos
de la familia real.
- León Leoni, escultor manierista italiano que recibió del Emperador Carlos V el encargo
de realizar una serie de retratos de la familia imperial:

    
+ Carlos V dominando el Furor: en bronce dorado, con el emperador vistiendo una
armadura a la romana, bajo la figura de Carlos V se encuentra el enemigo sometido;
pretende ensalzar el poder del emperador.
- Pompeyo Leoni, hijo del anterior, llega a España llamado por Felipe II para trabajar en El
Escorial:

    
+ Estatuas de Carlos V y Felipe II en la Iglesia del Monasterio de El Escorial:
aparecen en posición orante y acompañados de sus esposas.
- Juan Bautista Monegro, también trabaja en El Escorial, donde realiza obras de sobria
grandiosidad, como los Reyes de Judá del Patio, los Evangelistas del Claustro y el San
Lorenzo de la Fachada Principal de El Escorial.